La obra, que se representa en la Sala Negra del 24 al 27 de febrero con el sello Creación Canal, está compuesta por las piezas Two Die For, estreno en España, y Mañana temprano, estreno absoluto La creación especula sobre la incertidumbre como motor vital y necesario en la vida y en las artes La coreógrafa y bailarina madrileña Nazareth Panadero presenta en Teatros del Canal del 24 al 27 de febrero la obra Vive y deja vivir, compuesta por dos piezas: Two Die For, que supone su estreno en España, y Mañana temprano, estreno absoluto. Nazareth Panadero realizó el pasado año una residencia en el Centro Coreográfico Canal, donde llevó a cabo el proceso de creación de esta obra, que mostró parcialmente en Teatros del Canal en noviembre. La bailarina y coreógrafa nacida en Madrid en 1955, integrante de la Tanztheater Wuppertal de Pina Bausch desde los años 70, bailará en la Sala Negra con Michael Strecker las dos piezas de Vive y deja vivir, acogida al sello Creación Canal. En ellas especula sobre la incertidumbre como motor vital y necesario en la vida y en las artes. Two Die For, concebida conjuntamente por Panadero y Strecker, es una versión que se presentó en 2019. Su origen, explica Nazareth Panadero, es “la necesidad de elaborar algo para lo cual no quedan palabras. Sucedieron cosas y sea lo que sea que causó en mí, espero que sea visible en este dueto. Refleja quién éramos entonces, pero es solamente lo que puedes ver ahora. Lo que queda. Nuestro dueto habla de una verdad que no es sólo mía. Pero no lo puedo explicar. Hay frases, palabras, que nos emocionaron cuando todo parecía inmóvil. Nuestro secreto. Quizás… pérdida. Traición. Expulsión. Rechazo. Leer entre líneas. Así hemos aprendido de Pina a lo largo de los años”. Mañana temprano es una creación de Panadero, Strecker, Adolphe Binder y Meritxell Aumedes. Según la coreógrafa española, las experiencias mutuas e individuales de los cuatro “reflejan los roles y yuxtaposiciones del miedo y la esperanza en la sociedad, los posibles significados de la libertad, la vulnerabilidad y el rito de paso”. “Promoviendo la diversidad y la experimentación, mientras ejercemos el pensamiento crítico, encontramos un diálogo abierto entre pasado, presente y futuro, un retrato de los propios miedos y esperanzas y aquello que nos mueve como individuos y como colectivo, entretejido vagamente en una narrativa abstracta”, asevera. Nazareth Panadero, que fue Premio Nacional de Danza en 2014 y Medalla de Bellas Artes en 2019, ha desarrollado su carrera junto Pina Bausch. Aprendió ballet clásico en Madrid y en Zaragoza con María Ávila. En 1976 amplió sus horizontes artísticos en el Ballet Théâtre Contemporaine de Francia y en 1979 conoció a Bausch en París. El impacto fue tan fuerte que acudió a una audición convocada por la coreógrafa alemana y fue seleccionada. Entre sus trabajos destaca la coreografía Nana quiere bailar en colaboración con su marido Janusz Subicz, también integrante de la Tanztheater Wuppertal de Pina Bausch. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La primera puesta en escena de VORTEX, va a tener lugar en unos días, los próximos 18 y 19 de febrero en el Teatro Abadía. Se trata de ALICIA, una pieza de danza creada por los directores artísticos Mar Aguiló y Manuel Rodríguez, con la colabora­ción de Kike García y Eduardo Rivero. Dos únicas representaciones de esta obra producida por ELAMOR y que inaugura el proyecto VORTEX, el circuito de intercambio de artes vivas entre creadores e instituciones. VORTEX nace como un espacio de intercambio para producciones de danza entre creadores e instituciones. Como su propio nombre indica, VORTEX irrumpe como un torbellino con este proyecto artístico -e inédito en el espacio cultural de Madrid-, involucrando a diferentes actores, y transformando instituciones y galerías de arte en nuevos escenarios que estimulen y fomenten un nuevo dinamismo a los circuitos culturales de la ciudad. VORTEX cuenta con la colaboración de diferentes instituciones, públicas y privadas, tan relevantes como: Teatro de La Abadía, Centro, Goethe Institut, Casa Árabe, Club Matador, además de galerías de arte como The Ryder o Freijo Gallery. 18 y 19 de febrero de 2022| 20.00 h | Teatro de La Abadía | Sala Juan de la Cruz El Teatro de La Abadía presenta, los próximos 18 y 19 de febrero, ALICIA, una pieza de danza creada por los directores artísticos Mar Aguiló y Manuel Rodríguez, con la colabora­ción de Kike García y Eduardo Rivero. Dos únicas representaciones de esta obra producida por ELAMOR y que inaugura el proyecto VORTEX, el circuito de intercambio de artes vivas entre creadores e instituciones. ALICIA es una pieza de danza para tres bailarines con coro en escena, en la que música, baile y dramaturgia manipulan el tiempo narrativo generando vacíos, tensiones y equívocos. Al comienzo, como siempre, el texto. La coral se ve afectada por él y empieza a cantarlo. El sonido invade el patio de butacas: se corta con la palabra fría del dramaturgo. Un intérprete abandona el coro. No canta ni baila. Los bailarines se mueven con pasos erráticos, como si no se viesen. De repente, se va la luz. La danza solo se oye. Un texto confuso, una música sin melodía y la física de los cuerpos en movimiento provocan divergencias y extrañamientos. Materia y significado confluyen sin tocarse. El espectador sigue en su butaca. Hay una veintena de artistas en el escenario. BIOGRAFÍAS MAR AGUILÓ Nace en Palma de Mallorca, donde comienza sus estudios de danza clásica y contemporánea. En 2005 ingresa en la escuela École-Atelier Rudra Béjart del coreógrafo Maurice Béjart, en Lausanne, donde finaliza su periodo de formación. En 2018 se gradúa en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, presentando como trabajo final la creación de la pieza de danza contemporánea Océano mujer. En 2007 ingresa en la CND2, bajo la dirección artística de Tony Fabre (incluida en la Compañía Nacional de Danza dirigida por Nacho Duato). En septiembre de 2010 se incorpora a la Compañía Nacional de Danza. Desde su incorporación a la CND ha interpretado roles principales en obras como Cor Perdut y Arcangelo de Nacho Duato o Artifact de William Forsythe y ha trabajado con coreógrafos como Mats Ek, Ohad Naharin, Alexander Ekman, Marcos Morau, Johan Inger, Iván Perez entre otros, tanto en creaciones como en repertorio. En estos últimos años ha empezado a desarrollar esta faceta como coreógrafa, para la propia Compañía Nacional de Danza en piezas como For Now in Liquid Days. Jóvenes creadores CND, estreno absoluto en el Museo Guggenheim de Bilbao, Francine, un solo como parte de la pieza Home, Hotel Room una pieza para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Afterlove para el Día Internacional de la Música. También ha colaborado como movement director, coreógrafa y bailarina con artistas de diferentes disciplinas como James Mounfourt, Cortana, Mana o la compañía de danza Korsia. Además de seguir formando parte de la CND, es directora creativa de ELAMOR, creando y colaborando en varios proyectos interdisciplinares entre los cuales destacan: Prólogo-Botánico, Equilibrio.Prado, un proyecto audiovisual para el Museo Nacional Del Prado con bailarines de la CND o E gira tutto intorno alla stanza, una colaboración con el artista Bernat Daviu para el CaixaForum de Madrid. En el pasado 2021 coreografió Stella, gracias a las Residencias de Creación del Centro Coreográfico Canal y a la coproducción con ELAMOR. Stella fue estrenada en los Teatros del Canal, con muy buena acogida y con dos sold out. MANUEL RODRÍGUEZ Desarrolla su trabajo mediante diferentes disciplinas artísticas y formatos que giran en torno a la danza y las artes visuales. Lo cual hace que su obra pueda surgir a través de diferentes prácticas y dinámicas, donde se presta una especial atención al proceso creativo. Su interés y reflexión en el propio acto performativo, le lleva a un continuo ejercicio de reinvención del cuerpo y del espacio. Su práctica invita a la contemplación y propone una catarsis en la mirada como herramienta imprescindible para la verdadera y profunda comprensión de las cosas, la imagen se desvela como en una fotografía tomada mediante la “sobreexposición”. En 2020 entra a formar parte de la productora “ELAMOR” como colaborador en la dirección creativa, habiendo coreografiado la pieza Prólogo Botánico en el Real Jardín Botánico de Madrid, con la Coral de jóvenes. También fue codirector de la película AÚN, junto a Antonio Ruz para conmemorar los 10 años de su compañía. En 2021 coreografió Entertainment, pieza estrenada en el SAT! este último diciembre. Tuvo muy buena acogida y actualmente está en proceso de distribución. Durante su carrera es invitado tanto a impartir cursos y workshops como a reponer varias de sus creaciones en diferentes centros de formación académica como el Conservatorio Profesional de Danza de Burgos, Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid, Real Conservatorio Superior de Danza de Madrid “María de Ávila”, Institut del Teatre de Barcelona, Mediterráneo Festival en Calabria (Italia), Oliva Center en Verona (Italia), Descalzinha Danza de Madrid, entre otros. Manuel Rodríguez a lo largo de su carrera profesional ha colaborado con distintas compañías y coreógrafos como James Thierreé/Compagnie Du Hanneton, Carmen Werner/ Provisional Danza, Sharon Fridman, Emmanuel Eggermond y Marcos Morau/ La Veronal. Ha obtenido apoyo de diferentes instituciones y plataformas como el Instituto Cervantes y el Ramon Llull, Aerowaves, Fundación Cataluña la Pedrera, Graner, AECID, Centro Danza Canal, MACBA, Lavanderia a Torino y Kyoto Art Center de Japón. KIKE GARCÍA Kike García (Madrid, 1989), bailarín, coreógrafo y bordador. Empezó formándose como taekwondista a los 4 años y continué hacia la danza contemporánea, el butoh y el flamenco tratando de combinar todo este lenguaje de movimiento. Cuenta con el Grado en Danza, Coreografía y Contexto en HZT Berlín, una formación multidisciplinar conectada con las vanguardias experimentales escénicas y coreográficas. Ha trabajado en Reykjavík con la Compañía de Teatro para Migrantes junto con Juan Camilo Estrada en el Reykjavík Dance Festival, en Madrid muy de cerca con Mónica Valenciano y otras coreógrafas, en Berlín con Ivo Dimchev, deufert&plischke, Arantxa Martínez y Antonija Livingstone, o en Atenas con la Compañía de Danza Kinitiras actuando en el festival internacional de Kalamata. También ha presentado tanto nacional como internacionalmente su trabajo como coreógrafo, bailarín y artista visual investigando la danza como lenguaje que genera nuevas narrativas y relaciones a través del cuerpo como medio. FICHA ARTÍSTICA Dirección artística y creación Mar Aguiló, Kike García, Eduardo Rivero, Manuel Rodríguez. Composición y dirección musical Aire Coro Coro Joven - Orquesta Filarmonía Iluminación Oscila Dramaturgia Joaquín Jesús Sánchez Fotografía Hugo de la Rosa Coproducción ELAMOR - Teatro de La Abadía Con el apoyo de: Centro Coreográfico Canal &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Nos reunimos con Esther Tablas, directora de Rajatabla Danza, en un lugar muy especial: el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, un bellísimo teatro cargado de historia, pues fue inaugurado en pleno siglo XVIII, allá por el año 1771. Y si la coordenada del espacio ya es de por sí algo único, también lo es la del tiempo: nos recibe en los instantes que preceden a la apertura del telón de su nuevo espectáculo “Anemoi”. Los seis bailarines, Enrique Arias, Laura Daganzo, Laura Fúnez, Jesús Hinojosa, Conchi Jiménez y Lucía Fernández del Peral, acaban de terminar el ensayo general y se disponen a prepararse para salir a escena. En unos minutos se abrirán las puertas del teatro. Esther, ya vestida para los aplausos finales, se muestra serena, pero a la vez muy ilusionada, sus maneras son tan elegantes que casi disimula su enorme pasión, el fuego interior que la guía. Ella, luchadora de corazón y coreógrafa de alma, sigue la difícil senda de sacar adelante su compañía de danza española, sin que ningún obstáculo quiebre su voluntad. -¿Cómo te sientes? -En un momento muy feliz y muy importante porque es el resultado de la confianza que este maravilloso teatro ha puesto en Rajatabla Danza. Acabábamos de actuar en diciembre con “Nora”, y dos meses después estamos programados con el nuevo espectáculo, "Anemoi" al poco tiempo de estrenarse. -¿Qué significa la palabra "Anemoi"? -Es el viento, en la Grecia antigua así nombraban a los dioses del viento. -¿Por qué el viento? -La inspiración de “Anemoi” surgió después del confinamiento, era mi primera salida en un viaje a Gijón a ver a una amiga. Estábamos asomadas a un acantilado y, de repente, me dio un subidón enorme... Se me ocurrió una idea sobre el viento. -Y desde que concibes la idea a la plasmación de la obra, ¿cómo ha sido el proceso? -Pasaron unos meses y pensé en algo sencillo, de calle, una coreografía que se pudiera hacer, pues con la que estaba cayendo pensé que tal vez no fuera posible girarla. -Pero te lanzaste además en esta época tan dura... -Sí, empecé a montar una coreografía sobre el viento y sobre el mar para poder representarla en la calle, en el entorno urbano. Me puse una zapatillas para poderla bailar en todo tipo de suelo y ya ésto modificó mi forma de coreografiar. La estrené con mucho éxito de público a las puertas del teatro del Centro Dramático Nacional, en la plaza de Lavapies, bailada por Víctor Martín -que ahora está en el elenco del BNE- Ana del Rey y Laura Daganzo. Ahora voy a presentar esta versión en todos los festivales de danza urbana. -¿El "Anemoi" que vamos a ver sobre el escenario es una evolución de la pieza de calle? -Lo que pasa es que es una obra ideada con una naturaleza muy flexible. La primera representación en la calle duraba uno 20 minutos, e hice un par de versiones más con 15 y 25 minutos de duración. Pero a partir de que comenzamos a montarla en nuestra sede, y pues to que Rajatabla Danza es compañía residente del distrito de La Latina, sentíamos que tenía también que hacerse allí, y elaboramos una versión de escenario, de tres bailarines pasamos a seis, y lo estrenamos en el Auditorio Paco de Lucía, y ahora lo traemos a El Escorial. -¿Podemos afirmar que has crecido? -Sí, mucho. Desde que hace unos años estrené "Nora" hice un paréntesis en mi carrera coreográfica para dar clases en el Conservatorio de Albacete, donde pasé la pandemia; regresé con la compañía y le monté "Nora" a Ana Guerra del Rey, que lo está haciendo magníficamente. Para mí, "Anemoi" significa un avance muy grande, ha sido el espectáculo con el que he empezado a ser compañía residente del distrito de La Latina. Estoy muy contenta de tener un lugar para seguir creando y soñando con otros espectáculos. -¿Qué nuevos espectáculos habitan tus sueños? -Estoy comenzando con una versión en danza de la "Antígona". El proceso de investigación lo inicié hace poco con Eduardo Leal en el Centro Coreográfico Canal. Es algo muy fascinante que no dejo de trabajar, pero temo que va para largo, porque es un espectáculo muy ambicioso, aunque te adelanto que tengo otro proyecto entre medias que estrenaré en septiembre. -Realmente, no paras. ¿Cuál es tu objetivo? -Trato de lograr una estabilidad, para mí, para la compañía y para los bailarines. -¿Qué buscas en un bailarín? -Pienso que es muy importante que sean personas creativas, incluso que tengan sus propios proyectos personales. Me gusta que participen como estamos haciendo en "Anemoi" ballet en que, por ejemplo, la pieza de escuela bolera del principio, titulada "Phoenix" es de Laura Fúnez; la pieza flamenca del final es de Javier Sánchez Fernández; y hay un solo a mitad que es de Conchi Jiménez Alcaraz, que ha sido alumna mía en el Conservatorio de Albacete y se lo ha ganado a pulso. Dos integrantes de la compañía, Enrique Arias y Jesús Hinojosa, tienen la suya propia que se llama “Contrigo danza”, de folklore contemporáneo; Laura Daganzo, un proyecto educativo increíble con varias escuelas… Vamos, que son todos geniales. Trabajan muy duro y muy rápido. De momento tienen que hacer muchos trabajos para sobrevivir, yo trato de ponérselo fácil y ojalá llegue el día en que pueda tenerles en plantilla como una industria cultural. -¿Crees que lo conseguirás? -Es muy difícil, no sé si imposible, aunque yo voy encaminada hacia ese objetivo final y no regatearé esfuerzo alguno. A ver si es verdad que lo consigo. MERCEDES ALBI

El próximo 5 de marzo de 2022, la bailarina emérita y maestra repetidora del Ballet Nacional de España, Maribel Gallardo, recientemente galardonada con la Medalla de Oro a las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura, viajará a Cádiz junto a su compañero de vida y de profesión, Currillo Franco, para impartir un Taller Coreográfico a las nuevas generaciones de bailarines de danza española y flamenco de la provincia de Cádiz, en el Conservatorio Profesional de Danza que, precisamente, lleva el nombre de "Maribel Gallardo". Ambos Maestros han sido invitados a la gira promocional de la VI edición del Encuentro Con Los Maestros, un programa residencial de danza española, baile flamenco y música hispanoamericana, que se celebra en agosto en Colombres, la capital del concejo asturiano de Ribadedeva. Con este viaje, María Herrera, organizadora del Encuentro Con Los Maestros, quiere rendir homenaje a la artista gaditana Maribel Gallardo; pero, además, pretende unir las dos regiones españolas (Asturias y Cádiz) de las que partieron numerosos compatriotas a Hispanoamérica para emprender nuevas rutas en busca de un porvenir mejor. El taller coreográfico se celebrará con el apoyo del Conservatorio Profesional de Danza de Cádiz y está abierto a todos los bailarines y bailarinas, aficionados y profesionales de danza española y flamenco de la provincia de Cádiz, que podrán inscribirse a través del correo electrónico encuentroconlosmaestros@gmail.com &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El próximo viernes 28 de enero, a las 12:30h, desde el canal de Youtube @CNDanza la CND difundirá la lectura de Carmen, el cuento para celebrar el Día Escolar de la no Violencia y de la Paz. La Compañía Nacional de Danza, dirigida por Joaquín De Luz, y la editorial Cuento de Luz presentan Carmen, el cuento. Este álbum, escrito por Margarita del Mazo e ilustrado por Concha Pasamar, refleja las pasiones y valores trazados a través del movimiento en el ballet Carmen, de Johan Inger. Su coreografía, creada originalmente para la CND y premiada con el Benois de la Danse en 2016, inspira esta historia que retoma los temas universales de la obra original desde la mirada inocente de un niño. Danza y obra literaria quieren conducir a la reflexión sobre las interpretaciones y malinterpretaciones del amor, así como al rechazo de cualquier clase de violencia. Una publicación inclusiva, coeditada por INAEM y Cuento de Luz “El amor es un pájaro libre, que nadie puede domesticar y llamarlo es en vano, si él prefiere rehusar” Carmen, el cuento es un libro destinado a niños a partir de 8 años, que habla de valores y problemas que afectan directamente a los más jóvenes. Los celos, la posesividad, la libertad de elección de pareja, la violencia de género, la no agresividad… Todo esto es contado a través de los ojos de un niño, igual que en la coreografía que Inger creara en 2015 para la CND. Muchos pedagogos, profesores, colegios y conservatorios se unirán en directo a la difusión por Youtube el viernes 28. Carmen, el cuento, es un álbum accesible, pues, al igual que lo fuera Giselle el cuento, ha sido traducido al braille. Además, la difusión de nuestro cuento en Youtube será traducida simultáneamente a lenguaje de signos. La Compañía Nacional de Danza a través de su departamento de actividades educativas CND Educa continúa haciendo un continuo esfuerzo en favor de la inclusión y la integración. MÁS INFORMACIÓN &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Un total de 247 solicitudes, 110 para residencias de creación y 137 de investigación, se han presentado a la decimocuarta convocatoria de esta iniciativa de la Comunidad de Madrid Diez propuestas se beneficiarán de las ayudas para producir nuevas obras y veinte para aquellas que se encuentran en el proceso de exploración 21 compañías de las seleccionadas son de Madrid, el resto de Sevilla, Jaén, Santander, Barcelona y Palma de Mallorca, y tres proceden de fuera de España, concretamente de Italia, Alemania y Eslovenia La danza seguirá en movimiento un año más con el apoyo de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid. Treinta proyectos han sido seleccionados para desarrollar una de las residencias artísticas que convoca anualmente el Centro Coreográfico Canal de Teatros del Canal. A esta decimocuarta convocatoria de 2022 se han presentado 247 solicitudes, 110 para las residencias de creación y 137 de investigación, para las que se ha asignado un presupuesto de 150.000 euros. Esta iniciativa está dirigida a creadores y compañías profesionales (consolidadas o emergentes) para que desarrollen su trabajo en el campo de la danza y las artes del movimiento creando, investigando o desarrollando nuevos lenguajes coreográficos. Los proyectos han sido escogidos por un jurado formado por Mónica Runde, José Carlos Blanco Martínez y Daniel Doña atendiendo a la calidad y su coherencia, su innovación, la trayectoria del solicitante o la compañía, los apoyos con los que cuenta y su proyección, según las bases de la convocatoria. El programa de residencias, que se desarrolla el Centro Coreográfico Canal, pretende apoyar la creación coreográfica y consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías, facilitándoles recursos y espacios. Cuenta con dos modalidades, una de creación de nuevas obras, para la que se han seleccionado 10 proyectos, dotados cada uno de ellos con 10.000 euros. Las ayudas tienen una duración de dos meses y el trabajo realizado en ese periodo se exhibirá entre septiembre y octubre de 2022 dentro del ciclo Canal Baila, que tendrá lugar en los Teatros del Canal. Las compañías, artistas y proyectos escogidos en la modalidad de creación son los siguientes: Daniel Ramos López. Contracuerpo (Madrid) Lucía Vázquez. Further thoughts (Pensamientos adicionales) (Sevilla) Helena Martín. Los Narciso (Madrid) Komoco. Ima (Italia) Alberto Alonso/ Laimperfecta. Folk (Madrid) Mey-Ling Bisogno physical theatre. Ready-made (Madrid) Mercedes Pedroche. Terrario (La tierna indiferencia del mundo) (Madrid) Lucía Álvarez La Piñona. Insaciable (Sevilla) Manuel Rodríguez. Manu (Jaén) Pau Aran. The same difference (Alemania) La otra modalidad, de residencias de investigación, apoya la exploración, investigación y el desarrollo de proyectos en proceso de creación. El periodo máximo de residencia es de un mes (entre enero y diciembre de 2022) y la residencia concluirá con un ensayo abierto al público en el Centro Coreográfico Canal. La Consejería de Cultura, Turismo y Deporte aporta 2.500 euros para cada uno de los 20 proyectos seleccionados en esta modalidad, que son los siguientes: Gonzalo Simón. Pieles y pliegues (Madrid) Manuela Barrero dlcAos ...el continuo interminable amor que tengo por ti (Madrid) la mínima. Pieza para el sombrero de mi madre (Madrid) Compañía Carmen Muñoz. Invocation (Barcelona) Jesús Benzal. Lo que ocurre en un instante (Madrid) Kor'sia. Mont Ventoux (Madrid) Sergio R. Suárez. La revisión (Madrid) Miguel Fiol y Daniel Claret. AHA (Antes Hacíamos Análogos) (Palma de Mallorca) Lia Ujčič & Vincent Wodrich. Somethingtouching (Eslovenia/Alemania) Allan Falieri. O nao lug_ar (Madrid) Francisco Hidalgo y Belén Maya. Moscas y diamantes (Madrid) Elamor. Alicia (Madrid) Compañía Daniel Abreu. Dalet (Madrid) Melania Olcina Yuguero. Deambulantes (Madrid) Janet Novás. Proto (Madrid) Arthur Bernarz Bazin, Julia Nicolau y Javiera Paz. DesRoutes (Madrid) Jesús Rubio Gamo y Luz Prado. 32 estudios elementales (Madrid) Babirusa Danza / Beatriz Palenzuela y Rafael de la Lastra. Muchos caballos cabalgando juntos pueden hacer temblar la tierra (Santander) Proyecto Reyes-Angulo. Polvo, nada y viento (Madrid) Mucha Muchacha. Seré folklore o no seré (Madrid) Aunque el programa de residencias atañe a creadores y compañías madrileñas, nacionales e internacionales, han tenido prioridad en la selección de los proyectos los creadores y compañías con sede en la Comunidad de Madrid. Vídeo Terrario, de Mercedes Pedroche, residencia de investigación en 2021 y de creación en 2022

Cuando tuve el privilegio de asistir al estreno del documental "En mis zapatos", que tuvo lugar el pasado mes de septiembre en el Teatro de la Latina de Madrid, auguré su gran éxito, como así ha sido, pues tal y como ha contado en tiempo real su director Pedro Morato en las redes sociales: "anoche ganamos el Premio a Mejor Película Documental de director novel en el Festival de Cine de Biarritz en Francia FIPADOC - International Documentary Festival". La película emociona, conmueve, no deja indiferente al espectador que queda sumergido casi a bocajarro en una especie de proceso identificador con los dos protagonistas: el bailaor Paco Mora y su madre, Carmencita, que es totalmente dependiente de su hijo a causa del Alzehimer. Y es que su historia como todas las grandes historias, es una historia de amor. "Pero esto sólo acaba de empezar. Seguiremos dando buenas noticias pronto". afirma el director Pedro Morato. Admiro muchísimo a Paco Mora, es un ser pasional con enorme talento. Su sensibilidad choca a veces con un mundo que no siempre es justo, pero en medio de la dificultad nunca se rinde y sigue... Entonces se reinventa. Lo he visto resurgir desde su propia enfermedad, o desde las cenizas de sus sueños rotos demostrando su capacidad de crear otros nuevos con fuerza interior arrolladora. Su vida es como una serie de película a la que se van añadiendo nuevos episodios. Quedan muchos capítulos por escribir y esperamos que sea reconocido como merece. Ahora es muy querido y cada vez más famoso, aunque debería serlo aun mucho más, y lo será. Uno de sus dones es que comunica autenticidad, por eso llega. Y cuando desfallece en medio de las dificultades y de la soledad que muchas veces le hace mella, lo cuenta sin artificios, se muestra tal y como es. Paco ahora que "En mis zapatos" ha obtenido este premio en Biarriz se ha convertido en el galardonado actor de su propia vida. Carmen, su madre, coprotagonista del documental dirigido por Pedro Morato, ha quedado junto a él inmortalizada. El milagro del cine nos devuelve unos momentos que emocionan y nos hacen valorar la encantadora fragilidad de la existencia. Lo humano vence sobre el artificio. Y es que Paco es un artista y lo que significaba serlo me lo escribió en hace unos años, en este texto, que reproduzco tal cual es: <> Mi enhorabuena de corazón!!!! MERCEDES ALBI

Antes de las siete de la tarde la gente se agolpaba en el Teatro de La Latina donde el bailaor Paco Mora presentaba un doble espectáculo: preestreno de la película “En mis zapatos”, seguida del espectáculo “¡E.A.!”, en conmemoración del Día Mundial del Alzehimer. Todo fue muy intenso y salimos de allí casi a las 11 de la noche, y realmente, los que vivimos esas horas en aquel teatro salimos profundamente conmovidos, y concienciados sobre la lacra que supone la enfermedad del Alzehimer. La película documental dirigida por Pedro Morato, introdujo al espectador casi a bocajarro en una especie de proceso identificador con los dos protagonistas: Paco y su madre, Carmencita, que es totalmente dependiente de su hijo a causa del Alzehimer. La cámara nos hizo testigos de la intimidad de su hogar al día a día del cuidador-artista con y su madre, con sus luces y sombras de hastío y desesperanza, combinada con momentos felices, con frustraciones y sueños que parecen irrealizables, pero que finalmente se hace posibles, en un camino que no está planificado pero que Paco ha sabido sortear de forma casi milagrosa con grandes dosis de amor. Y es que su historia como todas las grandes historias, es una historia de amor. El flamenco y la copla le han servido al bailaor como puente de conexión para llegar y estimular el cerebro enfermo de Carmen, descubriendo un nuevo modo de comunicación con ella, que se ha erigido en un modelo de terapia cognitiva para la estimulación sensorial de los enfermos. Paco Mora se ha hecho famoso y muy querido por miles de personas de todo el mundo, que se han identificado con él y con su madre a través de las redes sociales, y llenan los teatros para ver su espectáculo. Despierta verdadero fervor, una especie de oleada de cariño con un público que le aplaudía en pie y pronunciando su nombre. Pero, ¿Cuál es la base de este fenómeno? Todo está en él, en su absoluta autenticidad. Nadie puede transformar la realidad con esa fuerza si no está tocado por el don del arte. Paco Mora ha hecho arte de su propia vida, y su personaje se impone sobre el artista que indudablemente es y que se muestra en escena con gran expresividad, bailando su vida a través de los palos clásicos flamencos y una escena muy plástica inspirada en los encordados de la Semana Santa. Narró su vida y la de su madre con danza-teatro, contención de medios y unos buenos artistas que le arroparon: la actriz Rakel Jiménez, y la joven bailaora Claudia Corchado, la guitarra de Javier Muñoz, Tomate, con el cante de Verónica Moyano y Jorge del Pino, en cuya conjunción lograron que las tres horas que estuvimos en el teatro de la Latina, se nos pasen sin sentir, absortos en aquel torrente de emociones a flor de piel. MERCEDES ALBI

Carmen Cortés, impresiona. La bailaora con ese estilo tan puro y ese sustrato dramático que le brota desde muy dentro, estrena en la Sala Roja de los Teatros del Canal “¡Gira corazón! Bailando con Lorca en la edad de plata”, un espectáculo acogido al sello Creación Canal, se va a representar en la Sala Roja entre el 13 al 16 de enero con un cuerpo de baile de catorce intérpretes. Con “¡Gira corazón!” la bailaora sigue profundizando en el alma poética de Federico García Lorca, prosiguiendo la línea trazada con sus espectáculos anteriores (“Yerma”, “Mujeres de Lorca”…) en la que halla o más bien destripa, porque le nace en la entraña, una veta absolutamente personal de inspiración. El flamenco puro se une con nuevas formas coreográficas y musicales para recrear aquel momento en el que Federico García Lorca, recién llegado de un viaje a la Habana, leyó su obra “El público” en la casa de Encarnación López, La Argentinita. Me encuentro con Carmen en los pasillos del teatro y admiro desde cerca esos ojos oscuros, esa esencia concentrada en un menudo cuerpo de mujer que sabe desplegarse sobre escena como nadie. Le robo unos instantes y ella amabilísima nos responde. -¿Cómo te sientes Carmen en este momento en que vais a subir a escena el nuevo espectáculo? -Con los nervios lógicos de un escenario, de un estreno y más en Madrid que siempre nos impone a todos los artistas mucho, pero muy contenta de ya por fin después de tanto trabajo poderlo presentar. -Cuéntame sobre tus recuerdos de cuando empezaste a bailar. -Los comienzos de los artistas de mi generación en realidad eran casi todos iguales, yo soy autodidacta, hasta los 22 años no empecé a estudiar en una escuela de danza. Entrábamos directamente en las compañías de danza española donde solía haber un repertorio de bailes regionales y danza estilizada, que antes se la llamaba clásico español, que tenía un toque de flamenco, podíamos decir no demasiado jondo. Entonces decidí venirme a Madrid desde mi Barcelona natal. -¿Qué te empujó a venirte? Era donde más flamenco había, muchísmos tablaos, casi todos los artistas de prestigio estaban aquí como Camarón y Paco de Lucía, por ejemplo. Fue entonces conocí a un grande del baile: Mario Maya. -¿Cómo le conociste? -En ese momento se había quedado sin su partenaire e iba buscando. Visitó escuelas (a las que yo no iba porque en ese momento no tenía dinero para estudiar), tablaos… y una noche en Los Canasteros, donde yo bailaba, me descubrió. -¿Por qué crees que te escogió a ti? -Le gustó mi energía, la fuerza, el pronto racial que yo tenía, fue lo que le hizo proponerme que fuese su partenaire. -¿Qué significó para ti ser pareja artística de Mario Maya? -Fue un gran empujón en mi carrera, me posibilitó un aprendizaje enorme para el conocimiento del flamenco y de la danza en general. No hacía falta que Mario me dijese “esto se hace así”, esa no era la forma en que él enseñaba, sino que era suficiente con verle bailar con ese modo tan suyo que transmitía y te acoplabas. -Pero cuando dices ser “autodidacta” ¿Qué significa? ¿Cuándo y cómo sientes ese impulso que te empuja a ser bailarora? -Mis padres eran andaluces que emigraron a Barcelona en busca de trabajo. Se conocieron allí. En esos tiempos había mucho ambiente flamenco en los barrios, muchas peñas, muchísimo de todo… Mi padre nos llevaba a mi hermano y a mí, pues somos casi de la misma edad, y él tocaba la guitarra y hacíamos lo que cada uno sentía. A mi me nació la vocación por el baile. Era todo muy intuitivo. -¿Era el flamenco algo que nace de tu entorno? -Sí, hemos estado ahí muy metidos todos. Mi hermana, por ejemplo también bailaba. Tenemos mucha familia que se han dedicado al arte. “Los remolinos” son tíos carnales y primos hermanos nuestros; también ha habido muy buenos cantaores, y aunque al baile se han dedicado menos también los ha habido. -Has dedicado tus últimos espectáculos a temas relacionados con la figura de Federico García Lorca ¿Qué supone el poeta para ti? -Lorca aunque viviera en el siglo pasado, sigue siendo un poeta de hoy en día, nada en él pasa de moda. -¿Por qué? -Porque forma parte de la tierra, de su Andalucía, se inspiraba desde la tierra, desde lo que vivía, y es que el flamenco es así: es terrenal, es un arte que todavía hoy día se transmite oralmente. Y partimos de ahí, de la tierra, de la tradición. -¿De todos los países que has conocido en tus giras cual te ha enriquecido más? -Simplemente el hecho de conocer, de ver a otras gentes con formas de vida e idiomas diferentes te enriquece mucho. Mis primeras giras con Mario Maya me abrieron otro mundo, descubrí, por ejemplo, la danza contemporánea y otros modos de danza que en España aun no se habían desarrollado. -Y si te hiciesen escoger de los lugares que has conocido… Dime una ciudad, así a bote pronto. -Nueva York. Me encantaba, de hecho hubo un tiempo en que me quería ir, pero algunas veces las parejas que tienes no te siguen. Y sí, reconozco que cuando tenía unos 22 años me hubiera encantado vivir allí, pero también en Francia, en París. Aunque estoy contenta de estar en España, que es un país maravilloso, y me siento muy satisfecha con mi desarrollo artístico. No me ha ido nada mal si tenemos en cuenta que venía de una familia muy humilde, pero humilde en economía, que no en arte. -¿Qué aconsejarías a los jóvenes que sienten la vocación de bailar y desean emprender un recorrido artístico? -Que se entreguen, que lean mucho, que vean a todos, a los grandes y a los pequeños, que vean todos los ballets que puedan, pues hoy en día, por internet, se pueden ver tantísimas cosas…, que sepan escoger una escuela dónde de verdad les enseñen desde abajo, como tiene que ser, pues los alumnos deben formarse en el respeto a las generaciones anteriores, a saber convivir con los que abrieron caminos antes de ellos, porque no te puedes desarrollar como ser humano si no sabes de donde venimos. MERCEDES ALBI Fotografías de "¡Gira corazón" de Pablo Lorente

BETA PUBLICA ANUNCIA “UNA MAÑANA EN DANZA 2022” DEL 26 DE ENERO AL 4 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID. EL SABADO 29 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SABADO 29 DE FEBRERO OFRECEMOS MASTERCLASS CON KENJI SHINOHE Y LAS ARTISTAS INVITADAS A UNA TARDE EN DANZA CARLA CERVANTES Y SANDRA EGIDO EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,00 A 13,30 HORAS. La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2021 han asistido a las funciones de UMD más de 16.000 alumnos/as y docentes. A este Octavo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán más de 2.000 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 26, 27 y 28 de enero, 1, 2, 3 y 4 de febrero. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías seleccionadas entre las que han participado en anteriores Ediciones de la Muestra Beta Pública, y termina con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos y los coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: • SAMSARÍ de David Vento. • génesis de la Cía. Catarsis. • K(-A-)O de Kenji Shinohe. • Lo invisible de la Cía, No Bautizados. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 29 de enero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitadas Carla Cervantes y Sandra Egido con su pieza “SOMOS”. Esta VIII Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos, por tercer año, dos MasterClass, el sábado 29 de enero por la mañana, con Kenji Shinohe y las artistas invitadas Carla Cervantes y Sandra Egido. La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todos y todas las amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” pueden adquirirse en entradas.com o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2021 han asistido a las funciones de UMD más de 16.000 alumnos/as y docentes. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Teatros del Canal estrena ¡Gira corazón!, en el que la bailaora Carmen Cortés ahonda en las múltiples dimensiones de Lorca El espectáculo, acogido al sello Creación Canal, se representará en la Sala Roja entre el 13 al 16 de enero con un cuerpo de baile de catorce intérpretes La artista catalana recrea e imagina a través de la danza flamenca la reunión en Madrid en la que el escritor andaluz leyó su obra de teatro El público Vuelve Carmen Cortés a Lorca. La coreógrafa y bailaora catalana, que ha prestado una atención especial al poeta andaluz en espectáculos precedentes como Yerma o Mujeres de Lorca, ahonda en su última creación, ¡Gira corazón! Bailando con Lorca en la edad de plata, en las múltiples dimensiones del autor de Romancero gitano. Su estreno absoluto se producirá el 13 de enero en la Sala Roja de Teatros del Canal, que coproduce esta obra bajo su sello Creación Canal. El 14 de enero, al terminar la representación, habrá un encuentro con el público. El punto de partida de ¡Gira corazón! es una reunión de amigos que tuvo lugar en la casa del diplomático chileno en España Carlos Morla Lynch durante la Segunda República, donde el poeta recién regresado de La Habana leyó las cuartillas de su obra teatral El público. Con dramaturgia de José Ramón Fernández y Carmen Cortés, la obra se desarrolla en diez momentos de esa reunión, en los que, entre otros, se recrean los bailes de La Argentinita sobre la obra teatral lorquiana El maleficio de la mariposa y el Romance de la monja gitana. En otro momento baila una niña de 14 años, la futura estrella Carmen Amaya. La irrupción de Lorca en la fiesta y el anuncio de que leerá una nueva obra da lugar a otro de los bailes: Baile de los caballos blancos. Hacia el final de la representación, los personajes de La Argentinita y Lorca cantan la Nana de Sevilla. Mediante esta sucesión de escenas, Carmen Cortés busca enlazar el Lorca popular, de raíz gitana, alegre con el Lorca neoyorquino y trágico. Para la bailaora, ambos Lorcas constituyen la misma persona: el vanguardista y el que cantaba martinetes, el amigo de La Argentinita, de Alberti, de Sánchez Mejías, de Neville, de Morla; el admirador de Manuel Torres, el Niño de Jerez y el atormentado autor de El público, de Poeta en Nueva York, de los sonetos y las gacelas. Si Lorca no puede reducirse a una única dimensión, tampoco lo hará la bailaora con el baile ni la música. La raíz flamenca convive en Gira corazón con lenguajes nuevos. “Nuestra intención -señala Cortés- es encontrar a Lorca en un juego de espejos que pueda ser compartido por ojos y oídos muy diferentes, que pueda completarse en la mirada de todos”. Para llevar a cabo este propósito, la artista organiza en el escenario un cuerpo de catorce bailarines/bailaores, dos cantaoras, dos cantaores y cuatro músicos, que intervendrán al ritmo de la música de Gerardo Núñez, Mariano Díaz, Zigalet y Enrique Morente. De nuevo, el arte de Carmen Cortés aúna la dualidad entre el baile auténtico y ortodoxo y las propuestas más innovadoras, integrándose con elementos muy alejados del clásico componente racial, así como con la danza contemporánea. Nacida en Barcelona de padres andaluces, Cortés es una de las bailaoras con más prestigio de la danza española actual. Es reconocida por la fuerza expresiva, en sus manos, en sus zapateados y en sus figuras. Su baile es temperamental, rápido y rabioso, es el baile flamenco de la antigua escuela, con un sentimiento y una visión muy personal. En su baile y en sus coreografías se aprecia la esencia del flamenco de Mario Maya, nervioso, vivo, eléctrico, dejándose llevar por el tiempo, el compás, la percusión de los zapateados, y su braceo que utiliza como nadie para expresar y bailar los silencios… Entre sus últimos espectáculos figuran Juana Inés, un acercamiento a la poeta Sor Juana Inés de la Cruz, La gitanilla, basado en la novela corta de Miguel de Cervantes, y Yerma, de Federico García Lorca. Fotografías Isabel Múñoz

Leer abre brechas en el tiempo, siempre se descubren nuevas historias, nuevos personajes procedentes de mundos que ya no existen, pero que de una manera o de otra, el presente se encarga de devolvérnoslos con una visión muchas veces maniquea de la realidad. El ser humano tiene tendencia a crear mitos, y uno de los elementos infalibles para erigir esta construcción es la muerte temprana. Sin embargo, en cada alma humana habitan luces y sombras. Muchas veces depende de dónde se sitúe el foco de la posteridad. Unos son borrados, otros ensalzados. El historiador Andrés Trapiello lo define muy bien en una frase: “Los que ganaron la guerra perdieron en los manuales de literatura” o “los que perdieron la guerra ganaron en los manuales de literatura”, que leo citado en el prólogo de las excelentes memorias de Mercedes Formica (1913-2002) publicadas bajo el título de “Pequeña historia de ayer” (Ed. Renacimiento 2020), firmado por Miguel Soler Gallo. A esta prolífica escritora y jurista, luchadora por los derechos de la mujer, se la trató de ignorar, incluso de quitar su estatua de las calles de Cádiz, su ciudad natal. Sin embargo, este fracasado intento produjo el efecto contrario. La polémica suscitada rescató su figura del olvido y suscitó un renovado interés por su obra. Su libro de memorias es interesantísimo y su lectura me ha proporcionado nuevas piezas que van completando el puzzle de la realidad sobre las biografías de artistas de la danza que suelo investigar. Estos descubrimientos deseo compartirlos con mis lectores a fin de que sigan acompañándome en esta especie de “viaje por las almas”, ya que no hay excursión más apasionante, a pesar de estar forzosamente incompleta, pues nadie puede ser comprendido por otro de sus semejantes en toda su dimensión. Comenzaré ahora por el primer artículo de una historia que me ha impresionado muchísimo, que la escritora narra sobre Gabriela Ortega Gómez (1915-1995), una artista que, a pesar de su linaje, no está suficientemente recordada. Para poder ubicarla, hay que diferenciarla de su abuela del mismo nombre, Gabriela Ortega Feria (1862-1919), la célebre “señá Gabriela” madre de la dinastía de los toreros Gallo, que tuvo seis hijos, tres varones: Rafael, José y Fernando; y tres hijas: Dolores -que se casó con Ignacio Sánchez Mejías- Gabriela y Trini. Pero como la rama al tronco sale, este fructífero árbol produjo y produce incansablemente sus excelsos frutos de toreros y artistas desde el año 1840 hasta nuestros días. Hay tres "Gabrielas": abuela, hija y nieta, comparten el mismo nombre. La nieta, de la que trata este artículo, Gabriela Ortega Gómez, fue una artista de pura sangre, con esa personalidad arrolladora de quien nace así y de dónde nace. Es un claro ejemplo de artista inclasificable, tan original que no bailaba sino que más bien interpretaba; no cantaba, sino que declamaba. Se la define como recitadora flamenca aunque ella prefería calificarse a sí misma como representante de la “escuela de juglares”… Fue pionera en dotar de ritmos flamencos a la poesía. El milagro de Youtube nos da una idea de como era con este "un, dos tres", en el que a pesar de su avanzada edad y de que ya no danza, su arte no se resiente. Podemos compararla con el baile recitado que hacía de joven para apreciar ese milagro de la transformación de quien nace artista y nunca puede dejar de serlo. A Gabriela Ortega Gómez poetas como Rafael Alberti le compusieron versos ("Burlillas de Cádiz para Gabriela Ortega"). Mercedes Formica escribe que nadie declamó como ella los versos de Lorca y nos cuenta su drama, así como el trato injusto que tuvo Ignacio Sánchez Mejías con aquella niña, sobrina de su mujer. La escritora lo relata así: <> Aquella niña era la “recitadora” Gabriela Ortega, quien le cuenta esas vivencias a Mercedes Formica. La escritora era en su juventud muy amiga de los hijos de Ignacio Sánchez Mejías, María Teresa, llamada familiarmente Piruja, y José, frecuentando su finca de Pino Montado donde pasaron momentos maravillosos. Y reflexiona (pág. 104): “Nunca me pregunté por qué no frecuentaba la finca otra sobrina de su dueña, Gabriela Ortega, la más cabal intérprete del Romancero gitano. Ella me lo contaría años más tarde. Por aquellas fechas apuraba tragos amargos el drama vivido por su familia. Ignacio, que deseaba para sus hijos un ambiente sin estridencias, rechazaba el de sangre y cuchillos que había rodeado a Gabriela y la mantuvo alejada de Piruja y José, lo que para la joven significó ser arrojada del paraíso.” Y, si tal y como afirmaba Óscar Wilde, “la vida imita al arte”, pienso que el secreto oscuro y vibrante de la voz irrepetible de la recitadora era que no se limitaba a decir los versos de Federico, sino que declamaba su propia existencia de drama lorquiano. Gabriela Ortega Gómez era la poesía misma. MERCEDES ALBI