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Al primer golpe de vista, cuando leo las piezas escogidas para el programa “América”, me asalta la impresión de su falta de originalidad, si bien, cuando una amiga -ajena a la danza- me pide que le aconseje qué ver en la cartelera madrileña, afirmo sin dudar: no te pierdas “América” de la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela. Esta aparente contradicción a la hora de valorar un mismo espectáculo cambia según quién sea el que vaya a verlo. Y cada persona es un mundo. Por tanto, es posible que se esté programando tanto repertorio clásico americano -a veces se tiene impresión de que no hay vida después de Balanchine o de Gene Kelly- para agradar al público mayoritario y contribuir a la difusión de la danza. No hay riesgo, pero tampoco sorpresa. Ambos van de la mano. No existen el uno sin el otro. Es como emprender un viaje por planetas muy visitados, pero se deja a un lado esa inmensa emoción de explorar universos nunca vistos que en el arte se denomina creatividad. ¿Disfrutaremos? Por supuesto que sí. Pero si se escoge un camino sin riesgos ni sorpresas, nunca nos alejaremos de una existencia anodina que puede devenir en aburrimiento. Hay que encontrar nuevos estímulos y creadores españoles que puedan dotar a la CND de su necesaria identidad. “Apollon Musaget”, creada por el joven Balanchine para los Ballets Rusos de Diaghilev, ofrece un papel estelar del dios griego más escultórico que técnico. De hecho fue ideado para el bello Serge Lifar en su estreno parisino de 1928, de quien, a pesar de sus rivalidades, Balanchine siempre opinó que había sido el mejor de sus Apolos. Alessandro Riga (Apolo), junto con las tres musas encarnadas en Giada Rossi, Cristina Casa y Ana Mª Calderón, bailaron este trocito de historia de la danza que comunica los dos continentes, al emigrar con su creador hacia el nuevo mundo. El programa continuó con el “Barber Violin Concerto”, coreografía de Peter Martin para dos parejas de bailarines. Un tema abstracto de base musical a cargo de una magnífica violinista en la orquesta, Cristina Pascual Godoy. “Sinatra Suite”, obra de Twyla Tharp, nos trajo reminiscencias de Broodway y del cine musical, con un paso a dos interpretado excelentemente por Joaquín de Luz, director artístico de la CDN, y Lauren Lovette, artista invitada. “Tchaikosky Pas de Deux” de Balanchine, es una obra trazada dentro de la más pura tradición balletística, interpretado por Elisabetta Formento con Thomas Guigovaz, que mostró su dominio técnico. Hasta la pieza final “Heatscape”, creada por Justin Peck para el Miami City Ballet, no hubo ninguna coreografía de conjunto en la que tuviera participación el cuerpo de baile de la CND, lo que dejó al público una sensación de dinamismo más acentuada, que despertó los aplausos y fue un adecuado broche final a una inolvidable noche de danza. MERCEDES ALBI Fotografía; Alba Muriel

● “Para mi fue un honor que Basque Culinary Center quisiera crear un postre dedicado e inspirado en mi”, expresa Lucía Lacarra, nuestra bailarina más internacional y una de las principales figuras del ballet clásico actual. ● La gastronomía y la danza son artes que comparten valores como la disciplina, la excelencia, la pasión y el aprendizaje constante. Este postre es reflejo de la relación de Basque Culinary Center y la bailarina zumaiarra Lucía Lacarra. ● ‘La Danza de Lucía’ es el resultado de un reto planteado a los y las estudiantes del Máster en Pastelería de Restaurantes y Cocina Dulce de Basque Culinary Center, y desarrollado después por los chef profesores Cristina Lirola y Luis Arrufat para que pueda ser una elaboración que adopten y se integre en las cartas de los restaurantes. Donostia-San Sebastián, 16 de mayo de 2023 Basque Culinary Center fusiona el arte de la danza con la gastronomía y presenta el postre “La danza de Lucía”: un postre elaborado por un equipo de estudiantes del Máster en Pastelería de Restaurantes y Cocina Dulce y chefs profesores de Basque Culinary Center inspirado en la destacada bailarina zumaiarra Lucía Lacarra. Lucía Lacarra afirma que la danza y la gastronomía, aunque parezcan ámbitos ajenos entre sí, comparten valores: “son artes y profesiones que requieren de una gran disciplina, dedicación y pasión. Para mi fue un honor que Basque Culinary Center quisiera crear un postre dedicado e inspirado en mi. Ha sido una experiencia maravillosa el poder conocer a futuros y futuras chefs, hablar y poder bailar para ellos y ellas e intentar inspirarles y hacerles comprender quién soy yo como persona y bailarina”. Por su parte, Joxe Mari Aizega, director general de Basque Culinary Center, destacaba que “este reto es un reflejo de la confluencia de ambas disciplinas. Siguiendo el camino y la evolución de la tan conocida tarta Pavlova, postre que lleva el nombre de la bailarina rusa Anna Pavlova, hemos querido acercarlo aquí y presentar un postre que exuda los valores compartidos entre Basque Culinary Center y Lucía Lacarra: la orientación hacia la excelencia, pasión, innovación y creatividad.” El postre “La Danza de Lucía” ha sido el resultado de un reto creativo planteado y enmarcado en el Máster en Pastelería de Restaurante y Cocina Dulce de Basque Culinary Center. Según Luis Arrufat, chef profesor y coordinador del departamento de Másteres y Cursos, “participar en la ideación del postre de Lucia Lacarra, lanzar el reto a los estudiantes, poder degustar y elegir la mejor elaboración, ha sido una de las cosas más bonitas que me ha pasado en mi carrera profesional en Basque Culinary Center.” La idea es presentar “La danza de Lucía” para que pueda ser una elaboración que adopten y se integre en las cartas de los restaurantes de todo el mundo. Desde Basque Culinary Center se compartirá la receta y el paso a paso del postre. Además, el postre se podrá degustar próximamente en alguno de los espacios gastronómicos de Basque Culinary Center. Con el fin de transmitir la sensibilidad, disciplina, pasión, elegancia y dedicación que caracteriza a Lucía Lacarra, junto con el bailarín Matthew Golding, dedicaron en exclusiva a los y las estudiantes en el Teatro Victoria Eugenia una pieza de baile de su espectáculo Fordlandia. Un momento emotivo que sirvió de inspiración y punto de partida a la hora de abordar el reto y empezar a crear las propuestas. Gracias a la colaboración de Donostia Kultura vivieron una experiencia única. Después de tres semanas de ideación y diseño del postre, un jurado formado por Joxe Mari Aizega, director general de Basque Culinary Center; Lucía Lacarra, bailarina; Luis Arrufat, chef profesor y coordinador de Másteres y Cursos; y Cristina Lirola, chef y profesora de Basque Culinary Center, seleccionaron el postre ganador: ‘La Danza de Lucía’. Según Cristina, “ha sido un reto único y cautivador donde hemos podido explorar a través de la creatividad y las técnicas en pastelería una manera de unir la belleza y la disciplina de la danza”. Luciendo una creación de Isabel Zapardiez y joyas de Casa Munoa, Lucía anunciaba así el postre con el que más se sentía representada, “me siento muy identificada con el postre, por su delicadeza y por su fuerza. Y sobre todo, por la diferencia de texturas y capas, que yo como artista también poseo y que me caracterizan. Las alumnas han sabido traducir en este maravilloso postre quién es Lucía Lacarra.” El postre se conforma de un adorno de chocolate que simboliza el movimiento de una bailarina sobre una mousse de manzana verde rellena de compota de manzana en representación a la fruta por excelencia de Zumaia, su lugar de nacimiento. Ambas preparaciones fueron terminadas con un efecto terciopelado de color lila, color favorito de Lucía Lacarra. Alrededor de la mousse, el postre cuenta con un sorbete de mora y frambuesa, bizcocho genovés y crumble de pistacho, cremoso de mora, ganache de chocolate blanco, lima y albahaca, gel de manzana verde y frambuesas frescas. ‘La Danza de Lucía’ es un postre que “rinde homenaje a ella, a su carrera y a toda esa inspiración, sueños y emociones que nos ha regalado y transmitido durante todo este tiempo a nosotras y a miles de personas que la han visto bailar”, explican María Nieves Pivaral, Elena Castro, Andrea Verónica Vieira y María Ortega, ganadoras del reto. Sobre Basque Culinary Center Basque Culinary Center conforma un ecosistema único donde formación, innovación, gastronomía, asumida esta como el conocimiento razonado sobre lo que comemos y cómo lo hacemos. Su misión se fundamenta en valores como pasión, innovación, orientación a la excelencia y compromiso social. Situado en San Sebastián, desde su creación en 2011, en Basque Culinary Center investigación y emprendimiento coexisten con el objetivo de desarrollar e impulsar la gastronomía. La institución está conformada por la Facultad de Ciencias Gastronómicas y por BCC Innovation, centro tecnológico en Gastronomía: un centro de investigación interdisciplinar que investiga e innova en el diseño de productos y servicios al tiempo en que apoya a empresas, a nuevos emprendedores y a jóvenes con proyectos significativos. Lucía Lacarra La destacada bailarina de ballet Lucía Lacarra es considerada una de las principales figuras del ballet clásico actual, y cuenta con una trayectoria artística de gran relevancia. Nació en la localidad guipuzcoana de Zumaia y recibió su formación en el estudio de danza “Thalia” con Mentxu Medel y en la Escuela de Víctor Ullate, en cuya compañía debutó. Alcanzó la categoría de bailarina principal en el Ballet de Marsella (1994-1997), dirigido por Rolan Petit, para convertirse después en la estrella principal del Ballet de San Francisco (1997-2002). Tras formar parte del Ballet de la Ópera de Múnich (2002-2016) durante quince temporadas, actualmente compagina el Ballet de Dortmund como invitada permanente con sus propios proyectos en otras compañías internacionales. Ha cosechado los principales premios del mundo de la danza como el Danza & Danza, el Positano, el Isadora Duncan, el Nijinsky, el Benois de la Danse o el Premio Nacional de Danza. En 2007, se convirtió en la primera bailarina española invitada a participar en el Concierto de Año Nuevo de Viena. Fue distinguida como ‘Bailarina de la Década’ en el Palacio del Kremlin, en 2010. Junto a Matthew Golding, ha creado y producido los espectáculos Fordlandia (2020) e In The Still Of The Night (2021), por cuya interpretación recibió el premio Max de las Artes Escénicas (2022). Las creadoras del postre Las estudiantes del Máster en Pastelería de Restauración y Cocina Dulce de Basque Culinary Center María Nieves Pivaral Donis, Elena Castro Pesquera, Andrea Verónica Vieira da Silva y María Ortega Gutiérrez han sido las creadoras de “La danza de Lucía”. Maite Gutierrez

Tamara Rojo es tan perfecta en todo lo que hace que desconcierta. Piensas que no es posible una inteligencia tan lúcida que triunfe en cualquier cosa que acometa, pero es así, es una realidad, es una mujer llena de dones que realiza todo lo que se propone y va cubriendo etapas y llegando al máximo en cada una de ellas. Si como bailarina fue inolvidable, como directora es excelente, pasando a dirigir dos compañías tan emblemáticas como el English National Ballet y el San Francisco Ballet. Ahora se nos revela en esta Raymonda, representada en el Teatro Real, como una gran coreógrafa. Domina el espacio, el ritmo y el relato. Por eso se ha despojado del posible lado plúmbeo de la antigua Raymonda, dotándola en esta renovación de una agilidad fantástica, imprimiendo una exigencia máxima a un elenco que no cesa, sin dejar decaer un ápice la atención del público. Sobre el escenario siempre suceden cosas, unas danzas se superponen a otras sin apenas pausa para los bailarines. Con una dramaturgia perfectamente expresada, la acción se traslada a la Guerra de Crimea, más cercana a la sensibilidad actual; la coreografía, que domina tanto el ámbito de las danzas de conjunto como los gestos íntimos de los bailarines, nos conduce a un relato que emociona. Raymonda duda entre dos amores -John de Brian (Isaac Hernández, excelso) y Abdur Rahman (Fernando Carratalá Coloma, lleno de potencia y posibilidades)-; tiene dos amigas que contribuyen gráficamente a reforzar esa dualidad: una es coqueta, Henriette –interpretada con gracia por Julia Conway- y la Hermana Clemence, que trata de convencerla que debe casarse con John. Por eso la historia se individualiza, se conduce a un plano personal dejando de lado el tratamiento de su protagonista como un mero objeto de disputa, para ser ella misma quien escoge su propia vida. Resalta mucho la presencia de la danza masculina, que sale reforzada, dando vistosidad al conjunto. Incluso me atrevería a afirmar que hay una superior calidad en las variaciones de los bailarines sobre las de las bailarinas. Shiori Case es una Raymonda de técnica perfecta pero que no llega a arrebatar, algo que sí consiguen sus pretendientes. La coreografía del acto primero es originalísima, las del segundo y tercero, aunque de naturaleza más convencional, son muy vivaces, si bien en todo momento se mantiene la coreografía de Petipa en las danza emblemáticas del ballet, destacando el paso a dos de Raymonda y Abdul, el sólo de Raymonda del III acto… Así la nueva versión no pierde un ápice de perspectiva frente a la primitiva, sino que la refuerza en ritmo narrativo e interés dramatúrgico y formal. Por tanto, sigue siendo Raymonda, aunque enriquecida por un viaje en el tiempo. MERCEDES ALBI

El English National Ballet presenta en el Teatro Real el primer trabajo coreográfico de la bailarina española · Se ofrecerán cinco funciones entre los días 10 y 13 de mayo, este último con doble sesión, a las 16.30 y a las 21.30 horas. El resto de funciones, a las 19.30 horas. · Tamara Rojo actualiza el argumento de este clásico de la danza inspirándose en el espíritu pionero de Florence Nightingale, precursora de la enfermería profesional. · Esta nueva versión presenta a una heroína dueña de su propio destino y destaca el valor de las mujeres que lucharon por su emancipación. · Tres grandes nombres del ENB se alternarán en la interpretación del papel principal: Shiori Kase, Fernanda Oliveira y Emma Hawes. · Al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real estará Gavin Sutherland, director musical del ENB y responsable de la revisión y adaptación de la partitura de Alexander Glazunov. · La función del estreno del English National Ballet cuenta con el patrocinio de Breguet. El próximo 10 de mayo regresa al Teatro Real el English National Ballet con la nueva versión del ballet Raymonda, coreografiado y dirigido por Tamara Rojo, convertido ya en una de las propuestas más interesantes del repertorio de la compañía, desde su estreno en enero de 2022. Tamara Rojo reescribe el clásico de Marius Petipa y Alexandre Glazunov -estrenado en el Teatro Mariinski de San Peterburgo en 1898- trasladando la acción de la Edad Media al siglo XIX, de las Cruzadas a la guerra de Crimea (1853-1856), de los salones al campo de batalla. Raymonda se convierte en una mujer con personalidad propia, ideales e iniciativas, también con fuertes sentimientos, pero con la capacidad de tomar sus propias decisiones y ser dueña de su propio destino. De esta manera, Rojo construye una línea narrativa más dramática, dando a la historia un contenido que la hace más comprensible al espectador de hoy en día. La historia comienza en Inglaterra, en 1854. Raymonda, en la comodidad de su casa familiar, lee los informes diarios que los periódicos publican del frente y anhela hacer algo para aliviar el sufrimiento que describen. Decide huir de su cómoda vida y convertirse en enfermera en el campo de batalla. Allí se compromete con un soldado, John de Bryan, pero pronto siente algo por su amigo Abdur, líder del ejército otomano, aliado de los británicos. La confusión crece a su alrededor y en su interior pensando en la decisión que debe tomar, entre su vocación y los impulsos de su corazón, sin saber a quién se entregará. Para la construcción de este nuevo personaje femenino, la coreógrafa se ha inspirado en el espíritu pionero de Florence Nightingale y en las mujeres que apoyaron el esfuerzo bélico en Crimea. Era la primera vez que se permitía a las mujeres servir oficialmente en el ejército y la producción, arropada por la escenografía y los figurines de Antony Macdonald y las imágenes del diseñador de vídeo Alexander Gunnarsson, muestra un relato casi documental de la época a través de la dramaturgia de Lucinda Coxon. La coreografía ha intentado conservar una gran parte del original de Petipa (sus solos icónicos, la riqueza y dificultad de sus variaciones) haciendo de esta joya del ballet clásico más “una reinterpretación que una nueva creación”, adaptándola a la condiciones físicas, técnicas y expresivas de los intérpretes de la danza clásica actual. En esta línea, la presencia masculina está más desarrollada, dando la oportunidad al bailarín de exhibir sus dotes atléticas, y las danzas folclóricas tradicionales se han fundido en una concepción única. Gavin Sutherland, director musical del ENB, ha reorquestado partes de la partitura de Alexander Glazunov para adaptarlas a la nueva dramaturgia. Así, se reorganizan algunos números, introduce instrumentos tradicionales húngaros y transforma en notas más intimistas y tristes acciones tradicionalmente alegres (como el segundo vals, que cede su alegría a una cadencia que recuerda a los soldados caídos), sin renunciar a la riqueza melódica. En las funciones que se verán en Madrid, Gavin Sutherland estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, con excepción del día 12 de mayo, que contará con la batuta de Alexander Ingram. Tres grandes elencos se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Raymonda, John de Bryan y Abdur Rahman. Los días 10 y 13 (16.30 h) de mayo bailarán Shiori Kase, Isaac Hernández (artista invitado) y Fernando Carratalá Coloma; el 11 y 13 (21.30 h) Fernanda Oliveira, Francesco Gabriele Frola y Eric Woolhouse, y el 12 de mayo estarán Emma Hawes, Aitor Arrieta y Daniel McCormick. Con este delicado y magnífico espectáculo, el English National Ballet pondrá fin a la actual temporada de danza del Teatro Real (en 2019 fue responsable de la inauguración). Raymonda se viste con otra piel bajo la mirada de Tamara Rojo y nos cuenta, no sólo la historia de una mujer, sino la historia de un cambio social, la crueldad de la guerra, el tumor corrosivo de los prejuicios y el paso que camina hacia el futuro. Fotógrafo: ©Javier del Real

LA X EDICION DE MUESTRA COREOGRAFICA INTERNACIONAL BETA PUBLICA SE CELEBRARÁ LOS DIAS 2,3 y 4 DE JUNIO EN LA SALA NEGRA DE LOS TEATROS DEL CANAL DENTRO DEL 38º FESTIVAL MADRID EN DANZA DE LA COMUNIDAD DE MADRID La X Edición de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA, que se celebrará los días 2 y 4 de junio a las 18.00 horas y el 3 de junio a las 18.30 horas presentará en el escenario de la Sala Negra de los Teatros del Canal un programa; diferente cada día, innovador, sorprendente y atrevido, de creadores Internacionales, Nacionales y de la Comunidad de Madrid. El cartel de esta edición tiene un total de 9 piezas cortas y adicionalmente se presentarán 8 o 9 apuestas en nuestra sección experimental Pro.BETA, donde damos entrada a proyectos de investigación en ciernes. Todas las piezas han sido seleccionadas entre las más de 200 que se presentaron este año, para mostrar y poder disfrutar de danza contemporánea con calidad e innovación. Lázaro Batista – “Evidencia” / CUBA Mehdi Berdai- “Chaos” / SUIZA Sara Fernández- “Bálsamo interrumpido” / MADRID Tania Garrido & Eva Alonso – “C o n v e r g e n c i a s” / MADRID Danielle Huyghe- “After the blue” / PAISES BAJOS Roberta Maimone & Roberta Riontino- “ENFANTS” / ITALIA Alejandro Moya – “LUCERO” / MADRID Lucía Vázquez – “About Bunny” / SEVILLA Pilar Villanueva – Antesala. “Un día… otro día” / MADRID Como declara Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de BETA PUBLICA: “En esta X Edición ha sido todo un reto elegir estas piezas entre las 206 coreografías de todo el mundo que han participado en el proceso. Es una pena tener que dejar fuera de la Muestra a tantos grandes creadores/as y performers”, y añade: “Además, y para celebrar el 10º Aniversario de la Muestra, hemos preparado una recepción especial para todos los asistentes que, con esta selección de piezas, se divertirán y podrán conocer el estado actual y las tendencias de la danza contemporánea”. Ya están a la venta las entradas, a precios populares, para las tres funciones de la Muestra BETA PUBLICA. Acceso a la compra de las entradas. Esta X Edición busca, como las anteriores, crear una mayor experiencia al público y para ello ofrece dos MasterClass con creadores/as seleccionados y dirigidas a toda persona amante o conocedor de la danza: bailarines, profesores, coreógrafos o simplemente curiosos que quieran probar. Las MasterClass serán en la Sede de la Compañía Nacional de Danza (Matadero, Paseo de la Chopera 4) el domingo 4 de junio de 10.00 a 13.30 de la mañana. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España ha tenido la gentileza de responder a nuestro Cuestionario Proust, del que dicen contiene las 30 preguntas breves que mejor definen a una persona. Rubén como personaje a veces queda envuelto en un halo de misterio. Es mutante. Toda una caja de sorpresas. Abrir el hermoso cofre que guarda en su interior no es tarea fácil pues tiene múltiples disfraces, y es que nos encontramos ante un ser de naturaleza hipersensible, que habita en su propio mundo creativo. Por eso parece distinto según la atmósfera que lo envuelve. Es una mera cuetión de receptividad. Otra de las poco usuales características que posee es que todo el mundo habla bien de él, algo muy difícil para alguien que ostenta el cetro del poder de la danza española y es un personaje público. Es evidente que Rubén nunca deja indiferente. Y si logras abrir el cofre en que se envuelve, su coraza, te encuentras con un tesoro. Él deja una estela de belleza, creación y humanidad allá por donde pasa. -¿Principal rasgo de tu carácter? -La sensibilidad. -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -La honestidad. -¿Y en una mujer? -Además de la honestidad, hay algo que admiro de la mujeres que los hombre tenemos en menor medida: su tenacidad. Sois muy tenaces. -¿Qué esperas de tus amigos? -Cariño, que es lo que a veces se echa de menos en la humanidad en general. -¿Tu principal defecto? -No saber desconetar del trabajo, es lo que más me cuesta. -¿Tu ocupación favorita? -La música, soy un fanático de la música. Me encanta buscar músicas y encontrar en ella diferentes inspiraciones. -¿Tu ideal de felicidad? -Seguir compartiendo mi vida con mi pareja y mis perros todos los días que pueda, me da mucha paz y mucha felicidad. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -No poder trabajar en la danza, a lo que me he dedicado toda mi vida. -¿Qué te gustaría ser? -Un pájaro, me encantaría poder volar, por eso creé mi danza del Ave Fénix con el mantón. -¿En qué país desearías vivir? -Soy muy español y muy andaluz. Me gusta mucho mi país. Claro que me encantaría que se apreciase más la cultura, que hubiera en ella un mayor interés, pero como país somos privilegiados, tenemos de todo. -¿Tu color favorito? -El azul. -¿La flor que más te gusta? -Me gusta muchísimo, la rosa, como especie primera, pero también los tulipanes blancos. -¿El pájaro que prefieres? -La garza por su gran elegancia. -¿Tu autor favorito en prosa? -Pío Baroja. -¿Tu poeta? -Miguel Henández. -¿Un héroe de ficción? -Superman, porque además de su faceta estética con ese traje tan llamativo, tiene además una parte muy humana. -¿Una heroína? -Marina Pineda, por citar a una ya que mujeres heroínas hay muchas anónimas que se han tenido que enfrentar a la dureza de la vida en circunstancias más complicadas que los hombres. -¿Tu músico favorito? -Tengo muchos, pero me voy a basar en el primer disco de vinilo que me regaló mi padre cuando era chiquitito. Un maestro del conservatorio le dijo: "es necesario que a tu hijo le pongas música, mucha música." Y me compró un disco que contenía en la cara A "El Amor Brujo" de Manuel de Falla y en la B "El pájaro de Fuego" de Stravinsky. Te confieso que "El Amor Brujo" lo he escuchado tanto, lo tengo tan interiorizado que hasta me cuesta montarlo, porque me nace improvisarlo de modo inmediato. -¿Tu pintor preferido? -Veláquez. -¿Tu héroe de la vida real? -Mis padres. -¿Tu nombre favorito? -Aurora. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -Que se grite, la gente que grita al hablar me pone nervioso. -¿Qué es lo que más detestas? -La desconfianza, cuando se desconfía sin tener motivos, la falta de empatía. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Hitler. -¿Un hecho de armas que admires? -Ninguno. -¿Qué virtud desearías poseer? -La ponderación. Me parece que es una buena virtud el dar su justa importancia a las cosas. Si se da demasiado improtancia a todo se sufre mucho. -¿Cómo te gustaría morir? -En mi casa, en paz con mi gente querida alrededor. -¿Cuál es el estado más común de tu ánimo? -Soy muy estable, equilibrado, cada día me levanto con humor y ganas de hacer cosas. -¿Qué defectos te inspiran mayor indulgencia? -La sinceridad, esa que a veces hiere porque no con todo el mundo se puede ser sincero. -¿Tienes una máxima? -Todo por la danza. MERCEDES ALBI Fotografías Jesús Vallinas

Entre los días 23 y 26 de marzo, el New York City Ballet ofrecerá en el Teatro Real cinco funciones, y una familiar el domingo 26 a las 12.00 horas. · El programa, compuesto por dos coreografías de George Balanchine, Serenade y Square Dance, y una de Justin Peck, The Times Are Racing, rinde homenaje a su pasado con la mirada en el presente. · La Orquesta Titular del Teatro Real contará con dos batutas en el foso, la de Clotilde Otranto, para la partitura de Serenade, y la de Andrews Sill, para Square Dance. · El espectáculo será grabado en coproducción con New York City Ballet, PBS WNET( Televisión Pública del Estado de Nueva York), Ezelvier Films, con la colaboración del Teatro Real, y pasará a formar parte del catálogo de danza de My Opera Player. El próximo 23 de marzo, a las 19.30 horas tendrá lugar la presentación en el Teatro Real de la mítica compañía estadounidense New York City Ballet, que ofrecerá cinco funciones en el Teatro Real con las que se saldará una deuda histórica con el mundo de la danza, ya que será la primera vez, desde su fundación en 1948 por George Balanchine, que podrá verse en Madrid. Dirigido en la actualidad por Jonathan Stafford, el New York City Ballet ha seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo para la formación: Serenade y Square Dance, creadas por George Balanchine, y The Times Are Racing, obra de Justin Peck, coreógrafo residente de la compañía y uno de los grandes talentos de la actualidad. De esta forma han querido rendir homenaje a sus orígenes y demostrar la evolución que les mantiene en el presente como referente de la danza internacional. Serenade es el primer ballet original que George Balanchine creó en Estados Unidos, y una de las obras más emblemáticas del repertorio del NYCB. Estrenado por la Escuela del American Ballet en el Teatro Avery Memorial de Hartford, Connecticut, en 1934, y concebido como una clase de danza o un ensayo, se desarrolla en cuatro movimientos: sonatina, vals, danza rusa y elegía, con los dos últimos movimientos invirtiendo el orden de la partitura de Chaikovski, compositor que Balanchine admiraba más que a ningún otro. En el Teatro Real la interpretación musical estará a cargo de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Clotilde Otranto. Años después, e integrado ya en la cultura norteamericana, Balanchine estrena Square Dance. Corria el año 1957 y el coreógrafo une, bajo este nombre, las tradiciones de la danza folclórica estadounidense y el ballet clásico, muy diferentes en estilo, pero guiadas por las pautas de un orden muy definido. Rápida, atlética y desenfadada, la coreografía imprime una personalidad al cuerpo de baile, y a cada bailarín, que será la que define y distingue a la compañía de sus homólogas europeas. Fresca y divertida, la versión original fue revisada en 1976 para incluir un solo adicional para el bailarín principal. Con música de Arcangelo Corelli y Antonio Vivaldi, contará con la dirección de Andrews Sill al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Rompe y finaliza el programa The Times Are Racing, ballet para veinte bailarines coreografiado por Justin Peck -su segunda creación para la compañía de la que es en la actualidad coreógrafo residente y asesor artístico- en la que desaparece la visión idealizada de los bailarines, con sus cuerpos perfectos y sus movimientos cuidados y técnicos ejecutados con aparente sencillez. Peck busca la empatía del público y les viste con zapatillas y ropa deportiva, dándoles la oportunidad de mostrar diferentes sentimientos en una variedad de estilos que se alternan y provocan casi una catarsis llena de impulso y vigor. Estrenada en 2015, la actualidad de su concepto se desliza sobre la música electrónica del álbum de Dan Deacon, América, llenando de energía el colofón de la velada. Es precisamente el desenfado y la energía juvenil de The Times Are Racing la destinada a la sesión del público familiar, que podrá disfrutarse en la sala principal del Teatro Real el próximo domingo, 26 de marzo, a las 12.00 horas, en una sesión cómplice y original. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En este mes de marzo en que se celebra el Día de la Mujer, hemos escogido para entrevistar a la coreógrafa y bailarina Avatâra Ayuso, directora artística de AVA DANCE COMPANY, toda una activista en pro de la mujer dentro del mundo de la danza. Se formó en el Conservatorio Profesional de Palma de Mallorca y se perfeccionó en Madrid, en la Escuela de Carmina Ocaña y Pablo Saboye, antes de comenzar su destacada trayectoria en el extranjero donde ha trabajado bajo la dirección artística de William Forsythe, Wayne McGregor, Frédéric Flamand y Angelin Preljocaj. Desde 2007 es colaboradora creativa de Shobana Jeyashing Dance en Reino Unido. De 2010 a 2018 ha sido Artista Asociada del Centro Europeo de las Artes Hellerau Dresden y es Compañía Asociada de Creative Academy Slough desde 2014. Fue nominada para los Premios Nacionales de Danza del Reino Unido de 2015 y nuevamente en los Premios Nacionales de Danza del Reino Unido de 2019 a la Mejor Interpretación Moderna Femenina. Fue Artista Residente 2019 en el Teatro del Lago en Chile y coreógrafa invitada en el Teatro Nacional de Ópera de Chile - Ballet de Santiago en 2023. Avatâra es bailarina y colaboradora creativa de larga data de Shobana Jeyasingh Dance (Reino Unido) desde 2007. Ella es dinámica, imaginativa, inteligente... Es un ser que lucha por sus sueños en cuerpo y alma, así consigue hacerlos realidad. Se lo merece. Tiene madera de triunfadora. Conversar con Avatâra es sentir que el mundo se mueve, aunque para desgracia nuestra ese movimiento sucede más allá de nuestras fronteras. Desde hace más de una década, reside en Reino Unido y viaja en pos de sus ideas por todo el mundo. No se la reconoce suficientemente en su propio país. P-Avatâra ¿Ahora dónde estás? -Actualmente vivo en Birgmingham aunque he estado quince años viviendo en Londres. P-¿Me puedes contar algo de lo que te traes entre manos? -Ahora estoy inmersa en dos proyectos, y ambos son totalmente distintos, por lo que abordarlos me resulta muy estimulante y nada monótono. P-Cuéntame de qué tratan. -El primero es un proyecto con realidad virtual, partió de un solo titulado "Ángel", que hice en 2018 inspirado en la película de Buñuel "El ángel exterminador", que aunque como sabes, dicho ángel no aparece físicamente en la película, decidí darle corporeidad. Concebido en un principio para un teatro tradicional ahora va a tener vida en el mundo virtual. P-O sea, que es un proyecto que has evolucionado en el tiempo. -Sí, a medida que lo iba haciendo me di cuenta de que era clave establecer una relación individual, de uno a uno con el público. El espectador, para sentir el ángel en su profunda dimensión, tenía que compartir espacio con el personaje. Había que dar sentimiento a un montón de texturas íntimas, como el miedo, el amor, la amistad, la admiración... Tardé dos años en encontrar el medio visual que me permitiese explorar esas sensaciones en profunda intimidad con el público. P-¿Cómo se gestó? -Busqué y establecí relaciones con entidades que tuvieran laboratorio VR para crear este tipo de imágenes, y encontré el Rose Burford College, con quienes estoy creando una coreografía que se visualizará con gafas de realidad virtual y en la que cada espectador se sumergirá totalmente en un nuevo espacio. Me convierto en un avatar. P-Pero tú te llamas Avatâra, ¿Tiene relación con tu nombre? -Sí, comparten la misma raíz etimológica. Mi nombre viene del sánscrito y avatar significa reencarnación en el hinduísmo. Es una recreación de tu propio yo en un mundo paralelo. Estamos capturando mis movimientos dancísticos con distintos sistemas de sensores, creando el avatar con una gran complejidad de capas e insertándolo en un contexto para que el público disfrute de esa experiencia inmersiva. P-¿Y el segundo de los proyectos? -Es totalmente a otra escala. De un solo paso a montar un ballet completo, encargo del Ballet de Santiago de Chile. P-Bravo, felicitaciones. ¿Puedes adelantarnos detalles de la producción? -Sí, se estrenará el próximo 22 de julio con la Orquesta nacional. Tiene una hora y media de duración y cuento con un elenco de 50 bailarines. P-¿De qué trata? Es sobre Nijinska, la gran coreógrafa olvidada del siglo XX. El título es "Nijinska, secreto de la vangaurdia". Justo en la fecha del estreno se cumplen 100 años de su coreografía más famosa "Las bodas", que hizo para los ballets de Diaghilev con música de Stranvinsky. -¿Por qué sobre Nijinska? -No ha sido suficientemente reconocida en el sector de la danza, solo se refieren a ella como la "hermana de..." cuando ha sido una grandísima coreógrafa con más de cien obras a sus espaldas. Sufrió grandes injusticias artísticas. La historiografía de los años 40 y 50 se encargó de opacarla. -¿Es una cuestión pendiente reivindicar la figura de Nijinska? -Vamos a darle justicia histórica a una mujer que se lo merece. Este es un ballet feminista porque la queremos situar en su relevante lugar, y hablar de su amor por la danza y el arte, independientemente del amor hacia los hombres que se cruzaron por su vida. P-¿Cuéntame detalles de cómo va a ser el ballet Nijinska? -Tendrá escenografía y veistuario totalmente nuevo. La protagonista que representa a Nijinska es una bailarina de más de 50 años, una mujer que aporta el trascendental peso de la experiencia al resto del elenco. P-¿Te basas en un desarrollo de su vida, en extractos de sus ballets o es de tema más abstracto? -La pieza es un biopic. Voy a tratar su trayectoria vital desde su juventud, cuando era bailarina de la compañía de Ballets Rusos de Diaghilev junto con su famosísimo hermano Vaslav, pasando por momentos tan dramáticos como la muerte de su hijo en accidente de automóvil. Es su vida desde que tenía 20 años hasta los 50. -¿Eran unos hermanos muy unidos? -Sí, más de lo que ha trascendido. No se ha profundizado en su relación, pero ellos, por ejemplo, jugaban a representar figuras de los frisos griegos. Es posible que en el "Fauno" de Nijinsky hubiera algo de Nijinska. Lo cierto, es que cuando Vaslav es despedido por haberse casado, su hermana se va con él y le ayuda en su intento fállido de compañía en Londres. P-Entonces, ¿Qué sucede en la vida de Nijinska que la separa de su hermano? -La Primera Guerra Mundial y la revolución rusa la llevan a instalarse en Kiev, donde se mueve en el ambiente artístico de vanguardia con los pintores abstractos y constructivistas. Es cuando su hermano se va sumergiendo en la locura. Ella, finalmente huye a occidente y entra de nuevo, pero como coreógrafa, en los Ballets Rusos, estrenando tres ballets esenciales: "Las bodas", "Les biches" y "Le train bleu". Posteriormente, se une a la compañía de Ida Rubistein, viaja por todo el mundo, la nombran directora del Ballet del Teatro Colón en Buenos Aires, colabora como coreógrafa en la compañía del aristócrata chileno Marqués de Cuevas... -¿Y la música? -La música va a ser toda de compositores con los que Nijinska trabajó en vida. Hemos hecho una selección con Pedro Pablo Prudencio, director de la Orquesta Filarmónica de Santiago, que dirigirá las representaciones. Hay música de Prokofiev, Saint-Saëns, Stravinsky, Ravel... Y en este punto es muy importante señalar que Ravel compuso su famoso bolero para ella, incluso la idea de la bailarina sobre una mesa rodeada de hombres fue de Nijinska, aunque luego la han copiado y adaptado coreografías como la de Bejart. -¿Cómo te documentas sobre ella? -Para mí es muy importante recrear el universo físico, el lenguaje corporal de Nijinska. He entrevistado incluso bailarines que trabajaron con ella, que tienen ahora 80 y 90 años para que me contaran como era Nijinska en el estudio. Esa investigación me ayuda para definir el personaje de Nijinska en escena. P-Es interesantímo, Avatâra. Alguien me contó que Nijinska siempre llevaba guantes en las clases y así no tocaba la piel de los bailarines ¿Sabes si es cierto? -Sí, usaba guantes y eran de color blanco, y siempre fumaba, encendía un cigarrillo tras otro. P-¿Qué papel haces en el ballet? -No bailo, llevo la dirección, concepto y coreografía. Cuento con unos colaboradores de excepción: para la dramaturgia, Ignacio Vleming ha hecho un trabajo fundamental en el proceso creativo; el diseño del vestuario es de Chino González y las luces de Ricardo Castro. P-Imagino que estarás feliz y muy motivada. -Estoy "super-excited", emocionadísima. Son dos proyectos maravillosos. Llevo muchos años tratando de que sean una realidad, unos tres años y medio, por fin mis sueños se hacen realidad. MERCEDES ALBI

Un evento especial en un entorno maravilloso es lo que hemos vivido con el estreno del corto “Cojo la manzana, la muerdo y la piso, y Olé!!!”, dirigido por Abel González (Abgonal) en Palacio Longoria, donde se ubica la sede de la Sociedad General de Autores. El alma mater del proyecto es María Herrera, una mujer dinámica, sorprendente, con un increíble impulso, que provoca que las ideas que concibe no se reduzcan a meras intenciones, sino que aunque tenga que mover cielo y tierra, se hagan realidad. Así ha sucedido con el “Encuentro Con Los Maestros”, una actividad más que consolidada que ya cumple su 7ª edición. Se trata de un evento dirigido a jóvenes artistas que se reúnen con los maestros en torno a la danza española. Desde 2017 se celebra en la Villa Indiana de Colombres (Asturias) que convierte a la capital del concejo asturiano de Ribadedeva en el centro de inspiración de coreógrafos, músicos y bailarines, que se reúnen, durante quince días, en una convivencia única. El pasado verano durante el Encuentro 2022 dieron un paso más allá y se lanzaron a producir cine de danza. Ahora vemos el resultado con “Cojo la manzana, la muerdo, la piso y Olé!!!”. Su director Abel González ha contado con el compositor Jorge Núñez Colell en colaboración con Cecilia González Alvárez para crear un sustrato sonoro embelesante, para un film estético y sugerente, que tiene como actores a la bailarina Natalia Thais, a lo maestros Maribel Gallardo y Currillo Franco, a los bailarines Rubén Rojo y Cristina González, acompañados de Almundena Erice. Conversamos con María Herrera que se siente feliz y parece no detenerse nunca. P-María, ¿Cómo te sientes en este momento en que hemos compartido el estreno de “Cojo la manzana, la muerdo, la piso y Olé!!!? -Muy muy contenta. Ya ves, para mí el proyecto del cortometraje ha rebasado todas las expectativas que me había creado cuando le encargué al joven bailarín Abel González (Abgonal) la realización de la película. Estoy encantada con la acogida que está teniendo el estreno con asistencia de tantos profesionales, no solo de la danza española y el flamenco, también de la producción audiovisual y de la comunicación. P-¿Se ha quedado gente sin sitio para asistir? -Sí, por eso este sábado 25 de febrero tenemos preparado un segundo pase en el Auditorio del Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid, porque se quedó mucha gente fuera. P.-¿Por qué habéis estrenado en el Palacio Longoria? -Después de ver el resultado del trabajo realizado por Abel y todo el equipo implicado, me di cuenta de que algo así exigía un lugar tan hermoso como este para que viera la luz y compartirlo con vosotros. Es muy emocionante lo que estamos viviendo. P-Ahora que acaba de fallecer Carlos Saura que fue un puntal para el cine de nuestra danza, es necesario impulsar para que las nuevas generaciones tomen el relevo ¿Cómo surge la idea de hacer esta filmación? -Fue en el contexto del Encuentro Con Los Maestros del pasado verano, donde reunimos durante quince días a un grupo de músicos y bailarines de danza española y flamenco con sus maestros en Ribadedeva, al oriente de Asturias, allí, en Colombres, capital del concejo, justo se lleva a cabo el Festival Nacional de Cortometrajes al Aire Libre Ribadedeva “En Corto” (también conocido como REC) y pensé en dar la oportunidad al talento de Abel encargándole que rodara un cortometraje con los recursos del Encuentro Con Los Maestros 2022 para presentar su trabajo en la siguiente edición del REC. Aunque también lo presentaremos en otros festivales. P-Los Encuentros que organizas ya son todo un evento consolidado que va por la séptima edición, me gustaría saber ¿Qué te condujo a realizarlos? -El Encuentro Con Los Maestros surge en 2017 como un proyecto pedagógico y artístico, inicialmente dedicado a la danza española y el flamenco al ser yo una gran aficionada a ese arte. P-¿Has sido bailarina? -Profesional no, pero sí he estudiado danza en mi tiempo libre como aprendiz en escuelas como la academia de danza de Carmen Senra, la escuela de flamenco Amor de Dios, La fundación Casa Patas… Además estudié psicopedagogía por lo que crear proyectos que aúnen mis especialidades y pasiones es lo que me vivifica. Conocí muchos maestros y fue decisiva Mayte Antúnez, bailarina, profesora de danza y doctora en arte, quien me apoyó en los comienzos del proyecto. De hecho, la idea surgió después de organizar un taller inclusivo de danza en la entonces Fundación Carmen Pardo Valcarce, dirigido por ella. Salió tan bien que me “vine arriba”. P-Y empezaste con los Encuentros... -Sí, hablé con Manolo Lamadrid, director del albergue El Cantu, y reuní en Colombres a un grupo de cinco músicos y doce bailarinas de algunos conservatorios de Madrid con los Maestros Antonio Canales, Daniel Doña y Mayte Antúnez, que, durante quince días, se juntaron en la Villa Indiana del oriente rural asturiano, para llevar a cabo una convivencia en la que tanto los músicos como las bailarinas fueron dirigidos/as por los grandes artistas que montaron las coreografías al son de la música hispanoamericana. P-¿Es debido a que en la zona ha habido mucha emigración? -Sí porque así nos involucrábamos en la historia e idiosincrasia del lugar que nos acoge, ya que mantiene una especial vinculación con los países a los que emigraron un gran número de jóvenes asturianos (y españoles) a finales del siglo XIX y principios del XX y que alberga un exuberante edificio, la Quinta Guadalupe, actualmente sede de la Fundación Archivo de Indianos -Museo de la Emigración-. Yo pedí a los Maestros que montaran sus coreografías con las canciones GUANTANAMERA, (que montó Antonio Canales); LOS HERMANOS, (que montó Mayte Antúnez) y Daniel Doña, que fué creando un tema musical "in situ" con los músicos, que titularon SAN ANTONIO. Los vecinos de Colombres, que en un principio me habían dicho que no eran muy aficionados al flamenco, quedaron encantados. P-¿Tienes muy buenos recuerdos? -La verdad es que nunca olvidaremos aquel primer Encuentro Con Los Maestros... Fue una experiencia maravillosa. Después vinieron más Encuentros y nuevos Maestros/as... como La Lupi, Rubén Olmo, Angel Rojas, Maribel Gallardo, Currillo Franco, Arantxa Carmona, Manuel Segovia, etc. y hasta un coreógrafo argentino, Mariano Luraschi, exdirector del Ballet Folclórico Nacional de Argentina... También conseguí que alguno de los Maestros se subieran al escenario con las nuevas generaciones, actuando Antonio Canales y Maribel Gallardo con ellos, lo que resultaba muy motivador para los jóvenes. Todos han dejado recuerdos imborrables en la convivencia, dedicando su trabajo a distintos países de Hispanoamérica, como Cuba, Perú, México y Argentina. P.- ¿Cómo será encuentro 2023? - Pues la verdad es que este año tengo más ilusión que el primer día, si cabe, porque voy a cerrar el círculo que empecé a dibujar en 2017. P-¿Por qué? En 2023 el Encuentro Con Los Maestros se dedicará a los EEUU, ya que allí también emigraron muchos asturianos en busca de una vida mejor... así que lo he titulado "El Sueño Americano". P-¿Qué maestros van a acudir? -Los coreógrafos invitados serán: José Galán, Carmen Vilches, Manuel Segovia, Maribel Gallardo y Patricia Guerrero. El que enfrentan es enorme, ya que el Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid ha presentado un proyecto para poner la música al espectáculo con una Jazz Band. Quince Jóvenes participarán con dos directores para adaptar algunas canciones de Gershwin, Bernstein y otros compositores americanos (también emigrantes europeos o descendientes de emigrantes europeos) a los ritmos de la danza española y el flamenco... Por supuesto, seguiremos organizando el concierto lírico que este año será interpretado, una vez más, por Mario Millán, que lo dedicará a la canción tradicional americana... y como novedad, se entrelazará la actuación de Maribel Gallardo con un concierto de castañuelas, acompañados los dos artistas por el pianista Luis Noain. También montaremos dos nuevas exposiciones de fotografías de danza y como novedad (y a esto me refería cuando te decía que cierro el circulo iniciado en 2017) vamos a invitar a actuar a la compañía profesional de danza de la Fundación de Psico Ballet Maite León (Fritsch Company), que van a presentar el espectáculo 1+1=3, una pieza que está interpretada y coreografiada por Ana Mencía y Adrián Sáez. Y los músicos participantes en el Encuentro ofrecerán dos conciertos de música pop en El Capri y el chiringuito Maripol de la playa de La Franca. Con todo esto, damos paso a la primera edición del Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED), que durará quince días, coincidiendo con el Encuentro Con Los Maestros y dará cobertura a los jóvenes artistas y a los maestros participantes en el campus, además de invitar a otros artistas para que lleven la música, la danza, el teatro, la fotografía, el cine, etc. y amplíen la oferta cultural en el rural asturiano de Ribadedeva. P-Madre mía ¡Cuantas cosas! -Pues esto es solo el futuro más inmediato.... porque mi sueño sería consolidar el FIBRED y entregar el testigo a algún gestor cultural joven que quiera dedicarse a continuar el proyecto. Muchísimas gracias por tu entrevista. Ha sido un placer hablarte del Encuentro Con Los Maestros. MERCEDES ALBI Fotografías Marta Menozzi

Esta Edición 2023 se celebrará los días 2, 3 y 4 de junio en la Sala Negra de los Teatros de Canal dentro del 38º Festival Madrid en Danza La convocatoria estará abierta hasta el 17 de marzo del 2023 a las 23:59 horas La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo. Cada aportación cuenta y, por eso, proponemos un encuentro continuo on y off-line donde crear, provocar, conectar, descubrir, probar, experimentar, compartir y apoyar. En esta X Edición de la Muestra BETA PUBLICA seguimos buscando que público, coreógrafos, bailarines, programadores culturales, medios, productores y demás participantes estén – física y virtualmente – presentes en los procesos creativos de las piezas seleccionadas dando lugar a nuevas reflexiones y acercando puntos de vista que contribuyan a enriquecer el proceso creativo. Esta X Edición se celebrará los días 2, 3 y 4 de junio en la Sala Negra de los Teatros de Canal dentro del 38º Festival Madrid en Danza donde se presentarán 8 creadores madrileños, nacionales e internacionales seleccionados por el Equipo Artístico de la Muestra. Cada día tendrá un programa distinto con 5 o 6 de las piezas. Como señala Pilar Villanueva, coreógrafa, directora artística y portavoz de la Muestra: “En la X Edición de la Muestra BETA PUBLICA queremos celebrar estos diez años compartiendo nuestro amor y apuesta por la creación y la danza contemporánea dentro del 38º Festival Madrid en Danza” y continua: “ Estamos preparando sorpresas y seguiremos impulsando Pro.BETA, nuestra iniciativa para que los creadores puedan probar propuestas más experimentales, y esperamos superar, en esta X Edición, la participación de creadores internacionales así como el éxito creativo y de público de años anteriores.” La propuesta de coreografías, de máximo 15 minutos de duración, se realiza mediante un formulario de inscripción que está disponible en la web de la Asociación y contará con un procedimiento de votación para que los seguidores de la cuenta de Instagram de la Asociación seleccionen uno de los Creadores que participarán en la Muestra. El resto de los creadores son seleccionados por el Equipo Artístico de la Asociación. Las propuestas de Pro.BETA, de 5 minutos máximo de duración, son seleccionadas directamente por el Equipo Artístico de la Asociación. Como en las ediciones anteriores, las redes sociales de la Asociación BETA PUBLICA y las de los creadores seleccionados serán el vehículo para conectar, compartir y ampliar los vínculos de los creadores con las audiencias. La convocatoria estará abierta hasta el 17 de marzo del 2023 a las 23:59 horas. La semana del 17 de abril se comunicarán los creadores y coreografías seleccionados. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014 por Pilar Villanueva L.A.N.1, es la promotora de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza anualmente la Muestra Coreográfica utilizando su web y redes sociales para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación realiza cada año un Programa de Actividades Extraescolares llamado “Una Mañana en Danza” (UMD) por el que ya han pasado más de 21.000 alumnos, de 12 a 16 años, y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid, con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. UMD incluye a creadores que han participado la Muestra Coreográfica Internacional. Dentro de UMD la Asociación ofrece, en colaboración con el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, una función abierta a todos los públicos bajo el nombre “Una Tarde en Danza” y MasterClass en colaboración con la Compañía Nacional de Danza.

El recién estrenado "Irreverente" de Alejandro Lara Dance Proyect comienza su andadura por los escenarios madrileños. Quise ir a ver esta segunda producción de la joven compañía y lo hice este fin de semana en el Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz. Es un espectáculo sin fisuras, muy meditado y con una estética inspirada por la elegancia. Alejandro es en realidad un mago "irreverente", él es quien domina al conjunto. Por ejemplo, hay un único paso a dos que danza con Alba Expósito. De forma nada usual alterna solos y escenas con todo el cuerpo de baile. Sus compañeros -Elena Palomares, Alba Expósito, Celia Ñacle, Candela López-Villaseñor, Marián Alquézar, Álvaro Brito, Izan Soriano, Rubén Rojo, Diego Olmier, Adrián Gómez- lo arropan excelentemente, ofreciendonos una muestra de buena danza española. Desde una ortodoxia clásica en "Irreverente" se van revelando unas notas coreográficas muy originales pero que no quiebran en ningún momento la armonía del conjunto. Evoluciona de forma muy variada, lo que atrapa al público desde el inicio. La música de Víctor Guadiana con matices sinfónicos va cambiando de estilo, remezcla temas conocidos y diversos, acoplándose en su tránsito perfectamente a los cambios de líneas creativas. Desde el solo con capa en el que Alejandro baila con excelentes giros, a las danzas de grupo que parten del clásico español hacia lo contemporáneo y terminando con un flamenco muy sentido, nada cae en la repetición o en la monotonía. El vestuario de Anthony Pina y el propio Alejandro es fantástico y se va reconvirtiendo sobre escena de tal manera que de un mismo vestido se hacen dos y hasta tres. También la iluminanción es muy acertada. Se nota la mano de los coreógrafos invitados: Ángel Manarre y Rubén Olmo, aunque "Irreverente" es puro Alejandro. Es su magia, la de su tensón, la del que lucha por unos sueños que muestran la realidad del gran artista que habita en él. MERCEDES ALBI Fotografía Alfonso Sastre

Me reúno con Carlos Pinillos y Filipa de Castro en una “Tarde de Danza”, organizada por la asociación Beta Pública, que está a punto de comenzar en el Centro Cultural Paco Rabal. Acaban de terminar el ensayo y están deseosos de que las puertas se abran al público y mostrar sus piezas. Carlos es extrovertido y expansivo, Filipa tiene un aire soñador. Ella es la brisa que aviva la llama del fuego. Están tan compenetrados que verles bailar juntos es toda una experiencia. La vida, el amor y la danza se hacen uno en ellos. Carlos Pinillos nace en Madrid. Con cinco años inicia su formación dancística y dos años más tarde consigue una beca e ingresa en la escuela del maestro Víctor Ullate, de cuya compañía formará parte a partir de 1995. En 1998 obtiene el Primer Premio del Concurso Internacional de Danza de Viena. Otros maestros que han sido significativos en su formación han sido Alain Baldini y Attilio Labis, ex bailarines de la Opera de París, y José Parés, Menia Martínez o Aurora Bosch del Ballet Nacional de Cuba. Su currículum como bailarín es impresionante, al punto de ser destacado por la revista Dance Europe como uno de los 10 bailarines del momento. Estaba interpretando "Giselle" con el Ballet Arena de Verona cuando es invitado por Mark Jonkers, en 2001, para integrar el elenco del Ballet Nacional de Portugal (Companhia Nacional de Bailado), donde aún hoy permanece en calidad de bailarín principal, bajo la dirección de Luisa Taveira, junto con su esposa la bailarina Filipa de Castro. Carlos nunca para, incluso suele ser bailarín invitado por otras compañías y participa en numerosas galas internacionales. También realiza talleres en diferentes países, y colabora en las funciones de maestro repetidor en la compañía a la que pertenece. Anne Kisselgoff, crítica de The New York Times, define a Carlos como una mezcla interesante de pura técnica e intenso contacto con el público. -Carlos, ¿Cómo te sientes bailando en Madrid? -Te puedes imaginar lo que es bailar en la ciudad que nací, en la que ha vivido durante veintitrés años, donde empecé mi carrera profesional, donde habitan mis raíces, tengo mis amigos, y sobre todo, y es bastante paradójico que viviendo tan cerca en Portugal, es uno de los lugares que menos piso para bailar. -Filipa y tú sois una de las parejas más consolidadas del mundo de la danza ¿Cuántos años hace que estáis juntos? -Llevamos 20 años juntos. -¿Cómo os conocisteis? -Estas cosas suceden cuando uno menos se lo espera. La encontré justamente en una época en la que no me apetecía conocer a nadie. Atravesaba un momento de crisis, incluso de desapego con la danza, y ni me apetecía salir de Madrid. Entonces aparece ella en mi vida y me obliga a seguir adelante. Siempre que quiero ir hacia atrás tengo a Filipa que tira de mí. Estoy a punto de cumplir 30 años de carrera. -¿Fue un flechazo a primera vista? -Nos habíamos visto bailar, sabíamos de la existencia del uno y del otro... En una ocasión, ella vino a bailar a Madrid desde Lisboa, cuando estaba en el compañía del Real Ballet de Flandes. Tuvimos la oportunidad de conocernos y nada más hablar, zas, surgió una chispa de efecto inmediato. Y aquí estamos. -¿Qué tal vuestra participación en Beta Pública? -Es la segunda vez que colaboramos con Beta Pública. Ya lo hicimos hace cinco años y siempre que podemos tratamos de ayudar a promover la danza. -¿Es complicado promover la danza en España? -Hay mucho por hacer en materia de difusión, incluso a veces, hay que luchar contra marea y continuar como sea para que sigan surgiendo nuevas generaciones de artistas y nuevas generaciones de público. -Háblame sobre lo que vais a bailar. -Son dos piezas que forman parte de nuestro espectáculo titulado "Nuestros nombres". -¿De qué trata? -Está inspirado y dedicado la figura del nóvel portugués José Saramago. El ballet "Nuestros nombres" gira en torno a la relación del escritor con su esposa, Pilar del Río, que al ser más joven que él estaba destinada a sobrevivirle. El tema del amor y la muerte tan presente en su literatura nos inspira. El primer paso a dos que bailaremos es más estilizado más clásico, se corresponde cuando Saramago decía que escribía sobre la escultura -tratando de significar que estaba muy influído por la belleza formal en su escritura-, y luego evoluciona a "escribir sobre la piedra" por lo que la segunda pieza, titulada "El hombre duplicado", corresponde a esa transición estilística en su obra. -¿El hombre duplicado qué significa? - Significa que para saber quien somos hay que salir de uno mismo, duplicarse. Es una pieza con música de Piazzola, ya no son líneas estilizadas sino que es un trabajo más introspectivo. -¿Os gustaría traer "Nuestros nombres" a los escenarios españoles? -Muchísimo. Te confieso que bailar solo dos piezas me sabe a poco, bailar en España me produce un cierto sinsabor. Reaviva en mí cosas que echo de menos, como esa forma que tiene el público de mostrar su satisfacción con esa calidez tan especial. Aunque somos muy felices en Portugal, ahora nos vamos a actuar en el norte del país, y seguidamente a Sintra. No paramos. -¿Cómo encajais vosotros, que provenís del mundo clásico, en un evento como Beta Pública que formenta la danza contemporánea? -Nos estimula compartir escenario con gente que viene del mundo del contemporáneo. Nosotros no hacemos la distinción entre clásico y contemporáneo. No queremos parcelar las cosas. Danza es danza, simplemente utilizamos distintas herramientas. Ninguno podemos apropiarnos de ella. Eso es lo que nos ha llevado a participar a compartir esta idea con el resto de bailarines. El ideario de Beta Pública es algo que compartimos plenamente. Siempre que nos sea posible lo apoyaremos con nuestra participación. MERCEDES ALBI Fotografías Alba Muriel