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DEL 29 DE ENERO AL 5 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRÁN 2.000  NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID   EL SÁBADO 1 DE FEBRERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL   EL SÁBADO 1 DE FEBRERO OFRECEMOS DOS MASTERCLASS CON BEATRIZ MIRA & TIAGO BARREIROS E IKER KARRERA (CO-DIRECTOR DE DANZA 180) ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,30 A 13,30. Asociación BETA PUBLICA  continua, y ya van 11 años, con el objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD cerca de 24.000 alumnos/as y docentes. A este Undécimo Año de “Una Mañana en Danza”  asistirán más de 2.000 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 29, 30 y 31 de enero, 4, 5, 6 y 7 de febrero.   La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid , incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva , coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías  y termina con un divertido trabajo de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo.   Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza”  son: •              SOLILOQUIO de Cristina Cazorla. •              Distintos de Ntamo Performance •              A la deriva…  de Pilar Villanueva. •              Fragmentos de Musicales de SOM Academy     Gracias al  C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA  puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 1 de febrero a las 19.00 horas . Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza”  actuarán como artistas invitados 180Lab que presentará su última creación; “Isha” con   coreografía de  Adi Schwarz y Beatriz Mira & Tiago Barreiros (Portugal)   con su pieza “ café” . Esta XI Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza  en cuya sede realizaremos  dos MasterClass, el sábado 1 de Febrero  por la mañana (apertura de puertas a las 10.00 , primera MasterClass a las 10,30), con Beatriz Mira & Tiago Barreiros e Iker Karrera (Co-Director de DANZA 180).   La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función  donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única  para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza.   Las entradas para “Una Tarde en Danza”  del 1 de febrero 2025 pueden adquirirse a través del siguiente enlace     MÁS INFORMACIÓN:   La Asociación BETA PUBLICA,  fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA  para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA  realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD más de 23.600 alumnos/as y docentes. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa, Fundadora y Directora Artística de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin...) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1  en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 21 proyectos estrenados en España y Estados Unidos.

Con diez artistas sobre el escenario, el montaje recrea la historia del personaje inmortalizado por el poeta granadino que simboliza un el espíritu libre de la mujer La obra, con música en directo, ofrece seis funciones desde este sábado y el 14 de enero, el 9 de febrero y el 2, 23 y 30 de marzo El bailaor madrileño José Maya presentará desde este sábado en el Teatro Pavón seis funciones de su versión flamenca de la obra La zapatera prodigiosa de Federico García Lorca , que a través de un personaje real en el que el poeta se inspiró explora temas universales como el amor, la libertad y los roles sociales. El espectáculo podrá disfrutarse además de este sábado, el próximo martes 14 de enero, el 9 de febrero y los días 2, 23 y 30 de marzo.   Con diez artistas sobre el escenario, entre ellos el propio José Maya encarnando a Don Mirlo y Lydia Aranda como la zapatera, y con música en directo de las guitarras de Juan y Antonio Maya , el espectáculo recrea el universo poético y vivo que le insufló Lorca a esta “farsa simple, de puro tono clásico, donde se describe un espíritu de mujer”, en palabras del propio poeta.   La historia se centra en el matrimonio entre la zapatera, una mujer joven, apasionada y de carácter fuerte, y su marido, el zapatero, un hombre mayor, tímido y apacible. Desde el inicio, su relación está marcada por las tensiones: ella siente que su vitalidad y espíritu están reprimidos por las convenciones sociales, mientras que él se resiente por las críticas y los rumores de los vecinos.   El conflicto se intensifica cuando el zapatero, cansado de la presión y los reproches, abandona a su esposa. En su ausencia, la zapatera se enfrenta sola a las habladurías del pueblo y lucha por mantener su dignidad. Sin embargo, el amor y la conexión entre ellos persisten y su marido regresa disfrazado como un titiritero para observar y comprender mejor a su mujer. Este reencuentro les empuja a una reconciliación que trasciende las expectativas sociales y reafirma su relación.   La zapatera representa a todas las mujeres del mundo y también al alma humana. Por eso, “la farsa, en el fondo, es un gran drama”, explicó Lorca sobre su obra. “Prodigiosa remite a lo maravilloso, a lo que encierra un misterio, a lo excelente y exquisito del ser, del alma humana”. En esta obra, Federico retrata el prodigio de que en esa época, una mujer decide por sí misma y que no se deja gobernar por las habladurías. José Maya Serrano , es bailaor y coreógrafo. Nacido en 1983, lleva el flamenco y el baile en la sangre con antepasados como la histórica bailaora Fernanda Romero y el cantaor Rafael Romero “El Gallina” , o el gran actor y director de teatro Pepe Maya y el pintor Antonio Maya . Apasionado por la música, la pintura, la escultura, la poesía, el teatro y todo aquello que respire arte, empezó a bailar profesionalmente con nueve años, compartiendo cartel en el teatro Albéniz de Madrid con Antonio Canales , Juan Ramírez y Joaquín Grilo . Con 13 años entró a formar parte de las compañías de “El Güito” y Manolete , con quienes realizó giras por España y Portugal. En el año 1998 fue reconocido con el Premio Copa Pavón, en el 2000 obtuvo el Premio al Mejor Bailarín en el Certamen de Coreografía del Teatro Albéniz de la Comunidad de Madrid y consiguió una beca de la Fundación de Autor en la prestigiosa Cátedra Alicia Alonso de Ballet clásico. El cineasta francés Tony Gatlif le llamó para ser el primer bailarín de su película Vertiges y a partir de 2007 ha acompañado al maestro de la guitarra flamenca Tomatito en su gira por Europa, América, China, Rusia y Japón. Con posterioridad, estrenó junto a Farruco y Barullo Al Natural, El velero de las rosas junto a Lola Greco , junto a Alfonso Losa en un espectáculo conjunto, Grito y con Farruquito el espectáculo Baila , entre otros. Con su espectáculo Maya pasó por grandes festivales de flamenco y espacios escénicos internacionales, así como con Latente . Ha bailado como telonero en los conciertos de estrellas del pop internacional como Marc Anthony , Beyoncé , Björk o Juan Luis Guerra , y en las giras de Vicente Amigo . Su anterior espectáculo Color sin nombre , inspirado en el legado pictórico de Mark Rothko , también pasó por el Teatro Pavón .   &&&&&&&&&&&&&&&&

En la vida, lo cotidiano cobra un matiz de eternidad, nos transmite una sensación de seguridad, de que aquello que nos es conocido siempre estará ahí. Pero de repente, el programa de radio que siempre nos acompañaba, todos los mediodías a los que se remontan mis recuerdos, desapareció. Las voces amigas de Fernando Argenta y Araceli González Campa se despidieron, sin que sirvieran de nada las lágrimas sordas que desde nuestras casas derramábamos cientos de oyentes. “Clásicos Populares” y “El Conciertazo” dejaron de emitirse. Han pasado casi dos años, y las protestas y las cartas de los melómanos contra la nueva dirección de la emisora pública no han cesado.   Quise saber que fue de Fernando Argenta, y unos amigos y admirados bailarines que trabajaban en “El Conciertazo” me pusieron en contacto con él. Fernando no puso obstáculo alguno en concederme esta entrevista y, sin conocernos de nada, él mismo me recogió con su coche en la parada del tren de cercanías para mostrarme el oasis donde habita, una casa con vistas a un ilimitado bosque de encinas, desde donde se contemplan los atardeceres de la sierra en un horizonte de montes azules. Lejos del ajetreo mundano, vive con su esposa Toñi y su hijo Ataúlfo, trabaja, escribe, y sólo sale para compartir, comunicar y brindar su gran amor por la música a los demás. Especialmente, al público más importante: los niños. Porque cuando alguien ama algo de verdad, la pasión sí que es eterna y no hay auditorio que ofrezca resistencia a este gran comunicador que es el maestro Fernando Argenta. - Con la abrupta desaparición de tus programas de radio y de televisión, este último, por cierto, el único espacio de RTVE en el que se programaba danza de calidad, ¿Cómo te sentiste?   - Al principio, sentí algo de vértigo, porque la mayor parte de mi actividad y de mi tiempo giraban en torno a la confección de los programas. Tener un programa de radio diario desde hacía 32 años, y un programa de televisión semanal, en el que escribía hasta los guiones, era algo muy absorbente, pero que a mi me encantaba, y no concebía la vida de otra manera. Reconozco que tuve miedo de lo que iba a ser mi futuro.   - ¿Lo superaste?   - Sí, reconozco que he tenido mucha suerte y no han dejado que me quedase quieto. Me llaman de tantos sitios para que vaya a hacer “El Conciertazo”, que prácticamente todos los fines de semana hacemos alguno. Yo solía hacer el programa con orquestas (y creo que lo he hecho con casi todas las orquestas de España), pero ahora he descubierto el mundo de las bandas, ese ambiente tan vivo y tan exultante de la música de viento. Ellas me han descubierto a mí y yo a ellas. Además, estoy escribiendo dos libros que tengo que entregar a la editorial el próximo junio. UNICEF también me ha pedido que organice un concierto benéfico para recaudar fondos, destinados a los niños de Haití, y estoy en ello. Todo lo que puedo, lo hago. No tengo tiempo ni para pensar.   - ¿Cómo empezaste tu faceta de acercar la música a los niños?   - Yo tenía mi programa de radio “Clásicos Populares”, pero el mérito de la idea fue de González Sinde.   - ¿El padre de la ministra?   - Sí, él era a la sazón, director del Festival de Otoño, y me propuso hacer unos conciertos diferentes. En la conversación surgieron los niños y la idea. Conseguimos el apoyo de la Obra Social de Caja Madrid. La labor fue enorme ¡Cuántos niños habrán escuchado música clásica por vez primera en estos ciclos! Imagínate, unos 70 conciertos anuales, a los que asistían cerca de 1.200 chavales por actuación .   - Pero los niños son el público más difícil, porque carecen de esnobismo y no mienten nunca. Si no les gusta, no hay quien los retenga en sus asientos…   - Mi récord está en 8.500, un concierto que dimos en un polideportivo de Sevilla con la Orquesta Sinfónica.   - ¿Cómo consigues “domar a las fieras”?   - Es algo instintivo. Prescindo de la pedagogía y de los gruesos volúmenes escritos sobre la materia. Todo es mucho más simple. Algo así como, aquí Beethoven y aquí Juanito. Los presentas, y si Juanito tiene sensibilidad, no hace falta nada más. Lo mismo sucede con el público de la danza. Hay que llevar la música y la danza a los niños porque son como esponjas, todo lo absorben y no tienen prejuicios. Los prejuicios se los damos nosotros, los mayores.   Yo nací en una casa en la que mi madre era pianista, y mi padre director de orquesta; para mí y mis hermanas la música era algo que existía desde siempre. Me sorprendía mucho cuando me daba cuenta de que a mis amigos, si les nombraba a Schubert pensaban que era un futbolista. Me alucinaba, pero no por su ignorancia, sino por la lástima que sentía de lo que se estaban perdiendo.   Mi hermana mayor, Ana María, a los 16 años dijo que quería ser bailarina…   - ¿Y qué pasó?   - A mi padre no le hizo mucha gracia que en aquellos tiempos se marchase tan joven de casa, pero Margot Fonteyn, de quien era muy amigo, le convenció y le dijo: “mándamela a mí”. Así que mi hermana se fue al Sadlers Wells Ballet, y de allí pasó al Ballet de Zurich. Ana María siempre fue para Margot Fonteyn como una hija.   Mira, en esta foto puedes ver a mi padre con Margot.   - ¿Dónde fue tomada?   - En Granada. Gracias a mi padre se trajo el ballet del Covent Garden a actuar por primera vez al Festival de Granada. Mi padre hizo una gran labor de intermediación para que los artistas del extranjero, que eran sus amigos, vinieran a España a actuar, porque entonces ninguna compañía importante quería venir.   - ¿Por qué no venían?   - Por la visión que tenían de la España de Franco, a la que desde el extranjero se le ponía un cerco. Mi padre sentía mucha lástima por el atraso cultural que existía y quería que las fronteras se abriesen a las nuevas corrientes europeas. Así que puso todo su empeño en ello. Por ejemplo, habló con Ansermet para que trajese a la Suisse Romande, pero este rehusó venir al país de Franco, a lo que mi padre le respondió: “Es que no vas a venir a la tierra de Franco, vienes a mi tierra”; “Tienes razón”, le dijo Ansermet. Y no sólo vino la Suisse Romande por vez primera a España, sino que consiguieron hasta una subvención del gobierno suizo para los gastos del viaje.   - A tu padre, el gran director de orquesta Ataúlfo Argenta, se le ha tachado de franquista.   - Eso es mentira. Mi padre jamás se interesó por la política. Mi familia vivía en Alemania cuando, a consecuencia del estallido de la Segunda Guerra Mundial, regresaron. Pero el talento de mi padre era tal, que empezando de pianista en España, consiguió triunfar en París dirigiendo la recién creada Orquesta Nacional de España. Mi padre subió demasiado alto por sus méritos, y el régimen solía utilizar a los españoles que triunfaban como un logro del sistema, cuando no era así. Pero esto sucedía hasta con los ciclistas que ganaban el Tour. Es más, una vez estuvimos a punto de exiliarnos.   - ¿Por qué?   - Porque mi padre hizo una declaraciones sobre la escasez de los compositores españoles y del aislamiento cultural que se padecía. Y esto sentó muy mal a un ministro que dijo que no iba a consentir rojos en la orquesta nacional. Así que mi padre decidió que nos fuésemos, pero mi madre no quería vivir en Suiza y al final nos quedamos.   -Tendríais que haberos ido.   - Es algo que siempre he pensado, y claro que tendríamos que habernos marchado, entre otras cosas, porque si nos hubiéramos ido mi padre aun estaría vivo, al no haber sucedido el accidente que le costó la vida a los 44 años.   - ¿Qué edad tenías cuando falleció tu padre?   - Doce años. Y hasta ahora nunca he dejado de preguntarme que habría pasado si mi padre no hubiera muerto tan joven…   - ¿Cuál crees que es el vínculo de unión entre la música y la danza?   - Desde los tiempos primitivos el hombre expresó sus sentimientos con la danza, y la música los acompañó. Están intrínsecamente unidas, y esa unión es tan íntima que cuando alguien escucha música siente el deseo de bailar. Por eso en “El conciertazo” había una sección dedicada a la danza (“Discoteca clásica”). Pasaron por ella grandes bailarines de diversos estilos (danza barroca, tradicional, flamenco, española, ballet clásico) como Antonio Márquez, María Pagés, Laura Hormigón y Oscar Torrado…   - Me gustaría que me contases los detalles de tu marcha de RTVE, porque se comenta que no querías irte, y sin embargo… ¿Firmaste el ERE para la jubilación anticipada?   - A mí como a tantos otros profesionales nos dieron la posibilidad de firmar el ERE, pero de una forma subrepticiamente coactiva. Es decir, que si preguntábamos qué sucedería en caso de no firmarlo, nos contestaban que a partir de ahora la cosa iba a cambiar muchísimo y que allá tú… Firmé, en principio, si bien hablé con Javier Pons, el Director de RTVE, y acordamos que yo seguiría con mis programas y que me retractaría de la firma, por lo que continué con mi trabajo habitual. Un día de julio, cuando estábamos rodando “El Conciertazo”, recibí un aviso para reunirme con Pons esa misma tarde. Me pareció algo de lo más normal, pues pensé que se interesaba por la grabación. Yo estaba equivocado.   - ¿Qué quería?   - Fue un jarro de agua fría. Me dijo que iban a prescindir totalmente de mis programas; que “Clásicos Populares” desaparecía de Radio Clásica y que “El Conciertazo” era demasiado caro. Yo intenté ofrecer otras alternativas para abaratar costes; de hecho desde el año 2002 el presupuesto habíamos conseguido bajarlo un 30%. Esto fue posible gracias a Pascual Osa, y deseo decir que ha sido un placer y un honor trabajar con un director musical de tan gran talento, al que no entiendo como no le dan una subvención para su Orquesta Filarmonía, que es una maravilla.   - Por desgracia, en los tiempos que corren, las subvenciones poco, o más bien nada tienen que ver con la calidad de los artistas…Pero bueno, ese es otro tema. Dime ¿Cómo te sentiste al recibir un golpe tan repentino?   - Me sentí desolado, todo el trabajo de tantos años desaparecía de un plumazo, y hubo gente de mi equipo que el viernes de esa misma semana se quedaron en el paro después de haber estado nueve años trabajando; pero no hubo manera de convencer a Pons, y al preguntarle por el programa que iban a poner en lugar del mío, me contestó que otro programa de música clásica para niños, por lo que yo podía sentirme muy orgulloso de haber creado escuela…   - ¿Cómo diste la noticia a tus colaboradores?   - No dejaron ni siquiera que yo personalmente les comunicase lo sucedido, porque a la mañana siguiente, cuando acudí al rodaje, me encontré con la sorpresa de que todo el mundo ya lo sabía. El País había publicado la noticia de que mis programas se terminaban porque yo había firmado el ERE. Lo peor de todo fue darme cuenta de que enviaron la noticia al periódico antes de la reunión, por eso no tuvieron la más mínima intención de encontrar alguna alternativa. La decisión de suprimir mis programas estaba tomada de antemano.   - Y “Clásicos Populares”, ¿Echas de menos los 32 años de programa radiofónico diario?   - Sí, muchas veces cuando descubro una música hermosa, siento deseos de darla a conocer, de mostrarla a los demás, entonces,  de repente me acuerdo de que ya no puedo hacerlo porque no tengo programa. Y es que la vida esta hecha para compartirla con los demás.   - ¿Qué te hizo superar un golpe tan duro?   - El cariño de la gente. Verás, me sucedieron cosas increíbles. Antes cuando estaba en activo, la gente me reconocía, me miraban, pero no se atrevían a decirme nada; pero cuando desparecieron mis programas… Fue como si una barrera se hubiera roto, y me abordaban, venían a hablar conmigo, me abrazaban. Me sucedieron anécdotas inimaginables, como cuando subí a un autobús con mi mujer, tenía preparadas las monedas para pagar, y el conductor me las rechazó diciendo: “yo a usted no le cobro”. O aquella vez que unos guardias civiles me pararon en un control rutinario de alcoholemia y, al reconocerme, exclamaron: “usted es el del Conciertazo”, y  no me dejaron soplar. Entonces, pienso, que si suceden cosas como éstas, será que algo bueno he hecho.   No me importa que algunas personas, en ocasiones, opinaran y escribieran que yo rebajaba la seriedad inherente al patio de butacas de los conciertos, como si yo fuera irrespetuoso con la música clásica, incluso, hubo quien opinó que yo era un payaso. Pero a mí nunca me importó hacer lo que fuese para captar la atención de los niños, les provoqué para que se rieran conmigo y de mí, porque mi intención no se quedaba en la risa, sino que a través de la diversión, quería que les llegara la música, lo más bello que mi padre me legó, y en este caso, el fin sí que justificó los medios.   - ¿Por qué crees que terminaron con “El Conciertazo”, cuando era el programa de mayor audiencia del canal internacional?   - Sí, es cierto. Ni te imaginas como lo apreciaban los países de América del Sur: en México era el cuarto programa con mayor audiencia de los que se emitían por cable; en Colombia lo retransmitían en abierto dos veces diarias…   Pero a RTVE los niños no les interesan. No votan, no compran… Les sale mucho más barato poner cualquier peliculita que transmitirles la música o la danza. Sólo se acuerdan de ellos en Navidad, para venderles juguetes. Parece no importar que el futuro de España esté en la educación de las nuevas generaciones, y más ahora, cuando las estadísticas sitúan a España en la cola de Europa, como uno de los países de la UE con el nivel educativo más bajo.   No se dan cuenta de lo unida que está la cultura al progreso. ¿Qué país conoces, culto y libre, que no sea económicamente fuerte? MERCEDES ALBI

El mundo de los cuentos sube al escenario nuevamente en el Teatro de la Zarzuela, y es apasionante comprobar el efecto de lo que significa la maduración del tiempo en una producción cuyo pasado estreno nos dejó indiferentes. La Compañía Nacional de Danza se encuentra en un momento complicado cual es la transición entre dos direcciones, de Joaquín de Luz a la recién llegada Muriel Romero. Muchas incógnitas planean sobre el posible rumbo a seguir pero es algo que no puede desvelarnos la programación de un título que estaba concertado en el pasado: un “hijo” de Joaquín, que está siendo criado por Muriel . Con estas funciones ella ha mostrado que es una madre solícita y muy trabajadora porque la compañía denotaba mayor solidez en la ejecución. Este exquisito ballet en dos actos, creado en 1836 por August Bournonville, cuenta la historia de amor imposible entre un espítitu etéreo, la sílfide, y James. Se desarrolla en una mansión rural de la campiña escocesa, recreado por la escenografía de Elisa Sanz , donde se prepara la boda de Effie y James. El vestuario es de Tania Bakunova . La vieja Madge, dedicada a la nigromancia y la brujería, trama una cruel venganza en la que la sílfide muere víctima de un hechizo mortal.    La primera intriga a desvelar era si había habido algún cambio respecto al primitivo estreno. La reacción del público era diferente. El comentario general fue: “mucho mejor que la otra vez” . Sentí no tener una moviola que me hubiera posibilitado determinar con precisión la naturaleza del cambio. Incluso llegué a pensar que habían aligerado la coreografía. Todo parecía transcurrir con mayor movimiento y menor vacío. El rodaje de la experiencia se ha sentido en una obra que es la misma y hasta nos ha parecido diferente. Sin embargo, no ha habido ningún cambio estructural más allá de la experiencia y el rodaje acumulado . La danza es un arte tan efímero que muere en cada representación. Es evidente que nunca hay dos funciones iguales. Los espectadores cambiamos, pero la entrega se siente y la capacidad de conmover o se da o no se da, pero jamás es fruto de la improvisación, especialmente, si nos enfrentamos a un clásico. Un clásico siempre es un reto. Giada Rossi , bella y delicada, ostentó el papel protagonista con emoción y gran mérito, si se tiene en cuenta que termina de superar una lesión; y Yanier Gómez fue también un James convincente, amparados por un elenco de solistas y cuerpo de baile acrisolado en quienes se puede confiar. El rumbo a seguir lo marcará próximamente Muriel Romero. Hasta ese momento en que logre ser ella misma, la intriga seguirá planeando sobre los amantes de la compañía. José Carlos Martínez continúa siendo añorado. Y él sí que lo tuvo difícil porque hay que tener en cuenta que, cuando fue designado para suceder a Nacho Duato , partió de cero y actualmente es el Director Artístico del Ballet de la Ópera de París. En realidad sobre la elección del repertorio lo que se debate es la idea, un tanto obsoleta, de si hay que programar clásicos de ballet o lanzarse el vacío de una novedad de corte contemporáneo . Me conmovió mucho una niñita espectadora que tuve la suerte de que se sentara a mi lado. Tendría unos cinco años, se llamaba Alicia. Lo se porque nos hicimos amigas. Al inició pensé que se aburriría; me equivoqué. Supo ser transportada al mundo de las hadas y en ese viaje me mostró el sentimiento puro que la Compañía Nacional de Danza ha generado . Los niños nunca mienten. La entristeció que la Sílfide perdiera las alas y cuando al final su cuerpo era transportado por los aires, preguntó: -¿Dónde va? -Se marcha al cielo- respondí. Es indudable que un ballet clásico tiene el público asegurado, y jamás debe ser menospreciado porque marca el latido de un arte que muere cuando carece de recepción . El arte necesita para sobrevivir ser amado, sin ese amor no existe. MERCEDES ALBI Fotografía Alba Muriel

Tras la música se esconden unos códigos secretos , descubrirlos es la tarea del investigador, pero mucho más del intérprete, lo que sucede es que con Marta Vela coinciden ambas facultades, lo etéreo y su concreción . Ella flota de aquí para allá en una actividad incesante a la búsqueda de hilos misteriosos que desempolvan ideas preconcebidas y anquilosadas, y lo hace con un aire nuevo, los aires de la jota redescubierta. Tuvo la amabilidad de enviarme su último trabajo, el disco titulado JOTAS COSMOPOLITAS DE ARAGÓN. Es el primer álbum de jota cosmopolita del mundo. A partir de la exitosa Nueva Jota Aragonesa de Florencio Lahoz, publicada tres veces entre 1840 y 1841 en Madrid (Salazar, Lodre y Carrafa), fueron muchos los compositores que dentro y fuera de España fueron seducidos por la jota aragonesa. Es un trabajo discográfico basado en la investigación de la trayectoria internacional de la jota aragonesa realizada por Marta Vela , patrocinada por la Academia de las Artes y el Folclore de la Jota de Aragón , el Ayuntamiento de Alagón, el Gobierno de Aragón y las asociaciones Patrimonio Sonoro y Música Magna. Se compone de cuatro obras inéditas , grabadas por primera vez, Nueva Jota Aragonesa de Lahoz para piano (1841), Nueva Jota Aragonesa de Lahoz cantada (1848), La Féte des Toreros (Jota de los toreros) de Sebastián de Iradier (1855) y la canción de Lahoz A un Buen Mozo (c. 1851), a modo de bonus, junto a clásicos del género como la Rhapsodie Espagnole de Liszt (1863-1864) o la Gran Jota de La Dolores de Bretón (1895). “Siempre trabajo con el mismo equipo”, me comenta. LOS HECHOS Lo que tiene de extraordinario el disco no se puede contar, hay que escucharlo. Sonará extraño, pero lo cierto es que lo puse y de repente, atraído por las notas, acudió mi marido desde otra punta de la casa, invadido por la intriga de qué era aquello que estaba sonando. Gabriel es músico y canta con tesitura de barítono, por lo que su instinto es algo fundamentado. Me dejó verdaderamente sorprendida. Entonces pensé, a modo de prueba del algodón, voy a recabar la opinión de un pianista instintivo y, como en el juego de la gallinita ciega, no le diré de qué se trata. Utilicé para ello a Federico Coullaut (espero que no se moleste por revelarlo). Es un pianista prodigioso que jamás estudió música, no lee partituras pero toca de oído con un inexplicable don (hasta ha dado conciertos). Tiene un piano de cola Steinway que perteneció al Gran Duque Vladimir, tío del zar Nicolás II. Le envié una de las músicas al azar y opinó lo siguiente: “Tiene una gran sensibilidad interpretativa del instrumento… Recuerda obras de Listz”. Verdaderamente, dio en el clavo, pues insertó la jota dentro de su contexto de la música del romanticismo europeo. Así, Listz viajó a España, según narra Marta en su libro, escapando de las consecuencias sociales que le acarreó su ruptura con la baronesa de Alnoy , dejándose hechizar por nuestros ritmos y especialmente con la jota, como anteriormente ya lo había hecho su amiga Pauline Viardot García. Conclusión: este disco desprende una magia especial. Hay que escucharlo. La música no está hecha para escribir sobre ella, sino para disfrutarla.   JOTAS COSMOPOLITAS DE ARAGÓN:   Intérpretes: Esmeralda Jiménez Susana Cabrero Ignacio Prieto Alberto Menjón y Marta Vela PIEZAS: Florencio Lahoz (1815-1868) 1.  Introducción y gran jota aragonesa (1841)* Alberto Menjón (10:06) PaulineViardot-García (1821-1910) 2.  Jota. Sérénade des étudiants (1846-1876) Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y Marta Vela (3:52) Florencio Lahoz (1815-1868) 3.  Nueva jota aragonesa (extractos) (1848)* Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y MartaVela (12:05) Sebastián de Iradier (1805-1865) 4.  La féte des toreros* (1855) Esmeralda Jiménez, Susana Cabrero y Marta Vela (4:57) Franz Liszt (1811-1886) 5.  Rhapsodie espagnole (1863-1864) Alberto Menjón (13:10) Tomás Bretón (1850-1923) 6.  Gran jota de La Dolores (1895) Ignacio Prieto y Marta Vela (5:30) Florencio Lahoz (1815-1868) 7.  Bonus track: A un buen mozo (C. 1851)* Ignacio Prieto y Marta Vela (3:42) *Primera grabación mundial / World’s first recording Grabado en la iglesia de San Antonio de Padua (Alagón, Zaragoza) Grabación, mezcla y masterización: Estudios Séptimo Cielo (Zaragoza) MERCEDES ALBI

Violeta Ruiz del Valle y Manuel Segovia forman una pareja de vida y creación artística materializado en su compañía Ibérica de Danza, que ha rebasado los 30 años de existencia, todo un milagro para un compañía de danza española. En realidad, ellos son el milagro. La compañía fundada en 1993 por Manuel Segovia, galardonado con el Premio Nacional de Danza a la Creación (2001) y el Premio Villa de Madrid a la Coreografía (2004), junto a Violeta Ruiz del Valle, Ibérica de Danza ha llevado la riqueza de la danza española a los escenarios de más de treinta países, reinterpretando sus tradiciones en un espacio artístico donde confluyen la herencia cultural y la innovación contemporánea. Residente en Las Rozas de Madrid desde el año 2000, la compañía ha hecho de la investigación y la difusión del patrimonio dancístico español sus señas de identidad. Me siento una privilegiada al recibir su visita en La Granja de San Ildefonso, donde paseamos divertidos por el Parador mientras posan para las fotografías. Se percibe su absoluta compenetración. Son muy diferentes, pero están unidos por una suerte de engranaje casi perfecto. Estoy segura que no podrían existir el uno sin el otro. Él es más abstracto y racional, vuela, dejándose invadir por el mundo de las ideas sin que su hipersensibilidad obstaculice su actividad investigadora. Es un gran erudito; ella, más extrovertida, sabe situarse con inteligencia en el fiel de una balanza que equilibra los platillos de la imaginación y de la práctica. Ambos son muy perfeccionistas. Acaban de estrenar con gran éxito en el Auditorio de las Rozas "Sueños musicales de un genio, Joaquín Rodrigo", con motivo del 25º Aniversario de la muerte del excepcional compositor. "Cuando danzamos, la memoria se convierte en presente y el presente, en eternidad."   P-¿Cómo fue el comienzo de Ibérica de Danza? Manuel -Fue un sueño caribeño. Violeta -Estábamos en Puerto Rico, donde vivimos durante dos años a principios de los noventa capitaneando el Ballet de Silvia Ivars. Todo lo que habíamos vivido hasta entonces como bailarines, fructificó. M -Ella es el alma de ibérica de Danza. V -Bueno, la verdad es que algunas veces él hace las locuras; otras las hago yo (ríe). P-Juntos llevaréis unos cuarenta años, ¿Dónde os conocisteis? V- Bailábamos en La Antología de la Zarzuela de José Tamayo. Hacíamos giras larguísimas que ahora serían impensables, unos cien artistas viajando durante más de seis meses. Interpretábamos coreografías de Alberto Lorca, con Plácido Domingo de artista invitado. P-¿Vuestra formación como bailarines, de dónde procede? M -Mi gran maestro fue Juanjo Linares, etnógrafo, folklorista y coreógrafo apasionado, quien supo legar a sus alumnos la importancia de preservar las tradiciones como un patrimonio vivo; luego, de Alberto Lorca aprendimos la visión escénica. Nos fuimos formando y enriqueciendo poco a poco. P-Si un árbol da tantos frutos, se debe a que tiene una raíz muy sólida ¿Cuántas producciones habéis estrenado? M -Más de cuarenta. P-Todas muy premiadas, y reconocidas por el público. Violeta, háblame de alguna. V -“Bailando en el tiempo” en 2001, en el Teatro Madrid: nos arriesgamos a ir a taquilla con diez bailarines y diez músicos. Marcó un antes y un después en el itinerario artístico de quienes nos acompañaron, incluso contactamos con un productor holandés que nos llevó de gira. Y Manuel obtuvo el Premio Nacional de Danza. Las compañías de danza y en general los bailarines, siempre estamos en el filo de la navaja. P-Cuéntame de otros estrenos más recientes y galardones. V -En 2023, con motivo del 30 aniversario, Ibérica de Danza estrena “Celebración & Gaudí Dance Experience” en la Sala Roja de los Teatros del Canal, agotando localidades. La obra marcó el inicio de una gira internacional que celebró el 50 aniversario de la muerte de Picasso y la Presidencia Española del Consejo de la Unión Europea, con presentaciones en Andorra, Hungría, Nicaragua, Ecuador, Egipto y Perú… El espectáculo “Fígaro, Barbero de Sevilla” fue elegido como el “Mejor Espectáculo de Danza, en Madrid 2020”, y desde entonces, la compañía ha continuado con giras nacionales e internacionales, llevando montajes emblemáticos como “Quixote Origen”, “Picasso en Danza”, “Carmen vs Carmen”  o “España Mágica Danza”. En 2013, la compañía celebró su 20 aniversario con el espectáculo " Ibérica, 20 años en danza" , presentado en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, junto a grandes músicos como Eliseo Parra, Javier Paxariño y Fernando Egozcue, entre otros... Este montaje recibió cinco nominaciones a los Premios Max. Hemos hecho tantas cosas... P-¿Cómo definiríais el estilo que Manuel ha creado en Ibérica de Danza? M- La danza es mucho más que un arte: es un lenguaje vivo, capaz de dialogar con el pasado y proyectarse hacia el futuro.  V- Nuestro objetivo ha sido la difusión del patrimonio dancístico español. El legado artístico de Ibérica abarca un amplio abanico de estilos: el neo-folk, la danza estilizada, la escuela bolera, la danza histórica y el flamenco, danza teatro combinados con música en directo, teatro y circo... M- Hemos preservado la tradición pero transformándola bajo un enfoque multidisciplinar en una experiencia universal y vibrante, siempre permaneciendo fiel a su misión de ser un puente entre el pasado y futuro de la danza española. P -Pero el folklore ocupa un lugar central en las creaciones de Ibérica de Danza, no en vano Manuel es toda una figura en la materia, pues incluso es director artístico de los festivales Folkinvierno y Madridfolk.   V- Resulta muy curioso que antes, el folklore estaba demodé, y actualmente se ha puesto de moda. Pero añadiría que el estilo coreográfico depende mucho de lo que has bailado, no es lo mismo crear algo que no has vivido, la óptica cambia. P-¿Qué quieres decir?  V- Él comenzó bailando folklore, digamos que lo mamó. Y muchos que estilizan el foklore no provienen de ese ámbito. Entonces el resultado no es el mismo. P-¿Su itinerario artístico, de qué se alimenta? V-Su maestro fue Juanjo Linares; luego vino la etapa de danza española, en la escuela del Ballet Nacional de España, cuando nos conocimos en la compañía de La Antología de la Zarzuela de José Tamayo. Hay un proceso de maduración detrás de cada obra. Una vez que Manuel tiene claro lo que quiere, el estilo y el paso, ha sido capaz de crear un sabor nuevo que conserva el aroma de siempre. P-¿Es lo que se denomina "neofolk"? M -Sí, aunque el estilo de Ibérica de Danza podríamos definirlo como un código de autor. P-¿Cual es tu itinerario artístico? Violeta. V -Antes de conocer a Manuel he bailado en compañías como las de Luisillo, Rafael Aguilar, Joaquín Ruiz y Antonio Canales, experinecias que enriquecieron una formación de la que me siento privilegiada, pues tuve maestros como Ciro, Goyo Montero y Pacita Tomás. Otra suerte en mi vida es mi hermana Raquel con la que contamos desde los incios de Ibéíca de Danza y todavía sigue bailando. Se ocupa de los ensayos de la compañía; Manuel lleva la parte creativa y de diseño técnico y yo hago las labores de gestión, principalmente. P-Manuel, he leído sobre el éxito de una ponencia tuya sobre folklore , materia que investigas. M- Se titula "Tradición reinventada: el folklore en la encrucijada de la creación contemporánea". P-¿Sobre qué trataba? -Sobre los diferentes sentires en las compañías que hacen folklore, he establecido una clasificación. P-¿Cuantos epígrafes tiene esa clasificación? Al menos he establecido cuatro grupos: 1- Guardiantes de la tradición; 2-Constructores del nuevo legado; 3-Puristas de raíz y 4- Escenificadores del legado. P-¿Guardianes de la tradición?   M -Son aquellos que consideran el folklore como un patrimonio inmutable, fijado en un momento histórico específico. Su objetivo principal es preservar las danzas y músicas tal como se recibieron, evitando cualquier modificación o reinterpretación.   P-¿Constructores del nuevo legado? -Este grupo utiliza el folklore como punto de partida para la creación de nuevas coreografías y músicas. Reconocen el valor del legado histórico, pero lo reinterpretan a través de una óptica contemporánea y creativa.   P- ¿Puristas de la raíz? M- Buscan devolver el folklore a lo que consideran su estado original, antes de los cambios impuestos por determinadas coyunturas políticas, como la dictadura franquista. Creen que el folklore de la Segunda República o mas allá representa la forma más genuina y libre de expresión cultural.  Este enfoque se enfrenta al problema de la idealización de una etapa histórica y del riesgo de caer en un anacronismo cultural.  P- Y, ¿Escenificadores del legado? M- A través de la investigación y la técnica escénica, transforman el folklore en espectáculos teatrales. Utilizan herramientas de las artes escénicas para elevar las tradiciones populares a un formato de ballet folklórico o teatro musical.  ANÁLISIS COMPARATIVO CLASIFICACIÓN DE MANUEL SEGOVIA Relación con la Historia: - Los Guardianes de la Tradición preservan la historia. - Los Constructores del Nuevo Legado la reinterpretan. - Los Puristas de la Raíz buscan un momento específico de autenticidad. - Los Elevadores de la Tradición la transforman para un nuevo propósito escénico. Horizonte Temporal: - Conservadores: Mirada al pasado como modelo fijo. - Revisionistas: Diálogo entre pasado y presente. - Restauracionistas: Reconstrucción de un pasado idealizado. - Escenificadores: Proyección hacia un público contemporáneo. Metodología: - Conservadores: Replicación fiel. - Revisionistas: Creación artística a partir del legado cultural. - Restauracionistas: Investigación crítica y arqueológica. - Escenificadores: Integración del folklore en las artes escénicas y coreografía avanzada. M -Ninguna categoría es intrínsecamente mejor o peor, pero cada una tiene sus fortalezas y desafíos:    - Los Guardianes de la Tradición garantizan la continuidad de formas culturales específicas.  - Los Constructores del Nuevo Legado aseguran la relevancia contemporánea del folclore.  - Los Puristas de la Raíz permiten el debate sobre autenticidad y manipulación histórica.  - Los Escenificadores del legado contribuyen a una expansión artística y escénica del folclore.  P- Es unas clasificación muy interesante, ¿Situariais a Ibérica de Danza en alguna de estas categorías? V- No, porque no somos una  agrupación de folklore, sino que hacemos folklore estilizado, que es danza española estilizada. Existe una gran diferencia: utilizamos bailarines profesionales que permiten unas posibilidades y registros diferentes. M -Mira, te pondré un ejemplo: "Fantasía galaica" de Antonio el Bailarín, no es una danza folklórica sino una estilización teatralizada inspirada en la muñeira. P-¿En qué momento cristaliza un tipo de estilo o lenguaje dancístico? M- Todo evoluciona y las circunstancias van modelando la danza. Imagínate la gente que emigra de sus zonas y se va a vivir a los cinturones industriales. Se pierde la identidad y surgen nuevos modos de hacer en la música y en la danza. P- Cierto que cualquier cicunstancia modifica las artes. -Claro, el devenir de la historia también es un factor decisivo. Un gran cambio cultural en la historia de la danza en España fue el cambio de dinastía. La danza de la época de los Autrias es barrida por los Borbones, digamos que un modo de hacer desaparece, pero sí se conserva en los pueblos a nivel popular. Es un sustrato valiosísimo. P-Hay tanto que aprender e investigar. -Es apasionante. Si pensamos que en los tiempos antiguos, en la España de los Austrias, eran los maestros de danza quienes impartían la esgrima: el dominio de los pasos de baile era un complemento necesario para la instrucción de un caballero. Es la denominada esgrima histórica, que tiene sus gestos y sus claves propias. Yo la he estudiado. P-¿Se necesita un alto grado de estudio para hacer algo serio inspirado en el ámbito del folklore hispano? -Hay algunas cosas absolutamente fundamentales. Sin ellas, cualquiera que quiera hacer algo nuevo, se arriesga a perder el rumbo. P-¿Qué consideras es ese algo de fundamental? M- En el campo musical, te diría que es imprescindible conocer el archivo de Alan Lomax; la Magna Antología del Folklore, de García Matos... Si me preguntas por un disco, por ejemplo, aconsejaría escuchar de forma ineludible el disco Tribus Hispanas, de Eliseo Parra. P - Y a un joven artista que deseara recrear escénicamente el folklore español ¿qué consejo le darías? M- Que en todo lo que haga haya verdad y esa verdad se note en los detalles más pequeños. La tradición debe respetarse en la medida que constituye el filtro que ha depurado y conservado lo mejor a través de los siglos. MERCEDES ALBI Fotografías Gabriel M. Olivares

El pasado miercoles, en el Real Casino de Madrid , dentro de la Tertulia de Teatro y Danza, dirigida por María Eugenia Montero , tuvo lugar un evento muy especial en torno a la jota aragonesa.   Y es que siempre es muy grato dejarse llevar por un tándem como el que conforman Carmelo Artiaga , Presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón, y la pianista Marta Vela . Carmelo es la pasión y Marta, la ensoñación, una mezcla de tierra y nubes que componen su particular universo.   Fue toda una sorpresa cuando a la entrada me encontré con Carmelo y me dijo “estoy esperando a la consejera”. Y en el salón de El Torito apareció Tomasa Hernández Martín , C𝘰𝘯𝘴𝘦𝘫𝘦𝘳𝘢 𝘥𝘦 𝘌𝘥𝘶𝘤𝘢𝘤𝘪ó𝘯, 𝘊𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘺 𝘋𝘦𝘱𝘰𝘳𝘵𝘦 𝘥𝘦𝘭 𝘎𝘰𝘣𝘪𝘦𝘳𝘯𝘰 𝘥𝘦 𝘈𝘳𝘢𝘨ó𝘯, acompañada de su jefe de gabinete, 𝗜𝘀𝗺𝗮𝗲𝗹 𝗝𝗼𝗿𝗰𝗮𝗻𝗼 𝗣 é𝗿𝗲z .   La consejera, persona afabilísima, no reparó esfuerzo alguno en viajar desde Zaragoza para el acto, a fin de mostrar su apoyo. Y es que algo tiene la jota aragonesa que la hace muy especial. No existe una comunidad, entre las tantas que habitan en Madrid procedentes de todos los rincones de España, con un sentimiento aglutinador tan potente. Es un hecho que, cuando se organiza algo en la capital, acuden muchísimos aragoneses que contagian su emoción de una forma tan honda como no he visto que suceda con gentes de otra procedencia. ¿De dónde nace esa diferencia? Del sustrato que los une y los convoca: la jota aragonesa. Los aragoneses son afortunados de tener la jota y de vivir la jota. Hay algo visceral que los diferencia del resto. Son afortunados de ser portadores de un sello cultural identitario , y aunque se hayan ido lejos (como se atestigua con las numerosas casas regionales que existen por todo el mundo), la jota trasciende fronteras y generaciones,  se baila y se canta transmitiéndose de padres a hijos desde tiempos remotos. Es el ADN de un pueblo. La jota aragonesa hermana con las danzas celtas y sus saltos, también asimila las castañuelas íberas. La danza es un lenguaje remoto que posee sus rasgos, sus ramas y sus "hijos" , las once comunidades que se han unido a la aragonesa y han propuesto el reconocimiento de la Jota como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. La conferencia estuvo arropada por numerosas autoridades, como la diputado del Congreso, Luis María Beamonte Mesa , junto con otros miembros del Consejo directivo de la Academia: Juan Labrador , vicepresidente por Zaragoza y secretario; Juan Villalba , vicepresidente por Teruel; Natividad Brivián, vocal; y Elena Usán Gaspar , presidenta de la Casa de Aragón en Madrid; y representantes de la Peña El Cachirulo , así como personalidades relevantes como Eugenia Eiriz , directora de la Compañía Antonio Gades, el maestro Alberto Portillo , quien bailó por primera vez la jota sobre el escenario del Covent Garden (1950), siendo portada de ABC; el teniente coronel retirado Ramón Pardo de Santayaña , el general Rafael Colomer Martínez del Peral ; y escritores como el historiador Luis Español Bouché y un largo etcétera. El salón de El Torito estaba tan repleto que hasta se tuvo que ocupar como asiento la banqueta del piano, donde Marta Vela interpretó varias piezas .   Carmelo Artiaga , que tiene unas capacidades organizativas extraordinarias, expuso como surge la Academia desde la nada hasta convertirse en este motor imparable y rebosante de actividades. Su principal objetivo ha sido “poner la jota en valor” para traspasar el testigo a las nuevas generaciones . Era necesario alejar la jota aragonesa de falsos tópicos, incluso de absurdas politizaciones, pues hubo quienes osaron afirmar que “el folclore era de izquierdas y la jota de derechas”.   En cualquier arte siempre hay que diferenciar lo que es esencial de lo circunstancial, y la jota es esencia. Marta Vela compartió con los asistentes sus valiosas investigaciones recogidas en varios libros como La Nueva Jota Aragonesa, donde narra el papel que tuvo el compositor alagonés Florencio Lahoz, quien vino a Madrid “con una mano delante y otra detrás” pero con una partitura destinada a la fama internacional, un éxito arrollador en la sociedad isabelina que se irradió al plano internacional con personajes como Pauline G. Viardot, Franz Liszt…   Sus investigaciones son un cuerpo vivo, y nuevas ideas surgen de continuo. Las ilustró interpretando piezas al piano con gran sensibilidad, centradas en contextualizar la partitura de Iradier dentro del marco del belcantismo, incluso de la influencia del célebre leitmotiv wagneriano de Tristan e Isolda en el tema de la Molinera en la jota del Sombrero de Tres Picos de Manuel de Falla.   El colofón musical lo puso el esposo de la Presidenta de la Casa de Aragón, Fernando Martínez, a quien se le pidió que entonase una jota.   Marta Vela reveló alguna pista sobre sus nuevos descubrimientos en torno a la jota aragonesa, como es el r eciente hallazgo  de una partitura en la Biblioteca Nacional de Francia, en el que se titula a la jota aragonesa de Himno de España.   Lo cierto es que la jota se lleva en el corazón , y no puedo dejar de recordar una anécdota protagonizada por mi bisabuelo turolense, Joaquín Ibáñez, nacido en Perales de Alfambra , recogida por Enrique Arqués en su libro “Diario de un Cautivo” , cuando él y otros españoles durante la Guerra de Marruecos, en 1907, cayeron prisioneros de los rifeños, y mi bisabuelo entonaba la jota para darles ánimos:   << Cuando todos los gestos eran torvos y todas las manos apretaban con furia los fusiles, nuestro “moro” Joaquín, aragonés en cada momento de su vida, lanzó a los aires de la noche triste, con lo más brioso y valiente de su voz, el cantar de la jota. Y fue en el silencio de los campos desérticos, como la última oración de ese día.>> Y es que la jota es España, pues tal y como afirmó en el cierre del emotivo acto, la consejera Tomasa Hernández citando a Joaquín Costa: “soy doblemente español, pues además de español, soy aragonés”.   MERCEDES ALBI

Hugo Pérez de la Pica nos ofrece en sus obras un paseo por el universo de los sueños , y si queremos olvidarnos del gris de la realidad, no tenemos más que traspasar la puerta del Teatro Tribueñe como si se penetrase en una dimensión distinta. Hugo es poeta, dramaturgo, director teatral ,  escenógrafo ,  figurinista , especialista en floklore, discípulo del bailaor Tomás de Madrid... Su currículum excede el ámbito de las clasificaciones . Es creador, junto a  Irina Kourberskaya , del  Teatro Tribueñe . Posee, entre otros reconocimientos, el Premio Ojo Crítico de Teatro de 2012 de  RNE .  Su profundo interés por el folklore hispano le lleva a recorrer toda la geografía investigando canciones populares españolas, analizando movimientos de danza casi olvidados , rescatando viejas músicas archivadas y diseñando trajes que recuperan simbologías ancestrales. Todo le deja el poso profundo que transmite. Su nuevo espectáculo “ Mujeres catedrales” despierta una magia que aquí es totalmente envolvente . No hay límites entre géneros artísticos porque las protagonistas los traspasan todos. Ellas son siete: Candelaria de la Serena (Voz); Rocío Osuna y Carmen Rodríguez de la Pica (actrices); Raquel Valencia, María Nadal, Virginia Guiñales y Lucinda Usaola (bailarinas) . junto con la pianista Tatiana Studyonova , siendo todo en directo y las voces sin amplificar. La primera vez que las vi, tuve que regresar una segunda y aun podría volver una tercera, porque son carne pura, sin artificios, se la juegan y se entregan en cada representación. Viajamos a un tiempo imaginario , porque el don de Hugo es el de dar color a un mundo que solo hemos conocido en blanco y negro. La atmosfera que crean tiene tintes dorados, parece como si una pintura de Zuloaga hubiese cobrado vida. -¿Cómo definirías tu forma de crear? -Es un acto de rebeldía, una originalidad en la manera de respirar de estos tiempos.   - Realmente, tu estilo creativo es como un verso sugestivamente libre.   -Bueno, en el trasfondo hay una identificación constante con la mujer española en un tiempo indeterminado, o quizá muy determinado, pero yo trato de hacer la abstracción para no cavar los mismos surcos. -¿Tienes fijado mentalmente que es lo que pretendes?   -En este momento mis intenciones empezaron a ser conscientes, que no  mis inspiraciones. -Define pues tus intenciones. - La primera es la intención fundamental del arte, el propósito que alberga en sí mismo que no es otro sino sensibilizar, conmover traspasar, mover ficha...; la segunda, es unir los eslabones de una alta evolución centenaria que se perdió completamente  a finales del siglo XX.   -¿Qué es lo que se perdió?   -Un modo de hacer a la española. No nos damos cuenta de que España es cuna occidental del teatro musical. -¿Podrías concretar ese aspecto? -Me refiero con ello desde una perspectiva amplísima de lo artístico que comprendería la zarzuela, la escuela bolera, la escuela de tonadilleros, el flamenco, los sainetes por horas, la música procesional, los pasodobles toreros, y un larguísimo etcétera.  - Una persona que te admira, destacó de ti que tienes el don de saber dar color a un mundo que solo hemos conocido en blanco y negro.   -Opiniones así me animan a continuar. Una vez la bailarina Pacita Tomás, que ya ha cumplido los 96 años, me dijo que no era tan bonito aquel mundo como yo lo pintaba. Fue un gran cumplido.   - En este espectáculo que tenéis ahora en cartel, "Mujeres catedrales", ellas verdaderamente lo son, unas artistas completísimas. Me gustaría que me definieras algo de cada una. -Claro, por ejemplo, de Raquel Valencia te diría que con ella  tengo  una especie de corriente de comunicación instantánea, tanto para la sutileza y el matiz como para el bloque o bosquejo grueso de las cosas. Como bailarina hace orgánico lo inorgánico, y como bailaora es magia pura. Cuando está a gusto el escenario, se incendia, pero en un incendio sostenido, no salvaje. -No puedo dejar de contarte que soy valenciana, así como la amiga que me acompañaba, y cuando al final de la representación, saliste al escenario para recordar al pueblo de Valencia, vimos cómo entre cajas Raquel se abrazaba a ti, lloramos con ella, con vosotros. Son instantes que nunca olvidaremos. Pero todas son geniales. Háblame de las otras tres bailarinas. -María Nadal sabe lo que quiero, sabe como la sueño, ella lo intuye y me hace soñar más lejos todavía. Siempre me sorprende adelantándose tres pueblos más allá de mis intenciones.   Virginia Guiñales aporta la posición perfecta de su cabeza y la delicadeza de la bailarina. Y Lucinda, que solo tiene dieciseis años, muestra una seguridad impropia de intérpretes con tan poca experiencia. Es prácticamente su debut pero se la ve perfectamente, te llama la atención su dulzura transparente, te llaman sus ojos. - También cuentas con tu madre, la actriz Carmen Rodríguez de la Pica. -¿Qué te voy a contar de mi madre? La pongo en escena y siento que ha subido España misma sobre el escenario. -Y ¿Rocío Osuna? -Rocío es una "fenómeno" escénico, una actriz a la que se le puede encomendar cualquier Hazaña (con mayúscula) como ésta de fundirse entre la danza y el canto. - ¿La pianista Tantiana Studyonova? -Las manos de Tatiana, a veces lentas y parsimoniosas como un alado triángulo de gansos; otras, son proyectiles de golondrina que se convierten en águila real. -Solo falta que me cuentes sobre la cantante Candelaria de la Serena. - Candela es la fuerza medida, la fuerza contenida, es una expresión. Toda ella sabe, y sabe lo que tiene que decir, cómo y cuando. Es un milagro andante de 24 años, que se ha tragado de  Doña Concha Piquer, el empaque, y de Doña  Juana Reina, el latigazo.   - ¿Qué artista antigua te inspira más?   -Son muchas, en realidad, a veces pienso que todas las mujeres que quisieron decir España con su arte están están dentro de mí.   Y por España no me refiero para nada a un concepto de país, sino a un hilo invisible tejido en el aire, un pañuelo sujetado por arcángeles  particulares. Y de ellos sí que me imagino las caras. MERCEDES ALBI

Estos días, conmemorando el 225 aniversario del Teatro Principal de Zaragoza , la Academia de las Artes del Folklore y la Jota capitanea una nueva hazaña, cual es subir al escenario a unos noventa artistas que lanzaron esa "flecha que va del corazón al cielo" : la jota. Agradezco como valenciana que me hayan transmitido su emoción, porque la vida continúa a pesar de las terribles vicisitudes que anegan nuestros sentimientos. El dolor se atenúa porque existe gente como estos artistas , que despliegan sus alas desde las raices más profundas. Vienen a mi mente las palabras del poeta Marcial (40-150 d.c.): " nosotros, que nacimos de celtas y de íberos , no nos cause vergüenza, sino satisfacción agradecida, hacer sonar en nuestros versos los broncos nombres de la tierra nuestra". El poeta hijo de Bílbilis -antigua Calatayud- se reconoce celtíbero, y ahí está el hecho de que la jota emparenta con las danzas celtas a las que se añade la castañuela íbera. La expansión del baile sigue la línea del Ebro y de la reconquista , y evoluciona en las diferentes modalidades que pueblan la península, por lo que la jota es un poco de todos. La poesía ha estado presente en "Un Arte llamado Jota", ha sido a modo de introducción de las sucesivas piezas, pero jamás perturbando ni el canto ni la danza, sino complementando su belleza. La voz en off fue de María Nadal - y una pieza por Carlos Gómez - sonó con los textos de Miguel Angel Justa , pero además de Echegaray, Mario Benedetti, Rosalía de Castro... Nos han conducido a un itinerario exquisito pleno de significados, y siempre elegante, porque la jota verdadera así lo es, ajena a brusquedades que no necesita. Su esencia tantas veces perturbada por innecesarias acrobacias, adquiere en las coreografías de Carmelo Artiaga su significado. Él hace entender lo que es la jota aragonesa. Y no escatima en dificultad, porque los bailarines están, como se dice en el argot teatral "muy bien movidos". Las estructuras coreográficas se trazan con geometricidad compleja -incuso se mueven en aspa- lo que exige una enorme coordinación y muchísimo ensayo. En la primera parte, el hilo de la sutilidad se engrandece para culminar de un modo más coral en la segunda. Así, Marta Vela toca el piano y muestra, junto con la soprano Esmeralda Jiménez y la mezzo Susana Cabrero , la Aragonesa de Florencio Lahoz y la jota de Los Toreros, de Iradier, lo constituye el núcleo de sus investigaciones como musicóloga e investigadora. Marta es una fuera de serie, carece de falsos encumbramientos y no tiene reparos en ataviarse de aragonesa mientras toca; otro pianista, Alberto Menjón , interpreta a continuación, excelsamente, a Manuel de Falla, y de nuevo "las chicas" regresan con la evidencia de la internacionalización de la jota (como ha investigado Marta), en la composición de Pauline G. Viardot titulada  "Jota de los estudiantes". Entonces aparecen en escena dos artistas que interpretan "El trust de los tenorios: el tenor Ignacio Prieto y un bailarín, que en el estreno fue Adrián Torres, que se alternará en sucesivos días con Adrián Saiz y Pablo Romanos , debido al gran alarde de virtuosismo que exige la obra. Adrian tenía trazas de escuela clásica y nos dejó con la sensación de que podría bailar lo que se propusiera, como si la mano de María de Ávila lo condujese, y es posible que la maestra continúe a través de ese hilo invisible que va de generación en generación y que convierte en maestos a los antiguos discípulos. Los temas interpretados han estado muy bien sincronizados con el canto , sin que faltaran las piezas cumbre del repertorio dancístico (Gigantes y Cabezudos, Jota de la Dolores...) y musical. El vestuario fue evolucionando desde lo tradicional a lo contemporáneo a medida que avanzaba el espectáculo, reforzando así la idea de la atemporalidad de la jota. Justo antes del final también se "exorcizó" a Miguel Fleta , que fue traido al presente cuando el tenor Ignacio Prieto cantó el aria "Nessun Dorma" de Turandot , la ópera postuma que Puccini compuso con el deseo que de fuera cantada por el gran tenor aragonés. El apoteósico final lo puso la Jota del Sombrero de Tres Picos con el elenco de artistas al completo:   el magnífico cuerpo de baile de la Academia de las Artes y el Folklore de la Jota de Aragón, acompañados por la soprano, la mezzo, el tenor y el coro Hiberivoces dirigido por Rubén Larre a. Una noche inolvidable que cumplió con crec es el propósito enunciado en su programa: "Si hay algo por lo que vale la pena vivir, es por contemplar la belleza" . MERCEDES A LBI

No se puede perder la ocasión de conversar con Emilio Martí , quien siempre nos brinda la posibilidad renovada de conocer más detalles sobre el gran Antonio el Bailarín. Emilio ejerce actualmente como profesor de Danza Española y Jefe del Departamento de Extensión Cultural y Promoción Artística en el Conservatorio Profesional de Danza de Cádiz, Maribel Gallardo. Ha sido invitado, el pasado miércoles, por los Encuentros de Teatro y Danza del Real Casino de Madrid dirigidos por Eugenia Monterom para tratar sobre Antonio Ruiz Soler en el cine, la televisión y la fotografía. Además está colaborando como documentalista en el largometraje "Antonio. Un bailarín español" de la productora Sarao Films. En el Salón de "El Torito" se reunen en torno al conferenciante figuras relevantes de la danza, como Carmen Rojas, María Rosa, Pacita Tomás, Alberto Portillo, Eugenia Eiriz... Se evocan momentos emocionantes a través de fotografíás y fragmentos de películas que Emilio nos exhibe como un viaje plagado de recuerdos indelebles para la danza española. -¿De dónde nace tu devoción por Antonio el Bailarín? -Más que devoción lo llamaría admiración. Mi admiración por Antonio viene de muy lejos. Cuando yo estudiaba en el instituto me compré el libro de "Antonio, la verdad de su vida" de Fuentes Guio, me fascinaba la riqueza de su trayectoria artística. Afortunadamente, una vez entré en el Ballet de María Rosa tuve la oportunidad de bailar coreografías de Antonio, con lo cual mi admiración creció un doscientos por cien. -¿Qué coreografías de Antonio has bailado? -"El Sombrero de Tres Picos", "El Amor Brujo", "Alegro de concierto", el "Zapateado a palo seco"... -¿Qué obra es el "Zapateado a palo seco"? -Es una de las últimas coreografías que creó Antonio para el Ballet de Maria Rosa. Y como expresa el título "a palo seco" es sin música. He encontrado que tiene reminiscencias de un zapateado que el bailó muchos años antes en el película "El rey de Sierra Morena" del año 1949, que acaba de encontrarse. -¿Dónde se ha hallado? -La película ha aparecido este año, 2024 entre los fondos de la Filmoteca de Andalucía en 16 mm. y han conseguido digitalizarla. -Háblame de esta película casi desconocida. -Fue la quinta película que rodó Antonio, pues filmó otras 4 en Hollywood, pero "El rey de Sierra Morena" es la primera que hizo en España con Rosario. -¿De qué trata? -Sobre la vida del bandolero, José María El Tempranillo (Antonio), que siendo joven mató a un hombre, el asesino de su padre, y huye a Sierra Morena. Además del estreno a nivel nacional, también se estrenó en Francia  (existen carteles de la película en francés). -¿Qué destacarías de la película? -Lo importante es que Antonio, aparece por primera vez como actor protagonista, además de bailar 5 coreografías; otra curiosidad de la película es que aparece Marujita Díaz con solo 17 años. - Es muy valioso que se rescaten filmaciones que se suponían perdidas. -Sí, porque Antonio quiso hacerse con una copia de la película y no lo consiguió. Su sobrino Paco Ruiz, que era su mano derecha, movió infructuosamente cielo y tierra. Y es que Antonio tenía un espíritu archivístico inmenso, todo lo guardaba desde que era pequeñito, recortes de prensa, fotos, filmaciones, programas... -¿La película quedó en su recuerdo? -Sí, para lo bueno y para lo malo, porque tenía que montar a caballo, algo que no había hecho nunca. Se cayó, se golpeó la espalda y se lesionó. Tuvieron que parar el rodaje durante tres meses, junto con la consiguiente angustia que sufrió pensando si podría o no seguir bailando... -¿Cuando se podrá ver de nuevo "El rey de Sierra Morena"? -Todavía no hay fechas concretas, es posible que se proyecte en Córdoba y, tal vez, en el Centro de Documentación del Flamenco de Jerez. -Y esta pareja de castañuelas que has traído de Antonio, ¿cómo han llegado hasta ti? -En 2016, conmemorando el 20 aniversario del fallecimiento de Antonio, organizamos en el Conservatorio Profesional de Danza de Cádiz "Maribel Gallardo", una exposición. Su sobrino, Enrique Burgos, nos cedió unos objetos personales de Antonio como su neceser de viaje y otras prendas, entre las que se encontraban las castañuelas. Aquí tienes un fotografía de la exposición con la vitrina donde se expusieron parte de esos objetos. -¿Qué se sabe sobre estas castañuelas? -Se las hizo un palillero en los años 40 en Nueva York. Las fundas hechas en ganchillo con los colores rojo y amarillo simbolizando la bandera de España: en una funda pone "Chavalillo"; en la otra la "A" de Antonio. -Pero, ¿son tuyas? -Su sobrino falleció en el mes febrero del 2023, y su esposa, Rosa, nos las legó junto con otras cosas, en agradecimiento a nuestra labor de recuperación de la memoria de Antonio. Te paso un enlace con un resumen de la exposición que contiene una mesa redonda que moderé con bailarines del Ballet Español de Antonio: Enrique Burgos, Rafael Moreno, Carmen Rojas, Paco Ruiz y Fernando Belmonte.  -Carmen Rojas es quizá quien conserva, en estos momentos, los recuerdos más vivos sobre Antonio, ¿ cuanto tiempo estuvo en su compañía? -Carmen Rojas ha trabajado con Antonio durante 16 años. Ella escribió un diario contando las visicitudes y detalles acontecidos cada día, y es que posee un espíritu archivístico similar al que tenía Antonio. Gracias al diario de Carmen Rojas hemos podido reconstruir muchos datos de la vida profesional de Antonio. Y en el plano personal, pues ya la conoces, es maravillosa. Nosotros la adoramos, es como parte de nuestra familia. -Y cantaba. Yo no lo sabía, pero aquí nos has puesto fragmentos de ella cantando. -Carmen como artista es completísima, no solo ha bailado flamenco, que es su especialidad, siendo la paternaire flamenca de Antonio, sino que ha hecho todos los roles de la danza española, desde folklore, escuela bolera, danza estilizada... Es tal su versatilidad. Imagínate que una vez Alicia Díaz se lesionó y fue carmen Rojas la que la sustituyó en el "Paso a cuatro" donde ella bailaba la primera sonata. -¿Cuál es el "Paso a cuatro"? -Está inspirado en el celebre "Gran pas de quatre" de Jules Perrot, que Antonio hizo en escuela bolera con cuatro bailarinas. - Hoy nos has mostrado en tu conferencia una clasificación de fotografías de Antonio, que has clasificado de fotógrafos de todo el mundo, ¿cuantos? -He logrado identificar a 488 autores. - Va a ser un problema seleccionar alguna fotografía para ilustrar la entrevista... entre las miles que posees. -Dime cuál te interesa. - Hay un retrato suyo que me encanta. Se lo hizo una pintora argentina para ilustrar un programa de París. -Te refieres a Leonor Fini. y el programa es del año 1954 (Thèatre de L´Empier, París). Tengo el dibujo original en mi colección. -Emilio, me admira que investigas todos los detalles sobre Antonio, el Bailarín, con minuciosidad casi matemática. -Antonio Ruiz Soler hizo tanto que siempre descubres cosas nuevas. Mi admiración por él ha ido creciendo a través del tiempo, durante los años que he estado investigando su vida artística, y he comprobado lo que pudo llegar a hacer este gran artista durante los 60 años que duró su trayectoria profesional. MERCEDES ALBI Fotografías antiguas "Fondo Antonio Ruiz Soler" del CADF

Si especial fue Miguel Molina, no lo ha sido menos el homenaje que se le ha rendido en la Casa de Velázquez en la clausura de la exposición "Embrujo, los mundos de Miguel Molina ", por el Ballet Nacional de España, con la cantante Martirio como artista invitada. Una soleada tarde de otoño nos acompañó, brindándonos la posibilidad de disfrutar de una actuación al aire libre dentro de un marco muy bello. El espectáculo dejó un halo de evocadora elegancia. Era un  programa, especialmente diseñado para la ocasión, compuesto por dos coreografías del repertorio del Ballet Nacional de España: Martinete ( de Miguel A. Gorbacho ) y Caracoles (de Rubén Olmo ), que tenían un aire de flamenco clásico; y dos coplas de Martirio, "La bien´Pagá" y "Ojos verdes", que también fue bailado por la compañía con coerografía de Rubén Olmo. Y es que si Miguel Molina fue un adelantado a su tiempo, rebosando creatividad desde su propia imagen con aquellas blusas que él mismo se cosía -que todavía paracen innovadoras , como se muestra en la exposición-, escoger dos de sus coplas interpretadas por otra renovadora estética de sí misma, como Martirio, encaja a la perfección. Porque podrá haber cantantes como mejor voz, pero no las hay con una personalidad tan arrebatadora. Para Alejandro Salade, director de la Fundación Miguel de Molina  y sobrino nieto del artista, este homenaje es otro hito más en el proceso de recuperación plena de un creador universal que sacudió el mundo de la escena y nos dejó un importante legado artístico. El evento ha sido organizado por  el Ballet Nacional de España y la Casa de Velázquez , institución que acoge la exposición Embrujo: Los mundos de Miguel de Molina  hasta el próximo 27 de octubre. La muestra forma parte de un proyecto de investigación internacional respaldado por la Casa de Velázquez, que estudia la obra del artista malagueño a través de su archivo personal.   Nancy Berthier, directora de la Casa de Velázquez, ha   subrayado la necesidad de fomentar este tipo de acciones transdisciplinarias, en la encrucijada de la creación y de la investigación, para conseguir un mejor entendimiento de las problemáticas contemporáneas, como es el caso de la rehabilitación memorial del legado de Miguel de Molina.   El legado del polifacético “Rey de la Copla” Esta exposición, que muestra parte del Archivo de la Fundación Miguel de Molina, visibiliza los aspectos menos conocidos del popular cantante con materiales hasta ahora inéditos. Porque Molina no fue únicamente un genial intérprete de copla. Inició su carrera como “bailarín de arte gitano” con Soledad Miralles, sin haber pisado jamás una academia de baile y, aún así, Antonia Mercé “La Argentina”  le contrató para interpretar a “El Espectro” en su versión de El Amor brujo  en 1934. El cartel original de esta emblemática actuación en el Teatro Español, figura entre las piezas de la exposición. El nombre de Miguel de Molina aparece bajo el de Vicente Escudero , quien, según confiesa en sus memorias, deseaba interpretar al Espectro y no a Carmelo como le asignaba Antonia Mercé, La Argentina, en la que iba a ser su ultima actuación en Madrid. Miguel de Molina, a partir de entonces, ya montaba sus propios espectáculos acompañado de la actriz cómica Amalia de Isaura . Él no sólo diseñaba y cosía el vestuario vanguardista de sus actuaciones, sino que también coreografiaba, diseñaba la escenografía, dirigía la escena e incluso realizaba arreglos en los números músicales.   En este sentido, Rubén Olmo, director del BNE,  ha destacado la influencia de Molina en la renovación estética de la copla española, al introducir elementos de la vanguardia y concebir la puesta en escena desde ese punto de vista integrador de todas las disciplinas implicadas.  Éste es el legado que el Ballet Nacional de España ha querido homenajear, un legado que va más allá del personaje y desvela a un creador que, sin duda, ha dejado su huella en las artes escénicas de nuestro país. Una pieza de las más destacadas de la exposición es una blusa firmada por artistas amigos de Miguel Molina , que le fue subastada por mil pesos, pero dado su pesar por haberla perdido, su propio representante se la volvió a adquirir. Acude a mi mente una anécdota que Concepción Cuervo Pericet narra en el libro "Hacedores de cultura" (colección La Huella del Quijote en la Tierra de Martín Fierro. Ed: Luis Fernández), que reproduzco: <> Y es que cada objeto guarda una memoria, pero ante todo lo que importa es el arte, capaz de conmovernos entonces y ahora , devolviéndonos al presente, gracias a los artistas del BNE y sus invitados, a aquel ser genial que fue Miguel de Molina. MERCEDES ALBI

En estos días de confinamiento ante la ausencia de buenas noticias, resulta apropiado mirar hacia el pasado, hacia nuestra historia de la danza, algo que se hace presente siempre que se rescata. Es por eso una cuestión de justicia conversar con Emilio Martí, Jefe del Departamento de Danza Española del Conservatorio Maribel Gallardo de Cádiz. Emilio se mueve por el corazón, por una pasión obtuvo su resultado en la tarea titánica de inaugurar prácticamente con su solo esfuerzo, una gran exposición en torno a la figura de Antonio el Bailarín. La falta de ayuda material fue suplida por el amor de otras personas que se sumó al suyo: su esposa, Isabel Pérez; familiares y amigos de Antonio, que le ayudaron a recopilar material, como Carmen Rojas... Emilio, desde su rincón de Cádiz, sigue investigando, algo que que se refleja cláramente en los interesantes contenidos de su web MásQueDanza . También su hijo Samuel Martí se dedica de forma profesional al baile, aunque en un estilo diferente, obteniendo un gran éxito como finalista en el programa Got Talent. - ¿De dónde procede tu fervor hacia la figura de Antonio el Bailarín? -Yo diría más bien diría que tengo fervor a la danza en general y a la danza española en particular. Es mi vocación, que así denomino a aquello que me impulsa a sacar adelante los proyectos en los que me involucro. Además, al estar casado con mi mujer, Isabel, también bailarina y profesora de danza española, hace que esa vocación sea compartida. -¿Cuándo fue la primera vez que oíste hablar de Antonio el Bailarín? -Desde que empecé a bailar en Linares, cuando tenía unos siete añitos, siempre escuché hablar del gran Antonio de una manera excepcional, incluso por personas ajenas al mundo profesional. Cuando leí el libro “Antonio. La verdad de su vida” de P. Fuentes Guío, quedé sorprendido por su trayectoria artística, desde que empezó bailando con cuatro años por las calles de Sevilla junto a Juan el Organillero. -¿Has bailado su repertorio? -Algunas obras sí, porque yo en 1994 entré a formar parte del elenco del Ballet Español de María Rosa, en el que estuve durante 10 años, así que imagínate si tuve tiempo de conocer el maravilloso legado coreográfico de Antonio, y aprender ese lenguaje que él dominaba como nadie. - Luego pasas a la docencia, ¿Dónde ejerces actualmente? -Soy profesor y Jefe del Departamento de Danza Española en el Conservatorio Profesional de Danza de Cádiz “Maribel Gallardo”. - ¿Cómo se te ocurrió montar una exposición sobre Antonio? -E n 2016 se cumplieron los 20 años de su fallecimiento y para conmemorarlo realicé una exposición, junto con otras actividades como conferencias, proyecciones, talleres… en torno a su figura. -¿De qué material te nutriste? -Desplegué una gran actividad de investigación. Analicé el material que tienen en el Centro Andaluz del Flamenco de Jerez, además recogí testimonios de gente que lo había tratado mucho: familiares de Antonio, que incluso había bailado con él (Enrique, Paco, Pepín); también con bailarines de su compañía (Carmen Rojas, Betty, Teresa, Rosa, Mariana Recuero, Carmen Roche, Víctor Ullate, José Antonio, Rafael… entre otros). Así recopilé esa información que no está en ningún libro. Gracias a su sobrino Enrique, pude tener en la exposición objetos personales de Antonio como: castañuelas, botas, zapatos, neceser, cinturón…; y Carmen Rojas puso a nuestra disposición su gran archivo personal, además de su memoria. Ella fue fundamental para reconstruir la etapa de Antonio desde 1953, cuando Carmen entró en su compañía en la que permaneció durante más de 16 años. - Te confieso, ya que estamos en cuarentena y no nos ve nadie, que si de entre todas las personas que he entrevistado, me obligasen a escoger unas pocas, Carmen Rojas sería una de ellas. - Lo entiendo, porque es una mujer excepcional. Yo no la conocía, y cuando la llamé por teléfono para explicarle el proyecto, no dudó ni un segundo en ayudarme. Recuerdo la gran alegría que tuvimos al ir a recogerla a la estación de Cádiz. Vino con Rafael Moreno (bailarín de la compañía de Antonio y gran amigo suyo). A partir de ese día fue como si nos conociéramos de toda la vida, pues su carácter tan extrovertido y su cariño tan sincero, hizo que jamás perdiéramos el contacto. - Una de las cosas que más me llama la atención de ti es el cariño que demuestras por los maestros, porque ese montaje tan bonito que has hecho sobre Betty en el día de su cumpleaños me parece un detalle precioso. -Carmen Rojas me ha ayudado mucho también para recopilar datos de la biografía de Betty, porque ellas son como hermanas. En un encuentro celebrado Córdoba de profesores de Danza Estilizada de los Conservatorios Profesionales de Danza de Andalucía, se le hizo un homenaje a la Maestra Betty, y tuve el enorme placer de fui el encargado de presentar su biografía junto con un pequeño vídeo-montaje de su trayectoria. -Vamos, que no paras e investigar y recopilar datos. -Lo intento, me parece una labor fundamental, porque cada maestro que se va nos deja un enorme vacío y se lleva con él una página de historia de la danza que nunca será escrita, si alguien no se encarga de recogerla y difundirla. -¿Realizas alguna tarea de investigación en este momento? -Sigo recopilando información tanto de Carmen como de otros bailarines con los que voy contactando, para conseguir algún día hacer una biografía ilustrada de la trayectoria artística de Antonio, excluyendo de la misma su vida personal, pues pienso que debemos recordar lo mucho que hizo por la danza española y el flamenco, el grandioso legado coreográfico que en el año 2020 sigue siendo de rabiosa actualidad, y a las pruebas me remito. -Tu hijo Samuel es bailarín de danza urbana ¿Cómo ha sucedido eso? -La relación de nuestro hijo con la danza ha sido muy curiosa pues, teniendo a sus padres bailarines de danza española, habiéndose criado en una escuela de danza desde bien pequeño, nunca quiso saber nada de la danza, por el contrario, sentía bastante aversión porque para él significaba algo que le impedía estar con sus padres. - ¿Cuando cambió de opinión? -Todo cambió cuando murió Michael Jackson en junio de 2009, que Samuel tenía 12 años, fue entonces cuando se hizo fan suyo y empezó a imitarlo. Se despertó sorprendentemente un algo interior que lo conectó con la danza, aunque en un estilo que nada tiene que ver con el nuestro. - ¿Os sorprendió? -Claro, nunca podríamos imaginar que nuestro hijo tuviera una sensibilidad especial para la danza, es un algo innato, que se traduce en una musicalidad especial de su movimiento, una plasticidad… que en muchas ocasiones nos hace estremecer. -¿O sentís satisfechos que haya escogido la profesión de bailarín? -Pues a pesar de lo que pueda pensar la gente, jamás hemos sido condescendientes con él. Por el contrario, le hemos intentado abrir los ojos y mostrarle lo difícil que es el mundo profesional y lo mucho que le queda por aprender, para que nunca jamás se crea alguien superior, e inculcarle esos valores tan importantes para ser no un gran bailarín, sino una gran persona. - ¿Dónde está ahora Samuel? -En casa, con nosotros. Ha sido muy duro para él, sus ilusiones, como las de tantos artistas, se vieron interrumpidas de repente. Imagínate que iba a participar en el espectáculo de inauguración de los Juegos Olímpicos el próximo 24 de marzo. Ahora estaba en Arabia con unas actuaciones programadas que no pudieron hacer porque se tuvieron que volver a España a los tres días de su llegada... -¿Cuál es tu reflexión en estos días de encierro? -En esta situación ten inhóspita en que nos encontramos, nos damos cuenta de que tenemos que valorar las pequeñas cosas, echamos de menos cosas que antes nos parecían insignificantes, como pasear por la playa o por un parque, un abrazo... Ojalá esto sirva para poder valoras esas pequeñas cosas que en realidad son GRANDES COSAS. MERCEDES ALBI -