Lucía Lacarra, una de las figuras más internacionalizadas de la danza española, y el bailarín y coreógrafo canadiense Matthew Golding bailan juntos Fordlandia, una pieza que se estrenó el pasado septiembre en el Teatro de Dortmund (Alemania) y, entre el 5 y el 10 de enero, llega a la Sala Roja de los Teatros del Canal, tras su paso por otros escenarios. Fordlandia se ha inspirado en el “encierro vital”, según explican sus creadores, y mezcla danza, música y arte visual para invocar la esperanza: “en una época que también es difícil para la danza, queremos soñar con tiempos mejores. Queremos ver una luz al final del túnel y esperamos que la distancia que tenemos que caminar sea temporal”, pero “el amor que sentimos sea permanente”, añaden. La propuesta hará “sentir y evadirse al público”, y, en ella, “cada uno tiene que decidir por sí mismo si debe prestar atención a la realidad o al sueño, al desencanto o la esperanza”. Cuatro coreógrafos (Anna Hop, Yuri Possokhov, Juanjo Arques y Christopher Wheeldon) fiman las piezas de este montaje donde la utopía y la idea de reencuentro son protagonistas, y que explota al máximo las posibilidades creativas y técnicas del teatro, fusionando cine, danza escénica, luz y música. Así, las coreografías se entrelazan por medio de cortos y proyecciones, y la narración refleja las formas como nos relacionamos y, a veces, nos vemos obligados a separarnos. La obra combina músicas de Chopin oJ. Johannsson. Sobre Lucía Lacarra y Matthew Golding Lucía Lacarra ha sido bailarina principal del Bayerisches Staatsballett (Ballet de la Ópera Estatal de Baviera) y ha colaborado con el Roland Petit e interpretado papeles protagonistas en ballets de John Neumeier, John Cranko y Kenneth MacMillan. Su repertorio abarca a Marius Petipa, Jerome Robbins o Christopher Wheeldon. Recibió el Premio Benois de la Danse y fue nombrada Bailarina de la Década en 2011, en la Gala de las Estrellas del Ballet Mundial en San Petersburgo. Desde 2018 es la directora artística en la compañía y de la escuela de ballet de Víctor Ullate. Matthew Golding, nacido en Canadá, estudió en Estados Unidos y en la Royal Ballet School de Londres. Como bailarín estuvo particularmente influenciado por el Het Nationale Ballet en Amsterdam, donde a Ted Brandson todavía le encanta contratarlo como estrella invitada. Programa • STILLNESS Chor: Anna Hop Music: F. Chopin • CLOSE Chor: Anna Hop Music: F. Chopin • SNOW STORM Chor: Yuri Possokhov Music: G. Sviridov • FORDLANDIA Chor: Juanjo Arques Music: J. Johannsson • PILE OF DUST Chor: Juanjo Arques Music: J. Johannsson • AFTER THE RAIN Chor: Christopher Wheeldon Music: A. Part

Antonio Najarro ha sido el encargado de llevar la Dirección Artística y bailar en el vídeo ‘Navidad en Madrid, siente su duende’ con el que el ayuntamiento de Madrid felicita este año las navidades. Una iniciativa del Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Tablaos Flamencos de Madrid. El propio Najarro junto a la bailarina Olga Pericet (Premio Nacional de Danza), Inmaculada Salomón (Primera Bailarina del Ballet Nacional de España) y el bailaor Eduardo Guerrero, dan vida a este villancico cuya música ha sido compuesta e interpretada por la cantaora María Mezcle. Estos cuatro los bailarines y bailaores, máximos representantes del Flamenco y la Danza Española de nuestro país, exhiben su arte a través de su personal baile, uniéndose a la exquisita iluminación navideña de cuatro de las localizaciones más emblemáticas de la capital española: el Palacio Real, la Puerta de Alcalá, la calle Gran Vía y el Real Jardín Botánico. Los diseñadores Duyos, Oteyza, Yaiza Pinillos, Ana López y la firma Mans Concept se han encargado de vestir a los 4 artistas en un vídeo en el que la elegancia, la fuerza y el arte flamenco, se convierten en los protagonistas de esta felicitación navideña. Créditos: Dirección y montaje: Fernando Bordeu (Madrid Destino) Dirección artística: Antonio Najarro Producción ejecutiva: Luis Medina (Madrid Destino) Dirección de producción: Juan Pedro Boluda (Vostok Films) Producción artística: Juanma del Rey Bailarines: Olga Pericet, Inmaculada Salomón, Antonio Najarro y Eduardo Guerrero Vestuario: - Inmaculada Salomón: Duyos - Antonio Najarro: Oteyza - Eduardo Guerrero: Mans - Olga Pericet: Chaquetilla: Yaiza Pinillos Falda: Ana López Peluquería y maquillaje: Mauro Gastón Música: "De Madrid al cielo en Navidad" Letra y música: María Mezcle Voz: María Mezcle Arreglos instrumentales: María Mezcle Guitarra: Joni Jiménez Técnico de sonido: Ramón Salazar Producción musical: María Mezcle &&&&&&&&&&&&&&&

Los Premios Nacionales de Danza 2020 se ponen a las órdenes de José Carlos Martínez, en una nueva entrega de la gran gala de Navidad → El Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia acoge el espectáculo dirigido por la estrella cartagenera, quien está de enhorabuena por repetir como coreógrafo del Concierto de Año Nuevo de Viena → El Ministerio de Cultura concedió a Iratxe Ansa y a Jesús Carmona los galardones nacionales en las categorías de interpretación y creación, respectivamente → Con un extracto de su nueva producción, la gran figura Lucía Lacarra se suma a un elenco de bailarines que abordarán diferentes estilos como el clásico, contemporáneo y flamenco Primer coreógrafo español invitado para crear las piezas de danza del tradicional Concierto de Año Nuevo en Viena en 2019 y primero en la historia en repetir encargo este año a punto de finalizar, la estrella de la Ópera de París y anterior director de la Compañía Nacional de Danza José Carlos Martínez retorna a su país para presentar la Gran Gala de Navidad- Estrellas de la Danza, que tendrá lugar los días 27 y 28 de diciembre, en el Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia (Avda. Primero de Mayo s/n, Murcia). Avalada por el éxito del año precedente, la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza es la segunda cita en Murcia con el proyecto de Martínez que nace con vocación de permanencia y cuyo objetivo es visibilizar el amplio colectivo de bailarines españoles que triunfa en el extranjero. Quién mejor para liderar este proyecto que el artista cartagenero que abandonó su tierra para conquistar la cima del ballet en la compañía más antigua del mundo y de la que ostentó el rango de estrella durante quince temporadas. Premios Nacionales de Danza 2020. El pasado mes de octubre, el Ministerio de Cultura anunció los galardonados con los Premios Nacionales de Danza de 2020, Iratxe Ansa, en la categoría de Interpretación, y Jesús Carmona, en la modalidad de Creación. La Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza se congratula de contar con ambos artistas en su cita murciana. Iratxe Ansa ha desarrollado su carrera en multitud de compañías internacionales como el Nederlands Dance Theater, la Compañía Nacional de Danza, el Ballet de la Ópera de Lyon o el Ballet Gulbenkian, entre otros. Convertida en freelance, Ansa ha demostrado tener una voz propia en su proyecto Metamorphosis, que codirige junto a Igor Bacovich. El tándem Ansa-Bacovich ofrecerá el dúo de creación propia, Entangled Echos y la pieza Seda, un solo de Ansa con la colaboración en directo de la cantante María Berasarte, calificada como La voz desnuda y cuya especialidad son los fados y la música con raíces ibéricas. «Por la profundidad de su trabajo creativo en el que la investigación arranca del respeto a la tradición e innova con destreza reflexiva convirtiendo en material coreográfico un rico repertorio de experiencias», el jurado concedió el galardón nacional a Jesús Carmona. Forjado con maestros de la talla de Antonio Canales, Eva Yerbabuena, Manolete, María Magdalena o Güito, Carmona lleva una década al frente de sus propios proyectos, después de un lustro en el Ballet Nacional de España, donde alcanzó la categoría de primer bailarín. Demostrará su «personalidad y marcado carácter como intérprete», gracias a las piezas Opuesto e Inverso. Premio Nacional de Danza 2020, Iratxe Ansa (de negro, en el centro) participó en la Gran Gala de Estrellas de la Danza, dirigida por José Carlos Martínez. Teatro Principal de Alicante, 13 de febrero 2020. © Jesús Vallinas Talento patrio & partenaires de lujo. Con una dilatada carrera profesional a sus espaldas y un envidiable palmarés que incluye los premios Nijinsky, Benois de laDanse y Nacional de Danza, Lucía Lacarra es una de las primeras bailarinas clásicas más destacada de su generación. La artista guipuzcoana interpretará Snow Storm, de Yuri Possokhov, extracto de su nuevo espectáculo Fordlandia, creado y producido al alimón con Matthew Golding, quien además será su partenaire. La bailarina principal de la Compañía Nacional de Danza Cristina Casa y el solista de la formación, Ion Agirretxe, se han decantado por los pasos a dos de Spring Waters (Aguas primaverales), de Asaf Messerer, y El Cascanueces, el gran clásico de Navidad ideado por Lev Ivanov. También procedentes de la CND, los solistas Haruhi Otani y Yanier Gómez Noda han seleccionado un paso a dos de Don Quijote, de Marius Petipa, y Giselle, de Jean Coralli y Jules Perrot. La apuesta por el talento joven se personifica en la participación de la bailarina murciana Clara del Cerro, quien contará con Reo Morikawa como partenaire e interpretará Festival de las flores en Genzano, de August Bournonville, y un paso a dos extraído de Le Corsaire, de Marius Petipa. Las entradas para la Gran Gala de Navidad- Estrellas de la Danza están a la venta la web www.auditoriomurcia.org y en las taquillas del Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia. Los precios de las entradas van desde 25,00 € hasta 45,00 €. LOS DATOS Espectáculo: Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza. Director artístico: José Carlos Martínez. Artistas invitados: Lucia Lacarra y Matthew Golding | Iratxe Ansa e Igor Bacovich, María Berasarte (cantante) | Jesús Carmona | Cristina Casa y Ion Agirretxe | Haruhi Otani y Yanier Gómez Noda | Clara del Cerro y Reo Morikawa. Lugar y fecha: Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia, 27 y 28 de diciembre, a las 20,00 horas. Programa: 1ª Parte: Festival de las flores en Genzano, Entangled Echoes, Aguas primaverales, Opuesto, Don Quijote. 2ª Parte: El Corsario, Giselle, Inverso, Seda, El Cascanueces. Paso a dos, Snow Storm. Entradas: 25,00 € a 45,00. José Carlos Martínez dirigió la primera edición de la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, en el Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia, 29 de diciembre 2019. © Jesús Vallinas

Israel Galván y Manuel Liñán, dos de los bailarines más iconoclastas del panorama escénico actual, cierran este año insólito en los Teatros del Canal. Galván recupera, precisamente, la pieza con la que él mismo reabrió este espacio cultural tras el confinamiento: El amor brujo, en la que el artista sevillano se aproxima al clásico de Manuel de Falla, que también es uno de los emblemas de la literatura coreográfica española. La pieza estará en cartel el 22 y 23 de diciembre en la Sala Roja, y, con su característico lenguaje escénico conceptual, el creador afronta un ballet que es, en su origen, muy narrativo. Según ha explicado Galván, todo surgió a raíz de una entrevista de prensa, en la que le preguntaron si entraba en sus planes interpretar este título. Y a él, se le disparó la curiosidad, porque esa música imborrable, que se creó al servicio de un relato que habla del acoso que, desde la muerte, mantiene el espectro de un maltratador sobre Candela, le presentaba grandes posibilidades. Con todo, la interpretación de Galván se aleja de la monumentalidad orquestal: el bailaor parte de la versión para piano de la obra, y evoca, con un lenguaje escénico desnudo, los aires místicos y los rituales de brujería: “he intentado un Amor brujo más crudo, sin orquestación y sin cuerpo de baile, llamando a que esos espíritus entren en mí”, afirma. Sobre Israel Galván Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, Israel Galván vive, desde muy pequeño, en los ambientes de tablaos, fiestas y academias de baile. Pero no fue hasta 1990 cuando decidió que dedicarse plenamente a él, y en 1994 entró a formar parte de la entonces recién creada Compañía andaluza de Danza, bajo la dirección de Mario Maya. Desde que en 1998 presentó ¡Mira! / Los Zapatos Rojos, el primer espectáculo de su propia compañía, ha creado y bailado La Metamorfosis (2000), Galvánicas (2002), Arena (2004), La Edad De Oro (2005), Tábula Rasa (2006), Solo(2007), EL Final De Este Estado De Cosas, Redux (2008), La Curva (2010) y Lo Real / Le Réel / The Real (2012), una particular reflexión sobre el holocausto gitano bajo el régimen nazi, por la que, en Mayo de 2014, recibió tres premios Max de las Artes Escénicas. Israel Galván es un Artista Asociado de Théâtre de la Ville de París. Es Premio Nacional de Danza 2005 en la modalidad de Creación, y le han llovido muchos otros galardones: en 2012 se le concedió el Bessie Award for an Outstanding Production, de New York, y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en España. La semilla en la infancia “De pequeño me encerraba en mi cuarto y me vestía con la falda verde de mi madre. Me adornaba el pelo con flores, me maquillaba, y bailaba a escondidas. Ese baile era impensable fuera de esas cuatro paredes”. De esta memoria íntima de la infancia nace Viva, de Manuel Liñán, que fue Premio Max del Público 2020, y nos espera en el escenario de la Sala Roja de los Teatros del Canal del 27 de diciembre al 1 de enero. Entonces, las circunstancias y costumbres sociales y artísticas imponían, de alguna manera, que el artista debía manifestarse según su género. Viva evoca aquellos instantes y sus sensaciones, abre la puerta que separaba lo privado de lo público, en un grito a favor de una suerte de "libertad de transformación", explica Liñán, que no siempre implica una manera de enmascararse: también puede suponer una forma de desnudez. En clave de celebración, Liñán exhibe aquí la pluralidad del baile, su distintas formas. Seis bailaores-bailarines, que explorarán este universo fascinante del travestismo. "Queremos bailar, Chim pum”. Sobre Manuel Liñán Premio Nacional de Danza 2017, Manuel Liñán no es solo bailaor sino también coreógrafo y director. Ha sido invitado, en varias ocasiones, para coreografiar espectáculos del Ballet Nacional o compañías como Rafaela Carrasco, Teresa Nieto y el Nuevo Ballet Español. El proyecto REW, con Daniel Doña, le permitió crecer en el trabajo de coreografía y dirección conjunta. En 2008 comienza su andadura en solitario estrenándose con TAURO, y más tarde, con MUNDO Y APARTE y SINERGIA. En 2014 estrena NÓMADA en el Festival de Jerez, espectáculo de gran formato que le supuso un importante reto escénico. Lo han programado en grandes festivales como el de Nimes, la Bienal de Holanda y el Flamenco Festival London.

Me reúno con Raúl Cárdenes en la terraza del Museo Thyssen. Los días de verano tocan a su fin y la nostalgia que provoca su fugacidad, hace que este atardecer sea un marco perfecto para evocar el pasado. Deseo que Raúl me cuente como fueron sus inicios como bailarín en la compañía de Ballet Clásico de Eva Borg, a lo que accede gustosamente. En sus ojos brilla la chispa de la inteligencia, y su voz contiene el eco de un alma sensible. Le pido que recuerde y retroceda a aquellos momentos en que la bailarina Eva Borg y la pintora francesa Monique Lancelot, fundaron la que sería la primera compañía de ballet clásico en España, donde él bailó con otros treinta jóvenes venidos de todos los rincones de la península. Le muestro una fotografía en la que aparece preparándose para actuar con ellos. Se muestra feliz, y afirma: -Es muy importante recuperar la memoria. Hay que trasladarse a aquella época de finales de los años 70. Ver lo poco que había antes, lo que se hizo y lo que se perdió... Mercedes -¿Qué recuerdas de Eva y Monique? Raúl - La relación entre Eva Borg y Monique Lancelot fue una historia de amor y de arte. Y esta historia se llevó a cabo con el máximo respeto y con todo el rigor de la devoción que ambas sentían por la danza clásica. Y por España. Se enamoraron de España. M-¿Cómo era la pintora Monique Lancelot? Raúl -Monique era una creadora nata, una persona muy vital. Le encantaba cocinar y nos invitaba a todos, siempre bebía champagne. Y hacía unos platos... Alta cocina francesa, algo que nosotros por entonces jamás habíamos probado. Y sus dibujos... ¡Era prodigiosa! Trazaba cuatro líneas y ya había creado un obra maestra. Te decía sobre la marcha: te voy a hacer un dibujo, y zas, zas. Monique pintaba para exponer y vender sus cuadros, con los que había ganado una verdadera fortuna en Francia, para poder pagar los gastos de la compañía. Sacrificó su carrera por Eva. M-¿Cómo era físicamente Monique? R -Aunque ella y Eva tenían la misma edad, Monique aparentaba ser mayor. Se movía con dificultad, y se ayudaba con unas muletas. M- Mira, tengo una foto, sólo una foto en la que aparece Monique. La pondré aunque no tiene buena calidad, es todo un testimonio porque no se conservan imágenes de ella. También sales tú y Monique está sentada entre vosotros. R- Me emociona verla, y no sólo por ver a Monique con sus gafas de sol, y verme yo tan joven, sino sobre todo porque aparece Lorenzo Godoy. M -¿Quién era Lorenzo Godoy? R – Fue el verdadero impulsor de la danza en Las Palmas y un pionero de la danza contemporánea en España, Este año se cumplen 30 años de su muerte. Fue gran bailarín y artista en todo el sentido de la palabra, que se formó en París y conocía a Lifar y Nureyev, con los que mantenía contacto. Fue precisamente gracias a Lorenzo por quien nos enteramos de que se iba a formar la compañía de ballet clásico de Eva Borg, y fuimos a la audición. M - ¿Qué edad tenías? R -Yo tenía 16 años. Entonces que no había nada de ballet. Enterarnos de la convocatoria de una audición en Madrid ¡Fue tan emocionante! M – Cuéntamelo R – Era la primavera del año 1977. La audición significó un encontronazo repentino con un montón de bailarines, que ni te imaginabas que podía haber tantos... Los primeros sorprendidos éramos nosotros mismos. Algunos nos conocíamos de los cursillos, pero de verdad que fue tan impresionate tomar conciencia por vez primera de que éramos un colectivo. Primero hicimos las dos funciones del Teatro Romano de Sagunto, en julio de ese mismo año; luego en el Campo de Marte -Festivales de Tarragona- media docena de funciones más, y regresamos a Madrid. M - ¿Sabías quién era Eva Borg? R -Antes de Eva ella tenía otro nombre, pero se lo cambió cuando se escapó de la Alemanía del Este. Era la hermana de Peter Van Dyk, aunque no hablaba mucho sobre su parentesco. Yo la conocía porque había venido a dar cursillos a Karen Taft. Y recuerdo cuando ensayábamos en los estudios del maestro Morales, en Recoletos; también en los estudios del Maestro Portillo que estaban frente al Teatro María Guerrero. El maestro Alberto Portillo ha sido injustamente olvidado porque además opino que se trata del coreógrafo más versatil que ha tenido España. En los 70 Carmina Ocaña abrió en esta sede su famosa escuela. M - ¿Por qué crees que quisieron fundar su compañía con bailarines españoles? R – Ellas lo que soñaban era con hacer el Ballet Nacional Clásico de España, ese era el objetivo que buscaban, y también su gran decepción, porque cuando se creó la compañía de la que ahora conmemoramos el 35 aniversario, ellas elaboraron un dossier y se presentaron para dirigirlo, pero fue Víctor Ullate al que el Ministerio de Cultura le enconmedó la tarea. Cuando dejamos la compañía de Eva Borg, nos volvimos con Lorenzo Godoy a fundar “El Ballet Contemporáneo de La Palmas”. M – Hay una filmación muy curiosa de esa época (1978) con Lorenzo explicando y vosotros bailando. La pondré. M – ¿Y cuando vino Serge Lifar? R – Lifar, madre mía, también nos impresionó. Era un hombre encantador. Vino a dirigir su “Suite en blanc” para la Gala de Uniceff en el Palacio de Congresos de Madrid. Su visita fue como algo mágico. Era para nosotros como un mito viviente y vértelo de repente así, cara a cara. Él ya tenía 78. Nos montó la coreografía de uno en uno, todos pasamos por él. Empezó por los solistas hasta el cuerpo de baile. M - ¿Cuál fue la opinión de Lifar sobre los jóvenes bailarines españoles? R – Lifar dijo: “bailan muy bien, pero les falta técnica”, y así era, nosotros teníamos tanto entusiasmo cuando dazábamos, estábamos tan llenos de vida... Lifar apreciaba muchísimo a Eva y a Monique, por eso vino a ayudarlas. Monique además de ilustrar todos los libros de danza de Serge Lifar, hacía diseños para los vestuarios de sus ballets y plasmaba en dibujos las coreografías, por eso tenía un estudio en el Palais Garnier que él le había cedido. M – Mira aquí he encontrado un dibujo de un traje de torero que Monique diseñó para Lifar. Lo exhibieron en una exposición conmemorativa sobre él que tuvo lugar en la ciudad de Chartres (2007). M - ¿Por qué crees que el proyecto de Eva y Monique fracasó? R- Tuvieron mala suerte. Eva era una diva y no se dió cuenta que España estaba cambiando, que en esos años se estaba fraguando una revolución social hacia la modernidad. Monique y Eva fueron contra corriente. Además sus galas eran costosísimas, se hacían con todo lujo y sin escatimar ningún detalle. Mantener un ballet privado y con no menos de treinta bailarines era una hazaña que requería ayuda estatal. Nunca la consiguieron. Pero lo que hicimos fue lo nunca visto en España, unas producciones de superulujo. Recuerdo “La Celestina”. Eva bordó el papel. Mira esta foto estamos ella y yo. Es del ballet “Theosomega”. Ella hacía de “la muerte” y me decía “tu me tienes que matar”, lo que a mi me sorprendía. Estábamos descubriendo nuevos contextos de la danza. M - ¿Volviste a ver a Eva después del fracaso de su compañía y su retorno a Francia? R - Sí, ella siempre me ayudó. Me montó mi coreografía cuando me presente a las pruebas de la compañía nacional. Recuerdo que fue con música de Satie. Se lo pedí con un poema de Jean Cocteau, que era amigo suyo. Eva volvió alguna vez a España; Monique ya nunca regresó. Nunca ví un caso semejante que entregase todo por la danza. La compañía se mantenía con las exposiciones de sus cuadros que se veía obligada a vender, cuando algunos eran piezas únicas de las que no quería desprenderse. Eran escenas pintadas en la Ópera de París, con Lifar, Claude Bessi, Vyroubova, Attilio Labis, Van Dyk... M – Sí, Monique lo dió todo, y hasta de esos cuadros que un pintor se niega a vender y que lleva consigo donde quiera que va porque son sus recuerdos, los tuvo que dejar. Se los quedó un amigo de ellas, productor de cine, que les prestó una gran suma de dinero para que pudiera continuar la compañía. Pasaron los años y este director tenía los cuadros amontonados en el sótano de su casa, y los descendientes, que ni sabían de quién eran, los malvendieron. Cada cuadro de Monique Lancelot es una joya única, un momento irrepetible de la historia de la danza. R - Me siento muy feliz de formar parte de esa memoria, porque yo no me considero haber sido alguien muy especial, pero sí he estado en muchos momentos especiales. Y este fue el principio... MERCEDES ALBI

El pasado mes de abril, el Ballet Nacional de España se vio obligado a cancelar la participación prevista en el festival Dance Open de San Petersburgo debido al cierre de las fronteras y los teatros, y el confinamiento domiciliario de artistas y público debido a la pandemia mundial causada por el coronavirus. Aun así, los bailarines y el equipo de la compañía siguieron ensayando y planificando el viaje hasta poder finalmente anunciar que la danza ha triunfado sobre las dificultades que no terminaron con el fin de la cuarentena. El 16 de diciembre el Ballet Nacional de España actuará en la Gala Dance Open Ballet Festival, que se celebrará en la Gran Sala de Conciertos Oktyabrsky de San Petersburgo (Rusia). Este evento, donde participan prestigiosas compañías y artistas de todo el mundo, es muy esperado en esta ciudad y las entradas se suelen agotar en pocas horas. Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España, encargó a su asistente de dirección, Miguel Ángel Corbacho, que creara para esta gala una coreografía que simbolizara el intercambio cultural sin perder de vista las raíces españolas. El bailarín y coreógrafo seleccionó los dos últimos movimientos de Capricho español, Op. 34: Escena y canto gitano, y Fandango asturiano. El músico ruso Rimsky-Korsakov, nacido no muy lejos de San Petersburgo, compuso esta partitura inspirándose en las melodías españolas que descubrió durante sus viajes como oficial de la Marina Imperial rusa en el siglo XIX. El resultado es una coreografía con una gran fuerza, dinamismo y complejidad que refleja la particular visión de la danza estilizada, con influencia flamenca, de Miguel Ángel Corbacho, a la vez que plasma lo que representa el sello del Ballet Nacional de España en el escenario. El resultado es una suite dividida en cuatro bloques que aúnan estilización con castañuela, anotaciones flamencas y la riqueza del baile español con bata de cola. La fluida interpretación de los bailarines principales, primeros y solistas del Ballet Nacional de España consiguen que los complejos movimientos grupales y las simetrías ideadas por el coreógrafo emocionen a los espectadores por su vertiginoso ritmo. “Es una pieza espectacular, muy enérgica, que refleja la pureza de la danza española y también los nuevos aires. El elenco de bailarines seleccionado representará de forma maravillosa al Ballet Nacional de España en San Petersburgo”, afirma Rubén Olmo. La grabación de la música de Rimsky-Korsakov utilizada para esta gala es la realizada por la Joven Orquesta Nacional de España, dirigida por Josep Vicent, en el Auditorio y Palacio de Congresos de Zaragoza en 2005. El vestuario de las bailarinas lo diseñó Yaiza Pinillos para el ballet Zaguán, mientras que el de los hombres procede del Fondo de vestuario del Ballet Nacional de España. El diseño de iluminación lo firma Eduardo Solís. Capricho español pasará a formar parte del repertorio del Ballet Nacional de España para ser representado en futuras giras. Como concluyen los organizadores del festival: “Las estrellas de invierno brillan más que las de primavera y son más claramente visibles sobre el fondo de un frío cielo. Decidimos superar las vicisitudes del período posterior a la cuarentena a las que todos nos hemos enfrentado -organizadores, artistas y espectadores- y regalarnos unas vacaciones de danza. Esta Gala Dance Open será especialmente inesperada y bienvenida”.

En el verano de 1918 los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev afrontaban una situación desesperada. La Primera Guerra Mundial asolaba Europa, y después de haber culminado una gira extenuante a lo largo de la Península Ibérica, la compañía se encontraba inmovilizada en Barcelona, sin permisos ni dinero con que pagar a los bailarines, ni poder transportar un material escénico que pesaba más de cinco toneladas.... La bancarrota era más que evidente y el empresario ruso, que se planteaba la disolución, tal y como le aconsejaba su íntima amiga Misia Sert, marchó de viaje a Madrid en último intento para solicitar la ayuda y mediación del rey Alfonso XIII, quien finalmente les salvaría. Ante esta situación de abandono, muchos bailarines se dispersaron en busca de nuevas oportunidades. Un destacado grupo de ellos formó una nueva compañía de bailarines rusos, aceptando ofertas que los empresarios teatrales les brindaban. Así, el sábado 6 de julio de 1918, en el Teatro Victoria de Barcelona, nos encontramos con el siguiente programa -que forma parte de mi colección privada- del que incluso conservo una entrada original. Se trata de una sola hoja de papel doblada por la mitad e impresa por ambas caras, donde en el envés figura la portada con una ilustración tomada de los programas de Diaghilev: La pequeña compañía no era un mero fruto del azar, sino un verdadero grupo consolidado por lazos familiares y de camaradería. Estaba encabezada por Vera Nemtchinova y su esposo Nicholas Zverev, la hermana de ella, Lydia Nemtchinova, Leocadia/Loda Klementovitch y su esposo Anatol Bourman, las hermanas Lubov y Anna Sumarakova, George Oumansky, D. Bromberg y L. Simonov. Hay constancia documental de que viajan también a tierras valencianas con ocasión de las fiestas de la Feria de Julio, debutando el día 24 de ese mismo mes en el Teatro Apolo. El diario Pueblo, publicado el 3 de agosto, contiene escrita por el crítico José Luis Estellés, una detallada descripción de la bailarinas, recogida por el profesor Santiago Montoya Beleña en un trabajo titulado "Los Ballets Rusos en Valencia": << LAS LINDAS SEÑORITAS DEL BALLET. Son cinco y todas lindas, las señoritas del ballet. Son cinco palomas, son cinco tanagras, son cinco preciosas columnas, que sostienen el peso ingrávido (extraña paradoja) de un arte sin decadencias, sin dramatismos, sin groserías, sin inflexiones. Son cinco hijas de la mística Rusia, que ha parido filósofos como anacoretas, novelistas como filósofos, músicos cuentistas y médicos músicos. Y sabios danzarines como profesores de estética (...). He aquí las lindas señoritas del ballet: VERA NIEMTCHINOVA Menudo su cuerpo, algo encorvado hacia delante, (...) esconde los senos y hace salir mucho la cabeza, sobre el cuello largo y alargado; (...) algo carrilludita, la hizo tanto reír, o mejor dicho, sonreír. Sus labios guardan eternamente en la comisura un esbozo de sonrisa, recuerdo o preparación; se alza picaresca una naricilla algo arbitraria, y brillan muy vivos los ojos, al fondo de una hondas ojeras muy azules. (...) Semeja una parisien, tiene una boquita golosa y picuda, (...) y se llama Vera, es decir, la que no miente. Es Vera el romanticismo puesto en danza. LODA KLEMENTOWITCH Es polaca, casi alta, delgada y fuerte. (...) Ojos de acero como los de minerva, cabellera leonina como la de Artemisa y una ingenuidad infantil completamente, que deja paso muchas veces a una gravedad impropia en una mujer. La boca de Loda es muy fina; parece el signo que jeroglíficamente escribe el significado ruso de su nombre, que es tanto un diminutivo de Leocadia como esta palabra: nieve (...). LAS HERMANITAS SOUMARAKOVA Dos: una rubia como el oro y rosa como las rosas y otra morena, casi bronceada, como los albaricoques maduros. (...) Una tiene intensidad, la morena, y se llama Anna; tiene la otra gracia, la rubia, y se llama Lubov. (...) Lubov es alegre, inconsecuente, sonrosada y dorada como una modelo de Reinholds (...). LYDIA NIEMTCHINOVA "Ha llegado de tierra extranjera de París. En busca de lo típico de nuestro territorio". Como esta viajera francesa que describiera un poeta, así es Lydia, alta, gallarda, guapa y con una gitanería encima de ella, que parece más que rusa, una española.>> Estas páginas de la revista Baleares (octubre 1918) muestran unos dibujos que Pedro Barceló realizó a vuela pluma durante las actuaciones valencianas, donde se repite el programa inicialmente bailado en Barcelona. La compañía sigue actuando. Existe una constancia documental a través de los siguientes carteles, que también forman parte de mi colección, de otras representaciones en el Teatro Goya de Barcelona. De fecha 30 de octubre: El sábado 2 de noviembre: Y el viernes 8 de noviembre: Cuando los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev logran establecerse en Londres y comienzan los preparativos para "El sombrero de tres picos", que se estrenará en el Teatro Alhambra el 22 de julio de 1919, los miembros de nuestra pequeña compañía, regresarán reincorporándose a la nueva etapa creativa de la era Massine. Vera Nemtchinova (1900-1984) , a la que vemos en la fotografía precedente, junto al que entonces era su marido, Nicholas Zverev, en "Carnaval" -una de las piezas que representaban en su propia compañía- desarrollará una importante carrera internacional. Ambos nacidos en Moscú pertenecían al elenco de los Ballets Rusos desde 1915, cuando fueron reclutados para formar parte del cuerpo de baile. Diaghilev la llamaba Vera la pequeña, para distinguirla de la "mayor", que era la otra Vera también moscovita, la famosa Karalli, de superior edad. En 1921 fue nombrada bailarina principal y estrenó papeles estelares en las coreografías de Massine -Boutique fantastique (1919), Pulcinella (1920), y Les Matelots (1925)- y en Les Biches (1924) de Nijinska (1924), un papel memorable como La chica de azul. En 1926 dejó la compañía de Diaghilev y volvió a crear la suya propia, llamada Los Ballets Rusos de Vera Nemtchimova, en una etapa que transcurrió desde 1927 a 1930, y en la que Balanchine creó para ella el papel de Diana en el Ballet Aubade (1930). También fundó con Anton Dolin el Ballet Nemtchinova-Dolin. Fue invitada por numerosas compañías, bailó con la Revue Cochran en Londres, con el Mordkin Ballet en su gira por Estados Unidos, con el Ballet de la Ópera Estatal Lituana en Kaunas (1931-1935), y con los Ballets de Montecarlo de Blum, donde estrenó el rol principal de "L 'Èpreuve d' amour" de Fokine (1936). También bailó con el Ballet Markova-Dolin, con el Ballet Russe Original de Basil y, después de mudarse a Nueva York en 1941, con el Ballet Theatre. Durante casi 40 años tuvo su propio estudio en Nueva York, donde podemos ya anciana impartiendo una clase filmada en 1979. ANATOLE BOURMANN Entre los miembros de la pequeña compañía rusa, también merece una mención especial el bailarín Anatole Bourman (1888-1962), quien fuera el mejor amigo de Nijinsky desde que ambos ingresaran en la Escuela Imperial en San Petersbrugo, tal y como el mismo relata en su interesantísimo libro, publicado en 1937, "The tragedy of Nijinsky" y reeditado recientemente, aunque lamentablemente no existe versión en español. Anatole narra en su libro con detalle aquellos días en que un muchacho tímido, llamado Vaslav Nijinsky, supera gracias a sus increíbles facultades para la danza, el examen de ingreso en la Escuela Imperial a pesar que no cumplir el requisito exigido de dominio del idioma ruso, pues su lengua materna era el polaco. Siempre, cuenta Anatole, el gran bailarín habló con un gran acento polaco, lo que motivó un reiterado y cruel maltrato infligido por sus compañeros de clase. Anatole Bourman frente al Cartel del Espectro de la Rosa Cuando leí en la descriptiva crónica de José Estellés sobre las bailarinas de la pequeña compañía, me ha llamado la atención que que especifique que Loda/Leocadia Klementowitsch "es polaca". Y ha venido a mi mente la conversación que relata Bourman en su libro por la que Nijinsky se sincera y le confiesa su amor. (La escena tiene lugar en el barco que los lleva de gira a Sudamérica) Copio y traduzco de la página 257 Ed. 1937, en la que Anatole Bourman dice a Nijisnky : <<-"Ya ves Vaslav. Ahora soy feliz. Este viaje a Sudamérica es solo un interludio para mi. Cuando regresemos a Europa me casaré con Loda Klementowistch. ¿Por qué no te casas tu también y eres feliz con alguien que cuide de ti? (...) -Tienes razón, Tola, pero la muchacha que quiero está comprometida. Esta afirmación fue una sorpresa. Yo estaba atónito. "¿La chica está en nuestro ballet?, pero si nunca te he visto flirtear con ninguna, ni mostrar atención a ninguna de las bailarinas!" El sonrío un poco. -¡Tu estás enamorado Tola! No tienes ojos para lo que sucede a tu alrededor. Además yo no puedo hablar con cualquiera como tu haces. Si yo hablo con alguna chica de la compañía se desatan los rumores. Diaghilev me tiene firmemente atado como puedes entender. ¿Cómo podría entonces mostrar mis atenciones? -De acuerdo, pero ¿Quién es la chica de la que estás enamorado? Furiosamente, él se volvió hacia mi: "ella es ahora tu novia">> Y Nijisnky sigue contándole como impuso escogerla para que fuera una de las ninfas de su Fauno, y como prohibió que nadie entrase en los ensayos, salvo Diaghilev y Grigoriev, para poder estar ensayando con Leokadia sin Bourman, ya que sufría mucho cuando los veía juntos. Bourman sigue relatando que entonces, Nijinsky terminó la conversación diciendo: "Olvida todo esto, Tola. Tu la amas y eres feliz. Tal vez muy pronto yo también lo sea. Serás el primero en saberlo". Durante las dos semanas que duró la travesía vieron a Nijisnky paseando por cubierta con una chica, tratando de hablar con ella en su mal francés y bromeando de los fallos que cometía en esa lengua. Pero Nijisnky cumplió su palabra y una noche dan aviso a Anatole para que acudiese al camarote de Nijinsky, donde le comunicó la noticia: "De acuerdo, Anatole! Brinda ahora por mi felicidad. Me voy a casar, y mi boda va a celebrarse en Buenos Aires." Diaghilev con Bourman Anatole Bourman se casaría con Loda Klementovitsch en Suiza y marcharon a vivir en 1927 a los Estados Unidos, como muestran estos valiosos documentos en los que solicitan sus permisos de residencia, los cuales me ha facilitado Jesús Rivera Rosado, gran estudioso, escritor e investigador de historia de la danza. En efecto, comprobamos que Leokadia nació en Varsovia (Warsaw, que entonces pertenecía a Rusia), lo cual puede contener la clave de que Nijinsky sintiera preferencia por ella frente al resto de bailarinas... Entonces, ¿Se casó con Rómola por despecho? Eso nunca lo sabremos, pues sería adentrarnos en el terreno de la novela y abandonar el de la historia. Leokadia Klementowistch con su esposo Anatole Bourman MERCEDES ALBI (Fotografía de encabezamiento Vera y Lydia Nemtchinova con Nicholas Zverez, ataviados para La Danza India, 1918)

Una de las fuentes más importantes de la historia habita en la memoria de quienes la han vivido. Hace unos días fui invitada a un concierto que conmemoraba el Día Nacional de Rumanía en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y asistí acompañada de Alberto Portillo. El programa era excelente, a cargo del Cuarteto Arte Clásico y organizado por el Instituto Cultural Rumano, que dirige María Pop, y fue presentado por el musicólogo José Luis García del Busto. Los músicos -Marian y Lavinia Moraru, junto con Sergio Sáez y Javier Albarés- alternaron, con sus cuerdas magistrales, composiciones de música rumana y española como "La oración del torero" de Joaquín Turina, y "Danza ritual del fuego" de Manuel de Falla. Cuando comenzaron a sonar los acordes de la Danza de Fuego, cual magdalena de Proust, ese fenómeno humano-memorístico por el que a través de una percepción sensorial aflora un recuerdo, sentí que una vibración especial poseía a mi acompañante. Durante los aplausos, Alberto me dijo con voz emocionada: "Yo bailé ésto en el Liceo con Rosario..." Y prosiguió contándome, "pero para mí, la que mejor bailaba la Danza de Fuego era Rosita Segovia, con la compañía Antonio el Bailarín". ¡Quién tuviera una máquina del tiempo para poder viajar por tantos momentos memorables! Estar con alguien que los ha vivido es un gran regalo. Y Alberto Portillo, con sus 92 espléndidos años recién cumplidos, atesora tantas joyas en su memoria... Pocos conocen que es el hombre que le dijo "no" al gran director de cine Ingmar Bergman. Porque Alberto Portillo, en su exitosa vida de bailarín y coreógrafo, ha conocido a todo el mundo. La primera vez que actuó en Estocolmo fue como invitado de la compañía de Karen Taft; y al año siguiente se le encomendaron las coreografías y danzas de la famosa opereta "La viuda alegre", con tan gran éxito que estuvo durante nueve meses en cartel en el Teatro Oscars de Estocolmo. Allí compartió escenario con celebridades internacionales como Carmen Miranda y Josefine Baker. Y sigue recordando: -Eran los años 50. Se cumplía el 700 aniversario de la fundación de Estocolmo y con tal motivo, la recién creada televisión sueca comenzaba a emitir. Yo había coreografiado las danzas de "La viuda alegre"... Aquel vals con música maravillosa que danzábamos con el elenco de bailarines de la compañía del teatro, el más importante de Suecia... E incluí un paso a dos de danza española que bailaba con Elena Flores. El éxito de la pieza fue tal, que nos invitaron a participar en la gala de inauguración de la televisión. Nos vio todo el mundo, incluído el director de cine Ingmar Bergman. -El famoso director sueco estaba rodando en sus estudios de cine "Noche de circo", cuando pidió a la productora del teatro unas fotografías mías. Al poco tiempo quiso conocerme en persona y me llevaron al rodaje. Recuerdo que corriendo por el plató había un grupo de enanitos. Hablamos, fue muy amable y quedamos en que bailaría la danza española en aquella filmación.... Pero el asunto no termino como se esperaba. -Todo marchaba sobre ruedas hasta que la productora me informó de la cantidad que iban a pagarme... Era tan mísera que me ofendí y dije que no. Dije que no a Ingmar Bergman. Le pregunto si lo lamenta y responde: -Ahora sí, me arrepiento de no haber querido salir en la película. Reconozco que me equivoqué. Es la única vez que creo que me he equivocado en mi vida, porque poder vivir de lo que te gusta como yo he hecho, es maravilloso. MERCEDES ALBI POST SCRIPTUM Una de las más gratas sorpresas que recibí a raíz de este artículo fue un mensaje que nos remitieron al e-mail de la web, en fecha de 8 de febrero de 2022, firmado por Emilio Quintana Pareja. Emilio, granadino residente en Estocolmo, había encontrado en un mercadillo de la capital escandinava, el programa de la "Viuda alegre" en el Teatro Oscars. -Compro todo lo que se refiere a España- me dijo. Fue una gratísima noticia, que alguien desde un lugar tan distante compartiera su hallazgo con nosotros, y tuviera la amabilidad de enviarnos una copia del programa cuya portada reproducimos, algo que a Alberto Potillo, a sus 93 años, le hizo tan feliz que quiso telefonearle personalmente para darle las gracias. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

GISELLE Ballet en dos actos Coreografía y dirección escénica: Joaquín De Luz (a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli) Música: Adolphe-Charles Adam (versión musical: Joaquín De Luz y Óliver Díaz) Dirección musical: Óliver Díaz Libreto: Borja Ortiz de Gondra y Joaquín De Luz (a partir del original de Jules Henry Vernoy y Theóphile Gautier) Dramaturgia: Borja Ortiz de Gondra Escenografía: Ana Garay Figurines: Rosa García Andújar Diseño de iluminación y creación de vídeo: Pedro CHamizo Espacio sonoro: Víctor Tomé Voces en off: Pedro Alonso y Ángela Cremonte Asistentes al coreógrafo: Pino Alosa, Joan Boada, Yoko Taira Bailarines invitados: Elisa Badenes y Gonzalo García Ayudante de escenografía: Isi López-Puget Ayudante de vestuario: Lucía Celis Construcción de escenografía: Proescen Confección de vestuario: D’Inzillo Sweet Mode Peluquería: Mª Jesús Reina Taller de utilería: Carlos del Tronco y Palomia Bravo Producción de la grabación fonográfica: Fernando Arias (Aria Classica) Orquesta: Orquesta titular del Teatro de la Zarzuela. ORCAM. Director de Orquesta: César Álvarez Duración: 2h Estreno absoluto: Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (España), el 9 de diciembre de 2020 Giselle accesible para todos los públicos. “En 1841, la Ópera de París estrena el ballet Giselle, en el que el poeta Théophile Gautier, inspirándose en leyendas alemanas de Heinrich Heine, crea mitos románticos que marcarán toda la historia de la danza: inocentes campesinas enamoradas, fiestas de la vendimia, apuestos príncipes seductores, fantasmas espectrales de espíritus del bosque… El año anterior, Gautier había visitado España y con su libro Le voyage en Espagne inaugura la moda romántica de los viajeros europeos que descubren el país, sus tipos populares y sus danzas tradicionales. El año anterior, Gautier había visitado España y con su libro "Le voyage en Espagne" inaugura la moda romántica de los viajeros europeos que descubren el país, sus tipos populares y sus danzas tradicionales. En 1863, el poeta español Gustavo Adolfo Bécquer se retira al Monasterio de Veruela, en la Sierra del Moncayo, y allí, rodeado de bosques y naturaleza, escribe sus rimas de amores desgraciados y leyendas de tristes destinos. Para esta nueva versión que presenta la Compañía Nacional de Danza hemos querido imaginar una Giselle vista a través del romanticismo español: inspirándonos en la poesía de Bécquer, bailaremos la historia de esa muchacha enamorada del apuesto viajero extranjero al que amará más allá de la muerte. Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, en nuestra Giselle aparecerán también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y en el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, las voces del viento susurrarán versos de Bécquer. Al final de Giselle, la fuerza del amor y la fuerza de la danza vencen a la muerte y la oscuridad. Esa es la esperanza que nos guía en este espectáculo.” Joaquín De Luz Borja Ortiz de Gondra “En las largas noches del helado invierno, cuando las maderas crujir hace el viento y azota los vidrios el fuerte aguacero, de la pobre niña a veces me acuerdo. Allí cae la lluvia con un son eterno: allí la combate el soplo del cierzo. Del húmedo muro t endida en el hueco, ¡acaso de frío se hielan sus huesos!” Extracto, Rima LXXIII, Gustavo Adolfo Bécquer SINOPSIS Primer acto En una aldea cercana al Moncayo vive Giselle, una campesina de extraordinaria belleza que por encima de todo ama bailar. Un día de otoño, cuando baila a solas para sí misma, es descubierta a lo lejos por un grupo de viajeros extranjeros; uno de ellos, Albrecht, cae rendido ante sus encantos y de común acuerdo con su amigo Wilfred decide internarse en la aldea y cortejarla haciéndose pasar por un lugareño. Rendida por los encantos del nuevo pretendiente, Giselle ignora a Hilarión, su enamorado, quien sospecha de la identidad y el engaño del forastero. Giselle y Albrecht bailan juntos, cada vez más atraídos, y a ellos se une toda la aldea. Pero pronto la madre de Giselle la reprende, asustadísima: la salud de su hija es frágil, y por el esfuerzo de la danza puede terminar convirtiéndose en una wili, uno de esos espíritus nocturnos de muchachas muertas vírgenes que rondan por el bosque después de la media noche. Llega a la aldea el resto de los viajeros y, mientras los lugareños los agasajan ofreciéndoles de beber, Giselle entabla amistad con Bathilde, la prometida de Albrecht, sin saber ninguna de las dos que aman al mismo hombre. Comienza luego la fiesta de la vendimia y las jóvenes eligen reina de la fiesta a Giselle, quien con permiso de su madre baila para todos. Hilarión, furioso por el coqueteo de Giselle y Albrecht, descubre la verdadera identidad de este, y termina por desenmascararlo. Bathilde pide cuentas a Albrecht, quien confiesa que Giselle solo ha sido un pasatiempo. Albrecht se abraza a Bathilde para seguir viaje sin mirar atrás, negándose a sí mismo el amor que ha surgido en su pecho. Ante la traición de Albrecht, Giselle enloquece y baila hasta caer muerta. “Allí donde el murmullo de la vida, temblando a morir va, como la ola que a la playa viene, silenciosa a expirar; allí donde el sepulcro que se cierra abre una eternidad, todo cuanto los dos hemos callado allí lo hemos de hablar. Extracto, Rima XXXVII, Gustavo Adolfo Bécquer ¡Yo, que a tus ojos en mi agonía los ojos vuelvo noche y día; yo, que incansable corro y demente tras una sombra, tras la hija ardiente de una visión! Extracto, Rima XV, Gustavo Adolfo Bécquer "Dime, ¿es que el viento en sus giros se queja, o que tus suspiros me hablan de amor al pasar? Dime, ¿es que ciego deliro, o que un beso en un suspiro me envía tu corazón?” Segundo acto En el bosque, junto a la tumba de Giselle, rotos de dolor, un cortejo da el último adiós a la joven muerta antes de abandonarla. Cae la noche y en la soledad entra Hilarión, que deposita un humilde ramo de flores silvestres sobre la tumba. Allí es sorprendido por Myrtha, la reina de las wilis, que ordena a estas su cruel venganza: le harán bailar hasta que caiga muerto de extenuación. Poco después se adentra en el bosque Albrecht, que viene a visitar la tumba de Giselle profundamente desolado por no haber comprendido a tiempo a quién amaba realmente. Conmovida por ese gesto, Giselle se hace visible y trata de salvar a Albrecht de la maldición de las wilis; en una noche inagotable, baila sin descanso infundiéndole su aliento y haciéndole resistir vivo hasta que amanezca. Con la llegada del alba, las wilis se ven obligadas a volver a las sombras, y Giselle se retira sabiendo que su amor ha creado un lazo eterno con Albrecht: lo ha salvado, pero a cambio de que jamás consiga olvidarla. Y año tras año, hasta convertirse en un anciano, Albrecht seguirá acudiendo a la tumba de Giselle y escuchando en su cabeza las hermosas palabras de la muchacha que lo amó más allá de la muerte. “Si al resonar confuso a tus espaldas vago rumor, crees que por tu nombre te ha llamado lejana voz, sabe que entre las sombras que te cercan te llamo yo. Si se turba medroso en la alta noche tu corazón, al sentir en tus labios un aliento abrasador, sabe que, aunque invisible, al lado tuyo respiro yo.” Extracto, Rima XVI, Gustavo Adolfo Bécquer Acceso compra de entradas Fotografías Alba Muriel

Recién nombrado Ciudadano Ilustre de Montevideo, Igor Yebra recibe hoy la máxima distinción a la cultura y las artes de Uruguay. -Ilustre de Bilbao desde 2010, Yebra se convirtió ayer en Ciudadano Ilustre de Montevideo, distinción recibida de manos de la Intendenta de la capital, Carolina Cosse. -La Medalla Delmira Agustini que recoge hoy sería el equivalente uruguayo de la Medalla de las Bellas Artes española y reconoce los logros de Yebra durante sus tres temporadas como director del Ballet Nacional Sodre de Uruguay. -El bailarín y coreógrafo bilbaíno recoge estos reconocimientos en plena temporada de “La tregua”, el acontecimiento de danza en Latinoamérica de esta temporada. El bilbaíno Igor Yebra recibe la Medalla Delmira Agustini, considerada la máxima distinción a la cultura y la artes que concede Uruguay. El acto de entrega del reconocimiento será hoy, a las 11.30 horas de Uruguay, en el Auditorio Nacional del Sodre. Este galardón se suma al nombramiento como Ciudadano Ilustre de Montevideo recibido ayer de manos de la Intendenta de la ciudad, Carolina Cosse, en cuyo agradecimiento reconoció que «este reconocimiento me convierte en ciudadano ilustre de las dos ciudades más importantes del mundo: Bilbao y Montevideo, al menos de mi mundo y de la persona en la que me estoy convirtiendo», en una clara alusión a su designación como Ilustre de Bilbao en 2010. En su discurso como Ciudadano Ilustre de Montevideo, rememoró sus tres temporadas al frente del Ballet Nacional Sodre de Uruguay, «donde descubrí que es más gratificante ayudar a otros a que reciban el aplauso con tu trabajo, que se hacen cosas más grandes utilizando principalmente Para cualquier información de prensa adicional, no duden en contactar con nosotros. Iratxe de Arantzibia (Tfno.- 646 11 72 82) Responsable de Comunicación | Igor Yebra antes la cabeza que el cuerpo, contrario a la enseñanza que recibí donde prima la belleza del cuerpo». A modo de balance, reconoció que «han sido tres años intensos en los que he vivido retos y experiencias únicas en mi vida que no dejan de enriquecerme y sorprenderme». Yebra, cuya última temporada al frente del BNS ha estado marcada por la pandemia, animó a «a ponerse a trabajar, a ser imaginativos y a crear cosas nuevas», siempre con grandes dosis «pasión, constancia y trabajo» y recordó la enseñanza de su madre: «Tú puedes ser lo que desees; sólo existe un obstáculo: tú mismo». Hoy la medalla Delmira Agustini. Después de tres temporadas en la dirección artística del Ballet Nacional Sodre de Uruguay, Yebra recoge hoy la Medalla Delmira Agustini por «el aporte especialmente valioso a la cultura de Uruguay». En palabras del ministro de Cultura Pablo da Silveira, «los uruguayos valoramos enormemente tu aporte al desarrollo del Ballet Nacional Sodre, desde una dirección artística que promovió la excelencia y la creación de obras nacionales como “El Quijote del Plata” y “La Tregua”». Además, el ministro destacó «la dedicación y el legado de excelencia». «Con emoción y como aliciente para seguir colaborando en el desarrollo y conocimiento de la cultura de Uruguay», Igor Yebra recibe esta distinción sin olvidarse de agradecer su apoyo a todo el equipo del Auditorio Nacional del Sodre y, en especial, a todos los bailarines y a todo su equipo en la dirección y gestión del Ballet Nacional Sodre sin los cuales no habría sido posible llevar a cabo «todas mis locuras». «Es un honor recibir esta distinción que lleva el nombre de una de las poetas más importantes del Uruguay a la cual admiro y sobre la que dejo encargada una obra; ya que es un reconocimiento de los uruguayos a la tarea que aquí he realizado con plena dedicación y entrega», añadió. Crear un repertorio propio con identificación nacional ha sido uno de los ejes de la dirección artística de Igor Yebra al frente del BNS. Para ello, encargó El Quijote del Plata (2018) a Blanca Li; La Tregua (2020) a Marina Sánchez; y una obra sobre la poetisa Delmira Agustini a la coreógrafa belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa, que se estrenará la próxima temporada. LOGROS COMO DIRECTOR DEL BALLET NACIONAL SODRE DE URUGUAY En enero de 2018, tomó el testigo de Julio Bocca y asumió la dirección artística del Ballet Nacional Sodre de Uruguay. Durante su etapa como director del BNS, ha cosechado grandes éxitos de público y crítica con la reposición de las principales obras de repertorio clásico y romántico –La Bella Durmiente, Cascanueces, El Lago de los Cisnes, El Corsario, La Sylphide-, y de obras de destacados coreógrafos el siglo XX como Serge Lifar (Suite en blanc), Léonide Massine (El sombrero de tres picos), John Cranko (Onegin), Kenneth MacMillan (Manon), Mauricio Wainrot (Carmina Burana y Un tranvía llamado deseo) o Ronald Hynd (La viuda alegre). También ha impulsado nuevas producciones como El Quijote del Plata (2018), basado en la pasión de Arturo E. Xalambrí por la novela cervantina, y la recién estrenada La tregua, basada en la obra homónima de Mario Benedetti, con motivo del centenario del nacimiento del escritor uruguayo. Las dos primeras temporadas del BNS bajo la dirección artística de Igor Yebra batieron todos los récords en cuanto a asistencia de público. Sirva de ejemplo que la temporada de su debut congregó a casi 150.000 espectadores entre las actuaciones en el Auditorio Nacional del Sodre, las giras internacionales y nacionales, y los programas educativos. De hecho, durante su gestión, el BNS ha desarrollado numerosos programas y actividades de sensibilización para diversos colectivos. Asimismo, también implementó un programa para acercar la danza a las zonas de menor accesibilidad del país. Durante la crisis del Covid-19, Igor Yebra ha demostrado sus dotes de liderazgo al poner en marcha el programa Seguimos con Vos de creación de piezas cortas y emisión online –una adaptación a las nuevas tecnologías del taller coreográfico para encontrar nuevos talentos, que había lanzado previamente con éxito-, además de los entrenamientos y clases con la compañía, usando las nuevas tecnologías. Como coreógrafo, Igor Yebra deja en el repertorio del BNS su reconocida coreografía El Cisne XXI, basada en La muerte del cisne, y que fue interpretada en la Gran Gala de Ballet, con la que el BNS retornó al Auditorio Nacional del Sodre, tras el confinamiento. Además, de cara a la temporada 2021, ha encargado a la coreógrafa belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa una creación sobre la figura de poetisa uruguaya Delmira Agustini. IRATXE DE ARANTZBIA ©Fotografía C. Carnavale | Revista Dossier

Desde hace ocho años Russian Masters ofrece a alumnos de todo el mundo un entrenamiento intensivo y de la más alta calidad en la metodología Vaganova a través de los programas intensivos de ballet: VAGANOVA ACADEMY SUMMER INTENSIVES y RUSSIAN MASTERS BALLET CAMPS. Durante los últimos cuatro años los cursos han sido reconocidos por la Academia Vaganova como su Partner Oficial, convirtiéndolo en un programa aún más excepcional y con posibilidades únicas para los alumnos que en él participan. Debido a la crisis sanitaria causada por el COVID-19 nos encontramos en un momento especialmente difícil para los bailarines ya que el desarrollo del entrenamiento y actividad artística en los teatros se ha visto frenada y mermada. Es un momento de inquietud e incertidumbre para las familias y es por eso que desde el Russian Masters Ballet queremos ayudar. Hemos desarrollado y adaptado nuestros procedimientos para que la cancelación sea posible casi en cualquier caso y las opciones de reserva más flexibles. Así mismo, al ser la salud de nuestros alumnos nuestra mayor prioridad, se seguirán las recomendaciones de las autoridades sanitarias para garantizar un ambiente seguro. Además, todos los cursos se ofertarán también en formato no presencial vía online para aquellos alumnos que por las correspondientes restricciones en sus países de origen o por motivos personales no puedan asistir a los cursos presenciales. Un programa altamente profesional dirigido por los mejores profesores de Academia Vaganova El principal objetivo de este programa es, en un periodo breve de tiempo, obtener los mejores resultados técnicos reales a nivel profesional utilizando para ello la metodología Vaganova. El programa incluye asignaturas como clases de ballet, puntas y técnica masculina, repertorio, carácter, pas de deux, desarrollo de condiciones físicas y gimnasia, danza contemporánea y clases de actuación. A estas asignaturas se le suman conferencias, clases magistrales con directores y personalidades invitadas, encuentro con artistas invitados y talleres, entre otras actividades complementarias que propone el campamento. Además, los alumnos del programa Profesional ensayarán la Stars Gala que se realizará al final de cada uno de los cursos en la cual participarán artistas invitados de grandes compañías internacionales. El curso se oferta en dos modalidades posibles: el programa Profesional, dirigido a alumnos especializados en danza clásica entre 12 y 19 años aproximadamente; y el programa Open Profesional, con una prueba de acceso menos estricta y enfocado para alumnos de 10 a 19 años. Where dreams come true. No matter what. Este intensivo se realiza en colaboración con la propia Academia Vaganova, quien supervisa y aprueba el programa metodológico. Para nosotros es un honor y una responsabilidad ser su Partner Oficial para la organización de sus programas intensivos. Es fundamental para esto el entrenamiento completo con profesores de un nivel insuperable. Al mismo tiempo, se ofrece a los estudiantes atención individualizada que les ayude a mejorar a nivel personal, les permita adquirir conocimientos únicos que no se imparten en otras instituciones y favorecerse del intercambio cultural. El Russian Masters Ballet siempre trata de poner a los estudiantes en contacto con personalidades prominentes en el mundo de la danza lo que favorece que los alumnos profesionales sean vistos por directores de escuelas y compañías. Nuestro curso tiene el honor de contar con un claustro de profesores de reconocido prestigio: todos graduados por la Academia Vaganova, muchos imparten clase actualmente en la propia Academia o son tutores en teatros de prestigio como el Mariinsky, Mikhailovsky y Eifman Ballet, entre otros. Todos estos maestros son grandes profesionales y su dedicación y amor a su trabajo eleva la calidad del Vaganova Academy Summer Intensives. Para nosotros es un orgullo contar con ellos y para los alumnos un honor y una oportunidad de aprender de tan grandes maestros. Sin duda, los profesores son lo más especial y único que puede ofrecer nuestro curso. En definitiva, nuestro objetivo es crear una experiencia única, inspiradora y motivadora de la cual los alumnos puedan extraer lo máximo posible para su desarrollo artístico. Destinos 2021: San Petersburgo, Alicante y Estambul Este año 2021 el RMB se prepara para ofertar su curso intensivo de verano en tres destinos distintos y en las siguientes fechas (sujetas a cambios): · San Petersburgo, Rusia: del 27 de junio al 31 de julio. · Alicante, España: del 4 al 25 de julio. · Estambul, Turquía: del 2 al 22 de agosto. Los cursos ofrecen la posibilidad de ser de 1 a 3 semanas. Cada uno de los destinos incluye actividades culturales y recreativas particulares de la ciudad donde se realizan los cursos y sorpresas únicas preparadas para nuestros alumnos. Audiciones y becas para los cursos 2021 Para participar en VAGANOVA ACADEMY SUMMER INTENSIVES debe realizarse una audición para ser aceptado y asignado al correspondiente nivel, tanto en el programa profesional como en el open profesional. Este año, con intención de favorecer el desarrollo seguro de las audiciones, se ofrece un formato no presencial a través de sesiones online en forma de masterclass donde se evaluará a los participantes, pudiendo conseguir una beca. Audición grupal (30€) Fechas: 10, 17 y 23 de Enero de 2021. Para reservar su plaza pulse Aquí Audición individual (75€) Fechas flexibles. Puede elegir una fecha cómoda en nuestro sistema de reservas Aquí. También existe la posibilidad de audición por vídeo que se recomienda que se envíe antes del 15 de Enero por la limitación de plazas del curso y deberá incluir ejercicios de barra (tendu, fondue, grand battement), adagio, combinación de piruetas, saltos pequeños, medianos y grandes, dos combinaciones en puntas y una variación clásica (opcional). SIGUE ADELANTE! Este ha sido un año particular e insólito que nos ha afectado a todos en general y, como ya hemos mencionado, a los bailarines en particular. Hemos tenido que reinventarnos con clases online, grupos más reducidos, entrenamientos con mascarillas, todo para poder seguir haciendo lo que más nos apasiona: la danza. Desde el Russian Masters Ballet queremos animar a todos los bailarines que siguen persiguiendo sus metas a no rendirse y continuar trabajando duro y consiguiendo sus sueños. DETALLES DEL PROGRAMA: Dirigido a: estudiantes de 10 a 19 años Niveles: todos los estudiantes se dividirán en grupos en función de su nivel y edad. Programa metodológico incluye: · Danza clásica · Puntos / Técnica masculina · Repertorio · Intepretación · Danza carácter · Sanza contemporánea · Gimnasia/Estiramientos Además, el programa incluye: · Entrevistas y conferencias con estrellas del ballet y personalidades importantes · Observación y audición official para la entrada a la Academia Vaganova. · Informes de maestro a padres · Traducción de clases al inglés · Grupos pequeños de hasta 16 estudiantes Y mucho más… INSCRIPCIÓN Para proceder con la reserva: 1. Rellene el formulario para San Peterburgo, Alicante o Estambul 2. Reserva su audición en Grupo o Individual (los estudiantes del Winter Vaganova Academy Online Intensive no necesitan pasar por la audición) CONTACTOS: info@russianmastersballet.com www.russianmastersballet.com

A la bailaora María Juncal, nacida en Gran Canaria, le viene el flamenco de estirpe, pues desciende de la saga de los Borull que ha dado artistas tan insignes como su bisabuelo, el guitarrista Miguel Borrull, las bailaoras Julia e Isabel Borrul, sin olvidar, por supuesto, a su tía-abuela Trini Borull, que llegó a ser primera bailarina del Liceo y fue su primera maestra… Sea como sea, si es porque lo lleva en la sangre o es a causa de ese travieso duende que surge de repente cuando quiere, lo cierto es que nadie que la vea bailar permanece indiferente. María posee el mágico don de dejar al público sin aliento, pues viéndola bailar hasta de respirar te olvidas. Surge entonces ese instantáneo momento de suspenso, de extraña conmoción entre el artista y su espectador, que termina estallando con el aplauso final como una ola. Así sucedió el otro día en el Círculo de Bellas Artes, cuando cerró con su danza el estreno de su nuevo espectáculo “Bailaoras”. Como si de una reencarnación se tratara, parecen estar escritos para ella los versos que a su antepasada Julia Borrull dedicase un poeta: <> CUESTIONARO PROUST, LAS TREINTA PREGUNTAS CORTAS QUE PERMITEN CONOCER MEJOR A UNA PERSONA -Principal rasgo de tu carácter. -Creo que es el empeño, desde niña ha sido una constante en todo lo que hago. -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -En un hombre como en una mujer admiro a las personas que son apasionadas en lo que hacen, en cualquier cosa. Desde llegar a casa con alegría hasta perseguir sus sueños sin fin. -¿Qué esperas de tus amigos? -Que comprendan mis silencios. -¿Tu principal defecto? -Ese empeño que a veces me lleva a lograr mis objetivos, es ciego y ahí... pero tengo muchos más. -¿Tú ocupación favorita? -El baile sin duda, después la música porque la música cambia todo en mi vida. El peor de los días se torna distinto con música. -¿Tú ideal de felicidad? -Vivir con salud, viajando, bailando y contándoselos y comer con mi gente querida alrededor de una mesa con sobremesa ruidosa. -¿Cual sería tu mayor desgracia? -Creo que como para todos perder a nuestro seres queridos lo es. Es parte del ciclo de la vida. Fuera de eso que físicamente algo me sucediera que me impidiera bailar es un miedo que me aterra. -¿Qué te gustaría ser? -Me gustaría ser escritora, actriz, contadora de historias, multiforme... -¿En qué país desearías vivir? -En España y fuera de este país al que amo, viviría en México. -¿Tú color favorito? -El negro y el color Del Mar azul. -¿La flor que más te gusta? -Hay tantas bellas... No se los nombres de muchas flores que me encantan. Me encantan las margaritas. -¿El pájaro que prefieres? -Los flamencos son hermosos. Las Águilas me dan sensación de Libertad. Los pájaros me impresionan en el cielo cuando vuelan en bandadas y dibujan juntos formas increíbles. -¿Tus autores favoritos en prosa? -Tengo larga lista porque me gustan muchos y por distintas razones. Ruiz Zafon, Delibes, Garcia Márquez, Khaled Hosseini, Isabel Allende... seguiría. -¿Tus poetas? -Benedetti, Alberti, Lorca... Serrat. -¿Héroe de ficción? -Superman y Yoda -¿Una heroína? -Wonder Woman desde su versión en cómic. -¿Tu compositor favorito? -Se nos ha ido hace poco, me encanta Morricone, creo que la sus bandas sonoras son las sinfonías de los últimos tiempos. Pero igual que en los libros diría muchos nombres, tanta música sorprendente y maravillosa. -¿Pintor preferido? -El Bosco, Dalí, Sorolla y su Luz... -¿Tú héroe de la vida real? -Los que superan los retos y salvan los obstáculos, me admiran las personas en su perfil más humano y en el más animal. -¿Tu nombre favorito? -Julia. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -La pereza cuando se hace hábito, y los video-juegos. -¿Qué es lo que más detestas? -El abandono y la falta de escrúpulos. La mala educación me altera. -Una figura histórica que te ponga mal cuerpo... Ufff, Hitler y sus obedientes en el siglo pasado. Pero me ponen mal cuerpo los cómplices en general. -¿Un hecho de armas que te admire? -Los que se defienden de la tiranía. -¿Qué don de la naturaleza te gustaría poseer? -El de la regeneración y la nobleza de las especies. -¿Cómo te gustaría morir? -Valiéndome por mi misma hasta la muerte... -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -La concentración. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -La indulgencia es una palabra difícil para mi. Quien soy yo para ser indulgente... pero los defectos que inspiran mi máxima comprensión son los que provienen de las inseguridades que no aceptamos. -¿Tienes un lema? -"Gracias", es mi lema.