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Mercedes Albi y Maríá José Ruiz Mayordomo. Tras el telón del Teatro Cervantes En el Teatro Cervantes de Alcalá de Henares voy a ver “Alma danzante” de la Compañía Esquivel (Danza&Música).   El teatro está lleno y comienza la aventura escénica de situar a los espectadores del siglo XXI en un contexto de otro mundo, pues dentro del ciclo dedicado a Catalina de Aragón, que celebra su segunda edición con la intención de recuperar la memoria de esta ilustre alcalaína. Nacida en el Palacio Arzobispal un 16 de diciembre de 1485, hija de los Reyes Católicos, reina de Inglaterra tras su matrimonio con Enrique VIII, adorada por el pueblo, pero repudiada por su marido.   La compañía Esquivel  con “Alma danzante” nos propone un recorrido por la danza y la música que constituyeron el paisaje sonoro y coreográfico en los reinos de España, el reino de Inglaterra y el contexto europeo de su época:  Bajasdanzas, Alta o Pavana española se arremolinan junto con la versión “a la inglesa” de Passamezzo y del Canario, que haría estallar el corazón de algún personaje shakespeariano.   Y nos transportaron al siglo XVI. Fue algo exquisito de una delicadeza tan sutil que nos hizo salir flotando del teatro.   Pero el alma del Alma Danzante tiene un nombre: María José Ruiz Mayordomo -directora de Esquivel-, una artista investigadora, soñadora y perfeccionista como ninguna. Si no existiera habría que inventarla. Necesitamos muchos seres como ella, nacidos para dar belleza al mundo.   Esquivel cumple 30 años. "Quijotescos", Esquivel. Foto Jesús Vallinas -¿Poner en escena una danza histórica es recrear? -Yo lo diría mejor que es como reconstruir o restaurar, porque solo el hecho de darle movimiento es per se incompleto. A mí la definición de danza que me parece más acertada es la del escritor Vicente Marrero: “la danza está a mitad de camino entre las musas y las bellas artes”. Esquivel "Pintura en movimiento". Fotografía Pablo Juárez -¿Se refiere a que tiene tanto de técnica como de inspiración? -Es un compendio de las musas y de las cinco bellas artes: pintura, escultura, poesía, música… Todas están en ella, es poliédrica. -¿Qué significa para ti? -Para mí la danza tiene un algo sagrado, eleva el físico y también el alma. Llega al espíritu. -Pues conmigo reconozco que lo habéis conseguido, he salido flotando del teatro. -Me alegro, ha sido una verdadera apuesta que hemos realizado gracias al  Concejal de Cultura, Santiago Alonso, que pensó que era necesario para Alcalá tener un ciclo de música antigua. Celebramos la segunda edición. La princesa Catalina nació aquí y merecía ser homenajeada. Esquivel, "De Xátiva al orbe" - Pobre princesa Catalina, la casaron con Enrique VIII... ¿Cómo te enfrentas a un personaje histórico para recrear su momento? -Trato de meterme en su piel, investigo hacia adelante pero también hacia atrás, porque somos producto de nuestra educación. En el caso de Catalina comienzo pensando en su madre, Isabel la Católica, y me planteo averiguar que tendría de ella. -La reina Isabel… -Investigo todo lo que puedo de cómo fue. Por ejemplo, en su inventario había dos libros de danza: uno regalo de su nuera, y otro, que heredó su hija Juana, pero que se ha extraviado. Isabel era muy culta, dominaba varios idiomas, latín, francés… Vestía con gran lujo. -Yo pensaba que lo hacía de forma austera. -No, su vestuario era maravilloso y muy elaborado, mostraba a través de él su poder. Es fundamental para mí el estudio de la ropa porque marca el modo de moverse. Para entender el cuerpo tengo que entender el vestido ya que mediatiza el movimiento. -¿Se moverían de forma distinta Isabel la Católica y su hija Catalina? -Probablemente, pero seguro que lo hacían bien. Isabel deja de ser medieval, simboliza y acciona el paso hacia una nueva concepción de lo femenino, construye el papel de las que serán las futuras mujeres, educa a sus hijas para reinas. -¿Estaban, en cierta forma, programadas? -Las princesas están educadas para favorecer los intereses de sus reinos, son las mejores embajadoras de España, y el motor de nuestra política cultural. No en vano la gente más prestigiosa de toda Europa se vestía al modo español hasta bien entrado el siglo XVII. La noche de los Teatros 2006. Fotografíá Aurora Arroyo - Realmente, Catalina fue muy inteligente. Recuerdo que, cuando por orden de su esposo, Enrique VIII de Inglaterra,  en el juicio para declarar nulo su matrimonio y posibilitar el del rey con Ana Bolena, Catalina ejerció su propia defensa con gran convicción. -Era un reina muy querida por su pueblo, imagínate que todavía ponen flores en su tumba. -Y si pudieras pulsar el botón de una máquina del tiempo que te permitiera ver bailar a un personaje histórico ¿Cuál escogerías? Esquivel, "Las bodas de Camacho" -Uff, eso es como entrar en una pastelería colmada de pasteles y solo pudiera coger uno (ríe). -Escoge. -Isabel la Católica. Yo creo que bailaba estupendamente. -¿Por qué? -Debía tener un encanto especial para conseguir lo imposible. Tengamos en cuenta que no era la primogénita, además era mujer y logra convencer a la nobleza para que la apoye en su ascenso al trono; conquista a Fernando de Aragón y se casa con él… Se vuelve protagonista de la historia y eso no se puede lograr sin encanto, y el encanto en el movimiento está en la danza. La danza es el gobierno del cuerpo, no se puede gobernar un país si no eres capaz de gobernarte a ti mismo. Me hubiera encantado verla bailar. De ahí viene todo, y traspasa ese encanto a sus hijas. La danza era un arma política. También era un signo de salud y de la fertilidad, algo esencial para dar continuación a las dinastías. Esquivel , "Entre danzas y contradanzas". Fotografía Jesús Vallinas - Enrique VIII repudia a Catalina para casarse con Ana Bolena (a esta sí le corta la cabeza) y no tuvo un hijo varón, pero sí una hija, María Tudor, que también te inspira el espectáculo. -Sí. -A María Tudor los ingleses le pusieron fama de sanguinaria, pero debió de ser una mujer culta porque su maestro fue Luis Vives. -No pudo ser tan sanguinaria porque reinó muy poco tiempo, su sucesora, su hermanastra la reina Isabel de Inglaterra, sí que tuvo más tiempo de serlo. -Ja, ja… que se lo pregunten a su prima María Estuardo. -Es que nos venden la historia constreñida en clichés, luego te asomas a las fuentes y hay cuestiones que no se sostienen. -Hemos hablado mucho de historia, pero no de ti y de vuestra maravillosa compañía de Danza y Música, Esquivel. Cumplís treinta años. -Comenzamos la andadura en 1995, el tiempo pasa tan deprisa que tengo la sensación de que fue ayer. Habían transcurrido las celebraciones del 92, Madrid fue nombrada Capital Cultural de Europa. Recuerdo cuando entonces participé en un Auto Sacramental celebrado en la Plaza Mayor… pero llegó el 93 y las artes escénicas se sumergieron en una crisis muy profunda, las arcas se quedaron las arcas vacías. Entonces comenzamos. -¿Quiénes comenzasteis? -Pablo Gastaminza, que es el director musical de Esquivel desde entonces, un grandísimo especialista en repertorio musical barroco y maravilloso intérprete de violín-viola, y yo. Es como mi hermano artístico. Nuestro debut fue en el Festival de Música Antigua del Castillo de Aracena. -¿Uno de los sellos principales de Esquivel es que concedéis la misma importancia a la música que a la danza? -Sí, es algo que nos caracteriza. -¿Se toca la música demasiado deprisa, sin posibilitar su función original: ser bailada? -Digamos que muchas veces la música va por su lado, es cierto que a veces se toca excesivamente rápido, pero también al contrario, muy despacio, por ejemplo, recuerdo una Pavana que cuando la escuché exclamé: “esa Pavana solo se puede bailar o debajo del mar o en la luna”, y es que no se había tendido en cuenta la fuerza de la gravedad. La danza confiere realidad y una referencia indiscutible a la interpretación musical. Pablo ha sido capaz de asumir el riesgo de contrastar ideas musicales preconcebidas con la danza, porque la música antigua si se quiere interpretar como realmente era gran parte se compuso para ser danzada. Esquivel ·"Danzo sin danzar en mí". Fotografíá Aurora Arroyo - Me intriga saber si las mujeres, con esos trajes tan pesados, bailaban igual que los hombres. -No, no bailaban igual, el reino de la mujer es la tierra, el del hombre es el aire. Su danza es una adaptación mutua, hacen lo mismo pero no lo hacen igual. -¿Se mantiene la individualidad de los bailarines a pesar de ser danzas con pasos muy medidos? Esquivel , "Entre danzas y contradanzas". Fotografía de Jesús Vallinas -Los bailarines son como los planetas, distintos unos de otros, pero sus órbitas armonizan. Es fundamental saber respetar el espacio común para poder coordinarse. -El vestuario de Esquivel es acertadísimo, se corresponde perfectamente con la moda imperante del momento que reflejáis. -Eso es algo heredado de mi madre, que a su vez llegó a ella porque uno de mis tíos abuelos era sastre de Alfonso XIII. Mi madre se escapaba de casa y se iba al taller de su tío, allí aprendía. Y sabía coser tan bien que mi primer traje de danza fue copiado del que Leonora de Toledo vistió en su boda. - Entonces ¿Vienes de familia de artistas? -Hemos vivido muy rodeados de temas de índole artística. La afición por las artes me viene desde siempre, diría que desde la cuna. En mi familia somos todos muy aficionados a ellas. Mi madre, para que comiésemos, nos entretenía bailando. Soy la tercera generación matriculada en el conservatorio. En mi famila hay pintores, músicos, bailarines, y tenemos una vena muy lectora. -¿Por qué te decidiste por la danza? -Se juntó todo. Yo quería bailar desde siempre. Tuve la inmensa suerte de empezar a hacerlo con Mariemma, y nada menos que con Miguel Bustamante al piano. Cuando empiezas a beber de un genio… Luego, a medida en que iba a aprendiendo las danzas, me preguntaba a mi misma; ¿de dónde viene esto? Comencé a investigar. Realmente el universo te coloca en el lugar adecuado. -¿Estás orgullosa con lo logrado? -En nuestro género somos la compañía más longeva de Europa, pues situamos la danza y la música en el mismo nivel. Y además somos la única compañía en que sus dos directores, Pablo y yo, somos doctores. Esquivel "Danzo sin danzar en mí". Fotografía Aurora Arroyo -¿Muchas obras a vuestras espaldas en estos treinta años? -Cada obra es una pequeña historia que hay que contar. La danza tiene que tener vida y que el público pueda percibirlo. Pero en Esquivel el plano “performativo” tiene detrás una investigación histórica basada en los documentos originales de la época. -En esto sí me parece que has sido de las primeras en basarte directamente en los archivos históricos. -Cuando empezamos no se fotocopiaban los documentos, tuve la gran suerte de poder acceder a los originales. Los tocaba y sentía como si me transportaran a su momento, luego, te pones con el traje y vas completando los elementos materiales que te conducen a la conexión que reaviva el pasado. -¿El entorno donde se representa una obra también influye? -Sí claro, también importa mucho el espacio donde se representa. Recuerdo, por ejemplo, cuando por idea de Raúl Cárdenes actuamos en el Salón de Reinos del que fue el palacio del Buen Retiro. El viaje fue total. -¿Cómo escogéis el momento histórico a investigar? -Una cosa conduce a otra... ¿Qué fue antes? ¿Qué fue después?, te preguntas e investigas. Cada cuatro o cinco años cambiamos de siglo. Te satura quedarte inmóvil en un mismo momento histórico, hay que salir para volver a entrar. -Y podrías contarme por dónde va a transcurrir tu próxima investigación. -Tengo ganas de entrar en el manuscrito de Cervera. -¿Qué es? -Es el primer experimento de notación de danza más antiguo que se conserva, son apenas dos páginas. Data del siglo XV, posiblemente de 1496. -¿Dónde está? -Cervera es un pueblo de Lérida, Corona de Aragón. - Una de las cosas más ridículas de cómo se enfoca la interpretación histórica hoy en día, es hacerlo según según los límites geográficos establecidos modernamente por las Comunidades Autónomas. Pero bueno, ese sería otro tema. Dime qué contiene el manuscrito. -Describe los movimientos de una bajadanza, un ejemplo de danza social. -¿Qué quieres decir con “danza social”? -Es muy importante clasificar para situar bien el contexto de un baile. Toda ciencia requiere una clasificación. -¿En qué modo clasificarías las danzas históricas? -La danza se podría clasicar en dos: sacra y profana, subdividiéndose la primera en litúrgica y paralitúrgica; y la segunda, según el ámbito dónde tiene lugar, se subdividiría en vulgar (en sentido de popular), escénica y culta. - Claro, estoy conversando con una doctora, Toda una vida de danza y estudio a tus espaldas. -Hemos llegado hasta aquí, buscando, encontrando, poco a poco, con pasos de hormiga pero con el peso de un elefante. MERCEDES ALBI

Las agujas del reloj giran hacia delante, no se puede volver atrás, y sin embargo, las circunstancias del destino han hecho que Muriel Romero, nueva directora de la Compañía Nacional de Danza, haga un salto programado hacia el pasado con “Don Quijote”, la coreografía más emblemática de José Carlos Martínez y estrenada bajo su mandato en 2015, pues “cada escena tiene su firma”, dijo la bailarina Giada Rossi , durante la rueda de prensa. Ella será Kitri (o Quiteria) bailando junto con Yanier Gómez, que será el Basilio en el elenco del primer reparto que se podrá ver a partir el próximo 27 de febrero en el Teatro Real hasta el 2 de marzo. la coreografía más emblemática de José Carlos Martínez, pues “cada escena tiene su firma” dijo la bailarina Giada Rossi Una semana antes, el sábado 22 de febrero, se representará “Don Quijote”, en el Real Auditorio de El Escorial . La totalidad del aforo está prácticamente vendida , l o que evidencia el éxito . Realmente, “Don Quijote” fue un hito que significó el retorno del ballet clásico a la CND después de varias décadas. José Carlos Martínez, sucesor en la dirección de Nacho Duato, tardó cuatro años de mandato para acometerlo. Fue en 2015. Desde entonces la producción va a cumplir las 100 funciones , algo muy meritorio. La totalidad del aforo está prácticamente vendida semanas antes de la represenación, lo que evidencia el éxito. El público añora “Don Quijote”. En palabras de Elna Matamoros , encargada de su montaje, es una visión desde el siglo XIX hacia el siglo de oro, por lo que las danzas boleras, que no existían en la época cervantina, se vislumbran en el ballet creado por Marius Petipa en 1869  y estrenado en el Teatro Imperial de Moscú. “Don Quijote” forma parte de la trayectoria vital del gran coreógrafo francés , que vivió varios  agitados años en España, donde se batió en duelo con un conde, tal y como detalla el escritor Jesús Rivera Rosado en su libro “El ballet romántico en España” (Ed. Cumbres) ; y terminó fugándose con la noble Carmen de Mendoza y Castro, siendo la pareja perseguida por Europa. Marius aprendió las danzas boleras y presumía de bailarlas como los españoles. Una vez en Rusia donde alcanza el puesto de maestro de los Ballets Imperiales, el sello español está en todos sus obras . Siempre me lo imagino inmerso en los fríos inviernos rusos recordando los locos años de su juventud en nuestro país , razón por la que en todos los emblemáticos ballets siempre hay una danza española. Este Quijote de José Carlos es muy especial: “Los capotes son auténticos capotes de torero, se quedan tiesos, y no unos leves trapitos que suelen agitarse en el aire”, nos contó. El aire español está más presente y en esa búsqueda de identidad y actualización, se han aligerado su duración; Don Quijote baila con Quiteria y no se limita a la pantomima, “la toca”; además, se baila una seguidilla y un fandango que ha coreografiado Mayte Chico . Sea como fuere, el éxito va con él, con esa alegría y el “joie de vivre” que impactó en la memoria de Petipa y que José Carlos hace suya. Cada vez que veo a Muriel Romero me encanta observarla. Es de apariencia sencilla, nada afectada, parece ajena al divismo, y es grato comprobar la generosidad que ha tenido durante la rueda de prensa al ceder el protagonismo de un "reestreno" en el Teatro Real a quien, actualmente, ostenta el cetro de la dirección del Ballet de la Ópera de París. MERCEDES ALBI

La danza clásica vuelve al escenario del Teatro Real, entre el 27 de febrero y el 2 de marzo, con la Compañía Nacional de Danza José Carlos Martínez flanqueado por Giada Rossi y Yanier Gómez, bailarines protagonistas del estreno El Teatro Real presentará, entre el  27 de febrero y el 2 de marzo, cinco funciones de uno de los ballets más populares de la danza clásica, Don Quijote , en la versión coreográfica de  José Carlos Martínez, sobre el original de  Marius Petipa, interpretado por la  Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección artística de Muriel Romero. Juan Matabosch,, Yanier Gómez, Muriel Romero, José Carlos Marínez, Elna Matamoros y Manuel Coves Esta obra es una de las favoritas del público junto al Lago de los cisnes.  Llena de alegría, color y fuerza expresiva, rompe con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX (a pesar de un acto blanco), para poner en escena a la gente del pueblo.   Basada en un episodio del segundo volumen de El Quijote  de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho, aunque los personajes son más fieles a los creados por Cervantes, y el vestuario y la puesta en escena contribuyen a darle un aire más español que en la versión de Petipa.   La coreografía que veremos en el Real, creada para la CND por José Carlos Martínez -actual director del Ballet de la Ópera de Paris- cuando estaba al frente de la Compañía, mantiene la dificultad técnica y las complejas variaciones, pero otorga mayor protagonismo a la danza española.   Martínez define así su creación: “basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreográfica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”.   En el foso, la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de  Manuel Coves, interpretará la que es, posiblemente, la partitura más conocida de  Ludwig Minkus.  Su estreno, en 1869 en el Bolshoi de Moscú para la coreografía original de Petipa, disfrutó de un extraordinario reconocimiento y supuso un importante cambio profesional en la vida del compositor austriaco, al unirle al coreógrafo en creaciones como La bayadere .   El 28 de febrero, la Compañía Nacional de Danza celebrará la función número 100 de esta hermosa coreografía de José Carlos Martínez. "Don Quijote". Fotografía Jesús Vallinas &&&&&&&&&&&&&&&&&

El espectáculo “Pineda” del Ballet Flamenco de Andalucía, dirigido por Patricia Guerrero, ha inaugurado el Centro de Danza Matadero, que nace "con el objetivo de, por una parte, la escucha de los profesionales que se dedican a la noble y necesaria tarea de crear belleza y sentido, y por otra, a los deseos estéticos de toda la sociedad” bajo la dirección artística de María Pagés y El Harbi . Por tanto, el estreno de “Pineda” en Madrid, es doble: nuevo espacio para la danza, y primera vez que se baila en Madrid, bajo la dirección recién asumida de Patricia Guerrero , en el Ballet Flamenco de Andalucía. Patricia es Mariana Pineda. Siempre que veo a esta joven bailarina me impresiona su fortaleza, se despliega entera en un movimiento que abarca todo su cuerpo. Se transforma en sus protagonistas, y las hace suyas ; fue La Bella Otero, y ahora se dirige a si misma como Mariana. Es indudable que ha sabido escoger muy bien a sus compañeros de aventura.  En el Centro de Danza no hay telón. Sobre el escenario, unas sillas de enea. La función da comienzo y se sientan un grupo de mujeres que hacen labores; son del Coro Femenino de la Asociación Cultural Cruz de Mayo . Entonan un lamento sobre la historia de aquella Mariana Pineda que, hipotéticamente, aun se recuerda. Es un modo original de señalar que su historia existió. La dramaturgia a cargo de Alberto Conejero está muy bien equilibrada , pues sabe como sintetizar en el lenguaje de la danza la obra de teatro de Federico García Lorca. El gran logro de este ballet radica en haber sabido conjugar la estética y el drama . Una de sus claves es el vestuario de Pablo Árbol , quien ha esquematizado con genial elegancia unos diseños que, partiendo de elementos históricos del romanticismo, evolucionan, especialmente en los trajes de Mariana, y amplían el significado del personaje. Su vestido verde esmeralda con reminiscencias goyescas, correspondientes a la moda de su época, se va tornando atemporal hasta despojarse del vestido rojo, estilo diosa griega, para quedarse ataviada como la heroína de la Libertad de Delacroix, con sus gasas mecidas por el viento . La carga simbólica es evidente. Todo conduce a ello sin palabras, pero sí con mucho amor y sentimiento. Y gracias a unos bailarines que además de bailar, interpretan. La coreografía de las escenas de grupo carece de monotonía, y aunque el conjunto esté siempre acompasado y muy ensayado, nunca parece una masa homogénea taconeando al unísono . La escena de la Batalla del Albaicín ha sido creada por Albert Hernández e Irene Tena . También colaboraron en este sentido con la propia directora Patricia Guerrero, los dos bailarines principales de la obra: Alfonso Losa (invitado) y Eduardo Leal. Ellos son el bien y el mal, o mejor dicho, el héroe (Eduardo Leal) y el villano (Alfonso Losa). Uno es amado y el otro, al no ser correspondido , detiene a los protagonistas, que son ejecutados. Lo cierto es que los papeles les van como anillo al dedo. Eduardo Leal despliega en su baile y en él mismo una gran elegancia, su don es el de destacar siempre aunque no se lo proponga . Se comprende que Mariana lo ame; y Alfonso Losa, más terreno, despliega la fuerza del malvado con asombrosa credibilidad . “Pineda”, es música con dos excelentes guitarras y cante (hasta de la misma Patricia Guerrero); baile y narrativa gracias a un conglomerado de jóvenes artistas que ofrecen un espectáculo que esperamos y deseamos abra una nueva andadura en este nuevo espacio escénico madrileño tan necesario para la danza. MERCEDES ALBI Fotografía Marcos Medina

Mercedes Albi y Ricardo Castro a las puertas del Museo Thyssen Me encanta Ricardo Castro. He tenido el placer de visitar con él el Museo Thyssen y me ha hecho ver los cuadros con diferente percepción, mostrando esa capacidad asombrosa que poseen los artistas de vislumbrar aquello que al ojo común se le escapa. Pienso que tal vez su espíritu siga dominado por la curiosidad del niño grande que nunca ha dejado de ser. Se trata de un soñador con carácter que persigue su empeño. Es de naturaleza afectiva, ama sorprenderse y busca emocionarse. Si como coreógrafo y bailarín de danza española atesora destacados hitos -desarrollando su propia compañía, Suite Española, codirigida con su hermana Rosario Castro- y en su historial destaca haber sido primer bailarín del Ballet de Mariemma, bailarín del Ballet Nacional de España, el intérprete que más tiempo ha permanecido (unos 10 años) en el Corral de la Morería… Ha recorrido los más importantes escenarios del mundo bailando y creado numerosas coreografías  (“Orfeo”, “ Yedra alrededor del corazón “, “Mestizaje”, “Silencio roto” etc..), posee el don de haber nacido artista y estar condenado a convertir en arte todo lo que toca. Para comprobarlo no hace falta ni verlo bailar, basta ponerse frente alguno de sus retratos -de los que, actualmente, está elaborando dos series tituladas: “Velados” y “Prohibidos”- para sentir la fuerza especial que irradian. Autoretrato de Ricardo Castro -¿Cuál es tu sala favorita del Thyssen? -Es complicado elegir porque a mí me gustan todos los estilos… pero si me obligas a escoger, me quedaría aquí, dónde suelen estar el Caravaggio y los pintores influidos por su estilo, como José de Ribera. Ricardo Castro frente a "David con la cabeza de Goliat· de Valentin de Boulonge -Es la que más armoniza con tu estilo fotográfico. -Lo que me fascina al contemplar un cuadro es analizar los elementos que emplea el pintor, nunca nada es porque sí, sino que esconde una razón. Mira este “David y Goliat”, la luz tiene un contraste imposible que no existe en la realidad, pero el pintor oscurece e ilumina a su voluntad, bajo el significado de lo que quiere transmitir. - Cuentan que un retrato contiene al menos 3 puntos de vista: quien es en realidad, aquel que el representado cree ser y, por último. el que el pintor percibe. -En mi modo de hacer fotografía, soy partidario de modificar la realidad y utilizar la tecnología en función de lo que quiero contar de mis personajes, porque eso es el arte: transformar el mundo bajo nuevas ópticas. Los pintores del Renacimiento ya lo hacían. Ricardo Castro con la "Santa Catalina" de Caravaggio -¿De cuándo te viene esa afición por la fotografía? -Creo que desde siempre. Recuerdo que siendo niño, mi padre me compró un libro de fotografía y ya me encantaba. Entonces vivíamos en Madrid. Él no quería bajo ningún concepto que nos dedicásemos a la danza. Ricardo Castro, autorretrato Pero nuestra vida cambió, mis padres se divorciaron, y nos marchamos a vivir a Granada con mi madre que, para ganarse la vida, montó una escuela de danza. -¿Tu madre era artista? -Sí, mi madre fue una especie de niña prodigio, incluso ganó un premio nacional de cante por saetas que se retransmitía por la radio. -¿Cantaba o bailaba? -Sobre todo se dedicaba a la danza, pero cantaba y bailaba. Curiosamente, a ella fue mi abuelo quien le prohibió bailar, era funcionario del Ayuntamiento y la matriculó en clases mecanografía, pero de camino pasaba por la puerta de la sede de Coros y Danzas y, embelesada por el sonido de la música y las castañuelas, entró. En secreto llegó a ser la primera bailarina de la agrupación. Ricardo Castro en las Sala XVI Museo Thyssen Antes de casarse actuaba con Fosforito, uno de los mejores cantaores de entonces, con quien marchó de gira por Oriente Medio, incluso bailó en la boda del Sha de Persia con Farah Diva. -Entonces, ¿cuándo decidiste dedicarte a la danza? -Fue casi a escondidas, sufrí una especie de ensoñación. Eran los tiempos del VHS, cuando uno de los vídeos me cambió la vida. Era un “Lago de los Cisnes” interpretado por Natalia Makarova. Me produjo la emoción de algo extraño. Era como si notase que no cabía en mi cuerpo. Supe que quería ser bailarín. Rucardo Castro. Autorretrato -¿Cómo lo lograste? -Disimulé, asistí a las clases de mi madre como el que no quiere la cosa: “fuera de aquí, como se entere tu padre, me quita la custodia”, me reñía; pero yo pensaba: me da igual, yo voy a bailar. Luego me encerraba en un armario y practicaba a escondidas. De ahí he sacado el título de mi serie de fotografías “Prohibido” porque ese armario estaba lleno de vestuario. Allí creaba mentalmente mis coreografías.  He sido coreógrafo antes que bailarín. -Pero además, tus hermanos también se pusieron a a bailar. -Sucedió que Rosario se enfrentó a mi madre: “yo quiero bailar”. Ella se movía con tal belleza que las madres de la alumnas le advirtieron a mi madre: "o enseñas a bailar a la niña, o borramos a nuestras hijas de la academia" (ríe) . Mi hermana es así, yo soy mucho más introvertido. Ella es mucho más lanzada. Yo me meto en mi mundo y mi faceta creativa me envuelve como una obsesión. Aunque somos complementarios, como uña y carne. -¿Y tu madre terminó por permitir que fuerais artistas? -Nos dio por imposibles y nos enseñó, aunque nosotros, sin saberlo, estábamos reproduciendo su propia historia. No he parado trabajar en danza desde los quince años, cuando aquel verano, siempre siguiendo a mi hermana, me fui tres meses con los “Goyescos” y tenía que maquillarme para parecer mayor; luego, nos seleccionaron a los tres hermanos para participar en la película “El amor brujo” de Carlos Saura, con Antonio Gades. Ensayo de "Carmen" una coreografía de Ricardo Castro estrenada en el Teatro Mikhailovsky. Fotografía Jesús Robisco -Y ¿entraste en el Ballet Nacional de España? -Sí, pero antes estuvimos en el Ballet de Mariemma como Primeros Bailarines. Guardo de ella muy buen recuerdo. Fue Maite Bajo quien me aconsejó que me presentara a la audición del BNE, pero cuando vi los requisitos exigidos… ¡No tenía la altura mínima que pedían! Ellos ponen una raya en la pared y zas, se dan cuenta enseguida. Aun así, casi de chiripa, acudí a la audición. -Pero sí te admitieron. -Fui el único bajito que se presentaba, jaja, yo creo que les di pena y me dejaron audicionar. Saqué la máxima puntuación. Al jurado se le planteó un dilema, “vale, si, yo también le he dado la puntuación máxima, pero no puede entrar porque no tiene la altura mínima” me cuentan que decía José Antonio; pero Merche Esmeralda, que también formaba parte de tribunal, sostuvo que a los artistas no se les mide por la estatura, y finalmente, se decidió a mi favor. Fíjate si yo tenía miedo, que cuando fui a firmar el contrato me había puesto unos calcetines en los zapatos para parecer más alto, y me dijeron: “no te estires tanto, que ya sabemos que no tienes la altura”. Ensayo de "Carmen" los hermanos Castro con Farukh Ruzimatov. Fotografía Jesús Robisco -Aunque responsabilizas a tu hermana de lanzarse hacia las metas, tú has hecho todo lo que te has propuesto. -Si me propongo un objetivo, voy a por ello. Rosario y yo siempre hemos seguido caminos paralelos; ella, al entrar yo en el BNE, fue contratada de primera figura en el Corral de la Morería. También fue una etapa preciosa. Nosotros hemos sido los bailarines que más tiempo hemos estado en su cartel, ¡diez años! Lo hemos ido compaginando con nuestra propia compañía “Suite Española”… -Habrás conocido a tantos personajes que fueron a veros bailar allí. Enséñame fotos. -Mira éstas: Con la actriz Demi Moore Con Donald Sutherland -En esta foto estoy con Barishnikov, que subió al tablao para felicitarnos y nos emocionó mucho. -¿Cómo surgió tu conexión con Rusia, donde has llegado a estrenar tus coreografías en el Teatro Mariinsky? -Verás, la primera vez que viajé allí fue con el Ballet Nacional de España a principios de los noventa. En San Petersburgo quise ver un ballet en el Marinski pero el aforo estaba completo, entonces traté de colarme como fuera y hablé con el director artístico, que me invitó a su palco. Fueron tan afectuosos y amables conmigo… ¡El director casi se excusaba porque en aquella función bailaba el segundo elenco! Y quiso invitarme a ver una clase al día siguiente, a la que acudí con algunos de mis compañeros. Mi fascinación fue total cuando pude admirar de cerca a grandes estrellas como Farukh Ruzimatov. Me impresionó muchísimo.  Aquello me pareció otro planeta. Ensayo de "Carmen" . Fotografía Jesús Robisco -¿Te hiciste amigo de los artistas rusos? -No fue en aquel momento, todo sucedió de forma imprevista. -Cuéntamelo. -Una noche, cuando estábamos bailando en el Corral de la Morería, Rosario me advirtió: “hay un señor que nos mira muy fijo. No parece alguien corriente, ha venido varias noches seguidas”; entonces, le vi y de inmediato le reconocí ¡Era Farukh! Farukh Ruzimátov, de quien me maravillé con su ensayo en el Mariinsky. Bajamos a saludarle y… -¿Qué pasó? -Se puso a llorar, no podía parar de llorar. “Me hubiera gustado ser bailarín de flamenco”, confesó. Ese fue el comienzo de una intensa relación profesional, con él fuimos a las galas que organizaba por todo el mundo. Por ejempo, esta fue la primera que se bailó flamenco en el Mariinsky. -Está José Carlos Martínez. -Sí, tan encantador y natural como siempre, pero nos puso aun más nerviosos de lo que estábamos (ríe) -Bueno, ir a bailar allí flamenco por primera en la historia vez debe impresionar. -José Carlos también estaba asustado de ir a bailar el Sigfrido al lugar que era la cuna del Lago de los Cisnes. "Me han hecho un montón de correcciones, seguro que cuando bailo se me olvidan todas", decía. Y que él estuviera nervioso ¡aun nos ponía más nerviosos a nosotros! -¿Todo salió bien? -La ovación fue espectacular, nos aplaudieron durante cuarenta y cinco minutos, tuvimos que hace un bis. Catherine Pawlick que hizo la crítica en la revista Dance Magazine, escribió que jamás se había oído una ovación tan larga en el Marinsky. -Ricardo, tu vida da para mucho, habéis casi vivido varias vidas en una, no me cabe tanto en la entrevista, y lo que os queda por vivir. -Así es, muchas veces he soñado algo y no imaginaba que en algún momento se haría realidad. Siempre encuentro sorpresas en mi camino. Ahora hemos girado con nuestra compañía Suite Española por Canada y USA, y nos preparamos para la próxima. -Y tus series de retratos de fotografía, ¿cómo van? Me encantan. -He obtenido una crítica muy buena de Mary Virginia Swanson y Molly Roberts . Justamente, y no se porqué hicieron referencia al toque caravaggiesco de mis retratos. Solo sigo mi inspiración, allá donde me lleve. MERCEDES ALBI

"Alma danzadora", música y danza alrededor de Catalina de Aragón y María Tudor El próximo domingo 26 de enero se estrena en el Teatro Cervantes de Alcalá de Henares, "Alma danzadora" el espectáculo con el que la Cia Esquivel, bajo la dirección de María José Mayordomo, cumple 30 años. ALMA DANZANTE Una Alcalaína en Londres podría haber sido el título de este apasionante viaje por la Danza y la Música que disfrutó la infanta española y reina de Inglaterra, Catalina de Aragón , desde su infancia en España hasta su fallecimiento en Inglaterra, y que transmitió a su hija María , más tarde reina de Inglaterra y consorte de España. Catalina de Trastamara, reina pionera en múltiples facetas, tuvo en la Danza uno de los pilares de su educación , ya que del buen gobierno del cuerpo dependía la capacidad (competencia que se diría en la actualidad) para abordar las responsabilidades de gobierno en otros planos dentro de la vida política y social. Ésta y otras sabidurías, propias de una futura reina renacentista, fueron transmitidas a su única hija, María Tudor y Aragón. ESQUIVEL (Danza&Música) , propone como inicio a la celebración de su XXX aniversario, un recorrido por la danza y la música que constituyeron el paisaje sonoro y coreográfico en los reinos de España, el reino de Inglaterra, y el contexto europeo de su época, justamente desde la ciudad natal de quien -muy posiblemente- fuera la figura política y cultural femenina con mayor relevancia en la primera mitad del siglo XVI. La Danza La Danza temprana -en la segunda mitad del renacimiento- significó bienestar y conocimiento, tanto de de los códigos sociales gestuales como del protocolo de relaciones interpersonales. En ella predominó la calidad/cualidad sobre la cantidad, precediendo en 500 años la máxima de “menos es más” característica de las técnica shoy más avanzadas. Bajasdanzas, Alta o Pavana española -éxitos internacionales del momento- se arremolinan junto con la versión “a la inglesa” del Passamezzo -Pasymesure- y del Canario que haría estallar el corazón de algún personaje Shakespeariano más tarde, condimentadas con obras del repertorio europeo muy en boga durante la primera mitad del siglo XVI. La Danza sabia -conocida como “tripudio”- es Arte y Ciencia, compendio de las musas y las bellas Artes. Por ello goza de la preferencia de un sector de la sociedad competente para apreciar la armonía, el carácter, la fuerza sin violencia, y en definitiva, el buen gobierno del cuerpo como metáfora de la capacidad de gobierno en otros ámbitos. En ella, las características como Arte, y de su interpretación artística, abarcan cinco aspectos: memoria, medida (proporción), dominio espacial, aire y estilo conducirán al movimiento, ya sea desde la óptica aristotélica o Platónica. Destinada otrora a una minoría privilegiada, hoy nos satisface poder difundir, interpretar, investigar y hacer disfrutar de este aspecto de la cultura hasta ahora poco conocido. La Música En este concierto de Danza&Música, tendremos la ocasión de disfrutar de las siguientes piezas instrumentales: " "Más vale trocar placer por dolores", "Pues no te duele mi muerte" y "Pues que mi triste pesar", ambas de Juan de la Encina , que tratan un mismo tema, el amor no correspondido, algo que Catalina conoció muy de cerca. También del sentimiento del amor y de ausencia trata Mille regretz de Joquin des Prez , pieza que tuvo el privilegio por ser conocida como "La canción del Emperador" , por ser la favorita de Carlos I de Hispania, aunque fuera compuesta en la primera veintena del siglo XVI. Complementan estas piezas musicales las Pavanas IV y VI de Luis Milán (siendo la pavana VI una gallarda en realidad), un perfecto ejemplo de música española y mediterránea del momento. Terminamos con dos piezas de Consort atribuidas a Enrique VIII, que también fue compositor e instrumentista; nos parecía interesante ofrecer una pequeña muestra en este concierto. Entre las piezas de música utilizada para la danza, destacamos las dos piezas de Francisco de la Torre : la Baja (La Spagna) y la Alta. De la Torre nace en Sevilla y realiza una importante carrera en Nápoles, ese territorio bajo jurisdicción del reino de Aragón y de la dinastía de los Trastamara, como Catalina. PROGRAMA Más Vale trocar placer por dolores - Mús.: Juan del Encina Danza Baja - Coreogr.: Anón., Mss. Real Academia de la Historia S XVI / Mús.: Anón., Mss Leipzig Danza Alta - Coreogr.: Anón., Mss. Real Academia de la Historia S XVI / Mús.: Francisco de la Torre , Cancionero de Palacio Pavana (Spanish Pavin) - Coreogr.: Anón., Mss. Real Academia de la Historia S XVI – Fabritio Caroso) / Mús.: Antonio de Cabezón Beaulté de Castille (Bajadanza en trío) - Coreogr. y Mús.: Anón., Mss. Bruselas Filles a marier (Bajadanza en fila) - Coreogr: Anón., Mss. Cervera / Robert Copland / Anón., Mss. Bruselas – Mús.: Gilles Binchois - (Estreno Absoluto) Pues no te duele mi muerte – Mús.: Juan del Encina Pues que mi triste pesar – Mús.: Juan del Encina Mille Regretz – Mús.: Josquin Despretz Ruggero - Coreogr.: Anón., Mss. De Tarragó, Siglo XVI – Mús. Anón., (Arr. Gaspar Sanz) Contrapaso – Coreogr.: Anón., Mss. De Tarragó - Fabritio Caroso I / Mús. : Anón. Españoleta Antigua – Coreogr.. Anón. (Rec. Fabritio Caroso) / Mús.: Anón. Pavanas IV y VI – Mús.: Luys Milán Baile de la Flor-Danza de la Hacha – Coreogr.: Fabritio Caroso / Mús.: VVAA Siglo XVI Pasymesure / Passamezzo - Coreogr.: Anón. / Mús: Anón. Gallarda - Coreogr.: VVAA S. XVI / Mús.: Anthony Holborne Consort XII y XIV – Mús.: Enrique Tudor (Enrique VIII) Canarios – Coreogr.: F. Caroso / Mús.: Anón., S. XVI Caza de Amor - Coreogr.: María José Ruiz sobre anónimos Siglo XVI / Mús.: A. Gastoldi. Entradas ESQUIVEL (Danza & Música) Compañía pionera, con tres décadas de historia, ESQUIVEL (Danza & Música) es una compañía profesional inscrita en el movimiento vanguardista de recuperación del patrimonio en artes escénicas anteriores al siglo XIX. Con más de 20 producciones propias, se ha convertido en una referencia indiscutible en la recuperación del patrimonio cultural intangible. Es la única compañía de Danza y Música cuyos directores tienen la máxima categoría académica a la vez que una trayectoria profesional de décadas. Asimismo, es la única compañía española que aborda íntegramente las obras tanto desde un punto de vista musical como coreográfico, para lo cual integra en su plantilla músicos y bailarines que interactúan como una unidad interpretativa. Referente internacional para la Danza Española del Siglo de Oro, decana y pionera en la recuperación y experimentación sobre lenguajes coréuticos originales. ESQUIVEL (Danza & Música) basa su trabajo en la experimentación a partir de lenguajes coreográficos originales de los siglos XV al XIX y su incorporación al concepto contemporáneo de espectáculo. Para la correcta contextualización histórica del repertorio, la Compañía investiga sobre vestuario, usos, costumbres y normas sociales, ya que pretende no solo mostrar las danza, sino también de reconstituir un periodo de nuestra historia y de nuestra cultura para mostrar una danza fresca y viva. FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Dirección Artística y Coreográfica : María José Ruiz Mayordomo Dirección musical : Pablo Gastaminza Danza : Yolanda Barrero, Elvira Soto Buigues, Peio Otano, Alberto Arcos Música : Pablo Gastaminza, Pepa Megina, Calia Álvarez Dotres, Enrique Pastor Diseño Iluminación y Dirección Técnica : Ciru Cerdeiriña Diseño Vestuario : Josep Ahumada, María José Ruiz Mayordomo Diseño Cartel : Cristina Hernández Polo Realización Vestuario : Josep Ahumada, Sastrería González, Oliva Ferreras, María de Miguel. Zapatería : Sansha Sombrerería : Sombreros Medrano Asistente de Producción y Coord. Comunicación : Cristina Hernández Polo Representación y Distribución : Sofía Grande esquivelmyd.management@gmail.com

DEL 29 DE ENERO AL 5 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRÁN 2.000  NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID   EL SÁBADO 1 DE FEBRERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL   EL SÁBADO 1 DE FEBRERO OFRECEMOS DOS MASTERCLASS CON BEATRIZ MIRA & TIAGO BARREIROS E IKER KARRERA (CO-DIRECTOR DE DANZA 180) ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,30 A 13,30. Asociación BETA PUBLICA  continua, y ya van 11 años, con el objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD cerca de 24.000 alumnos/as y docentes. A este Undécimo Año de “Una Mañana en Danza”  asistirán más de 2.000 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 29, 30 y 31 de enero, 4, 5, 6 y 7 de febrero.   La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid , incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva , coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías  y termina con un divertido trabajo de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo.   Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza”  son: •              SOLILOQUIO de Cristina Cazorla. •              Distintos de Ntamo Performance •              A la deriva…  de Pilar Villanueva. •              Fragmentos de Musicales de SOM Academy     Gracias al  C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA  puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 1 de febrero a las 19.00 horas . Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza”  actuarán como artistas invitados 180Lab que presentará su última creación; “Isha” con   coreografía de  Adi Schwarz y Beatriz Mira & Tiago Barreiros (Portugal)   con su pieza “ café” . Esta XI Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza  en cuya sede realizaremos  dos MasterClass, el sábado 1 de Febrero  por la mañana (apertura de puertas a las 10.00 , primera MasterClass a las 10,30), con Beatriz Mira & Tiago Barreiros e Iker Karrera (Co-Director de DANZA 180).   La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función  donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única  para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza.   Las entradas para “Una Tarde en Danza”  del 1 de febrero 2025 pueden adquirirse a través del siguiente enlace     MÁS INFORMACIÓN:   La Asociación BETA PUBLICA,  fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA  para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA  realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD más de 23.600 alumnos/as y docentes. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa, Fundadora y Directora Artística de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin...) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1  en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 21 proyectos estrenados en España y Estados Unidos.

Con diez artistas sobre el escenario, el montaje recrea la historia del personaje inmortalizado por el poeta granadino que simboliza un el espíritu libre de la mujer La obra, con música en directo, ofrece seis funciones desde este sábado y el 14 de enero, el 9 de febrero y el 2, 23 y 30 de marzo El bailaor madrileño José Maya presentará desde este sábado en el Teatro Pavón seis funciones de su versión flamenca de la obra La zapatera prodigiosa de Federico García Lorca , que a través de un personaje real en el que el poeta se inspiró explora temas universales como el amor, la libertad y los roles sociales. El espectáculo podrá disfrutarse además de este sábado, el próximo martes 14 de enero, el 9 de febrero y los días 2, 23 y 30 de marzo.   Con diez artistas sobre el escenario, entre ellos el propio José Maya encarnando a Don Mirlo y Lydia Aranda como la zapatera, y con música en directo de las guitarras de Juan y Antonio Maya , el espectáculo recrea el universo poético y vivo que le insufló Lorca a esta “farsa simple, de puro tono clásico, donde se describe un espíritu de mujer”, en palabras del propio poeta.   La historia se centra en el matrimonio entre la zapatera, una mujer joven, apasionada y de carácter fuerte, y su marido, el zapatero, un hombre mayor, tímido y apacible. Desde el inicio, su relación está marcada por las tensiones: ella siente que su vitalidad y espíritu están reprimidos por las convenciones sociales, mientras que él se resiente por las críticas y los rumores de los vecinos.   El conflicto se intensifica cuando el zapatero, cansado de la presión y los reproches, abandona a su esposa. En su ausencia, la zapatera se enfrenta sola a las habladurías del pueblo y lucha por mantener su dignidad. Sin embargo, el amor y la conexión entre ellos persisten y su marido regresa disfrazado como un titiritero para observar y comprender mejor a su mujer. Este reencuentro les empuja a una reconciliación que trasciende las expectativas sociales y reafirma su relación.   La zapatera representa a todas las mujeres del mundo y también al alma humana. Por eso, “la farsa, en el fondo, es un gran drama”, explicó Lorca sobre su obra. “Prodigiosa remite a lo maravilloso, a lo que encierra un misterio, a lo excelente y exquisito del ser, del alma humana”. En esta obra, Federico retrata el prodigio de que en esa época, una mujer decide por sí misma y que no se deja gobernar por las habladurías. José Maya Serrano , es bailaor y coreógrafo. Nacido en 1983, lleva el flamenco y el baile en la sangre con antepasados como la histórica bailaora Fernanda Romero y el cantaor Rafael Romero “El Gallina” , o el gran actor y director de teatro Pepe Maya y el pintor Antonio Maya . Apasionado por la música, la pintura, la escultura, la poesía, el teatro y todo aquello que respire arte, empezó a bailar profesionalmente con nueve años, compartiendo cartel en el teatro Albéniz de Madrid con Antonio Canales , Juan Ramírez y Joaquín Grilo . Con 13 años entró a formar parte de las compañías de “El Güito” y Manolete , con quienes realizó giras por España y Portugal. En el año 1998 fue reconocido con el Premio Copa Pavón, en el 2000 obtuvo el Premio al Mejor Bailarín en el Certamen de Coreografía del Teatro Albéniz de la Comunidad de Madrid y consiguió una beca de la Fundación de Autor en la prestigiosa Cátedra Alicia Alonso de Ballet clásico. El cineasta francés Tony Gatlif le llamó para ser el primer bailarín de su película Vertiges y a partir de 2007 ha acompañado al maestro de la guitarra flamenca Tomatito en su gira por Europa, América, China, Rusia y Japón. Con posterioridad, estrenó junto a Farruco y Barullo Al Natural, El velero de las rosas junto a Lola Greco , junto a Alfonso Losa en un espectáculo conjunto, Grito y con Farruquito el espectáculo Baila , entre otros. Con su espectáculo Maya pasó por grandes festivales de flamenco y espacios escénicos internacionales, así como con Latente . Ha bailado como telonero en los conciertos de estrellas del pop internacional como Marc Anthony , Beyoncé , Björk o Juan Luis Guerra , y en las giras de Vicente Amigo . Su anterior espectáculo Color sin nombre , inspirado en el legado pictórico de Mark Rothko , también pasó por el Teatro Pavón .   &&&&&&&&&&&&&&&&

En la vida, lo cotidiano cobra un matiz de eternidad, nos transmite una sensación de seguridad, de que aquello que nos es conocido siempre estará ahí. Pero de repente, el programa de radio que siempre nos acompañaba, todos los mediodías a los que se remontan mis recuerdos, desapareció. Las voces amigas de Fernando Argenta y Araceli González Campa se despidieron, sin que sirvieran de nada las lágrimas sordas que desde nuestras casas derramábamos cientos de oyentes. “Clásicos Populares” y “El Conciertazo” dejaron de emitirse. Han pasado casi dos años, y las protestas y las cartas de los melómanos contra la nueva dirección de la emisora pública no han cesado.   Quise saber que fue de Fernando Argenta, y unos amigos y admirados bailarines que trabajaban en “El Conciertazo” me pusieron en contacto con él. Fernando no puso obstáculo alguno en concederme esta entrevista y, sin conocernos de nada, él mismo me recogió con su coche en la parada del tren de cercanías para mostrarme el oasis donde habita, una casa con vistas a un ilimitado bosque de encinas, desde donde se contemplan los atardeceres de la sierra en un horizonte de montes azules. Lejos del ajetreo mundano, vive con su esposa Toñi y su hijo Ataúlfo, trabaja, escribe, y sólo sale para compartir, comunicar y brindar su gran amor por la música a los demás. Especialmente, al público más importante: los niños. Porque cuando alguien ama algo de verdad, la pasión sí que es eterna y no hay auditorio que ofrezca resistencia a este gran comunicador que es el maestro Fernando Argenta. - Con la abrupta desaparición de tus programas de radio y de televisión, este último, por cierto, el único espacio de RTVE en el que se programaba danza de calidad, ¿Cómo te sentiste?   - Al principio, sentí algo de vértigo, porque la mayor parte de mi actividad y de mi tiempo giraban en torno a la confección de los programas. Tener un programa de radio diario desde hacía 32 años, y un programa de televisión semanal, en el que escribía hasta los guiones, era algo muy absorbente, pero que a mi me encantaba, y no concebía la vida de otra manera. Reconozco que tuve miedo de lo que iba a ser mi futuro.   - ¿Lo superaste?   - Sí, reconozco que he tenido mucha suerte y no han dejado que me quedase quieto. Me llaman de tantos sitios para que vaya a hacer “El Conciertazo”, que prácticamente todos los fines de semana hacemos alguno. Yo solía hacer el programa con orquestas (y creo que lo he hecho con casi todas las orquestas de España), pero ahora he descubierto el mundo de las bandas, ese ambiente tan vivo y tan exultante de la música de viento. Ellas me han descubierto a mí y yo a ellas. Además, estoy escribiendo dos libros que tengo que entregar a la editorial el próximo junio. UNICEF también me ha pedido que organice un concierto benéfico para recaudar fondos, destinados a los niños de Haití, y estoy en ello. Todo lo que puedo, lo hago. No tengo tiempo ni para pensar.   - ¿Cómo empezaste tu faceta de acercar la música a los niños?   - Yo tenía mi programa de radio “Clásicos Populares”, pero el mérito de la idea fue de González Sinde.   - ¿El padre de la ministra?   - Sí, él era a la sazón, director del Festival de Otoño, y me propuso hacer unos conciertos diferentes. En la conversación surgieron los niños y la idea. Conseguimos el apoyo de la Obra Social de Caja Madrid. La labor fue enorme ¡Cuántos niños habrán escuchado música clásica por vez primera en estos ciclos! Imagínate, unos 70 conciertos anuales, a los que asistían cerca de 1.200 chavales por actuación .   - Pero los niños son el público más difícil, porque carecen de esnobismo y no mienten nunca. Si no les gusta, no hay quien los retenga en sus asientos…   - Mi récord está en 8.500, un concierto que dimos en un polideportivo de Sevilla con la Orquesta Sinfónica.   - ¿Cómo consigues “domar a las fieras”?   - Es algo instintivo. Prescindo de la pedagogía y de los gruesos volúmenes escritos sobre la materia. Todo es mucho más simple. Algo así como, aquí Beethoven y aquí Juanito. Los presentas, y si Juanito tiene sensibilidad, no hace falta nada más. Lo mismo sucede con el público de la danza. Hay que llevar la música y la danza a los niños porque son como esponjas, todo lo absorben y no tienen prejuicios. Los prejuicios se los damos nosotros, los mayores.   Yo nací en una casa en la que mi madre era pianista, y mi padre director de orquesta; para mí y mis hermanas la música era algo que existía desde siempre. Me sorprendía mucho cuando me daba cuenta de que a mis amigos, si les nombraba a Schubert pensaban que era un futbolista. Me alucinaba, pero no por su ignorancia, sino por la lástima que sentía de lo que se estaban perdiendo.   Mi hermana mayor, Ana María, a los 16 años dijo que quería ser bailarina…   - ¿Y qué pasó?   - A mi padre no le hizo mucha gracia que en aquellos tiempos se marchase tan joven de casa, pero Margot Fonteyn, de quien era muy amigo, le convenció y le dijo: “mándamela a mí”. Así que mi hermana se fue al Sadlers Wells Ballet, y de allí pasó al Ballet de Zurich. Ana María siempre fue para Margot Fonteyn como una hija.   Mira, en esta foto puedes ver a mi padre con Margot.   - ¿Dónde fue tomada?   - En Granada. Gracias a mi padre se trajo el ballet del Covent Garden a actuar por primera vez al Festival de Granada. Mi padre hizo una gran labor de intermediación para que los artistas del extranjero, que eran sus amigos, vinieran a España a actuar, porque entonces ninguna compañía importante quería venir.   - ¿Por qué no venían?   - Por la visión que tenían de la España de Franco, a la que desde el extranjero se le ponía un cerco. Mi padre sentía mucha lástima por el atraso cultural que existía y quería que las fronteras se abriesen a las nuevas corrientes europeas. Así que puso todo su empeño en ello. Por ejemplo, habló con Ansermet para que trajese a la Suisse Romande, pero este rehusó venir al país de Franco, a lo que mi padre le respondió: “Es que no vas a venir a la tierra de Franco, vienes a mi tierra”; “Tienes razón”, le dijo Ansermet. Y no sólo vino la Suisse Romande por vez primera a España, sino que consiguieron hasta una subvención del gobierno suizo para los gastos del viaje.   - A tu padre, el gran director de orquesta Ataúlfo Argenta, se le ha tachado de franquista.   - Eso es mentira. Mi padre jamás se interesó por la política. Mi familia vivía en Alemania cuando, a consecuencia del estallido de la Segunda Guerra Mundial, regresaron. Pero el talento de mi padre era tal, que empezando de pianista en España, consiguió triunfar en París dirigiendo la recién creada Orquesta Nacional de España. Mi padre subió demasiado alto por sus méritos, y el régimen solía utilizar a los españoles que triunfaban como un logro del sistema, cuando no era así. Pero esto sucedía hasta con los ciclistas que ganaban el Tour. Es más, una vez estuvimos a punto de exiliarnos.   - ¿Por qué?   - Porque mi padre hizo una declaraciones sobre la escasez de los compositores españoles y del aislamiento cultural que se padecía. Y esto sentó muy mal a un ministro que dijo que no iba a consentir rojos en la orquesta nacional. Así que mi padre decidió que nos fuésemos, pero mi madre no quería vivir en Suiza y al final nos quedamos.   -Tendríais que haberos ido.   - Es algo que siempre he pensado, y claro que tendríamos que habernos marchado, entre otras cosas, porque si nos hubiéramos ido mi padre aun estaría vivo, al no haber sucedido el accidente que le costó la vida a los 44 años.   - ¿Qué edad tenías cuando falleció tu padre?   - Doce años. Y hasta ahora nunca he dejado de preguntarme que habría pasado si mi padre no hubiera muerto tan joven…   - ¿Cuál crees que es el vínculo de unión entre la música y la danza?   - Desde los tiempos primitivos el hombre expresó sus sentimientos con la danza, y la música los acompañó. Están intrínsecamente unidas, y esa unión es tan íntima que cuando alguien escucha música siente el deseo de bailar. Por eso en “El conciertazo” había una sección dedicada a la danza (“Discoteca clásica”). Pasaron por ella grandes bailarines de diversos estilos (danza barroca, tradicional, flamenco, española, ballet clásico) como Antonio Márquez, María Pagés, Laura Hormigón y Oscar Torrado…   - Me gustaría que me contases los detalles de tu marcha de RTVE, porque se comenta que no querías irte, y sin embargo… ¿Firmaste el ERE para la jubilación anticipada?   - A mí como a tantos otros profesionales nos dieron la posibilidad de firmar el ERE, pero de una forma subrepticiamente coactiva. Es decir, que si preguntábamos qué sucedería en caso de no firmarlo, nos contestaban que a partir de ahora la cosa iba a cambiar muchísimo y que allá tú… Firmé, en principio, si bien hablé con Javier Pons, el Director de RTVE, y acordamos que yo seguiría con mis programas y que me retractaría de la firma, por lo que continué con mi trabajo habitual. Un día de julio, cuando estábamos rodando “El Conciertazo”, recibí un aviso para reunirme con Pons esa misma tarde. Me pareció algo de lo más normal, pues pensé que se interesaba por la grabación. Yo estaba equivocado.   - ¿Qué quería?   - Fue un jarro de agua fría. Me dijo que iban a prescindir totalmente de mis programas; que “Clásicos Populares” desaparecía de Radio Clásica y que “El Conciertazo” era demasiado caro. Yo intenté ofrecer otras alternativas para abaratar costes; de hecho desde el año 2002 el presupuesto habíamos conseguido bajarlo un 30%. Esto fue posible gracias a Pascual Osa, y deseo decir que ha sido un placer y un honor trabajar con un director musical de tan gran talento, al que no entiendo como no le dan una subvención para su Orquesta Filarmonía, que es una maravilla.   - Por desgracia, en los tiempos que corren, las subvenciones poco, o más bien nada tienen que ver con la calidad de los artistas…Pero bueno, ese es otro tema. Dime ¿Cómo te sentiste al recibir un golpe tan repentino?   - Me sentí desolado, todo el trabajo de tantos años desaparecía de un plumazo, y hubo gente de mi equipo que el viernes de esa misma semana se quedaron en el paro después de haber estado nueve años trabajando; pero no hubo manera de convencer a Pons, y al preguntarle por el programa que iban a poner en lugar del mío, me contestó que otro programa de música clásica para niños, por lo que yo podía sentirme muy orgulloso de haber creado escuela…   - ¿Cómo diste la noticia a tus colaboradores?   - No dejaron ni siquiera que yo personalmente les comunicase lo sucedido, porque a la mañana siguiente, cuando acudí al rodaje, me encontré con la sorpresa de que todo el mundo ya lo sabía. El País había publicado la noticia de que mis programas se terminaban porque yo había firmado el ERE. Lo peor de todo fue darme cuenta de que enviaron la noticia al periódico antes de la reunión, por eso no tuvieron la más mínima intención de encontrar alguna alternativa. La decisión de suprimir mis programas estaba tomada de antemano.   - Y “Clásicos Populares”, ¿Echas de menos los 32 años de programa radiofónico diario?   - Sí, muchas veces cuando descubro una música hermosa, siento deseos de darla a conocer, de mostrarla a los demás, entonces,  de repente me acuerdo de que ya no puedo hacerlo porque no tengo programa. Y es que la vida esta hecha para compartirla con los demás.   - ¿Qué te hizo superar un golpe tan duro?   - El cariño de la gente. Verás, me sucedieron cosas increíbles. Antes cuando estaba en activo, la gente me reconocía, me miraban, pero no se atrevían a decirme nada; pero cuando desparecieron mis programas… Fue como si una barrera se hubiera roto, y me abordaban, venían a hablar conmigo, me abrazaban. Me sucedieron anécdotas inimaginables, como cuando subí a un autobús con mi mujer, tenía preparadas las monedas para pagar, y el conductor me las rechazó diciendo: “yo a usted no le cobro”. O aquella vez que unos guardias civiles me pararon en un control rutinario de alcoholemia y, al reconocerme, exclamaron: “usted es el del Conciertazo”, y  no me dejaron soplar. Entonces, pienso, que si suceden cosas como éstas, será que algo bueno he hecho.   No me importa que algunas personas, en ocasiones, opinaran y escribieran que yo rebajaba la seriedad inherente al patio de butacas de los conciertos, como si yo fuera irrespetuoso con la música clásica, incluso, hubo quien opinó que yo era un payaso. Pero a mí nunca me importó hacer lo que fuese para captar la atención de los niños, les provoqué para que se rieran conmigo y de mí, porque mi intención no se quedaba en la risa, sino que a través de la diversión, quería que les llegara la música, lo más bello que mi padre me legó, y en este caso, el fin sí que justificó los medios.   - ¿Por qué crees que terminaron con “El Conciertazo”, cuando era el programa de mayor audiencia del canal internacional?   - Sí, es cierto. Ni te imaginas como lo apreciaban los países de América del Sur: en México era el cuarto programa con mayor audiencia de los que se emitían por cable; en Colombia lo retransmitían en abierto dos veces diarias…   Pero a RTVE los niños no les interesan. No votan, no compran… Les sale mucho más barato poner cualquier peliculita que transmitirles la música o la danza. Sólo se acuerdan de ellos en Navidad, para venderles juguetes. Parece no importar que el futuro de España esté en la educación de las nuevas generaciones, y más ahora, cuando las estadísticas sitúan a España en la cola de Europa, como uno de los países de la UE con el nivel educativo más bajo.   No se dan cuenta de lo unida que está la cultura al progreso. ¿Qué país conoces, culto y libre, que no sea económicamente fuerte? MERCEDES ALBI

El mundo de los cuentos sube al escenario nuevamente en el Teatro de la Zarzuela, y es apasionante comprobar el efecto de lo que significa la maduración del tiempo en una producción cuyo pasado estreno nos dejó indiferentes. La Compañía Nacional de Danza se encuentra en un momento complicado cual es la transición entre dos direcciones, de Joaquín de Luz a la recién llegada Muriel Romero. Muchas incógnitas planean sobre el posible rumbo a seguir pero es algo que no puede desvelarnos la programación de un título que estaba concertado en el pasado: un “hijo” de Joaquín, que está siendo criado por Muriel . Con estas funciones ella ha mostrado que es una madre solícita y muy trabajadora porque la compañía denotaba mayor solidez en la ejecución. Este exquisito ballet en dos actos, creado en 1836 por August Bournonville, cuenta la historia de amor imposible entre un espítitu etéreo, la sílfide, y James. Se desarrolla en una mansión rural de la campiña escocesa, recreado por la escenografía de Elisa Sanz , donde se prepara la boda de Effie y James. El vestuario es de Tania Bakunova . La vieja Madge, dedicada a la nigromancia y la brujería, trama una cruel venganza en la que la sílfide muere víctima de un hechizo mortal.    La primera intriga a desvelar era si había habido algún cambio respecto al primitivo estreno. La reacción del público era diferente. El comentario general fue: “mucho mejor que la otra vez” . Sentí no tener una moviola que me hubiera posibilitado determinar con precisión la naturaleza del cambio. Incluso llegué a pensar que habían aligerado la coreografía. Todo parecía transcurrir con mayor movimiento y menor vacío. El rodaje de la experiencia se ha sentido en una obra que es la misma y hasta nos ha parecido diferente. Sin embargo, no ha habido ningún cambio estructural más allá de la experiencia y el rodaje acumulado . La danza es un arte tan efímero que muere en cada representación. Es evidente que nunca hay dos funciones iguales. Los espectadores cambiamos, pero la entrega se siente y la capacidad de conmover o se da o no se da, pero jamás es fruto de la improvisación, especialmente, si nos enfrentamos a un clásico. Un clásico siempre es un reto. Giada Rossi , bella y delicada, ostentó el papel protagonista con emoción y gran mérito, si se tiene en cuenta que termina de superar una lesión; y Yanier Gómez fue también un James convincente, amparados por un elenco de solistas y cuerpo de baile acrisolado en quienes se puede confiar. El rumbo a seguir lo marcará próximamente Muriel Romero. Hasta ese momento en que logre ser ella misma, la intriga seguirá planeando sobre los amantes de la compañía. José Carlos Martínez continúa siendo añorado. Y él sí que lo tuvo difícil porque hay que tener en cuenta que, cuando fue designado para suceder a Nacho Duato , partió de cero y actualmente es el Director Artístico del Ballet de la Ópera de París. En realidad sobre la elección del repertorio lo que se debate es la idea, un tanto obsoleta, de si hay que programar clásicos de ballet o lanzarse el vacío de una novedad de corte contemporáneo . Me conmovió mucho una niñita espectadora que tuve la suerte de que se sentara a mi lado. Tendría unos cinco años, se llamaba Alicia. Lo se porque nos hicimos amigas. Al inició pensé que se aburriría; me equivoqué. Supo ser transportada al mundo de las hadas y en ese viaje me mostró el sentimiento puro que la Compañía Nacional de Danza ha generado . Los niños nunca mienten. La entristeció que la Sílfide perdiera las alas y cuando al final su cuerpo era transportado por los aires, preguntó: -¿Dónde va? -Se marcha al cielo- respondí. Es indudable que un ballet clásico tiene el público asegurado, y jamás debe ser menospreciado porque marca el latido de un arte que muere cuando carece de recepción . El arte necesita para sobrevivir ser amado, sin ese amor no existe. MERCEDES ALBI Fotografía Alba Muriel

Tras la música se esconden unos códigos secretos , descubrirlos es la tarea del investigador, pero mucho más del intérprete, lo que sucede es que con Marta Vela coinciden ambas facultades, lo etéreo y su concreción . Ella flota de aquí para allá en una actividad incesante a la búsqueda de hilos misteriosos que desempolvan ideas preconcebidas y anquilosadas, y lo hace con un aire nuevo, los aires de la jota redescubierta. Tuvo la amabilidad de enviarme su último trabajo, el disco titulado JOTAS COSMOPOLITAS DE ARAGÓN. Es el primer álbum de jota cosmopolita del mundo. A partir de la exitosa Nueva Jota Aragonesa de Florencio Lahoz, publicada tres veces entre 1840 y 1841 en Madrid (Salazar, Lodre y Carrafa), fueron muchos los compositores que dentro y fuera de España fueron seducidos por la jota aragonesa. Es un trabajo discográfico basado en la investigación de la trayectoria internacional de la jota aragonesa realizada por Marta Vela , patrocinada por la Academia de las Artes y el Folclore de la Jota de Aragón , el Ayuntamiento de Alagón, el Gobierno de Aragón y las asociaciones Patrimonio Sonoro y Música Magna. Se compone de cuatro obras inéditas , grabadas por primera vez, Nueva Jota Aragonesa de Lahoz para piano (1841), Nueva Jota Aragonesa de Lahoz cantada (1848), La Féte des Toreros (Jota de los toreros) de Sebastián de Iradier (1855) y la canción de Lahoz A un Buen Mozo (c. 1851), a modo de bonus, junto a clásicos del género como la Rhapsodie Espagnole de Liszt (1863-1864) o la Gran Jota de La Dolores de Bretón (1895). “Siempre trabajo con el mismo equipo”, me comenta. LOS HECHOS Lo que tiene de extraordinario el disco no se puede contar, hay que escucharlo. Sonará extraño, pero lo cierto es que lo puse y de repente, atraído por las notas, acudió mi marido desde otra punta de la casa, invadido por la intriga de qué era aquello que estaba sonando. Gabriel es músico y canta con tesitura de barítono, por lo que su instinto es algo fundamentado. Me dejó verdaderamente sorprendida. Entonces pensé, a modo de prueba del algodón, voy a recabar la opinión de un pianista instintivo y, como en el juego de la gallinita ciega, no le diré de qué se trata. Utilicé para ello a Federico Coullaut (espero que no se moleste por revelarlo). Es un pianista prodigioso que jamás estudió música, no lee partituras pero toca de oído con un inexplicable don (hasta ha dado conciertos). Tiene un piano de cola Steinway que perteneció al Gran Duque Vladimir, tío del zar Nicolás II. Le envié una de las músicas al azar y opinó lo siguiente: “Tiene una gran sensibilidad interpretativa del instrumento… Recuerda obras de Listz”. Verdaderamente, dio en el clavo, pues insertó la jota dentro de su contexto de la música del romanticismo europeo. Así, Listz viajó a España, según narra Marta en su libro, escapando de las consecuencias sociales que le acarreó su ruptura con la baronesa de Alnoy , dejándose hechizar por nuestros ritmos y especialmente con la jota, como anteriormente ya lo había hecho su amiga Pauline Viardot García. Conclusión: este disco desprende una magia especial. Hay que escucharlo. La música no está hecha para escribir sobre ella, sino para disfrutarla.   JOTAS COSMOPOLITAS DE ARAGÓN:   Intérpretes: Esmeralda Jiménez Susana Cabrero Ignacio Prieto Alberto Menjón y Marta Vela PIEZAS: Florencio Lahoz (1815-1868) 1.  Introducción y gran jota aragonesa (1841)* Alberto Menjón (10:06) PaulineViardot-García (1821-1910) 2.  Jota. Sérénade des étudiants (1846-1876) Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y Marta Vela (3:52) Florencio Lahoz (1815-1868) 3.  Nueva jota aragonesa (extractos) (1848)* Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y MartaVela (12:05) Sebastián de Iradier (1805-1865) 4.  La féte des toreros* (1855) Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y Marta Vela (4:57) Franz Liszt (1811-1886) 5.  Rhapsodie espagnole (1863-1864) Alberto Menjón (13:10) Tomás Bretón (1850-1923) 6.  Gran jota de La Dolores (1895) Ignacio Prieto y Marta Vela (5:30) Florencio Lahoz (1815-1868) 7.  Bonus track: A un buen mozo (C. 1851)* Ignacio Prieto y Marta Vela (3:42) *Primera grabación mundial / World’s first recording Grabado en la iglesia de San Antonio de Padua (Alagón, Zaragoza) Grabación, mezcla y masterización: Estudios Séptimo Cielo (Zaragoza) MERCEDES ALBI

Violeta Ruiz del Valle y Manuel Segovia forman una pareja de vida y creación artística materializado en su compañía Ibérica de Danza, que ha rebasado los 30 años de existencia, todo un milagro para un compañía de danza española. En realidad, ellos son el milagro. La compañía fundada en 1993 por Manuel Segovia, galardonado con el Premio Nacional de Danza a la Creación (2001) y el Premio Villa de Madrid a la Coreografía (2004), junto a Violeta Ruiz del Valle, Ibérica de Danza ha llevado la riqueza de la danza española a los escenarios de más de treinta países, reinterpretando sus tradiciones en un espacio artístico donde confluyen la herencia cultural y la innovación contemporánea. Residente en Las Rozas de Madrid desde el año 2000, la compañía ha hecho de la investigación y la difusión del patrimonio dancístico español sus señas de identidad. Me siento una privilegiada al recibir su visita en La Granja de San Ildefonso, donde paseamos divertidos por el Parador mientras posan para las fotografías. Se percibe su absoluta compenetración. Son muy diferentes, pero están unidos por una suerte de engranaje casi perfecto. Estoy segura que no podrían existir el uno sin el otro. Él es más abstracto y racional, vuela, dejándose invadir por el mundo de las ideas sin que su hipersensibilidad obstaculice su actividad investigadora. Es un gran erudito; ella, más extrovertida, sabe situarse con inteligencia en el fiel de una balanza que equilibra los platillos de la imaginación y de la práctica. Ambos son muy perfeccionistas. Acaban de estrenar con gran éxito en el Auditorio de las Rozas "Sueños musicales de un genio, Joaquín Rodrigo", con motivo del 25º Aniversario de la muerte del excepcional compositor. "Cuando danzamos, la memoria se convierte en presente y el presente, en eternidad."   P-¿Cómo fue el comienzo de Ibérica de Danza? Manuel -Fue un sueño caribeño. Violeta -Estábamos en Puerto Rico, donde vivimos durante dos años a principios de los noventa capitaneando el Ballet de Silvia Ivars. Todo lo que habíamos vivido hasta entonces como bailarines, fructificó. M -Ella es el alma de ibérica de Danza. V -Bueno, la verdad es que algunas veces él hace las locuras; otras las hago yo (ríe). P-Juntos llevaréis unos cuarenta años, ¿Dónde os conocisteis? V- Bailábamos en La Antología de la Zarzuela de José Tamayo. Hacíamos giras larguísimas que ahora serían impensables, unos cien artistas viajando durante más de seis meses. Interpretábamos coreografías de Alberto Lorca, con Plácido Domingo de artista invitado. P-¿Vuestra formación como bailarines, de dónde procede? M -Mi gran maestro fue Juanjo Linares, etnógrafo, folklorista y coreógrafo apasionado, quien supo legar a sus alumnos la importancia de preservar las tradiciones como un patrimonio vivo; luego, de Alberto Lorca aprendimos la visión escénica. Nos fuimos formando y enriqueciendo poco a poco. P-Si un árbol da tantos frutos, se debe a que tiene una raíz muy sólida ¿Cuántas producciones habéis estrenado? M -Más de cuarenta. P-Todas muy premiadas, y reconocidas por el público. Violeta, háblame de alguna. V -“Bailando en el tiempo” en 2001, en el Teatro Madrid: nos arriesgamos a ir a taquilla con diez bailarines y diez músicos. Marcó un antes y un después en el itinerario artístico de quienes nos acompañaron, incluso contactamos con un productor holandés que nos llevó de gira. Y Manuel obtuvo el Premio Nacional de Danza. Las compañías de danza y en general los bailarines, siempre estamos en el filo de la navaja. P-Cuéntame de otros estrenos más recientes y galardones. V -En 2023, con motivo del 30 aniversario, Ibérica de Danza estrena “Celebración & Gaudí Dance Experience” en la Sala Roja de los Teatros del Canal, agotando localidades. La obra marcó el inicio de una gira internacional que celebró el 50 aniversario de la muerte de Picasso y la Presidencia Española del Consejo de la Unión Europea, con presentaciones en Andorra, Hungría, Nicaragua, Ecuador, Egipto y Perú… El espectáculo “Fígaro, Barbero de Sevilla” fue elegido como el “Mejor Espectáculo de Danza, en Madrid 2020”, y desde entonces, la compañía ha continuado con giras nacionales e internacionales, llevando montajes emblemáticos como “Quixote Origen”, “Picasso en Danza”, “Carmen vs Carmen”  o “España Mágica Danza”. En 2013, la compañía celebró su 20 aniversario con el espectáculo " Ibérica, 20 años en danza" , presentado en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, junto a grandes músicos como Eliseo Parra, Javier Paxariño y Fernando Egozcue, entre otros... Este montaje recibió cinco nominaciones a los Premios Max. Hemos hecho tantas cosas... P-¿Cómo definiríais el estilo que Manuel ha creado en Ibérica de Danza? M- La danza es mucho más que un arte: es un lenguaje vivo, capaz de dialogar con el pasado y proyectarse hacia el futuro.  V- Nuestro objetivo ha sido la difusión del patrimonio dancístico español. El legado artístico de Ibérica abarca un amplio abanico de estilos: el neo-folk, la danza estilizada, la escuela bolera, la danza histórica y el flamenco, danza teatro combinados con música en directo, teatro y circo... M- Hemos preservado la tradición pero transformándola bajo un enfoque multidisciplinar en una experiencia universal y vibrante, siempre permaneciendo fiel a su misión de ser un puente entre el pasado y futuro de la danza española. P -Pero el folklore ocupa un lugar central en las creaciones de Ibérica de Danza, no en vano Manuel es toda una figura en la materia, pues incluso es director artístico de los festivales Folkinvierno y Madridfolk.   V- Resulta muy curioso que antes, el folklore estaba demodé, y actualmente se ha puesto de moda. Pero añadiría que el estilo coreográfico depende mucho de lo que has bailado, no es lo mismo crear algo que no has vivido, la óptica cambia. P-¿Qué quieres decir?  V- Él comenzó bailando folklore, digamos que lo mamó. Y muchos que estilizan el foklore no provienen de ese ámbito. Entonces el resultado no es el mismo. P-¿Su itinerario artístico, de qué se alimenta? V-Su maestro fue Juanjo Linares; luego vino la etapa de danza española, en la escuela del Ballet Nacional de España, cuando nos conocimos en la compañía de La Antología de la Zarzuela de José Tamayo. Hay un proceso de maduración detrás de cada obra. Una vez que Manuel tiene claro lo que quiere, el estilo y el paso, ha sido capaz de crear un sabor nuevo que conserva el aroma de siempre. P-¿Es lo que se denomina "neofolk"? M -Sí, aunque el estilo de Ibérica de Danza podríamos definirlo como un código de autor. P-¿Cual es tu itinerario artístico? Violeta. V -Antes de conocer a Manuel he bailado en compañías como las de Luisillo, Rafael Aguilar, Joaquín Ruiz y Antonio Canales, experinecias que enriquecieron una formación de la que me siento privilegiada, pues tuve maestros como Ciro, Goyo Montero y Pacita Tomás. Otra suerte en mi vida es mi hermana Raquel con la que contamos desde los incios de Ibéíca de Danza y todavía sigue bailando. Se ocupa de los ensayos de la compañía; Manuel lleva la parte creativa y de diseño técnico y yo hago las labores de gestión, principalmente. P-Manuel, he leído sobre el éxito de una ponencia tuya sobre folklore , materia que investigas. M- Se titula "Tradición reinventada: el folklore en la encrucijada de la creación contemporánea". P-¿Sobre qué trataba? -Sobre los diferentes sentires en las compañías que hacen folklore, he establecido una clasificación. P-¿Cuantos epígrafes tiene esa clasificación? Al menos he establecido cuatro grupos: 1- Guardiantes de la tradición; 2-Constructores del nuevo legado; 3-Puristas de raíz y 4- Escenificadores del legado. P-¿Guardianes de la tradición?   M -Son aquellos que consideran el folklore como un patrimonio inmutable, fijado en un momento histórico específico. Su objetivo principal es preservar las danzas y músicas tal como se recibieron, evitando cualquier modificación o reinterpretación.   P-¿Constructores del nuevo legado? -Este grupo utiliza el folklore como punto de partida para la creación de nuevas coreografías y músicas. Reconocen el valor del legado histórico, pero lo reinterpretan a través de una óptica contemporánea y creativa.   P- ¿Puristas de la raíz? M- Buscan devolver el folklore a lo que consideran su estado original, antes de los cambios impuestos por determinadas coyunturas políticas, como la dictadura franquista. Creen que el folklore de la Segunda República o mas allá representa la forma más genuina y libre de expresión cultural.  Este enfoque se enfrenta al problema de la idealización de una etapa histórica y del riesgo de caer en un anacronismo cultural.  P- Y, ¿Escenificadores del legado? M- A través de la investigación y la técnica escénica, transforman el folklore en espectáculos teatrales. Utilizan herramientas de las artes escénicas para elevar las tradiciones populares a un formato de ballet folklórico o teatro musical.  ANÁLISIS COMPARATIVO CLASIFICACIÓN DE MANUEL SEGOVIA Relación con la Historia: - Los Guardianes de la Tradición preservan la historia. - Los Constructores del Nuevo Legado la reinterpretan. - Los Puristas de la Raíz buscan un momento específico de autenticidad. - Los Elevadores de la Tradición la transforman para un nuevo propósito escénico. Horizonte Temporal: - Conservadores: Mirada al pasado como modelo fijo. - Revisionistas: Diálogo entre pasado y presente. - Restauracionistas: Reconstrucción de un pasado idealizado. - Escenificadores: Proyección hacia un público contemporáneo. Metodología: - Conservadores: Replicación fiel. - Revisionistas: Creación artística a partir del legado cultural. - Restauracionistas: Investigación crítica y arqueológica. - Escenificadores: Integración del folklore en las artes escénicas y coreografía avanzada. M -Ninguna categoría es intrínsecamente mejor o peor, pero cada una tiene sus fortalezas y desafíos:    - Los Guardianes de la Tradición garantizan la continuidad de formas culturales específicas.  - Los Constructores del Nuevo Legado aseguran la relevancia contemporánea del folclore.  - Los Puristas de la Raíz permiten el debate sobre autenticidad y manipulación histórica.  - Los Escenificadores del legado contribuyen a una expansión artística y escénica del folclore.  P- Es unas clasificación muy interesante, ¿Situariais a Ibérica de Danza en alguna de estas categorías? V- No, porque no somos una  agrupación de folklore, sino que hacemos folklore estilizado, que es danza española estilizada. Existe una gran diferencia: utilizamos bailarines profesionales que permiten unas posibilidades y registros diferentes. M -Mira, te pondré un ejemplo: "Fantasía galaica" de Antonio el Bailarín, no es una danza folklórica sino una estilización teatralizada inspirada en la muñeira. P-¿En qué momento cristaliza un tipo de estilo o lenguaje dancístico? M- Todo evoluciona y las circunstancias van modelando la danza. Imagínate la gente que emigra de sus zonas y se va a vivir a los cinturones industriales. Se pierde la identidad y surgen nuevos modos de hacer en la música y en la danza. P- Cierto que cualquier cicunstancia modifica las artes. -Claro, el devenir de la historia también es un factor decisivo. Un gran cambio cultural en la historia de la danza en España fue el cambio de dinastía. La danza de la época de los Autrias es barrida por los Borbones, digamos que un modo de hacer desaparece, pero sí se conserva en los pueblos a nivel popular. Es un sustrato valiosísimo. P-Hay tanto que aprender e investigar. -Es apasionante. Si pensamos que en los tiempos antiguos, en la España de los Austrias, eran los maestros de danza quienes impartían la esgrima: el dominio de los pasos de baile era un complemento necesario para la instrucción de un caballero. Es la denominada esgrima histórica, que tiene sus gestos y sus claves propias. Yo la he estudiado. P-¿Se necesita un alto grado de estudio para hacer algo serio inspirado en el ámbito del folklore hispano? -Hay algunas cosas absolutamente fundamentales. Sin ellas, cualquiera que quiera hacer algo nuevo, se arriesga a perder el rumbo. P-¿Qué consideras es ese algo de fundamental? M- En el campo musical, te diría que es imprescindible conocer el archivo de Alan Lomax; la Magna Antología del Folklore, de García Matos... Si me preguntas por un disco, por ejemplo, aconsejaría escuchar de forma ineludible el disco Tribus Hispanas, de Eliseo Parra. P - Y a un joven artista que deseara recrear escénicamente el folklore español ¿qué consejo le darías? M- Que en todo lo que haga haya verdad y esa verdad se note en los detalles más pequeños. La tradición debe respetarse en la medida que constituye el filtro que ha depurado y conservado lo mejor a través de los siglos. MERCEDES ALBI Fotografías Gabriel M. Olivares