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Sasha Waltz & Guests presenta en el Teatro Real su aclamada versión de L’Orfeo, de Monteverdi VENCIÓ ORFEO AL INFIERNO Y VENCIDO LUEGO FUE POR SUS PASIONES · Se ofrecerán cuatro funciones, entre el 20 y el 24 de noviembre, de esta ópera coreográfica, creación de la artista alemana Sasha Waltz. · La compañía Sasha Waltz & Guests contará con la participación del Vocalconsort Berlin, la Freiburger Barockorchester y un reparto de cantantes del universo barroco, bajo la dirección musical de Leonardo García Alarcón. · En torno a este estreno se han organizado actividades paralelas en colaboración con el Círculo de Bellas Artes, el Instituto Italiano di Cultura, la Universidad Nebrija y la Fundación Pastor (ver agenda al final de la nota). · Las funciones de L’Orfeo cuentan con el patrocinio de la Fundación BBVA. La coreógrafa Sasha Waltz regresa al Teatro Real, tras su versión de Dido y Eneas, de Henry Purcell, en 2019, con una nueva creación ritual coreográfica, evocadora de celebraciones ancestrales, en una producción ya icónica que ha triunfado en varios teatros y festivales europeos, L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, realizada en colaboración con la Dutch National Opera Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, el Bergen International Festival y la Opéra de Lille. La presentación de esta producción en el escenario madrileño contará con dirección musical del maestro argentino Leonardo García Alarcón, quien debuta en el Teatro Real, junto al Vocalconsort Berlin y la Freiburger Barockorchester, y un reparto de cantantes del universo barroco encabezados por el barítono Georg Nigl (Orfeo), la soprano Julie Roset (Euridice/La Música), la mezzosoprano Charlotte Hellekant (Mensajera/La Esperanza), el bajo Alex Rosen (Caronte) y el bajo barítono Konstantin Wolff (Plutón), entre otros. Sasha Waltz culmina aquí un camino que comenzó en 2004 con Dido y Eneas y que ha transitado, a lo largo de diversas producciones, por la experimentación que integra las artes en un todo armonioso que funciona como una unidad. Los planteamientos teatrales de la danza, el canto y la música tejen un manto de “ópera coreográfica” que cobra especial sentido con esta partitura, ya que fue Monteverdi quien descubrió al público de su tiempo que el teatro y la música podían ser aliados entre sí. Sasha Waltz & Guests fue fundada en Berlín en 1993 por Sasha Waltz y Jochen Sandig. Desde entonces, numerosos artistas de más de 30 países y de disciplinas tan variadas como arquitectura, artes visuales, cine, diseño, literatura, moda, música y, naturalmente, coreografía, han participado como invitados en producciones y proyectos, con un diálogo permanente de creatividad conjunta. La compañía, en constante evolución, está presente con sus producciones en importantes teatros y centros culturales de todo el mundo y une a la interpretación de su repertorio una intensa actividad en el área de la educación. Las funciones de L’Orfeo están patrocinadas por la Fundación BBVA, cuyo programa de actividades contempla la música como una manifestación artística prioritaria. AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS 22 y 23 de noviembre, a las 19.00 horas | Círculo de Bellas Artes La larga sombra de Orfeo: Enfoques: congreso que corre en paralelo al ciclo del Real De la mano de Orfeo en el que analizará el mito de Orfeo desde distintos ángulos, para entender su representatividad en el arte y la cultura europea. Participan: el martes 22 de noviembre, Carlota Fernández-Jáuregui Rojas, Jorge Cano y Oscar Quejido; el miércoles 23, Amalia Iglesias, Juan Barja y David Hernández de la Fuente. Entrada libre hasta completar aforo. 22 y 29 de noviembre | Fundación Pastor Conferencias: El mito de Orfeo y el orfismo: origen, desarrollo y pervivencia 22 noviembre: Orfeo se convierte en un líder religioso, un filósofo ¡y un mago! 29 noviembre: Orfeo después de Grecia: personaje literario, de óperas y del cine 30 de noviembre, a las 19.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque) Charla – concierto: Orfeo barroco Lucía Caihuela (soprano) y Manuel Minguillón (tiorba) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

He tenido el placer de compartir con Eva López Crevillén una inolvidable mañana de domingo. Fuimos al Auditorio Nacional de Música a escuchar un excelente concierto. A ella le encanta la música, incluso hay músicos en su familia. Me doy cuenta de que Eva, que actualmente es la directora del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, ha cubierto, desde sus inicios como bailarina, casi todas las etapas de una evolución profesional verdaderamente exitosa. Además es Catedrática de Análisis y Práctica del Repertorio de la Danza Clásica, Doctora por la Universidad Rey Juan Carlos, miembro del Consejo Superior de Enseñanzas Artísticas y ex-vocal del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, entre otras cosas... Es un ser rebosante de experiencias. Su trayectoria creativa está muy unida a la de Nacho Duato de quien es asistente coreográfica, un tema que dejo en el tintero para una entrevista futura. Sin embargo, el tiempo parece que no pase sobre ella. Posee un atractivo aire de niña fruto de su temperamento activo y curioso. Siempre sonríe. La observo entusiasmada en la primera fila del anfiteatro, como asomada a un balcón sobre la orquesta mientras las notas la envuelven. Me cuenta que el concierto núm. 1 para violonchelo de Shostakovich le trae recuerdos. P.-¿Te gusta la música? -Me encanta, y esta obra de Shostakovich me ha entusiasmado. Me trae recuerdos. P.-¿Qué recuerdos? -Pues, cuando yo era bailarina en los tiempos que Maya Plisetskaya dirigía la compañía nacional, estrené el papel de Lisa en la Fille Mal Gardée, entre el público estaba nada menos que el gran violonchelista Rostropovich, muy amigo de Maya y, según he leído las notas al programa, a quien está dedicada la composición. P.-Te miro y me cuentas cosas tan lejanas en el tiempo que dificilmente identifico con alguien tan joven. -Es que empecé a bailar cuando todavía era menor. P.-¿A qué edad? -Tenía solo 15 años, no había ni siquiera terminado mis estudios de danza cuando María de Ávila me contrató. La compañía se llamaba entonces Ballet Nacional de España-Clásico. Fuí de cabeza compaginando los ensayos de la compañía y mis clases... P.-Es curioso que empezaste con María de Ávila y terminas dirigiendo el conservatorio que lleva su nombre. Es un poco como cerrar un círculo. -Ella ha sido piedra angular de la danza de este país. Dirigir un conservatorio que lleva su nombre, me produce en cierta forma una mayor responsabilidad para estar a su altura. Nunca escatimo esfuerzos, trato de hacer todo lo posible para mejorar día a día. P.-Cierra los ojos y visualiza la primera vez que viste a María de Ávila. -Me viene a la mente mi primera actuación profesional. Fue en el Teatro de la Zarzuela en el segundo acto del Lago de los Cisnes. María de Ávila vino a ver el ensayo en la sala enorme que se construyó en los sótanos del Teatro Real. Tenía un gran carisma y era muy distinguida. Imponía respeto con su sola presencia. Nos hablaba de usted. Transmitía las correcciones de forma que te parecían importantísimas. Era muy exigente e insistente. Quería la perfección. P.-¿Ha cambiado mucho la forma de enseñar? -Sobre todo, las nuevas generaciones tienen posibilidad de formarse de una manera mucho más completa. P.-El María de Ávila es el Conservatorio Superior ¿Cuál es la diferencia con el resto de conservatorios "no superiores"? -En los centros de educación superior artística impartimos estudios de grado y de posgrado que conducen a la titulación de Grado en Enseñanzas Artísticas Superiores y a la titulación de Máster en Enseñanzas Artísticas Superiores (ahora, en el CSDMA, estamos trabajando en la elaboración del plan de estudios de un máster). P.-¿La posibilidad de obtener el Título de Grado en Enseñanzas Artísticas Superiores en Danza (CSDMA) como lo valoras? -Eleva el reconocimiento social de la danza, ya que los estudios se sitúan al mismo nivel que el resto de materias universitarias (derecho, ingeniería, arquitectura...), dentro del Espacio Europeo de Educación Superior. P.-¿Podrías definir el objetivo de la educación superior? -En mi opinión lo que se busca es formar el espíritu crítico de los estudiantes, y, por ende, de los profesionales de la danza y, asimismo, proporcionarles muchas más oportunidades para desarrollarse en esta disciplina. Como bien sabes, los caminos de la danza son estrechos, no todos podemos estar en la misma senda a la vez. Es interesante encontrar vías alternativas, es decir, hacerte tu propio lugar en el mundo de la danza. Esto es algo sobre lo que incido mucho. Me parece que con los estudios superiores y, desde el centro que dirijo, se puede contribuir a que el alumnado encuentre su propio espacio, "propio" en el sentido de único, personal... P.-¿Qué piensas podría hacerse para lograr una mayor difusión del arte de la danza? -Lo importante sería lograr que la danza se asiente con más rotundidad en la sociedad, especialmente en España en donde hay muchas dificultades. Necesitamos mucha más presencia, tanto en la educación general como en el ámbito cultural, para que existan más compañías de danza, más teatros que programen danza... Creo que desde mi posición de directora puedo contribuir a conseguir esa mayor presencia de la danza y también considero que el Conservatorio Superior puede ayudar a alcanzar este propósito. De ahí que abordemos proyectos de formación de nuevo público, de acercamiento de la danza a la infancia y a la juventud, y otros proyectos de servicio a la comunidad y otras actividades como congresos y encuentros. Todo ello para potenciar la danza y hacer que esta llegue a todos los contextos, profesionales y aficionados, e incluso acercarla a los que no la conocen todavía. P.-¿Hay mucha demanda de plazas para cursar los estudios superiores de danza? -Sí, más de la que podemos absorber, por esto estamos luchado para conseguir una mejor sede para nuestro conservatorio. Sería necesaria una sede con más aulas y de mayores dimensiones para poder acoger más estudiantes. Al mismo tiempo estoy trabajando por conseguir que la sede reúna los requisitos que establece la normativa. Me estoy refiriendo, concretamente, a tener un teatro en el centro y un espacio para almacenaje de vestuario y escenografía. P.-¿Vuestros estudiantes, cuando obtienen el grado, encuentran salidas? -El nivel de inserción laboral de nuestro alumnado es elevado. Muchos consiguen su trabajo en el extranjero, en los proyectos que hay en España y en las compañías y en las escuelas y conservatorios de danza también de nuestro país. P.-¿Los hay que montan sus propias compañías? -Sí, muchos de ellos ponen en marcha proyectos propios. Son emprendedores, lo que tratamos de incentivar mucho en el centro. Hay una actividad que llevamos a cabo en el CSDMA para potenciar el espíritu emprendedor y el trabajo en equipo que se denomina Emprendanza. También brindamos la oportunidad de estudiar en el CSDMA a los profesionales de la danza en activo, lo que es muy valorado por este colectivo que demanda estudiar en nuestro centro en un porcentaje elevado. Por eso necesitamos ampliar el centro. P.-Lo que me parece de tu forma de ser, es que siempre quieres ir más allá, que no te acomodas. -Sí, fijo objetivos, proyectos que lograr para ir un paso más allá. Por ejemplo: conseguir una compañía para que el alumnado pueda realizar sus prácticas en ella, en el CSDMA. Una compañía, tal y como existe en otros centros superiores del extranjero, como pueden ser los conservatorios superiores de París y de Lyon. Miro hacia el extranjero y deseo conseguir que nuestro centro y nuestro país se igualen a otros centros superiores y a otros países de nuestro entorno europeo. P.-¿No crees que generaría rivalidad con las compañías profesionales? -La compañía no rivalizaría con las compañías profesionales, ya que su objetivo es meramente formativo, como ocurre en las de los conservatorios superiores de Lyon y París que he mencionado anteriormente. Otro aspecto que sería muy necesario son las leyes de mecenazgo como existen en otros países, que incentivan la llegada de fondos para las artes. Al mismo tiempo, estoy trabajando en algo que me llena de satisfacción y que voy a compartir contigo en primicia: he sido nombrada Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Santa María de la Arrixaca de Murcia. Estoy escribiendo el discurso de entrada. P.-Eva, no paras, no sé si me va a caber todo en una sola entrevista... -Soy muy inquieta, no se escatimar esfuerzos. Me gusta el trabajo bien hecho, por lo que cuando abordo uno, me vuelco en cuerpo y alma. Nunca me ha gustado acomodarme. Me estimula enfrentarme a nuevos retos para superar mis limitaciones. Quizás esto se deba a que desde muy pequeña he tenido que hacer muchas cosas a la vez: los estudios generales, los de danza, los de música…, eso ha provocado que sea muy activa y curiosa. Simplemente, me considero una “eterna” alumna. P.-¿Me puedes contar cómo ha sido tu experiencia al visitar otros centros de danza de otras capitales? -Tengo la fortuna de que me han invitado a impartir cursos, a veces también clases magistrales en el extranjero (en alguna ocasión también en España, pero últimamente ha sido más en el extranjero). Recientemente, he estado en Rumanía, Francia, New York. Suele durante mis vacaciones. P.-¿Qué sensaciones recibes? -La experiencia para mi es muy positiva, me permite comparar el nivel de nuestro alumnado en relación al de otros lugares. Tenemos que estar permanentemente actualizándonos. Por tanto, no podemos quedarnos anclados en cómo nosotros bailábamos o cómo se bailaba en nuestra época o cómo era en el momento en que empezamos a enseñar. Ese contacto con otros lugares me permite testar cómo está el mundo profesional y, por tanto, reflexionar sobre lo que tengo que modificar en mi docencia o cómo tengo que orientar a mi alumnado para que pueda tener esa buena inserción laboral, que, al final, es nuestra misión principal. Creo que uno de los grandes peligros, cuando uno se dedica a enseñar durante varios años, es instalarse o encerrarse en las cuatro paredes del conservatorio y hacer permanentemente lo que vienes haciendo habitualmente. Yo trato de salir de mi zona de confort y mejorar. P.-¿Tenéis convenios con otros centros extranjeros? -Es algo que estamos potenciando. Desde que soy directora hemos incrementado el número de estudiantes de acogida en el CSDMA que proceden de instituciones de educación superior extranjeras, bien de la Unión Europea, bien de Estados Unidos. También queremos aumentar el número de países con los que hacemos intercambio. Por otro lado, hemos incrementado el número de estudiantes del conservatorio que salen a estudiar a instituciones de educación superior del extranjero. Lo que se ha inaugurado en mi etapa como directora es el intercambio de docentes, que enriquece en ambos sentidos. P.-Además eres miembro del Consejo Superior de Enseñanzas Artísticas, ¿Qué actividad se desempeña en ese organismo? -Es el órgano consultivo del Estado y de participación de los sectores relacionados con las enseñanzas artísticas. Desde ese lugar trabajo por las enseñanzas artísticas, en general, y por las enseñanzas artísticas de danza, en particular. Estoy al servicio del sector. Hemos trabajado desde la Comisión permanente de este órgano abordando temas que estaban pendientes. Ahora nos encontramos en un momento fundamental porque la LOMLOE establecía que se iba a promulgar una ley específica de enseñanzas artísticas. Esta ley es muy anhelada, por lo que hay muchas expectativas volcadas en ella. Se espera que impulse y asiente, definitivamente, a las enseñanzas artísticas superiores, a los centros, a su personal y a sus estudiantes. P.-Tienes muchos frentes abiertos. De todos trata de escoger que es lo que mayor satisfacción te produce. -Pues mira, simplemente, cuando veo que el alumnado se está formando bien y que obtenemos buenos resultados, es cuando siento que todos nuestros desvelos han merecido la pena y que hay que seguir trabajando, para lograr resultados cada vez mejores. MERCEDES ALBI

Antonio Najarro es una personalidad que parece gozar del don de la ubicuidad, como esos seres divinos de los que el resto de los mortales afirman haberlos visto en dos lugares distintos al mismo tiempo. Y es que no solo nos visita en nuestras casas todo los lunes a las 20 horas a través de la pantalla de la tele, con "Un país en Danza" -el programa que dirige-, sino que además aparece en los lugares más diversos del planeta implementando nuevos proyectos, lanzando la danza española hacia nuevos escenarios. Termina de regresar de Glasgow donde ha coreografiado una nueva producción de la ópera Ainadamar. P.-¿Qué tal ha ido el estreno de la nueva producción de la ópera Ainadamar? -Ha sido una experiencia increíble. La directora ha sido Deborah Kolker, un coreógrafa brasileña muy conocida. Ella trabajo mucho con bailarines de todo tipo: contemporáneos, muy fibrados, acróbatas... Tiene una visión muy interesante, es muy teatral, muy visceral. P.-¿Podrías resumirme el estilo de Ainadamar en una sola frase? -Yo diría que es una obra muy contemporánea, pero sumamente emocional. Imagínate que algunas personas del público terminaron llorando. Dicen en el teatro que es la ópera que más ha impactado al público. P.-¿Cómo te planteaste tu coreografía? -Afronté el reto de llevar a la ópera contemporánea la danza española actual, con toda su fuerza, sin clichés, ni volantes gratuitos. Cada elemento escénico poseía un significado hondamente simbólico, muy teatral y muy emocionante. P.-¿Ha sido complicado moverte en un ámbito tan diferente como es un teatro de ópera donde no se conoce mucho la danza española? -El trabajo desarrollado ha sido muy intenso, había que hacer moverse a los a los cantantes principales, al coro, a bailarines de estilos diferentes. La directora, Deborah Kolker, tenía una visión de unidad, que todos quedasen integrados, que casi no hubiera diferencia entre ellos en los números grupales con el objetivo de dar unidad al conjunto. Ha sido un trabajo muy enriquecedor. P-¿Has contado con bailarines españoles? -He llevado algunos bailarines de España, otros eran de Londres. Me siento satisfecho con el resultado. P.-¿Quienes eran los bailarines españoles? -Aitor Hernández, Juan Pedro Delgado y Julia Ruíz. P.-Creo que entre el público habían personas muy destacadas de las artes escénicas internaciones ¿Se puede contar? -Claro. Estaba el director del Metropólitan de New York, de la Ópera de Detroit. Les ha gustado mucho. P.-Realmente no paras. Casi te pierdo la pista de tantas cosas que haces ¿Desde el pasado verano hasta ahora en cuantos lugares has estado? -Bueno, en julio hicimos con mi compañía nuestro nuevo espectáculo, "Querencia", en los Veranos de la Villa con la Orquesta Sinfónica de Extremadura en directo, y fue un bombazo; luego viajé a Paraguay a impartir una masterclass dirigida los alumnos danza española de allí, hicimos funciones con la compañía; todo el mes de agosto estuve rodando los programas de la segunda temporada de "Un país en danza", y recorrí España de norte a sur porque quería entrevistar a los artistas en sus entornos (Madrid, Jérez, Rentería, Zumaya...); en septiembre, con mi compañía, bailamos en España y Francia (Marsella, Arcachon); en octubre en Glasgow comenzamos el montaje de la ópera que compaginé con las actuaciones de mi compañía en Valladolid y Jérez... Y tengo proyectos muy interesantes. P.-Dime el más próximo. -Va a ser en Toulouse iré a trabajar con los bailarines del Ballet du Capitole en Don Quixote, y en enero, con esta misma compañía iré a remontar mi coreografía "Tablao" que ser representará en París. P.- ¿Y en España? -En unos días me voy al Concurso Flamenco de Córdoba como miembro del jurado. De aquí a fin de año tenemos iremos con mi compañía a Salamanca y a Toledo. Me siento muy motivado de afrontar nuevos retos y nuevos caminos para la danza española. MERCEDES ALBI

La coreografía de Antonio Najarro para la ópera Ainadamar triunfa en la Ópera de Escocia. Najarro se posiciona como uno de los coreógrafos de Danza Española de más proyección internacional. Antonio Najarro ha sido el coreógrafo elegido por la directora brasileña Deborah Colker para llenar de Danza Española y Flamenco la Ópera AINADAMAR de Osvaldo Golijov, que se presentará en varios de los Teatros de Ópera más importantes del mundo, entre ellos, la Metropolitan Ópera de New York. El pasado sábado día 29 de Octubre se produjo el estreno de esta original versión de Ainadamar en el Teatro Real de Glasgow, recibiendo una gran ovación por parte del público escocés. Para Najarro, bailarín y coreógrafo internacional, “Ha sido un trabajo muy intenso en Glasgow, con bailarines, cantantes y músicos de diferentes nacionalidades. Quería que uno de los puntos fuertes de esta ópera fuera el impacto de mostrar la Danza Española y el Flamenco contemporáneo a través de coreografías que ayudaran y apoyaran la narrativa, coreografías llenas de energía, virtuosismo y mucha emoción. Un reto superado y, vista la reacción del público tras nuestro estreno, muy bien aceptado”. Reimaginando la vida y la obra del poeta y dramaturgo Federico García Lorca, Ainadamar aborda la vida de Lorca a través de los recuerdos de su musa y amiga Margarita Xirgu. Mientras Margarita cuenta su historia a su alumna Nuria, Ainadamar mira hacia el legado de Lorca cómo mártir artístico y reflexiona sobre su vida y obra, una asombrosa explosión de amor, pérdida, poesía, música, danza, guerra y el poder de la memoria. La electrizante partitura de Golijov entrelaza influencias de todo el mundo en una hipnotizante mezcla de ópera, canto y danza tradicionales de Andalucía. “Me hace muy feliz que la Danza Española vaya a representarse a través de esta ópera en varias de las escenas internacionales más importantes”. Ainadamar se presentará en el 2022 en el Teatro Real de Glasgow, el Festival Theatre de Edinburgh y en el 2023 en la Welsh National Ópera, Detroit Ópera House y en el Metropolitan Ópera de New York. AINADAMAR Libreto - David Henry Hwang Música - Osvaldo Golijov Director de Orquesta - Stuart Stratford Directora / coreógrafa- Deborah Colker Coreografo Flamenco - Antonio Najarro Diseñador de vestuario, escenógrafo - Jon Bausor Diseñadores luces - Paul Keogan Vídeo - Tal Rosner Asistente de dirección - Fernanda Cavalcanti &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Creada durante la pandemia, la Fundación se inspira en la labor del cirujano Fernando Fonseca que dedicó su carrera a intervenir niños con discapacidad. La formación de cirujanos en África y la realización de misiones quirúrgicas son las áreas prioritarias de la Fundación. La Campaña ‘Ayúdanos Bailando,’ presentada por Nacho Duato, está dirigida a escuelas de ballet y establecimientos vinculados a esta disciplina. La presentación de la Campaña ‘Ayúdanos Bailando’ tuvo lugar el pasado viernes, en el Café de Oriente de Madrid, a cargo de Fina Sensada, presidenta de la Fundación, Nacho Duato, patrón y vocal, y el doctor Marc García-Elías, presidente honorífico. "Mi pequeña Chanceline" La historia de la niña Chanceline llegó a Nacho Duato a través de un documental dirigido por Fina Sensada, compañera del Dr. Fernando Fonseca, y presidenta de la Fundación Fernando Fonseca, creada con posterioridad al fallecimiento del eminente traumatólogo el pasado 2014. Sucedió que, un día, en el Centro de Discapacitados “Notre Dame de la Paix” en Mondou (Chad), donde Fernando Fonseca operaba y trataba a niños con secuelas de poliomielitis, deformidades de brazos y piernas por quemaduras o mutilaciones, llegó una mujer que había caminado desde muy lejos, mostrándole en sus brazos a su hija Chancelín, una niña que no podría ponerse en pie. La examinó. La pequeña padecía una grave malformación: había nacido sin tibias. El doctor se sintió abrumado. Era muy duro verse obligado a decirle a la madre que había que amputar las piernas de su hija. Trató de encontrar una solución, viajo a España, consultó. Regresó al Chad incluso con la esperanza de que algún milagro hubiera hecho que Chaceline desarrollase sus huesos… Pero no fue así, había que cortar sus piernas. Fina Sensada filmó la historia en un documental titulado “Mi pequeña Chanceline”, involucrándose personalmente en todo el proceso de la operación, llegando incluso llegó a convivir con Chanceline y su madre para narrar como era su día a día. Por desgracia, el Dr. Fonseca falleció en 2014 a consecuencia de un tumor cerebral. Tras el impacto de su muerte se le perdió la pista a Chancelín. Nacho Duato, al ver el documental, quedó impactado, ¿Dónde estaba Chanceline?¿Qué había sido de ella? Se propusieron localizarla. Tardaron cinco meses en encontrarla. Chanceline tenía 18 años, ya no era una niña, acababa de dar a luz a un niño sin padre. Necesitaba unas prótesis nuevas que le posibilitaran caminar, pero lo que más falta le hacía, dijo, era una casa, pues la suya había sido arrastrada por el agua durante las lluvias. Lo había perdido todo. La Fundación Fernando Fonseca, recién creada durante la pandemia por Fina Sensada, la ayudó. El coste total de las prótesis, la casa y un microcrédito para iniciar un negocio de venta de mijo, no superó los tres mil quinientos euros, comentó Nacho. Campaña "Ayúdanos bailando" Va dirigida a tiendas, escuelas y academias de danza para que conozcan y colaboren con la fundación. Y opina: “El arte de la danza se ha convertido a lo largo de la historia en una herramienta que engrandece, que dignifica y que invita a la reflexión sobre el trabajo continuo, la persistencia y la resiliencia. La solidaridad forma parte del ADN de la danza y en esta campaña queremos enfatizar que la sensibilidad y el compromiso no se queda en un escenario sino que puede y debe traspasar fronteras”. La Fundación está abierta a cualquier idea o colaboración, pues como decía el Dr. Fonseca; “en la adversidad esta la auténtica creatividad para transformar la tristeza, la impotencia, la rabia, y el dolor en arte”. Nacho Duato se dispone a poner en marcha el diseño de un programa de ejercicios de rehabilitación para los niños operados, en el que la música y la danza sean la base. El arte como medio de sanación del espíritu. También se ha editado un libro "Friend Amddukkl", ilustrado por el coreógrafo, basado en el infancia del Dr. Fernando Fonseca, que viviendo en el norte de Marruecos, donde su padre estaba destinado como militar, vivió de cerca la muerte de su mejor amigo, un niño marroquí que no pudo recibir tratamiento para la tuberculosis que padecía. Fue en ese momento cuando eligió el destino de su vida: ser un médico que pudiera salvarles. El arte está muy presente en todas las innovadoras acciones de concienciación que la Fundación promueve. En el campo de cine y cooperación, las filmaciones de Fina Sensada impactan profundamente. Sus imágenes remueven las conciencias. El documental "Mi pequeña Chanceline" se estrenará próximamente en el Festival de Cine Sitges. Esperamos que nadie pierda la oportunidad de verlo. Además de Eva López Crevillen, directora del Conservatorio María de Ávila, acompañaron a Nacho Duato otros artistas, como Aída Gómez y Ángel Rodríguez. Fue un acto muy emotivo. El propósito de la campaña "Ayúdanos bailando" es involucrar a los bailarines en los programas de recuperación a través de la danza, por lo que la Fundación está abierta a la cooperación con los artistas. También hace un llamamiento en esta campaña a tiendas, escuelas y academias de danza, para que se planteen destinar, si fuera posible, un mínimo porcentaje de sus beneficios a ayudar a estos niños y a promover acciones de la Fundación Fernando Fonseca. Pues tal como afirmó el Dr. Marc. García Elías: "Solo se pierde el paciente, si se le abandona". MERCEDES ALBI

La estrella de la Ópera de París y anterior director de la Compañía Nacional de Danza, se convierte en el séptimo extranjero en dirigir la compañía de ballet más antigua y prestigiosa del mundo. El cartagenero suma su nombre a leyendas del ballet como Jean-Georges Noverre, Jean Coralli, Arthur Saint-Léon o Rudolf Nureyev, quien seleccionó a Martínez para que entrara como bailarín en 1988. José Carlos Martínez (Cartagena, 1969) ha sido nombrado director de ballet de la Ópera Nacional de París, según ha confirmado la propia institución a través de un comunicado. Se trata del primer español y del séptimo extranjero en ostentar la dirección de ballet de la renombrada compañía, la más antigua del mundo del ballet. Sucede en el cargo a Aurélie Dupont. De esta manera, José Carlos Martínez suma su nombre a la lista de leyendas que han dirigido el ballet de la Ópera Nacional de París, desde su fundación en 1673 bajo las órdenes de Pierre Beauchamp. Entre ellos, destacan algunas figuras como Jean-George Noverre –en cuyo honor se celebra el Día Internacional de la Danza el 29 de abril-, Jean Coralli (coreógrafo de Giselle), Arthur Saint-Léon (coreógrafo de Coppélia), Lucien Petipa y Rudolf Nureyev, entre otros. Fue el legendario Rudolf Nureyev, el último extranjero en dirigir la prestigiosa casa de ballet antes que el cartagenero, quien le escogió personalmente a José Carlos Martínez como miembro del Cuerpo de Baile del Ballet de la Ópera de París en 1988. Alcanzó la categoría de estrella en 1997, donde se mantuvo hasta su retirada de los escenarios en 2011. Premio Nacional de Danza, Benois de la Danse –óscar del ballet-, Comandante de la Orden de las Artes y de las Letras en Francia y Medalla de Oro de su localidad natal, Cartagena, Martínez desempeñó el cargo de director artístico de la Compañía Nacional de Danza entre los años 2011y 2019. En los últimos años ha despuntado en su faceta de coreógrafo con sus premiadas versiones de los grandes clásicos del ballet como El Corsario, premio Danza & Danza a la mejor producción clásica en Italia en 2020. GALA DE NAVIDAD Como ya se había anunciado con anterioridad, próximamente Cartagena acoge la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, bajo la dirección artística de José Carlos Martínez, quien fuera estrella de la Ópera de Paris y anterior director de la Compañía Nacional de Danza. El espectáculo se nutre de una exquisita selección de los extractos de los ballets más bailados en la historia y de otras piezas de diversos estilos como la danza española o el lenguaje contemporáneo, que serán interpretadas por primeros bailarines y solistas españoles que triunfan en compañías nacionales e internacionales. La Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza tendrá lugar el 27 de diciembre en el Auditorio y Palacio de Congresos El Batel (Paseo Alfonso XII, S/N, Cartagena). Se trata de la cuarta edición de la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, que en ocasiones precedentes había recalado en Murcia capital y esta vez, se traslada a la ciudad natal de José Carlos Martínez, Cartagena. Además de la versión navideña, la Gran Gala de Estrellas de la Danza ha visitado las localidades de Alicante, Pamplona y Marbella, dando la oportunidad a muchos bailarines españoles de bailar en su tierra. Las entradas para la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza están a la venta en la taquilla del Auditorio y Palacio de Congresos El Batel. LOS DATOS Espectáculo: Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza. Director artístico: José Carlos Martínez. Lugar y fecha: Auditorio y Palacio de Congresos El Batel, 27 de diciembre, a las 20,30 horas. Entradas: 24,00 -40,00 €. Iratxe de Anratzibia

Ayer hemos asistido al feliz alumbramiento de una nueva criatura, se estrenó "Pharsalia" de Antonio Ruz en la Sala Roja de los Teatros del Canal. Y encontrándonos inmersos en un periodo de baja natalidad, presenciar este nacimiento nos reconcilia con el verdadero arte de la danza. Imaginemos que el coreógrafo es un pintor ante un lienzo en blanco. Los hay más ricos, generalmente amparados por el manto de lo público, que disponiendo de una enorme paleta de colores, sin embargo, optan por la reproducción y acuden una y otra vez al Museo del Prado a copiar obras antiguas; otros se lanzan al vacío, porque sí son verdaderos artistas, se alimentan del reto, y desde la nada comienzan a crear un todo. Eso es "Pharsalia". La poesía de Lucano -poeta cordobés del siglo I, sobrino del filósofo Séneca- nos habla, veinte siglos después, a través de la corporeidad. Algunas estrofas del poema se declaman en latín, con unas voces en off asimiladas en un espacio sonoro que, más que música, es un latido. Todo está perfectamente integrado. El uso del latín acentúa ese carácter de germen, de pura raíz nuestra. Y, al mismo tiempo, subraya el eco sagrado de las letanías. Al comienzo, sobre la escena aparecen un hombre y una mujer como si fuesen los primeros habitantes del planeta en formación, unos Adán y Eva originarios, en un paso a dos nada acelerado, de tintes escultóricos. Se separan, no se entienden, la violencia anida en los humanos desde su gestación. La escenografía de Alejandro Andújar es exquisita. Se desarrolla en su mayor parte dentro de una burbuja, un mundo violento y atemporal que atrapa a sus bailarines-habitantes, en una guerra sin tregua. Caen, mueren, resucitan. El diseño lumínico de Olga García es de absoluta maestría. Crea campos de luces y sombras nada estáticos, sino llamativos y subyugantes. Ambos han creado ese ámbito perfecto para que la coreografía de Ruz y los bailarines trasciendan. El elenco está sabiamente escogido. Todos los bailarines son distintos pero poseen excelente técnica y, sobre todo, mucha personalidad. Sus pasos y el desarrollo coreográfico están cargados de simbolismo estético. Por ejemplo, casi al final del abandono de la burbuja, la bailarina Alicia Najeros agrupa los cuerpos de sus compañeros caídos. Ella parece la mismísima personificación de Afrodita en el cuadro del Nacimiento de Venus, es totalmente "botticeliana". La Compañía de Antonio Ruz abre ante nosotros un nuevo universo para hacernos reflexionar. Pharsalia es una especie de redención. En el final, los bailarines-habitantes salen de la burbuja, abandonan la atemporalidad y regresan a escena vestidos con atuendos contemporáneos. Son como nosotros, son el público, nos integran en un mundo del que nunca hemos dejado de formar parte. Pharsalia despierta los sentidos. No se agota con verlo una solo vez. El espectador se sumerge en un auténtico "latens corpus". No hay fisuras, no hay fragmentación, la intensidad estética alcanza su máximo. El público, más joven de lo habitual, llenaba el teatro y aplaudía con entusiasmo. Entre ellos había muchos bailarines del Ballet Nacional de España y artistas de gran talento, como Albert Hernández, que mostraron una gran impresión; pero fue la coreógrafa Pilar Villanueva la que me dio la mejor definición: cuando le pregunté admirada, "¿Has visto qué plástica?", me respondió "Es que la plástica de Antonio Ruz es piel". MERCEDES ALBI

Cuando recibo la grata noticia de la obtención de nuevo galardón internacional para el documental "En mis zapatos", -protagonizado por el bailaor Paco Mora y su madre Carmen, dirigido por Pedro Morato- a cuyo preestreno en el Teatro de La Latina tuve el placer de asistir hace poco más de un año, me afianzo en la creencia del gran poder que contienen las historias. Su trama refleja lo cotidiano, el día a día de Paco Mora, el artista que deja todo, abrumado por la responsabilidad de cuidar sólo a Carmen, su madre aquejada de Alzheimer. Es una película sin héroes ni villanos, que toca muy adentro del espectador. Al verla, uno mismo queda atrapado en esa historia que comparte la misma "h" de la palabra humanidad, sin importar si se exhibe en Biarritz, en Bruselas o en Córcega. P-En primer lugar, Paco, enhorabuena por este nuevo premio en la 16ª Edición del Festival de Córcega (CORSICA DOC). Sabía que el documental sería un gran éxito, lo predije. Desde el estreno han sucedido muchas cosas, ¿En qué momento os encontráis? -Bueno, pues estamos ahí luchando y presentando "En mis zapatos" en varios festivales de cine. Hemos obtenido premios, despertando mucho interés por parte de jurado y público. P-Lleváis un montón de galardones, con lo difícil que es para cualquier película simplemente el ser seleccionada para participar, entre cientos de ellas... ¿Cuáles son los premios logrados? -Fuimos Primer Premio en el Festival Fipadoc de Marsella; en el Festival de Cracovia quedamos finalistas compitiendo con producciones al nivel de HBO; ahora en Córcega obtuvimos el premio a la mejor película documental de temática social; recientemente, hemos sido nominados al Premio Súper-cuidadores, como mejor cuidador, la película nominada al mejor documental y también concurro como el mejor proyecto social dentro del sector Dependencia. Luego nos vamos a Bruselas, donde "En mis zapatos" ha sido nominada para el premio al mejor documental. P-Me parece casi milagroso cómo, con tan poco presupuesto, habéis llegado tan lejos, y sin ayuda pública. ¿Cuánto ha costado "En mis zapatos"? -Nuestra economía... Bueno, si te fijas, la productora es belga, porque aquí en España, ninguna se interesó. Al director, Pedro Morato, le dieron una beca allí para poder terminar la película, de unos seis o siete mil euros, y con eso partimos. Luego a través de crowdfunding, conseguimos otros diez mil y alguna aportación que yo puede hacer al proyecto. En total no hemos podido emplear más de unos veinte mil euros. P-Eso no es nada para lo lejos que habéis llegado, ¿Dónde crees que está el secreto? -Yo creo que nuestro secreto, nuestra principal baza, era la verdad, transcribir la verdad a un medio audio-visual. Eso es lo primero que le dije al director, le pedí que, si íbamos a hacer la película, quería enseñar la realidad, no quería mostrar al bailaor "pobrecito" que ha dejado su carrera, ni al hijo abnegado que cuida de su madre, sino la verdad de lo que significa ser cuidador, que es una putada, quiero mostrar que pierdo la paciencia, quiero mostrar que lo hago mal porque la situación no me permite hacerlo mejor. En el documental no hay pretensiones, no existe la intención de posicionarnos profesionalmente, ni la intención de lograr un rédito económico. P-Entonces, ¿Cuál es vuestra intención? -La intención es meramente comunicativa. Pedro, a pesar de lo joven que es, posee un enorme talento y dominio cinematográfico. Buscando la autenticidad y con su modo de rodar la historia, creo que lo hemos conseguido. Es un poco como con tus textos. Tu escribes desde la verdad, sin ninguna pretensión, cuentas desde lo que sientes, desde lo que te emociona y te motiva, y a partir de ahí nacen tus críticas y tus crónicas. Yo creo que tienes ahí la respuesta. P-Paco, me emocionas. Contigo me siento incapaz de reducir a palabras lo que a través de tu evolución he presenciado, este "road movie" increíble de tu vida, con ese modo milagroso de reinventarte. Lo que me resulta difícil de comprender en el proceso que vive el cuidador es la razón por la que llegáis a sentiros culpables frente al enfermo, cuando habéis hecho todo lo que estaba en vuestra mano por ellos. -La culpabilidad es algo incontrolable, porque la enfermedad te hace actuar como alguien extraño a ti mismo, y en la desesperación, que a veces te invade, llegas a olvidarte de lo mucho que quieres al que cuidas. Se intenta luchar contra un destino inamovible y cruel al que te enfrentas, incluso llegas a ver en tu familiar la imagen física de la enfermedad, que es en realidad la gran culpable. -Pero es injusto que seáis los buenos los que os sentís culpables, cuando seguro que los malos hijos son indiferentes a toda responsabilidad... En fin, cambiando de tema, ¿Tienes algún proyecto artístico en mente? -Actualmente estoy poniendo en marcha un proyecto turístico especializado que tendrá lugar dentro del ámbito rural extremeño. Está dirigido a cuidadores y familiares con servicio de atención personalizada para que puedan hacer tranquilos turismo y descansar. Está todo dentro del marco del proyecto "Flamenco para recordar" y su objetivo de concienciar de la necesidad de que el cuidador debe cuidarse para poder cuidar. Sigo batallando con el arte a las espaldas. MERCEDES ALBI

En momento en que el arte escénico trata de sobreponerse al shock pandémico de los últimos tiempos, se agradecen más si cabe propuestas atrayentes como la que se encuentra listo para emprender alguien a quien considero uno de los artistas más creativos del momento: Antonio Ruz. Los próximos días 21, 22 y 23 de octubre, estrena Pharsalia, en la Sala Roja de los Teatros del Canal. Es la primera producción de gran formato que afronta la Compañía Antonio Ruz. Siempre es un placer conversar con él por lo que aprovecho esa amable cordialidad y cercanía que le caracteriza para que nos adelante algo sobre su Pharsalia. Así ha sido, y he terminado nuestra breve conversación diciéndole: “Respondes siempre cosas interesantes. Si alguien es interesante… hace cosas interesantes” Pronto podremos comprobarlo. P.- Antonio, cuéntanos algo sobre este nuevo espectáculo, ¿Cómo es que te decidiste a afrontarlo? -Ya sabes que yo siempre me meto en líos diversos, en “berenjenales” muy estimulantes al menos para mí… Y espero que este, si lo ves, lo sea también para ti y, por supuesto, para los espectadores. P.-¿En qué momento decides ponerlo en marcha? -“Pharsalia” es un trabajo coreográfico que se gestó hace año y medio por varios motivos. Como coreógrafo independiente no había tenido todavía la oportunidad de hacer una obra de gran formato. Después de Electra que hice para el Ballet Nacional de España, luego vino “In paradisum” para la Compañía Nacional de Danza, y en esa estela sentí la necesidad de dar un paso y pensar un poco más en grande. P.-¿Por qué has decidido acometer un proyecto de mayor dimensión? -Muchas veces debido a la situación del sector, ni nos planteamos emprender proyectos grandes, que tengan al menos más de cinco bailarines, con una escenografía, un vestuario, música y todo lo que conlleva… Pero mi reciente experiencia con las obras que he tenido la oportunidad de crear para las compañías nacionales me ha propiciado un bagaje me ha impulsado a afrontar un espectáculo de gran formato. También sucedió algo más que me obligó a decidir mi rumbo a seguir. P.-Cuéntamelo. -Verás. El año pasado me ofrecieron una dirección en ballet de Alemania y estuve valorando muy seriamente esta posibilidad, pero, finalmente, no acepté. No quería arriesgarme a perder una alta dosis de mi libertad creativa. Así que decidí quedarme en España para profundizar y hacer mi próximo trabajo a lo grande. En ese contexto nació Pharsalia. -.¿De qué trata Pharsalia? -Se basa en un poema épico de mi paisano Lucano. Un poeta cordobés del siglo I, sobrino de Séneca, que emigró a Roma sinedo un niño y del que solo se conserva esta epopeya, que además dicen que está inacabada. Empecé a investigar. Me encantó la obra, trataba sobre una visión de la guerra universal, casi cósmica. Pensé en lo complejo que era abordar desde la perspectiva de la danza un tema tan desgarrador como el que transmitían los versos… Llegué a la conclusión que a pesar de que lo bélico genera circunstancias muy duras de digerir, siempre desde el punto de vista de la belleza, desde un algo sublime que nos sobrecoge, es posible reflejar coreográficamente imágenes que incitan a la reflexión. P.-¿Haces referencias a la guerra de Ucrania o algún conflicto concreto? -No. Cuando empecé a escribir el proyecto habían una decena de conflictos bélicos en el mundo, y de repente estalló la guerra de Ucrania. Pero no me refiero a un país concreto, si bien el estallido de un conflicto tan cercano me corroboró la idea de que la guerra, por desgracia, forma parte del ser humano desde sus orígenes, y por ello es un tema tratado en la historia del arte en todas sus representaciones. Hemos partido de la premisa del cuerpo en guerra, del conflicto pero no únicamente desde la vertiente colectiva sino también de la guerra psicológica contra uno mismo, y otras vertientes: la guerra social, familiar, biológica… Lo definiría como poéticas del conflicto. P.-¿Cómo seleccionaste a los bailarines? -He escogido el elenco con mucho detalle a fin de poder transmitir lo que tenía en mente. Son once bailarines de cinco nacionalidades diferentes porque quería reflejar ese matiz de universalidad del conflicto. P.-¿Qué has buscado plasmar? -Pharsalia no busca para nada una exaltación de la guerra sino que se trata de una reflexión sobre la barbarie en clave contemporánea, la danza como arte de salvación. MERCEDES ALBI

TVE acaba de presentar la segunda temporada de UN PAÍS EN DANZA, idea original de Antonio Najarro, exdirector del Ballet Nacional de España. El espacio ha sido concebido como una manera de acercar al gran público la Danza Española y sus diferentes disciplinas, patrimonio cultural y artístico de nuestro país. Un país en el que, como el mismo Najarro lamenta, "se habla poco de danza, a pesar del enorme talento artístico que atesoramos y de ser tan valorados a nivel internacional". Para Najarro, UN PAÍS EN DANZA es "la consolidación de un proyecto personal con el que he pretendido dar visibilidad en la televisión pública a la danza de nuestro país". "No se puede amar lo que no se conoce -explica- por eso este espacio es una gran oportunidad para dar a conocer a los mejores intérpretes, coreógrafos y creadores de la danza española en todos sus estilos". Iratxe Ansa e Igor Bacovich, protagonistas del segundo programa de 'Un país en danza' Iratxe Ansa e Igor Bacovich son dos de los mejores bailarines de danza contemporánea del mundo. Tras cosechar éxitos en diferentes compañías fuera de nuestro país, han regresado a España para fundar Metamorphosis Dance, una compañía que ha apostado por crear coreografías innovadoras y nuevas propuestas artísticas con una proyección internacional. Igor Bacovich comenzó a bailar muy tarde. "Estudiar en la Escuela de Rotterdam me dio la vida y la oportunidad de comenzar a bailar de manera profesional, aunque la parte de creación llegó mucho más tarde cuando encontré a Iratxe". Más adelante llegarían sus 8 años de trabajo en el ámbito social con drogodependientes, en los que decidió apartarse de la danza, una época que describe como muy intensa pero que le permitió volver a enamorarse de la danza, "todos esos años de trabajo social aportaron mucho a mi persona, tenía otra vez mucho que decir". Por su parte Iratxe Ansa, Premio Nacional de Danza, cuenta que "de pequeña quería ser bailarina, y me dijeron que tenía talento. Me visualizaba entre bailarines, músicos, técnicos... en esa posible vida de artista, a pesar de que mis aitás no venían del mundo del arte. Después mi camino de nómada, de viajar, de trabajar en diferentes lugares...todo ese aprendizaje se impregna dentro de tu ser y me hace ser quien soy hoy en día". Pareja en la vida y en los escenarios, Iratxe explica que "Igor y yo nos entendemos muy bien, hay una intensidad, una complicidad, un juego... puede hacer cosas que no están marcadas, improvisa mucho". En este segundo programa de la temporada se hablará también del trabajo de Harlequin Floors, una multinacional inglesa con delegación en España especialista en la fabricación de suelos y tapices para danza. José Antonio Eguren nos muestra algunos secretos de este oficio no muy conocido, pero sí trascendental para la preparación y exhibición de espectáculos de danza. UN PAÍS EN DANZA es una producción de RTVE en colaboración con la productora KROMA QUITE ON, el primer capítulo ya está disponible en RTVE PLAY y el segundo capítulo se emitirá el lunes 10 de octubre a las 19:45 h en La2 de Televisión Española.

BELLA FIGURA “Un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños. Encontrar belleza en el gesto, en un rincón de la mente o en una contorsión física. Es como intentar mantener el equilibro sobre el cordón umbilical. Durante mucho tiempo me he hecho las preguntas: ¿Cuándo comienza realmente una actuación? ¿En el momento en el que nacemos o cuando se levanta el telón? ¿Termina cuando abandonamos el escenario o acaso no termina nunca? ¿Qué es una mascarada: el vestuario que nos ponemos para actuar o la ropa que nos ponemos en la calle? Entre el llamado arte y la artificialidad, entre la realidad de la vida o la fantasía, esa zona en penumbra crea una tensión que es lo que me interesa. Es como situarse al final de un sueño. Permanecer en la oscuridad y mirar detenidamente a una luz brillante con los ojos cerrados, dudando de cada pequeño detalle de lo que llamamos realidad. El momento en el que el sueño se inmiscuye en nuestras vidas y nuestras vidas en nuestros sueños, este es el punto de mi curiosidad. Simplemente, un sentimiento de caer hacia un sueño y levantarte con una costilla rota.” Jiří Kylián KÜBLER-ROSS Etapas del duelo Kübler-Ross. La teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross es uno de los modelos psicológicos más célebres en todo el mundo. Estos cinco estadios son la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación, y tienen lugar en mayor o menor grado siempre que sufrimos una pérdida. La increíble Maria Kochetkova y Joaquín De Luz constituyeron el primer elenco de este dúo de Schermoly, creado originalmente para ellos. MORGEN; Las personas que se hacen un tatuaje con un punto y una coma quieren representar su propia lucha contra el suicidio y su victoria sobre él. Es un signo de esperanza que representa que la vida puede continuar, que anima a estas personas a seguir adelante. Notas sobre la música de Morgen; Pedro Alcalde La idea de Nacho Duato era hacer un ballet sobre un poema de Dorothy Parker titulado Resumé. El poema consta de ocho versos cortos. Los 7 primeros hacen referencia a los inconvenientes de 7 formas de suicidarse y el octavo y último indica que también se podría vivir. La idea inicial era la de crear una sección para cada uno de los siete primeros versos y realizar para el verso final una orquestación de la canción Morgen de Richard Strauss, tanto por su belleza como por el contenido de esperanza de su texto. La música de este ballet tiene dos particularidades que la diferencian de las anteriores colaboraciones con Duato. La primera es que el proceso de composición no consistió, como era habitual entre nosotros, en ir presentando piezas, secciones o bloques, sino que, a mitad del proceso, cuando ya teníamos algunos materiales musicales, nos reunimos para trabajar en conjunto en una especie de guion gráfico, donde preveíamos el orden de las diferentes secciones, alejándonos, abstrayéndonos, por decirlo así, del orden fijado por los versos, para atender directamente a la atmósfera que representan. Una vez iniciado el proceso de composición, el grupo instrumental quedó establecido como un sexteto: clarinete, violonchelo y cuatro percusionistas. La segunda diferencia con las colaboraciones anteriores es que, en este caso, toda la música que suena en el ballet está tocada por el sexteto, sin ningún tipo de sonidos añadidos ni de elaboraciones electroacústicas, aunque en algunos pasajes lo pudiera parecer, al utilizar frecuentemente técnicas extendidas de ejecución instrumental. En cuanto a la composición de las diferentes secciones, tal vez se podría resaltar que hay un uso continuado del intervalo de segunda menor y de la cuarta cromática descendente, que eran los elementos que, en la teoría de los afectos del barroco, se utilizaban para representar el lamento, el luto y la muerte. También hay un uso repetido de diferentes formas de ostinati, pensados para producir una sensación de movimiento procesional, lo que podríamos llamar música de exequias. SAD CASE Estreno absoluto: Estrenado por el NDT2 (versión extendida) en el Teatro Aan Het Spui (La Haya, Holanda) el 4 de noviembre de 2014, a partir de la versión original en el Teatro de Danza de La Haya (La Haya, Holanda) el 7 de febrero de 1998. Estrenado por la CND: Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real, Madrid (España) el 3 de octubre de 2022. Sad Case fue creado originalmente para NDT 2 en 1998 cuando Sol León estaba embarazada de siete meses de su hija, y representa uno de los pilares principales de la obra de León y Lightfoot. Movimientos sorprendentes y terrenales del mambo mexicano en una búsqueda continua de tensión entre momentos satíricos y clásicos. Duración aproximada 2 horas y 9 minutos Bella Figura (30 minutos) Kübler Ross (4 minutos) Pausa de 25 minutos Morgen; (35 minutos) Pausa de 12 minutos Sad Case (22 minutos) Fechas 3, 4, 5 y 6 de octubre (19.30 horas) BELLA FIGURA Coreografía, concepto e iluminación Jirí Kylián Asistentes al coreógrafo Ken Ossola, Elke Schepers Música Lukas Foss (1922-2009) Lento, Suite Solomon Rossi G. B. Pergolesi (1710-1736) Obertura, Stabat Mater Lukas Foss (1922-2009) Andante, Suite Solomon Rossi A. Marcello (1673-1747) Adagio, Concierto para oboe, cuerdas y continuo en re menor A.Vivaldi (1678-1741) Andante Concierto para dos mandolinas en sol mayor G. Torelli (1658-1709) Grave, Concerto Grosso nº 6 en sol menor G. B. Pergolesi (1710-1736) Quando corpus, Stabat Mater Figurinista Joke Visser Estreno absoluto por el Nederlands Dans Theater, en el Teatro AT&T de La Haya, el 12 de octubre de 1995. Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real el 3 de octubre de 2022 KÜBLER-ROSS Coreografía Andrea Schermoly Música Antonio Vivaldi (1678-1741) Andante, Concierto para violín en Si bemol Mayor RV583 Bailarines Maria Kotchetkova y Joaquín De Luz Estreno absoluto en el Lincoln Center, Nueva York, el 11 de abril de 1995 Estreno por la Compañía Nacional de Danza por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real el 3 de octubre. MORGEN Coreografía Nacho Duato Música Pedro Alcalde (1959) Iluminación Nicolás Fischtel (A.A.I.) Proyecciones Victor Tomé (Sonicine) Figurines Nuria Manzano Asistentes al coreógrafo Yoko Taira, Daan Vervoort Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria, el 25 de febrero de 2022. SAD CASE Coreografía Sol León y Paul Lightfoot Música Pérez Prado (1916-1963), Alberto Domínguez (1906-1975), va Ernesto Lecuona (1895-1963), Ray Barreto (1929-2006) y Trío Los Panchos Asistente de coreografía Meghan Lou Escenografía y figurines Sol León y Paul Lightfoot Iluminación Tom Bevoort &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ayer en la Sala Verde de los Teatros del Canal, en la segunda jornada del Festival Suma Flamenca Joven, el bailaor brasileño Gabriel Matías entusiasmó. El teatro lleno se puso en pie para aplaudirle. Hubiéramos querido ver más, pues el formato del festival no permite más de tres piezas por artista, pero como popularmente se dice “para muestra basta un botón”. Desde que aparece en escena -muy bien arropado por José Almarcha, a la guitarra y composición, junto con los cantaores Roberto Lorente y Eleazar Cerreduela- su sola presencia deja sentir que estamos ante alguien adornado con un duende misterioso y especial. Y es que Matías posee un algo felino contenido en su propia naturaleza. Su baile flamenco tiene un estilo de líneas sobrias que desprende armonía y sensibilidad. Interpretó palos clásicos (farruca y soleá por bulerías) con absoluta pureza, sin concesiones ni excesos, dentro de una elegancia perfecta. Nace de él. Hay que verlo, y los que lo hagan en seguida comprenderán que estoy en lo cierto. MERCEDES ALBI Fotografías Pablo Lorente