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LA XI EDICION DE MUESTRA COREOGRAFICA INTERNACIONAL BETA PUBLICA SE CELEBRARÁ LOS DIAS 13 Y 14 DE MAYO EN EL TEATRO PRADILLO DENTRO DEL 39º FESTIVAL MADRID EN DANZA DE LA COMUNIDAD DE MADRID ¡Ya tenemos el cartel para la XI Edición de BETA PUBLICA! La XI Edición de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA, que se celebrará los días 13 y 14 de mayo a las 19.00 horas en el Teatro Pradillo, histórico escenario de la danza contemporánea en Madrid, con un innovador, sorprendente y multicolor, programa de creadores Internacionales, Nacionales y de la Comunidad de Madrid. El cartel de esta edición tiene un total de 6 piezas cortas, una seleccionada por el público en las redes sociales y el resto por el Equipo Artístico de la Asociación. Adicionalmente se presentarán varias apuestas en nuestra sección experimental Pro.BETA, donde damos entrada a proyectos de investigación en ciernes.  Como en anteriores ediciones tendremos una Antesala, creada por Pilar Villanueva, que con el nombre “A.SOMBRA.ME” dará la bienvenida a los espectadores. Todas las piezas han sido seleccionadas entre las cerca de 200 que se presentaron este año, para mostrar y poder disfrutar de danza contemporánea con calidad e innovación. Paula Sánchez & Matilde Casini / “ATTRACTIO” / BARCELONA Alessio Damiani / “Burdens of Being” / ITALIA Sofía García Calvarro / “Luz de Gas “/ MADRID Colectivo Glovo / “Alleo” / LUGO - PORTUGAL Jason Martin / “étude nO.1” / CANADA VENÉREA / “Mantra By Night” / VALENCIA Como declara Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de BETA PUBLICA: “En esta XI Edición ha vuelto a ser un verdadero reto elegir estas piezas por la calidad y solidez de las coreografías de todo el mundo que han participado en el proceso. Un año más nos da mucha pena tener que dejar fuera de la Muestra a tantos grandes creadores/as y performers” y añade: “En esta edición 10+1 en el histórico escenario del Teatro Pradillo por el que han pasado muchas, sino todas, las figuras de la danza contemporánea española, reiniciamos la Muestra con esta selección de creadores y piezas con la que queremos que los asistentes se diviertan y puedan ver hoy lo que será el mañana de la danza contemporánea” Ya están a la venta las entradas, a precios populares, para las funciones de la Muestra BETA PUBLICA. Esta XI Edición busca, como las anteriores, crear una mayor experiencia al público y para ello ofrece dos MasterClass con creadores/as seleccionados y dirigidas a toda persona amante o conocedor de la danza: bailarines, profesores, coreógrafos o simplemente curiosos que quieran probar. Las MasterClass serán en la Sede de la Compañía Nacional de Danza (Matadero, Paseo de la Chopera 4) el domingo 12 de junio de 10.00 a 13.30 de la mañana.

Madrid capital y otras siete localidades de la región acogen la 39ª edición del principal y más longevo encuentro coreográfico de España, que se celebra del 9 al 26 de mayo La programación, con montajes de cinco países, ofrece siete estrenos (4 en España y 3 en la Comunidad de Madrid), entre ellos los de (La)Horde / Ballet Nacional de Marsella, el coreógrafo británico Wayne McGregor, la Stephanie Lake Company de Australia y la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker Participan 22 compañías (4 internacionales, 9 de la Comunidad de Madrid y el resto de Andalucía, Canarias, Galicia, País Vasco y Navarra) Un gran evento de 10 horas de duración, participativo y abierto a todos los públicos, en la Puerta del Sol de Madrid transformará el corazón de la capital en un gigantesco estudio de danza el sábado 11 de mayo La representación española incluye nombres como Antonio Ruz, La Phármaco, Led Silhouette, el Ballet Nacional de España, Mucha Muchacha, Daniel Abreu, Janet Novás o Alfonso Losa A las puertas de cumplir cuatro décadas de compromiso e impulso de la danza en España, el festival más longevo e importante del género, Madrid en Danza, llega a su cita de mayo (entre el 9 y el 26) con un programa de 22 espectáculos que se exhibirán en la capital y en otras siete localidades de la Comunidad y que han presentado esta mañana en Teatros del Canal el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, y la directora artística del festival, la coreógrafa y bailarina Blanca Li. De la mano de 22 compañías (4 internacionales, 9 de la Comunidad de Madrid y el resto de Andalucía, Canarias, Galicia, País Vasco y Navarra), el festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid mostrará la amplitud de miradas al mundo y al arte de la creación coreográfica actual y la fortaleza de una expresión artística que cada año conquista a mayor número de espectadores. En total el público podrá disfrutar de trabajos llegados desde 5 países, con 7 estrenos (4 en España y 3 en la Comunidad de Madrid), entre ellos de compañías cimeras como (La)Horde / Ballet National de Marsella, Wayne McGregor, Stephanie Lake Company y la coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker. Madrid en Danza pisará este año la calle. Un gran evento participativo, gratuito y abierto a todos los públicos en la Puerta del Sol de Madrid el sábado 11 de mayo acercará la belleza y capacidad expresiva de la danza a todos los ciudadanos. Durante 10 horas seguidas, la plaza se transformará en un gigantesco estudio de danza y un espacio abierto donde se representarán diferentes espectáculos y se invitará al público a participar y aprender pasos de bailes de salón, danza moderna, flamenco o danza contemporánea. Además de este escenario al aire libre, el festival se desarrollará en otros cuatro escenarios de la capital (Teatros del Canal, Teatro Pradillo, Sala Cuarta Pared y Centro Cultural Paco Rabal) y en otros siete municipios de la región (San Lorenzo de El Escorial, La Cabrera, Pinto, Getafe, Coslada, Alcorcón y Alcobendas), con una apuesta por la autoría viva, la gran creación contemporánea nacional e internacional, y flamenca, que refleja las inquietudes de la sociedad contemporánea (como el cambio climático, la guerra, la identidad o el mundo digital). La presencia del festival más allá de la capital, con una oferta diversa y de excelencia, apunta a la voluntad de descentralización cultural de la Comunidad y la promoción y desarrollo de la danza más allá de sus circuitos habituales. Teatros del Canal aglutinará gran parte de la programación del festival, con diez espectáculos, y estrenará en España las cuatro producciones internacionales de (La) Horde y el Ballet National de Marseille, la Compañía Wayne McGregor, la Stephanie Lake Company y la coreógrafa belga Anne Teresa de Kersmaeker, al frente de Rosas. Las representaciones las abrirá el colectivo (La)Horde y el Ballet National de Marseille, que vuelven a Teatros del Canal después de su paso en 2022 con el recordado montaje Room with a view, en el que recreaban una espectacular cantera desde la que hacían un llamado a la protesta y la rebelión. En Age of Content (9 y 10 de mayo) se zambullen en el universo virtual elaborando un lienzo que fusiona danza y multimedia e invitando al espectador a atravesar el intrincado tapiz de la identidad (entre lo virtual y lo real), los medios de comunicación y las normas contemporáneas. Esta creación de Marine Brutti, Jonathan Debrouwer y Arthur Harel cuestiona nuestras respuestas físicas y emocionales ante la abundancia de contenido y las realidades simultáneas de nuestro tiempo. Aunque se inspira en la recordada película El cristal oscuro de Jim Henson (el creador de los Teleñecos), UniVerse: A Dark Crystal Odyssey, el más reciente espectáculo del multipremiado coreógrafo británico Wayne McGregor (15 y 16 de mayo), no es una traslación del universo fantástico del filme sino una inspiración que McGregor toma para pensar sobre un planeta, la tierra, enfermo, y la crisis climática actual, que necesita urgentemente, según entiende, una curación. Apoyado en poderosas imágenes, un sonido envolvente y una tecnología inmersiva de última generación, UniVerse: A Dark Crystal Odyssey evoca la idea de que la humanidad y la naturaleza son inseparables y se pregunta cómo pueden volver a unirse para estar completas. Anne Teresa De Keersmaeker estrenará el 19 de mayo en España EXIT ABOVE: after the tempest, con música de Meskerem Mees, Jean-Marie Aerts, Carlos Garbin. La coreógrafa belga (Malinas, 1960), al frente de su compañía Rosas que creó en 1983, vuelve sobre sus pasos con este montaje a las raíces de la danza, de la música pop, el blues y sus misteriosas notas azules, aquellas que entremezclan tristeza y alegría. El punto de partida es la canción Walking blues del legendario artista de blues Robert Johnson; aunque el viaje se remonta a Der Wanderer de Schubert, el autor de canciones más conocido del siglo XIX. Meskerem Mees, cantante flamenco de raíces etíopes, compondrá una serie de variaciones, permutaciones y otras adaptaciones de canciones ambulantes, junto con Jean-Marie Aerts, el arquitecto del sonido de TC Matic, la fabulosa formación de rock belga de los 80, y con el bailarín y guitarrista Carlos Garbin. En Manifesto (del 24 al 26 de mayo) Stephanie Lake, quizás la coreógrafa más importante que ha surgido en la danza australiana en la última década, provoca una simbiosis entre la danza y la percusión, entre nueve bailarines y nueve baterías. Después de Colossus (2019), que cohesionaba a 50 bailarines realizando intrincados movimientos contrapuntísticos, en Manifesto, cada pareja de batería y bailarín lleva a cabo un baile feroz con un sonido electrizante. Tradición y vanguardia El flamenco es una disciplina mimada por Madrid en Danza, fundamentalmente en sus propuestas más innovadoras y contemporáneas. Este año, junto a nombres indiscutibles como Alfonso Losa, del que se rescata su último montaje, Flamenco: Espacio creativo (24 de mayo), donde su danza flamenca se expone a nuevos conceptos y movimientos, sobresalen espectáculos sorprendentes como Zarra. Este montaje, dedicado al que fue máximo goleador de la liga de fútbol española Telmo Zarra, es un homenaje creado por su nieta, la bailaora bilbaína Adriana Bilbao. Conjugando danza y flamenco con elementos deportivos asociados al fútbol, Zarra (25 de mayo) recorre la historia del jugador del Athletic de Bilbao y de la selección española de fútbol en una época radicalmente diferente. La Reina del Metal (15 de mayo) inventa un género fugaz y único: el ensayo flamenco para dos cuerpos rodeados a partir del baile de Vanesa Aibar junto a los sonidos extraídos del metal y la electrónica del músico Enric Monfort. Verso libre (17 de mayo) es una improvisación de la joven bailaora gaditana María Moreno en torno al cuerpo en fiesta, acompañada a la guitarra por Raúl Cantizano, al cante por Miguel Lavi y al compás Roberto Jaén. Y en Las Alegrías (19 de mayo), Paula Quintana compone la primera pieza de una trilogía en torno al renacer, el empoderamiento y la elevación de los cuerpos. Un solo de danza sobre la alegría como energía en potencia, íntima, transformadora y revolucionaria. En Mariana (10 de mayo), Luz Arcas con su compañía La Phármaco celebra el arte jondo primitivo a través de la danza contemporánea ataviada como un animal de carga, y recrea de forma libre la potencia de este animal, rodeada de un espacio sonoro de cantes de campo, cornetas de fiestas populares y percusiones experimentales. La recuperación de la esencia ancestral mueve igualmente el baile de Nova Galega de Danza, que presenta en Berro (10 de mayo) el vacío que supone ser individuos solos y aislados en una sociedad sin memoria que debe buscar un movimiento que les recuerde su pasado. En un viaje que conecta los estados emocionales, muestra la importancia de anclarse en la tradición, la tierra, la raíz, la familia y el hogar, a través de la experiencia colectiva. Por su parte, la bailarina y coreógrafa Janet Novás y la compositora e investigadora del folclore gallego Mercedes Peón se alían en Mercedes máis eu (22 de mayo) para explorar las relaciones particulares que existen y se establecen entre su danza y su música plagado de imágenes evocadoras. Y en Afanador (23 y 24 de mayo), el Ballet Nacional de España bucea en el universo flamenco del célebre fotógrafo de moda y retratista colombiano Ruven Afanador, reflejado en los libros Ángel gitano y Mil besos, dos sesiones fotográficas realizadas en Andalucía. El Premio Nacional de Danza y director de La Veronal Marcos Morau pone a dialogar en este espectáculo “la mirada surrealista de Afanador sobre el flamenco” y la del propio Morau, “muy parecida” a la del fotógrafo. Ambas, señala, no representan “el mundo que existe” sino inventan “uno nuevo”. Espejo de actualidad Las propuestas de danza contemporánea española del festival se bifurcan en dos caminos, el de la reflexión sobre el hecho estético y el de la toma de conciencia del mundo de hoy, como sucede con la danza pasional del colectivo Led Silhouette (Jon López y Martxel Rodríguez) y Marcos Morau en Los perros (16 de mayo), otra aproximación, como en el montaje de (La)Horde, a nuestro presente digital, en la que la compañía navarra aborda la deshumanización y el aislamiento social a través de dos intérpretes que, como perros en movimiento, muestran una capacidad de resistencia ante esa adversidad. Una idea similar la plantea Eduardo Vallejo en Glass House (24 de mayo), en la que abre la puerta a la salvación del individuo que vive en una sociedad antiutópica en la que se siente alienado. Y a una utopía (un mundo sin guerra) parece dirigirse el cordobés Antonio Ruz en el canto antibélico de PHARSALIA (17 de mayo), que se inspira en la única obra que ha sobrevivido de su paisano Marco Anneo Lucano (39-65 d. C.), nieto de Séneca, autor de esta obra, un poema épico inacabado en diez cantos sobre la guerra civil entre Julio Cesar y Pompeyo Magno. El amor es el tema central de otros dos montajes, VAV (17 de mayo) de Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza 2014) y He aquí un acto romántico (16 de mayo) de Richard Mascherin. El título de VAV, pieza concebida para seis intérpretes, es el de la sexta letra del alfabeto hebreo, que rige las relaciones en general, incluyendo las relaciones amorosas. Simboliza, según Abreu, “lo que une, lo que mantiene todo unido, un anzuelo, el enlace, la conjunción de cielo y tierra, de hombre y espíritu”. Mascherin indaga, por su parte, en la idea del amor romántico a través de tres personajes. El artista canario ha basado su creación en la idea de caída (física y emocionalmente) desde 2015. “Quería analizar lo posterior a una caída física, a una caída emocional. Y la secuela y el impacto que tiene un accidente y las consecuencias físicas del amor romántico”. En SHINE (23 y 24 de mayo), la coreógrafa vasca Judith Argomaniz analiza con sus ocho bailarines la búsqueda del éxtasis, de la felicidad, la adicción al hedonismo y la busca de evasión en la sociedad actual al ritmo de la música tecno. Y Mucha Muchacha (24 de mayo), debut hace tres años de la compañía del mismo nombre que recupera el festival, reivindica al grupo de mujeres conocido como Las Sinsombrero, de poetas, escultoras, ilustradoras, filósofas, artistas gráficas y periodistas, que la Guerra Civil relegó al olvido. El coreógrafo israelí afincado en España Sharon Fridman interviene en Madrid en Danza con Europa (12 de mayo), dirigido por Luis Luque, Fridman aborda el mito griego del mismo nombre sobre el rapto violento de una princesa fenicia por Zeus, convertido en toro, para obligarle a vivir una vida que no ha sido elegida por ella. A partir de este mito, Fridman y Luque firman un espectáculo conceptual y minimalista en el que se multiplican los diferentes lenguajes plásticos y coreográficos, y donde el sonido, el movimiento y la luz funcionan como signos poéticos. Beta Pública El Teatro Pradillo acogerá, dentro de Madrid en Danza, la undécima muestra coreográfica internacional Beta Pública, que reúne producciones de corta duración de creadores noveles seleccionadas por el equipo artístico de la muestra. Beta Pública es una iniciativa de la Asociación Beta Pública, fundada en mayo del 2014 por Pilar Villanueva, que busca impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La asociación realiza anualmente la muestra coreográfica a través de su página web y redes sociales para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea.

En la Casa de Granada de Madrid ha comenzado un ciclo muy especial, se titula “La Danza Española en Formato Minimalista” y está organizado por el Ciclo de Conciertos Manuel de Falla. La bailarina Cristina Cazorla acompañada por el guitarrista Álvaro Toscano han inaugurado el ciclo con su espectáculo  “Escuela Bolera y Guitarra Española”. Ha sido un verdadero privilegio poder admirarles en un recinto pequeño y a la vez tan rebosante. El  aforo de la sala estaba al completo, allí no cabía ni un alfiler, no existía apenas barrera entre los artistas y los espectadores, que recibimos una descarga de arte en estado puro. Cristina y Álvaro crean un tándem cómplice. Están perfectamente sincronizados, danza y guitarra vuelan a una. Se trata de un repertorio clásico muy bien escogido que comenzó con los "Recuerdos de la Alhambra" de Francisco Tárrega y transitó por el "Bolero" de Julián Arcas, fragmentos de la "Iberia" de Albéniz… para terminar con música de copla (Ojos verdes, La zarzamora) y una taranta compuesta por Álvaro Toscano. Este joven guitarrista está dotado de una gran sensibilidad. Él mismo expresó al público de viva voz la emoción que le significaba interpretar "El Albaicín" de Albéniz en la Casa de Granada. Cristina Cazorla, desde que apareció en escena, arrebató. La elegancia de su port de bras en perfecta armonía con todos sus movimientos, hipnotizan. Ella es la depositaria de la más pura esencia bolera. Es como si se hubiera escapado de un grabado de Gustavo Doré, pero en versión mejorada. La bailarina me parece aún más bella y española que sus antepasadas retratadas. Estamos ante la versión evolucionada y acrisolada de todas ellas. Me encuentro con Cristina al final del espectáculo, donde es costumbre del ciclo que los artistas y el público compartan unos aperitivos. -Cristina, no paras. -Sí, la verdad es que atravieso una época  muy buena. Se nota que ya todo está arrancando después del horrible parón que supuso la pandemia. -Parece como si te hubieras multiplicado, vas de aquí para allá… ¿Cómo influye en un bailarín el cambio de escenario? -Mucho, nosotros nos movemos según el espacio, según el lugar, según el espectáculo por eso nunca hay dos actuaciones iguales. -¿Dónde has bailado últimamente? -Ahora vengo de una gira organizada por Ricardo Cue en Italia, con la Sergio Bernal Dance Company  (Verona, Florencia, Bari…). -¿Podrías indicar alguna peculiaridad de los escenarios de Italia? -Tienen la dificultad añadida de que suelen tener pendiente, entonces imagínate lo que cambia ensayar en suelo plano y actuar en pendiente. Te modifica el eje del cuerpo. Y la estética del teatro también se deja notar. Este mismo verano lo comentaba con Sergio,  bailamos en un escenario junto al mar, la humedad se dejaba sentir en el suelo. Todo un reto. -¿En qué sentido afecta la estética de un teatro a un artista? -Sobre todo en como sientes al espectador: más lejos, más cerca. Hemos bailado en lugares bellísimos de diferente tamaño, lo que modifica la percepción de como percibes a quien te mira. El tipo de público afecta de forma distinta. -Hace poco te vi en las jornadas de Beta Pública, acababas de regresar de New York. -Sí. -Pero además, lo compaginaste con “La Rosa del Azafrán” que se estaba representado en el Teatro de la Zarzuela. -Me gustó todo mucho. Por  ejemplo, sobre lo que dices de los escenarios, En “La Rosa del Azafrán” había un suelo de goma espuma. Eran las danzas pertenecientes al ámbito del folklore manchego, que es donde se desarrolla la acción. E imagínate, al mismo tiempo estaba con Beta Pública que es un festival de danza contemporánea. -¿Qué te pareció la experiencia en Beta Pública? -Es algo muy vivo. El público eran niños que provenían de distintos colegios y edades, no había dos días iguales porque cada grupo reaccionaba de forma diferente. Todo un reto acercar la danza a los futuros espectadores, pero eso sí, la característica común es que siempre salían encantados. También participé a principios de febrero en un Taller Pedagógico dirigido por Fernando Palacios, en el Real Teatro de Retiro, organizado por la Fundación Teatro Real, rodeada en 180 grados por el público en un escenario bastante pequeño y gente de todas las edades… Todo son experiencias que te obligan a un alto grado de versatilidad. -¿Cómo decidiste ser bailarina? -Fue algo natural. Tenía 8 años en el grado elemental impartido por el Real Conservatorio Profesional Mariemma. En mi ambiente familiar el arte está muy presente, por eso hay muchos artistas en la familia. -¿Quiénes son los artistas de tu familia? -Tengo un tío pintor, una tía fotógrafa, una prima que se dedica el diseño gráfico, otro tío que hace verdaderas maravillas con la carpintería y ha colaborado en la escenografía de mi espectáculo “Madrileña”; pero la que más me ha marcado, además de mi madre que siempre ha cantado y bailado, es mi hermana, que también es bailarina y yo, al ser la pequeña, siempre la he tenido como referente. -Tu hermana Nuria Cazorla hizo ballet clásico, ¿dónde baila ahora? -Está en la compañía Divadlo Ballet de Lieverec (Checoslovaquia). -¿Por qué escogiste la danza española? -Me ha gustado mucho el ballet, pero me he decantado por la  escuela bolera pues el clásico español me parece la disciplina más completa y en la que más he disfrutado desde siempre. -Cuéntame sobre tus producciones y próximos proyectos. -Tengo tres programas diferentes girando. El más tradicional es este que acabáis de ver aquí en la Casa de Granada, acompañada por la guitarra de Álvaro Toscano. -¿Qué conexión tienen tus tres programas? -El punto de conexión entre ellos es mi compromiso con la escuela bolera, pero que considero que es una joya por explorar a nivel de evolución. Así, manteniendo su lenguaje, trato de conferirle un significado contemporáneo como se ha hecho con otros estilos de danza. Quiero mantener la tradición pero descubrir hacia donde puede desarrollarse en nuevos ámbitos. -Háblame sobre tus otros dos proyectos. -Mi segundo proyecto de espectáculo “Memoria”. -¿Dónde  lo has estrenado? -Lo estrené en París hace algo más de un año. -¿De qué trata? -Investigo cómo funciona el lenguaje de la escuela bolera en otras músicas, más contemporáneas.  Son composiciones de Cristina Suey, la chelista que me acompaña. Busqué además lograr un cambio de emociones que no se suelen dar en este estilo, sino que he tratado de darles un significado más oscuro, alejarlo de la alegría tradicional que suele caracterizar a las danzas. -¿Se podrá ver próximamente? -Sí, ya lo llevamos a la Sala Berlanga en la pasada temporada y ahora, el 20 de abril, al Auditorio  Paco de Lucía. El Día Internacional de la Danza, el 27 por la mañana, participaremos en Danzadero,  en los teatros del Matadero organizado por la Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid; y por la tarde,  lo representaremos en formato completo  en el Teatro Centro de Navalcarnero. -Y tu tercer espectáculo se titula “Madrileña”. -Sí, soy yo misma, porque nací en Madrid. Es mi identificación con lo que significa mi ciudad. Tiene un formato musical muy tradicional (Pichi, Intermedio de Goyescas, coplas, La Violetera…) pero con un enfoque muy actual. Trata de cómo vivo Madrid como mujer del siglo XIX y cómo interpreto la historia de la ciudad. Me atavío como gata, ya que así nos llaman popularmente a los madrileños, pero de repente, la “gata” se engancha y se desprende de todo ese lenguaje de la escuela bolera… -¿Dónde vais a hacer “Madrileña”? -Dentro de la programación de MADferia en julio, y desde ahí esperamos poder girar del espectáculo. Tengo un equipo magnífico: Carmen Angulo, Verónica Garzón, Begoña Quiñones, los músicos que me han acompañado, el equipo técnico. -Pues que tengas mucha suerte. -Mil gracias. Se trata de proyectos muy diferentes pero a mí me estimula la variedad, me encanta. Estoy muy ilusionada, trabajando muchos y es que seguir en el camino es en definitiva lo importante. MERCEDES ALBI Fotografías Gabriel M. Olivares

La segunda edición del Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) se presentará el próximo 25 de abril a las 19,30 horas en la sede del Centro Riojano de Madrid, junto a otros festivales destacados del verano como es el Festival Medinaceli Lírico. El Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) se posiciona como un espacio de intercambio cultural enriquecedor en la Villa Indiana de Colombres. Este evento brinda a artistas, estudiantes y al público en general la oportunidad de sumergirse y disfrutar de la diversidad cultural que nos define. Con un enfoque centrado en las artes escénicas y musicales, el festival tiene como propósito difundir y promover la danza española en sus múltiples manifestaciones, que abarcan desde la escuela bolera, la danza estilizada, el folclore y el flamenco, hasta la danza contemporánea y la música de raíces iberoamericanas. Esta celebración artística rinde homenaje a los emigrantes españoles que cruzaron el Atlántico en busca de nuevas oportunidades a principios del siglo XX. Además de ofrecer actuaciones de alta calidad en un entorno rural, el FIBRED proporciona talleres, clases magistrales y conferencias, permitiendo a los participantes sumergirse en la música y la danza en diversos contextos y ambientes. Celebrado en una localidad rural en el este de Asturias, con menos de 2,000 habitantes, este festival busca fomentar el turismo cultural sostenible en la región, actuando como un catalizador para su desarrollo. Por otro lado, el Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) tiene como objetivo reunir a jóvenes músicos y bailarines de todo el mundo con sus predecesores a través del Encuentro Con Los Maestros. Este proyecto, que se inició hace ocho años, promueve la conexión intergeneracional en el ámbito artístico, cultivando la apreciación por diversas disciplinas artísticas como la música, la danza, el canto y las artes visuales, resaltando la importancia del arte escénico y la cultura en la educación. La canción "Siboney" será el eje central del FIBRED2024. La elección de "Siboney" como tema principal del festival adquiere gran significado, ya que este año el evento está dedicado a Cuba, país al que muchos jóvenes españoles emigraron a finales del siglo XIX y principios del XX en busca de "el sueño insular". Este festival se distingue por su innovación, excelencia artística y técnica, con un enfoque en la preservación y difusión de la danza y el legado musical español e iberoamericano. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Real Teatro de Retiro presenta el estreno absoluto de Va de Bach, un imaginativo y delicado espectáculo de danza para toda la familia, en coproducción con la compañía Aracaladanza ¿Y SI BAILAMOS A RITMO DE BACH? Los días 13, 14, 20 y 21 de abril, en sesión doble a las 11:00 h y a las 13:00 h, tendrán lugar las funciones de Va de Bach, destinado a un público familiar con edad recomendada a partir de 4 años. Con la música de Bach como protagonista e inspiración, la compañía Aracaladanza crea un universo coreográfico libre, de trazos delicados, perfilados con imaginación y belleza, en el que cada espectador podrá ver su propia ensoñación. Bajo la idea y dirección de Enrique Cabrera, cinco bailarines coreografían e interpretan este inspirador trabajo escénico. El compositor español Luis Miguel Cobo es el responsable de la adaptación y “re-creación” de las obras musicales del genio alemán que se utilizan en el espectáculo. El Real Teatro de Retiro pone a disposición del público, en su página web, una Guía Didáctica del espectáculo con información de la historia, curiosidades e interesantes actividades para hacer antes y después de ir al teatro. El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores. Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”. Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bach toma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró.  Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos. El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el  Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43 y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048. Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa y Pilar López Jurado, y el realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne. Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado? ¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante? ¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse? ¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach? ¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel? ¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su universo? Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach! La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores. Fotógrafo: © marcosGpunto

·         Las funciones tendrán lugar a las 20:00h los próximos 16, 17 y 18 de abril, en el Salón de Baile del Teatro Real. ·         Amador Rojas, bailaor y coreógrafo de origen sevillano, presenta para esta sexta edición de Flamenco Real el espectáculo ‘Tiempo de amarse’. ·         Le acompañarán la bailaora Nazaret Reyes, el guitarrista David Cerreduela, el percusionista Felipe Maya, y los cantaores Juañarito y José Aser. ·         Flamenco Real es una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana. ·         Esta sexta temporada cuenta con el apoyo de GRUPO ERSHIP, HERBERT SMITH FREEHILLS, MASMOVIL, ONSOLUCIONES, B&R360, CESCE, IBERMED, COPERNICUS, LEADERLAND, VD INVESTMENTS, NORMETAL, CORPORALIA, LOTERÍAS 478, CRISALION, MENTTORIZA, LEADERLAND, VIÑAS FAMILIA GIL, INDEX y TOTALLY RAD. Una vez más, el artista flamenco Amador Rojas acerca su talento al ciclo Flamenco Real. Desde su temporada de inauguración en 2018, el bailaor y coreógrafo no ha faltado a una cita en la programación de flamenco del Teatro Real. Además, es el director artístico de Authentic Flamenco, la gira internacional que desde 2022 ha recorrido 53 ciudades de todo el mundo acercando el arte del flamenco a más de 150.000 espectadores. ‘Ahora es el tiempo. Tiempo de amarse, tiempo de sentirse, de respetarse, de cantarse y bailarse’ son los primeros versos en los que se basa el nuevo espectáculo creado por el artista. Las funciones tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de abril en el Salón de Baile del Teatro Real. Autodidacta, ambicioso y emprendedor, Amador Rojas comenzó a bailar a los 7 años de la mano del maestro Farruco, quien le instruyó en las bases de este arte. A los 12 ya bailaba como solista y creaba sus propias coreografías; a los 16 años se une a la compañía de Salvador Távora, y su camino continuó junto a nombres como los de Manuela Carrasco, Eva Yerbabuena o Antonio Canales. Ya con su propia compañía, recibió el premio de Artista Revelación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008, el Premio La Venencia Flamenca en 2009 y The Golden Lyre Musicianship Award, en 2010. En esta ocasión, el elenco que le acompaña estará formado por Nazaret Reyes, bailaora; David Cerreduela, guitarra y música; Felipe Maya, percusión, y Juañarito y José Aser, cante. La sexta temporada del ciclo Flamenco Real -una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana Entertainment-, presenta de octubre a julio a los mejores artistas del baile flamenco. Además de Amador Rojas, el ciclo cuenta con la presencia de Olga Llorente, Daniel Casares, el Yiyo, Eduardo Guerrero, Ángeles Gabaldón, el Farru, Marco Flores, Yolanda Osuna y Concha Jareño. Los espectáculos se incluyen, desde la pasada temporada 2023, en el catálogo de flamenco de My Opera Player. Fotógrafo: © Juanlu Vela

BALLET DE SAN FRANCISCO | Debut en el Teatro Real El lago de los cisnes Música de Piotr Ilich Chaikovski Coreografía de Helgi Tomasson Orquesta Titular del Teatro Real | Director musical: Martin West 15 octubre – 22 octubre | 8 funciones Fotógrafo: © Erik Tomasson COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Don Quijote Música de Ludwig Minkus Coreografía de José Carlos Martínez Orquesta Titular del Teatro Real | Director musical: Daniel Capps 27 febrero – 2 marzo | 5 funciones Fotógrafos: © Alberto Rodrigálvarez | © Jesús Vallinas BALLET ESTATAL DE VIENA Concertante Música de Frank Martin Coreografía de Hans van Manen. 4 Música de Gustav Mahler Coreografía de Martin Schläpfer 23 - 25 mayo | 4 funciones Orquesta Titular del Teatro Real Fotógrafo: © Ashey Taylor La programación de danza del Teatro Real ofrecerá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada en un total de 15 conciertos. Dos compañías extranjeras Ballet de San Francisco, dirigido por Tamara Rojo, y el Ballet de Viena dirigido por Martin Schläpfer, nos visitan de nuevo; y nuestra Compañía Nacional de Danza vuelve a poner en escena "Don Quijote", coreografía de su anterior director José Carlos Martínez, actual director del Ballet de la Ópera de París. Una interesante temporada para disfrutar. MERCEDES ALBI

El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" vuelve a apostar por La Danza Española. El viernes, 12 de abril (20:30 h) tendrá lugar la actuación de Cristina Cazorla, acompañada por el guitarrista Álvaro Toscano, con la joya de la corona de nuestra danza: La Escuela Bolera. Ya desde el s. XVIII, compositores como Luigi Boccherini, Domenico Scarlatti o el Padre Antonio Soler inspiraron a los grandes maestros de la danza española. Posteriormente, F. Tárrega, I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla, J. Turina o J. Rodrigo, entre muchos otros, no se quedaron atrás. “ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA” En pleno Romanticismo y sobre todo a finales del s. XIX-principios del XX, comenzó a surgir, principalmente en occidente, un Nacionalismo Musical del que formaron parte multitud de compositores de muy distintos países. Ese nacionalismo se extendió en España también a la danza. Tomando como base principal los bailes populares españoles y bebiendo del ballet clásico y las danzas cortesanas europeas, fue creándose de manera progresiva, principalmente en Andalucía, lo que hoy conocemos como Escuela Bolera. Son muy diversos los bailes que conforman esta disciplina: unos más a ras del suelo, otros más elevados, unos con más gracia y donaire, otros más serios; danzas como los panaderos, la cachucha, los boleros, los fandangos, las sevillanas, las seguidillas y un largo etc., fueron alcanzando una sofisticada estilización que dio lugar a un género no sólo de una enorme belleza, sino también de una gran dificultad. Se caracteriza por ser bailada con castañuelas, sus formas redondas de brazos, quiebros y su técnica de ballet con carácter español. Grandes de la danza española, desde la familia Pericet, Pilar López, Antonio Ruiz Soler, Marienma, Aída Gómez o el Ballet Nacional de España, entre muchos otros, han cuidado todo lo que han podido este tesoro cultural que, por desgracia, va siendo cada vez más minoritario en las programaciones. Es, sin duda, la joya de nuestra danza. ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA pretende generar una burbuja de arte donde el público desde su butaca se sienta perteneciente a ella. El resultado es un espectáculo donde disfrutar de manera exquisita de la guitarra y la danza a dos palmos de los artistas. Además, está apoyado por los discursos distendidos y amables que se ofrecen con el objetivo de acercar el repertorio y sus características al público. La Escuela Bolera y la guitarra española van de la mano a lo largo de la historia, por ello la conjunción que resulta no falla. Se complementan como si fueran uno. Reservas: El precio del evento es de 18€ e incluye la entrada al concierto y un ágape que se ofrecerá a público e intérpretes después del evento. Imprescindible reservar antes en info@casadegranada.es o en el teléfono 91 365 33 28.

La Compañía Nacional de Danza celebra el 8M - Día Internacional de la Mujer con el lema Bailar creando, mi legado Bailar creando, mi legado 8M - Día Internacional de la Mujer 2024 Nuestras bailarinas madres se unen en este vídeo de la CND  para homenajear a todas las mujeres en la celebración del 8M 2024 Las seis protagonistas del video nos cuentan su experiencia como bailarinas y madres, dejando, entre otras, estas reflexiones: ·         Kayoko Everhart: “Me ha cambiado como persona, como mujer y como artista”. ·         Daniella Oropesa: “Lo difícil ha sido encontrar el equilibrio entre la carrera y la maternidad”. ·         Ana Calderón: “Los ejercicios progresivos de barra me ayudaron a volver a la forma física después de la maternidad”. ·         Tamara Juárez: “Siempre he querido ser madre pronto pero por la carrera que decidí escoger lo aparté un poquito”. ·         María Muñoz: “La vuelta al trabajo fue dificilísima porque sientes que no estás al 100% en ningún lado”. ·         Natalia Muñoz: “Lo más duro son las giras porque tienes que organizarte a largo plazo” “En el mundo de la danza, hoy y siempre celebramos a la mujer. Como decía George Balanchine “La danza es mujer”, las bailarinas son una estirpe casi alienígena. Cuentan con una fortaleza sobrehumana y luchan contra todo tipo de adversidades tanto físicas como emocionales. Las bailarinas son seres fuertes y con gran resiliencia. Hoy queremos valorar en especial a nuestras bailarinas que, además, son madres o van a serlo, sin dejar de lado la danza. Su profesión y su maternidad se aunarán en su forma de vida que todos compartimos”. Joaquín De Luz Bailarinas: Kayoko Everhart Daniella Oropesa Tamara Juárez Ana Calderón María Muñoz Natalia Muñoz Vídeo e imágenes: Alba Muriel &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En plena efervescencia, me reúno con Pilar Villanueva, Directora de Beta Pública, en el espacio que queda entre el ensayo general y la subida de telón para el público. El aforo del Centro Cultural Paco Rabal está vendido. Es frenética la actividad que emprende Pilar Villanueva esta semana. El amor por la danza contemporánea es su motor. El pistoletazo de salida tuvo lugar esa misma mañana en la sede de la Compañía Nacional de Danza con la Masterclass impartida por Luis Martín Oya y Roberta Maimone; ahora por la tarde, se celebra el espectáculo “Una tarde de Danza” donde se mostrarán las piezas estudiadas durante la masterclass junto a las de otros artistas (Alejandra Leza, Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu,  Cristina Cazorla, Alice De Maio y Roberta Maimone, y la Nacho Duato Academy). Pilar casi desborda, es una mezcla explosiva de impulso e imaginación. Avanza y avanza por su propia fuerza, sin apenas ayuda, pero ahí está, incluso estrenando sus piezas que siempre sorprenden. El público debe sentarse en su butaca y abrir la mente a un universo, cambiante, siempre diferente, tocado por la varita del ingerio de esta gran artista. -¿Cuál es el próposito que buscas en este nueva edición de Beta Pública que diriges? -Mi intención ha sido que al cumplir el décimo aniversario de “Una mañana en Danza”  y “Una tarde de Danza” fuera una celebración especial. -¿Qué consideraste para que sea tan especial la Tarde de Danza? -Pues, como sabes, cada año es diferente, y lo que hemos tenido en esta edición de novedoso ha sido invitar a la Nacho Duato Academy, y además hemos incluido en el programa, por primera vez, el estilo clásico español con Cristina Cazorla, que acababa de regresar de New York de una gala con Sergio Bernal, organizada por Ricardo Cue. -¿Y también ha estado aquí Nacho Duato? -Sí, aceptó la invitación y hemos tenido la primera actuación de la Nacho Duato Academy. Él ha venido a apoyarlos personalmente. -¿Cuál es el objetivo que define las actividades que organizas con Beta Pública? -La intención que nos mueve es mostrar la variedad y diversidad de la danza contemporánea de una forma placentera. Así generamos distintas modalidades en las que se alternan las clases con el espectáculo con el fin de difundir y disfrutar. -¿Está la danza contemporánea necesitada de difusión? -Sí, en realidad es una gran desconocida, en nuestro programa “Una mañana en Danza” hemos hecho en el C.C. Paco Rabal 7 funciones dirigidas a alumnos de los colegios, llenando todos los días. En total y a lo largo de estos 10 años han asistido más de 20 mil alumnos de toda la CM. -¿En qué consiste? -Enseñamos historia de la danza con historia de la humanidad, la sociedad y la cultura. -Ponme un ejemplo. -Pues, Cristina Cazorla, con su depurado estilo de escuela bolera les muestra como ese folklore del que surge todo tiene tanto que ver en el desarrollo de los pasos del ballet. Es muy claro que Noverre partió de ellos de esas pequeñas baterías tan típicas de los bailes populares. -Entonces las mañanas de “Una mañana en Danza”, son para los niños de los colegios. Pero la que denominas “Una tarde de Danza” es un espectáculo en el que intervienen los artistas de la Masterclass que habéis impartido ese mismo día en la sede de la Compañía Nacional de Danza, abierta a todo el que quiera participar. -Sí, este año hemos contado con Luis Martín Oya y Roberta Maimone. -Háblame un poco de ellos. -Luis Martín Oya es el  Director Adjunto de la Nacho Duato Academy en Madrid. Ha sido primer bailarín del CND con Nacho Duato. Ha bailado el repertorio de la CND, incluyendo piezas de  Jiri Kylian, William Forsythe, Ohad Naharin o Mats Ek, con los que tuvo ocasión de trabajar personalmente. Colabora en conservatorios, universidades y escuelas internacionales de danza como coreógrafo y maestro invitado especializado en trabajos de Nacho Duato. Con este taller sobre Nacho Duato, tratamos la pieza Na Floresta. -Y ¿sobre Roberta Maimone? -Viene de Italia e incorpora influencias de su formación en Italia, Países Bajos y España, incluidos impactantes encuentros con artistas como Jiri Pokorny y Marcos Morau. El taller se centró en la práctica MEM (Danza como Expresión), un viaje que involucra importante desafíos corporales y enfatiza el disfrute de la auto conexión a través del movimiento, priorizando, sin juzgar, el bienestar físico y mental, fomentando una exploración libre de las emociones y la música. Terminó con un fragmento de la pieza que presentó en Una Tarde de Danza 2024. -¿Cuánta gente se inscribió a la masterclass? -Entre oyentes y bailarines fueron 62 personas. -¿Cómo lo valoran? -Lo cierto es que se lo pasan muy bien, se dejan llevar siguiendo las directrices de estos grandes artistas, pero de forma que puedan adaptarse a los diferentes niveles. Los que no son profesionales aprenden lo que es la danza desde dentro, y los que sí son bailarines también me cuentas cosas positivas. -¿Se pueden compaginar estos distintos niveles en los asistentes? -Sí, porque la danza es una experiencia individualizada. Todos descubren algo. Como me han comentado algunos bailarines es que vuelven a valorar el goce de bailar, se olvidan del marcaje académico de ese un-dos-tres tan repetido, tan encorsetado, para retomar ese sentimiento interior que significa dejarse arrastrar por el movimiento. -El ensayo me ha gustado mucho, cada año nos soprendes con cosas diferentes. -Podría, si por mi fuera, idear muchos programas más, pero debo ceñirme a los medios que son escasos. Trato de sacar el máximo dentro de las posibilidades. -La pieza tuya, que se llama "Antesala", también me ha gustado mucho. Un vestuario muy original inspirado en la natación. ¿Quienes eran los bailerines? -Alejandra Deza, Bárbara Arrieta, Carmen Turcanu y Rubinel Ortiz. -Y después de "Antesala" aparece Alejandra Deza y su cubo, con "Cubea", impresionante danza acrobática con mucha estética. Me llama la antención como encajas piezas tan diferentes en un todo. -La programación es en términos generales una coreografía. Aunque son obras muy diferentes existe un orden y un armonía de conjunto. No es algo improvisado, sino muy meditado. -Después de Alejandra, programas un paso a dos intepretado por Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu, titulado "Sinergía", -Ellas expresan tan bien y con tan buena técnica esa relación que existe desde dentro, desde dos personas precindiendo del exterior... Eso es "Sinergía". -Y a continuación la pieza de Cristina Cazorla. -Me encanta Cristina, pues me interesa muchísimo esa búsqueda contemporánea que realiza de forma tan personal dentro de su campo de clásico español. Un placer contar con ella. -Roberta Maimone y Alice de Maio bailan "Alex", la obra en la que Roberta esta misma mañana basó su Masterclass, para cerrar con los bailerines de la Nacho Duato Academy y "Na Floresta". -Así es. Creo que el público va a disfrutar mucho y a conocer de primera mano el trabajo de un coreógrafo como Nacho, que es historia viva de la danza. Está siendo un décimo aniversario muy emocionante. MERCEDES ALBI Fotografía Alba Muriel

Entre el 9 y el 11 de febrero se ofrecerán cuatro funciones de Afanador: día 9 a las 19.30 horas; sábado 10 en sesión doble, a las 17.00 y a las 21.00 horas, y domingo 11, a las 18.00 horas. Estrenado el pasado mes de diciembre en el Teatro Maestranza de Sevilla, Afanador abre un nuevo camino en el repertorio del Ballet Nacional de España. El Ballet Nacional de España estrena en el Teatro Real de Madrid Afanador los días 9, 10 y 11 de febrero con una producción que hibrida la danza española con la contemporánea. Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por Andalucía y el flamenco... Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones. Son los personajes de estas fotografías los que han fascinado y movido a Marcos Morau, responsable de la idea y de la dirección artística, para la creación de esta nueva obra. “Ruven Afanador no “hace fotos”, las construye, las escenifica” Afanador nos guía por una galería de imágenes que trenzan las hebras del pasado y del presente, donde la danza española se encuentra con la contemporánea y donde prima el blanco y el negro de la fotografía en un drástico contraste que permite transformar el vestuario y la escenografía, diseñados por Silvia Delagneau y Max Glaenzel respectivamente, en cataratas, aludes y tempestades. Nos enfrentamos a una obra surrealista que subvierte lo conocido convirtiendo los elementos tranquilizadores de la tradición en extraños e irreconocibles. La coreografía ha sido realizada por el propio Marcos Morau, Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del Ballet Nacional de España. Grandes lazos, horcas y batas de cola acompañan la composición musical creada por Juan Cristobal Saavedra, y con la colaboración especial de la cantante y compositora Maria Arnal. Este camino por unos mundos que bailan por las lindes de lo onírico, la muerte y la vida vienen de la mano del dramaturgo Roberto Fratini Serafide, el diseño audiovisual de Marc Salicrú y el diseño de iluminación de Bernat Jansà. Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro. Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor “se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela.  Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”. El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de diciembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta. Marcos Morau nos propone entrar a ver Afanador “como en ciertos sueños, donde reconocemos los lugares, las personas, los paisajes y, sin terminar de comprender qué les sucede, sabemos que hablan de nosotros”. Fotografía Merche Burgos

DEL 24 DE ENERO AL 2 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SABADO 27 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SABADO 27 DE FEBRERO OFRECEMOS MASTERCLASS CON ROBERTA MAIMONE Y  LUIS MARTIN OYA (DIRECTOR ADJUNTO NACHO DUATO ACADEMY) ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,00 A 13,30. La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2023 han asistido a las funciones de UMD más de 21.000 alumnos/as y docentes. A este Décimo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán cerca de 2.500 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 24,25, 26, 30 y 31 de enero, 1 y 2 de febrero. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 5 compañías, incluyendo algunas que han participado en anteriores Ediciones de la Muestra Beta Pública, y termina con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: •              Cubea de Alejandra Deza. •           Na Floresta (Fragmento) de Nacho Duato por Nacho Duato Academy de Madrid. •              Sinergia de Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu. •              Quebranto de Cristina Cazorla. •              Un día, otro día de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 27 de enero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados Roberta Maimone (Italia) que presentará su pieza “Alex” y la Nacho Duato Academy con la pieza completa de “Na Floresta”. Esta X Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass, el sábado 27 de enero por la mañana, con Roberta Maimone y Luis Martín Oya ( Director Adjunto de la Nacho Duato Academy de Madrid). La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” del 27 de enero 2024 pueden adquirirse en https://www.entradas.com/artist/beta-publica/ o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función.