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Imagen creada por Virginia Rota para la obra La nueva era de La Tarara. Surge Madrid alienta la experimentación escénica y reivindica las salas alternativas con 56 propuestas en su nueva edición  La Muestra de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid celebra su duodécima edición del 18 de septiembre al 12 de octubre en 21 salas de la capital y de los municipios de Alcorcón y Navalcarnero La programación presenta 34 estrenos, 13 actividades transversales, 7 propuestas emergentes, 2 en la sección Conexión Iberoamericana 2 y el Festival de Otoño exhibirá HAXÄN  de George Marinov, producto de la colaboración con Surge Espectáculos de teatro, danza, performance  y música, unidisciplinares o multidisciplinares, abordarán temas como el amor, la experiencia de vivir en Madrid, la salud mental, la precariedad laboral, el poso de la guerra civil, el deseo de la mujer y los abusos sexuales Imagen promocional de HAXÁN de George Marinov. @Virginia Rota Surge Madrid, la muestra de la experimentación de las artes escénicas de la Comunidad de Madrid, presentará en veintiuna salas de la capital y de los municipios de Alcorcón y Navalcarnero, 56 propuestas que reflejan la pluralidad estética, política y poética de este encuentro cultural que alcanza su duodécima edición. DETALLE DE LA PROGRAMACIÓN _mov (i) miento en.com (bate) – 26demarzo | Réplika Teatro | 18 de SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/35-mov-i-minento.html Coreografías Virtuales. Tik Tok y movimiento(s) futuro(s) – Mauricio Pérez Fayos | Réplika Teatro | 18 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/36-coreografias-virtuales.html Self pleasure – Celia Re yes | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/39-self-pleasure.html Sudario – Carmen Quismondo | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/40-sudario.html ARARAQUARA – Pedro Berdäyes | Teatro Pradillo | 27 y 28 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/05-araraquara.html Aplausos a Teresa – Cía Tribueñe-Entrecomillas | T. Tribueñe | 28-29 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/04-aplausos.html Le Plaisir – Elena Esparcia | Nave 73 | 4 y 5 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/19-plaisir.html Un grito, un lugar – Mar López y Clara Pampyn | Teatro Pradillo | 4-5 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/31-un-grito.html FLEETING MATTERS – Begoña Quiñones y Verónica Garzón | Sala Exlímite | 10 y 11 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/13-fleeting-matters.html Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá – Las Ignífugas | La Mirador | 11 y 12 OCT https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/09-bomba.html Self pleasure – Celia Reyes | Réplika Teatro | 19 SEP https://www.madrid.org/surgemadrid/2025/39-self-pleasure.html La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid en otoño, cuya programación ha presentado esta mañana en la Sala Réplika el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano , junto a sus coordinadores, Alberto García  y Natalia Ortega , se desarrollará entre el 18 de septiembre y el 12 de octubre con una programación conformada por treinta y cuatro estrenos, trece actividades transversas y siete creadores emergentes. Espectáculos de teatro, danza, performance  y música, bien unidisciplinares o multidisciplinares, abordarán temáticas como el amor, la experiencia de vivir en Madrid, la salud mental, la precariedad laboral, el poso de la guerra civil, el deseo de la mujer y los abusos sexuales. Y revisarán libremente clásicos como Bodas de sangre, El Quijote, Medea  y Fuenteovejuna .  Estas propuestas  “ responden a una constelación de visiones, enfoques y preguntas que se proyectan desde el estimulante territorio de las salas alternativas de Madrid, auténticos laboratorios y plataforma de una escena que experimenta, que quiere abrir caminos o iluminar sobre aspectos de calado social a veces soslayados”, explican los coordinadores del festival, Alberto García  y Natalia Ortega . Surge Madrid, por tanto, “no propone respuestas, sino caminos para explorar: propuestas que se atreven a mirar lo cotidiano desde otro ángulo, a incomodar lo esperado, a crear belleza desde lo subalterno…”. Paralelo a estas propuestas se presentará la pieza HAXÄN  del creador George Marinov  quien junto con su agrupación Eskatón  estrenan este trabajo en el 43º Festival de Otoño  fruto de la colaboración entre ambos eventos escénicos que marcan el calendario del otoño teatral madrileño. El consejero de Cultura junto a autoridades, los coordinadores del festival, representantes de salas y de compañías, en la presentación esta mañana en Réplika Teatro. ©Pablo Lorente Creación Iberoamericana y estrenos En su dimensión internacional, la muestra da cabida a la creación hispanoamericana en colaboración con Hispanidad 2025 , festival de la Comunidad de Madrid, con dos piezas en la sección Conexión Iberoamericana: el trabajo de deambulación colectiva propuesto por Julieta Koop  y Danae Cisneros  bajo el título Vivir en una casa prendida fuego; y la intervención plástica Del teatro al mural  que pondrá el broche final a esta edición de la mano Ame en la tierra. Un gesto que refuerza ese imaginario compartido entre territorios y lenguajes. El apartado de Estrenos lo componen "FURIA" Unidad de Intervención Rápida  de Teatro de Operaciones - Teatro La Usina, _pluma  de Anto Rodríguez , 2150 de Rateatro, Aplausos a Teresa  de Cía Tribueñe-Entrecomillas teatro, ARARAQUARA  de Pedro Berdäyes , Bodas sin sangre  de La Belloch Teatro, BORDE[R]  de la Cia. del Sr. Smith , CARCOMA  de CALATEA, Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá  de Las Ignífugas, Don Quijote a voces  de Elfo Teatro , El hambre imposible de ser normal  de Teatro de los Invisibles, el tembleque  de Aurora García Agud  e Iván Mozetich , FLEETING MATTERS  de Begoña Quiñones & Verónica Garzón , FUENTEOVEJUNA. Esto se nos fue de las manos  de Teatro Cualquiera, Holocausto de oxígeno  de Inervo art, Instrucciones para crear una utopía  de La Rueda Teatro Social, LA NUEVA ERA  de Marie Delgado /La Tarara Company, La Protagonista  de Patricia Benedicto, Le Plaisir  de Elena Esparcia, Lo de los besitos  de Teatro al vuelo (TAV), LOS VIRTUOSOS. 30 AÑOS TEATRO DEL ASTILLERO  de TEATRO DEL ASTILLERO, Maldita Medea  de Producciones Garrote, Más miedo que vergüenza  de Elvira Barmeri  y Leire Asarta , Nadie sabría decir lo que puede un encuentro  de A TEMPO DE FURIA / Egozkue y Paz, Nancy tuvo un hijo  de Rafa Fdez. Mullin , Paloma Calle que se calle  de Paloma Calle , Permanencias de memoria sin lenguaje de Miren Muñoz  y Denislav Valentinov , Pongamos que hablo de Madrid  de La Vaca Naranja, RockValdi  de La Mayko producciones, TODAS SOMOS BABY JANE  de Antonio L. Pedraza  y Álvaro Prados , Un grito, un lugar  de Mar López  y Clara Pampyn , VITIS VINIFERA  de AMELIA REPETTO, Waltus  de LAGRADA Producciones Teatrales, S. L. y ZORRA DORADA  de Elisa Forcano . Las siete propuestas de Emergentes para compañías y creadores noveles son _mov (i) miento en.com (bate)  de 26demarzo, Coreografías Virtuales: TikTok y movimiento(s) futuro(s)  de Mauricio Pérez Fayos , coser y contar  de Irene Maquieira, Nunca Estoy.mp3  de Ultranostalgik, Self, Pleasure  de Celia Reyes , Sudario  de Carmen Quismondo  y XULA, GUAPA Y CHISPERA  de Colectivo Chipén. Las Actividades Transversas, que prima géneros poco programados, la investigación y la experimentación, ha seleccionado CASA/PIEL  de Alba González Herrera , Celebremos otro año que se pasa  de Camila Carreira , Distrito Diógenes  de Cráter, El gabinete de las ilusiones: Sr Livingstone  de Imagina Magia, ENARBOLARSE  de Ksenia Guinea , ENTRE CAÑAS Y BARRO  de DANTE, A.C., FRACCIÓN  de Virginia Rodríguez , Historias de amor a la vida de RESIDUI TEATRO, Ser Bailarina -Pregunta Colectiva-  de Inés Narváez  - 10&10, Stanza di Pasolini  de Malala Producciones, The Gold Collection  de Quemar las Naves, ¿Tú me entiendes?  de Teresa Rivera  e Y si fuéramos  de Virginia Rota . &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ayer en la Sala Negra de los Teatros del Canal ha tenido lugar el primer espectáculo del ciclo Canal Baila . Es un privilegio poder disfrutar de esa intimidad que transmiten los espacios pequeños cuando el artista es grande, y aquí lo fueron por partida triple: Paula Comitre, Florencia Oz y Carmen Angulo , acompañadas por la cantante Rocío Luna . El número de tres tiene un significado mágico, es el triángulo que contiene el simbólico ojo que todo lo ve , es lo impar, lo asimétrico e irreductible; es drama y es juego, es lo que no se puede encajonar. Pero ellas lo hicieron armónico, deslizándose en un espacio sonoro sutil y continuo , mecidas por la voz redonda de Rocío Luna. Era un espacio vacío que ellas llenaron. No había cromatismo, el vestuario elegantemente atemporal en colores negros y la iluminación compuesta a base de focos horizontales, remarcaba la pureza de las líneas . Eran las parcas, las deidades que trazan y mueven el hilo de la vida . Esa cuerda que las unía y las separaba, que unas veces era gruesa y mullida y otras áspera y cortante, simbolizaba el transcurrir, los ciclos vitales , también representados por la diferencia de edad de unos diez años, entre cada bailarina. Ellas diferentes, pero muy bien coordinadas, tuvieron su personalidad y su propio espacio, desde el drama de la soledad individual, mostrado en sus solos , hasta lo festivo del ciclo de la cosecha expresado a través del folklore.  Fue un espectáculo en el que mereció la pena recrearse. MERCEDES ALBI

Un Viaje en el Tiempo a Través de la Danza: Huesca acoge un espectáculo único que recrea el espíritu de los años 70 y la magia del medievo. La noche del 6 de agosto de 2025, la Plaza General Alsina de Huesca se ha transformados en un gran escenario al aire libre donde la danza, la historia y la ficción se entrelazaron para ofrecer al público una experiencia inmersiva sin precedentes. Ha sido retransmitida en directo por la televisión deL Alto Aragón Huesca acogió una propuesta artística innovadora que combina el lenguaje universal de la danza con una narrativa envolvente que ubica en dos épocas distintas, pero profundamente evocadoras: los vibrantes años 70 y la enigmática Edad Media. Este espectáculo de danza, concebido como una ficción escénica, tiene como punto de partida la llegada de una compañía de danza imaginaria a la ciudad de Huesca en plena década de 1970. A través de una cuidada puesta en escena, los intérpretes nos mostrarán el proceso íntimo y cotidiano de preparación de un grupo de bailarines : desde el calentamiento corporal y los primeros ensayos, hasta el diseño de las coreografías que darán forma a su espectáculo. Un espectáculo lúdido, divertido e inmersivo producto del amor a la danza y la imaginación En un primer acto de carácter introspectivo y danza jazz/contemporáneo, el público fue testigo de cómo se construye una obra de danza desde cero, explorando no solo la técnica y la precisión del movimiento, sino también la convivencia artística, las dudas, el entusiasmo y la pasión que mueven a los intérpretes. Este fragmento buscaba ofrecer una mirada humana y cercana al universo de la creación escénica, evocando la atmósfera contracultural y creativa que marcó la escena artística de los años 70. Músicas maravillosas que pudimos disfrutar en nuestra juventud: Barry White, George Benson, Roberta Flack, Peaches & Herb Y Boney M. Tras este recorrido por el proceso creativo, la compañía revelará el resultado de su trabajo: un espectáculo inspirado en la Edad Media . En esta segunda parte , la Plaza General Alsina se convertirá en una auténtica plaza medieval, donde el público será transportado a siglos atrás mediante una cuidada ambientación visual, vestuario de época y un repertorio coreográfico basado en pasos y figuras documentadas en tratados y manuscritos de la época. La representación incluyó una serie de danzas cuidadosamente reconstruidas a partir de fuentes históricas , en un esfuerzo por rescatar la riqueza gestual y simbólica de las danzas medievales. La representación incluyó una serie de danzas cuidadosamente reconstruidas a partir de fuentes históricas El espectáculo no fue una simple exhibición: el espectador se vió inmerso en la narrativa y el ambiente de la Edad Media, convirtiéndose en parte activa del universo escénico, donde participaron activamente de las distintas danzas. Sin olvidar, la vertiente lúdica del evento, pues fue todo muy divertido, termianado con el juego de la silla donde donde el ganador fue obsequiado con un jamón donado por Alcampo Huesca. la compañía EDH pretende no solo entretener, sino también conectar al público con la historia La música e iluminación estuvieron a cargo de  Prixmapro y una escenografía envolvente creada por Esther que contribuiyo a generar una experiencia tan sensorial como emocional. Con esta propuesta, la compañía EDH pretende no solo entretener, sino también conectar al público con la historia , el patrimonio intangible del movimiento y la evolución de la danza como forma de expresión a lo largo del tiempo. Este evento forma parte de la programación cultural de verano impulsada por el Ayuntamiento de Huesca, oficina de Turismo y la colaboración de diferentes entidades locales comprometidas con la promoción de la cultura y las artes escénicas. José Espinosa, ante el éxito obtenido nos cuenta: "sería genial si el publico asistiera ataviado con ropa del medieval, y cara a futuro fuera una tradición el venir a disfrutar de este tipo de espectáculo y entrar en la plaza y volver al pasado. El director de EHD (Espacio Huesca Danza) agradece a sus bailarines/as: Juan, Laura, Héctor, Lucia, Iker, Aitana, Carlota y Paula, el gran esfuerzo que han hecho para llevar a cabo este espectáculo. Ha sido una noche en la que el público pudo conpartir con EDH un Sueño de Leyenda.

La castañuela española, el instrumento que comunica la música y la danza José de Udaeta Llama la atención que, siendo la castañuela el elemento fundamental y diferenciador de la danza española, apenas existan investigaciones en este campo que traten de desvelar la procedencia de su origen más allá de copiar y pegar algunas consideraciones genéricas apuntadas por José de Udaeta en su libro "La castañuela: origen y evolución" (Ed. Inaem 1989) . Si nos preguntamos desde qué época se toca en nuestra península, los autores aluden a un tiempo remoto que hunde sus raices en la prehistoria . No cabe duda de que las castañuelas son anteriores a la romanización. La primera referencia documentada sobre la existencia de unas "artistas" procedentes de Gadir (la actual Cádiz), se encuentra en la "Geografía" de Estrabón, escrita en el siglo II a. C . Sin embargo, este hecho es anterior pues se basa en un relato de Posidonio , un sabio astrónomo y geógrafo del que solo se conservan fragmentos de sus obras citados por otros autores, quien además de medir el radio de la circunferencia terrestre, estuvo en Gadir estudiando las corrientes marinas. Posidonio contó que desde allí, el navegante Eudoxo de Cícico partió hacia las costas de África, llevando entre su tripulación a un grupo de  muchachas gaditanas para entretenerles . En el texto no se precisan más detalles, no indica si eran músicas, bailarinas o prostitutas, aunque es posible que fueran un poco de todo. Sin embargo, es indudable que en el imperio romano se fue fraguando un estilo de danza interpretado por muchachas gaditanas (puellae gaditanae) , famosas por amenizar los banquetes romanos al son de la "crusmata baetica", como detallarán, entre otros, los poetas Marcial y Juvenal. Recreacción virtual de la antigua Gadir ¿Por qué de Gadir? En aquel tiempo previo a la conquista de Roma, nuestra penísula era para los romanos un terreno inexplorado. Pero Gadir sí les era conocido, al tratarse de una de las ciudades más antiguas de occidente, pues fue fundada por los fenicios en torno al año 1.000 a. C., siendo el puerto más importante de la zona. Por tanto, es lógico que, a la hora de definir a estas bailarinas procedentes de tan remoto lugar, quedasen identificadas bajo una referencia geográfica por ellos conocida . la denominación de "puellae gaditanae" aglutina a bailarinas procedentes de toda la zona sur de Hispania Es probable, pues, que la denominación de "puellae gaditanae" aglutinase a bailarinas procedentes de toda la zona sur de Hispania, pero cuyo sello de identidad radicaba en un estilo de danza propio que las hizo famosas y apreciadas en la Roma imperial. La "crusmata baetica" En el area mediterránea existe una gran variedad de instrumentos que , como la castañuela, pertenecen a la familia de los idiófonos . Son los instrumentos de percusión que producen sonido por sí mismos, sin añadir ningún otro elemento a su única materia, es decir, sin valerse de cuerdas o membranas. ¿Quiere esto decir que los idiófonos provienen unos de otros o que, por el contrario, en las diversas culturas desde la prehistoria han golpeado un objeto contra otro para emitir sus ritmos, llegando a modos diversos de similar naturaleza? Los historiadores clasifican este doble planteamiento de interpretación del mundo antiguo como difusionismo y convergencia . Por ejemplo, si las pirámides son una forma constructiva que existe en Egipto y a su vez en el mundo maya, según el planteamiento convergente es porque han ideado lo mismo en distintos lugares; mientras que la teoría difusionista situaría la base de dicha coincidencia en un nexo común entre ambas civilizaciones. Trataremos de dilucidar ambos aspectos basándonos en las pruebas que nos proporciona la arqueología y la filología clásica , que estudia los textos originales. La castañuela desde la arqueología En el campo de la arqueología existe un tipo de idiófono egipcio denominado castañuela egipcia o aplaudidores . En la colección de Eduardo Toda Güell, conservada en el Museo Arqueológico Nacional, poseemos una mitad del instrumento, pues originariamente eran dos partes iguales en forma de pequeños brazos, de unos 10 cm de longitud, unidas por un cordón en su base que se agitaban una contra otra. Mitad de una "castañuela" egipcia. Museo Arqueológico Nacional Echándole un simple vistazo a la castañuela egipcia, que es una pieza que suele datarse más allá del año mil antes de nuestra era, resulta evidente que requiere una gran dosis de imaginación contemplarlo como el antepasado de la nuestra. Más problemática es la cuestión de si proviene o no del crótalo griego. Continuando por la pista que nos marcan los objetos arqueológicos, dicho instrumento lo encontramos sobre todo representado en las cerámicas áticas del siglo V a. C. , caracterizándose por ser de forma alargada con un punto de unión en su base. También figura representado en las vasijas de la misma época un tipo de crótalo terminado en forma de "T". Sea como fuere, este instrumento con el que en la Grecia Clásica se acompaña a las danzas, tiene una morfología con caracteres propios y diferenciados. Los idiófonos, en sus distintas formas, acompañaron los bailes a los largo del Mediterráneo. La castañuela desde la filología: diferencias entre el crótalo y la "crusmata". El error de traducirlas con el mismo término Es en el ámbito de la filología clásica, estudiando las palabras utilizadas en las obras latinas, donde encontramos otra pista fundamental para clarificar si el instrumento que tocaban las "puellae gaditanae", la "crusmata baetica" se corresponde con el crótalo. Francisco Asenjo Barbieri El compositor Francisco Asenjo Barbieri , nieto de la bailarina bolera Paula Luengo, fue un eminente investigador de la historia de la danza . Su afición cobró tales dimensiones que, a lo largo de su vida, fue recopilando los tratados originales que sobre la materia conforman actualmente la valiosa colección que custodia la Biblioteca Nacional de España. En un estudio jocoso que publica bajo el título "Las castañuelas" (Ed. Madrid, 1878) considera erróneo que al estudio de la castañuela se denomine crotalogía, cuando en realidad debería nombrarse como "crusmatología". Al maestro Barbieri le corresponde el mérito de señalar por primera vez que crusmata y crótalo son diferentes Y es que el problema de haber identificado los dos tipos instrumentos como si se tratase de uno solo , se debe a una traducción simplificada y errónea de los textos latinos. Ambos tipos de idiófono, crótalo y crusmata, se han traducido como "castañuela" cuando en las obras latinas son palabras distintas . La crusmata y el crótalo en los textos latinos Analicemos algunos ejemplos extraidos de los propios textos en latín. En este sentido quiero resaltar la interesantísima tesis doctoral escrita por Zoa Alonso, profesora de Filología Clásica de la Universidad Auónoma, titulada "La danza en época romana: una aproximación filológica y lingüística" Así , en un poema de Virgilio se describe a una tabernera siria .-justamente, la bailarinas más famosas de Roma solían ser extranjeras, como las sirias, las licias y las gaditanas, y pertenecían a los estratos más bajos de la sociedad-. La tabernera siria (copa Syrisca) toca los crótalos, y los asemeja en el último verso a cañas (calamos) .   Copa Syrisca, caput Graia redimita mitella,   Crispum sub Crótalo docta movere latus,   Ebria fumosa saltat lasciva taberna,   Ad cubitum raucos executiens calamos .   El poeta Marcial es quien dedica más poemas a las "puellae gaditanae" , pero observamos cómo ellas no tocan crótalos sino crusmata. Se refiere a una esclava llamada Teletusa ¿Era de Cádiz? el poeta Marcial no lo indica, sino que se limita a especificar que baila al estilo gaditano (Gaditanis ludere docta moris). Experta en hacer gestos lascivos al son de las castañuelas béticas y bailar con ritmos gaditanos, esta podía empalmar al tembloroso Pelias y excitar al marido de Hércuba junto a la Pira de Héctor, Teletusa tortura y excita a su antiguo dueño: la vendió como esclava y ahora la vuelve a comprar como dueña (Mart. 6, 71, 1-6) El tercer y último ejemplo es de Juvenal, que define el instrumento que toca la bailarina de Gadir como concha . (Iuv. 11, 171-174)   CONCLUSIONES SOBRE LOS TEXTOS: Las bailarinas gaditanas tocan la "crusmata" o algo similar que tiene forma de concha, un instrumento distinto al crótalo, que utilizaban otras bailarinas y que debía ser más alargado, como una caña. En la Roma clásica había un estilo de danza que se identificaba como gaditana, más allá del lugar de procedencia de la bailarinas. Fragmento del mosaico de Villa romana del Aventino, siglo I a II d. C. Museo Nacional de Italia A favor de la convergencia en el origen de la castañuela española Una característica de que diferencia a los seres humanos del resto de los animales es su capacidad para crear belleza. El goce estético es un placer reservado únicamente a los de nuestro género. El ritmo es el origen de la música y los instrumentos más primitivos eran de percusión, y posteriormente, los de viento. Y si como decía Oscar Wilde que la vida imita al arte, la castañuela , por su forma, queda claro que imita una concha marina. Son dos conchas de mar que se perforarían y se unirían con algún tipo de cuerda por sus "orejas", y más tarde se fabricarán de madera. Una de las conchas quedaría atada a los dedos dejando libre el pulgar, y la otra, se colocaba chasqueando a su contraria desde la palma de la mano. Castañuelas ibicencas Una de las modalidades más curiosas de castañuela es la ibicenca, instrumento de gran tamaño que se toca por el bailarín como una prueba de fuerza o destreza , en una danza que es de cortejo y se remonta a los tiempos antiguos, cuando ellos eran guerreros y ellas damas o vestales. El mismo tiempo ancestral se vislumbra en otras danzas de cortejo como el Pericote asturiano . Una pista sobre la convergencia, sobre el surgimiento de unos tipos de instrumento parecidos en distintas áreas culturales de forma autónoma , y es que cada civilización los contruye a partir de los materiales que la naturaleza les proporciona. Así en el oriente mediterráneo, los egipcios construirían sus idiófonos con las cañas del Nilo, por eso sus instrumento evoluciona hacia formas alargadas como son los aplaudidores y los crótalos; en España, si nace de las conchas marinas (el texto de Juvenal nos habla de conchas) aparece nuestra "crusmata baetica". Como es de sobra conocido, no será sino a partir del siglo XVIII con la aparición de la escuela bolera, cuando la castañuela se anuda en el dedo pulgar. Muchas danzas folklóricas españolas se siguen interpretando con el instrumento anudado en el dedo corazón. La convergencia existe muy claramente entre los instrumentos de viento. Por ejemplo, la flauta de Pan, se da tanto en el mundo grecolatino como en las civilizaciones andinas. Y aparece de forma autóctona, sin referencia alguna, las diferentes culturas adoptan modos similares. Cuanto más se sofistica el instrumento, más diferente es su tipología. Lo que es completamente indudable es que es España el único lugar del mundo en el que la castañuela ha evolucionado en tan diferentes modos de forma y riqueza cultural. Un ejemplo de pervivencia en las formas: el relieve de Osuna Los modos y formas perviven en el tiempo . No puedo dejar de referirme a una pieza que se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional: el relieve de Osuna datado en el siglo II a C. En este se muestran dos fragmentos de dos personas vestidas distinta distinta: son un íbero y un romano . Relieve de Osuna, siglo II a C. Museo Arqueológico Nacional El íbero retratado viste con una capa con capelina, frente al romano ataviado con su toga. Esto prueba que la capa española ya existía en el tiempo en que las "puellae gaditanae" tocaban las castañuelas , y además tanto la capa como las castañuelas han llegado hasta nuestros días. la capa española existía en los lejanos tiempo en que las "puellae gaditanae" tocaban las castañuelas En una conferencia del eminente arqueólogo, el profesor Martín Almagro , pronunció una frase que me impactó pues con ella expresó una clave fundamental para la interpretación de la  realidad histórica: "lo que no molesta, perdura en el tiempo, y lo hace en periodos de larga duración" . MERCEDES ALBI Nota.: esta tesis fue expuesta por primera vez en la conferencia "la Danza en Madrid y sus protagonistas" Biblioteca Regional de Madrid , junio 2025

Cia. Rafaela Carrasco en "Nocturna" Lo último de Angelin Preljocaj, “Nocturna” de Rafaela Carrasco y danza contemporánea en Tabakalera Dantzan, en la 86 Quincena Musical de San Sebastián Además, diferentes manifestaciones dancísticas presentes de forma transversal en otros ciclos de la Quincena completan la oferta de danza de la presente edición, lo que demuestra el gran peso de esta disciplina dentro de la programación del festival.   Laida Aldaz_InPerspective ©BeniaminBoar El Ballet Preljocaj inaugura el Ciclo del Auditorio Kursaal con su última creación, Requiem(s) El espectáculo, estrenado en mayo de 2024, eleva un canto a la muerte como parte de la experiencia humana, y cosechó un enorme éxito en su presentación en París. En la coreografía de Angelin Preljocaj participan 19 bailarines y emplea música de Mozart, Ligeti, Bach, Jóhannsson, System of a Down o 79D, entre otros El viernes 1 de agosto , y como colofón a una Jornada Inaugural  que ofrecerá media docena de conciertos en diversos escenarios de la ciudad, el Auditorio del Kursaal abrirá sus puertas para acoger el primer gran espectáculo de danza de la 86 Quincena Musical de San Sebastián. Estará protagonizado por el Ballet Preljocaj , la compañía que dirige el famoso coreógrafo francés Angelin Preljocaj , que presentará en Euskadi su última creación, “ Requiem(s”) , una celebración del milagro de la vida a través de los ritos funerarios. Las entradas para la función, que dará comienzo a las 20:00 en el Auditorio Kursaal, se pueden adquirir por precios que oscilan entre 12 y 47 euros en quincenamusica.eus y en las taquillas del Kursaal y del Teatro Victoria Eugenia   Angelin Preljocaj , coreógrafo francés de origen albanés, inició su formación en danza clásica antes de volcarse en la contemporánea, aprendiendo con figuras como Merce Cunningham y Dominique Bagouet, quienes lo influenciaron antes de fundar su propia compañía en 1984. Desde entonces ha creado más de 60 obras, alternando grandes ballets narrativos, como “Romeo y Julieta”, “Blancanieves” o “El lago de los cisnes”, con el que obtuvo un importante éxito en la Quincena Musical de 2023, con piezas abstractas (“Empty moves”, “Still Life”, “Deleuze/Hendrix”…). El Ballet Preljocaj, con 30 bailarines fijos, realiza unas 120 representaciones al año por todo el mundo, y es reconocido por su estilo de danza virtuoso y dramático.   Siempre abierto a las colaboraciones con otras disciplinas, Preljocaj ha trabajado con músicos como Air, Laurent Garnier, Daft Punk o Karlheiz Stockhausen, con artistas visuales como Claude Lévêque y Subodh Gupta, diseñadores como Jean Paul Gaultier, y cineastas como Boris Labbé. Sus obras forman parte del repertorio de prestigiosas compañías internacionales, como el Ballet de la Ópera de París, el Ballet de la Staatsoper de Berlín y el New York City Ballet, y entre sus numerosos premios destacan el Benois de la Danse (1995), el Bessie Award (1997) y el Globe de Cristal por su espectáculo “Blancanieves” (2009). Además de coreógrafo, Preljocaj muestra un gran interés por el cine. Ha dirigido varios cortos y el largometraje “Polina, danser sa vie” (2016), en codirección con Valérie Müller.   Preljocaj estrenó “Réquiem(s)” en mayo de 2024, durante el Festival de Aix-en-Provence, y luego se trasladó durante dos semanas a La Villette de París y a otras ciudades francesas, levantando siempre una gran expectación. “Requiem(s)” es una pieza que aborda de forma íntima y visceral las múltiples dimensiones de la muerte y el duelo, y el público galo pareció resonar con la propuesta a través de la empatía que se establece con el dolor del propio Preljocaj. Impulsado por las pérdidas personales que él mismo sufrió en 2023 (su padre, su madre y varios amigos fallecieron en tan solo unos meses), Preljocaj concibió su creación como un homenaje y una reflexión en movimiento, tras haberse documentado profundamente en torno al fenómeno de la muerte. Durante dicho proceso buscó consuelo e inspiración en el pensamiento de Émile Durkheim, en su ensayo “Las formas elementales de la vida religiosa”, en Roland Barthes y su “Diario del duelo”, y en otras lecturas de filósofos como Gilles Deleuze, Friedrich Nietzsche, Louis Pernot o Clément Rosset. Preljocaj construye en “Requiem(s)” un universo escénico que alterna momentos melancólicos, furiosos y luminosos. La música refleja ese mosaico emocional: el ballet transita con brusquedad del Lacrimosa del “Réquiem” de Mozart a fragmentos de heavy metal, pasando por la música de Bach, Ligeti, Poulenc o Hildur Guonadóttir. Esta riqueza sonora potencia las emociones que exploran los diecinueve bailarines a través de coreografías que evocan rituales funerarios y estados del alma. Visualmente, la obra se desarrolla en una sobria gama de blanco y negro, con decorados, vestuario y luces que refuerzan el tono ceremonial, solo interrumpido por toques puntuales de rojo. La potente coreografía de Preljocaj se ve reforzara por las video-creaciones de Nicolas Clauss, los figurines de Eleonora Peronetti y el diseño lumínico de Éric Soyer. Descrito como “una celebración artística de la memoria y la vida a través del cuerpo y el sonido”, y bautizado por Le Monde como “un magistral ballet de la muerte”, “Requiem(s)” se ha presentado ya, tras sus primeras representaciones en Francia, en ciudades como Módena, Atenas, Madrid y Friburgo.   “Nocturna. Arquitectura del insomnio” de Rafaela Carrasco (Premio Nacional de Danza 2023), el 5 de agosto en el Teatro Victoria Eugenia   Tras el éxito internacional de “Nacida sombra” (2017) y “Ariadna. Al hilo del mito” (2020), la coreógrafa y directora Rafaela Carrasco y el dramaturgo y poeta Álvaro Tato continúan su proceso de creatividad compartida en una nueva propuesta junto a un equipo excepcional que lleva la música y el baile flamenco a un nuevo territorio de exploración y búsqueda. En “Nocturna. Arquitectura del insomnio”  Carrasco indaga, junto al poeta y dramaturgo Álvaro Tato, en la relación de las personas con el mundo de la noche, y la capacidad inspiradora de ésta en autores de Siglo de Oro tales como Góngora, Lope de Vega, Juana Inés de la Cruz... cuyos fragmentos se escucharán en la voz en off de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. Todo ello sobre un fresco musical con obras de autores como Bach y voz en directo de la cantaora Gema Caballero. A través de las palabras y los cuerpos, Nocturna plantea una exploración basada en la danza, la música y la poesía “en torno a los grandes motivos y contradicciones que genera la noche vista desde la lucidez y la alucinación de quien vela, de quien vive el insomnio. Porque la noche cambia, transforma, confunde, se mueve. Porque la noche es movimiento puro”.   La dramaturgia de “Nocturna” se estructura a partir de los textos de la Insomne, un personaje simbólico que desde su voz en off anota en su diario el largo viaje noche adentro: rituales infructuosos, ciclos de la memoria y la obsesión, abandono a la alucinación y la pesadilla, la calma serena del alba. Las palabras, en variación constante, como el motivo recurrente de las “Variaciones Goldberg” de Bach, van permutando los símbolos de la noche cotidiana. En contraste con esta voz, las coplas flamencas de “Nocturna” funcionan como diminutos poemas cantados que hunden sus raíces en los motivos populares de la representación nocturna y cuya inspiración viene de la tradición flamenca, pero también de la poesía que ha recurrido a la noche y v metáforas, desde Lope de Vega o Luis de Góngora o la poesía mística de san Juan de la Cruz y sor Juana Inés de la Cruz, entre otros, y poetas románticos y modernistas, desde Gustavo A. Becquer hasta Antonio Machado, desde Rosalía de Castro hasta Juan Ramón Jiménez. De este modo, los textos y versos enhebran una obra en perpetuo movimiento. A lo largo de una noche sin dormir, desde la puesta de sol hasta el amanecer, la palabra danza.   Destacada figura del flamenco, reconocida coreógrafa y bailaora, Rafaela Carrasco creó en 2002 su propia compañía; ese mismo año había ganado los principales premios del XI Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco. Ha sido directora del Ballet Flamenco de Andalucía desde 2013 hasta septiembre de 2016. En 2023 fue galardonada con el Premio Nacional de Danza. Discípula de Matilde Coral y Mario Maya, ha trabajado con Belén Maya, Israel Galván, Javier Barón, Adrián Galia, Rafael Amargo, Ricardo Franco, Teresa Nieto, Ramón Oller, Antonio Canales, Farruquito, Duquende, Chicuelo o Merche Esmeralda, entre otros. Se presenta también como destacada profesora en importantes escuelas, como la de Amor de Dios en Madrid, el Centro Flamenco de Estudios Escénicos de Granada o el Festival de Jerez y es Catedrática de Baile Flamenco en el Conservatorio Superior de Danza «María de Ávila». La creación contemporánea protagoniza la sexta edición de Tabakalera Dantzan   La presente edición del ciclo Tabakalera Dantzan continúa poniendo el foco en ofrecer propuestas que exploran la relación entre la danza y la música, el espacio arquitectónico y, este año también, la escritura. El ciclo acoge creaciones singulares que se salen del contexto escénico para ocupar otros espacios de presentación y seguir activando miradas desde nuevas perspectivas, miradas inquietas hacia lo desconocido. El ciclo Tabakalera Dantzan  es fruto de la colaboración entre Tabakalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián, y la Quincena Musical de San Sebastián y tiene por objeto la promoción de la creación en el ámbito de la danza contemporánea y servir de plataforma para la difusión de esta disciplina artística. El ciclo, coordinado Olatz de Andrés, ofrece este año una residencia de creación a la Idoia Zabaleta y acoge otras tres piezas, propuestas que proponen miradas singulares hacia el acto coreográfico y el arte del movimiento. La relación entre la danza y el sonido vuelve a estar presente en varias de las piezas. En tres de ellas disfrutaremos de música en directo y en una de ellas lo haremos a través de una DJ en directo.   Otra característica del ciclo es la apuesta por dar visibilidad a personas creadoras con una trayectoria, a través de una residencia de creación , ofreciéndoles carta blanca a que compartan sus búsquedas artísticas. Cada edición de la residencia viene teniendo una característica particular: el primer año fue diálogo con una exposición, el segundo año una colaboración con músicos contemporáneos y esta edición propone una continuación a un proceso ya iniciado con un equipo amplio. Idoia Zabaleta , artista residente en esta edición, propone en “Orta edo norbat dantzan_pista de baile”  ( 13 de agosto ) una experiencia duracional en la que pone en juego palabra, movimiento, sonido y silencio e invita al público a tomar algunas decisiones sobre cómo estar en la propia experiencia. El punto de partida del trabajo es un poema-retrato que escribe Gertrude Stein a Isadora Duncan.   En “In Perspective / Tabakalera”  ( 11 de agosto ) Laida Aldaz  ocupará el edificio de Tabakalera, cerrado ese día al público general por ser lunes, a través de un recorrido que pone en relación la danza y la arquitectura. En este proyecto, Laida trabaja con un grupo grande compuesto por bailarines de su compañía y un grupo de bailarines en formación. “El Baile de la Zurda”  ( 12 de agosto ) de Compañía LaCerda  celebra el acto e impulso de bailar en colectivo y desde la raíz.   Melania Olcina  a través de “Tactus” ( 12 de agosto ) genera un paisaje táctil donde las fronteras entre lo sonoro y lo físico se difuminan en cada movimiento y cada vibración del arpa. Por, último Jesús Rubio y Luz Prado , en “Ejercicios Elementales”  ( 14 de agosto ), ponen sobre la escena una reflexión sobre el acto de bailar y tocar un instrumento, asemejando ambas prácticas y sus resonancias. Nos acercan al mundo del intérprete al bailar y al tocar.   En resumen, un abanico de búsquedas e inquietudes artísticas con relación al movimiento y la coreografía que muestran la multiplicidad de aproximaciones que existen hoy en día en torno a la danza contemporánea. Propuestas para preguntarnos qué nos mueve, qué nos interpela y cómo nos transforma una experiencia artística cuando somos público.   Más danza en los otros ciclos de la Quincena   Dentro de la programación específica de la Jornada Inaugural , de carácter gratuito, serán dos las propuestas de danza: la Lasala Dantza Konpainia , de Judith Argomaniz, presenta “Humana”  en el Museo San Telmo ( 1 de agosto , gratis para quien tenga entrada para el museo, aforo limitado); Lasala ofrece un recorrido por algunas de sus piezas más emblemáticas, adaptándolas a un espacio icónico como el Museo San Telmo. La compañía brindará una oportunidad única de descubrir su trabajo en una atmósfera más cercana en la que el entorno pasará a ser parte del mensaje. Y la compañía Verdini Dantza Taldea , de Isabel Verdini, interpretará “Sustraiak eta hegoak” , Raíces y alas , en euskera ( 1 de agosto , foyer del Auditorio Kursaal, entrada gratuita con aforo limitado). Se trata de un espectáculo de danza contemporánea que celebra la riqueza de la diversidad cultural a través del lenguaje universal del movimiento; esta producción única reúne a bailarines de diferentes orígenes, cada uno aportando su herencia cultural y su historia personal al escenario.   Además, también habrá presencia de danza en el Ciclo de Órgano (Gure Kai Dantza Taldea junto a José Luis Echechipía y Verdini Dantza Taldea junto a Shin-Young Lee) y en el ciclo itinerante Quincena Andante (Haatik Dantza Konpainia con Iñaki Alberdi en Hondarribia, Miren Lizeaga con Eñaut Zubizarreta e Iñigo Salvador en Getaria y Amaia Elizaran junto a Alos Quartet y otros músicos en Arantzazu).       Las entradas para estos espectáculos (salvo para los que son gratuitos) así como para las demás citas del festival, se pueden adquirir en quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y del Teatro Victoria Eugenia     Toda la programación del festival se puede consultar en quincenamusical.eus

Una campaña solidaria en el corazón de Asturias: tres jóvenes artistas ucranianas participarán en el Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza 2025 Ribadedeva / Val de San Vicente, julio de 2025 – El arte vuelve a tender puentes en uno de los festivales culturales más esperanzadores del norte de España. Este verano, el Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) acogerá, dentro de su programa formativo Encuentro Con Los Maestros , a tres jóvenes artistas ucranianas que han encontrado en la danza y la música una forma de seguir adelante en medio del conflicto bélico. Gracias a la colaboración con la asociación Cultura Contra Balas , la campaña de apoyo al Festival a través de la plataforma Goteo ; y seleccionadas entre más de 250 candidaturas, Daría (bailarina), Yosafata (flautista) y Valeria (bailarina) vivirán dos semanas de formación, creación y convivencia artística en la comarca del Bajo Deva , entre Asturias y Cantabria. “El baile me salvó cuando la guerra me lo quitó todo” — Daría “Este festival une todo lo que amo” — Yosafata "Incluso en la guerra, el arte te da fuerzas para seguir” — Valeria Las tres jóvenes protagonizarán varios momentos destacados de la programación: Concierto Inaugural del Festival 18 de agosto, 20:00 h Auditorio Bajo Deva, Unquera Un emotivo arranque de festival en el que compartirán escenario con músicos y bailarines internacionales. V Certamen Ribadedeva En Danza 23 de agosto, 20:00 h Auditorio Bajo Deva, Unquera Participarán como invitadas especiales en esta gala competitiva que premia la excelencia de jóvenes talentos. Espectáculo Final "La Media Vuelta" 30 de agosto, 20:00 h La Casona de Noriega (Colombres) Creación colectiva desarrollada durante el Encuentro Con Los Maestros , presentada en un lugar único: La Casona de Noriega, la histórica casona familiar del actor Eduardo Noriega . El FIBRED 2025 , bajo la dirección de María Herrera Gómez y promovido por la Asociación MJH Diferencias Educativas , se consolida como un referente en la descentralización cultural, el fomento de la creación artística y el compromiso con la inclusión y la solidaridad. Esta edición no solo celebra el arte de la mano de grandes Maestros como Maribel Gallardo (Medalla de Oro a las Bellas Artes), Manuel Segovia (Premio Nacional de Danza), Estrella García (bailarina y coreógrafa asturiana, directora de la compañía ZigZag Danza), Lucía Campillo (referente internacional del baile flamenco), Paco del Pozo (Premio Lámpara Minera al cante flamenco), Currillo Franco (bailaor y maestro del RCPD Mariemma), Alejandro Lara (bailarín y director de su propia compañía de danza), y Laura Fúnez (destacada figura de la Danza Bolera); sino que reafirma que, incluso en los momentos más oscuros, la música y la danza pueden ser refugio, impulso vital y símbolo de esperanza y paz. Más información y contacto MARÍA HERRERA ribadedevaendanza@gmail.com   (+34) 649 508 623

Ø  Las estrellas protagonistas de los carteles anunciadores de las dos últimas galas, Daniil Simkin y Maia Makhateli, coinciden en el espectáculo   Ø  El Staatballett Berlin estará representado por sus bailarines principales Riho Sakamoto y Martin ten Kortenaar   Ø  Por parte del Balletto del Teatro alla Scala de Milán participan los primeros bailarines Virna Toppi y Nicola Del Freo, quien estuvo nominado al ‘óscar del ballet’   Ø  Los solistas de la Compañía Nacional de Danza Mario Galindo y Hamin Park, y la Compañía de Danza Aída Gómez completan el elenco participante   Primera participación en la gala de Riho Sakamoto, bailarina principal del Staatsballett Berlin. Riho Sakamoto, bailarina principal del Staatsballett Berlin   El Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia acoge el próximo 27 de septiembre  la novena edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE , organizada por la Asociación de Danza y Arte del Mediterráneo  y con la Fundación Hortensia Herrero  como colaborador principal y cuya recaudación  íntegra se destinará este año a la Fundación Asindown .   Bajo la dirección artística de Gema Casino y con José Carlos Blanco y Fabrice Edelmann en la coordinación artística, la novena edición  de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE  cuenta entre sus invitados con primeros bailarines y solistas de prestigiosas compañías, como Il Balletto del Teatro alla Scala de Milán , la Compañía Nacional de Danza , el Het Nationale Ballet  de Ámsterdam o el Staatsballett Berlin . Como ya se avanzó previamente, la imagen del cartel anunciador está protagonizada por el bailarín principal Daniil Simkin , cuya consolidada trayectoria como estrella en los principales escenarios internacionales y su carácter de pionero en internet y en las redes sociales dentro del mundo del ballet le han convertido en una figura global. Tras su paso por el Wiener Staatsballett y por el American Ballet Theatre, Simkin compagina su carrera sobre los escenarios en calidad de freelance, con su proyecto Studio Simkin para explorar y desarrollar el ballet en relación con el nuevo entorno digital.   Y del protagonista del cartel de este año a quien fue la imagen de la anterior edición -aunque lamentablemente fue baja por enfermedad-, Maia Makhateli , bailarina principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam, para quien será su segunda participación en la GALA VALENCIA SOMOS ARTE, ya que intervino en la quinta edición, en 2018. Nominada al premio Benois de la Danse –‘óscar del ballet’- y ‘Bailarina de 2020’ para la revista Dance Europe, Makhateli está a punto de celebrar dos décadas en la reconocida compañía neerlandesa.   El Staatsballett Berlin  estará representado a través de sus bailarines principales Riho Sakamoto y Martin ten Kortenaar . Después de una década en el Het Nationale Ballet de Ámsterdam, Riho Sakamoto recaló en la compañía berlinesa en 2024. Con una carrera marcada por la versatilidad, la musicalidad y la fuerza escénica, la artista japonesa se ha consolidado como una figura destacada en el panorama internacional del ballet. Por su parte, Martin ten Kortenaar debutó en la compañía de su país, The National Ballet de Canada, antes de integrarse en el Het Nationale Ballet de Ámsterdam, primero en la compañía junior y luego en la principal. En 2023, se unió al Staatsballett Berlin, donde fue promovido a la categoría de bailarín principal el año siguiente.   Del Balletto del Teatro alla Scala de Milán  participan los primeros bailarines Virna Toppi  y Nicola Del Freo . Avalada por premios como el Positano o el Danza & Danza, entre otros, Toppi ha desarrollado su carrera en el Dresden Semperoper Ballett y en el Bayerisches Staatsballett, antes de unirse a la renombrada compañía milanesa. Por su parte, Del Freo recaló en el Teatro alla Scala de Milán, después de su paso por el Staatsballett Berlin, donde permanece desde hace un decenio y ha alcanzado la categoría de primer bailarín, habiendo recibido una nominación al premio Benois de la Danse –‘óscar del ballet’- durante su carrera profesional.   La participación de Mario Galindo  es muy especial para todo el equipo de la Asociación de Danza y Arte del Mediterráneo, ya que fue alumno del Campus ADAM en su etapa estudiantil. En la actualidad, Galindo es solista de la Compañía Nacional de Danza , habiendo sido reconocido con el premio Positano como ‘Mejor Bailarín del Año’ en 2023. También procedente de la formación liderada por Muriel Romero, Hamin Park  es también solista de la CND. Durante su formación, Park recibió diversos reconocimientos como el primer premio del Youth America Grand Prix, de la Seoul International Dance Competition y del Sicilia International Ballet Competition.   La apuesta por la danza española se reafirma con la participación de la Compañía de Danza Aída Gómez,  siguiendo el camino iniciado en la anterior edición por la Compañía Antonio Najarro.   Las entradas para la Gala Valencia Somos Arte están a la venta en la web https://www.lesarts.com/es/valencia-danza-somosarte/ , en las taquillas del Palau de Les Arts Reina Sofía o llamando al 902 202 383. Los precios de las entradas van desde 25,00 € hasta 50,00 €.   NOTA. Se ampliará información sobre la participación de la Cía de Danza Aída Gómez y otros aspectos de interés de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE en próximas comunicaciones de prensa.   LOS DATOS Espectáculo: Gala Benéfica Valencia Danza Somos Arte 2025. Organiza: Asociación de Arte y Danza del Mediterráneo (ADAM). Colaborador principal: Fundación Hortensia Herrero. Elenco: Ø  Daniil Simkin (Bailarín Principal Internacional). Ø  Maia Makhateli (Bailarina Principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam).  Ø  Riho Sakamoto y Martin ten Kortenaar (Bailarines Principales del Staatsballett Berlin). Ø  Virna Toppi y Nicola Del Freo (Primeros bailarines del Balletto di Teatro alla Scala de Milán). Ø  Mario Galindo y Hamin Park (solistas de la Compañía Nacional de Danza). Ø  Compañía de Danza Aída Gómez.   Lugar y fecha: Palau de Les Arts Reina Sofía, 27 de septiembre, a las 19:30 horas. Entradas: 25 € a 50 €.

Ricardo Castro. Autorretrato "FORBIDDEN"  — Narrativa de la obra "En la oscuridad de un armario lleno de vestidos de flamenco de mi madre, encontré mi luz." Roberto Zarzosa por Ricardo Castro PROHIBIDO surge de una memoria íntima que trasciende lo personal para alcanzar la universalidad del arte verdadero. Nacido en una familia de artistas—la madre de Ricardo Castro Romero, reconocida bailaora de flamenco—se enfrentó desde muy joven a una paradoja existencial: lo que debía ser una herencia natural se convirtió en un terreno prohibido . "La danza me llamaba como la gravedad llama a la lluvia." La prohibición de sus padres de que bailara despertó un acto poético de resistencia: escondiéndose en el armario de su madre y poniéndose sus vestidos, transformaba ese santuario clandestino en un teatro íntimo donde germinaron los primeros gestos prohibidos , su primeras coreografías en un mundo imaginario, oscuro y lleno de luz al mismo tiempo. Observando en secreto las clases de su madre a través de las ventanas, memorizaba cada movimiento para luego correr al armario sagrado, donde, rodeado de vestidos de flamenco, aprendía a bailar en secreto. "Un armario lleno de secretos se convirtió en mi primer escenario, donde los movimientos prohibidos se transformaron en destino." A través de una estética enraizada en el claroscuro barroco—que evoca la dramaturgia lumínica de Caravaggio y Ribera—estas fotografías revelan cuerpos masculinos que emergen de la oscuridad, ataviados con los trajes tradicionales de la danza española femenina. Cada imagen es un campo de batalla visual donde se enfrentan la masculinidad y la feminidad, lo socialmente permitido y lo íntimamente verdadero. Los trajes históricos que un día vistió la legendaria Rosario cobran nueva vida , estableciendo un puente entre la tradición y la transgresión, entre el legado ancestral y la visión contemporánea. PROHIBIDO se erige como manifiesto estético y existencial, transformando la herida personal en belleza universal, el secreto en revelación, la prohibición en libertad recuperada.     " De bailarín oculto a Premio Nacional de Danza: mi prohibición se convirtió en mi destino."   RICARDO CASTRO ROMERO  — Bio Fotógrafo | Coreógrafo | Premio Nacional de Danza “Cultura Viva” "Creo arte para almas sensibles, para que descubran que su diferencia es un don, no una carga." Ricardo Castro Romero es un artista multidisciplinar cuya obra emerge del espacio liminal donde convergen la fotografía y la danza—dos disciplinas en constante tensión creativa, moldeando una poética singular de la corporalidad y el movimiento. Como cofundador de Castro Romero Flamenco junto a su hermana Rosario, la mirada fotográfica de Ricardo es inherentemente coreográfica: cada encuadre orquesta con precisión el espacio, el gesto y la emoción. Su distinguida trayectoria internacional como coreógrafo y bailarín principal invitado lo ha llevado a los escenarios más prestigiosos del mundo: el Teatro Bolshói, el Teatro Mariinski y el Teatro Stanislavski, además de compartir escena con figuras del American Ballet Theatre, la Ópera de París y el Royal Ballet. Sus años en el Ballet Nacional de España forjaron las bases y la experiencia que hoy nutren su visión fotográfica. El lenguaje visual de Castro Romero, marcado por una madurez conceptual excepcional, gira en torno a la exploración de la identidad y la subversión de los códigos sociales. Entre sus exposiciones más destacadas figuran San Sebastián: El Apolo Cristiano (Museo de Historia de Madrid, 2017), Sexualidades – Erotismo y Diversidad (IFEMA, 2017), su participación coreográfica en Miradas con Huella (Casa de Vacas, Retiro, 2019) y su última exposición, Connected (Studio RGF Arriaza 11, 2025). Su obra está impregnada de una mirada profundamente queer y espiritual, que transforma la vulnerabilidad en poder. Inspirado por la pintura del Siglo de Oro, Ricardo recurre a la estética barroca del claroscuro—tradicionalmente reservada para santos y nobles—para representar lo impensable: la ternura no normativa, la feminidad en cuerpos disidentes. Su arte nace del deseo de convertir la represión en belleza, a través de una mirada profundamente queer: desafiante, íntima e indomable. Fotografía inauguración exposición Forbidden en Microteatro de Madrid, calle Loreto y Chicote, 9

HASTA LA LOCURA SE ACABA JOAQUÍN ALBAICÍN Escritor. Director de la revista Cultural Flamenca Extremeña     Agradeciendo de antemano la invitación de mis queridos amigos Juanjo y Rosa a empuñar la pluma y dejarla correr sobre las páginas de esta espléndida revista, debo honestamente admitir que, de salida, me quedo un poco en blanco. ¿Por qué? Por el tema. Porque nada en la vida flamenca de la última década me sugiere relación alguna con el vocablo hito . Toda la actividad artística la mueve el sector público Me vienen a la cabeza modestos hitos  de propia cosecha, como la fundación y dirección de nuestra revista Cultural Flamenca Extremeña . O la publicación de Plata en las manos , único ensayo que he escrito sobre temática exclusivamente flamenca. O que empiece a sonar en las plataformas aquel disco de Salomé Pavón que en su día se quedó ahí y fue la grabación postrera de Arturo Pavón…   Pero claro, eso es mi vida. Si trasciendo ese ámbito de la satisfacción íntima y me planto en los medios, lo primero que constato es la total desaparición -reemplazada por un mero simulacro- de la industria discográfica que, antaño, en tan gran medida contribuía a consagrar a un artista. Porque, ¿cuántos discos, lector, ha comprado usted en estos últimos diez años? Hablo de discos de verdad, no de descargas. Lo primero que constato es la total desaparición de la industria discográfica    Y sí, hay excelentes cantaores, bailaores, guitarristas y demás que me encantan, pero sigue sin aparecer -o sin ser reconocida- esa figura con carisma para llenar por sí sola una época . Los centenarios de Caracol  y Porrina  pasaron sin que les fuese tributada una gala de homenaje por todo lo alto en la capital de España, no hablemos de otras ciudades. Y es que, ahora que -por desgracia- toda la actividad artística la mueve el sector público , queda claro que, en el momento de la verdad, ese sector público sólo se implica si la gala va a salir barata o un amigo del ocupante del despacho va a estar a cargo en ella de esto o de lo otro. Los centenarios de Caracol y Porrina pasaron sin que les fuese tributada una gala de homenaje por todo lo alto Por otra parte, ni la prensa generalista ni la televisión reflejan nada de lo que ocurre sobre los proscenios de nuestro arte: lo que esta lleva una década emitiendo son, sobre todo, programas enlatados desde hace seis u ocho lustros, es decir: de otra época . Ni la prensa generalista ni la televisión reflejan nada de lo que ocurre sobre los proscenios de nuestro arte En el presente, la vida artística flamenca ha quedado mayormente confinada a webs  inactivas y redes sociales que reflejan más anhelos que realidades. Se ha construido un país en el que parece esperarse que el artista -como la gente en general- viva de ayuditas y paguitas a la par que edificado una mentalidad según la cual a todo el mundo le asiste el supuesto derecho a leer tu libro, verte bailar, “tener” tu disco o escucharte tocar la guitarra gratis.  Lo decía ya un personaje de El aire de un crimen , de Juan Benet: “Hasta la locura se acaba, capitán. Dentro de poco ya no nos dejarán ni la locura. El Estado se hará cargo de todo, hasta de la locura” .   * Publicado originalmente en Zoco Flamenco  n.º 62, Junio 2025

La Compañía Nacional de Danza protagonizará el sábado 7 de junio a las 18:30h la parada en Madrid de  La Estampida (The Herds) , una ambiciosa iniciativa artística de la compañía inglesa The Walk Production s, bajo la dirección artística de Amir Nizar , en la que una manada de marionetas de animales salvajes de tamaño natural recorrerá 20.000 kilómetros, desde Kinshasa en la República Democrática del Congo, hasta Trondheim en Noruega, para concienciar sobre los efectos del cambio climático. Este espectáculo del día 7 de junio forma parte de la programación del Centro Danza Matadero . La Estampida  comenzó el 9 de abril en Kinshasa y, hasta la fecha, los animales han recorrido Lagos, Dakar, Marrakech, Casablanca, Rabat y San Fernando en Cádiz encontrándose con músicos, artistas, bailarines y activistas locales por el clima. Los animales han recorrido Lagos, Dakar, Marrakech, Casablanca, Rabat y San Fernando en Cádiz A su paso por Madrid, el sábado 7 de junio se producirá el encuentro de las marionetas de animales, que escapan del desastre climático, y el elenco de la Compañía Nacional de Danza y  los músicos de Neopercusión , con la asistencia a la dirección artística de Ana Catalina Román , dando lugar a una intervención artística titulada  Una caza bajo el sol  que comenzará a las 18:30 h. y finalizará a las 19:15 h. según el siguiente itinerario, en los alrededores del Centro Danza Matadero: 18:30 h.  Inicio tras la Nave 16 de Matadero, en Madrid Río 18:45 h.  Nave de Terneras del Centro Cultura Casa de Reloj 19:00 h.  Exteriores Centro Danza Matadero (Patio Matadero) 19:15 h.  Final del espectáculo LOS ARTISTAS: D irector artístico: Amir Nizar Zuabi Asistencia artística al evento La Estampida / CND: Ana Catalina Román Música: Neopercusión (Miguel Gutiérrez, David Lyons, Dani Gómez, José Seguí, Gael Guillem, Nerea Vera, Rafael Gálvez y Juanjo Guillem) Productores: David Lan y Tracey Seaward Productora ejecutiva: Sarah Loader Productora en España: Monica Hamill Productora de The Emerging Company: Alice Evans Creadores de títeres: Ukwanda Puppets & Design Art Collective (Luyanda Nogodlwana, Siphokazi Mpofu, Sipho Ngxola), Craig Leo, Simon Dunckley, Hansie Visagie, Tundra Dunckley y Amir Nizar Zuabi). Elenco bailarines: Niccolò Balossini, José Alberto Becerra, Elisabet Biosca, Ana María Calderón, Emma Cámara, Juan José Carazo, Cristina Casa, Margaux Chesnais, Celia Dávila, Felipe Domingos, Kayoko Everhart, Joshua Feist, Valeria García, Thomas Giugovaz, Victor Gomes, Alba Hellín, Erez Ilan, Tamara Juárez, Sara Khatiboun, Daniel Lozano, Roberto Lua, Álvaro Madrigal, Shlomi Shlomo Miara, Marcos Montes, Isaac Montllor, Gaizca Morales, Gianmarco Moschino, Natalia Muñoz, María Muñoz, Mariavittoria Muscettola, Daniella Oropesa, Nora Peinador, Shani Peretz, Laura Pérez Hierro, Eva Pérez, Pauline Perraut, Anthony Pina, Benjamin Poirier, Alejandro Polo, Alessandro Riga, Iván Sánchez, Roberto Sánchez, Tomás Sanza, Francesca Sari, Yoko Taira, Samantha Vottari Duración: 1h. aproximadamente &&&&&&&&&&& &&&&&&&&&&&

@Michael Gregonowits La Compañía Nacional de Danza ha estrenado en España #INCUBATIO Circumambulatio ,la primera coreografía de su nueva directora artística Muriel Romero -idea concebida junto con Pablo Palacio- en el marco del 40 Festival Madrid en Danza, en la Sala Roja de los Teatros del Canal. Una experiencia estética interesantísima devora todo lo demás, apenas bailan, eso es lo que falta: danza. Pero todo es muy sugerente desde el punto de vista sensorial. La clave está en la coordinación de los elementos técnico-visuales y sonoros. La utilización de la iluminación es impactante. La carga simbólica posee profundidad de concepto, nada limitado a lo que intentan constreñir cuando en el programa relatan lo que quiere transmitirse. Yo sentí otras cosas. En realidad no tenemos que limitarnos a lo que tratan de contarnos, sino abrir la mente y percibir lo que uno mismo entiende.  Y ahí sí se goza, en esa estética devoradora, de naturaleza simbólica y sacrificial. El protagonista semeja un Cristo desclavado de la cruz, puesto sobre un altar antes de ser resucitado, en una especie de ceremonia atemporal y mágica. Los bailarines a su alrededor, son como sacerdotisas que se transforman en diablos, y se establece una especie de dualidad entre el cielo y el infierno, incluso aparece un cruz que nace desde el cuerpo del protagonista. Y finalmente, el espectador mismo queda sumergido en un momento caleidoscópico que trata de capturarte. En resumen, toda una experiencia estética y no dancística, pero al fin y al cabo, interesante. La técnica se come a la carne.   MERCEDES ALBI

"Incubatio, Circumambulatio" CND @Michael Gregonowits Cerrando los ojos a la realidad y con el ardiente deseo de superarla, busqué el modo de que algo me hiciera flotar. Para ello, nada mejor que meterse una sobredosis artística de danza en vena , para poder alcanzar ese estado que aquí denomino como "de fascinación". Y en la cartelera hay dos cosas con las que pretendo lograrlo: Una de mis sugerencias está en los Teatros del Canal , donde hoy sábado 17 de mayo y mañana domingo, Muriel Romero, nombrada recientemente directora artística de la CND, estrena con ellos su primera coreografía con la compañía: "Incubatio, circumambulatio" . He visto el vídeo promocional de la obra, sugería una fuerte estética que me recordó, ipso facto, el cine de Murnau.  También he escuchado con agrado las declaraciones de Muriel. Y es que Muriel ha roto ese techo de cristal que impide a tantos creadores españoles poner en escena su proyecto. Lo consiguió, despues de varios años -según afirma, desde 2012-, ahora por fin tiene las herramientas para hacerlo, así que, hay que ver el resultado. Se presiente toda una experiencia. Y la otra obra, de la que espero incluso más que fascinación , tendrá lugar en el Teatro Real , los próximos 23, 24 y 25 de mayo, pues el Ballet de la Ópera de Viena nos trae una obra de su director, Martin Schläpfer. Tuve el placer de entrevistarle personalmente en Düsseldorf. No puedo olvidar su sensibilidad, ni su enorme sentido de la musicalidad, que le llevan a acometer la hazaña de coreografiar, nada menos que la 4ª Sinfonía de Mahler. En palabras de Anne do Paço, fue en otoño de 2020 cuando Martin Schläpfer crea su 4 Ballet, cuando acababa de asumir la dirección del Ballet Estatal de Viena, siguiendo su deseo de subir al escenario a toda la compañía y, más aún, trabajar personalmente con cada uno de los cien bailarines. Para este proyecto, la música de Mahler se convirtió en su base y punto de partida. Sobre la 4ª de Mahler opina: -La 4.ª Sinfonía evoca en mí imágenes muy poderosas por su riqueza de asociaciones. -Tiene tantas vertientes: si retrata la naturaleza, es onomatopéyica o infantil e ingenua, se adentra en lo trascendental o se refiere a colectivos humanos. Es una música de un gusto y una sensualidad increíbles, tiene el valor de mostrar euforia, de exagerar, de ser irónica y cómica. -Los estados de ánimo en los que se encontraba Mahler, la emotividad de las relaciones interpersonales, su condición de judío, su conversión al catolicismo para poder ser director de la Ópera de Viena, y la pregunta: ¿Qué tiene todo eso que ver con nosotros?». «Si quieres, puedes ver solo las puntas, pero en realidad están todas en la misma agua, totalmente conectadas bajo la superficie. Son uno, un mismo país, tienen el mismo clima, hace el mismo tiempo... y, sin embargo, cada una tiene su propia belleza». Martin Schläpfer no sigue un relato estricto, su método es poético: como en un gran poema, sus pensamientos, imágenes y metáforas se despliegan como un archipiélago de islas: «Si quieres, puedes ver solo las puntas, pero en realidad están todas en la misma agua, totalmente conectadas bajo la superficie. Son uno, un mismo país, tienen el mismo clima, hace el mismo tiempo... y, sin embargo, cada una tiene su propia belleza». MERCEDES ALBI