Resultados de la búsqueda

Durante la primera jornada del Debate sobre el Estado de la Región que se celebra desde hoy en la Asamblea de Madrid Díaz Ayuso anuncia la construcción de una nueva sede y teatro para el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila  Este complejo, que supondrá una inversión de más de 15 millones, estará en Las Tablas del distrito de Fuencarral-El Pardo de la capital  La infraestructura pública contará con 16 aulas de danza, cinco de teoría, de música, maquillaje y una polivalente La presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, ha anunciado la construcción de una nueva sede para el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de la capital y un teatro anexo específico para la danza. Así lo ha avanzado durante la primera jornada del Debate sobre el Estado de la Región que se celebra en la Asamblea de Madrid. Este nuevo complejo supondrá una inversión de más de 15 millones de euros y estará dedicado exclusivamente a la danza, con la previsión de comiencen sus obras de construcción durante este Legislatura. Se localizará en una parcela ubicada en el área residencial de las Tablas , en el distrito municipal FuencarralEl Pardo de Madrid. Con esta iniciativa, el Ejecutivo madrileño continúa impulsando las enseñanzas artísticas. La nueva sede contará con 16 aulas de danza, cinco de teoría, de música, maquillaje y otra polivalente. Además, dispondrá de una biblioteca con capacidad para fondo bibliográfico, audiovisual y fonográfico, despachos para el equipo directivo, secretaría, producción, administración y coordinadores de departamentos, otras seis salas de departamento, una para profesores y otra de fisioterapia. Asimismo, tendrá un gimnasio, almacenes para vestuario y escenografía, vestuarios de alumnos, profesores y personal del conservatorio, así como comedor y cafetería y un aparcamiento. Por su parte, el teatro adyacente será diseñado específicamente para la exhibición de espectáculos de este arte, con las dimensiones, escenario y aforo adecuados para tal desempeño. Así, este nuevo foro madrileño de la danza incluirá foso de orquesta, camerinos para bailarines y vestuarios para los músicos. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Suma Flamenca se adentra, de Ronda a Cartagena, por el territorio flamenco oriental en una edición con 45 espectáculos y 15 estrenos absolutos El gran festival de arte jondo de la Comunidad de Madrid reunirá a 241 artistas del 15 de octubre al 3 de noviembre en Madrid, San Lorenzo de El Escorial, Rascafría y La Cabrera  Entre sus catorce estrenos absolutos figuran Andenes del tiempo de Vicente Amigo, El Gallo Azul de Israel Fernández, Yesqueros de Pepe Habichuela, Cuadrar el círculo de Rocío Molina, Tierra Virgen de Marco Flores, La Poeta de Alfredo Lagos y Adelante y por derecho de Jorge Pardo trío  En la larga nómina de artistas participantes en los 45 espectáculos de esta edición brillan Manuela Carrasco, Carmen Linares, Belén Maya, Joaquín Grilo, Marina Heredia, Vicente Amigo, Tomasito, Juana Amaya, José del Tomate, Yerai Cortés y Gerardo Núñez   El Ateneo acogerá como anticipo del festival la exposición El flamenco en la dramática luna negra. La discografía flamenca a través de los fondos de la Colección Carlos Martín Ballester   Un ciclo de conferencias y actuaciones, también en el Ateneo, plantearán del 1 al 5 de octubre cinco miradas desde el Tajo de Ronda hacia el Oriente Flamenco por las rutas del cante, que constituirán el fondo teórico que desarrollará Suma Flamenca en sus espectáculos  El flamenco del Oriente peninsular, en un territorio que va de la localidad malagueña de Ronda a la murciana Cartagena, dejará su impronta en la decimonovena edición del festival Suma Flamenca , que organiza la Comunidad de Madrid y que ha presentado esta mañana el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano .   Entre el 15 de octubre y el 3 de noviembre 241 artistas de todo el territorio nacional mostrarán su talento a los amantes del arte jondo en Madrid en 45 espectáculos, 15 de ellos estrenos absolutos y 19 estrenos en la Comunidad de Madrid.  A través del baile, el cante y la guitarra, el festival trazará un recorrido por las aportaciones flamencas de Málaga, Jaén, Granada y Almería, con La Unión y Cartagena. Además, en fechas previas a Suma Flamenca, el Ateneo de Madrid acogerá la exposición El flamenco en la dramática luna negra. La discografía flamenca a través de los fondos de la Colección Carlos Martín Ballester y un ciclo de cinco ponencias, con actuaciones en directo en torno a ese flamenco oriental que vertebra la edición de este año. Bajo el lema Oriente flamenco. De Ronda a Cartagena , Suma Flamenca amplía, por tanto, su mapa de sonidos flamencos en esta quinta edición que dirige Antonio Benamargo , en las que ha ido recogiendo, entre otras, la tradición de Cádiz, Jerez, Los Puertos y Campo de Gibraltar en Al Sur del Sur y la del Madrid flamenco como lugar de captación de lo flamenco y foco irradiador.  Entre los catorce estrenos absolutos de esta edición figuran El Gallo Azul de Israel Fernández , Yesqueros de Pepe Habichuela , Cuadrar el círculo de Rocío Molina , Tierra Virgen de Marco Flores , La Poeta de Alfredo Lagos , Andenes del tiempo de Vicente Amigo y Adelante y por derecho de Jorge Pardo trío .  Además de estos artistas, en la larga nómina de participantes en los 45 espectáculos de esta edición, brillan también Manuela Carrasco , Carmen Linares , Belén Maya , Joaquín Grilo , Marina Heredia , Vicente Amigo , Tomasito , Juana Amaya , José del Tomate , Yerai Cortés y Gerardo Núñez . Aunque el grueso de la programación del festival se desarrolla en la ciudad de Madrid, la voluntad descentralizadora del Festival lo extiende a tres municipios de la Comunidad: San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III) La Cabrera (Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte) y Rascafría (Real Monasterio de El Paular).  El festival se realizará en once escenarios: los citados fuera de la capital, más tres en Teatros del Canal (Sala Verde, Sala Negra y Sala Roja), el Ateneo de Madrid, el Teatro de La Abadía, los Centros Culturales Paco Rabal y Pilar Miró de Vallecas y la Sala Cuarta Pared.  Bailaoras y bailaores  Bailaoras y bailaores mostrarán el trabajo de investigación y depuración en la raíz y en la vanguardia de sus creaciones. En el Festival bailarán artistas como Manuela Carrasco , Ana Pastrana , Belén Maya , La Tacha , Patricia Donn , El Choro , Paloma Fantova , Lucía Campillo , La Lupi , Joaquín Grilo , Lucía Ruibal , Mónica Iglesias y Belén López .   En este apartado del baile destacan, sobre todo, los estrenos absolutos de cinco espectáculos. Rocío Molina dará a conocer en Teatros del Canal la performance Cuadrar el círculo. Improvisación sobre una cosa o más cosas. También en Teatros del Canal, Marco Flores levantará en Tierra Virgen ese espacio idealizado en el que lo jondo, lo clásico y lo actual se acercan, y las líneas divisorias entre estilos y escuelas se desdibujan para convertirse en áreas fronterizas donde caben reinterpretaciones de ese arte flamenco.    Juana Amaya traerá en Amaya su baile ancestral (San Lorenzo de El Escorial) en un ejercicio de desnudez artística. Mónica Iglesias , por su parte, bailará en Del ciprés al jazmín. Ciprés y Azahar (La Cabrera) un flamenco ortodoxo que se entrega a la fantasía que suscitan los olores de la Andalucía más oriental. Y Carmen La Talegona narrará en Tríada (La Cabrera),a través del baile, el cante y la guitarra, la historia de tres hermanos separados al nacer y criados en culturas distintas, pero unidos por un destino común.   Recitales de cante   Los recitales de cante correrán a cargo de Carmen Linares , Marina Heredia , Pedro el Granaíno , María Terremoto , Bonela hijo , Laura Marchal , Antonio Campos , Curro Piñana , Rafael Jiménez "Falo" , Aurora Vargas , Laura Vital , José Canela y La Casa de los Sordera ( Enrique , Lela y Vicente Soto ), más quienes presentarán estrenos absolutos: Israel Fernández lo hará con El Gallo Azul , nombre de un local destino de los grandes artistas jerezanos de principios del siglo XX. Fernández evocará en Teatros del Canal a alguno de los artistas que más le han inspirado e influido en su trayectoria, todos ellos jerezanos como Manuel Torre , Antonio Chacón , Juanito Mojama , Isabelita de Jerez , La Pompi , El Gloria y Sernita .   Ezequiel Benítez estrenará en el Centro Cultural Paco Rabal 30 años de cante , una celebración de su trayectoria que resume con lo mejor de sus últimos cinco discos. Y Paco del Pozo homenajeará en el mismo espacio escénico a un gran poeta y flamencólogo en A Félix Grande . Cantando poemas adaptados a cantes tradicionales y a obras creadas expresamente para el espectáculo, Del Pozo nos sumerge en la obra y el recuerdo de un maestro de la literatura, con una elegante puesta en escena del cineasta Emilio Ruiz Barrachina .   A ellos se suman dos galas muy especiales en Vallecas: la del cantaor y bailaor Tomasito de nuevo en el Centro Cultural Paco Rabal, donde, junto a su banda, repasará los grandes clásicos de su carrera, centrándose también en su último disco agustisimisimo y Las Mónicas de Cádiz en el Centro Cultural Pilar Miró, que en Cuando se entra por Cai realizan un viaje a la idiosincrasia gaditana. Tras siete años de descanso como grupo, Las Mónicas retornan para despertar la sonrisa y el corazón del espectador.  Guitarra en concierto   La especialidad de guitarra en concierto estará representada por Vicente Amigo , José del Tomate , José María Gallardo & Miguel A. Cortés , Antonia Jiménez , Yerai Cortés y Gerardo Núñez (acompañado en Guitarra desnuda por los guitarristas Canito , Álvaro Martinete , Ricardo Moreno , Jerónimo Maya y José Quevedo "Bolita" ), y especialmente por Pepe Habichuela y . El primero, miembro de una de las dinastías más importantes de la guitarra flamenca, estrenará en Teatros del Canal Yesqueros , nombre de la plaza granadina donde nacieron los Habichuela. En este espectáculo recuerda con un toque de jondura, sensibilidad, duende y compás su infancia y sus primeros años de vida compartidos con sus hermanos en una cueva.  Lagos, por su parte, presenta La Poeta (Teatros del Canal), inspirado en la vida y la obra de Alfonsina Storni , la gran poeta argentina nacida en Suiza. La guitarra de Lagos y la danza de Belén Maya se funden para contar una vida plagada de turbulencias, pero también de mágica literatura y arte. Otros instrumentistas en concierto serán la arpista Ana Crismán con la colaboración de Jesús Méndez y Jorge Pardo trío , flauta y saxo, con el estreno absoluto en Teatros del Canal de Adelante y por derecho , una muestra de cómo la flauta y el saxo han aportado nuevos registros y expresiones al flamenco.  Por último, JuanFe Pérez & Agustín Diassera , bajo y percusión respectivamente, con Sandra Carrasco y Dani de Morón de invitados, presentarán en exclusiva para Suma Flamenca (Teatros del Canal) Semilla , un espectáculo innovador, que desentraña la riqueza conceptual de los distintos palos del flamenco, utilizando la tímbrica, la rítmica y la improvisación colectiva como sellos de identidad únicos.  Historia discográfica y un recorrido por el Oriente flamenco  En fechas previas al festival propiamente dicho, el Ateneo de Madrid acogerá en octubre en la Sala Anselma la exposición  El flamenco en la dramática luna negra. La discografía flamenca a través de los fondos de la Colección Carlos Martín Ballester , que se inaugurará el 1 de octubre y permanecerá abierta hasta el 29 de este mes.  La muestra recorre la historia de la discografía flamenca, desde sus orígenes, con la invención del fonógrafo de Edison en 1877, hasta la aparición del disco plano (78 rpm) como soporte de grabación a finales del siglo XIX y su ocaso con la llegada del disco de microsurco o vinilo. Se mostrarán diversos aparatos reproductores, así como otros documentos relacionados con el flamenco. En el mismo Ateneo, el Auditorio Cátedra Mayor acogerá del 1 al 5 de octubre cinco ponencias y sus respectivas actuaciones en directo, que plantean otras tantas miradas desde el Tajo de Ronda hacia el Oriente Flamenco por las rutas del cante, y que constituirán el fondo teórico que desarrollará Suma Flamenca en sus espectáculos.  En estos territorios se gestaron cantes propios y variedades de otros, como se expondrá en las ponencias del ciclo. La primera de ellas, Málaga cantaora , a cargo del flamencólogo Ramón Soler , destacará cómo se configuraron malagueñas, fandangos abandolaos (rondeñas, jaberas, jabegotes…) en localidades fundamentales como Málaga capital, Ronda, Vélez-Málaga y Álora. Ese día actuarán Bonela hijo , cantaor de Málaga, y el guitarrista Rubén Lara .   La segunda ponencia, Jaén, cantaora y minera , que abordará el flamencólogo Gregorio Valderrama , contará con la actuación de la cantaora jienense Lara Marchal y el guitarrista Juanito Campos . Condicionada por su orografía, sus olivares y la minería, esta provincia ha dado grandes artistas como Juanito Valderrama , Rafael Romero , Gabriel Moreno y Carmen Linares . En Almería dorada , Antonio Sevillano , flamencólogo, explicará cómo a partir del primigenio fandango, Almería hunde sus raíces preflamencas en los llamados ‘aires nacionales’, y cómo la taranta, su genuino y autóctono cante, se expandió a las cuencas mineras de Linares, La Carolina y la sierra y el campo de Cartagena. Ilustrará musicalmente este universo almeriense José del Tomate Trío , formado por José del Tomate (guitarra), Cristi Santiago (segundo guitarrista) y Jony Cortés (percusión).  Antonio Campos evocará en Aires de Graná el Camino de Sacromonte, antes la llegada del gran Silverio Franconetti , y la difusión que hicieron en los años 20 del pasado siglo los escritores románticos franceses e ingleses de Granada y sus gitanos por Europa. El propio Campos, cantaor de Granada, actuará acompañado del guitarrista Miguel Ochando . El ciclo de ponencias lo cierra Curro Piñana con La Unión y Cartagena , ruta flamenca de la sierra minera y claro ejemplo de cómo el flamenco y sus elementos musicales como el fandango han evolucionado hacia unos cantes libres llenos de magia y expresividad. Piñana, natural de Cartagena, cantará, al ritmo del guitarrista Juan Ramón Caro , los cantes de esta zona.

A la manera de un cuadrilátero, aunque de tres únicos lados, se configura el espacio en el que tiene lugar la "Sensual texion" de EYAS Dance Project , que ha inaugurado estos días el ciclo Canal Baila. EYAS es una compañía de danza contemporánea y estudio de producción artística y cultural, fundada en 2018 por los codirectores , creadores y bailarines Carlos González y Seth Buckley . Su planteamiento es completamente original porque logran absorver al público y arrastrarlo a un mundo de inesperada fantasía sin barreras. Desde su fundación, EYAS ha presentado trabajos en Alemania, Bélgica, Italia, Polonia, Taiwán, Estados Unidos, Suecia y España, en festivales como Madrid en Danza, MASDANZA, Festival Dansa Valencia, Abril en Danza, Festival Dantza Hirían, Menorca en Danza. , Tendance Festival (Latina, Italia), Festival Trayectos, FIND Festival (Cagliari, Cerdeña) entre otros, recibiendo numerosos galardones y reconocimientos. En realidad el arte es una experiencia , y eso es lo que son EYAS Dance Proyect: creadores de experiencias. En "Sensual Texion" se dejan fluir y aman el contraste completamente alejados de cualquier encorsetamiento. Su base creativa radica en la iluminación, a través de ella los cuerpos de los bailarines configuran el espacio. Los 4 intepretes: Itxa Sai, Carlos González, Elena Gómez y Seth Buckley proyectan con sus movimientos las luces y las sombras , las interaccionan y varían todo el tiempo. El espacio sonoro queda perfetamente adaptado a la luz, por ejemplo, se genera una escena en las que unos láseres, que proyectan rayas simétricas rojas a ras del suelo, suenan como cuerdas de un instrumento. Pero no son nada reiterativos , no se anclan y jamás aburren. La dramaturgia subyacente también colabora a ese contraste que conduce al espectador hacia lo inesperado. Si el "hacedor" o personaje enmascarado situado en la posición de director de los mandos -no olvidemos el papel de la máscara como configurador del personajes en el teatro griego- rompe bruscamente el hechizo inicial, y cuando parece que nos dirigimos a una especie de encuentros en la tercera fase, zas , baja de su podio para convertirse en una limpiadora que se queja y pasa la mopa, iniciando una fase de humor y de aproximación al público . Porque, finalmente, consiguen hacerlos participar a todos en el festivo ritual. La danza configura un lugar que va cambiando, soprendiendo al espectador y arrastrándolo hacia un nuevo ámbito lúdico. MERCEDES ALBI

Un panorama de la mejor danza española contemporánea y flamenca, conforman las diez producciones que se estrenan en el ciclo coreográfico de Canal Baila , punta de lanza de la intensa programación y actividad en torno a la danza que desarrolla el Centro Coreográfico Canal de la Comunidad de Madrid en Teatros del Canal Entre el 5 de septiembre y el 20 de octubre en la Sala Negra de Teatros del Canal , el público podrá conocer los diez montajes seleccionados en este programa de residencias. Estas se realizan en dos modalidades: investigación y creación. Canal Baila se nutre de las obras gestadas en las residencias de creación , de dos meses de duración, que se estrenan anualmente en este ciclo. La compañía creada en 2018 por Carlos González y Seth Buckley EYAS Dance Project inaugura la muestra el 5 y 6 de septiembre con Sensual Texion: Reloaded , una innovadora obra de danza que defiende el poder, la belleza y lo natural de todos los cuerpos e identidades. El 10 y 11, la bailarina y coreógrafa barcelonesa Marta Nogal (1988), formada en la danza flamenca y española, presenta Expectativas , cuyo origen creativo y conceptual procede de una reflexión sobre la salud mental y el concepto de la identidad. Y el 13 y 14 Alejando Lara Dance Project presenta Latido y tañido , de danza española y flamenco, donde fusiona la tradición y la modernidad, reinterpretando algunas de las piezas musicales clásico-españolas más emblemáticas con un sonido más innovador y actual. A este mismo género se adscribe Dama de noche , que la bailaora cordobesa Marta Gálvez estrena el 19 y 20 de septiembre, y en la que viaja por las distintas fases del proceso de transformación de la flor llamada justamente dama de noche. El 24 y el 25 de septiembre Miller de Nobili exhibe There Was Still Time II . La pareja formada por la italiana Maria Chiara de Nobili y Alexander Miller crearon este grupo durante el confinamiento de la pandemia de Covid en 2020. Fundiendo breaking dance , danza contemporánea y el teatro, su nuevo montaje se inspira en una de las obras teatrales fundamentales del siglo XX, Esperando a Godot, de Beckett, y en ella exploran sus reiteraciones dramáticas en el contexto de la sociedad moderna. Helena Martín , con una sólida trayectoria en el flamenco y la danza española, cierra las funciones de septiembre en Canal Baila (28 y 29) con Carne de perro , una pieza que proclama la belleza de compartir, acompañar y sostener el dolor ajeno. En octubre (3 y 4), Norbert Servos y Jorge Morro de Dancelab Berlín estrenan OUT-CAST – Woyzeck. Baila! , un dúo de danza contemporánea inspirado en el drama Woyzeck de Georg Büchner. Prototipo histórico de un marginado social, el Woyzeck de este espectáculo habla de los que viven al margen de la sociedad, en este caso de la situación dramática de los migrantes. Sin dinero y sin perspectivas de futuro, según los creadores OUT-CAST – Woyzeck. Baila!, a veces pierden el contacto con la realidad y pasan de ser víctimas a victimarios. La obra trata de la búsqueda de la felicidad y de la imposibilidad de alcanzarla. Mariana Collado y Lucio A. Baglivo estrenarán La revolución… de las flores (8 y 9 de octubre) en compañía de Alfonso Acosta de La Ridícula Danza, un montaje de danza española, danza contemporánea y teatro. Mar Aguiló regresa a Canal Baila con Swans el 12 y 13 de octubre, planteando una reflexión sobre el lugar que ocupa la danza clásica en las bailarinas que se enfrentan desde pequeñas al mundo profesional de la danza. “ Todas hacen el cambio de niñas en el mundo de las fantasías a adultas en el mundo de las realidades corporeizando el ballet”, según la información del espectáculo. Ese camino solo es posible “si se profesa un amor sublimado por este arte y por lo que él exige de ti” y pide “lo imposible”. Ello se refleja en los segundos actos de los grandes ballets románticos, donde se plasman “la oscuridad y su belleza, las princesas cisne, las sílfides, las willies , la muerte, la inocencia eterna”. Swans explora esa identidad alterada de las bailarinas. Laia Santanach clausurará Canal Baila el 19 y 20 de octubre con JARANA , una propuesta de danza contemporánea que precisamente invita a la reflexión sobre la importancia de preservar las celebraciones tradicionales y a la vez a la exploración de nuevas formas de expresión colectiva en un mundo cada vez más cambiante y tecnológico. Santanach cierra con JARANA un ciclo de tres trabajos de investigación sobre las prácticas colectivas tradicionales en las que, según la coreógrafa, se encuentra la raíz de la necesidad humana de conexión y pertenencia. &&&&&&&&&&&&&&&&&

"LATIDO Y TAÑIDO" es el tercer espectáculo producido por la compañía ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT. Interpretada por 8 artistas en escena y música en directo, la obra reinterpreta la música clásicoespañola con un sonido más actual. Explora la relación entre el latido del corazón y el tañido de los intrumentos de cuerda como recurso artístico. ESTRENO: vie 13 y sáb 14 de Septiembre 2024 LUGAR: TEATROS DEL CANAL, MADRID IDEA ORIGINAL: Alejandro Lara DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Alejandro Lara ASISTENCIA DE MOVIMIENTO: Adrián Manzano DIRECCIÓN MUSICAL Y MÚSICA ORIGINAL: Victor Guadiana ILUMINACIÓN: José Antonio Villegas IDEA ORIGINAL VESTUARIO: Alejandro Lara VESTUARIO: Yaiza Pinillos, Armiche, Pilar Cordero, Merche Alcocer, El Baúl de la Mota y Alejandro Lara BAILARINES: Elena Palomares, Laura Vargas, Marina Bravo, Adrán Maqueda, Diego Olmier y Alejandro Lara MÚSICA EN DIRECTO: José Almarcha (guitarra) y Victor Guadiana (violín) PRODUCCIÓN: ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT CO-PRODUCCIÓN: Teatros del Canal ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT Fundada en 2021 por el bailarín y coreógrafo Alejandro Lara. ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT es una compañía de Danza Española y Flamenco que surge a partir de la necesidad de creación; y como una oportunidad para desarrollar un lenguaje artístico personal creando nuevos movimientos y sonidos. La compañia se caracteriza por su estilo auténtico, identitaro y vanguardista que fusiona el arraigo y la tradición con la modernidad produciendo piezas únicas y actualizadas. Su principal objetivo es promover e inculcar a lo largo del territorio español, y el resto del mundo, la cultura y la danza española mediante la creación de espectáculos con un lenguaje artístico propio. En ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT nos dedicamos a crear espectáculos con un alto nivel de calidad y manteniendo siempre un espíritu de innovación, y un sentido artístico propio y vanguardista. Actuando siempre con respeto hacia la tradición y cultura española, nuestros instrumentos de inspiración. Nacida en tiempos de crisis, y cuando el mundo aún tenía miedo; la compañía se destaca por auto producir espectáculos de primer nivel que han alcanzado un éxito internacional y que la sitúan como una de las compañías privadas de danza españolas más relevantes. Con "Latido y tañido" la compañía ha producido 3 espectáculos, los dos anteriores: -FANTASÍA : presenta es un recorrido por tres piezas creadas con el fin y la necesidad única de expresar un movimiento escénico y una forma de Danza Española adaptada a la calidad técnica y visual de la actualidad. El espectáculo ha alcanzado más de una treintena de representaciones, la mayoría de ellas con localidades agotadas. Se ha presentado a lo largo del territorio Español y en países como Francia, Egipto y Corea del Sur. - IRREVERENTE Su creación se apoya coreográfica y visualmente en las raíces estéticas más características y ortodoxas del la Danza Española (como paralelismo a la riqueza cultural española), y contrasta a su vez con un nuevo renacer creativo mucho más espontáneo y arraigado hacia el flamenco más puro y actual. En colaboración con Rubén Olmo, actual director del Ballet Nacional de España, la obra cuenta con 11 artistas en escena, música original y más de 40 piezas de vestuario. Con más de una decena de representaciones el espectáculo sigue disponible para su distribución. ALEJANDRO LARA Alejandro Lara Madrid, 1993 31 años Bailarín, Coreográfo y Director Artístico Fundador ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT Bailarín desde los 8 años. Su formación profesional inicia cuando es admitido en el Real Conservatorio Profesional de Danza “Mariemma”, donde se forma con maestros como: Merche Esmeralda, Currillo, Beatriz Martín, Mariló Uguet, Paco Pozo y Arantxa Camona, entre otros. Desde sus primeros años de formación toma parte activa en los talleres coreográficos del conservatorio, interpretando papeles en calidad de solista con coreografías de Manuel Liñán, José Antonio Ruiz, Arantxa Carmona, Miguel Fuente y Antonio Pérez. Finaliza sus estudios en Julio 2014 y desde entonces es requerido por diferentes compañías como: Cía. Aida Gómez, Yoko Komatsubara, Ballet Flamenco de la Unión, Cía. Antonio Márquez, Ballet Teatro Rafael Aguilar, Ibérica de Danza, Ballet del Teatro de la Zarzuela, Enclave Español, Cía. Antonio Gades, Cía. Antonio Najarro, Cía. Ángel Manarre. Colaborando como solista para la mayoría de las mencionadas compañías. Como parte de su profesión coreográfica ha desarrollado piezas para diversos bailarines de: El Ballet Nacional de España, Ballet Flamenco Yoko Komatsubara, Ispasion Ensemble, Taller Coreográfico del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, Institut del Teatre. En 2021 crea la compañía ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT y autoproduce su primer espectáculo #FANTASÍA, que consigue más de una treintena de representaciones A lo largo de su trayectoria ha sido premiado con: Primer premio a la coreografía “Pujanza” en el “XII Certamen Internacional de danza y Artes Escénicas” Segundo premio de coreografía grupal por la pieza“Danzas Fantásticas” en la XXVI° Ed. del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco Primer premio de coreografía de Solo por la pieza “Por la Calle Solitaria” en la XXVII° Ed. del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco Primer proyecto coreográfico de danza española residente en la Compañía Nacional de Danza

Cuando en la rueda de prensa de presentación de Generaciones del BNE en el Teatro de la Zarzuela, Mónica Fernández casi no pudo articular palabra y dijo para justificar su emoción: "éste es un momento tan importante para nosotros, que no somos mediáticos...", decidí entrevistarla pues pensé que no podía hablar de tanto que tenía que decir. No me equivocaba, las sensaciones nunca engañan. Al consultar sus redes sociales, leí que incluso había escrito un decálogo, lleno de sabiduría, de lo que significa en su vida ser artista: •        Que no es oro todo lo que reluce. •        Que el ego te destruye. •   Comenzar un proyecto maravilloso y cuando se termine, comenzar de cero. •       De no tener un fin cuando comienzas algo, si no, solamente el de dar y disfrutar de lo que te rodea en ese momento. •        De tratar a todos por igual. •       De que en el arte uno no se casa con nadie. •       Que la humildad nos lleva hasta el infinito y más allá. •       Que al escenario se sale con la cabeza fría y el corazón caliente. •       De no vivir de los recuerdos y seguir trabajando todos los días. Mónica, entregada al flamenco que comparte con su marido, el también bailaor Pol Vaquero, con el que ha compartido casi treinta años..., es artista de los pies a la cabeza, meticulosa y pasional a partes iguales. Quedo con ella antes de que se abran las puertas del teatro, el patio de butacas está vacío, todo duerme a punto de despertar. Siento sus nervios, le agradezco su amabilidad al recibirme. Pronto saldrá al escenario donde baila las alegrías de "Grito" junto a su marido. -¿Cuándo decidiste dedicarte a la danza? -Nací en  Cornellá de LLobregat. A mí de niña me encantaban las clases de ballet a las que me apuntaron como actividad extraescolar a los siete años. Pero mi padre, que era era muy aficionado al flamenco, frecuentaba el ambiente de las peñas. Todos los domingos por la mañana nos reuníamos allí y fuí cambiando la zapatilla por el zapato. Nunca me planteé otra cosa a la que dedicarme que no fuera a bailar, creo que lo supe desde siempre. -¿Ese ambiente de ebullición flamenca que conociste de niña en las peñas catalanas, ha muerto? -Ya no es como era, muchas peñas han desaparecido. -¿Quiénes fueron tus maestros? -Cuando las escuelas de barrio sentí que se me quedaban pequeñas, fuí a Barcelona y entré en la Escuela de José de la Vega. Era un lugar maravilloso en el que estudiábamos todas las disciplinas de la danza española. Al final de cada curso viajábamos a Sevilla a examinarnos y sacarnos la carrera. -¿Por qué te decantaste por el flamenco? -Me fui dando cuenta que por mí físico y condiciones era lo que más me gustaba. Y aquí entra otra persona fundamental en mi vida: La Chana. -Has tenido mucha suerte con tus maestros. Recuerdo un documental magnífico sobre La Chana. La Chana es un ser especial que ha tenido una vida complicada. Me ha influido mucho y todavía la llamo cuando necesito un consejo. Fue la que me dijo: "Moni , tienes que irte a Madrid..." Al principio, mis padres eran reticentes porque les daba miedo por mi, yo era muy joven. -¿Tenía La Chana alguna escuela? -No, ella no tenía escuela propia. Es una artista muy visceral, hace solo lo que siente, y nunca daba clases a un grupo sin más, sino que escogía a quien deseaba y formaba su pequeña compañía con los seleccionados. "Te voy a dar clase a ti y a ti"... Entonces, le prestaban alguna sala en alguna academia. -Eso que denominas "visceralidad" está cambiando, hay mucha mayor uniformidad y técnica. Sin embargo, Antonio Canales, que es otro de los personajes artísticos de tu vida, sigue conservando aquello que tenían los maestros antiguos. -Sí, Antonio, tiene mucho de los viejos maestros. -Por lo que veo, te has forjado entre personalidades artísticas muy fuertes. -Totalmente, y tengo en mí algo de cada uno de ellos. Eso me ha llevado a comprender la humildad, porque admiras a alguien soberbio sobre el escenario, y luego, cuando le conoces de tú a tú, es tan normal, tan cercano... Los grandes de verdad son humildes. Hasta que no pasa el tiempo no eres consciente de lo que vives, entonces miras atrás y te das cuenta de lo afortunada que has sido. -¿Cuándo conociste a Antonio Canales, de cuya compañía eres ayudante de dirección? -Una noche, me dijo mi padre, vamos a ir a ver a un bailaor que se llama Antonio Canales. Me senté en esa butaca del teatro y al verle bailar los tangos, me dije: yo tengo que bailar con ese hombre. -Y personalmente, ¿en qué momento? -En un cursillo, luego me vine a Madrid y fuí a unas clases que impartía en la Nave de las Terneras. -¿Era en El Matadero? -Sí, antes de que se hicieran los actuales teatros. Era una nave totalmente vacía. Antonio daba allí sus clases, pero no cobraba nada, solo se pagaba simbólicamente llevando algo de comida que luego donaba a alguna institución benéfica. -¿Y entraste en su compañía? -Primero como oyente. En "Torero" comencé haciendo de manola, aunque en esa producción he hecho todos los papeles, he sido la madre y hasta el toro. Desde entonces he bailado en todas sus producciones. -¿Cuantos años llevas colaborando con él? -Veintinueve. -¿Qué rasgo destacarías suyo como jefe? -Su nivel de exigencia. De él he aprendido todo. Antonio que puede aparentar tener un carácter alegre y desenfadado, pero en realidad, tiene un nivel de perfección que nadie imagina, no se le escapa una. Eso me hace, como ayudante de dirección,  no poder dejar pasar por alto ningún detalle, y eso que no lo anoto, no tengo ningún cuaderno, todo lo llevo de la cabeza. -¿ Cómo conoces a tu marido, Pol Vaquero? -Le conocí en la compañía de Canales. -Ahora es un placer poder veros bailar esas "alegrías" de Grito, que habéis montado para el Ballet Nacional. Se nota vuestra compenetración. -Llevamos casi toda una vida juntos, es mi otra mitad. Nos casamos en el 2.000 -Vosotros qué habéis bailado en los mejores tablaos, me podrías contar si encuentras diferencia con el baile escénico, porque muchas veces la transición de uno a otro es difícil. -El flamenco en el teatro es mucho más medido, más preparado, más encorsetado, más ensayado....y el flamenco es espontaneidad, inspiración, pureza, creo que para bailar bien flamenco hay que pasar por el tablao sí o sí. - Entonces, ¿te gusta más el tablao que el escenario? -No, a mi el flamenco sobre escenario me apasiona, te posibilita crear una historia con una solea o una seguidilla y adornarla con muchos más medios. Pero soy una defensora del tablao en el sentido que lo considero  primordial para un bailaor o bailaora. -¿Por qué? -Es donde te curtes. Ten en cuenta que en el tablao no se ensaya, es puro instinto, te hace desarrollar una intuición que considero completamente necesaria en el flamenco. Yo soy defensora del tablao siempre, necesito el tablao casi a diario, necesito esos nervios, ese no saber lo que va a pasar cuando piso las tablas. Es algo imposible de explicar con palabras. - En paralelo a vuestra actividad en la Compañía de Antonio Canales habéis desarrollado vuestro propio camino. Háblame de ello . -Nuestras primeras producciones fueron ANTOJO y A CAL Y CANTO. Pol y yo creamos este par de suites flamencas con mucho cariño y con el ímpetu de la juventud, carentes de pretensiones, guiados por nuestro enorme deseo de bailar. Y luego, llegó el espectáculo en solitario al que le tengo más cariño: COMADRE. -¿Qué significó para ti? -Lo creé después de unos años difíciles para mí y la necesidad de contar para sanar. Fue una creación muy lenta pero maravillosa, por qué cree un equipo para ellos que me entendía a la perfección lo que quería contar. Tuve a Gala Vivancos de artista invitada. Dio el toque exquisito al espectáculo. Ella era mi otra mitad. Y luego dos compositores musicales Luky e Iván Losada, que son mi banda sonora, los directores musicales que me acompañan siempre. LA TARARA y FLAMENCAS AL PODER, se crearon en con ellos en la parte musical conjuntamente con mi coreografía. -En tu viaje artístico siempre te acompaña mucho talento. -Es un viaje tan rico que es imposible nombrarte a todo el mundo. Por ejemplo, el maestro Manolete. La etapa que estuve con él fue maravillosa y de mucho aprendizaje. Ver a un hombre tan pequeño hacerse tan grande en el escenario y hacerse dueño de todo el espacio con aquellas cuartas maravillosas; su calidad humana, como trataba a todo su equipo…para mí ha sido un artista que se le ha reconocido muy poco y creo que las nuevas generaciones deberían pararse en él y estudiarlo.  - ¿Estás feliz bailando aquí en este impresionante Teatro de la Zarzuela con el Ballet Nacional de España? -Mucho. Yo cuando hago un trabajo, me entrego por completo, llego incluso a la extenuación. No pienso en el mañana, lo que venga es siempre para mí como un nuevo comienzo desde cero. MERCEDES ALBI

Había una inusual emoción en la que iba a ser la última rueda de prensa de la temporada del Teatro de la Zarzuela , según advirtió su nueva directora, Isamay Benavente . Una vez finalizada la rueda y deshecho el corrillo la escuché decir: “¡qué bien ha salido esta rueda!”. Rubén Olmo , director artístico del Ballet Nacional de España” estaba flanqueado a un lado por Antonio Canales, el director de orquesta Manuel Coves y Elna Matamoros; y por otro, además de Isamay, los artistas invitados: Mónica Fernández, Pol Vaquero y Juan José Jaén, El Junco. A Isamay Benavente, directora del Teatro de la Zarzulela, la escuché decir: “¡qué bien ha salido esta rueda!”. Había mucho que transmitir, esa es la sensación que tuve, y si Rubén es una persona de verbalidad contenida, tenía el complemento de Antonio Canales que con su irradiación de marcada personalidad se convierte en centro del lugar , aunque no se lo proponga . Alabó al director del que dijo “Rubén forma parte de mi vida, desde siempre”… Y es que Antonio Canales es el vínculo del tiempo en este programa, merece por tanto cerrarlo con sobrado mérito, porque la piel cambia, pero las vivencias se acumulan. Él conoció la gestación de “Ritmos” de Alberto Lorca , que abre el programa todos los días; luego se alternan 2 solos: “Pastorela” de Antonio Ruz y “Jacaranda” de Rubén Olmo ; terminando con “Grito" de Antonio Canales . Antonio Canales que con su irradiación de marcada personalidad se convierte en centro del lugar, aunque no se lo proponga. Alabó al director del que dijo “Rubén forma parte de mi vida, desde siempre”… Es la travesía a través de varias “generaciones” que da título al programa porque los tres bailarines invitados, son el siguiente eslabón. Mónica Fernández, no pudo articular palabra por la emoción, “este es un momento muy importante para mi, para nosotros que no somos mediáticos” (refiriéndose a su marido Pol Vaquero), pero “amas la danza de corazón”, le respondió Canales. Me quedé pensando que me gustaría entrevistarla, si acepta. En cuanto a Juan José Jaén “El Junco” , Rubén alabó su pureza flamenca, pues piensa que su estilo encarna al de Antonio y como él, baila los Tientos de forma maravillosa. Fue de casualidad cuando lo vio actuar en el Corral de la Morería y concibió la idea de invitarlo al BNE. Juan José al recibir la llamada telefónica con la propuesta contó que “me tuve que sentar de la impresión”. Es la travesía a través de varias “generaciones” que da título al programa porque los tres bailarines invitados (Mónica Fernández, Pol Vaquero y Juan José Jaén, El Junco), son el siguiente eslabón. Elna Maramoros nos ha presentado su s exto cuaderno didáctico, que trata de la Danza Estilizada. También relató anécdotas muy divertidas como que una vez Alberto Lorca le contó que para la música de Ritmos indicó al compositor José Nieto que quería una música como la de las Bodas de Luis Alonso, pero que no fueran Las Bodas de Luis Alonso. Pronto la escucharemos interpretada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la batuta de Manuel Coves . Todo pues está listo para el estreno de la próxima semana, y tal y como expresó Antonio Canales: el Ballet Nacional de España debe seguir abriendo brazos al mundo. MERCEDES ALBI

La danza española, entre la tradición y la renovación Programa mixto de repertorio y nuevas coreografías, que parte de la tradición de la danza española y refleja la evolución de las propuestas escénicas a través de tres generaciones de creadores. Alterna uno de los títulos de clásico español preferidos por los bailarines, con la personal interpretación del flamenco de Antonio Canales como preludio a dos solos firmados por creadores actuales, de diferente personalidad, que han renovado la danza contemporánea, el flamenco y la danza española haciéndolas permeables a otros estilos. El director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, reivindica así la necesidad de recuperar los clásicos sin perder de vista las nuevas corrientes.    RITMOS     (Todos los días) Coreografía: Alberto Lorca Música: José NietoOrquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM)Director musical: Manuel CovesDiseño de iluminación: Freddy Gerlache (AAI)Adaptación iluminación: Eduardo Solís y Asier BasterraDiseño de figurines: Pin Morales, Román ArangoMaestra repetidora: Maribel GallardoRepetidora: Cristina Visús, Miguel Ángel CorbachoRealización de Figurines: Juanita Muro, GonzálezCalzado: Gallardo, Artefyl Estreno absoluto en el Teatro de La Zarzuela el 13 de julio de 1984, por el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de María de Ávila Alberto Lorca dedicó esta coreografía a Encarnación López “La Argentinita”. Baile sin argumento. Recreación visual en una pura abstracción de la danza. Un espectáculo donde la simetría se convierte en arte con el devenir de sus cinco movimientos. El taconeo rítmico, las vibrantes piruetas y el carácter de las castañuelas crean toda una muestra de sonido y movimiento.  ELENCO   Paso a dos                             Débora Martínez (Días 17, 19, 21, 24, 26, 28) Inmaculada Salomón (Días 18, 20, 23, 25, 27).                                      Eduardo Martínez (días 17, 20, 24, 27) Albert Hernández (días 18, 21, 25, 28) Carlos Sánchez (días 19, 23, 26).                                                                   Tríos                                       Estela Alonso, Pilar Arteseros, Irene Tena (días 17, 18, 19, 20, 21, 24, 25, 16, 17, 28) Patricia Fernández (día 23).                                   Cristian García, Matías Lopez, Carlos Sánchez (días 17, 18, 20, 21, 24, 25, 27, 28) Antonio Jesús Jiménez (días 19, 23, 26).                                                                         Mujeres                                  Sara Arévalo, María Martín, Cristina Aguilera, Laura Vargas, Sou Jung Youn, Marina Bravo, Ana Almagro, Yu-hsien Hsueh, Patricia Fernández (días 17, 18, 19, 20, 21, 24, 25, 26, 27, 28) Irene Correa (día 23), Vanesa Vento (días 17, 19, 21, 24, 26, 27) Sara Nieto (días 18, 20, 23, 25, 28).                                                                            Hombres                                Javier Polonio, Axel Galan, Álvaro Gordillo, Manuel Del Rio, Juan Berlanga, Alfredo Mérida, Víctor Martín, Sergio Valverde, Diego Aguilar, Adrián Maqueda (días 17, 19, 21, 24, 26, 28) Pedro Ramírez (días 18, 20, 23, 25, 27).                      PASTORELA  (17, 19, 21, 24, 26 y 28 de julio de 2024) Dirección y coreografía: Antonio Ruz Interpretación y colaboración coreográfica: Inmaculada Salomón Música: Sonata No. 1 in C Minor (Allegro) , Pastorela No. 6 in E Minor (Minuet) de Manuel Blasco NebraPiano en directo: José Luis FrancoDiseño de iluminación: Olga García (AAI)Diseño de vestuario: Alejandro AndújarRepetidores: Diana Noriega y Miguel Ángel CorbachoRealización de vestuario: Maribel Rodríguez Tinte de tejidos: María CalderónCalzado: Gallardo Estreno absoluto en los Teatros del Canal el 8 de septiembre de 2022, por el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo   Esta pieza tiene su origen en la invitación que Rubén Olmo me hizo hace dos años para crear una nueva coreografía ad hoc con la primera bailarina del BNE, Inmaculada Salomón. La complicidad que surgió entre Inma y yo durante el montaje de Electra  (2017) nos lleva en esta ocasión a profundizar en el proceso creativo, con la intimidad que implica el trabajo en solitario y el nivel de sutilezas y matices que solo una intérprete con su sensibilidad, madurez y experiencia puede alcanzar. Fruto de mi interés por el legado musical español, descubrí al compositor sevillano Manuel Blasco De Nebra (1750-1784) y su original repertorio de Sonatas y Pastorelas para clave y fuerte piano. Del juego con esa música nace la inspiración para esta creación. El lenguaje coreográfico navega, sin prejuicios, entre la escuela bolera, la danza estilizada y la contemporánea, haciendo convivir cadencias y deconstrucciones goyescas con evoluciones de la danza de hoy. Con un diseño de vestuario de un claro perfume historicista y una iluminación depurada, Pastorela propone un diálogo poético entre la música y el movimiento, entre lo efímero y lo eterno. Una miniatura del ayer, una reliquia del mañana. Antonio Ruz Elenco: Inmaculada Salomón José Luis Franco, piano   JACARANDA (18, 20, 23, 25, 27 de julio de 2024) Coreografía: Rubén Olmo  Bailarina solista: Débora Martínez Música: Suite de Danzas Criollas, Opus 15, de Alberto GinasteraPiano en directo: José Luis FrancoDiseño de iluminación: Luis Perdiguero (AAI)Diseño de vestuario: Anselmo GervolésRepetidores: Diana Noriega y Miguel Ángel CorbachoRealización de vestuario: Milagros GonzálezTinte de tejidos: Marisa EcharriRealización de calzado: Gallardo Estreno absoluto en los Teatros del Canal el 10 de septiembre de 2022, por el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo En nuestro imaginario la jacaranda está relacionado con el árbol que crece en muchas ciudades de Latinoamérica. Es sinónimo de primavera con la llegada de su floración. Es un árbol ornamental con flores tubulares azul violáceo, pero también es sinónimo de feminidad, de belleza, de esencia, de perfume. Jacaranda es un paseo al atardecer, es el baile de una mujer. Es una simbiosis entre la esencia de la naturaleza y la mujer. Rubén Olmo Elenco: Débora Martínez José Luis Franco, piano  RITMOS (Todos los días) Coreografía: Antonio CanalesMúsica: José Mª Bandera, José Carlos Gómez, José Jiménez “El Viejín”, Juan Ignacio Gómez Gorjón “Chicuelo”Diseño de iluminación: Sergio SpinelliAdaptación iluminación: Eduardo Solís y Asier BasterraDiseño de figurines: Pedro MorenoReposición de Grito: Mónica Fernández y Pol VaqueroMaestra repetidora: Maribel Gallardo Repetidor: Miguel Ángel CorbachoRealización de figurines: Pipa y Milagros "En escena", GonzálezTaller de tintura: María CalderónCalzado: Gallardo Estreno absoluto el 9 diciembre de 1997 en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas por el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Victoria Eugenia, Nana Lorca y Aurora Pons. Antonio Canales creó esta coreografía para el Ballet Nacional de España en la que hace un breve repaso a los diferentes palos del flamenco: seguiriyas, soleá, alegrías, tientos y tangos.   Elenco: Martinete                     Pedro Ramírez, Javier Polonio, Axel Galán, Álvaro Gordillo, Manuel del Rio, Juan Berlanga, Diego Aguilar, Alfredo Mérida, Adrián Maqueda, Víctor Martín, Sergio Valverde, Antonio Jesús Jiménez.                                                        Seguiriyas                    Sara Arévalo, Sara Nieto, Cristina Aguilera, Patricia Fernández, Vanesa Vento, Sou Jung Youn, Marina Bravo, Pilar Arteseros, Ana Almagro, María Martín, Yu-hsien Hsueh, Laura Vargas (días 17, 18, 20, 21, 24, 25, 27, 28) Irene Correa (días 17, 18, 21, 25, 27, 28), Noelia Ruiz (días 17, 21, 25, 27, 28).                                      Soleá                            José Manuel Benítez (días 17, 27), Albert Hernández (días 17, 20, 24, 27), Eduardo Martínez (días 17, 20, 24, 27),Cristian García (días 18, 21, 23,  25, 28), Matías López (días 18, 21, 25, 28), Carlos Sánchez (días 18, 21, 25, 28), Laura Vargas (días 19, 23, 26), Irene Correa (días 19, 20, 23, 24, 26), Noelia Ruiz (días 19, 26).                                        Alegrías                        Monica Fernandez, Pol Vaquero (días 17, 19, 21, 25, 26, 27 y 28).           Noelia Ruiz, José Manuel Benítez (días 18, 20, 23 y 24).                                                          Introducción tientos                      Sara Arévalo, Sara Nieto, Cristina Aguilera, Patricia Fernández, Vanesa Vento, Sou Jung Youn, Marina Bravo, Ana Almagro, Yu-hsien Hsueh, María Martín, Pilar Arteseros. Pedro Ramírez, Javier Polonio, Axel Galán, Álvaro Gordillo, Manuel del Rio, Juan Berlanga, Diego Aguilar, Alfredo Mérida, Adrián Maqueda, Víctor Martín, Sergio Valverde, Antonio Jesús Jiménez                                                        Tientos                         Juan José Jaén "El Junco" (días 17, 19, 21, 25, 26, 27 y 28).                    Francisco Velasco (días 18, 20, 23 y 24).                                                  Tangos                         Todos                                               MÚSICOS:                     Cantaores: Saray Muñoz, Gabriel de la Tomasa, Juan José Amador "El Perre".Cantaoras invitadas: Luisa Carmona, Noemí Humanes.   Guitarristas: Diego Losada, Víctor Márquez, Enrique Bermúdez, Jonathan Bermúdez.                      Percusión: Roberto Vozmediano        . &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El pasado miércoles,  Marianela Núñez , Primera Bailarina del Royal Ballet de Londres, ha sido reconocida en su ciudad natal de Buenos Aires como  Personalidad Destacada de la Cultura , durante una ceremonia que se llevó a cabo en el Salón Dorado de la Legislatura porteña. Entonces, en medio de aquel bullicio de discursos y felicitaciones, un sobre blanco fue depositado en sus manos, ¿Qué contenía? Era una fotografía que la mítica bailarina Margot Fonteyn dedicase a otro grande de la danza: Ángel Pericet. Me cuesta mucho recordar a Ángel, casi me hace daño, porque tuve el honor de escribir la que iba a ser su última entrevista . Nadie lo imaginaba: ni él, que estaba lleno de danzas y vivencias asombrosas, con una extraordinaria sensibilidad que lo hacía refugiarse de puertas adentro , aunque por alguna extraña afinidad me dejó penetrar en su mundo. Su repentina muerte me dejó muda. Tenía tanto que contar, que transmitir, que un sentimiento se orfandad me poseyó porque ¿dónde iba a encontrar alguien tan interesante sobre quien escribir? Han transcurrido más de 14 años y reconozco que jamás lo he hallado. + Acceso última entrevista de Ángel Pericet Cuando desde Buenos Aires su sobrina, Concepción Cuervo Pericet , me contó que, en estos días, durante el acto honorífico en el Salón Dorado, había obsequiado a Marianela Núñez con una fotografía que Margot Fonteyn dedicó a Ángel y que era uno de sus más preciados recuerdos, sentí que había llegado el momento de recuperar el texto de mi entrevista.   Historia de una fotografía Fue en 1979, cuando la BBC rodaba la serie “El maravilloso mundo de la danza” , presentada por Margot Fonteyn. En el capítulo dedicado a  la danza española se escogió a los Pericet para que la ilustrasen. Ángel Pericet dirigió las escenas de baile de sus hermanos: Carmelita y Eloy , que se filmaron en la mansión de José de Udaeta, el palacete de Sitges donde la misma Margot se alojaba. Carmelita la recuerda con gran cariño, pues la artista fue muy cercana y amable con ella, le contó muchas cosas, como su gran admiración por el baile español, que desde niña había querido estudiarlo pero que no pudo aprenderlo por la falta de profesores en la materia. Lamentablemente, este capítulo de la serie, que posiblemente se encuentre en los archivos de la BBC, no ha sido reproducido, si bien, en el dedicado al Ballet Romántico, se puede admirar en la parte dedicada a la histórica bailarina Fanny Elssler, a Carmelita y Eloy Pericet bailando la cachucha (min. 24,10) . Actualmente, sucede que, cuando Carmelita Pericet ve bailar a Marianela Núñez, siempre le aviva sus recuerdos sobre Margot. Por ello, le pidió a su sobrina que le obsequiase personalmente con la foto que le dedicara a su hermano, porque c onsidera a Marianela la Margot Fonteyn del siglo XXI. Esperamos que Marianela Núñez sepa apreciar el valor del objeto, porque las cosas no viven si no caen en manos de quien las ama, pues, como decía Jorge Luis Borges: "Es tan triste el amor a las cosas; las cosas no saben que uno existe" .  MERCEDES ALBI

Al fin se ha despejado la incógnita relativa al nombramiento de un nuevo director para la Compañía Nacional de Danza, que sustituyera a Joaquín de Luz. La designación de Muriel Romero ha sido toda una sorpresa. Los rumores daban por sentado que la escogida debía ser mujer, pero su nombre no aparecía en unas quinielas que señalaban como ganadora a otra candidata. Cuando alguien afirmaba un posible nombre con rotundidad, acudía a mi mente aquel dicho de procedencia vaticana de que en el cónclave "quien entra Papa, sale cardenal"... Y así resultó, pues en esto, como en todo, siempre queda un hueco para lo inesperado. Evidentemente, Muriel y su trayectoria presagian la irrupción de un aire nuevo. Tendrá mucho que vencer, y no va a ser fácil, porque tanto cambio de rumbo estilístico necesita una reorientación compleja que no da sus frutos de un día para otro. Al ser una elegida inesperada es de suponer que presentó un proyecto a la altura, que superó el primer tramo de selección; en la segunda fase, consistente en diversas entrevistas, habrá mostrado una inteligencia y cualidades personales que decantaron la balanza a su favor. Se rompe con la norma de escoger al director de la CND entre las estrellas de la danza, tal y como lo habían sido sus predecesores: José Carlos Martínez y Joaquín de Luz. En realidad, es un factor externo que no es garantía ni de ser coreógrafo, ni de saber dirigir. Llamó la atención entre las bases del proyecto para la selección del nuevo director, que fuese requisito indispensable una experiencia de al menos 5 años dirigiendo una compañía, lo que obstaculizó la presentación de muchas candidaturas. No estoy a favor de las limitaciones, porque si así hubiera sido ni siquiera José Carlos, que actualmente es el director del Ballet de la Ópera de París, hubiera podido concurrir. Tendrá mucho que vencer, y no va a ser fácil, porque tanto cambio de rumbo estilístico necesita una reorientación compleja que no da sus frutos de un día para otro Muriel Romero nació en Murcia (1972), con formación en la Escuela del Ballet Nacional de España con profesores como Lola de Ávila, Carmen Roche, Valentina Savina, Azari Plisetki, Carl Paris y Victoria Eugenia, entre otros, más adelante amplió sus estudios en L'École Rudra Bejárt en Lausanne. Obtuvo premios internacionales tales como el Moscow International Ballet Competition o el Prix de la Fondation de Paris-Prix de Laussane y llegó a ser primera solista de prestigiosas compañías entre las que se cuentan Deutsche Oper Berlin, Dresden Semper Oper Ballet, Bayerisches Staatsballet Munchen, Gran Théatre de Genéve o la Compañía Nacional de Danza. En su andadura como bailarina ha trabajado con destacados coreógrafos contemporáneos como William Forsythe, Jiří Kylián, Nacho Duato o Saburo Teshigawara. En 2008 creó, junto al compositor Pablo Palacio, el Instituto Stocos en Madrid, un proyecto transdisciplinar que combina danza, música, matemáticas, psicología experimental e inteligencia artificial. En sus creaciones escénicas ha desarrollado una visión original desde el cuerpo, como un lugar del que emanan de forma interactiva el sonido, la imagen y la luz. Actualmente, ejercía como profesora en el Conservatorio Profesional de Danza Fortea de Madrid. Lo que no se puede consentir es una Compañía Nacional de Danza menos interesante a nivel creativo que las  funciones ofrecidas por los conservatorios, o algunos festivales y galas independientes Entre las claves de su proyecto para la Compañía destaca su apuesta por un repertorio único y diverso que ensalce el patrimonio cultural español y acoja diferentes estilos coreográficos de creadores nacionales que aún no hayan estrenado con la CND, así como obras internacionales inéditas en España. La combinación del conocimiento de todos los estilos dancísticos, la creación y la docencia abren todo un mundo de posibilidades para explorar, y debe hacerlo abriendo una ventana hacia el horizonte, dejando que fluya el talento de tantos coreógrafos que forman en nuestro país un magma que no se canaliza y se enfría antes de emerger. Lo que no se puede consentir es una Compañía Nacional de Danza menos interesante a nivel creativo que las  funciones ofrecidas por los conservatorios, o algunos festivales y galas independientes, donde se percibe que hay algo que no llega a los grandes teatros, totalmente desconocido para el público o los medios de prensa. Un techo de cristal que ahoga sin dar oportunidades a los creadores, ya sean hombres o mujeres. Nuestros mejores deseos para Muriel Romero. MERCEDES ALBI

Ángel Pericet nos invita a conocer su casa de Madrid, cercana a la Puerta de Toledo. La tarde resplandece y el sol se filtra por los balcones iluminando las paredes vestidas de recuerdos. Su hermana Carmelita nos sirve café con pastas, y aunque acabamos de conocernos, somos recibidos con misma calidez con que son bienvenidas las visitas de toda la vida. Una hermosa gata siamesa se esconde tímida y ronronea, pero escapa ante nuestra conversación que va haciéndose más y más bulliciosa, hasta que los programas de pasadas actuaciones se desparraman por la mesa, y el maestro ríe trayendo a la memoria las anécdotas de una existencia plena. Ángel Pericet supo hacer de su vida un arte, y como los tesoros no se pueden esconder, jamás dejó indiferente a aquellos que le vieron danzar. Dibujado por ilustres artistas, alabado por la pluma de los literatos, sería por mi parte una osado relatar sobre alguien a quien Rafael Alberti dedicó un poema, y del que el dramaturgo Alejandro Casona escribiera: “Pericet tiene todas las pinceladas de una buena antología regional de España. En las cuatro puntas: majeza aragonesa, lirismo de Galicia, luz de Levante, sal de Cádiz. Y en el centro, el garbo goyesco, hecho de gracia natural y sencillez difícil, como toda la elegancia verdadera”. Me limito a comprobar que es cierto, que no necesito verle bailar para darme cuenta.   -¿Cuánto hace que se retiró, maestro?   -Hoy, justamente, se cumplen los 5 años de mi retirada de los escenarios. Fue el día 5 del 5 de 2005 y quise despedirme en el Teatro Avenida de Buenos Aires, lugar en el que debuté en Argentina. Y para redondear el número 5, hice cinco funciones a teatro repleto. Muy emocionante.   Nunca he dejado de bailar, por lo que me despedí bailando, y he tenido la enorme suerte de mantener las condiciones físicas que me posibilitaron no variar mi repertorio hasta los 77 años, incluso, compartiendo escenario con chicos de 20.   -Entonces, ¿Comenzó su carrera en Argentina?   -No, debuté en el Teatro Español el día 18 de febrero de 1947, en un recital de danza donde actué como partenaire de Elvira Lucena. Por aquel entonces toda mi familia vivía en Madrid. Mi abuelo, Ángel Pericet Carmona, y mis tías tenían la academia de la calle Encomiendas, 10; y la de mi padre estaba en la calle Santa Casilda.   -¿Cómo fue que toda la familia Pericet se había trasladado a Madrid?   -Fue a consecuencia de la Guerra Civil. Nosotros la pasamos con nuestro padre en Sevilla, y mi abuelo y el resto de la familia estaban en Madrid y tuvieron que huir a Valencia. La gran angustia que pasó mi padre al estar tres años sin noticia alguna de sus familiares, le hizo querer vivir siempre en la misma ciudad para no volver a separarse.   Mi abuelo montó su academia madrileña en un local emblemático que siempre había estado dedicado a la danza. Antes que de él fue de los Cansino, la familia de Rita Hayworth. Me duele que en este edificio no haya ni una placa recordando la historia del lugar.   Si hasta en Sevilla han quitado la placa de la academia de la calle Viriato, 3, regentada por mi tío, y que estuvo colgada desde 1905 hasta el año 2006.   -¿Es cierto que usted quería ser pianista y no pensó nunca en ser bailarín?   -Sí, yo terminé la carrera de piano en el Conservatorio de Madrid con la máxima calificación, pero cuando bailé en el Español, me aplaudieron tanto… Yo nunca tuve consciencia de haber aprendido a bailar, porque mis hermanos y yo nos criamos en la academia de danza bolera, y ésta fue para nosotros algo tan natural como andar o hablar. La danza en la familia Pericet es algo innato con una raíz lejana que se hunde en los siglos.   -¿Era la danza su destino?   -La danza me abrió de repente todo un mundo, el éxito, la posibilidad de viajar, tener dinero (en una época en la que escaseaba mucho). Y nada más aparecer en escena ¡Me ofrecieron trabajo en tres compañías! Elegir entre tres contratos distintos, es algo que ya no me ha vuelto a suceder nunca (ríe). -¿Cuáles fueron estas tres compañías?   -La de Pilar López, la de Vicente Escudero y la de Estrellita Castro, que se llamaba Compañía Romería.   -¿Por cual se decidió?   -Toda mi vida he sentido no haber elegido la Compañía de Pilar López, pero ella tenía dos grandes bailarines que eran Manolo Vargas y José Greco, y yo no habría podido ocupar la cabeza de cartel. No me hubiera importado, sino hubiera sido por mi apellido, pero no lo puedo colocar, por respeto a mis antepasados, debajo de otros artistas. Así que entré en la compañía de Estrellita Castro, e hice mi primera coreografía a los 19 años.   -¿Cómo tituló su primera coreografía?   -“La Academia de Baile en Sevilla” y fue con la música de “ El Baile de Luis Alonso”. Luego coreografié las “Goyescas” completas de Granados.   -¿Cuál considera su mejor coreografía?   -Para todos los coreógrafos, su mejor obra es la última, y mi última fue “El Fandango del Candil” con música del Padre Soler. Hay coreografías que envejecen y otras sobre las que no pasa nunca el tiempo, y se pueden interpretar siempre porque emocionan al público como el primer día. Quizá las más emblemáticas de mis obras sean “La Academia de Baile en Sevilla” y “España” de Chabrier.   -¿Y la más aplaudida?   -Hubo una pieza que pasará como uno de los tres grandes hitos que se han producido en el Teatro Colón. Verás, en este teatro están terminantemente prohibidos los bises. En la historia del Colón, tal como consta en sus anales, sólo ha biseado en tres ocasiones: Nureyev, al que le salió mal una pirueta y quiso repetirla, por lo que fue multado; un solo del gran tenor Tito Schipa; y la nuestra.   -Me deja intrigada, cuéntemelo.   -Me encargaron coreografiar el fandango de la Zarzuela “Doña Francisquita”. Salimos a danzar mis hermanos y yo, cada uno desde un extremo del escenario, y nos juntábamos en el centro bailando ¡Y se armó una! El público del Colón empezó a aplaudirnos con tal insistencia que no sabíamos qué hacer, si salir, si entrar… No paraban. Todo el teatro puesto en pie. Y el maestro bisó, “no quiero que me maten”, exclamó.   -Su propia compañía ¿Ha sido siempre de ballet de cámara junto con sus tres hermanos?   -Desde que en el año 59 decidí montar compañía, han sido muchos los avatares y etapas de nuestra formación. He tenido bailarines, he ganado dinero, también me he arruinado, etc… Lo normal en la vida de artista, pero finalmente, debido a las dificultades de mantener un conjunto numeroso -porque siempre te faltaba alguien y había tantos problemas de última hora- preferí centrarme en un conjunto de cámara de dos parejas: Amparo y Eloy, y Carmelita y yo.   A los dos años de casarse, Eloy dejó los escenarios y lo sustituimos por José Zartman, bailarín argentino de origen alemán, solista del Teatro Colón, que ha estado todo el tiempo con nosotros.   -¿A qué piensa que se debe su enorme popularidad en Argentina?   -Realmente, es un país que me cautivó desde el primer momento y en él he desarrollado el grueso de mi carrera artística. Nada más debutar en el Teatro Avenida con la Compañía Romería, me acogieron con gran afecto los exiliados españoles que solían hacer la tertulia en el café del teatro –el Café Español, por cierto- ¡Y qué personajes! Rafael Alberti y María Teresa León, Alejandro Casona, Enrique Suárez de Deza, Ezequiel y Elisa Aguilar, dos de los hermanos componentes del célebre Cuarteto Aguilar… Allí se conversaba de todo, de teatro, de literatura, de la guerra… Un tema frecuente era recordar a Federico García Lorca.    Estaban tan sorprendidos por mi forma de bailar bolero, ya que nunca lo había visto, que se entusiasmaron y me brindaron su amistad.   -¿Nunca habían visto en España bailar estilo bolero?   -La escuela bolera, si existe, es gracias a que mi abuelo, Ángel Pericet Carmona, la conservó, porque en los años 30 lo que se estilaba era el género de las varietés y la danza bolera estuvo a punto de desaparecer. Mi abuelo fue quien mantuvo la chispa que volvió a prender la llama.   -¿Quién encendió la llama?   -Compañías como la de Pilar López, y otras que surgieron como la de Rosario y Antonio. Cuando Pilar vino a España a enterrar a su hermana Encarnación, la Argentinita, fue Edgar Neville el que la convenció para que reorganizase la compañía. Pilar fue la gran artista que elevó el género de la danza española a la escena moderna, utilizando los medios teatrales necesarios y con rigor. Con ella se desterró el período funesto de las varietés y el baile español alcanzó una categoría que casi había perdido, inaugurando una nueva etapa de esplendor.   -Rafael Alberti le dedicó un poema.   -Sí, nosotros estábamos actuando en el Teatro Odeón de Buenos Aires, donde hacíamos una temporada de seis meses seguidos, y nos solicitaron ceder un día el escenario para celebrar el 60 aniversario del poeta, a lo que accedimos gustosos, y además bailamos unas alegrías de Cádiz en su honor. Mientras nos aplaudían Alberti subió a darnos las gracias y leyó ante el público el poema que me había escrito. Fue uno de los momentos más emocionantes de mi vida. -Usted ha sido amigo de los grandes intelectuales de su tiempo.   -He conocido a tanta gente maravillosa… Recuerdo a Rivas Cheriff, a Juan Ramón Jiménez, que me llamaba “Pellicer” y me preguntaba si yo era valenciano… Muchos personajes célebres imposible de enumerar. Imagínate que fui amigo del Che Guevara y no me enteré de que se trataba del Che hasta que ya había muerto.   -¿Cómo fue eso?   -Un día vino a verme un hombre que muy sigilosamente me pidió una entrada para la función, y me dijo que habíamos sido amigos. Me habló de una velada en que acudimos a escuchar un disco -la música de “Noches en los Jardines de España” de Falla- en casa de los sobrinos de Ezequiel Aguilar con Ernesto. Y yo le pregunté: “¿Qué Ernesto?”; él, sumamente extrañado, exclamó: “¿Qué Ernesto va a ser? ¡El Che Guevara!”. Me quedé estupefacto. Entonces vino a mi mente aquel Ernesto, un amable estudiante de medicina a quien yo jamás hubiera relacionado con el guerrillero.   Recuerdo que le conocí en la ciudad de Córdoba. Era Semana Santa. Me lo presentaron, y al saber que yo era muy creyente, me invitó a conocer las iglesias. A la mañana siguiente recorrimos juntos un itinerario por todos los templos de la ciudad. Así que he sido amigo del Che Guevara ¡Y no lo he sabido! (ríe)  Nunca me interesó la política.   Me gustaría que escribieses una cosa.   -Por supuesto, dígame.   -Es por si alguien lee esto y me puede ayudar a recuperar unas fotos antiguas de las representaciones de mi abuelo. Era una colección de siete u ocho fotografías de unos “bailetes” obra suya, titulados “El Pintor y la Maja”; “De Vuelta de la Corrida” y “El Payaso y la Maja”. Estas imágenes de fines del siglo XIX serían muy útiles para ver la evolución del traje bolero, ya que con posterioridad al periodo romántico las faldas perdieron vuelo y eran diferentes del modelo con dos volantes que luce Fanny Elsser. Por eso sería de gran utilidad recuperar esta colección, si alguien la tuviera.   Pienso que mi tía Luisa se las debió regalar a alguno de sus alumnos predilectos. Hablé con Udaeta, pero él no las tenía; tampoco Tona Radeli; tal vez pudiera saber algo Ana Ricarda, una maravillosa bailarina inglesa que vino a España con los Ballets del Marqués de Cuevas. Por favor, si alguien las tuviera me alegraría tanto poderlas recuperar… -No se preocupe, que lo voy a escribir, y si aparecen las fotos nos avisa para que todo el mundo pueda verlas. Y usted que ha tenido una vida tan rica en éxitos y experiencias ¿Cuál cree que ha sido su objetivo o el motor que le llevó a hacer tantas cosas?   -¿Mi finalidad?... Pienso que la más importante ha sido una: nunca perseguí la gloria como un bien personal, sino para homenajear el arte y el saber de mis antepasados. MERCEDES ALBI (Madrid, mayo 2010)

La función va a comenzar en el Centro Cultural Paco Rabal: es el espectáculo que clausura el curso con el broche de la Suite Don Quijote, donde el Joven Ballet Impulsa cuenta con Elisabetta Formento (solista de la CND) y Cristo Vivancos como invitados. Lo que más me gusta de la Escuela de Ballet de Carmina Ocaña y Pablo Savoye es la vibración que transmite. Hay lugares vivos, y este es uno de ellos; ubicado en pleno corazón de Madrid, cuenta con un programa riguroso en la docencia dancística que combina la técnica clásica con enfoques contemporáneos, todo ello impregnado del estilo único de Carmina y Pablo. En cada maestro existe un secreto que no se puede desvelar porque nadie sabe exactamente en qué consiste, y es ese el quid de la cuestión ¿Qué hace que un lugar sea diferente? Los logros son evidentes en sus alumnos, que están en todas las compañías de ballet del mundo. Converso con Pablo Savoye. Rebosa de proyectos. Desde que en 2003 comparte con Carmina Ocaña la escuela, la trayectoria de éxitos entre sus alumnos está plenamente consolidada. Su experiencia pedagógica se remonta a 1987, cuando, de forma accidental, tuvo que hacerse cargo del Real Ballet de Flandes durante una gira por los Estados Unidos y comenzó a impartir las clases y ensayos de la compañía. Desde entonces no ha parado y desarrolla una trayectoria paralela en el mundo de la docencia, que le ha llevado a ser maestro invitado en un sinfín de lugares (Bélgica, Reino Unido, ​Japón..), y en las más prestigiosas compañías de España. En 2013 crea El Joven Ballet Impulsa, formado con los bailarines de ballet de su escuela, con el objetivo de atenuar el salto existente entre la educación técnica en el aula y el paso al escenario. Es la antesala a una vida profesional exitosa para los aspirantes a bailarines del más alto nivel. -¿Qué balance haces en estos momentos de fin de curso? -Muy bueno, en realidad no paramos. Venimos de actuar con el Joven Ballet Impulsa en el Teatro Rojas de Toledo, ahora estamos aquí en el Paco Rabal, y estoy preparando en Cursillo de Verano de la Escuela. -Cuéntame qué tal ha funcionado tu idea de crear esta compañía-escuela con los estudiantes aventajados. -Ha funcionado fenomenal. Desde que en 2013 puse en marcha esta idea los resultados son excelentes. Tenemos alumnos que, desde aquí, han partido a escenarios de prestigiosas compañías de todo el mundo, incluido el Ballet Nacional Finlandés, el Ballet Estatal de Varna, el renombrado Teatro Mariinsky (anteriormente Kirov), el END (Ballet Nacional Inglés) en Londres, la Compañía Nacional de Danza de España… -¿Estás contento con el nivel alcanzado por las últimas promociones de alumnos? -Mucho. Hemos obtenido los primeros premios en la competición internacional del DANCE OPEN AMERICA, una competición que celebra rondas en lugares que van desde Puerto Rico, Portugal, Miami y hasta Taiwan. El año pasado nuestros alumnos lograron los dos primeros premios en la división Junior y en la Profesional. Pero es que este año Candela Almonacid, ha conseguido el Primer Premio de la división Profesional, cuya final se celebró en Miami. -¿Es Candela la que baila hoy una variación de "Soir de Fête"? -Sí. Justamente estos días le ha recibido la noticia de que ha superado las pruebas para audicionar  en el Ballet de la Ópera de París. -El programa clásico de vuestra escuela-compañía, Joven Ballet Impulsa, es de lo más ambicioso. Cuéntame un poco de las piezas que has montado. -Abrimos el espectáculo con “Tránsidos”, pieza de danza-teatro, donde he contado con todos los alumnos de la Escuela, trata de una temática muy dura pues son los desplazados por las guerras y la pobreza. En la segunda, son todo variaciones clásicas y alguna contemporánea de alto nivel, piezas emblemáticas que por desgracia se ven poco en España. -Y cerrais nada menos que con una Suite de Don Quijote. -El Joven Ballet Impulsa contará con la presencia de una bailarina invitada que me gusta mucho, Elisabetta Formento, primera figura internacional y Solista Principal de la Compañía Nacional de Danza, que bailara con Cristo Vivancos, también invitado, el Quijote Paso a Dos. Vais a ver una suite que he montado con diferentes extractos del ballet Don Quijote. -¿Controlais bien los nervios antes del espectáculo? -Vamos un poco liados, pero con mucha ilusión de mostrar el trabajo realizado. Animo a todo el público que esté deseoso de ver ballet que asista a nuestras funciones, no saldrá defraudado. -¿Dónde habéis actuado últimamente? -La semana pasada obtuvimos un gran éxito en el Teatro Rojas de Toledo. -Y sobre el Cursillo de Verano que impartís en vuestra escuela ¿Cómo va a ser? -Para que te hagas a una idea, te voy a nombrar el plantel de profesores: Arantxa Agüelles (Maestra de Ballet de la CND, Compañía Nacional de Danza de España), Carmela Piqueras (Maestra de Ballet de la Royal Ballet de Birmingham y de la prestigiosa English National Ballet), Patrick Armand (Director de la San Francisco Ballet School), Elisabetta Formento (Solista Principal de la CND y Artista Invitada Internacional) o Rafa Darder (Maestro del Conservatorio Profesional de Danza de Valencia), se unen a esta cita veraniega, impartiendo clases diarias, masterclasses intensivas, cubriendo meticulosamente todos los aspectos del entrenamiento de ballet, puntas, repertorio; y danza contemporánea con Etienne Béchard, Bárbara Fritsche y Mery García. -¿A quien va dirigido el curso? -Para estudiantes que ya sea que quieran mejorar su destreza técnica, tanto como ampliar sus horizontes artísticos o simplemente experimentar el encanto de Madrid mientras perfecciona sus habilidades de ballet, el Intensivo de Ballet de Verano en Madrid promete un viaje inolvidable de crecimiento e inspiración. Más allá de la capacitación rigurosa, el Intensivo de Verano fomenta un fuerte sentido de comunidad entre los participantes, creando amistades y recuerdos duraderos en una ciudad vibrante reconocida por su arte, cultura, deliciosa cocina y vibrante vida nocturna. Se lo pasan muy bien. -¿Cuánto dura? -Son las cuatro semanas de julio. Y habrá novedades. -¿Cuáles? -Por ejemplo, un taller sobre “la nutrición del bailarín” que es un tema que siempre hay que tratar con mucho detalle, que lo impartirá Paula de Castro; y otros nuevos talleres... Además, los participantes podrán apuntarse a las pruebas de acceso para la formación profesional del próximo curso. -¿Cuál es la filosofía que preside el Gran Cursillo de Verano? -Se trata de una experiencia inmersiva permite a los estudiantes perfeccionar su técnica, ampliar su expresión artística y desbloquear su verdadero potencial tal como lo indica el lema de la escuela: “Encuéntranos y descubre lo mejor de ti”. MERCEDES ALBI