Fue en Buenos Aires en el año 1937, cuando sobre el escenario del Teatro Maravillas actúan por primera vez en un mismo espectáculo, titulado “La maravilla del Maravillas”, dos figuras cumbre que marcarán la historia de la danza española del siglo XX: Carmen Amaya y Antonio El Bailarín. Un recorrido de similitudes y diferencias marcará la vida y el estilo de estos grandes artistas que, huyendo de la Guerra Civil, se convertirán en los mejores embajadores de la cultura española por todo lo largo y ancho del Nuevo Mundo. Ambos constituyen un gran ejemplo de lucha y superación hasta obtener el reconocimiento internacional, habiendo vivido en su infancia unas circunstancias de extrema miseria en dos ciudades tan distantes de nuestra geografía como son Barcelona y Sevilla. Carmen Amaya es hija de la Barcelona flamenca, de una tradición que se desarrolla durante el siglo XIX para consolidarse definitivamente con la celebración en la Ciudad Condal de la Exposición Universal de 1.888. Según relata Francisco Hidalgo, en su biografía sobre la artista (1), ese momento marcará el inicio de la Edad de Oro del flamenco en Cataluña. ¿Cuáles son los factores que motivan este arraigo cultural? En primer lugar factores de índole económica, pues el desarrollo industrial hizo de Cataluña en un polo de atracción para la mano de obra proveniente de otras regiones menos favorecidas de España. La inmigración andaluza trae consigo su cante y sus danzas propias. Pero la pujanza económica también genera la existencia de un público burgués e intelectual que demandará en los cafés-cantantes barceloneses la presencia de los más célebres cantaores y bailaores del momento. La celebración de la Exposición Universal de 1.888 aumentará este interés con la llegada masiva de turistas deseosos de conocer el arte del flamenco. De los múltiples cafés-cantantes que surgen a partir de ese año, el más célebre es el Villa-Rosa, el cual es considerado históricamente como uno de los templos del flamenco en España. Sito en la barcelonesa calle del Teatro número 3, por el pasaron las más importantes figuras como la Malena, la Macarrona, Antonio Chacón, Borrull (padre de Trinidad), la Niña de los Peines, Manuel Torre, Manuel Vallejo, Estampío, Frasquillo, el Cojo de Málaga (que se afincó en Barcelona hasta su muerte en 1940), Faíco… El día 2 de noviembre de 1913, en una chabola del barrio marginal del Somorrostro barcelonés, frente al mar, nació Carmen Amaya. Ella misma lo relata en sendas entrevistas: “Nací a orillas del mar. Mi vida y mi arte nacieron del mar. Mi primera idea del ritmo y la danza me vino del ritmo de las olas”. “Las dos ramas de mi familia proceden del Sacromonte granadino, pero yo soy catalana de los pies a la cabeza. Aunque no hablo catalán lo entiendo perfectamente”. Fue la segunda de once hermanos de los cuales vivieron seis. Su madre se llamaba Micaela y era hija de un tratante de ganado; su padre, José Maya, el Chino, era un guitarrista que se ganaba la vida actuando en colmados y tabernas. Y así transcurrió la infancia de la bailaora, acompañando desde los cuatro años de edad a su padre en su deambular nocturno de taberna en taberna hasta el amanecer, para ganarse unas monedas con que alimentar a la familia. Sebastiá Gasch describe una actuación de la niña Carmen Amaya: <> Su padre hubiese deseado, sin embargo, que se dedicase al cante, consciente la dureza que el esfuerzo físico de la danza acarreaba. Y cuentan que una vez, cuando Carmen salía aclamada de un teatro, exclamó entre lágrimas: “!Pobrecita Carmen, me la han desgraciao, con lo bien que cantaba!” Antonio el Bailarín (1921-1885), nace en Sevilla en el número 1 de la calle Álvaro de Bazán. Su madre, Dolores Soler, afrontaba con desesperación su décimo embarazo, hasta el extremo de acudir a una vecina con fama de hechicera que le dio a beber una poción para que abortara. Pero nada se pudo hacer contra la naturaleza, y aquel niño vino, como vulgarmente se dice, con un pan bajo el brazo. Relata en su autobiografía, dictada a Pedro Fuentes-Guio, que un día, cuando sólo contaba cuatro años de edad escuchó en una placilla a Juan, el organillero, y como llevado por un instinto que le nacía de muy adentro, el niño se puso a bailar con tal gracia que las mujeres le echaban monedas desde los balcones. Ese día llevó por vez primera unas pesetillas a su madre, que vivía en un estado de absoluta precariedad junto con sus hermanos. Y es que en el hogar de Antonio el Bailarín, se vivía un ambiente de malos tratos, pues su padre solía llegar a casa borracho, habiendo dilapidado su sueldo de cochero por las tabernas, y propinando fuertes palizas a su madre, que el niño presenciaba escondido bajo la cama. Cuando bailaba se sentía libre. Su tía paterna, consciente del talento natural del niño, le pagó unas clases en la academia del maestro Realito, para que aprendiese las cuatro sevillanas clásicas y así verle bailar en la Feria. El maestro, admirando el talento del niño y conocedor de las necesidades económicas de su familia, continuó dándole las clases de forma gratuita. Fue allí donde una niña llamada Florencia Pérez sería desde entonces su pareja de baile, con el nombre artístico de Rosario. Ellos formaron pareja como niños bailarines, que inicialmente se denominó “Los Petit Sevillanitos”(sic), y que posteriormente alcanzarían la fama como “Los Chavalillos Sevillanos”, y en la edad adulta como “Antonio y Rosario”. A diferencia de Carmen Amaya -que jamás pisó una academia y siempre conservó un flamenco indómito en estado puro-, Antonio el Bailarín se forma con los mejores maestros de su tiempo, pues sus representantes artísticos son conscientes del gran filón de talento que poseían la parejita sevillana. Así, Antonio y Rosario completan la formación obtenida con el maestro Realito con los estudios de danza española de maestros tan prestigiosos como Manuel Otero, Ángel Pericet y Frasquillo. Unas carreras en trepidante ascenso, se ven truncadas por el estallido de la Guerra Civil el 18 de julio de 1936, que les hará abandonar su patria y escapar a Buenos Aires, aunque por itinerarios diversos. Carmen Amaya se embarca para las Américas Carmen Amaya estaba actuando en Salamanca cuando estalló la contienda, pero sale para Lisboa con parte de su troupe. Allí tenían un contrato que se canceló inesperadamente. En esta lamentable situación se encontraron al pianista Manuel García Matos, que en su libro “Mi obra, mi vida y mis recuerdos” lo narra así: <> Una vez logra reunir a toda su familia, Carmen Amaya se embarca rumbo a Buenos Aires, y no regresará a España hasta transcurridos once años. Los detalles de la travesía son dignos de contar pues son muy reveladores del temperamento de la artista, la cual relataría a un reportero: <> Al preguntarle a Carmen sobre el miedo que los gitanos tienen al agua, ella afirma: <> El guitarrista Pelao, que viajaba con ellos, no paró de hacerse la misma pregunta durante el trayecto: “¿Pa qué tendrá el mar tanta agua?”. Este terror al mar siempre acompañó a Carmen en todas sus travesías, y tal como relata Afredo Mañas una vez se le quejó la bailaora diciendo: “!Qué vida ésta, Mañanitas, en la tierra los civiles y en el mar los tiburones!” La huída de Antonio y Rosario “Los chavalillos sevillanos” estaban actuando en Barcelona, y se alojaban en la pensión Durán -dónde solían pernoctar los artistas de varietés que actuaban en los cabarets del Barrio Chino-, cuando les sorprende el alzamiento del 18 de julio. Según relata Antonio, el Bailarín, en su biografía autorizada, ellos sintieron de inmediato que algo raro sucedía. Se despertaron con gritos y algaradas que provenían de la calle. A través de las ventanas vislumbraron grupos de gente que corrían por las calles. Pero al principio no le dieron mayor importancia. Los disturbios de este tipo eran muy frecuentes en la II República y pensaron que en unas horas todo volvería a la calma. Pero no fue así. Su temor fue en aumento cuando advirtieron que los carros de combate y la caballería tomaban las calles de la ciudad. La radio confirmó los peores pronósticos: España estaba en guerra. ¿Qué podían hacer? Ninguno se atrevía a salir de la pensión, y allí permanecieron encerrados varios días. La situación era angustiosa. Los víveres se agotaron. Los travestis de la pensión –llamados por aquel entonces “imitadores de estrellas”- iban y venían por los pasillos presos de la histeria. Tenían que salir a buscar comida, aunque en ello les fuera la vida. Cuando el hambre fue más fuerte que el miedo, Antonio y Rosario, junto con Doña Julia, la madre de esta que los acompañaba a todas partes, salieron a la calle dominando el terror. El bailarín nunca olvidaría la impresión que le causó ver el estado de la ciudad. Parecía otro mundo. Todo estaba pintado de rojo y negro: paredes, tranvías, taxis… ¿Qué había sucedido? El joven artista, que sólo tenía 15 años de edad, nunca lo llegó a comprender. Y siempre recordará aquel día en el que un miliciano se acercó a él con aire de amenaza, y de un tirón le arrancó la medalla de la Virgen que adornaba su pecho. Los republicanos sofocaron el conato de insurrección y la CNT y la FAI se adueñaron de las calles. Una aparente calma regresó a la ciudad y los teatros y cabarets volvieron a su actividad. Antonio y Rosario fueron llevados por la fuerza a actuar en el Teatro Tívoli, sin que pudieran negarse, ni saber siquiera, cuánto les iban a pagar. Su desagrado fue mayúsculo cuando cada noche se les obligaba a salir a saludar con el puño en alto, pues detrás de las cortinas había un señor armado con una pistola que los vigilaba. La preocupación sobre lo que podía haberle sucedido a su madre y a sus hermanos le angustiaba, pero era imposible saber de ellos y casi no tenía dinero, ni forma alguna de hacérselo llegar. Esta sensación de alejamiento de sus seres queridos se acrecentó aun más, cuando fueron obligados a ir en una gira por el sur de Francia destinada a recaudar fondos para el Frente Popular, y en el mes de octubre del 36 cruzaron la frontera. Actuaron en Montpellier, Carcassonne, Beziers, Narbonne, Toulouse, Séte y Perpignán. Al término de cada espectáculo, los artistas tenían que pasar la bandeja entre el público vigilados por un hombre armado a sus espaldas. Aun así, cuando podían, se escondían algunas monedas en la boca. Al cabo de tres meses de “gira”, estaban en Avignon cuando les informaron que al día siguiente regresaban a Barcelona. Se encontraban privados de visado, pasaporte o cualquier medio de identificación, pero anhelaban ser libres. Gracias al dueño del hotel, que quiso ayudarlos y los escondió bajo las camas de sus aposentos privados, y a pesar de que los milicianos pusieron el hotel patas arriba buscándolos, no los encontrarlos y lograron escapar. Fue entonces, al cabo de muchas vicisitudes por varias ciudades del sur de Francia, cuando un empresario de variedades llamado Marquesi, les ofreció un contrato para actuar en Argentina. Una esperanza se abrió para Rosario y Antonio. Pero, ¿Cómo podían salir del país sin tener papeles? Antonio, ni corto ni perezoso fue a hablar con el Cónsul español en Marsella, que escuchando el relato de sus aventuras, le preguntó: -Y ¿Cómo puedo saber yo que ustedes son artistas? -No se preocupe, le haremos una demostración cuando guste- respondió Antonio. Y así, al día siguiente, acudieron temprano a casa del cónsul, que aun estaba en pijama y bata, y de esta guisa bailaron para él y su familia, sin que desde ese momento albergasen duda alguna sobre su identidad de bailarines, por lo que, inmediatamente, se les facilitó el visado. America: una nueva vida En aquel año de 1937 a su llegada a Buenos Aires, Antonio y Rosario se incorporan al espectáculo del Teatro Maravillas, “La maravilla de las Maravillas”, con el que Carmen Amaya estaba obteniendo un rotundo éxito, permaneciendo en cártel durante nueve meses. Fue la primera vez que Antonio, el Bailarín y Carmen Amaya se encontraron. “La maravilla de las Maravillas” debió se algo memorable. Una coincidencia en el tiempo y en sus vidas, que a partir de ese momento tomaron rumbos diferentes, pero alcanzando ambos las más altas cumbres del reconocimiento internacional en el nuevo continente. Carmen Amaya, Antonio el Bailarín, simbolizan una historia de superación personal. Dos leyendas de la danza que con su talento pudieron transformar la dificultad en ventaja, y a pesar de los sufrimientos, lograron sobreponerse a las circunstancias más adversas para llevar el genio español por todos los rincones del mundo. MERCEDES ALBI (1). Su libro “Carmen Amaya. Cuando duermo sueño que estoy bailando”, constituye un excelente trabajo de investigación, sin cuyos datos no hubiera sido posible elaborar este artículo.

Un año más, la Asociación ProDanza Huesca organiza, junto con la colaboración del Área de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Huesca, el área de cultura de la Diputación de Huesca y el área de cultura de la Comarca Hoya de Huesca/ Plana de Uesca, la VI edición de la, ya tradicional, Velada de Danza. Un espectáculo referente, a nivel nacional, por la importancia de su contenido artístico y el prestigio de los artistas invitados. Esta sexta edición rendirá homenaje a Maya Plisétskaya “El Cisne”, una de las más grandes figuras de la danza Rusa y del mundo recientemente, fallecida el pasado año en España. La cita tendrá lugar en el Auditorio del Palacio de Congresos de Huesca, el próximo viernes 1 de julio de 2016 a las 20.30 horas. Llamamos por teléfono a José Espinosa, presidente de la Asociación ProDanza de Huesca, y le pillamos en plena “faena”. Nos cuenta: -Estoy muy ajetreado, ahora estoy poniendo yo mismo unos carteles en los pivotes de la calle. Así, la gente que se siente en la terraza de enfrente a tomar algo, verá el anuncio de la gala… Hemos repartido pendrives, no se nos caen los anillos por hacer lo que esté en nuestra mano para difundir la gala tan maravillosa que celebramos este viernes. Llevamos semana poniendo carteles por todos los lados. -¿Cómo va la venta de entradas? -No van mal, es la gala más cortita que hemos hecho, solo 30 participantes, las anteriores hemos contado hasta con 60 artistas. -¿Luchas solo contra “todo” y desde Huesca? - A veces me siento como en una isla. Y cuando anuncio en Facebook el cartel de la gala.. Mis compañeros de la danza se sorprenden de que haya logrado reunir a tantos profesionales por puro amor al arte. Me siento agradecido, pero no saben que para lograrlo he tenido que mendigar lo que no está escrito. -¿Quiénes costean los gastos a los artistas? -Pues la taquilla, y donde no llega la taquilla la Diputación de Huesca y Ayuntamientos y muchos pequeños empresarios, que nos dan una ayuda para poder pagar los gastos de los invitados. Los artistas no cobran nada, y no me costó nada convencerlos, pues se sienten felices de participar y lo hacen de forma desinteresada. El problema son las ayudas de las instituciones, uff, eso es tremendo. -Mucha suerte con la gala, y ya nos contarás como ha ido todo. -Muchas gracias, sigo con mis carteles… Un abrazo a todos. PROGRAMA DE LA GALA 1ª PARTE Obertura. Instantes del Cursos 2015/2016. Espacio Danza Huesca. Música: Bolero de Ravel Edición y realización: Marcos Serrate-Juan Bautista-José Espinosa 2. Espacio Danza Huesca “Bolero de Ravel, Querida Maya” Música: Bolero de Ravel Coreografía: Juan Bautista/José Espinosa/Artistas invitados. Intérpretes: Helena Suarez, Júlia Miró, Martina Miró, Manuel del Rio y Alumnos de Espacio Danza Huesca 3. Presentación: Pascal Pier 4. Daniel Domenech. “Fado” Música: Música tradicional portuguesa Coreografía: R. Franco Daniel Domenech. Bailarín de la compañía de danza Royal Ballet Of Flanders. Plataforma Joven Promesas. Apoyo de la Asociación ProDanza Huesca, a las futuras promesas de la danza ”Ganadores de los importantes certámenes Nacionales de Danza”. 5. Júlia Miró “Odalisque variación del ballet "El Corsario" Música: Drigo Coreografía: M. Petipa Intérprete: Júlia Miro Ganadora del premio “Ramonet” en el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, (Organizado por Contraseña Produccions) 6. Manuel del Rio “Guajiron” Música: C. Piraña Coreografía: E. Vicent/A. López Intérpretes: Manuel Del Rio. Ganador del premio “Ramonet” en la XX Convocatoria Nacional de Danza "Ciudad de Castellón". Premios "Fundación Dávalos- Fletcher”. Asociación Cultural Terpsícore Castellón. 7. Teresa Royo “Lloviendo tanto que me ahogue” Música: Chango Spasiuk-tristeza Coreografía: T.Roto/J.Lopéz Intérpretes: Teresa Royo Ganadora del premio “Ramonet” en el Certamen jóvenes Promesas Gerard Collins (Asociación Gerard asociación Danza Collins). 8. Martina Miró “Medora variación del ballet "El Corsario" Música: Drigo Coreografía: M. Petipa Intérpretes: Martina Miró Segundo lugar en el Youth America Grand Prix 2016 9. Juan Bautista “Longa Jornada” Música: E. Piaf Coreografía: Marco Sanches. Agradecemos a Marco Sanches por prestar su coreografía a la VI Velada de Danza. Intérpretes: Juan Bautista Ganador de la beca Peridance Capezio Center New York, premio especial en el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, 2016. (Organizado por Contraseña Produccions.) 10. Júlia Miró “Kitri III acto, ballet "Don Quijote" Música: L. Minkus Coreografía: M. Petipa/Gorki Intérprete: Júlia Miro Ganadora del premio “Ramonet” en el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, (Organizado por Contraseña Produccions.) 11. Manuel del Rio “Por derecho” Música: La Argentina Coreografía: E. Vicent/A. López Intérprete: Manuel del Rio Ganador del premio “Ramonet” en la XX Convocatoria Nacional de Danza "Ciudad de Castellón". Premios "Fundación Dávalos- Fletcher”. Asociación Cultural Terpsícore Castellón. 12. Teresa Royo “Sístole” Música: L. Flores Coreografía: T. Royo Intérpretes: Teresa Royo Ganadora del premio “Ramonet” en el Certamen jóvenes Promesas Gerard Collins (Asociación Gerard asociación Danza Collins). 13. Martina Miró “Kitri I acto, ballet "Don Quijote" Música: L. Minkus Coreografía: M. Petipa/Gorki Intérpretes: Martina Miró Segundo lugar en el Youth America Grand Prix 2016. 14. Gaspar Platinni“La Marie” Coreografía: R. Dalton Intérpretes: Gaspar Platinni Segundo Premio en el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, (Organizado por Contrase a Produccions). 15. Gonzalo Preciado “2ª variación del paso a dos de los campesinos de Giselle” Música: A. Adan Coreografía: J. Coralli/J. Perrot/M. Petipa Gonzalo Preciado Bailarín del Ballet de la Ópera Nacional de Latvijas, en Riga (Letonia). 16. LaMov compañía de Zaragoza “Futile” Música: S. Jiménez Lacima Coreografía: Víctor Jiménez Intérpretes: Elena Gil María Sordo / Mattia Furlan Compañía de danza contemporánea en Zaragoza. Dirección Víctor Jiménez. INTERMEDI0 2ª. Parte. José Espinosa “A Mi Madre” Música: Mercedes Sosa. Coreografía: José Espinosa. Sobre la idea coreográfica de Ramón Ollér. Intérpretes: José Espinosa. 2. Acto homenaje a la gran bailarina Maya Plisétskaya”El Cisne” Edición Y Realización: Cesar Casanovas/ Sagimedia Presentadores: Eva Octavio y Javier García Antón. Saludos de todos los artistas a Maya. 3. Ada González”La Muerte del Cisne” Música: C. Saint Saens Coreografía: M. Fokine. Intérprete: Ada González. Bailarina Solista del Ballet del Teatro de Sibiu (Rumania). 4. Juan Bautista “Dissaproved”. Música: Hozier. Coreografía: J. Bautista/J. Espinosa. Intérprete: Juan Bautista. Ganador de la beca Peridance Capezio Center New York, premio especial en el Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, 2016. (Organizado por Contraseña Produccions) 5. Elena Suarez “Run Boy Run” Música: Run Boy Run de Woodkid. Coreografía: E. Suarez. Intérprete: Elena Suarez. Realiza una gira estival por España con el Boston Ballet bailando ‘La Sylphide’. Bailarina del Programa de Antena 3 “Top Dance” y “Cirque du Soleil’. 6. Gonzalo Preciado“The Reborn”. Música: Ellipse de Acess to Arasaka. Coreografía: G. Preciado. Intérpretes: Gonzalo Preciado. Bailarín del Ballet de la Ópera Nacional de Latvijas, en Riga (Letonia). 7. Ada González “Anna Karenina”. Música: Tchaikosvsky. Coreografía: L.Tugearu. Intérpretes: Ada González. Bailarina Solista Ballet del Teatro de Sibiu (Rumanía) 8. BCN City Ballet “Karma”. Música: Varios compositores. Coreografía: A. Zamora. Intérpretes: Cami Diaz, Cata Sabella, Jaz Arnaudo, Lili Torres, Agos Cuervo, Estefania de Battista, Samira Lopez, Aurora Mustacci, Ida Frau, Dani Domenech, Gaspar Platinni. Compañía Estable de Barcelona. Dirección Gina Rigola. 9. Compañía Nacional de Danza “El Cisne”. Música: C. Saint Saens. Coreografía: R. Cué. Intérpretes: Álvaro Madrigal. Bailarín de la Compañía Nacional de Danza. 10. Saludos y Final. Música: Vangelis. Todos los participantes de esta VI Velada de Danza Ciudad de Huesca 2016, Homenaje a Maya Plisétskaya”El Cisne”. <> José Espinosa. Director de Espacio Danza Huesca

Llegamos a la Escuela de María Rosa en la calle Castelló, en pleno barrio de Salamanca. Todo parece brillar. La tarde espléndida, iluminada por el sol radiante de comienzos del verano, lo llena todo de vida. Al atravesar la puerta de la escuela, esta sensación se acrecienta al notarse su ajetreo. Los niños salen de las clases y en el vestíbulo esperan a sus padres; juegan, y sus risas se confunden con la música de un piano que marca los ritmos. María Rosa, la dama de la danza española, hace honor a este título. Amonesta con cariño a los “ruidosos” estudiantes, que la adoran. Sus modales exquisitos envuelven con dulzura la gran firmeza de su carácter y su sabiduría. Parece como si los años no pasasen para ella, pues mantiene la misma viveza en sus ojos castaños y profundos que lucía en las fotografías de su época de bailarina. -¿Cuál fue la primera vez que pisaste un escenario? -Fue a los 8 años en un festival del colegio Escuela Francesa. Mi madre, desde que tenía 5 o 6 años, ya me llevaba en Sevilla a aprender a bailar con el maestro Otero. -¡Vaya privilegio! El autor del "Tratado de Danzas". -Sí, el mismo. Si es que yo ya tengo muchos años... Un maestro bolero excelente. -Hay una filmación de este maestro del año 1900, la pondré en la entrevista en su honor. -He tenido mucha suerte, porque en la Sevilla de mi infancia y juventud había unos maestros magníficos. En la función escolar me vio bailar el director de las Galas Juveniles del Teatro San Fernando. Deseaba contratarme para esta compañía de niños que bailaban los domingos. Mi padre no quería para nada que yo fuera bailarina, pero le convencimos al fin porque, como era una cosa de niños, pensó que me divertiría. Y fuimos de gira. La primera gira de mi vida... Con todas las vueltas que he dado bailando por el mundo... ¿Quién lo iba a decir? -¿Dónde giraste con la compañía de niños? -Lo recuerdo como un sueño, y sí, fue un sueño para la niña que yo era. Bailé en Madrid y conocí a Jorge Negrete. -Debía de ser guapísimo. Cuando llegó a España tuvo que escoltarle la policía porque las mujeres se le echaban encima, fue la primera vez que se vivió el fenómeno “fan” en nuestro país. -Sí, era guapísimo y encantador. Me sentaba en sus rodillas porque decía que yo le recordaba a su hija. Cuando llegamos a Barcelona, sufrí una gran desilusión pues no nos dejaron bailar porque consideraron que era explotación de menores. Pero luego ya pude bailar en otras ciudades, y yo era feliz bailando, así que cuando volví a Sevilla, seguí estudiando danza con más ilusión, si cabe... -¿Con qué maestros continuaste tu aprendizaje? -Con Eloisa Albéniz tomaba clases de ballet; con Arturo Pavón, escuela bolera, y con Enrique El Cojo, flamenco. -Enrique El Cojo, debió de ser todo un personaje. Alguien que con su arte se sobrepone por instinto a su deformidad física. -No era deforme en las proporciones de su cuerpo, salvo las piernas que las tenía muy cortas. Y dando clase era genial porque era muy simpático, tomar clase con el era muy divertido. Recuerdo como nos sentaba en el suelo a su sobrina y a mí, y él también se sentaba con nosotras. -A mi me impresiona mucho el personaje, y algo que me contaron sobre su infancia, en la que su familia lo tenia encerrado por su defecto, y él escuchaba flamenco y danzaba en soledad, se perfeccionaba, incluso si no hubiera sido por la danza se hubiera vuelto loco, ¿Conoces esta historia? -Algo he oído, pero no lo sé, a mi nunca me contó nada de eso Tenía un sentido del ritmo prodigioso. -¿Cuál fue el momento en que pasas a ser una profesional de la danza? -Yo estudiaba perito agrícola, porque mi padre quiso que así fuera, pero continuaba tomando clases. Un día actuamos en el Teatro de la Comedia dos parejas, Eloisa Albéniz, Arturo Pavón, Caracolillo y yo. Quizá ese fue el momento en que cambió mi vida. -¿Por qué? -Entre el público estaba Antonio Márquez, el torero que estaba casado con Concha Piquer. Y nos quiso contratar a Caracolillo y a mi para el espectáculo de Dª Concha. Mi padre protestó, como siempre, pero como era más bueno que el pan terminaba diciendo a todo que sí. Y actuamos nada menos que en el Teatro de la Zarzuela, en el Olimpia de París, y de allí fuimos a Miami, Radio City de NY... Una famosa actriz y cantante francesa, Patachou, nos contrató para bailar en Broodway y actuamos durante un mes, y Javier Cugat también quiso que bailásemos con su orquesta en el Waldorf Astoria... No paramos. Separada de Caracolillo me marché a Los Ángeles. Actué primero en un tablao y luego, con el dinero que gané, lo ahorré y di un recital en el Wilcher Theatre, y de allí a otro tablao, uno que se llamaba Casa Madrid. -¿Participaste en alguna película? -Me presenté al casting de West Side Story, pero no me cogieron porque mi inglés no era bueno y aunque estuve a punto no me dieron el papel. Sí me contrataron para grabar un disco de castañuelas, y me pagaron generosamente. Yo siempre he tenido fama de tocar muy bien las castañuelas. -¿Cómo era el ambiente flamenco en Los Ángeles? El tablao Casa Madrid tenía muchísimo ambiente, allí iban todos los artistas de cine. Fue cuando conocí a Martín Vargas y nos hicimos pareja para dos recitales San Francisco y San Diego. -¿Cuánto tiempo estuviste en Estados Unidos? -20 meses, pero cuando lo cuento parece mucho más, de tantas cosas que hicimos. Volví porque mi madre, que siempre venía conmigo, estaba preocupada porque mi padre estaba solo en Sevilla. -¿Y tu madre sí estaba de acuerdo con que fueses artista? -A mi madre le gustaba más que a mí. -¿En qué momento decides montar tu propia compañía? -Fue en el año 1963. No era exactamente una compañía, sino digamos que el embrión. Un ballet pequeñito de 4 parejas y yo, y empezamos bailando en Torremolinos. Un año después decido montar mi propia compañía, y la presento en los Festivales de España. Ese fue el comienzo. -¿Tuvisteis éxito? -Sí, mucho éxito y de nuevo nos aguardaba el Teatro Zarzuela, que es uno de los teatros al que más cariño tengo. Y también hicimos 3 o 4 programas de televisión, con lo que se consolidó nuestra fama. -¿Girabas con tu compañía? -Por todo el mundo. En 1967 fuimos a Rusia. Imagínate que fuimos la 2ª compañía de danza española que había ido allí a actuar. La primera fue la de Antonio El Bailarín. -¿Cómo era la Rusia soviética? -Para bailar era maravilloso porque el público era muy entendido. Se volvían locos, todo el mundo se agolpaba bajo el escenario y aplaudían más de un cuarto de hora, y no te exagero. Era increíble como disfrutaban. -Y en tu compañía, ¿Cómo era el ambiente? Muy bueno, viajábamos y siempre existía entre nosotros un gran compañerismo, y bailábamos y lo pasábamos muy bien. Éramos grandes amigos, siempre he tratado de que así sea, y después de bailar nos relajábamos e íbamos de cena de tapeo, y siempre nos reíamos un montón. He tenido mucha amistad con José Antonio, Goyo Montero, Carlos Vilán, Rafael Amargo... -Goyo Montero ha fallecido la semana pasada, ¿Qué recuerdas de él? Tantas cosas... Goyo debutó conmigo con solo 16 años. Era muy pequeñito y tenía un talento bárbaro. En la gira rusa bailaba vasco, y a continuación, nada menos que Pedro Azorín bailando la jota. Se partían el pecho a ver quien lo hacía mejor. -¿Qué opinas de la situación actual del folklore? -Los únicos que hacen folklore hoy en día bien hecho son el Ballet Folklórico de Madrid. Los otros dicen que lo hacen, pero no es verdad. Es una pena, yo he sido la bailarina que más folklore ha llevado en su compañía. Vasco, gallego, catalán, aragonés... De toda España. Y me he ocupado de aprender incluso piezas que nunca he bailado en público. Mira, en esta foto estoy bailando gallego. Y en esta otra con Pedro Azorín, bailando la jota. -¿De qué forma se podría revitalizar la danza española? -Si se promocionase la 10ª parte de lo que promocionan las televisiones el fútbol, la danza española tendría un gran auge. Si la danza es la cenicienta de las artes, la danza española es la más pobrecita de la danza. No se le da el mérito que tiene, su gran riqueza, su inmenso legado cultural único en el mundo. Tendrían que poner el fútbol a las 3 de la tarde, y así no harían tanto daño a los teatros, pobrecitos, que se quedan vacíos cuando hay partido. El otro día leí que en León iban a poner los toros en hora nocturna para que no coincidieran con el fútbol. Hay fútbol a todas horas, porque nos lo han metido por los ojos para que nos olvidemos de otras cosas que pasan... -¿Qué significa para ti Antonio El Bailarín? -Yo con Antonio aprendí muchísimo. Ha sido el bailarín más grande de todos los tiempos, el más completo y el que ha hecho de todo. He visto a grandes bailarines llamarle maestro. -¿Cómo quién? -Pues otro grande como fue Antonio Gades, por ejemplo. Ahora hay que agradecer a Antonio Najarro que haya hecho el “Homenaje a Antonio Ruiz Soler”, porque lo tienen muy olvidado en España, los niños en los conservatorios de danza ni lo conocen, y esto no puede ser, es muy injusto. Antonio El Bailarín es una figura de una categoría como Nijinsky o Nureyev. En Madrid, sin embargo, le han puesto calles a mucha gente y de menor categoría, y no a Antonio. No me parece bien. -Muchas veces la política se mezcla con el arte. -Esto no debería ser así, porque el arte es el arte. Está por encima de la política. A mi me hicieron primera bailarina del Ballet Foklórico de Madrid, pero cuando llegó un político al que no le gustaba el folklore, quitaron la compañía. Y eso no puede ser. Me contrataron para ir con mi ballet al Japón, Irak, Marruecos, Jordania, Corea (estuve en los Juegos Olímpicos representado a España), y por toda Europa... -¿Qué opinas del estado actual de la danza española? -La danza española se pierde. La gente, o baila flamenco puro o fusión. Yo no estoy muy de acuerdo con la fusión, porque si se baila con una orquesta, ya no es flamenco, será otra cosa, pero no flamenco. Y la danza española solo la hace el Ballet Nacional de España. Si la compañía desapareciera pienso que se podría llegar a perder la danza española. Desde que en el 2003, año en que me retiré, la Compañía de Antonio Márquez y la mía eran las únicas junto con el BNE, que hacíamos danza española -me refiero a compañías de tamaño grande, y de danza española, porque de flamenco sí queda alguna- Ahora ya solo hace danza española el BNE. -¿Cuáles han sido los ballets de repertorio con más éxito en tu compañía? -Los ballets con más éxito, “Bodas de Sangre”, “El Sombrero de Tres Picos”, de Antonio, y “El Rocío”, que también es de Antonio. Me he referido únicamente a los ballets de argumento. Ahora todos los buenos ballets los ha hecho el Ballet Nacional; otro que hizo ballets buenos era Rafael Aguilar; luego ha habido ballets, que a pesar de su calidad, se han formado y desaparecido rápidamente. -¿Cuál crees que es la causa de la falta de permanencia? -Hacer un ballet de argumento cuesta mucho dinero. "El Concierto de Aranjuez" no fue muy caro. Pero el vestuario, coreógrafo, guión, cuando son de argumento, aumentan mucho el presupuesto. "El Rocío” me costó mucho dinero, hubo hasta que construir carretas de verdad, varales... -¿Te fue rentable? “Bodas de sangre” fue más rentable que "El Rocío", que es muy comercial pero circunscrito al ámbito de Andalucía. Pero perder dinero, no he perdido nunca, a mí me ha sido rentable todo. He ganado para vivir, y vivir bien. -¿Cómo es que sigues al pie del cañón, ahora con tu escuela de danza? -Me retiré en 2003, tenía a mis nietas y no quería hacer nada, pero se hicieron mayores, y mi hija me animó para fundar un centro de danza. -¿Si volvieras a nacer serías de nuevo bailarina? Sin dudarlo. La danza me ha dado muchas recompensas, y la mejor y la mayor siempre para un artista es el público. Si a eso le añades la Medalla de Oro del Trabajo, la de Andalucía, Bellas Artes, Mérito Artístico, Giraldillo de Plata, etc... Me siento verdaderamente dichosa. -¿Qué aconsejas a tus estudiantes? Les digo que la técnica es muy importante, pero el artista nace y luego se hace. Hay un algo que poseen algunos que se nota nada más salen al escenario. Si no eres artísta, no hay nada que hacer. Si tienes técnica y no tienes tu personalidad... Malo. Mi consejo, pisar el escenario pensando “yo soy el mejor” para que eso se lo transmitan al público. Hay figuras de la danza que no tenían una técnica prodigiosa, y sin embargo, eran grandes porque eran artistas. -Dime algún nombre. -(Ríe). Yo no digo nombres. -Te digo uno: Lola Flores. -Cierto, porque como se decía de ella “ni cantaba, ni bailaba pero no le hacía falta”. Hay gente que no ha necesitado las 8 piruetas, y dando solo 3, el público se los ha comido. -¿También en ballet clásico? -En ballet pasa lo mismo. Cuando aparece una estrella en el escenario se nota. -Venga, dime alguien de estilo español que, sin técnica, fuera un gran artista. -Pues Manuela Vargas. Ella era una diosa, no necesitaba una técnica maravillosa. Era un genio. -¿Cómo se reconoce un artista y se diferencia del que no lo es? -Yo lo veo de forma instantánea. Si lo está interpretando pero no lo está llevando desde su corazón... Nunca le saldrá, interpretará, pero nunca arrebatará el alma. MERCEDES ALBI

El pasado 22 de junio ha tenido lugar “de facto” en el Teatro de la Zarzuela, el tan esperado estreno del espectáculo con el que el Ballet Nacional de España rinde tributo al gran Antonio Ruiz Soler en el 20 aniversario de su fallecimiento. Finalmente el maestro, a quien tanto debe la danza española, iba a recibir el homenaje merecido. No cabía un alfiler. Reinaba un ambiente de expectación y, por qué no decirlo, casi de impaciencia. En el momento de alzarse el telón para dar paso a la primera pieza, “Eritaña”, muy bajito, pudo escucharse una exclamación del público: "¡Oh!": la iluminación, el colorido del vestuario, los bailarines… Era el presagio de una noche excepcional. Albéniz compuso “Eritaña” encontrándose ya enfermo -apenas le quedaban unos meses de vida- como colofón del cuarto y último cuaderno de la “Suite Iberia”, que se estrenaría en 1909 en París. Y sin embargo para este final, cuya primera partitura ha sido recuperada por Manuel Coves, escoge el alegre ritmo de sevillanas. Arturo Rubinstein, en sus memorias, describía la obra, situada en una venta a las afueras de Sevilla “donde los señoritos se emborrachaban mientras las gitanas bailaban y cantaban”. Antonio estrenaría “Eritaña” en 1960, en el Teatro de Liceo de Barcelona, y su coreografía, en clave bolera, fue exquisitamente interpretada por los bailarines del BNE, destacando la pareja principal: Aloña Alonso y Eduardo Martínez. A la delicadeza coreográfica y musical de “Eritaña” siguió el arrebato del “Taranto”, cuyo montaje ha contado con el asesoramiento de la que fuera primera bailarina de la compañía de Antonio, Carmen Rojas. Esther Jurado enardeció al auditorio bailando un “Taranto” vigoroso y racial que la hizo dueña y señora del escenario. No menos aclamado fue Mariano Bernal. En un alarde de virtuosismo, dibujó un “Zapateado” de antología, unas veces acompañado al violín y al piano, y otras, sencillamente “a capella “ que hizo saltar las bisagras del teatro. Antonio estrenó su versión del “Zapateado” de Sarasate en el Teatro de Bellas Artes de México, en 1946. Pablo Sarasate lo había compuesto originalmente para piano y violín en 1880, dentro del segundo de sus libros de “Danzas Españolas”, y su ritmo vehemente incluye una continua contraposición de “staccatos” y “pizzicatos” traducida para la danza en el diálogo entre los instrumentos y el bailarín. La “Fantasía Galaica” se estrenó en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el 30 de junio de 1956, con música de Ernesto Halffter –la partitura original ha sido también rescatada por el director musical para la ocasión- constituyendo un claro testimonio del talento de Antonio para estilizar las danzas tradicionales y dotarlas de un contenido escénico, ejemplo seguido en fechas más cercanas por el actual director del BNE, Antonio Najarro, con el ballet “Sorolla”. Con su actuación en esta “Fantasía”, los bailarines del BNE volvieron a dejar patente su solvencia artística, en particular la pareja principal, Débora Martínez y Sergio Bernal, que mostraron una plenitud de facultades, y conmovieron igualmente en los fragmentos más alegres, a ritmo de muñeira, y en los más líricos, como el paso a dos. Antonio concibió su coreografía de “El Sombrero de Tres Picos” tras bailar el papel del molinero en Milán. Considerando que se hacía necesario “españolizar” la versión de Massine de 1919, concebida para los Ballets Rusos de Diaghilev, Antonio estrenaría su propia versión en 1958, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Contemplar el decorado y el vestuario originales, diseñados por Pablo Picasso para el estreno de Londres y rehechos ahora tras una encomiable labor de documentación, supone una delicia de los sentidos. La brillantez del elenco se vio realzada por el baile vibrante de Aloña Alonso y la magnífica danza del molinero de Francisco Velasco, buen conocedor de este papel, al que se entrega por completo. Al igual que en el caso del “Zapateado”, para la “Danza del Molinero” se ha contado con el asesoramiento del maestro Carlos Vilán, que interpretó estos papeles bajo la dirección del mismo Antonio Ruiz Soler. La Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Manuel Coves, elevó la música de Manuel de Falla a su máxima expresión, contextualizando el paroxismo rítmico de los bailarines en una explosión final de música y color que enardeció al público. Llegó el momento de los aplausos, el teatro se venía abajo. Sobre escena los maestros Carmen Rojas, Cristina Visús, Maribel Gallardo y Carlos Vilán recibieron una emocionada ovación, que alcanzó su culmen cuando apareció Antonio Najarro. Un aplauso nacido de muchos recuerdos, de lo más bello del arte español que ellos transmiten como un gran tesoro, que sobre las contingencias y la adversidad de las circunstancias siempre estará vivo, porque nadie puede arrebatarnos lo que se siente desde el corazón. GABRIEL M. OLIVARES Fotografía María Alperi

La Asociación Amigos de la Danza de Murcia, presidida por Margarita Muñoz Zielinski, organizó por octavo año consecutivo el Premio Tiempo de Danza, que tuvo lugar el pasado sábado 18 de junio a las 20,30 horas en el Auditorio y Centro de Congresos ‘Víctor Villegas’ de Murcia. Veintitrés jóvenes bailarines, chicos y chicas estudiantes de la Región de Murcia con edades comprendidas entre 12 y 19 años, tuvieron la ocasión de subir al escenario y mostrar sus aptitudes artísticas en variaciones y en pequeñas piezas, con cuyas interpretaciones ante un público y jurado compitieron para adquirir la experiencia de ampliar su formación y mediante las becas propuestas, poder completar su preparación para acceder al mundo profesional. El Jurado estuvo compuesto por Stella Arauzo (Directora artística de la Fundación Antonio Gades), Virginia Larrasquitu (Profesora de Técnicas y Metodología de Danza Clásica del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid), María Fernández (Maestra Titular de la Escuela Danza “Bkhati” de Víctor Ullate), y Asun Noales (Directora artística de la compañía Otra Danza, Elche). En DANZA CLÁSICA SENIOR FEMENINA, Julia Cano se hizo acreedora del máximo galardón -Premio Compañía Nacional de Danza-, dotado con una estancia en la Compañía Nacional de Danza (CND), por su interpretación de la variación de “La Bayadère” y de “Shake” como variación libre. Noelia Álvarez consiguió el segundo puesto, mientras que Elena Gil consiguió la tercera plaza. En DANZA CLÁSICA SENIOR MASCULINA, José Vicente Yerbes obtuvo el primer puesto -Premio Compañía Nacional de Danza-, dotado con una estancia en la Compañía Nacional de Danza (CND), por su interpretación de “El lago de los cisnes” (paso a tres) y de “Minha luna” como variación libre. Diego Hoyos se clasificó en segundo puesto. En la modalidad de DANZA CLÁSICA JUNIOR B, Marta Muñoz se hizo con el primer premio por su interpretación de “Non, je ne regrette rien”, Carmen Vélez con el segundo, y Alejandro Fuentes con el tercero. En la modalidad de DANZA CLÁSICA JUNIOR A, Lucía Molina se hizo con el primer premio por su interpretación de “Cinema Paradiso”, Carla Tomé con el segundo, y Elena Peñaranda con el tercero. Dentro de la categoría de DANZA ESPAÑOLA SENIOR, María Hernández se alzó con el máximo galardón -Premio Ballet Nacional de España- dotado con una estancia en el Ballet Nacional de España (BNE), por su interpretación de “La vida breve” y “Pelele”. En la modalidad de DANZA ESPAÑOLA JUNIOR B, Pedro José Pérez se hizo con el primer premio por su interpretación de “Sonata núm. 84 del Padre Soler”, Anabel Delgado con el segundo. El Jurado otorgó el primer premio en DANZA CONTEMPORÁNEA a Paula Aragón por su interpretación de “Mujer” y “Papel Arrugado”. Julia Leal obtuvo el primer premio en la modalidad de DANZA CONTEMPORÁNEA JUNIOR A, mientras que Belén González obtuvo el segundo puesto. La Gala Final del VIII Premio ‘Tiempo de Danza’ constó de dos partes: en la primera, se llevó a cabo la fase del concurso en la modalidad clásica, en las categorías Junior A (12-14 años) y B (15-16 años) y Sénior (masculino y femenino, 17-19 años). La segunda parte se inició con la fase de concurso de la modalidad de danza contemporánea, en las categorías Junior A y Sénior. Posteriormente, concursaron los representantes de la danza española, en las categorías Sénior y Junior B. También se tributó un homenaje al Ballet Contemporáneo del Alba, in memoriam Margarita Groetsch, compañía pionera en la introducción de la danza contemporánea en la Región de Murcia. El acto finalizó con la entrega de los trofeos y las becas a los galardonados. El VIII Premio ‘Tiempo de Danza’, cuya dirección artística recayó en Carlos Grávalos Muñoz-Zielinski, fue todo un éxito de público y se desarrolló de manera eficaz debido a la organización y al trabajo del equipo técnico del Centro de Congresos ‘Víctor Villegas’ de Murcia, cuyo director es Antonio Contreras. PALMARÉS DEL VIII PREMIO ‘TIEMPO DE DANZA’ Premio ‘Tiempo de Danza’, Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas 18-Junio-2016 DANZA CLÁSICA SENIOR FEMENINO Primer Premio.- Julia Cano Segundo Premio.- Noelia Álvarez. Tercer Premio.- Elena Gil. SENIOR MASCULINO Primer Premio.- José Vicente Yerbes. Segundo Premio.- Diego Hoyos. JUNIOR B Primer Premio.- Marta Muñoz. Segundo Premio.- Carmen Vélez. Tercer Premio.- Alejandro Fuentes. JUNIOR A Primer Premio.- Lucía Molina. Segundo Premio.- Carla Tomé. Tercer Premio.- Elena Peñaranda. DANZA CONTEMPORÁNEA SENIOR Primer Premio.- Paula Aragón. JUNIOR A Primer Premio.- Julia Leal. Segundo Premio.- Belén González. DANZA ESPAÑOLA SENIOR Primer Premio.- María Hernández. JUNIOR B Primer Premio.- Pedro José Pérez. Segundo Premio.- Anabel Delgado. &&&&&&&&&&&&

El público se agolpaba a frente a las puertas del Teatro de la Zarzuela, deseoso de presenciar el estreno del "Homenaje a Antonio Ruiz Soler". La incertidumbre que planeaba sobre su celebración se mezclaba con el ansia de disfrutar del nuevo espectáculo. Los minutos pasaban, la hora se acercaba, las puertas no se abrían y la tensión iba en aumento. Aparecieron los bailarines. Su portavoz Ángel Manarre se disculpó ante el público. Finalmente, no iban a bailar. Abucheos de algunos, aplausos de otros, y abriéndose paso entre la gente, los bailarines con lágrimas en sus rostros se marcharon en medio del desconcierto. Los paros parciales anunciados se mantienen, y afectará a las funciones del BNE en el Teatro de la Zarzuela en las siguientes fechas y horarios: 18 de junio de 19.45 a 22.15 h 19 de junio de 17.45 a 19.15 h 25 de junio de 19.45 a 22.15 h 26 de junio de 17.45 a 19.15 h 2 de julio de 19.45 a 22.15 h 3 de julio de 17.45 a 19.15 h Los espectadores afectados podrán solicitar la devolución del importe de sus entradas en las taquillas del Teatro de la Zarzuela (todos los días laborables de 12:00 h a 20:00 h, desde el lunes, 20 de junio, hasta el viernes, 29 de julio de 2016). Las entradas compradas por teléfono o por internet serán abonadas automáticamente en la tarjeta con la que se hayan adquirido.

Esta mañana ha tenido lugar la presentación del “Homenaje a Antonio Ruiz Soler” en el Teatro de la Zarzuela. Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, estuvo flanqueado por Carmen Iglesias, directora del Inaem, y del director de Orquesta Manuel Coves. Antonio Najarro mostró una gran ilusión por este nuevo espectáculo que, según dijo, comenzó a concebir cuando se celebró el 20 aniversario del fallecimiento del gran bailarín. Desgraciadamente, hoy nos ha dejado otro artista de la danza, Goyo Montero, y el director del Ballet Nacional no quiso dejar pasar este momento sin mostrar públicamente sus condolencias. En cuanto a la elección de las piezas del programa, cada una representa uno de los estilos de la danza española: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos. El trabajo desarrollado para poner en marcha este espectáculo ha sido intenso por parte de toda la compañía, y de los bailarines en especial. Pero ha sido además muy profundo, una verdadera inmersión en el mundo antoniano. Se ha contado el asesoramiento de maestros que conocieron al homenajeado como Carmen Rojas, para la que montó originalmente el Taranto en la “Taberna del Toro”o Carlos Vilán, que ha montado el Zapateado de Sarasate y el Molinero del Sombrero de Tres Picos, aprendidos del propio Antonio Ruiz Soler. Las coreografías discurren en un recreación de la Taberna del Toro, y la del Sombrero de Tres Picos se trató de montar de nuevo con los telones originales, lo cual no fue posible por su estado de deterioro, y se han tenido que hacer de nuevo, aunque con total fidelidad, así como el vestuario, elaborado gracias a una exhaustiva labor de documentación. Antonio Najarro desea que el público se impregne del aroma de Antonio el Bailarín, que se sumerja en su mundo y su recuerdo, por ello se han cuidado al máximo los detalles, incluso se podrán ver expuestos en la Zarzuela carteles de época. Esta minuciosidad y cuidado se aprecia también en la labor documental desarrollada por el director de orquesta Manuel Coves, pues ha descubierto una partitura original de “Fantasía Galaica”, que data del año de su estreno (1956), y que dormía en los archivos del BNE; también se ha recuperado la primera partitura de “Eritaña”. Estas piezas musicales volverán a interpretarse en su forma primigenia. Manuel Coves se siente muy contento de volver a dirigir la orquesta para el BNE, pues vivió momentos emocionantes el pasado mes de julio en el Liceo de Barcelona con el enorme éxito del Ballet Sorolla. Una sombra de duda planea sobre el estreno y empaña la alegría de poder mostrar al público la ardua tarea desempeñada por el BNE y cuantos artistas colaboraron en el proyecto. El temor a que los paros parciales anunciados por los bailarines impidan el estreno a dos días vista, no se puede obviar. Las negociaciones con el Inaem en reclamación de un justo trato laboral está lejos de lograr un acuerdo satisfactorio, aunque es posible que el estreno quede a salvo debido a un defecto en los plazos para el anuncio de huelga (debe hacerse con la preceptiva antelación de 10 días y solo transcurrieron 8, por lo que si no bailan el primer fin de semana la huelga podría declararse ilegal y acarrear graves repercusiones). La situación es lamentable, y el arte una vez más parece chocar con un escollo que por el momento se erige como insuperable. Ante las preguntas que le hicieron al respecto, Antonio Najarro muestra su comprensión por las reivindicaciones de los bailarines, pero siente la enorme tristeza que para todos significa no poder estrenar con el teatro vendido a aforo completo. PAOLA PANIZZA Fotografías María Alperi

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogieron el pasado sábado 11 de junio la Gala final del Festival Talent Madrid 2016. El ganador absoluto de la noche fue el espectáculo de danza Tinevo, de la compañía EmilioOchandoYCía, que también obtuvo el premio en la categoría Danza. El premio al ganador absoluto es un cheque de 5000€ para desarrollar su proyecto. TINEVO es el juego de letras que se ha llevado a formar con la base de la palabra VIENTO,¿Por qué viento? porque es la palabra que me ha hecho ver el sentido de vivir, de pensar, de disfrutar y sobre todo de caminar hacia un rumbo sin vacíos. "Con este espectáculo quiero expresarme mostrando 4 elementos que gracias al viento cobran celeridad como son el mantón, el abanico, la bata de cola y las castañuelas, Elementos que cobran vida gracias ha esa cálida y fresca brisa que deja el Viento cuando el movimiento fluye solo. Son elementos que caracterizan a la mujer a la hora de expresarse en el baile, por ello este entramado se compone de figuras masculinas formada por 4 bailarines y 4 músicos, donde muestro que hay que dejar a un lado los tabúes, que tanto el hombre como la mujer puede mostrarse tal y como es sin necesitad de etiquetas, en la parte musical se utiliza la guitarra, el violín y el cante de dos voces todo ello en directo dejando soplar ese aire que marca el tiempo. Por ultimo, este espectáculo esta enfocado más a la danza española, esta danza que esta olvidada y que parece renacer en estos últimos tiempos, esta danza con tanta riqueza que nos deja indiferentes, por eso doy un aliento, un viento, un TINEVO ha respirar todo el aire que te lleva ha disfrutar". En la categoría de Danza también fue ganador el proyecto Vent Litt…la meg forklare, de la compañía NeveS. En la categoría de Teatro el proyecto ganador fue Condiciones de uso, de la compañía Proyecto Zero y en la categoría de Espectáculo musical el ganador fue El ascensor, el musical, de la compañía MEV. Los ganadores por categoría recibieron un cheque de 1000€ para desarrollar su proyecto. El ganador TALENT 2016, además del premio en metálico, contará con el apoyo y la experiencia de la dirección del festival, que le asesorará sobre cómo desarrollar su proyecto. Los ganadores también podrán disfrutar de una sala de ensayo en los Teatros del Canal durante un tiempo, cuya duración y condiciones concretas se pactarán con la dirección del festival. Y por último, a los ganadores se les ofrecerá un contrato de un mes en Teatros Luchana, en el avance de Temporada. La danza ha sido el género con más proyectos seleccionados (17) seguido del teatro (15) y espectáculo musical (10).

Nos reunimos con Paloma Gómez en el Café Gijón. Es la primera vez que tengo ocasión de conversar con ella, sin embargo, cuando has visto bailar a un artista siempre hay algo que va más allá de las palabras, y sin conocerla, presiento como es. Se es como se baila, sobre el escenario no hay engaño posible. Sabía que era apasionada, intensa y elegante. Sus ojos negros brillan, chispean y recorren soñadores los rincones del emblemático café, y recuerda a los actores que acudían allí a sus tertulias. Nunca podrá ser una más. Nació así, hija de la danza por su madre y su padre. Y es que Paloma y su hermana Raquel son fruto de una herencia de arte que les recorre las venas. Llegaron a la danza por nacimiento y siguieron su camino adquiriendo un gran bagaje técnico por un instinto que acrisolaron a través de las enseñanzas de grandes maestros de la danza española. Ahora acaba de regresar de Chicago, donde ha bailado como artista invitada con la Chicago Symphony Orchestra y ha estrenado un documental en el Festival Latino Film sobre su espectáculo “Rotas”. -¿Cuándo empezaste tu carrera como bailarina? -Llevo desde los 17 años como profesional de la danza. A los 16 años comencé el Ballet de María Rosa. Fue el tiempo en que Carlos Vilán era el primer bailarín, ¡Qué bien bailaba! Disfrutaba muchísimo viéndole bailar el molinero del Sombrero de Tres Picos... Yo hacía de vecina. Mi primer papel en una compañía. Tuve mucha suerte. He conocido a la “crème de la crème” de la danza española. Después del Ballet de María Rosa entré en el Ballet Nacional dirigido por José Antonio. Unos tiempos increíbles con Aída Gómez, Antonio Márquez, Joaquín Cortés, Maribel Gallardo, Juan Mata, Ana González, Antonio Alonso... No hacía falta ni falta que vinieran a corregirte, verlos a ellos en los ensayos era una clase magistral permanente. ¡Qué privilegio poder beber de esas fuentes con tanta sabiduría! -Tus padres eran bailarines. -Sí. Mi padre era flamenco. Era muy racial. Te he traído algunas fotos. Mira. Era muy amigo de Gades, de Juan Quintero, Mario La Vega... -¿Y tu madre? Mi madre desde niña albergó el sueño de ser bailarina de ballet clásico. Y eso en la España en los 50 era un imposible. Siento mucho respeto y admiración por aquellos pioneros del ballet en España, lo que se esforzaban en seguir su vocación contra viento y marea. Estaban siempre alerta buscando la manera de perfeccionarse de algún modo, y se comunicaban cuando venía algún maestro del extranjero y allí iban todos, que eran siempre el mismo grupo. Se formó en Bournonville con unos maestros daneses que se establecieron en Madrid después de la II Guerra Mundial, y esta base de ballet adquirida con tanto esfuerzo le sirvió para bailar escuela bolera, donde se formó con los Pericet. Te hablo de todo esto y me da una pena que no te lo haya contado ella... -¿Cuándo ha muerto? Hace dos años. La echo tanto de menos, era un ser tan especial, tan maravilloso, amaba tanto la vida... Y así fue hasta el final. A mi madre le encantaba vivir, sabía disfrutar de los instantes, y esa fue su mejor lección. Gracias a Ángel Rojas que quiso grabarla para el audiovisual de un espectáculo, tengo otro recuerdo maravilloso de mi madre aparte de las fotos. Le grabamos una conversación en la que nos contaba sus cosas, sin que ella se diera cuenta. Quedó fenomenal. Esa cinta es un tesoro para mí, la conservo íntegra, a veces la pongo y siento como si la tuviera delante. -Tú naces directamente dentro del mundo de la danza. -Tanto en mi vida como en la de mi hermana Raquel la danza es algo natural, ha estado siempre en nuestras vidas. Cuando empezábamos a los 3 o 4 años fue en la escuela de mis padres. Salíamos del cole y como en casa no había nadie, íbamos a la escuela. Además, teníamos todos los estilos de danza porque mi padre impartía clásico español y flamenco y mi madre ballet clásico y escuela bolera. Mi madre me reñía porque yo hablaba mucho, “tú tienes que dar ejemplo” me advertía. Sin darte cuenta ibas adquiriendo la técnica. -¿Fueron tus padres los que te impulsaron a ser bailarina profesional? No, fue una decisión mía propia. Yo era muy buena estudiante y cuando pensaba qué quería hacer, sentía que me apetecía cualquier cosa relacionada con el arte. Me gusta mucho el dibujo, pintar, también cantaba, me atraía ser actriz.. Todo lo relacionado con la creación escénica. Y pensé, pues también me encantaría ser bailarina. Lo decidí y hablé con mis padres. Ellos me contaron todos los inconvenientes de la profesión, lo complicado que es, las lesiones, lo corto de la carrera... Pero claro, era algo que yo sabía de sobra, lo estaba oyendo desde que tenía uso de razón. Y me impuse: “a pesar de todo, quiero ser bailarina”. Y mi hermana también quería. Raquel y yo siempre hemos ido juntas en paralelo... Entonces mi madre habló con Vitoria Eugenia (Betty) que era muy amiga suya y empezamos a formarnos con ella. Lola de Avila nos hizo una audición y entramos en la escuela del Ballet Nacional, que entonces era clásico, por lo que también fuimos a la escuela de Carmen Cubillo. -¿Cuándo entraste en el Ballet Nacional de España? Cuando se estrenó el “Don Juan” de José Antonio y se convocó audición para 2 plazas en el Ballet Nacional de España. Mi hermana y yo nos apuntamos. Mi madre lo pasó fatal, aterrada ante la idea de que las dos peleásemos por un mismo puesto, y si sucedía que una entraba y la otra no... Pero pasó algo increíble. Se presentaban 68 bailarinas y ganamos las dos plazas. Fue una casualidad. El jurado ni siquiera sabía que éramos hermanas, porque además no nos parecemos, ella es rubia con ojos azules. Salió la noticia publicada en ABC. -La relación con una hermana que además se dedica a lo mismo... ¿Genera rivalidad? -No en nuestro caso. Lo que se genera es algo muy especial, una comunicación que viene casi del útero. Cuando bailamos juntas estamos compenetradas desde el primer momento, aunque no hayamos ni ensayado. Hablamos sin palabras. Nosotras nos potenciamos mutuamente aunque tenemos espacios diferentes dentro de la danza española. -Es un caso muy curioso, porque tenéis la misma formación, así que en la polémica “científica” sobre qué condiciona más para ser como somos, si el ambiente o la genética, vuestras diferencias en el estilo dancístico español provienen claramente de la genética. -Mi hermana, como bolera, es un crack, y una maestra como pocas. Yo sin embargo me centro más en la danza estilizada y flamenco. Pero nos complementamos muy bien. -¿A qué crees que se debe el predominio y difusión del flamenco por encima de la danza bolera? -El flamenco es más accesible, menos reglado, por lo que se ha extendido mayormente y de forma fagocitadora hacia el resto de estilos. La bolera es la gran desconocida... Yo he llegado a la conclusión de que al exigir un nivel técnico tan elevado para bailar bolera, hizo que los alumnos se asustasen. -Entonces, ¿Piensas que bajando el listón de la exigencia habría más difusión? A ver si me explico... Es necesario en el ámbito docente diferenciar lo que es enseñanza para aficionados y la que va destinada a los futuros profesionales. Ambos ámbitos son necesarios para la danza, para su difusión y su existencia. El amateur formará el público que demandará danza en los teatros, será alumno que dará trabajo en las academias y gracias a él se difundirá la danza. El error fue que hubo un momento en que la exigencia de nivel técnico en la enseñanza de la danza bolera fue tan alto que la gente se asustaba y solo era accesible para los que tenían una buena base de ballet clásico. Y esos aficionados potenciales desaparecieron. Hay que diferenciar la formación de un profesional y de un aficionado, no pueden ser las mismas exigencias. Con el clásico español ha sucedido lo mismo, si a gente que no tiene nivel les pones a hacer variaciones complicadas con palillos... Pues no vuelven a las clases... A ese tipo de alumnos se los ha ido echando. -¿Cómo te sientes después del éxito que ha significado “Rotas”, un espectáculo donde denuncias un tema tan delicado como la violencia de género? -Me ha dado muchas satisfacciones, porque convertir mi pasión, la danza, en un medio de poder ayudar a las personas que sufren... -¿De qué forma concebiste “Rotas”? -Sentí una inspiración repentina. Me acordaré siempre. Yo estaba en el metro. Sentía dentro de mi una necesidad creativa y zas, se me aparece en la mente la imagen de dos mujeres, una reclinada sobre otra que la ampara, y así fue el inicio del espectáculo tal y como puede verse en la fotografía del cartel. También me vino a la mente el título “Rotas”. Era el embrión del que surgió todo lo demás. Fui a casa y se lo conté a mi marido, Luis Lorente. “Solo tengo la imagen primera y el título, solo tengo esto, te necesito para eleborar un libreto con sentido.” Para desarrollar esa curva emocional inicial hay que trabajar mucho, pero sin la curva nada surge. Entonces, me presentó un primer libreto y me encantó. -Tienes la suerte de estar casada con Luis Lorente, un director escénico y escritor. -Para la danza es muy necesario el apoyo teatral, no se puede en un espectáculo bailar por bailar si quieres contar algo, y es cierto que soy muy afortunada de contar con Luis. Es la joya de mi vida. Ha dirigido ahora la versión cinematográfica de "Rotas, bailando la vida misma", así se llama la película. Ha tenido muchísimo éxito en el Latino Festival Film de Chicago donde lo hemos estrenado. -Pero ¿De dónde viene esa vinculación con Chicago? Esta semana me marcho de nuevo. Voy a participar en el Chicago Spanish Dance Festival organizado por el Ensemble Español, que además van a cumplir 40 años desde su fundación. Es admirable a labor que desarrollan. El Ensamble ha generado un vínculo enorme de difusión y referencia de lo español en Chicago, y además está relacionado muy estrechamente con el ámbito universitario. -Me interesa mucho, envíame información y la publicaremos. Siento que en España tenemos una deuda de gratitud con los extranjeros que estudian, aman y difunden nuestra cultura. -Sí, porque esto nos daría para un capítulo más... -Pareces muy feliz con todo lo que haces y te rodea ¿Cuál es tu secreto? Mi objetivo es ser feliz, pero no de una forma superficial y ñoña, sino que esta felicidad proviene de compartir con gente que te genere cosas, ideas, proyectos... MERCEDES ALBI (Fotografías Café Gijón Paola Panizza)

Elisa Badenes ha cumplido su sueño, pues gracias a la Compañía Nacional de Danza, que contó con ella para bailar en el Palau de les Arts de Valencia "El Quijote", ha logrado bailar por primera vez un ballet en su tierra. No hemos querido dejar pasar la oportunidad de que nos contase, ahora que está de vuelta en Stuttgart e inmersa en un nuevo personaje, como ha sido su experiencia: "Estrenamos este viernes Salomé. Es una nueva producción de nuestro coreógrafo residente Demis Volpi", y con el entusiasmo que la caracteriza sigue contándonos, "Siempre los estrenos son muy emocionantes y esta vez interpretaré el rol de Salomé, muy diferente al de Kitri!!, así que tengo muchas ganas..." Pero no olvida su paso por Valencia. Al llegar a Les Arts un arco iris que apareció después de la lluvia, le dio la bienvenida. Siente que fue un momento mágico. "Mi experiencia en Valencia, fue muy bonita. Un poco duro al principio, porque no tuve mucho tiempo para trabajar con la compañía, ya que por mi trabajo en Stuttgart llegué a Valencia solo dos días antes de la representación. Me atrevo a decir que esta falta suficiente de ensayos hizo mi actuación todavía más espontánea y emocionante. Y, por otro lado, era la primera vez que volvía a casa ¡Y no estaba de vacaciones! Me sentí muy cómoda bailando en Les Arts. Fue la primera vez que entraba. Me encantaron sus instalaciones y las condiciones que había dentro, también fue un gran apoyo la orquesta valenciana y su director. Mi paso por Valencia fue una experiencia que nunca olvidaré y que espero se repita pronto, porque cuando se baila en casa se baila diferente, ¡El apoyo de la gente te hace bailar mejor que nunca! Me siento feliz y agradecida a la CND, y quiero enviaros a todos un saludo desde Stuttgart" Gracias a ti Elisa, y mucha suerte con el estreno de Salomé. Nunca se valora suficientemente a nuestros artistas, vosotros quienes de forma desinteresada lleváis por el mundo el nombre de nuestra tierra. Muchos éxitos a una embajadora de excepción, Elisa Badenes. Mercedes Albi

Los Teatros del Canal presentan el Festival Talent Madrid 2016, donde el público podrá disfrutar de los 42 proyectos seleccionados en la fase de concurso en el escenario de la Sala Verde. El Festival comienza la exhibición de sus obras el 2 al 10 de junio, y la gala final será el 11 de junio, del que saldrá un ganador que recibirá 5.000 euros para el desarrollo de su obra. Tres finalistas (uno dentro de cada categoría) recibirán un premio en metálico de 1.000 euros cada uno y volverán a exhibir su proyecto el último día, en la gala final. Y será en esa velada, el 11 de junio, cuando resulte elegido el proyecto ganador de Talent 2016, que será galardonado con un fondo de recursos por valor de 5.000 euros que deberá utilizarse en el desarrollo de su proyecto creativo. El ganador TALENT 2016, además del premio en metálico, contará con el apoyo y la experiencia de la dirección del festival, que le asesorará sobre cómo desarrollar su proyecto. Los ganadores también podrán disfrutar de una sala de ensayo en los Teatros del Canal durante un tiempo, cuya duración y condiciones concretas se pactarán con la dirección del festival. Y por último, a los ganadores se les ofrecerá un contrato de un mes en Teatros Luchana, en el avance de Temporada. La danza ha sido el género con más proyectos seleccionados (17) seguido del teatro (15) y espectáculo musical (10). De los 42 seleccionados, tres han sido escogidos a través de las redes sociales (Facebook y Twitter), donde han conseguido más de 36.000 votos. Los otros 39 seleccionados han sido escogidos por la dirección del festival; por Albert Boadella, director artístico de Teatros del Canal, la directora del festival, Mónica Hamill y un panel de expertos entre los que figuran importantes nombres de la escena como Verónica Larios, Russell Maliphant y Jose Carlos Martínez, entre otros. De las 202 propuestas recibidas en la plataforma Talent para participar en el Festival, 112 han sido de teatro; 63, de danza; y 27 de espectáculos musicales. El Festival Talent 2016 cuenta con la colaboración de El Mundo, Radio 3, Revista Godoff, Harlequin Floors, Teatros Luchana, Gran Hotel Conde Duque y Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos, TAI. Programación del Festival Talent 2016 2 de junio · El jardín del Edén – Nuevos Aires Producciones – Teatro · Vent litt… la meg forklare – NeveS – Danza · Las Alcaldas – Teatro Kumato – Teatro · Emotions, el musical – Emotions – Espectáculo musical · Bansia – Coolturetas Producciones – Teatro · #Followme – Landscape Cía. – Danza 3 de junio · Flamenco de Ida y Vuelta – Cía. de Pedro Fernández Embrujo – Danza · Antibiografía: Segundo Movimiento – Pedro Lagarta Teatro – Teatro · Hay solo una piedra en el camino – Kristina Shiderova – Danza · Franz X – La sombra de Amadé – Kotinoussa – Espectáculo musical · Nuvem Congelada – displaced – Danza · Viaje al Parnaso, el Talent Show – La Farsa Barro-k- Teatro 4 de junio · Sincronizada – 39 Producciones – Teatro · Eclipse – Ocelot – Danza · La Madriguera de Edu – YoDirijo – Teatro · Pre-Singularidad – EatingRoof – Espectáculo musical · El día D “El Musical” – D-Musical – Espectáculo musical · Tiempos diferentes – Tiempos diferentes – Danza 7 de junio · Performance Soundpainting – Soundpaintingmadrid – Espectáculo musical · Emet – Seaven Dance Company – Danza · Líbera – Producciones Equivocadas – Espectáculo musical · La Horla – La Mujer Que Perdió el Déficit – Teatro · Huellas Marinas – Cía. Landín – Danza · Condiciones de uso – Proyecto Zero – Teatro 8 de junio · Josef Keller: la historia de un músico maldito – Josef Keller – Espectáculo musical · La Curiosa Sensación de Caer – Compañía In Motion – Danza · El trato – La Matilde Teatro – Teatro · NU(s) – Pol Jiménez – Danza · Boleros – Tironí Creaciones – Teatro · Relieves, del Mito a la Danza – Marea Danza – Teatro 9 de junio · Strange Fruit – Compañía Marco Motta – Danza · Todo es mañana – Telón Corto – Teatro · Wimbledon o la Gran Desilusión – Montón de Paja & Trigo – Danza · Creando Tradición – Dúa de Pel – Espectáculo musical · Principio de Ausencias – La Chumbera – Teatro · El ascensor – MEV – Espectáculo musical 10 de junio · The Place – MadridDanza – Danza · Macumba – Macumba Show – Espectáculo musical · Spoon River – LaCanoa Teatro – Teatro · Delirio – Sinestesia – Danza · Bajo presión – Spin Off Ficción – Teatro · Tinevo – EmilioOchandoYCía – Danza Día 11 Gala Final &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Adiós, maestro Eloy, en este momento en que la pena de su partida nos aflige, no hemos encontrado mejor homenaje que reproducir éstas, sus propias palabras, escritas un día de invierno del año 2010. Siempre estará con nosotros, nunca le olvidaremos. Descanse en Paz. El equipo de Albidanza ENTREVISTA AL MAESTRO ELOY PERICET (2010) Nos reunimos con el maestro Eloy Pericet la mañana en que Madrid amaneció con sus calles nevadas. Desde los amplios ventanales de la cafetería del Círculo de Bellas Artes, veíamos caer la nieve convertida en un resbaladizo manto para los peatones. El maestro, alegre, disciplinado y puntual, completamente ajeno a las inclemencias meteorológicas, acudió a la cita sin un minuto de retraso. No le había resultado fácil encontrar un hueco en su apretada agenda, pero aquellos que albergan dentro de sí el tesoro de la sabiduría, suelen ser generosos a la hora de repartirla. Y es que Eloy Pericet es -junto con sus hermanos- uno de los más fieles testigos que conserva la memoria del baile español. Ellos son la única familia de artistas que posee el privilegio de haber aprendido las danzas boleras, transmitidas directamente de generación en generación, desde una tradición que hunde sus raíces en el siglo XIX. El maestro Eloy Pericet el es depositario de un legado único, esencia de baile puro, cincelado paso a paso por el tiempo. -¿Cómo fue que llegaron hasta usted las danzas de la Escuela Bolera? -Mi abuelo, Ángel Pericet Carmona, el padre de mi padre, las aprendió de Amparo Alvárez, la Campanera, una famosa bailarina sevillana, nacida en 1830 y retratada en un grabado de Gustavo Doré; posteriormente, mi padre, Ángel Pericet Jiménez y sus dos hermanas, Concepción y Luisa, formaron el Trío Pericet. Nosotros, con mi hermano Ángel a la cabeza, somos la tercera generación que mantiene la pureza de un estilo cuyas raíces se han trasmitido de generación en generación desde hace 200 años. -¿Quién fue el creador del método Pericet? -Mi abuelo fue el primero en crear en España un método que ordenaba el aprendizaje de la danza bolera de forma cronológica, según el grado dificultad. Así, primero se enseñan las diez vueltas que son la base de la técnica (en el baile bolero hay diez tipos de vueltas diferentes) para, posteriormente, divididos en tres cursos o grupos de ejercicios, trabajar los encadenamientos de los pasos. -Es famosa la polémica existente entre el estilo Pericet y el concepto de danza bolera que tenía Mariemma, ¿Cuál es su opinión? -A la danza bolera le han dado retoques, unos afortunados y otros no. Mariemma enseñaba la escuela bolera partiendo de la técnica del ballet clásico internacional, pero en esta mezcla se pierde la pureza de movimientos de la escuela española. Para mí el mayor mérito de Mariemma es que ordenó y sistematizó la enseñanza de la danza en los centros públicos. -¿Constituye la danza bolera el verdadero ballet clásico español? -No, el clásico español es un estilo al que yo denomino estilizado o de coreografía libre, el cual tiene como base la música de los compositores clásicos españoles (Soler, Falla, Albéniz, Granados, Rodrigo…). -Hay bastante confusión en relación a los conceptos, ¿Podría aclarármelos? -Yo voy a contarte la verdad, lo que realmente es. Verás, la danza española se compone de cuatro ramas: folklore, danza bolera, flamenco y danza estilizada o clásico español. Esta última surge como una derivación de las otras tres ramas. Así, el clásico español puede ser una estilización tanto del folklore, como de la bolera o del flamenco. -Cíteme un ejemplo de estilización que le guste. -La Compañía Ibérica de Danza hace una estilización del folklore que considero muy buena. Yo no estoy en contra de la estilización, ni de la fusión. Una estilización, si se hace bien, a mi me encanta. Pero hay que conservar la base histórica de los bailes tal como son y fueron, son el gran legado de la danza española. Somos el país con el folklore más rico y variado del mundo. En realidad todas las ramas de la danza tienen su origen en el folklore. -¿Cuál cree que sería la manera idónea para preservarlo? -Si se creara una compañía nacional de folklore que pudiera girar por el mundo, el éxito sería de locura. Cuando los Coros y Danzas viajaban al extranjero, las localidades se agotaban con varias semanas de antelación, y eso que se trataba de una formación de aficionados. Una compañía nacional de folklore español podría realizarse fácilmente constituyendo una rondalla que interpretase todas las regiones. Fíjate, por ejemplo, en México, un país con una tradición folklórica menos variada que la nuestra ¡Y tiene dos compañías nacionales de folklore! -¿Cómo nace del folklore la escuela bolera? -Los bailes populares se estilizan y se interpretan de una manera más refinada para ser bailados por los cortesanos. Los caballeros y las damas aprenden las danzas. Los acontecimientos históricos también influyen en su desarrollo, por ejemplo, durante las Cortes de Cádiz, los maestros acuden a esa ciudad escapando de la invasión francesa y muchos se quedan en Andalucía. También fue muy importante el impulso conferido por la reina Isabel II. Ella creó una escuela de danza en el Teatro Real, y para que alguien pueda imaginarse la importancia de dicha escuela, basta contar que la razón por la que Marius Petipa vino a España fue por haber sido contratado como maestro de ballet clásico del Real. Su entusiasmo al conocer la danza española fue tal que se trajo a toda su familia para aprenderla, y se marcharon a vivir a Sevilla durante varios años. La escuela bolera poco a poco va evolucionando hasta consolidarse en unas danzas prototipo. Y es que Escuela Bolera consiste en unas danzas específicas que se dividen en cinco grupos. Esto es la esencia, el baile puro bolero, el resto ya son estilizaciones de la bolera. -¿Cuáles son estas danzas? -Te las voy a enumerar: “Jaleos”, es un baile de mujer y son el Olé de la Curra, el Jaleo andaluz, el de Jerez, la Macarena y el Zapateado de María Cristina; “Seguidillas”, que pueden ser manchegas boleras, sevillanas boleras y malagueñas académicas; “Boleros”: liso o robado, la Cachucha (danza que se hizo famosa en toda Europa, pues grandes estrellas de ballet como la Essler y la Cerrito venía a España a aprenderla); “Bailes de pareja” que son las panaderas; la flamenca; la tertulia, la madrileña y la maja y el torero. Los bailes de pareja solían interpretarse dentro de un género escénico llamado Balletos, que eran una especie de pequeños sainetes danzados representados en los cafés-cantantes y en los teatros. Lamentablemente, no han llegado hasta nosotros en su integridad, aunque sí se conserva algún libreto. Mi padre, que además de bailarín era músico, fue autor de alguno de ellos. Y el quinto grupo de bailes boleros, que se llaman “De zapateado” son las peteneras, soleares de Arcas, caracoles, el vito, jaleo de gitanos, y los fandanguillos de Huelva. -Entonces, ¿El Ballet Nacional de España hace danza bolera? -No, el BNE hace danza estilizada o clásico español, aunque pienso que debería tener en su repertorio las danzas boleras, porque no las tiene. Pero para ingresar en el BNE a los bailarines sí se les exige saberlas. -¿Cuál es el estado actual de la Escuela Bolera? -Ha atravesado un período en el que casi se olvida, pero parece que se está recuperando el interés, y hay una revitalización que la está rescatando del baúl en el que se encontraba escondida. Cuando volví de Argentina, pues allí se fue a vivir mi familia (Mi hermana mayor se casó con un argentino, y luego se marcharon mis padres y el resto de la familia. En Buenos Aires somos muy famosos. Me reconocen por la calle) había danzas que estaban completamente olvidadas, como las sevillanas boleras. Mi labor es revivirla. Soy el retén de la escuela bolera en España y, afortunadamente, hay gente que la está sacando adelante. Es necesario conocerla porque esto es como pintar, y el artista debe saber manejar el pincel antes de desarrollar su propio estilo. -¿Ha sido positiva la creación del Aula Pericet en el Centro Andaluz de Danza? -Sí, muy positiva. En el Aula Pericet del Centro Andaluz de Danza estamos desarrollando un buen trabajo de conservación y transmisión del estilo. Y voy a daros una primicia: a final de curso vamos a editar un libro sobre la escuela bolera y un DVD que contiene los bailes boleros que se conservan. -¿Cuál es a su juicio el mayor problema al que se enfrentan los bailarines cuando terminan sus estudios? -No es un problema de falta de calidad, pues del Centro Andaluz de Danza estamos sacando muy buenos profesionales, pero el gran problema al que se enfrentan los alumnos es la falta de salidas. Los chicos trabajan mucho durante años. Hay días en que entran a las ocho de la mañana y salen a las ocho de la tarde, pero terminan los estudios y no hay trabajo. He visto a bailarinas de clásico, con su talento malgastado por falta de oportunidades, y apareciendo en los conjuntos de baile en los programas de sábado noche en la televisión. Antes había más trabajo, más compañías donde encontraban un porvenir (Rosario, Mariemma, Pilar López…). -Siempre les queda el camino de la docencia. -Pero es una pena ponerse a enseñar con 22 años, pues deben vivir, bailar, girar, conocer los escenarios del mundo… En esta vida cada cosa llega a su tiempo y la etapa docente, el convertirse en maestro, debe llegar al final de una carrera como bailarín ¿Cómo si no pueden transmitir a los alumnos la experiencia? Actualmente, en España cualquiera puede ser maestro. Hacen un master aquí y allá, amplían currículum teórico… ¡Sin poner un pie en el escenario! Yo las llamo maestras de carpetilla. Si bien, hay buenos maestros que no han sido grandes bailarines, y grandes bailarines que no han sabido ser buenos maestros, pero la experiencia en el escenario es algo insustituible. -¿La falta de valoración de nuestras danzas tradicionales por parte de las autoridades culturales, piensa que puede provenir de que se asocian con la época franquista? -Si esa fuera la razón sería una soberana estupidez. ¿Qué pensaríamos si los rusos eliminasen sus bailes tradicionales o su ballet clásico, porque se potenciaron durante la época soviética? En España no se está valorando suficientemente el gran tesoro cultural de nuestra danza. Ella ha llegado a nosotros a través de los siglos por encima de muchas vicisitudes políticas, e incluso de las guerras. Confundir política con cultura es un error muy grave. La cultura es lo que identifica a los pueblos, un algo que los hace únicos y que se forma y evoluciona desde su propia raíz. Al árbol sin raíces lo puede arrastrar el viento. MERCEDES ALBI