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- Entrevista a Pilar Villanueva en el 10 Aniversario de Beta Pública
En plena efervescencia, me reúno con Pilar Villanueva, Directora de Beta Pública, en el espacio que queda entre el ensayo general y la subida de telón para el público. El aforo del Centro Cultural Paco Rabal está vendido. Es frenética la actividad que emprende Pilar Villanueva esta semana. El amor por la danza contemporánea es su motor. El pistoletazo de salida tuvo lugar esa misma mañana en la sede de la Compañía Nacional de Danza con la Masterclass impartida por Luis Martín Oya y Roberta Maimone; ahora por la tarde, se celebra el espectáculo “Una tarde de Danza” donde se mostrarán las piezas estudiadas durante la masterclass junto a las de otros artistas (Alejandra Leza, Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu, Cristina Cazorla, Alice De Maio y Roberta Maimone, y la Nacho Duato Academy). Pilar casi desborda, es una mezcla explosiva de impulso e imaginación. Avanza y avanza por su propia fuerza, sin apenas ayuda, pero ahí está, incluso estrenando sus piezas que siempre sorprenden. El público debe sentarse en su butaca y abrir la mente a un universo, cambiante, siempre diferente, tocado por la varita del ingerio de esta gran artista. -¿Cuál es el próposito que buscas en este nueva edición de Beta Pública que diriges? -Mi intención ha sido que al cumplir el décimo aniversario de “Una mañana en Danza” y “Una tarde de Danza” fuera una celebración especial. -¿Qué consideraste para que sea tan especial la Tarde de Danza? -Pues, como sabes, cada año es diferente, y lo que hemos tenido en esta edición de novedoso ha sido invitar a la Nacho Duato Academy, y además hemos incluido en el programa, por primera vez, el estilo clásico español con Cristina Cazorla, que acababa de regresar de New York de una gala con Sergio Bernal, organizada por Ricardo Cue. -¿Y también ha estado aquí Nacho Duato? -Sí, aceptó la invitación y hemos tenido la primera actuación de la Nacho Duato Academy. Él ha venido a apoyarlos personalmente. -¿Cuál es el objetivo que define las actividades que organizas con Beta Pública? -La intención que nos mueve es mostrar la variedad y diversidad de la danza contemporánea de una forma placentera. Así generamos distintas modalidades en las que se alternan las clases con el espectáculo con el fin de difundir y disfrutar. -¿Está la danza contemporánea necesitada de difusión? -Sí, en realidad es una gran desconocida, en nuestro programa “Una mañana en Danza” hemos hecho en el C.C. Paco Rabal 7 funciones dirigidas a alumnos de los colegios, llenando todos los días. En total y a lo largo de estos 10 años han asistido más de 20 mil alumnos de toda la CM. -¿En qué consiste? -Enseñamos historia de la danza con historia de la humanidad, la sociedad y la cultura. -Ponme un ejemplo. -Pues, Cristina Cazorla, con su depurado estilo de escuela bolera les muestra como ese folklore del que surge todo tiene tanto que ver en el desarrollo de los pasos del ballet. Es muy claro que Noverre partió de ellos de esas pequeñas baterías tan típicas de los bailes populares. -Entonces las mañanas de “Una mañana en Danza”, son para los niños de los colegios. Pero la que denominas “Una tarde de Danza” es un espectáculo en el que intervienen los artistas de la Masterclass que habéis impartido ese mismo día en la sede de la Compañía Nacional de Danza, abierta a todo el que quiera participar. -Sí, este año hemos contado con Luis Martín Oya y Roberta Maimone. -Háblame un poco de ellos. -Luis Martín Oya es el Director Adjunto de la Nacho Duato Academy en Madrid. Ha sido primer bailarín del CND con Nacho Duato. Ha bailado el repertorio de la CND, incluyendo piezas de Jiri Kylian, William Forsythe, Ohad Naharin o Mats Ek, con los que tuvo ocasión de trabajar personalmente. Colabora en conservatorios, universidades y escuelas internacionales de danza como coreógrafo y maestro invitado especializado en trabajos de Nacho Duato. Con este taller sobre Nacho Duato, tratamos la pieza Na Floresta. -Y ¿sobre Roberta Maimone? -Viene de Italia e incorpora influencias de su formación en Italia, Países Bajos y España, incluidos impactantes encuentros con artistas como Jiri Pokorny y Marcos Morau. El taller se centró en la práctica MEM (Danza como Expresión), un viaje que involucra importante desafíos corporales y enfatiza el disfrute de la auto conexión a través del movimiento, priorizando, sin juzgar, el bienestar físico y mental, fomentando una exploración libre de las emociones y la música. Terminó con un fragmento de la pieza que presentó en Una Tarde de Danza 2024. -¿Cuánta gente se inscribió a la masterclass? -Entre oyentes y bailarines fueron 62 personas. -¿Cómo lo valoran? -Lo cierto es que se lo pasan muy bien, se dejan llevar siguiendo las directrices de estos grandes artistas, pero de forma que puedan adaptarse a los diferentes niveles. Los que no son profesionales aprenden lo que es la danza desde dentro, y los que sí son bailarines también me cuentas cosas positivas. -¿Se pueden compaginar estos distintos niveles en los asistentes? -Sí, porque la danza es una experiencia individualizada. Todos descubren algo. Como me han comentado algunos bailarines es que vuelven a valorar el goce de bailar, se olvidan del marcaje académico de ese un-dos-tres tan repetido, tan encorsetado, para retomar ese sentimiento interior que significa dejarse arrastrar por el movimiento. -El ensayo me ha gustado mucho, cada año nos soprendes con cosas diferentes. -Podría, si por mi fuera, idear muchos programas más, pero debo ceñirme a los medios que son escasos. Trato de sacar el máximo dentro de las posibilidades. -La pieza tuya, que se llama "Antesala", también me ha gustado mucho. Un vestuario muy original inspirado en la natación. ¿Quienes eran los bailerines? -Alejandra Deza, Bárbara Arrieta, Carmen Turcanu y Rubinel Ortiz. -Y después de "Antesala" aparece Alejandra Deza y su cubo, con "Cubea", impresionante danza acrobática con mucha estética. Me llama la antención como encajas piezas tan diferentes en un todo. -La programación es en términos generales una coreografía. Aunque son obras muy diferentes existe un orden y un armonía de conjunto. No es algo improvisado, sino muy meditado. -Después de Alejandra, programas un paso a dos intepretado por Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu, titulado "Sinergía", -Ellas expresan tan bien y con tan buena técnica esa relación que existe desde dentro, desde dos personas precindiendo del exterior... Eso es "Sinergía". -Y a continuación la pieza de Cristina Cazorla. -Me encanta Cristina, pues me interesa muchísimo esa búsqueda contemporánea que realiza de forma tan personal dentro de su campo de clásico español. Un placer contar con ella. -Roberta Maimone y Alice de Maio bailan "Alex", la obra en la que Roberta esta misma mañana basó su Masterclass, para cerrar con los bailerines de la Nacho Duato Academy y "Na Floresta". -Así es. Creo que el público va a disfrutar mucho y a conocer de primera mano el trabajo de un coreógrafo como Nacho, que es historia viva de la danza. Está siendo un décimo aniversario muy emocionante. MERCEDES ALBI Fotografía Alba Muriel
- Afanador, nueva producción del BNE llega al Teatro Real de Madrid
Entre el 9 y el 11 de febrero se ofrecerán cuatro funciones de Afanador: día 9 a las 19.30 horas; sábado 10 en sesión doble, a las 17.00 y a las 21.00 horas, y domingo 11, a las 18.00 horas. Estrenado el pasado mes de diciembre en el Teatro Maestranza de Sevilla, Afanador abre un nuevo camino en el repertorio del Ballet Nacional de España. El Ballet Nacional de España estrena en el Teatro Real de Madrid Afanador los días 9, 10 y 11 de febrero con una producción que hibrida la danza española con la contemporánea. Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por Andalucía y el flamenco... Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones. Son los personajes de estas fotografías los que han fascinado y movido a Marcos Morau, responsable de la idea y de la dirección artística, para la creación de esta nueva obra. “Ruven Afanador no “hace fotos”, las construye, las escenifica” Afanador nos guía por una galería de imágenes que trenzan las hebras del pasado y del presente, donde la danza española se encuentra con la contemporánea y donde prima el blanco y el negro de la fotografía en un drástico contraste que permite transformar el vestuario y la escenografía, diseñados por Silvia Delagneau y Max Glaenzel respectivamente, en cataratas, aludes y tempestades. Nos enfrentamos a una obra surrealista que subvierte lo conocido convirtiendo los elementos tranquilizadores de la tradición en extraños e irreconocibles. La coreografía ha sido realizada por el propio Marcos Morau, Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del Ballet Nacional de España. Grandes lazos, horcas y batas de cola acompañan la composición musical creada por Juan Cristobal Saavedra, y con la colaboración especial de la cantante y compositora Maria Arnal. Este camino por unos mundos que bailan por las lindes de lo onírico, la muerte y la vida vienen de la mano del dramaturgo Roberto Fratini Serafide, el diseño audiovisual de Marc Salicrú y el diseño de iluminación de Bernat Jansà. Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro. Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor “se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela. Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”. El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de diciembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta. Marcos Morau nos propone entrar a ver Afanador “como en ciertos sueños, donde reconocemos los lugares, las personas, los paisajes y, sin terminar de comprender qué les sucede, sabemos que hablan de nosotros”. Fotografía Merche Burgos
- “Una mañana de Danza” y “Una Tarde en Danza” con Beta Pública
DEL 24 DE ENERO AL 2 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SABADO 27 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SABADO 27 DE FEBRERO OFRECEMOS MASTERCLASS CON ROBERTA MAIMONE Y LUIS MARTIN OYA (DIRECTOR ADJUNTO NACHO DUATO ACADEMY) ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,00 A 13,30. La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2023 han asistido a las funciones de UMD más de 21.000 alumnos/as y docentes. A este Décimo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán cerca de 2.500 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 24,25, 26, 30 y 31 de enero, 1 y 2 de febrero. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 5 compañías, incluyendo algunas que han participado en anteriores Ediciones de la Muestra Beta Pública, y termina con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: • Cubea de Alejandra Deza. • Na Floresta (Fragmento) de Nacho Duato por Nacho Duato Academy de Madrid. • Sinergia de Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu. • Quebranto de Cristina Cazorla. • Un día, otro día de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 27 de enero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados Roberta Maimone (Italia) que presentará su pieza “Alex” y la Nacho Duato Academy con la pieza completa de “Na Floresta”. Esta X Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass, el sábado 27 de enero por la mañana, con Roberta Maimone y Luis Martín Oya ( Director Adjunto de la Nacho Duato Academy de Madrid). La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” del 27 de enero 2024 pueden adquirirse en https://www.entradas.com/artist/beta-publica/ o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función.
- "La Argentina en París", una experiencia luminosa
La escena es sumergirse en otro mundo, y, realmente, “La Argentina en París” de la Compañía Antonio Najarro, que ha sido estrenada estos días en La Fundación Juan March, lo logra. Los dos ballets de cámara –“El contrabandista” de Óscar Esplá, y “Sonatina” de Ernesto Halftter- se enlazan sin interrupción en un acertadísimo intermedio musical (pieza final de “Sonatina”), bajo la dirección de Miguel Balsega, que orquestó las partituras para piano, guitarra y violonchelo. Antonio Najarro coreografió perfectamente la narrativa argumental, con expresión y viveza. Y si “El contrabandista” nos cuenta la historia del bandolero que se refugia en un cortijo, y queda seducido por el juego de miradas de la Condesita; y en “Sonatina” es la princesa melancólica a la que nada satisface, hasta que aparece el amor… Son las proyecciones escénicas las que atraviesan el tiempo y el espacio en que las dos acciones se desarrollan, trazando una noche cósmica que transporta. Resentan dos enfoques diferentes: de lo terrenal, en la primera parte, al mundo de ensueño en la segunda. Hay que tener en cuenta que estos ballets, felizmente rescatados para el enriquecimiento de nuestro patrimonio cultural, nunca fueron representados en España. Tras muchas vicisitudes por parte de los artistas que los crearon para la compañía de “Ballets Espagnols” de Antonia Mercé, la Argentina, se llegaron a representar juntos en la Ópera Comique de París en 1929.La historia reseñada con detalle en el programa por Idoia Murga, deja vislumbrar los desencuentros entre unos y otros. Podemos deducir en la corta trayectoria de los Ballets Espagnols que hubo un constante cambio de creativos. Si en 1926 se estrena “El fandango del Cándil” con libreto de Rivas Cherif y vestuario de Néstor de la Torre, por alguna razón, que indudablemente no tuvo que ver con su talento escénico, para estas dos piezas Antonia Mercé no encargó a Nestor los diseños. Tampoco el libreto de "Sonatina" a Rivas Cherif para su disgusto. En “El contrabandista” el vestuario lo diseñará Salvador Bartolozzi; y en “Sontanita” tras un intento fállido y unos vestidos que no complacen, Beltrán Massés es sustituido por Mariano Andreu que creará los dos emblemáticos trajes que lució Antonia Mercé en sus papeles de La Gitana y La Pastora. El actual diseño de Yaiza Pinillos los ha mantenido, conservando aquella firma antigua en las líneas modificando únicamente el color del traje de La Gitana. El vestuario que ha creado Yaiza es un reto a la imaginación perfectamente armonizado con la gama de colores de las proyecciones. Siento no tener una máquina del tiempo porque estoy segura que si Antonia Mercé hubiera visto esos trajes, nunca hubiera cambiado de diseñadora. Yaiza recrea y se inspira para saber renacer, como el Dragón que viste un atuendo inspirado en el esclavo de Sherezade, el papel de Nijinsky. Detrás de tal cúmulo de inspiraciones y riqueza musical, deleitando por igual la vista y el oído del espectador, así como la innovación en el enfoque modernizando sin desvirtuar, está la exquisita mano de Antonio Najarro, junto con la danza de ocho bailarines que se multiplican por efecto del arte, diluyendo su talento individual en el todo. MERCEDES ALBI Fotografías Dolores Iglesias
- Entrevista a Antonio Najarro. Ensayos de "La Argentina en París"
Algo está naciendo en el Teatro Mira de Pozuelo. La Compañía de Antonio Najarro última los detalles de una producción histórica titulada “La Argentina en París”. Se compone de dos ballets estrenados a finales de los años 20 del pasado siglo: "El contrabandista" de Óscar Esplá y "Sonatina" de Ernesto Halffter. Hoy, día de invierno frío y gris, todo cambió cuando traspasamos la puerta de artistas del teatro. Y es que detrás del telón fluye la vida, habita el mundo de la imaginación que se hace real. Nos sentimos grandes privilegiados de compartir instantes de ese momento. El estreno tendrá lugar el próximo 8 de enero en la Fundación Juan March de Madrid, y estará en cartel hasta el 14. Posteriormente, viajará a Valencia -23 y 24 de febrero-, pues se trata de una coproducción con el Palau de Les Arts, rindiendo homenaje al compositor alicantino Óscar Esplá. Antonio ensaya con Tania Martín, Alejandra de Castro y Lucía Cardeñoso, "Sonatina". Se fija en cada detalle con total entrega, como si nada existiera más allá. Cada milímetro y expresión de movimiento quedan conformados con enorme trabajo; Rubén Carreño nos enseña piezas del vestuario diseñado por Yaiza Pinillos que son una verdadera joya... -¿Qué tal estáis? -Ahora muy liados, tenemos poco tiempo de montaje y estamos a tope. -¿Cuál es la escena que estais ensayando? -La Escena de las Doncellas de "Sonatina", se llama Rigodón de Sonatina. -He visto el vestuario diseñado por Yaiza Pinillos, y me he quedado extasiada. -Mi elección de contar con Yaiza Pinillos es por el conocimiento que ella posee sobre volúmenes que acompañan el movimiento de danza española, que es algo muy específico. Y porque sabía que a Yaiza actualizar el vestuario histórico le va como anillo al dedo. El resultado ya los has visto. -Los trajes y los tocados son una maravilla, me he sentido como si visitase una exposición de arte ¡Qué imaginación! -En este caso, Yaiza se ha inspirado en los diseños de Salvador Bartolozzi (El Contrabandista) y Mariano Andreu (Sonatina) del año 1929. Gracias a los archivos de la Fundación Juan March se conservan algunos originales y fotografías de la propia Antonia Mercé. -Cuéntame sobre el espectáculo. -Se ha elegido llamarlo “La Argentina en París”, y consta de dos ballets “El contrabandista” y “Sonatina” que fueron concebidos por Antonia Mercé, la Argentina, para su compañía que ubicó su sede en la capital francesa. -¿Qué opinas sobre lo que trataba de hacer Antonia Mercé con su compañía de “Ballets Espagnoles”? -Es evidente, ahora que me he sumergido de lleno en aquel mundo del que casi ya nos separa un siglo, que su objetivo era elevar la danza española y difundirla entre los altos círculos artísticos desde la que se consideraba entonces la capital cultural del mundo. Supo dotar a sus ballets de una estética muy depurada. Asumió el riesgo de enfrentarse a un página en blanco y escogió para lograr la plasmación de sus ideas a los mejores creativos, tanto músicos y escritores como diseñadores de decorados, vestuario, escenografías... En estas obras contó nada menos que con dos compositores de la categoría de Óscar Esplá y Ernesto Halffter. -¿Cuál es el orden en que los vais a recrear? -Los dos ballets van seguidos, enlazados por un entreacto musical. Primero representamos “El contrabandista” y continuamos con “Sonatina”. -¿Cómo es tu “contrabandista”? -Lo he respetado en su trama tal y como fue. Lo que sucede es que “El contrabandista” ha tenido una recuperación musical muy compleja porque la partitura original estaba destrozada. La Fundación Juan March ha acometido el valioso proyecto de rescatarla. -¿Quién ha rehecho la partitura? -El director musical de la obra, Miguel Balsega, ha realizado la magnífica labor de transcribir la partitura original a piano. Yo, me permití sugerirle añadir dos instrumentos: el violonchelo a cargo de Sergio Menem y la guitarra clásica y flamenca de José Luis Montón. -Resúmeme el argumento. -Es muy sencillo. La acción transcurre en un cortijo andaluz situado en la Granada del año 1.850. El contrabandista huye de los guardias, busca cobijo en las faldas de la Condesa Madre (Alejandra de Castro) y al final surge un romance con la Condesita (Cristina Carnero). Es para 8 bailarines, intervienen mozos, mozas, guardias, algunos hacen dobles papeles… Tiene como unos veinte minutos de duración y las proyecciones que lo acompañan están inspiradas en decorados de la época. -Y a continuación de “El contrabandista” pasamos a “Sonatina” ¿Son muy diferentes? -El contrabandista es mucho más flamenco, mucho más de tierra que “Sonatina”, así pasamos de un cortijo andaluz a un mundo totalmente onírico. -¿De qué trata “Sonatina"? -Una princesa melancólica sueña con el beso del príncipe. Las doncellas de su corte intentan distraerla y llevan a la Pastora y la Gitana para que bailen ante ella. Otros personajes de la obra son el príncipe, sus lacayos y el dragón, que es la mascota de la princesa. En el libreto original, solo participaban bailarinas, que interactuaban con marionetas. Así, la Pastora y la Gitana, los interpretaba Antonia Mercé, y las doncellas eran sus bailarinas, pero el Dragón, la Princesa y el Príncipe eran marionetas. -¿Has utilizado marionetas en tu versión? -No, son todo bailarines. La Pastora tiene una danza que está interpretada por Tania Martín; la Gitana por Lucía Cardeñoso; la princesa es Cristina Carnero y el príncipe, Carlos Romero; el Dragón, Daniel Ramos. Y lo que he hecho es cambiar la estructura y el orden de temas. Por ejemplo, hay un número titulado Giga que en el ballet original lo interpretaban las doncellas y, en este caso, lo interpreta el Dragón. Aunque, naturalmente, la Danza de la Pastora la baila la pastora y la Danza de la Gitana la interpreta la gitana. Ya lo veréis. Es todo en un tono muy dramático, muy melancólico y sobre todo muy estético. -Mucha suerte. Lo que vemos nos encanta. Además, no es la primera vez que rescatas un ballet en un proyecto de la Fundación Juan March. -Estos proyectos de danza creados por la Fundación, cuyo objetivo es la recuperación de obras históricas, comenzaron con “La romería de los cornudos” que tuve el honor de coreografiar, y luego “La Noche de San Juan” que hizo Antonio Ruz. Estoy muy feliz de sumergirme en este mundo fascinante del pasado, rescatando algo que nunca debió perderse. MERCEDES ALBI Fotografías de Gabriel M. Olivares
- Gala 45 Aniversario Ballet Nacional de España
El Teatro de la Zarzuela será el escenario para la conmemoración del cuadragésimo quinto aniversario de la institución Todo el pasado por delante, la primera película documental del Ballet Nacional de España, se presentará en la gala Desde que se fundara en 1978, el Ballet Nacional de España ha pasado por diferentes direcciones, sedes y elencos, que han constituido, moldeado y redefinido la institución durante sus cuarenta y cinco años de existencia sin perder jamás de vista el objetivo bajo el que nació: el de preservar, difundir y transmitir el rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística y sus tradiciones. Queriendo reflejar el recorrido del Ballet Nacional de España, a comienzos del 2023 se empezó a producir la película documental Todo el pasado por delante, un proyecto impulsado desde el INAEM y primera película dedicada íntegramente al BNE desde su creación. Se ha querido poner en valor todo el proceso y equipo que hay detrás de cada producción, mostrando una mirada “entre bambalinas” del día a día en la compañía, además de ofrecer una perspectiva histórica de su evolución. Este documental, dirigido por Emilio Belmonte y Luis Delgado, cuenta con diversas entrevistas a protagonistas de la andadura del Ballet Nacional de España, como también con auténticas joyas extraídas de sus archivos audiovisuales. El 21 y 22 de diciembre se presentará una pre visualización de imágenes del documental Todo el pasado por delante, en la Gala del 45 Aniversario del Ballet Nacional de España, que se celebrará en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Por supuesto, una celebración del Ballet Nacional de España no estaría completa sin la presencia de la danza. En la gala habrá coreografías de todos los estilos que conforman la Danza Española: escuela bolera, danza estilizada, folclore y flamenco, creando una panorámica tanto estilística como histórica; acompañadas con la música en directo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de Manuel Busto, que asimismo se ha ocupado de la banda sonora original de la película documental. El programa ha sido diseñado de tal forma que las coreografías abracen al documental, haciendo que la danza en vivo y la danza en imágenes se entrelacen entre sí. La primera de las coreografías se trata de Danza y Tronío de Mariemma (1984), una obra donde la escuela bolera y el clásico español se dan la mano con el flamenco. Continuará con Vito de gracia, coreografía de Rosario y Antonio estrenada en 1944 en la película Hollywood Canteen y recuperada en 2021 por el Ballet Nacional de España con motivo del centenario del nacimiento de Antonio ‘el bailarín’, director de la institución entre 1980 y 1983. “El vito” muestra el baile que caracterizaba a la pareja de Rosario y Antonio, “Los chavalillos sevillanos”. Tras estas actuaciones, se proyectará la primera parte del documental Todo el pasado por delante, para finalmente terminar esta parte de la gala con el Zapateado de Antonio Ruiz Soler con la música de Pablo Sarasate, coreografía estrenada en 1946 que rápidamente se convirtió en una de las más célebres de Ruiz Soler. El Zapateado es una pieza de gran dificultad técnica con influencias de claqué en flamenco estilizado. Siguiendo la máxima de Antonio, “bailarlo es acariciar el suelo; hay que hablar con el suelo, no dar patadas”. El Martinete, coreografía de Miguel Ángel Corbacho estrenada en 2021, abrirá la segunda parte de la velada. Se trata de una pieza flamenca inspirada en el estilo y carácter de Ruiz Soler. A continuación tendrá su estreno absoluto el día 21 la Farruka coreografiada por Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España. Después de estas coreografías, será proyectada la segunda parte del documental. La Jota Aragón de Pedro Azorín cerrará la noche. Esta coreografía de 1975, será estrenada por primera vez por el Ballet Nacional de España el día 21, celebrando la reciente declaración de la Jota como manifestación representativa del patrimonio cultural inmaterial. Una gala en la que el director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, ha querido “mostrar no sólo la esencia de la Danza Española, sino también toda la colaboración de coreógrafos, bailarines, diseñadores de vestuario, iluminadores, maquinistas, Instituciones, Fundaciones, Conservatorios y muchos más que son quienes entonces, ahora y en un futuro construyen la historia del Ballet Nacional de España”. Gala 45 Aniversario Ballet Nacional de España Teatro de la Zarzuela, Madrid 21 y 22 de diciembre de 2023, 20:00h. Primera parte Danza y Tronío Baile en la casita de arriba El jaleo de las tres picadas Vito de gracia Todo el pasado por delante (Pre visualización de imágenes, primera parte) Zapateado Segunda parte Martinete Farruka (Estreno absoluto) Todo el pasado por delante (Pre visualización de imágenes, segunda parte) Aragón (Jota) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
- En torno al ballet "El fandango del Candil"
El primer gran ballet de absoluto nuevo cuño que estrenó Antonia Mercé para su compañía Ballets Españoles fue “El Fandango del Candil”. Desde aquellos lejanos años 20 hasta ahora hemos sido afortunados de que la obra haya sobrevidido a las visicitudes del tiempo y de la historia. Esto ha sido gracias a Mariemma que lo reelaboró, y a Aída Gómez que ha hecho del bolero una de sus piezas más aplaudidas, hizo el gran esfuerzo de llevarlo a los escenarios con su compañía, tal y como podermos ver en esta filmación del año 2009 del Festival de Jérez. Emociona poder admirar el innovador vestuario con originalísimos toques cubistas creado por Néstor de la Torre, los decorados, la música... Vale la pena detenerse en los entresijos de su creación y, especialemente, en las historias que se esconden tras las vidas de quienes junto a la gran Antonia fueron sus artífices. LA MÚSICA Antonia Mercé encarga la elaboración de la música a un compositor de 21 años de edad, Gustavo Durán. El joven era por áquel entonces la pareja sentimental del pintor grancanario, Néstor que lo consideraría el gran amor de su vida. Existe, por tanto, un nexo de unión personal muy fuerte entre el compositor y el autor de los vestuarios y escenografías del ballet.. Algo que con el tiempo Gustavo Durán se esforzaría en ocultar de su biografía, olvidando por completo a quien le había ayudado a ser quien era y con quien mantuvo una larga relación en torno a una década. El prometedor músico convivía con Néstor en París llevando un tren de vida que jamás hubiera podido costearse por sus propios medios. Gustavo Durán fue un hombre de gran belleza, siendo el modelo que Néstor empleó en los cuadros de su serie de pinturas titulada "Poema del Atlántico", donde se representa el óceano en clave simbolista, a través de los distintos momentos del día, y encarnado en la figura de un hermoso muchacho. Sin embargo, a pesar del éxito obtenido con la música del "Fandango del candil", nunca compuso nada más importante que este ballet, ni tampoco parece que el joven compositor se esforzase en perfecionar su arte durante su estancia en la capital francesa, donde Néstor le costea las clases de composición que impartía Paul Dukas, compartiendo aula con Joaquín Rodrígo y Joaquín Nin Cumell. En 1934 su existencia da un giro radical y abandona a Néstor. Gustavo Durán abandona la música en pro de otros derroteros mejor remunerados, y existen claras sospechas de su participación en alguna suerte de colaboracionismo activo con el comunismo stalinista. El crítico musical Carlos Bosch, en su libro "Mnéne. Anales de música y sensibilidad" (Ed. Espasa Calpe, 1942) en sus páginas 141-142, lo narra sin trapujos: <> Fue un personaje ambicioso que se afanó para introducirse en el mundo artístico parisino y en el madrileño, dónde frecuentó a los artistas afines al círculo de la Residencia de Estudiantes, especialmente, a Federico García Lorca. Cuando estalla la Guerra Civil, Gustavo Durán, con la complicidad de Rafael Alberti, se convierte en un destacado activista de la SIM y, posteriormente, de la GPU. Nunca más volvería a ver a Néstor, que jamás recibió noticias suyas, falleciendo en Gran Canaria en 1939. Gustavo marchó al exilio ayudado por Ernest Hemingway, que le consigue la nacionalidad norteamericana, y trata de iniciar una carrera diplomática ocupando algunos cargos en el ámbito internacional, pero la sombra de su pasado le persigue. Muere en Atenas en 1969. Sin embargo, la poderosa personalidad del compositor del Fandango del Candil siguió perpetuándose en la literatura. No sólo en el poema que sobre él escribe Jaime Gil de Biedma, que lo conoce cuando es un anciano. Más allá de la muerte será el protagonista de la novela de Horacio Vázquez Rial "Soldado de porcelana": <> Su propia hija, Jane Durán, se inspira en él, un personaje del que todos perciben que posee un lado oscuro, indescifrable... Su hija escribe un poemario titulado "El silencio de mi padre": <> En los archivos de la Fundación Juan March, se conserva un tesoro: la grabación sonora de la música del Bolero del Fandango del Candil con el mágico toque de las castañuelas de Antonia Mercé. (Nota: para poder escucharla pulsar con el cursor sobre las palabras subrayadas). LA TRAMA DEL BALLET El libreto es obra de Cipriano Rivas Cherif, amigo íntimo de Manuel Azaña, que se convertiría en su cuñado al contraer matrimonio con su hermana. Cuando Don Manuel llega a Presidente, Rivas Cherif es nombrado Jefe de Protocolo del Gobierno. Rivas Cherif era un destacado miembro de los círculos teatrales, tal y como muestra esta foto en la que aparece acompañado de Federico García Lorca y Margarita Xirgu. Cipriano Rivas basa su libreto en un sainete de Don Ramón de la Cruz y desarrolla para "El fandango del candil" la trama de un ballet-pantomima en un acto y cinco escenas, para veinte bailarines y cuarenta músicos. El mismo describe, en una carta dirigida a Gustavo Pittluga, el modo en que solía elaborar sus obras con Antonia Mercé: el argumento “una vez admitido, se lo desmenuzaba escena por escena y, después, ateniéndome a mis posibilidades, o a lo que ella pedía, le apuntaba incluso la clase de movimientos que me parecía adecuada y hasta los pasos”. La acción de “El fandango del candil” se sitúa en el Madrid de 1850, en una típica taberna de las denominadas “de candil”, donde alternan gentes del pueblo y de la alta sociedad. Allí una actúa la Niña Bonita, la gran sensación del momento. Naturalmente, tiene un pretendiente, Manolo–interpretado por el maestro Juan Martínez-, que le quiere dar celos, y ella le corresponde coqueteando con los visitantes. El amante, airado, invita a bailar a una dama de la alta sociedad que va cubierta. Entonces se produce un gran escándalo, pues la Niña Bonita, llevada por un arrebato, despoja del manto a la señora, y se descubre que la tapada es la mismísima reina Isabel. En el alboroto, un valenciano ciego tira por equivocación el candil, y la reina y sus acompañantes, aprovechando la oscuridad, escapan. Atraídos por el jaleo, se presentan dos alguaciles, y aunque todos disculpan el error del ciego, los guardias se lo llevan detenido. Manolo le pide explicaciones a la Niña Bonita, y ella, para congraciarse con él, le baila un bolero. Al final la alegría se contagia a todos los presentes, que se unen al baile, mientras la Niña bonita y Manolo hacen las paces. Sobre el maestro Juan Martínez, el escritor Chaves Nogales publicó una magistral biografía novelada de las peripecias del bailarín durante la revolución rusa, bajo el título "El maestro Juan Martínez que estuvo aquí". Se puede observar que el figurín que Néstor diseña para su papel de Manolo, que se conserva en el Museo Néstor de las Palmas de Gran Canaria, es su retrato. Tal vez nos encontramos ante una de las pocas imágenes que existen del maestro bolero Juan Martínez. Se le puede reconocer si observamos al pesonaje de amplias patillas situado en el extremo izquierdo de esta fotografía del Fandango del Candil, tomada sobre el escenario. En cuanto a las partes del ballet, la primera danza es un solo de Argentina (Niña Bonita): la “Danza del Candil”; otro de los bailes que interpreta son unos “Panaderos”; también hay dos Zorongos, danzados por el cuerpo de baile con solos de Carmen Joselito y Lolita Mas; la obra finaliza con la Argentina danzando el famoso “Bolero”, una de sus piezas más emblemáticas que nunca dejará de ser parte fundamental en el repertorio de la artista. Antonia paseó el bolero del Fandango por el mundo, pero nunca lo bailó en España. Ella no tuvo una buena relación con Gustavo Durán y quizás esa fue su venganza. La Argentina siguió trabajando con Néstor en sus ballets posteriores, pero nunca con el joven músico. ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO DE NÉSTOR Néstor crea unos figurines y escenografías que son una verdadera obra maestra, donde logra incardinar a la perfección los motivos de inspiración folklórica con la más innovadora vanguardia. Han trascurrido doce años desde su trabajo en “El amor brujo”, y la vertiente escenográfica de Néstor ha madurado y absorbido todo el devenir de las corrientes artísticas en el período de entreguerras. Si la escenografía de “El amor brujo” que creó para el estreno de 1915 en el Teatro Lara de Madrid, se podría calificar como preciosismo ilusionista, corriente escénica opuesta al realismo teatral de finales del XIX, en “El fandango del candil” la perspectiva se quiebra, la línea recta se abre en “uve” para ser contemplada desde el punto de vista bajo, donde se sienta el público, que percibe el escenario con una mayor amplitud y grandiosidad. Los elementos cubistas invaden la obra, desde los vestidos al decorado. Si bien, es necesario recordar, como afirmaba Gertrude Stein, que “el cubismo es cosa de pintores españoles”, pues españoles fueron tanto su creador: Pablo Picasso, como sus artífices más reconocidos (Juan Gris). EL ESTRENO “El Fandango del Candil” es estrenado por la compañía de los Ballets Españoles de Antonia Mercé, en el Teatro Volskoper de Hamburgo en noviembre de 1927. Inician una gira que recorrerá Alemania (Bielefeld, Bremen, Colonia, Berlín…); cosechará triunfos en Italia (Sala Humberto de Roma); para finalizar en el Teatro Femina de los Campos Elíseos (del 18 de junio al 12 julio 1928). El éxito obtenido es de tal envergadura, que en París la cola para adquirir las entradas con varios días de antelación ha de ser vigilada por gendarmes. NULA REPERCUSIÓN DEL ESTRENO EN ESPAÑA Pero España no se hizo eco del triunfo europeo del “Fandango del Candil”, como se narra en una carta de Miguel Benítez Iglott escribe a Néstor: <> Lo que constituye una prueba del disgusto que sentía Gustavo Durán de que en España no se diera importancia alguna a los triunfos que habían obtenido por Europa. Lo cierto es que el único ballet que la compañía de los Ballets Españoles de Antonia Mercé llegó a representar en España, fue el “Amor brujo” en 1934. Todo un acontecimiento que logró unir en la escena del Teatro Español un reparto sin igual: Pastora Imperio (la primera Candela) en el papel de hechicera, con Antonia Mercé (Candela de entonces), Vicente Escudero como El Espectro, y Miguel de Molina –el gran artista de la copla, que tuvo que marchar a Argentina acusado de homosexual- en el papel de Carmelo. Un reparto de los que hacen historia. MERCEDES ALBI
- Entrevista a Rosario Rodríguez Lloréns, recordando a Francisco Miralles
Desde hace tiempo deseaba conocer a quien considero una de las grandes investigadoras de la danza en nuestro país, Rosario Rodríguez Lloréns. Sin haber tenido el placer de conocerla personalmente, tuvo la amabilidad de ofrecerme algo de su escaso tiempo, y concertamos una cita a ciegas en el vestíbulo del Hotel Inglés de Valencia, ciudad donde reside. Ella es un ser con encanto, delicada y elegante. Su aire inteligente y soñador es como si no perteneciera a este siglo, pues encajaría perfectamente en el perfil de una escritora de la época del romanticismo, valerosa y pionera. Sin embargo, y aunque como investigadora le gusta mirar atrás se encuentra por sus múltiples actividades perfectamente ubicada en el presente. Licenciada en Pedagogía de la Danza, Clásica y Española, por el Conservatorio de Danza de Valencia, donde ejerce como docente. Es también licenciada en Ciencias Políticas y Sociología y doctora en Pedagogía, pero ante todo es un ser en movimiento, cada poco tiempo deja obsoleto su abultado currículum. Así, desde 2022 forma parte del Grupo de investigación Cuerpo Danzante. Archivos, imaginarios y transculturalidades en la danza entre el Romanticismo y la Modernidad del CSIC; en 2023, es nombrada como miembro de la Comisión asesora de la Cátedra de Música y Danza Tradicional de la Universidad de Valencia… Es autora de la obra biográfica Francisco Miralles. Pasos de baile para una leyenda, publicada en el año 2015 por la editorial L’Eixam Edicions, con la que me obsequia. P-¿Cómo llegaste a investigar a este gran bailarín valenciano que fue Francisco Miralles? -Fue por azar. P-Realmente, tu libro ha sido como devolverle a la vida. -Hice una previa investigación durante 5 años antes de publicar el libro. P-¿Qué te movió hacia él además de la pasión? Al leerte es evidente que la tienes y la suscitas. -Gracias. Verás, yo conocía de su existencia en la historia de la danza, especialmente, porque Mariemma siempre le reconoció como su maestro de danza española en París, durante su adolescencia. Entonces, por casualidad, en el transcurso de una comida familiar conocí a Josefa Lloris Miralles, que era sobrina del gran bailarín, hija de una prima hermana suya. P-¿Qué te contó sobre su tío? -Unos detalles desconocidos. Gracias a ella supe que Francisco Miralles era un valenciano nacido en la calle Sagunto. Josefa me contó unos recuerdos conservados gracias a sus familiares cercanos, la madre de Josefa y las hermanas del bailarín: Vicenta, Amparo y Paquita. P-¿Los recuerdos se pierden si no se escriben? -En gran medida. P-Por ejemplo, para hacernos idea de la vida tan rica en experiencias que tuvo el gran bailarín valenciano, cuéntame cómo fue que enseñó danzas españolas al zarévich Alejandro. -Este dato lo conocemos por boca del propio Francisco Miralles. Lo contó en una entrevista para la revista Estampa del 26 de marzo del año 1929. P-Muy pocas personas podían acceder al zarévich Alejandro. Es un dato sorprendente. -En efecto el hijo de los zares tuvo una vida además de corta muy difícil porque padecía hemofilia. Estaba muy protegido. Hay que situar el hecho en su contexto ya que en la Rusia de los zares se apreciaba mucho la danza española, y los miembros de la extensa familia imperial solían organizar pases privados en sus palacios a los que invitaban a los artistas españoles para que representaran los bailes con los que tantos éxitos obtenían en los teatros. En estas ocasiones, los grandes duques, e incluso los zares, obsequiaban a los bailarines con regalos muy valiosos. P-¿Se conserva alguno de estos regalos? -Sí, la familia guarda todavía un alfiler de corbata precioso que le regaló la reina Olga de Grecia, tía del zar Nicolás II y abuela de la reina Sofía de España; también costosos iconos rusos decorados con piedras preciosas. P-Tu libro también nos descubre otro de los personajes con quien Francisco Miralles trabó relación: la escritora Anaïs Nin. -La relación entre Anaïs Nin y Francisco Miralles es, posiblemente, la más sorprendente de toda la biografía del bailarín. Nunca lo hubiera imaginado, a pesar de lo azaroso de su vida, de sus múltiples viajes, de todas las personas que conoció y de tantas y tantas alumnas y compañeras de baile como tuvo. P-¿Cómo lo descubriste? -El primer indicio lo encontré en una de las cartas que conservaban las hermanas de Miralles y que Eduardo Ranch Fuster tradujo del francés. Era una carta escrita por un tal J. Mareschein, amigo del bailarín y también profesor de baile en la que le decía que Madame Nin había solicitado ensayar dos veces por semana, bien ella sola o bien con su marido. P-Y con solo esa referencia... ¿Cómo pensaste que podría tratarse de Anaïs? -El apellido Nin no es demasiado común. El pianista y compositor Joaquín Nin era íntimo amigo de Antonia Mercé, la Argentina, y tenía una hija llamada Anaïs... Indagué si podía haber alguna conexión. En los diarios de Anaïs y descubrí, entre emocionada y atónita, que habían sido alumna y profesor, y quizás algo más, durante unos tres años, a finales de la década de los veinte del siglo pasado. P-Increíble, ¿qué averiguaste? -La futura escritora, celosa de la admiración que sentía su padre por la Argentina, decidió convertirse en bailarina profesional de danza española para atraer hacia ella sus elogios. Y acudió a la academia de Francisco Miralles atraída por su fama como maestro. P-¿Cómo fue la relación de Anaïs y Francisco Miralles? -Anaïs Nin se dedicó en cuerpo y alma al aprendizaje, tanto que su familia estaba preocupada porque incluso llegó a adelgazar y hasta su marido se apuntó a las clases; Miralles, ya bien entrado en edad, quedó fascinado por su belleza, juventud y su entrega. Anaïs reflejó en su diario las clases, las anécdotas y las conversaciones que tuvo con su profesor, hasta el punto que a través de sus escritos nos dio a conocer más profundamente al artista que cualquier otra fuente que se haya podido consultar. P-En tu libro cuentas que terminaron distanciados. -Sí, la relación no acabó bien, porque Francisco Miralles se enojó mucho la última vez que la vio bailar improvisando y cambiando todo lo que él le había enseñado. Francisco amaba la danza española y no le gustó que no conservase esa esencia en la pureza que él le había transmitido. Y nunca más volvieron a verse. P-¿Anaïs siempre le recordó? -A pesar de que Francisco Miralles le prohibió que se refiriese a él como su maestro, aparecerá como personaje en sus obras, pues ella publicó diversos libros a modo de reflejo novelado de sus diarios. En las novelas el vínculo con el maestro de danza va más allá de la simple amistad que refleja en sus diarios. P-Eres un verdadero detective del tiempo, nos descubres cosas interesantísimas en tus investigaciones. -Gracias, me alegro que así te lo parezca. P-Y también has investigado mucho las imágenes de los bailarines de danza española que aparecen en el cine mudo, ¿qué te atrajo a este campo? -Al cine mudo llegué también a través de la búsqueda de datos sobre Francisco Miralles, porque estaba convencida de que podían haber registrado sus bailes en alguna película. Al fin y al cabo, él estaba en el momento justo y en el lugar adecuado para que así fuera: Francia a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando los Lumière, los Gaumont... P-¿Lo encontraste? -No, pero no pierdo la esperanza. Sí encontré unas películas: La malagueña y el torero y El Tango, filmadas en Sevilla por la casa Pathé Frères en el año 1906, y en un principio creí identificar a Miralles como uno de los bailaores que se veía al fondo en las películas dando palmas. Sin embargo, quizás realicé un descubrimiento mayor cuando comprendí que quienes aparecían bailando en las películas eran integrantes de la compañía de baile del maestro José Otero con él mismo como protagonista de La malagueña y el torero. Este hallazgo lo presenté, precisamente en Sevilla, en una ponencia en el V Congreso Nacional y II Internacional La Investigación en Danza organizado por la Asociación Española D más I: Danza e Investigación, al tiempo que pude comunicárselo a los descendientes del maestro Otero, concretamente a uno de sus bisnietos al que invité a la ponencia. P-¿Sigues investigando el cine antiguo? -Sí, porque me apasiona. De este estudio se hizo eco la Asociación Le Grimh: Groupe de réflexion sur l'image dans le monde hispanique y, desde entonces, gracias a la invitación de Jean-Claude Seguin Vergara, presidente del portal de esta asociación Les origins du cinéma : [1896-1906], colaboro en el análisis de la danza en general y de la danza española en particular, que encontramos en las películas mudas. P-¿Queda mucho por descubrir en el cine mudo? -Estamos en ello. Son estudios fascinantes porque nos trasportan a un tiempo y a unos personajes de la danza que, hasta ahora, solamente conocía por los libros de historia de la danza. Poder observar cómo bailaban estos artistas y cómo eran los bailes, cuyas coreografías todavía estudiamos, supone un gran privilegio. P-¿Cómo has conseguido que el 2 de agosto, día en que nació Francisco Miralles, sea declarado Día de la Dansa Tradicional Valenciana? -Cuando se publicó el libro en el año 2015, me hizo ilusión pensar que faltaban unos pocos años para celebrar el 150 aniversario del día del nacimiento del bailarín, el 2 de agosto de 1871. Sin embargo, la pandemia interrumpió todo. Pero existe un grupo de danza tradicional muy reconocido en Valencia, que es el Grup de Balls Populars, Les Folies de Carcaixent, cuyo director Xavier Francesc Rausell me ofreció entonces hacer una entrevista, online de la que surgió la elaboración de un manifiesto en el que se solicitaba que el 2 de agosto fuera declarado el Dia de la Dansa Tradicional Valenciana, en homenaje a Francisco Miralles. Al manifiesto se adhirieron prácticamente todas las asociaciones y federaciones de folklore de la Comunitat Valenciana, pero también muchísimas escuelas y conservatorios de otros puntos de España. En Les Corts se aprobó la propuesta por unanimidad. P-¿En qué consiste la celebración del 2 de agosto? -Se plantea como un día de hermandad y unión, bailando las danzas tradicionales, que fueron donde Miralles empezó. Este año 2023, la celebración fue en la recién restaurada Plaza de la Reina de Valencia y acudieron innumerables grupos y rondallas. Es muy bonito, la verdad. P-¿La danza valenciana sigue aportando estrellas al mundo? -Claro. P-¿Podrías nombrarme algunos? -Ahora mismo está Marcos Morau, que es nacido en Ontinyent, como uno de los coreógrafos más solicitados internacionalmente; sobre Nacho Duato no hace falta decir más; en danza española tenemos a Antonio Gades como gran figura histórica, y no podemos olvidar otros como Javier Latorre, por citar algunos… Somos tierra de artistas, y es algo que en danza se deja sentir. MERCEDES ALBI
- Homenaje a Carmen Roche en el Congreso Nacional de Escuelas de Danza
“La danza y la profesión de bailarín caminan hacia su extinción en España” · El I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con Proyecto de Formación Profesional, que se ha celebrado en la Casa de la Danza de Logroño, propone medidas para salvaguardar el futuro de este arte · En este encuentro se ha rendido un homenaje a la bailarina y maestra internacional Carmen Roche por su trayectoria, quien ha participado activamente en este congreso El I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con proyecto de Formación Profesional que se ha celebrado en Logroño del día 23 al 26 de noviembre, organizado por la Casa de la Danza de esta ciudad, con el patrocinio del Ayuntamiento y del Gobierno de La Rioja, alerta en sus conclusiones, tras días de intensos debates y reflexión, sobre la pésima situación que vive la danza en España, un arte y una profesión: la de bailarín, que caminan hacia su extinción. Por ello, tras abordar los problemas del sector a nivel nacional y autonómico, se han planteado una serie de objetivos y medidas para salvaguardar el futuro de este arte, para que las escuelas y centros profesionales de danza sean verdaderamente un puente entre la formación y la profesión, y para ganar mayor visibilidad de este arte en la sociedad. En este congreso han participado escuelas, centros y profesionales de la danza de Castilla y León, País Vasco, Andalucía, Comunidad Valenciana, Madrid, Cataluña, La Rioja y Aragón. Todos sus representantes han evidenciado que los problemas del sector se incrementan año tras año y siempre la misma pregunta: ¿Es realmente posible bailar en España? Los estudios de danza en escuelas privadas y centros públicos profesionales son para formar bailarines, pero ¿y si no pueden bailar en su país porque no hay compañías para ello? ¿Cuál va a ser su motivación y cuál su futuro? Esto ya está repercutiendo en los conservatorios y las escuelas privadas con proyecto de formación profesional. Cada vez hay menos alumnos y los valientes que terminan sus estudios y deciden emprender la casi utópica carrera profesional del bailarín se encuentran con un muro prácticamente infranqueable. Prácticamente no quedan compañías en las que poder desarrollar la profesión para la que tantas horas, ilusión y esfuerzo han invertido. Este congreso, además de establecer interesantes sinergias y colaboraciones entre los centros presentes, propone una serie de objetivos y medidas para salvaguardar la danza. Como objetivos a corto plazo (curso 2023/24-Curso 2024/25) se ha propuesto optimizar los recursos existentes, mediante el intercambio de alumnado entre los conservatorios y escuelas privadas con proyecto de formación profesional para implementar la excelencia de los futuros bailarines, así como realizar cursos de verano de especialistas en los conservatorios para propiciar que los alumnos puedan formarse con los mejores maestros. Asimismo, se va a trabajar en la creación de un festival itinerante de conservatorios y escuelas privadas para potenciar las prácticas escénicas y la futura red profesional de los alumnos. Para paliar la desmotivación que sufren los alumnos de danza y sus familias, se propone incrementar el diálogo padres-profesorado, con el objetivo de que los padres se conviertan también en embajadores de este arte. Todo ello con reuniones informativas con las AMPA, charlas divulgativas de exalumnos, que hoy son reconocidos bailarines, para que actúen como figuras inspiradores de alumnos y padres. Y, sobre todo, campañas de difusión sobre las salidas de las enseñanzas profesionales (intérpretes, Grado Superior, titulación para incorporar en futuras oposiciones, formación artística que enriquecerá las capacidades emocionales del alumno en cualquier trabajo que ejerza en el futuro, etc.); así como reforzar la orientación del alumnado con tutorías personalizadas con cada estudiante para dar a conocer, aún más, las salidas de estas enseñanzas profesionales. Muy importantes son los objetivos a medio y largo plazo (que se podrían poner en marcha durante la actual legislatura). Para completar las enseñanzas, tanto privadas como públicas, se deben facilitar espacios escénicos que cumplan las necesidades mínimas para poder desarrollar al máximo la formación de los futuros bailarines, recuperar los exámenes libres en los conservatorios: pese a que somos sabedores de las dificultades que esto conlleva, consideramos que esta iniciativa del pasado no solo incrementaría el nivel de los alumnos, sino que también revitalizaría el número de alumnos de las escuelas. Hay que crear la figura de los examinadores que viajen por toda España, en la línea de los profesionales de la Royal Academy of Dance. Y lo más necesario: los centros profesionales de danza exigen lugares en los que puedan trabajar los bailarines, es decir, compañías. Hay que fomentar la voluntad política para que se incrementar las infraestructuras para danza a nivel autonómico: estudiar la posibilidad de que se creen/reutilicen nuevos espacios para la exhibición de este arte. Hay que aspirar al modelo de Alemania: que cada capital autonómica tenga su propio ballet, vinculado a un teatro en el que pueda actuar y que se podrían asociar a las orquestas ya existentes, es decir: un ballet en cada comunidad y con un teatro asociado como sede. Esto permitiría crear una red de espacios dedicados a la danza en España donde actuarían todas las compañías y la profesión de bailarín tendría sentido. El bailarín debe salir de su país para ejercer esta profesión por ambición pero no por obligación. Asimismo, es necesaria una mayor promoción y difusión de la danza en la sociedad para llenar estos teatros, porque el escaso apoyo que se da a la danza es también un problema cultural. Estas conclusiones son un avance de lo que podría ser un Manifiesto por la danza. Se contempla la posibilidad de trabajar en una plataforma que unifique al sector público-privado de centros profesionales de danza en una única voz con suficiente poder de convicción para poder revertir la situación actual y poder transmitir un legado a la próxima generación. Han participado en este congreso: CARMEN ROCHE. Bailarina y maestra internacional de danza, quien ha participado en este congreso de una forma muy activa y aportando toda su experiencia, y a la que se ha rendido un sentido homenaje por su trayectoria. GREGOR ACUÑA-POHL. Actor, director de escena y dramaturgo para danza. Productor de TAKE OFF DANCE, que dirige el prestigioso coreógrafo Johan Inger y codirige Carolina Armenta en la ciudad de Sevilla. ANAEL MARTÍN. Bailarina y maestra internacional en representación del proyecto PAR en Dansa, Tarrasa, que tiene como director general a Adrià Fornes y director artístico a Rodolfo Castellanos, bajo el auspicio de la Factoría Cultural de Terrassa. JOAN BOIX. Bailarín, maestro y coreógrafo en representación del Centro de Danza de Cataluña, que dirige junto a otra gran bailarina: Roser Muñoz. MARISA MATEO. Directora del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya de Madrid BEÑAT URRUTIA. Profesor de la Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi, Danzerti. CLARA BLANCO. Bailarina internacional, maestra y directora de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León (EPDCYL) en Valladolid. M.ª JESÚS MORANT. Directora del Conservatorio Profesional de Danza de Alicante. SUSANA RODRIGO. Profesora y directora del Conservatorio Profesional de Danza de Castellón. Fue bailarina profesional de la compañía Ananda Dansa. JOAN CRESPO, ELIZABETH TABERNER Y LAURA BRUÑA, de Valencia Dancing Forward. ASUN NOALES, creadora, intérprete, docente y dinamizadora cultural. Directora de OtraDanza (Elche). GONZALO PRECIADO-AZANZA. Bailarín, investigador y moderador de este primer congreso. Y PERFECTO URIEL. Director de la Casa de la Danza de Logroño. Esta participación ha permitido dibujar un mapa muy aproximado de la situación actual de la formación en danza en España. Este I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con Proyecto de Formación Profesional está organizado por la Casa de la Danza de Logroño, un espacio cultural privado impulsado por el Ayuntamiento de Logroño, y cuenta también con el patrocinio del Gobierno de La Rioja en su programa “La Rioja 360 Avanza”. Asimismo, ha contado con la colaboración del Estudio de Danza Mª Victoria Romanos, Puerta 19, FeliÑarán Floristas, Hotel Gran Vía, Manuel Ferrer Joyero, Crixto 14 Enoteca, Ontañón Familia, Renueve, Gráficas Numancia y Enmárcalo.
- Celebra el día Internacional del Tango con La Porteña, 11 diciembre EDP Gran Vía
La Porteña Tango celebra sus 15 años con un gran concierto en el Teatro EDP de Gran Vía el Día del Tango, el 11 de diciembre El grupo argentino de tango de mayor audiencia en Europa reúne a los grandes clásicos del género, desde Arolas a Villoldo o Gardel a Piazzola, con arreglos propios en un recital de canto y baile. El grupo formado por el guitarrista Alejando Picciano, el pianista Federico Peuvrel, la cantante Eugenia Giordano y el joven bandoneísta Matías Picciano lleva a 15 años de historia la esencia de la música más universal del país suramericano La Porteña Tango, el grupo argentino de la música más universal del país austral de mayor audiencia en Europa, celebra sus quince años de andadura con 15 tangos de historia, nombre del gran concierto que ofrecerán el 11 de diciembre en el Teatro EDP Gran Vía, coincidiendo con el Día Nacional del Tango en Argentina. Con esta actuación, el grupo vuelve a mostrar la esencia de aquella formación de trío primigenia que nació instrumental, con arreglos propios originales de los grandes clásicos del género, desde Arolas y Villoldo a Piazzola. Además, incluirán temas compuestos por el joven bandoneísta Matías Picciano, tercer puntal de la agrupación junto al guitarrista Alejandro Picciano y el pianista Federico Peuvrel. La exquisita voz de Eugenia Giordano y la danza de las parejas formadas por Carlos Guevara y Débora Godoy, y Guillermo León y Gema Leiva completan un conjunto que espera llevar la emoción de su música al público del Teatro EDP Gran Vía. La alegría que les produce Alejandro Picciano, Federico Peuvrel, Matías Picciano y Eugenia Giordano esta celebración evoca el ambiente de felicidad en que los dos primeros, durante un periplo europeo, decidieron crear en 2008 La Porteña Tango en un bar nocturno, ya desaparecido, llamado La cueva del bolero. Su crecimiento a partir de ese momento fundacional fue constante e imparable. Desde ese pequeño barel grupo se proyectó a los grandes teatros y auditorios de 22 países, convirtiendo un pequeño encuentro casual, en un continuo espectáculo de danza y música argentina alejado de clichés. Así han podido recorrer cuatro continentes presentando los espectáculos Un placer, Perfume de tango, Buenos Aires…Cuando lejos me vi, Danzarín, Que me van a hablar de amor!, 10 años, Alma de Bohemio y el reciente 15 Tangos de historia en algunos de los teatros más importantes del mundo y en muchísimos de los festivales más prestigiosos de world music que existen en la actualidad. Más de 800 representaciones cumplidas como grupo han hecho realidad sus sueños. Otra de sus grandes alegrías ha sido la tener de padrino y productor musical al maestro Litto Nebbia, que ha editado toda la discografía de La Porteña Tango para su sello Melopea Argentina. En España los espectáculos del grupo han sido seleccionados y recomendados en varias oportunidades para las diferentes redes de teatros de comunidades autónomas. Y como en ellos, en el concierto del Teatro GDP Gran Vía coquetearan con la improvisación y las armonías más modernas, además contar sus historias, provocar risas y cercanía. “Estas son cosas -señalan los componentes de La Porteña Tango-- que nos han hecho disfrutar de la enorme respuesta del cariño del público que tanto amamos y agradecemos”. Entradas compra
- Antonio Najarro coreografía "Wish" la nueva película de Walt Disney
EL BAILARÍN Y COREÓGRAFO ANTONIO NAJARRO COREOGRAFÍA LA CANCIÓN PRINCIPAL “WELCOME TO ROSAS” DE LA NUEVA PELÍCULA DE ANIMACIÓN DE DISNEY “WISH” PARA ESTA NUEVA PELÍCULA, LOS ESTUDIOSE DE ANIMACIÓN WALT DISNEY SE HAN INSPIRADO EN EL ALCAZAR DE SEVILLA, LA TORRE DEL ORO Y LA ALHAMBRA DE GRANADA PARA DEFINIR LA MIRADA DEL REINO DE ROSAS DANZAS Y MÚSICAS DE INFLUENCIA ESPAÑOLA ESTÁ PRESENTE EN LA BANDA SONORA DE LA PELÍCULA CON LAÚD, CASTAÑUELAS, BAILE ESPAÑOL Y FLAMENCO Making of de la creación coreográfica de ANTONIO NAJARRO para Walt Disney: Wish, de Walt Disney Animation Studios, es una comedia musical que transporta al público al mágico reino de Rosas, una isla fantástica situada en el extremo sur de la Península Ibérica. Históricamente, la Península Ibérica ha sido punto de encuentro de numerosas culturas que han dejado su huella en la arquitectura, la música y las tradiciones de la zona. En la nueva película de Disney podemos ver cómo el reino donde vive su protagonista, Asha y el resto de habitantes de Rosas, incluye vestigios de la arquitectura medieval vista dentro de la Península Ibérica, como grandes arcos ciegos de medio punto o azulejos vidriados. formando patrones. La inspiración arquitectónica proviene de muchas grandes estructuras de España, incluido el Alcázar de Sevilla, la Torre del Oro, la Mezquita de Córdoba y la Alhambra de Granada. “Dada la ubicación de Rosas, lógicamente tendría influencias del norte de África y del sur de Europa. También creemos que las personas que viajaron por la Ruta de la Seda podrían terminar allí”, afirma la directora Fawn Veerasunthorn. El prestigioso bailarín y coreógrafo español Antonio Najarro ha colaborado con Disney en la creación de las coreografías de algunas de las canciones de la película. Desde Danza Española y flamenco, pasando por movimientos de danza clásica e introduciendo algunos movimientos contemporáneos para hacer la coreografía más creíble y moderna. "Para la canción “Bienvenidos a Rosas”, creé una coreografía nueva y original con diez bailarines de mi compañía de danza, Compañía Antonio Najarro, incorporando muchos estilos diferentes de danza: danza española, flamenco, danza contemporánea, ballet clásico y más. Me inspiré en muchos elementos españoles diferentes: instrumentos de percusión como las castañuelas, el juego de zapateados flamencos, el movimiento de las faldas , todo basado en el verdadero espíritu del flamenco". dice Antonio. Wish utiliza guitarras españolas y castañuelas para realzar las canciones compuestas por Julia Michaels y Benjamin Rice y musicalizadas por Dave Metzger. Para apoyar las referencias españolas de la película Con un guiño al legado musical de Walt Disney, que cumple 100 años, Walt Disney Animation Studios “Wish” da la bienvenida al público al reino mágico de Rosas, donde Asha, una ingeniosa idealista, pide un deseo tan poderoso que es respondido por una fuerza cósmica: una pequeña bola de energía ilimitada llamada Estrella. Juntas, Asha y Star se enfrentan al enemigo más grande, el gobernante de Rosas, el Rey Magnífico, para salvar a su comunidad y demostrar que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas. Con la coreografía de Antonio Najarro, las voces de la actriz ganadora del Oscar® Ariana DeBose como Asha, Chris Pine como Magnifico y la cabra favorita de Alan Tudykas Asha, Valentino, la película está dirigida por el director ganador del Oscar Chris Buck (“Frozen”, “Frozen 2” ) y Fawn Veerasunthorn (“Raya and the Last Dragon”), y producida por Peter Del Vecho (“Frozen”, “Frozen 2”) y Juan Pablo Reyes Lancaster Jones (“Encanto”). Jennifer Lee (“Frozen”, “Frozen 2”) es productora ejecutiva; Lee y Allison Moore (“Night Sky”, “Manhunt”) son los escritores del proyecto.
- "In C" de Sacha Waltz, coge fama y échate a dormir
Ayer acudimos a "In C" una obra de la célebre coreógrafa alemana Sasha Waltz que nos visitó en el Festival de Otoño, ante una repleta Sala Roja en los Teatros del Canal, con su compañía Sasha Waltz & Guests. Parece ser que ese ballet se ideó durante la pandemia y su novedad fue que se estrenó de forma virtual. No dudo de que en ese momento fuese una propuesta inovadora y el público, encerrado en sus casas y angustiado, se sintiera identificado con la opresión del aburrimiento que "In C" transmite. Pero cuando las circunstancias cambian, por favor, olviden aquello que fue creado con un propósito concreto y no nos decepcionen de esa manera trayéndolo a un escenario varios años después. Seguro que la compañía tiene obras muy interesantes, porque hemos sido testigos de ello en las propuestas operísticas que la coreógrafa alemana ha presentado aquí en dos ocasiones: su "Orfeo" en el Teatro Real fue una verdadera maravilla. Escoger "In C" en el Festival de otoño supone un evidente y decepcionante error de programación. Un consejo para los que estén a tiempo, no es necesario acudir. Simplemente viendo el teaser de la obra y ampliándolo durante sus 50 minutos de duración, uno ya ha visto "In C". Sumergir al público en esa monotonía durante casi una hora, carece de sentido. El público abandonaba la sala con algo de desconcierto. Trataban de explicar aquello, y eso era lo único divertido, escucharles. Reconozco que había un coloquio posterior organizado por el Goethe Institut, al que no asistí. Cuando una obra de arte está necesitada de tanta explicación adicional, es simplemente porque no es arte. MERCEDES ALBI