En la Casa de Granada de Madrid ha comenzado un ciclo muy especial, se titula “La Danza Española en Formato Minimalista” y está organizado por el Ciclo de Conciertos Manuel de Falla. La bailarina Cristina Cazorla acompañada por el guitarrista Álvaro Toscano han inaugurado el ciclo con su espectáculo  “Escuela Bolera y Guitarra Española”. Ha sido un verdadero privilegio poder admirarles en un recinto pequeño y a la vez tan rebosante. El  aforo de la sala estaba al completo, allí no cabía ni un alfiler, no existía apenas barrera entre los artistas y los espectadores, que recibimos una descarga de arte en estado puro. Cristina y Álvaro crean un tándem cómplice. Están perfectamente sincronizados, danza y guitarra vuelan a una. Se trata de un repertorio clásico muy bien escogido que comenzó con los "Recuerdos de la Alhambra" de Francisco Tárrega y transitó por el "Bolero" de Julián Arcas, fragmentos de la "Iberia" de Albéniz… para terminar con música de copla (Ojos verdes, La zarzamora) y una taranta compuesta por Álvaro Toscano. Este joven guitarrista está dotado de una gran sensibilidad. Él mismo expresó al público de viva voz la emoción que le significaba interpretar "El Albaicín" de Albéniz en la Casa de Granada. Cristina Cazorla, desde que apareció en escena, arrebató. La elegancia de su port de bras en perfecta armonía con todos sus movimientos, hipnotizan. Ella es la depositaria de la más pura esencia bolera. Es como si se hubiera escapado de un grabado de Gustavo Doré, pero en versión mejorada. La bailarina me parece aún más bella y española que sus antepasadas retratadas. Estamos ante la versión evolucionada y acrisolada de todas ellas. Me encuentro con Cristina al final del espectáculo, donde es costumbre del ciclo que los artistas y el público compartan unos aperitivos. -Cristina, no paras. -Sí, la verdad es que atravieso una época  muy buena. Se nota que ya todo está arrancando después del horrible parón que supuso la pandemia. -Parece como si te hubieras multiplicado, vas de aquí para allá… ¿Cómo influye en un bailarín el cambio de escenario? -Mucho, nosotros nos movemos según el espacio, según el lugar, según el espectáculo por eso nunca hay dos actuaciones iguales. -¿Dónde has bailado últimamente? -Ahora vengo de una gira organizada por Ricardo Cue en Italia, con la Sergio Bernal Dance Company  (Verona, Florencia, Bari…). -¿Podrías indicar alguna peculiaridad de los escenarios de Italia? -Tienen la dificultad añadida de que suelen tener pendiente, entonces imagínate lo que cambia ensayar en suelo plano y actuar en pendiente. Te modifica el eje del cuerpo. Y la estética del teatro también se deja notar. Este mismo verano lo comentaba con Sergio,  bailamos en un escenario junto al mar, la humedad se dejaba sentir en el suelo. Todo un reto. -¿En qué sentido afecta la estética de un teatro a un artista? -Sobre todo en como sientes al espectador: más lejos, más cerca. Hemos bailado en lugares bellísimos de diferente tamaño, lo que modifica la percepción de como percibes a quien te mira. El tipo de público afecta de forma distinta. -Hace poco te vi en las jornadas de Beta Pública, acababas de regresar de New York. -Sí. -Pero además, lo compaginaste con “La Rosa del Azafrán” que se estaba representado en el Teatro de la Zarzuela. -Me gustó todo mucho. Por  ejemplo, sobre lo que dices de los escenarios, En “La Rosa del Azafrán” había un suelo de goma espuma. Eran las danzas pertenecientes al ámbito del folklore manchego, que es donde se desarrolla la acción. E imagínate, al mismo tiempo estaba con Beta Pública que es un festival de danza contemporánea. -¿Qué te pareció la experiencia en Beta Pública? -Es algo muy vivo. El público eran niños que provenían de distintos colegios y edades, no había dos días iguales porque cada grupo reaccionaba de forma diferente. Todo un reto acercar la danza a los futuros espectadores, pero eso sí, la característica común es que siempre salían encantados. También participé a principios de febrero en un Taller Pedagógico dirigido por Fernando Palacios, en el Real Teatro de Retiro, organizado por la Fundación Teatro Real, rodeada en 180 grados por el público en un escenario bastante pequeño y gente de todas las edades… Todo son experiencias que te obligan a un alto grado de versatilidad. -¿Cómo decidiste ser bailarina? -Fue algo natural. Tenía 8 años en el grado elemental impartido por el Real Conservatorio Profesional Mariemma. En mi ambiente familiar el arte está muy presente, por eso hay muchos artistas en la familia. -¿Quiénes son los artistas de tu familia? -Tengo un tío pintor, una tía fotógrafa, una prima que se dedica el diseño gráfico, otro tío que hace verdaderas maravillas con la carpintería y ha colaborado en la escenografía de mi espectáculo “Madrileña”; pero la que más me ha marcado, además de mi madre que siempre ha cantado y bailado, es mi hermana, que también es bailarina y yo, al ser la pequeña, siempre la he tenido como referente. -Tu hermana Nuria Cazorla hizo ballet clásico, ¿dónde baila ahora? -Está en la compañía Divadlo Ballet de Lieverec (Checoslovaquia). -¿Por qué escogiste la danza española? -Me ha gustado mucho el ballet, pero me he decantado por la  escuela bolera pues el clásico español me parece la disciplina más completa y en la que más he disfrutado desde siempre. -Cuéntame sobre tus producciones y próximos proyectos. -Tengo tres programas diferentes girando. El más tradicional es este que acabáis de ver aquí en la Casa de Granada, acompañada por la guitarra de Álvaro Toscano. -¿Qué conexión tienen tus tres programas? -El punto de conexión entre ellos es mi compromiso con la escuela bolera, pero que considero que es una joya por explorar a nivel de evolución. Así, manteniendo su lenguaje, trato de conferirle un significado contemporáneo como se ha hecho con otros estilos de danza. Quiero mantener la tradición pero descubrir hacia donde puede desarrollarse en nuevos ámbitos. -Háblame sobre tus otros dos proyectos. -Mi segundo proyecto de espectáculo “Memoria”. -¿Dónde  lo has estrenado? -Lo estrené en París hace algo más de un año. -¿De qué trata? -Investigo cómo funciona el lenguaje de la escuela bolera en otras músicas, más contemporáneas.  Son composiciones de Cristina Suey, la chelista que me acompaña. Busqué además lograr un cambio de emociones que no se suelen dar en este estilo, sino que he tratado de darles un significado más oscuro, alejarlo de la alegría tradicional que suele caracterizar a las danzas. -¿Se podrá ver próximamente? -Sí, ya lo llevamos a la Sala Berlanga en la pasada temporada y ahora, el 20 de abril, al Auditorio  Paco de Lucía. El Día Internacional de la Danza, el 27 por la mañana, participaremos en Danzadero,  en los teatros del Matadero organizado por la Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid; y por la tarde,  lo representaremos en formato completo  en el Teatro Centro de Navalcarnero. -Y tu tercer espectáculo se titula “Madrileña”. -Sí, soy yo misma, porque nací en Madrid. Es mi identificación con lo que significa mi ciudad. Tiene un formato musical muy tradicional (Pichi, Intermedio de Goyescas, coplas, La Violetera…) pero con un enfoque muy actual. Trata de cómo vivo Madrid como mujer del siglo XIX y cómo interpreto la historia de la ciudad. Me atavío como gata, ya que así nos llaman popularmente a los madrileños, pero de repente, la “gata” se engancha y se desprende de todo ese lenguaje de la escuela bolera… -¿Dónde vais a hacer “Madrileña”? -Dentro de la programación de MADferia en julio, y desde ahí esperamos poder girar del espectáculo. Tengo un equipo magnífico: Carmen Angulo, Verónica Garzón, Begoña Quiñones, los músicos que me han acompañado, el equipo técnico. -Pues que tengas mucha suerte. -Mil gracias. Se trata de proyectos muy diferentes pero a mí me estimula la variedad, me encanta. Estoy muy ilusionada, trabajando muchos y es que seguir en el camino es en definitiva lo importante. MERCEDES ALBI Fotografías Gabriel M. Olivares

La segunda edición del Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) se presentará el próximo 25 de abril a las 19,30 horas en la sede del Centro Riojano de Madrid, junto a otros festivales destacados del verano como es el Festival Medinaceli Lírico. El Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) se posiciona como un espacio de intercambio cultural enriquecedor en la Villa Indiana de Colombres. Este evento brinda a artistas, estudiantes y al público en general la oportunidad de sumergirse y disfrutar de la diversidad cultural que nos define. Con un enfoque centrado en las artes escénicas y musicales, el festival tiene como propósito difundir y promover la danza española en sus múltiples manifestaciones, que abarcan desde la escuela bolera, la danza estilizada, el folclore y el flamenco, hasta la danza contemporánea y la música de raíces iberoamericanas. Esta celebración artística rinde homenaje a los emigrantes españoles que cruzaron el Atlántico en busca de nuevas oportunidades a principios del siglo XX. Además de ofrecer actuaciones de alta calidad en un entorno rural, el FIBRED proporciona talleres, clases magistrales y conferencias, permitiendo a los participantes sumergirse en la música y la danza en diversos contextos y ambientes. Celebrado en una localidad rural en el este de Asturias, con menos de 2,000 habitantes, este festival busca fomentar el turismo cultural sostenible en la región, actuando como un catalizador para su desarrollo. Por otro lado, el Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED) tiene como objetivo reunir a jóvenes músicos y bailarines de todo el mundo con sus predecesores a través del Encuentro Con Los Maestros. Este proyecto, que se inició hace ocho años, promueve la conexión intergeneracional en el ámbito artístico, cultivando la apreciación por diversas disciplinas artísticas como la música, la danza, el canto y las artes visuales, resaltando la importancia del arte escénico y la cultura en la educación. La canción "Siboney" será el eje central del FIBRED2024. La elección de "Siboney" como tema principal del festival adquiere gran significado, ya que este año el evento está dedicado a Cuba, país al que muchos jóvenes españoles emigraron a finales del siglo XIX y principios del XX en busca de "el sueño insular". Este festival se distingue por su innovación, excelencia artística y técnica, con un enfoque en la preservación y difusión de la danza y el legado musical español e iberoamericano. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Real Teatro de Retiro presenta el estreno absoluto de Va de Bach, un imaginativo y delicado espectáculo de danza para toda la familia, en coproducción con la compañía Aracaladanza ¿Y SI BAILAMOS A RITMO DE BACH? Los días 13, 14, 20 y 21 de abril, en sesión doble a las 11:00 h y a las 13:00 h, tendrán lugar las funciones de Va de Bach, destinado a un público familiar con edad recomendada a partir de 4 años. Con la música de Bach como protagonista e inspiración, la compañía Aracaladanza crea un universo coreográfico libre, de trazos delicados, perfilados con imaginación y belleza, en el que cada espectador podrá ver su propia ensoñación. Bajo la idea y dirección de Enrique Cabrera, cinco bailarines coreografían e interpretan este inspirador trabajo escénico. El compositor español Luis Miguel Cobo es el responsable de la adaptación y “re-creación” de las obras musicales del genio alemán que se utilizan en el espectáculo. El Real Teatro de Retiro pone a disposición del público, en su página web, una Guía Didáctica del espectáculo con información de la historia, curiosidades e interesantes actividades para hacer antes y después de ir al teatro. El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores. Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”. Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bach toma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró.  Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos. El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el  Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43 y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048. Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa y Pilar López Jurado, y el realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne. Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado? ¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante? ¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse? ¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach? ¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel? ¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su universo? Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach! La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores. Fotógrafo: © marcosGpunto

·         Las funciones tendrán lugar a las 20:00h los próximos 16, 17 y 18 de abril, en el Salón de Baile del Teatro Real. ·         Amador Rojas, bailaor y coreógrafo de origen sevillano, presenta para esta sexta edición de Flamenco Real el espectáculo ‘Tiempo de amarse’. ·         Le acompañarán la bailaora Nazaret Reyes, el guitarrista David Cerreduela, el percusionista Felipe Maya, y los cantaores Juañarito y José Aser. ·         Flamenco Real es una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana. ·         Esta sexta temporada cuenta con el apoyo de GRUPO ERSHIP, HERBERT SMITH FREEHILLS, MASMOVIL, ONSOLUCIONES, B&R360, CESCE, IBERMED, COPERNICUS, LEADERLAND, VD INVESTMENTS, NORMETAL, CORPORALIA, LOTERÍAS 478, CRISALION, MENTTORIZA, LEADERLAND, VIÑAS FAMILIA GIL, INDEX y TOTALLY RAD. Una vez más, el artista flamenco Amador Rojas acerca su talento al ciclo Flamenco Real. Desde su temporada de inauguración en 2018, el bailaor y coreógrafo no ha faltado a una cita en la programación de flamenco del Teatro Real. Además, es el director artístico de Authentic Flamenco, la gira internacional que desde 2022 ha recorrido 53 ciudades de todo el mundo acercando el arte del flamenco a más de 150.000 espectadores. ‘Ahora es el tiempo. Tiempo de amarse, tiempo de sentirse, de respetarse, de cantarse y bailarse’ son los primeros versos en los que se basa el nuevo espectáculo creado por el artista. Las funciones tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de abril en el Salón de Baile del Teatro Real. Autodidacta, ambicioso y emprendedor, Amador Rojas comenzó a bailar a los 7 años de la mano del maestro Farruco, quien le instruyó en las bases de este arte. A los 12 ya bailaba como solista y creaba sus propias coreografías; a los 16 años se une a la compañía de Salvador Távora, y su camino continuó junto a nombres como los de Manuela Carrasco, Eva Yerbabuena o Antonio Canales. Ya con su propia compañía, recibió el premio de Artista Revelación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008, el Premio La Venencia Flamenca en 2009 y The Golden Lyre Musicianship Award, en 2010. En esta ocasión, el elenco que le acompaña estará formado por Nazaret Reyes, bailaora; David Cerreduela, guitarra y música; Felipe Maya, percusión, y Juañarito y José Aser, cante. La sexta temporada del ciclo Flamenco Real -una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana Entertainment-, presenta de octubre a julio a los mejores artistas del baile flamenco. Además de Amador Rojas, el ciclo cuenta con la presencia de Olga Llorente, Daniel Casares, el Yiyo, Eduardo Guerrero, Ángeles Gabaldón, el Farru, Marco Flores, Yolanda Osuna y Concha Jareño. Los espectáculos se incluyen, desde la pasada temporada 2023, en el catálogo de flamenco de My Opera Player. Fotógrafo: © Juanlu Vela

BALLET DE SAN FRANCISCO | Debut en el Teatro Real El lago de los cisnes Música de Piotr Ilich Chaikovski Coreografía de Helgi Tomasson Orquesta Titular del Teatro Real | Director musical: Martin West 15 octubre – 22 octubre | 8 funciones Fotógrafo: © Erik Tomasson COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Don Quijote Música de Ludwig Minkus Coreografía de José Carlos Martínez Orquesta Titular del Teatro Real | Director musical: Daniel Capps 27 febrero – 2 marzo | 5 funciones Fotógrafos: © Alberto Rodrigálvarez | © Jesús Vallinas BALLET ESTATAL DE VIENA Concertante Música de Frank Martin Coreografía de Hans van Manen. 4 Música de Gustav Mahler Coreografía de Martin Schläpfer 23 - 25 mayo | 4 funciones Orquesta Titular del Teatro Real Fotógrafo: © Ashey Taylor La programación de danza del Teatro Real ofrecerá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada en un total de 15 conciertos. Dos compañías extranjeras Ballet de San Francisco, dirigido por Tamara Rojo, y el Ballet de Viena dirigido por Martin Schläpfer, nos visitan de nuevo; y nuestra Compañía Nacional de Danza vuelve a poner en escena "Don Quijote", coreografía de su anterior director José Carlos Martínez, actual director del Ballet de la Ópera de París. Una interesante temporada para disfrutar. MERCEDES ALBI

El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" vuelve a apostar por La Danza Española. El viernes, 12 de abril (20:30 h) tendrá lugar la actuación de Cristina Cazorla, acompañada por el guitarrista Álvaro Toscano, con la joya de la corona de nuestra danza: La Escuela Bolera. Ya desde el s. XVIII, compositores como Luigi Boccherini, Domenico Scarlatti o el Padre Antonio Soler inspiraron a los grandes maestros de la danza española. Posteriormente, F. Tárrega, I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla, J. Turina o J. Rodrigo, entre muchos otros, no se quedaron atrás. “ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA” En pleno Romanticismo y sobre todo a finales del s. XIX-principios del XX, comenzó a surgir, principalmente en occidente, un Nacionalismo Musical del que formaron parte multitud de compositores de muy distintos países. Ese nacionalismo se extendió en España también a la danza. Tomando como base principal los bailes populares españoles y bebiendo del ballet clásico y las danzas cortesanas europeas, fue creándose de manera progresiva, principalmente en Andalucía, lo que hoy conocemos como Escuela Bolera. Son muy diversos los bailes que conforman esta disciplina: unos más a ras del suelo, otros más elevados, unos con más gracia y donaire, otros más serios; danzas como los panaderos, la cachucha, los boleros, los fandangos, las sevillanas, las seguidillas y un largo etc., fueron alcanzando una sofisticada estilización que dio lugar a un género no sólo de una enorme belleza, sino también de una gran dificultad. Se caracteriza por ser bailada con castañuelas, sus formas redondas de brazos, quiebros y su técnica de ballet con carácter español. Grandes de la danza española, desde la familia Pericet, Pilar López, Antonio Ruiz Soler, Marienma, Aída Gómez o el Ballet Nacional de España, entre muchos otros, han cuidado todo lo que han podido este tesoro cultural que, por desgracia, va siendo cada vez más minoritario en las programaciones. Es, sin duda, la joya de nuestra danza. ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA pretende generar una burbuja de arte donde el público desde su butaca se sienta perteneciente a ella. El resultado es un espectáculo donde disfrutar de manera exquisita de la guitarra y la danza a dos palmos de los artistas. Además, está apoyado por los discursos distendidos y amables que se ofrecen con el objetivo de acercar el repertorio y sus características al público. La Escuela Bolera y la guitarra española van de la mano a lo largo de la historia, por ello la conjunción que resulta no falla. Se complementan como si fueran uno. Reservas: El precio del evento es de 18€ e incluye la entrada al concierto y un ágape que se ofrecerá a público e intérpretes después del evento. Imprescindible reservar antes en info@casadegranada.es o en el teléfono 91 365 33 28.

La Compañía Nacional de Danza celebra el 8M - Día Internacional de la Mujer con el lema Bailar creando, mi legado Bailar creando, mi legado 8M - Día Internacional de la Mujer 2024 Nuestras bailarinas madres se unen en este vídeo de la CND  para homenajear a todas las mujeres en la celebración del 8M 2024 Las seis protagonistas del video nos cuentan su experiencia como bailarinas y madres, dejando, entre otras, estas reflexiones: ·         Kayoko Everhart: “Me ha cambiado como persona, como mujer y como artista”. ·         Daniella Oropesa: “Lo difícil ha sido encontrar el equilibrio entre la carrera y la maternidad”. ·         Ana Calderón: “Los ejercicios progresivos de barra me ayudaron a volver a la forma física después de la maternidad”. ·         Tamara Juárez: “Siempre he querido ser madre pronto pero por la carrera que decidí escoger lo aparté un poquito”. ·         María Muñoz: “La vuelta al trabajo fue dificilísima porque sientes que no estás al 100% en ningún lado”. ·         Natalia Muñoz: “Lo más duro son las giras porque tienes que organizarte a largo plazo” “En el mundo de la danza, hoy y siempre celebramos a la mujer. Como decía George Balanchine “La danza es mujer”, las bailarinas son una estirpe casi alienígena. Cuentan con una fortaleza sobrehumana y luchan contra todo tipo de adversidades tanto físicas como emocionales. Las bailarinas son seres fuertes y con gran resiliencia. Hoy queremos valorar en especial a nuestras bailarinas que, además, son madres o van a serlo, sin dejar de lado la danza. Su profesión y su maternidad se aunarán en su forma de vida que todos compartimos”. Joaquín De Luz Bailarinas: Kayoko Everhart Daniella Oropesa Tamara Juárez Ana Calderón María Muñoz Natalia Muñoz Vídeo e imágenes: Alba Muriel &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En plena efervescencia, me reúno con Pilar Villanueva, Directora de Beta Pública, en el espacio que queda entre el ensayo general y la subida de telón para el público. El aforo del Centro Cultural Paco Rabal está vendido. Es frenética la actividad que emprende Pilar Villanueva esta semana. El amor por la danza contemporánea es su motor. El pistoletazo de salida tuvo lugar esa misma mañana en la sede de la Compañía Nacional de Danza con la Masterclass impartida por Luis Martín Oya y Roberta Maimone; ahora por la tarde, se celebra el espectáculo “Una tarde de Danza” donde se mostrarán las piezas estudiadas durante la masterclass junto a las de otros artistas (Alejandra Leza, Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu,  Cristina Cazorla, Alice De Maio y Roberta Maimone, y la Nacho Duato Academy). Pilar casi desborda, es una mezcla explosiva de impulso e imaginación. Avanza y avanza por su propia fuerza, sin apenas ayuda, pero ahí está, incluso estrenando sus piezas que siempre sorprenden. El público debe sentarse en su butaca y abrir la mente a un universo, cambiante, siempre diferente, tocado por la varita del ingerio de esta gran artista. -¿Cuál es el próposito que buscas en este nueva edición de Beta Pública que diriges? -Mi intención ha sido que al cumplir el décimo aniversario de “Una mañana en Danza”  y “Una tarde de Danza” fuera una celebración especial. -¿Qué consideraste para que sea tan especial la Tarde de Danza? -Pues, como sabes, cada año es diferente, y lo que hemos tenido en esta edición de novedoso ha sido invitar a la Nacho Duato Academy, y además hemos incluido en el programa, por primera vez, el estilo clásico español con Cristina Cazorla, que acababa de regresar de New York de una gala con Sergio Bernal, organizada por Ricardo Cue. -¿Y también ha estado aquí Nacho Duato? -Sí, aceptó la invitación y hemos tenido la primera actuación de la Nacho Duato Academy. Él ha venido a apoyarlos personalmente. -¿Cuál es el objetivo que define las actividades que organizas con Beta Pública? -La intención que nos mueve es mostrar la variedad y diversidad de la danza contemporánea de una forma placentera. Así generamos distintas modalidades en las que se alternan las clases con el espectáculo con el fin de difundir y disfrutar. -¿Está la danza contemporánea necesitada de difusión? -Sí, en realidad es una gran desconocida, en nuestro programa “Una mañana en Danza” hemos hecho en el C.C. Paco Rabal 7 funciones dirigidas a alumnos de los colegios, llenando todos los días. En total y a lo largo de estos 10 años han asistido más de 20 mil alumnos de toda la CM. -¿En qué consiste? -Enseñamos historia de la danza con historia de la humanidad, la sociedad y la cultura. -Ponme un ejemplo. -Pues, Cristina Cazorla, con su depurado estilo de escuela bolera les muestra como ese folklore del que surge todo tiene tanto que ver en el desarrollo de los pasos del ballet. Es muy claro que Noverre partió de ellos de esas pequeñas baterías tan típicas de los bailes populares. -Entonces las mañanas de “Una mañana en Danza”, son para los niños de los colegios. Pero la que denominas “Una tarde de Danza” es un espectáculo en el que intervienen los artistas de la Masterclass que habéis impartido ese mismo día en la sede de la Compañía Nacional de Danza, abierta a todo el que quiera participar. -Sí, este año hemos contado con Luis Martín Oya y Roberta Maimone. -Háblame un poco de ellos. -Luis Martín Oya es el  Director Adjunto de la Nacho Duato Academy en Madrid. Ha sido primer bailarín del CND con Nacho Duato. Ha bailado el repertorio de la CND, incluyendo piezas de  Jiri Kylian, William Forsythe, Ohad Naharin o Mats Ek, con los que tuvo ocasión de trabajar personalmente. Colabora en conservatorios, universidades y escuelas internacionales de danza como coreógrafo y maestro invitado especializado en trabajos de Nacho Duato. Con este taller sobre Nacho Duato, tratamos la pieza Na Floresta. -Y ¿sobre Roberta Maimone? -Viene de Italia e incorpora influencias de su formación en Italia, Países Bajos y España, incluidos impactantes encuentros con artistas como Jiri Pokorny y Marcos Morau. El taller se centró en la práctica MEM (Danza como Expresión), un viaje que involucra importante desafíos corporales y enfatiza el disfrute de la auto conexión a través del movimiento, priorizando, sin juzgar, el bienestar físico y mental, fomentando una exploración libre de las emociones y la música. Terminó con un fragmento de la pieza que presentó en Una Tarde de Danza 2024. -¿Cuánta gente se inscribió a la masterclass? -Entre oyentes y bailarines fueron 62 personas. -¿Cómo lo valoran? -Lo cierto es que se lo pasan muy bien, se dejan llevar siguiendo las directrices de estos grandes artistas, pero de forma que puedan adaptarse a los diferentes niveles. Los que no son profesionales aprenden lo que es la danza desde dentro, y los que sí son bailarines también me cuentas cosas positivas. -¿Se pueden compaginar estos distintos niveles en los asistentes? -Sí, porque la danza es una experiencia individualizada. Todos descubren algo. Como me han comentado algunos bailarines es que vuelven a valorar el goce de bailar, se olvidan del marcaje académico de ese un-dos-tres tan repetido, tan encorsetado, para retomar ese sentimiento interior que significa dejarse arrastrar por el movimiento. -El ensayo me ha gustado mucho, cada año nos soprendes con cosas diferentes. -Podría, si por mi fuera, idear muchos programas más, pero debo ceñirme a los medios que son escasos. Trato de sacar el máximo dentro de las posibilidades. -La pieza tuya, que se llama "Antesala", también me ha gustado mucho. Un vestuario muy original inspirado en la natación. ¿Quienes eran los bailerines? -Alejandra Deza, Bárbara Arrieta, Carmen Turcanu y Rubinel Ortiz. -Y después de "Antesala" aparece Alejandra Deza y su cubo, con "Cubea", impresionante danza acrobática con mucha estética. Me llama la antención como encajas piezas tan diferentes en un todo. -La programación es en términos generales una coreografía. Aunque son obras muy diferentes existe un orden y un armonía de conjunto. No es algo improvisado, sino muy meditado. -Después de Alejandra, programas un paso a dos intepretado por Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu, titulado "Sinergía", -Ellas expresan tan bien y con tan buena técnica esa relación que existe desde dentro, desde dos personas precindiendo del exterior... Eso es "Sinergía". -Y a continuación la pieza de Cristina Cazorla. -Me encanta Cristina, pues me interesa muchísimo esa búsqueda contemporánea que realiza de forma tan personal dentro de su campo de clásico español. Un placer contar con ella. -Roberta Maimone y Alice de Maio bailan "Alex", la obra en la que Roberta esta misma mañana basó su Masterclass, para cerrar con los bailerines de la Nacho Duato Academy y "Na Floresta". -Así es. Creo que el público va a disfrutar mucho y a conocer de primera mano el trabajo de un coreógrafo como Nacho, que es historia viva de la danza. Está siendo un décimo aniversario muy emocionante. MERCEDES ALBI Fotografía Alba Muriel

Entre el 9 y el 11 de febrero se ofrecerán cuatro funciones de Afanador: día 9 a las 19.30 horas; sábado 10 en sesión doble, a las 17.00 y a las 21.00 horas, y domingo 11, a las 18.00 horas. Estrenado el pasado mes de diciembre en el Teatro Maestranza de Sevilla, Afanador abre un nuevo camino en el repertorio del Ballet Nacional de España. El Ballet Nacional de España estrena en el Teatro Real de Madrid Afanador los días 9, 10 y 11 de febrero con una producción que hibrida la danza española con la contemporánea. Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por Andalucía y el flamenco... Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones. Son los personajes de estas fotografías los que han fascinado y movido a Marcos Morau, responsable de la idea y de la dirección artística, para la creación de esta nueva obra. “Ruven Afanador no “hace fotos”, las construye, las escenifica” Afanador nos guía por una galería de imágenes que trenzan las hebras del pasado y del presente, donde la danza española se encuentra con la contemporánea y donde prima el blanco y el negro de la fotografía en un drástico contraste que permite transformar el vestuario y la escenografía, diseñados por Silvia Delagneau y Max Glaenzel respectivamente, en cataratas, aludes y tempestades. Nos enfrentamos a una obra surrealista que subvierte lo conocido convirtiendo los elementos tranquilizadores de la tradición en extraños e irreconocibles. La coreografía ha sido realizada por el propio Marcos Morau, Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del Ballet Nacional de España. Grandes lazos, horcas y batas de cola acompañan la composición musical creada por Juan Cristobal Saavedra, y con la colaboración especial de la cantante y compositora Maria Arnal. Este camino por unos mundos que bailan por las lindes de lo onírico, la muerte y la vida vienen de la mano del dramaturgo Roberto Fratini Serafide, el diseño audiovisual de Marc Salicrú y el diseño de iluminación de Bernat Jansà. Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro. Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor “se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela.  Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”. El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de diciembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta. Marcos Morau nos propone entrar a ver Afanador “como en ciertos sueños, donde reconocemos los lugares, las personas, los paisajes y, sin terminar de comprender qué les sucede, sabemos que hablan de nosotros”. Fotografía Merche Burgos

DEL 24 DE ENERO AL 2 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SABADO 27 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SABADO 27 DE FEBRERO OFRECEMOS MASTERCLASS CON ROBERTA MAIMONE Y  LUIS MARTIN OYA (DIRECTOR ADJUNTO NACHO DUATO ACADEMY) ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,00 A 13,30. La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2023 han asistido a las funciones de UMD más de 21.000 alumnos/as y docentes. A este Décimo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán cerca de 2.500 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 24,25, 26, 30 y 31 de enero, 1 y 2 de febrero. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 5 compañías, incluyendo algunas que han participado en anteriores Ediciones de la Muestra Beta Pública, y termina con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: •              Cubea de Alejandra Deza. •           Na Floresta (Fragmento) de Nacho Duato por Nacho Duato Academy de Madrid. •              Sinergia de Bárbara Arrieta y Carmen Turcanu. •              Quebranto de Cristina Cazorla. •              Un día, otro día de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 27 de enero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados Roberta Maimone (Italia) que presentará su pieza “Alex” y la Nacho Duato Academy con la pieza completa de “Na Floresta”. Esta X Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass, el sábado 27 de enero por la mañana, con Roberta Maimone y Luis Martín Oya ( Director Adjunto de la Nacho Duato Academy de Madrid). La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” del 27 de enero 2024 pueden adquirirse en https://www.entradas.com/artist/beta-publica/ o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función.

La escena es sumergirse en otro mundo, y, realmente, “La Argentina en París” de la Compañía Antonio Najarro, que ha sido estrenada estos días en La Fundación Juan March, lo logra. Los dos ballets de cámara –“El contrabandista” de Óscar Esplá, y “Sonatina” de Ernesto Halftter- se enlazan sin interrupción en un acertadísimo intermedio musical (pieza final de “Sonatina”), bajo la dirección de Miguel Balsega, que orquestó las partituras para piano, guitarra y violonchelo. Antonio Najarro coreografió perfectamente la narrativa argumental, con expresión y viveza. Y si “El contrabandista” nos cuenta la historia del bandolero que se refugia en un cortijo, y queda seducido por el juego de miradas de la Condesita; y en “Sonatina” es la princesa melancólica a la que nada satisface, hasta que aparece el amor… Son las proyecciones escénicas las que atraviesan el tiempo y el espacio en que las dos acciones se desarrollan, trazando una noche cósmica que transporta. Resentan dos enfoques diferentes: de lo terrenal, en la primera parte, al mundo de ensueño en la segunda. Hay que tener en cuenta que estos ballets, felizmente rescatados para el enriquecimiento de nuestro patrimonio cultural, nunca fueron representados en España. Tras muchas vicisitudes por parte de los artistas que los crearon para la compañía de “Ballets Espagnols” de Antonia Mercé, la Argentina, se llegaron a representar juntos en la Ópera Comique de París en 1929.La historia reseñada con detalle en el programa por Idoia Murga, deja vislumbrar los desencuentros entre unos y otros. Podemos deducir en la corta trayectoria de los Ballets Espagnols que hubo un constante cambio de creativos. Si en 1926 se estrena “El fandango del Cándil” con libreto de Rivas Cherif y vestuario de Néstor de la Torre, por alguna razón, que indudablemente no tuvo que ver con su talento escénico, para estas dos piezas Antonia Mercé no encargó a Nestor los diseños. Tampoco el libreto de "Sonatina" a Rivas Cherif para su disgusto. En “El contrabandista” el vestuario lo diseñará Salvador Bartolozzi;  y en “Sontanita” tras un intento fállido y unos vestidos que no complacen, Beltrán Massés es sustituido por Mariano Andreu que creará los dos emblemáticos trajes que lució Antonia Mercé en sus papeles de La Gitana y La Pastora. El actual diseño de Yaiza Pinillos los ha mantenido, conservando aquella firma antigua en las líneas modificando únicamente el color del traje de La Gitana. El vestuario que ha creado Yaiza es un reto a la imaginación perfectamente armonizado con la gama de colores de las proyecciones. Siento no tener una máquina del tiempo porque estoy segura que si Antonia Mercé hubiera visto esos trajes, nunca hubiera cambiado de diseñadora. Yaiza recrea y se inspira para saber renacer, como el Dragón que viste un atuendo inspirado en el esclavo de Sherezade, el papel de Nijinsky. Detrás de tal cúmulo de inspiraciones y riqueza musical, deleitando por igual la vista y el oído del espectador, así como la innovación en el enfoque modernizando sin desvirtuar, está la exquisita mano de Antonio Najarro, junto con la danza de ocho bailarines que se multiplican por efecto del arte, diluyendo su talento individual en el todo. MERCEDES ALBI Fotografías Dolores Iglesias

Algo está naciendo en el Teatro Mira de Pozuelo. La Compañía de Antonio Najarro última los detalles de una producción histórica titulada “La Argentina en París”. Se compone de dos ballets estrenados a finales de los años 20 del pasado siglo: "El contrabandista" de Óscar Esplá y "Sonatina" de Ernesto Halffter. Hoy, día de invierno frío y gris, todo cambió cuando traspasamos la puerta de artistas del teatro. Y es que detrás del telón fluye la vida, habita el mundo de la imaginación que se hace real. Nos sentimos grandes privilegiados de compartir instantes de ese momento. El estreno tendrá lugar el próximo 8 de enero en la Fundación Juan March de Madrid, y estará en cartel hasta el 14. Posteriormente, viajará a Valencia -23 y 24 de febrero-, pues se trata de una coproducción con el Palau de Les Arts, rindiendo homenaje al compositor alicantino Óscar Esplá. Antonio ensaya con Tania Martín, Alejandra de Castro y Lucía Cardeñoso, "Sonatina". Se fija en cada detalle con total entrega, como si nada existiera más allá. Cada milímetro y expresión de movimiento quedan conformados con enorme trabajo; Rubén Carreño nos enseña piezas del vestuario diseñado por Yaiza Pinillos que son una verdadera joya... -¿Qué tal estáis? -Ahora muy liados, tenemos poco tiempo de montaje y estamos a tope. -¿Cuál es la escena que estais ensayando? -La Escena de las Doncellas de "Sonatina", se llama Rigodón de Sonatina. -He visto el vestuario diseñado por Yaiza Pinillos, y me he quedado extasiada. -Mi elección de contar con Yaiza Pinillos es por el conocimiento que ella posee sobre volúmenes que acompañan el movimiento de danza española, que es algo muy específico. Y porque sabía que a Yaiza actualizar el vestuario histórico le va como anillo al dedo. El resultado ya los has visto. -Los trajes y los tocados son una maravilla, me he sentido como si visitase una exposición de arte ¡Qué imaginación! -En este caso, Yaiza se ha inspirado en los diseños de Salvador Bartolozzi (El Contrabandista) y Mariano Andreu (Sonatina) del año 1929. Gracias a los archivos de la Fundación Juan March se conservan algunos originales y fotografías de la propia Antonia Mercé. -Cuéntame sobre el espectáculo. -Se ha elegido llamarlo “La Argentina en París”, y consta de dos ballets “El contrabandista” y “Sonatina” que fueron concebidos por Antonia Mercé, la Argentina, para su compañía que ubicó su sede en la capital francesa. -¿Qué opinas sobre lo que trataba de hacer Antonia Mercé con su compañía de “Ballets Espagnoles”? -Es evidente, ahora que me he sumergido de lleno en aquel mundo del que casi ya nos separa un siglo, que su objetivo era elevar la danza española y difundirla entre los altos círculos artísticos desde la que se consideraba entonces la capital cultural del mundo. Supo dotar a sus ballets de una estética muy depurada. Asumió el riesgo de enfrentarse a un página en blanco y escogió para lograr la plasmación de sus ideas a los mejores creativos, tanto músicos y escritores como diseñadores de decorados, vestuario, escenografías... En estas obras contó nada menos que con dos compositores de la categoría de Óscar Esplá y Ernesto Halffter. -¿Cuál es el orden en que los vais a recrear? -Los dos ballets van seguidos, enlazados por un entreacto musical. Primero representamos “El contrabandista” y continuamos con “Sonatina”. -¿Cómo es tu “contrabandista”? -Lo he respetado en su trama tal y como fue. Lo que sucede es que “El contrabandista” ha tenido una recuperación musical muy compleja porque la partitura original estaba destrozada. La Fundación Juan March ha acometido el valioso proyecto de rescatarla. -¿Quién ha rehecho la partitura? -El director musical de la obra, Miguel Balsega, ha realizado la magnífica labor de transcribir la partitura original a piano. Yo, me permití sugerirle añadir dos instrumentos: el violonchelo a cargo de Sergio Menem y la guitarra clásica y flamenca de José Luis Montón. -Resúmeme el argumento. -Es muy sencillo. La acción transcurre en un cortijo andaluz situado en la Granada del año 1.850. El contrabandista huye de los guardias, busca cobijo en las faldas de la Condesa Madre (Alejandra de Castro) y al final surge un romance con la Condesita (Cristina Carnero). Es para 8 bailarines, intervienen mozos, mozas, guardias, algunos hacen dobles papeles… Tiene como unos veinte minutos de duración y las proyecciones que lo acompañan están inspiradas en decorados de la época. -Y a continuación de “El contrabandista” pasamos a “Sonatina” ¿Son muy diferentes? -El contrabandista es mucho más flamenco, mucho más de tierra que “Sonatina”, así pasamos de un cortijo andaluz a un mundo totalmente onírico. -¿De qué trata “Sonatina"? -Una princesa melancólica sueña con el beso del príncipe. Las doncellas de su corte intentan distraerla y llevan a la Pastora y la Gitana para que bailen ante ella. Otros personajes de la obra son el príncipe, sus lacayos y el dragón, que es la mascota de la princesa. En el libreto original, solo participaban bailarinas, que interactuaban con marionetas. Así, la Pastora y la Gitana, los interpretaba Antonia Mercé, y las doncellas eran sus bailarinas,  pero el Dragón, la Princesa y el Príncipe eran marionetas. -¿Has utilizado marionetas en tu versión? -No, son todo bailarines. La Pastora tiene una danza que está interpretada por Tania Martín; la Gitana por Lucía Cardeñoso; la princesa es Cristina Carnero y el príncipe, Carlos Romero; el Dragón, Daniel Ramos. Y lo que he hecho es cambiar la estructura y el orden de temas. Por ejemplo, hay un número titulado Giga que en el ballet original lo interpretaban las doncellas y, en este caso, lo interpreta el Dragón. Aunque, naturalmente, la Danza de la Pastora la baila la pastora y la Danza de la Gitana la interpreta la gitana. Ya lo veréis. Es todo en un tono muy dramático, muy melancólico y sobre todo muy estético. -Mucha suerte.  Lo que vemos nos encanta. Además, no es la primera vez que rescatas un ballet en un proyecto de la Fundación Juan March. -Estos proyectos de danza creados por la Fundación, cuyo objetivo es la recuperación de obras históricas, comenzaron con “La romería de los cornudos” que tuve el honor de coreografiar, y luego “La Noche de San Juan” que hizo Antonio Ruz. Estoy muy feliz de sumergirme en este mundo fascinante del pasado, rescatando algo que nunca debió perderse. MERCEDES ALBI Fotografías de Gabriel M. Olivares