Dentro de las actividades programadas este año en el marco del festival Ellas Crean, el próximo viernes 4 de marzo, a las 13 h. tendrá lugar la presentación del libro "Historia de la Danza", publicado por Mahali Ediciones. Se trata de un primer volumen que, en este caso, abarca desde la Prehistoria hasta el Siglo XIX. Las autoras de la publicación, todas ellas vinculadas a la danza como artistas y/o investigadoras y docentes, muestran en esta publicación un posicionamiento propio acerca de la historia de esta disciplina. Tratan de alejarse de los grandes relatos sobre la historia de la danza en Occidente que se han ido sucediendo en los ámbitos anglosajón y francófono, entendidos como la autoridad intelectual en la danza, para tejer una historia de la danza que comprenda miradas diferentes. Participan: Ana Isabel Elvira, María José Ruíz Mayordomo Carmen Giménez Morte Lugar: Museo de Arte Contemporáneo Conde-Duque, 2ª planta Despacho Ramón Gómez de la Serna c/ Conde-Duque, 9 y 11 Entrada libre hasta completar aforo

Larreal, el taller coreográfico del Real Conservatorio de Danza Mariemma, un año más ha celebrado las “Jornadas de Formación de Nuevo Público”. Con esta labor cumple varios objetivos. Por un lado complementa la formación de los alumnos - de los últimos cursos – acercándoles a las experiencias escénicas que les serán de enorme utilidad en su carrera profesional inmediata. Y por otro lado muestran la danza a alumnos de enseñanzas obligatorias que serán el público del futuro. Educando el presente en las disciplinas artísticas – aunque no forme parte de la enseñanza reglada - está demostrado pedagógicamente que enriquece la formación y al mismo tiempo asegura la demanda. Recuerdo una frase que leí recientemente y que resume el concepto: "No sabemos si la danza tiene futuro, lo que sí sabemos es que sin niños el futuro no tiene danza". El taller como viene siendo costumbre ofrece un programa variado en el que tienen cabida todas las disciplinas, ballet clásico, danza contemporánea y danza española. El programa para esta ocasión era el siguiente: “Los juegos de la fille” (coreografía: Ricardo Franco/Jean Dauverbal (paso a dos). Música: Ludwig Hertel Squiz (coreografía: Pedro Berdayes. Música: Collage) “Tú la llevas” (coreografía: Rocío Molina. Música: Frase y canciones de la tradición popular del Moncayo, Tarrega, Agustín Carbonell, Lucero Tena, Pedro Sierra, Tomatito con Michael Camilo). “Ofrenda” (¡Dime que no es verdad!) (coreografía: Ricardo Franco. Música: Richard Wagner). “Sine die” (coreografía: Jose Reches. Música: Collage). “Aislado Soler” (coreografía: Manuel Díaz. Música: Antón García Abril/ Cristobal Halffter). Me gustaría destacar dos piezas que fueron estreno absoluto en esta ocasión: “Los juegos de la Fille” en la que Ricardo Franco más allá de la depurada técnica a la que nos tiene acostumbrados ha conseguido que los bailarines maduren en expresividad e interpretación y “Aislado Soler” de Manuel Díaz. – pieza de una elevada complejidad coreográfica a la que le queda por delante un proceso de maduración que permita a los bailarines asentarla, disfrutarla y sentirla para engrandecerla. “La danza es un cuento que se cuenta con el cuerpo y se vive con el alma” (Alberto Londoño). Por último destacar que el departamento de danza española de “LARREAL” en estos momentos se encuentra en el XX Festival de Jerez participando en el “Ciclo de Jóvenes Talentos” cosechando una vez más éxito de público y crítica. Agradecer una vez más la colaboración de Alfonso Sastre de Andrés por el material fotográfico que nos facilita y que nos permite ilustrar esta publicación. GEMMA ORTEGA Fotografías Alfonso Sastre

Siete grandes academias europeas de danza realizan sus pruebas de acceso en Grand Audition Barcelona 2016. Estudiantes de danza entre 11 y 18 años podrán concurrir en este novedoso formato impulsado por International Dance Events. Grand Audition Barcelona 2016 organiza por primera vez en el ámbito europeo, las pruebas de acceso de siete grandes academias de danza de prestigio internacional, procedentes de Mónaco, Finlandia, Alemania, Gran Bretaña, Suiza e Italia. Estudiantes de danza, con edades comprendidas entre 11 y 18 años, podrán concurrir a este gran evento, que tendrá lugar los días 9 y 10 de abril, en las instalaciones del Institut del Teatre de Barcelona (Plaça Margarida Xirgu, s/n). Participan en esta iniciativa la Academia de la Danse Princesse Grace de Mónaco (Luca Masala, director), Finish National Ballet Academy de Helsinki (Kenneth Greve, director), Ballet Academy – University of Music and Performing Art de Munich (Jan Broeckx, director), Elmhurst Dance School de Birmingham (Jessica Wheeler, directora), Ballettschule Theater de Basilea (Amanda Bennett, directora) Staatsballett Berlin (Marek Rozycki, director) y L’Ateneo de la Danza de Siena (Marco Batti, director). El objetivo de Grand Audition Barcelona 2016 es facilitar a los estudiantes de danza, el acceso a las mejores academias y conservatorios de élite europeos. Reuniendo en un evento único de dos días a siete grandes academias de prestigio internacional, el participante realiza varias pruebas en audiciones acordes a su nivel (medio/avanzado) e impartidas por los directores de las academias internacionales. De esta manera, se evitan el consabido gasto de dinero en viajes, la pérdida de tiempo y el desgaste emocional del candidato. Además, todos los participantes que lo deseen, recibirán un informe personalizado con cualidades y carencias en el ámbito técnico, musical e interpretativo. Grand Audition Barcelona 2016 busca ser una experiencia única para todos los participantes que podrán conocer de primera mano el perfil de bailarín demandado en las compañías profesionales, así como recibir información minuciosa del panorama actual de la danza en Europa. Para cualquier información pulsar sobre el subrayado. Mucha suerte a los participantes y en próximos días os daremos información puntual sobre las actividades desarrolladas, que nos contará Iratxe de Arantzibia. El equipo de Albidanza h

El número 41 de la revista de Danza en Escena, que publica la Casa de la Danza, es una exquisitez digna de coleccionistas. Recomendamos leerla en este enlace, y nos sentimos felices de haber participado en él con una entrevista sobre los recuerdos de Ricardo Cue. Se puede consultar en: http://issuu.com/casadeladanza/docs/n__41maya Siempre Maya...

- La tradición, con dos pasos a dos de Marius Petipa: El corsario y Diana y Acteón · La actualidad, con Glow Stop de Jorma Elo y Prism de Annaelle López-Ochoa · Y el clásico moderno Minus 16 de Ohad Naharin José Manuel Carreño ha presentado en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el estreno de la compañía que dirige Silicon Valley Ballet que, interpretará cinco coreografías en un repaso por los clásicos y los contemporáneos. Las representaciones tendrán lugar, del 28 al 31 de enero, en la Sala Roja. El Silicon Valley Ballet ejecutará un programa que irá desde los clásicos, mostrando en días alternos dos pasos a dos de Marius Petipa: El corsario (J28 y S30) y Diana y Acteon (V29 y D31), hasta los contemporáneos: la coreografía Glow Stop de Jorma Elo, Prism, de Annaelle López-Ochoa y Minus 16, de Ohad Naharin. En el pase de gráficos bailaron donde Jorge Álvarez tomó estas fotografías se interpretó Glow Stop de Jorma Elo. La compañía americana se caracteriza por una programación audaz y original, que enlaza la creatividad y la innovación con una alta base técnica. Eel Ballet de Silicon Valley (anteriormente Ballet de San José Silicon Valley) es la segunda compañía más grande de ballet profesional de California. En su estreno en Madrid solo habrá cuatro únicas funciones del 28 al 31 de enero. Una cita ineludible para los amantes del Ballet, todo un placer para disfrutar. FOTOGRAFÍAS JORGE ÁLVAREZ

En el Centro de Danza del Canal hemos asistido a una cita muy especial: una Clase Magistral con el gran bailarín cubano, estrella del American Ballet y actualmente, Director Artístico del Silicon Valley, José Manuel Carreño. Su biografía, aunque de todos conocida, merece la pena resaltarse. Nació en Cuba, hijo de toda una estirpe de bailarines. Estudió en la Provincial de Ballet y en la Escuela Nacional de Ballet. En 1987 gana la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Nueva York y en 1990 el Gran Premio en el Concurso Internacional de Ballet en Jackson, Missisipi. Ha sido Bailarín Principal del English National Ballet, Royal Ballet y American Ballet. Sus roles son inolvidables y quedan grabados en la retina del espectador como esos momentos cumbres que no se olvidan. Verlo aquí, simpático, cercano y aun mismo tiempo erudito también es algo para recordar. La afabilidad de José Manuel Carreño contrasta con el reconocido prestigio que posee dentro del mundo de la danza internacional, pero él es así, exento de pose y transmitiendo la gracia cubana que también es intrínseca a su personaje. Fue nominado para un 'Oscar' como uno de los solistas masculinos supremos del mundo clásico del nuevo milenio (Monte Carlo, 2000), y el Dance Magazine le otorgó Male Dancer del Año en 2005 . Carreño se retiró del ABT en 2011. Él es el fundador y director del Festival de Danza de Carreño en la Florida. En la Clase Magistral de hoy han participado los alumnos de los Conservatorios de Madrid, y también ha contado con la presencia de cuatro jóvenes bailarines la Compañía Nacional de Danza, Aitor Arrieta Coca, Álvaro Madrigal, Juan José Carazo y Ángel García. La clase se ha iniciado con varios ejercicios en la barra que iba proponiendo José Manuel Carreño. Ha sido una clase muy alegre, salpicada por toques del personalísimo humor del Director del Silicon Valley. El Maestro ha estado muy pendiente de que las puntas estuviesen bien extendidas y de la colocación de la cabeza de los bailarines, haciéndoles las correcciones pertinentes. “Hay que extender el tendu en la barra “, “ Hay que hacer los frappés con alegría", comentó también a la vez que animaba a continuar a sus alumnos. Se ha continuado con las diagonales, donde hemos podido contemplar escenas de gran belleza plástica y técnica. La clase ha finalizado con una serie de 16 fouettés "a su manera” donde los brazos están siempre en la 2ª posición, como el mismo José Manuel Carreño ha comentado. Iniciándolo las bailarinas y finalizándolo los bailarines . Una gran Clase Magistral en la que los alumnos y el profesor han disfrutado enormemente, se nota que aman lo que hacen. Los más grandes, siempre son los más sencillos. PAOLA PANIZZA Fotografías: Jorge Álvarez

Antonio Najarro es un ser muy especial, llega al Ateneo, y al entrar por la escalinata principal queda enmarcado por las esculturas de los dos colosos que adornan la puerta. Le digo que pare, que allí es donde vamos a hacernos las fotos. Y sonríe como siempre, abierto de mente, símpatico, inquieto y muy artista. Esta aparente secillez, su naturalidad, hace que olvidemos, mientras conversamos con él, que sobre sus espaldas recae la enorme responsabilidad de ser el director del Ballet Nacional de España. Es el tercer coloso, el de carne, materia viva que transforma el mundo para llenarlo con la emoción de nuestra danza. P-¿Qué tal va todo en el BNE? -Muy bien, Mercedes, fenomenal, no paramos un segundo, acabamos de regresar de Japón y Francia, donde hemos tenido un éxito enorme, en este último país pasamos el fin de año en el Palais de Festivals de Cannes. Ahora volvemos a Francia de Nuevo (Toulouse), Toledo, Córdoba, Burgos, Sevilla, Almería, Murcia, China… y en los días que tenemos posibilidad de ensayar en nuestra sede, preparamos el próximo gran homenaje a Antonio Ruiz Soler “Antonio el Bailarín”, que estrenaremos el próximo día 18 junio y hasta el día 3 de Julio en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. P-¿Cómo van los ensayos? -Muy bien. La compañía se esfuerza muchísimo y disfrutamos realmente de lo que estamos haciendo, es volver a las bases, sacar el máximo jugo del estilo de danza “antoniano”, todo un lujo. Hoy tuvimos un ensayo emocionante, una conexión increíble con el pasado, con nuestros orígenes. P-¿Por qué? -Ha venido nada menos que Carmen Rojas, Primera Figura del Ballet Español de Antonio para el ensayo del mismo taranto que bailó cuando se estrenó el ballet “La Taberna del Toro” en el año 56, que posteriormente, en el año 74, se convirtió en la película. Ha estado perfilando la coreografía que será interpretada por nuestra Bailarina Principal Esther Jurado. P-¿Qué edad tiene ahora Carmen? -Tiene 81 años, pero no los aparenta. Está estupenda. Pensar que ella bailó mano a mano con Antonio el Bailarín, que la tenía como la figura flamenca de sus espectáculos... Imagínate lo que significa que nos transmita sus enseñanzas... Es una lección de sabiduría, emoción y, por encima de todo, humildad y generosidad… P-¿Por qué escogiste este Taranto? -Yo buscaba un pieza para que Esther Jurado la recreara, una pieza que definiera el estilo del flamenco de Antonio, sus cabezas, sus quiebros, su manera de coger y mover la cola, sus zapateados, sencillos pero tan bien puestos… y el Taranto de Carmen Rojas, me pareció perfecto. Tiene mucha fuerza. Ya lo veréis... Tenía muchas ganas de reponer un número flamenco de Antonio, que hace tantísimos años que no se ha hecho. P-¿Piensas que Antonio el Bailarín es un grande olvidado? -Sí, es un grande olvidado, pero por desgracia no es el único, hay muchos grandes injustamente olvidados. Que rápido nos olvidamos de que hoy estamos aquí gracias a la lucha de estos grandes artistas de la danza, porque ellos nos abrieron el camino, con sus deficientes condiciones de viajes, pero con tanto amor por la Danza Española, y este amor lo anteponían ante cualquier adversidad. Sin ellos no hubiéramos podido desarrollarnos en la actualidad, cuánto tenemos que seguir aprendiendo de ellos… P-¿Cuál es tu opinión sobre lo que Antonio aportó a la danza española? -Le considero el gran revolucionario. Renovó y enriqueció el vocabulario de la danza española, en todos sus estilos y manifestaciones. Tanto a él, como a los otros grandes de nuestra danza tendríamos que significarlos de contínuo en multitud de manifestaciones culturales y artísticas. Tendrían que incluirse en el programa de estudios de todas las escuelas de nuestro país como grandes figuras relevantes de nuestro arte... Y pensar que es la primera vez, que hemos tenido que esperar hasta el año 2016 para que haya un espectáculo sobre la obra de Antonio el Bailarín... Sobre los escenarios ha habido recreaciones sobre su vida, pero nunca una reposición de sus coreografías como esta. P-¿Qué coreografías vamos a ver? -En la primera parte se bailarán 3 piezas que son una síntesis de todos los estilos de nuestra danza: abrirá “Eritaña”, acompañada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid ERITAÑA (Duración aproximada 7 min.) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Isaac Albéniz (De la Suite Iberia) Figurines: Carlos Viudes Escenografía: Carlos Viudes Estreno absoluto por el ballet Antonio Ballet Español fue en 1958 Estreno por el Ballet Nacional de España fue en el Teatro de La Zarzuela de Madrid el 28 de octubre de 1981 Isaac Albéniz compuso la Suite Iberia en el final de su vida, entre 1905 y 1909. Eritaña forma parte del Cuaderno núm. 4 y se estrenó el 9 de febrero de 1909 en París. Su fuente de inspiración son las sevillanas y su nombre procede de la famosa Venta de Eritaña que estuvo junto al Parque de María Luisa. Antonio presentó su compañía el 20 de julio de 1953 en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, año en el que el certamen se traslada a los Jardines del Generalife. Llamado Antonio Ballet Español, integraba a treinta y cinco bailarines, y Rosita Segovia era su primera figura. En 1958, año en que estrena El sombrero de tres picos, presenta también Eritaña, para la que toma pasos de las sevillanas boleras y su forma de ejecución del XIX. La cita de Claude Debussy, «nunca la música ha alcanzado expresiones tan diversas. Los ojos se cierran como fatigados de haber contemplado tantas imágenes», puede extenderse a la coreografía diseñada por Antonio, donde la dificultad técnica de sus variaciones aporta todavía más brillantez a las notas de Albéniz. El compositor no creó esta pieza para ser coreografiada, pero en ella encontramos todos los elementos necesarios para que su traducción en movimiento sea absolutamente natural. Son pocos minutos, se hacen muy cortos, pero Eritaña es una de las obras imprescindibles para entender la danza española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica. Le seguirá el Taranto del Ballet “La Taberna del Toro”, interpretada por los músicos flamencos del BNE. TARANTO (LA TABERNA DEL TORO: ESTAMPA FLAMENCA) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Popular Estreno absoluto el 8 de octubre de 1956, en el Teatro Palace de Londres. Estreno en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, el 18 de junio de 2016 por el Ballet Nacional de España. En el campo del flamenco más tradicional, es inolvidable La Taberna del toro de Antonio Ruiz, donde se interpretaba toda una antología de estilos flamencos. Es una escena flamenca que representa una taberna en la que los toreros, sus parejas y los hombres y mujeres del pueblo, se reúnen para pasar el tiempo con sus canciones y bailes favoritos. El estreno tuvo lugar en el Teatro Palace de Londres en 1956. Basada en esta coreografía, en el año 1974 se estrenó la película La Taberna del Toro. Dirigida por José Antonio Páramo y música de Curras García. Después, el “Zapateato de Sarasate”, acompañado por piano y violín sobre el mismo escenario. ZAPATEADO DE SARASATE (Duración aproximada 8 min.) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Pablo Sarasate Estreno absoluto en Teatro de Bellas Artes, México, 1946. Estreno el 14 de junio de 1982, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla por el Ballet Nacional de España. En el Teatro Bellas Artes de México, Antonio estrenó el famoso Zapateado de Sarasate, coreografía maestra de baile individual, y de gran éxito, que quedará incorporada siempre como parte de su repertorio. Las coreografías de Antonio siempre tuvieron una técnica compleja, con pasos muy diferentes. Disponía elegancia o severidad según los ritmos que coreografiaba. Lo más significativo, en cuanto a técnica, es el original sonido que imprimía a sus zapateados. Convirtió sus pies en un instrumento más de acompañamiento del/ de la baile/danza. Dos cenitales caen sobre el escenario. Un bailaor con traje de fiesta, a la usanza del siglo XIX inicia su danza con música de piano y violín. Dando paso a un zapateado sin acompañamiento musical, que se alarga con sus punteados y en sus solos de tacón, cuando ha alcanzado su mayor esplendor llega a su clímax más alto. Y para cerrar la primera parte del espectáculo, “Fantasía Galaica” FANTASÍA GALAICA (Duración aproximada 55 min.) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Ernesto Halffter Figurines: Carlos Viudes Escenógrafo: Carlos Viudes Estreno absoluto en el Festival de Granada, Jardines del Generalife, el 30 de junio de 1956 por la Compañía de Baile Español de Antonio. Estreno en el Teatro Juárez, Guanajuato (México), el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España. Ballet sobre temas populares del reino de Galicia, donde se cuenta, en su Paso a dos y según la leyenda, el trance de dos enamorados durante la última noche de su vida. La Santa Compaña les ayuda a bien morir, cumpliendo con ello el designio que la misma tiene de ir a buscar a los que han de morir durante la noche. Decía Ernesto Halffter: “Los músicos españoles debemos mucho a Antonio. El Ballet fue siempre vehículo de nuestra inspiración, pero hace falta la labor de un artista que, cual Antonio, lleva nuestras generaciones hasta límites que quizás no habíamos soñado. Desde los grandes ballets de mi maestro Manuel de Falla, Amor brujo, Sombrero de tres picos, hasta los de otros muchos compañeros, la dedicación de Antonio hace posibles nuestras ilusiones y da cauce internacional a lo que, pensado y vivido en España, recorre luego el mundo con la garantía y el aval de este grande del arte nacional que se llama –con sencillez familiar y denominación emperadora, a la vez- Antonio. Los méritos de Antonio, como bailarín y como coreógrafo, están reconocidos por todo el mundo. Posee una extraordinaria imaginación creadora, lo que le lleva a realizar coreografías de altísima categoría artística y a montajes que sorprenden por su originalidad, buen gusto y fidelidad de espíritu a las obras que interpreta. Nunca olvidaré lo que Antonio hizo con mi Fantasía galaica de tantas bellezas en el detalle y en su conjunto y con aciertos tan singulares como el paso a dos, armonioso y poético, con el sonar de las vieiras contrapunteando el trenzar de los pasos”. Ernesto Halffter -Partes: Introducción y encuentro Canción y danza de los arrieros Muñeira de las aguadoras Maruxiña o teu refaixo Muñeira de los campesinos Presagio (Paso a dos) Gran alborada final La segunda parte parte del espectáculo la compondrá el ballet “El Sombrero de Tres Picos”. EL SOMBRERO DE TRES PICOS (Duración aproximada 44 min.) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Autor: Gregorio Martínez Sierra (libreto) Música: Manuel de Falla Escenografía: Pablo Picasso Figurines: Pablo Picasso Estreno absoluto en el Festival de Granada, Palacio de Carlos V, el 24 de julio de 1958 por la Compañía de Baile Español de Antonio. Estreno el 13 de mayo de 1981, en el Teatro Nacional Lope de Vega, Sevilla, por el Ballet Nacional de España (Ya con vestuario y escenografía de Pablo Picasso). La explana del molino sirve de tertulia al pueblo entero que escucha la divertida historia de las andanzas de un Corregidor a la conquista de una guapa y pícara molinera. Esta, se da tan buena maña para cautivar a todos que hasta el pájaro repite sus lecciones y no las de su marido. Un día pasa por el molino el Corregidor con su cortejo, y distingue de manera ostensible a la guapa molinera que el matrimonio decide sacar provecho de ello y eludir el pago de los impuestos. Vuelve el Corregidor y trata de conquistar a la molinera; el molinero que ha presenciado la escena, finge acudir en ayuda del Corregidor y con el pretexto de quitarle el polvo de la ropa, le propina una buena paliza. El Corregidor se marcha irritado profiriendo amenazas contra el matrimonio. En la noche de San Juan, el pueblo baila y se divierte. El molinero les obsequia bailando una farruca, pero la fiesta se interrumpe con la llegada del intrigante Garduña, acompañado de sus guardias prende al molinero con el pretexto de una acusación falsa, dejando con ello libre el camino de su señor. La molinera es sorprendida por su viejo enamorado, pero se defiende con tal brío que le hace caer al riachuelo y huye. El molinero que ha conseguido sorprender a los guardias, vuelve al molino y al ver las prendas de Corregidor piensa que éste ha conseguido sus propósitos, por lo que decide tomar inmediata venganza y pintando en la pared la caricatura del Corregidor, toma su capa y su sombrero y desaparece. La farsa culmina con el furor del Corregidor al descubrir su caricatura y con la llegada de los guardias que, confundiéndole con el molinero, intentan detenerle produciéndose una verdadera batalla campal en la que interviene todo el pueblo y en la que el aborrecido personaje recibe su merecido. P-Un programa impresionante... Voy a reproducirlo íntegro para que el público vaya preparándose. Si, un programa, para mí, delicioso. Estamos tratando de recuperar la mayoría del vestuario original del BNE, pero hay que hacer algunas piezas nuevas, así como todos los decorados los haremos nuevos, algunos por el mal estado en el que se encuentran, y otros, inspirándonos en los decorados originales de los ballets. Quiero ser lo más fiel posible a la concepción original de cada uno de los ballets, y eso conforma la interpretación de los bailarines, el diseño del vestuario, los decorados, escenografía, coreografía, iluminación, etc. Siempre siendo consciente de la época actual en la que nos encontramos y que debe ser un espectáculo que podamos mover y que el público que lo descubra por primera vez pueda entenderlo y asimilarlo. P-Son verdaderas obras de arte. -Sí, el decorado de “El Sombrero de Tres Picos” es de Picasso. P-Era algo obligado que el Ballet Nacional recobrase los clásicos. Parece ser que Antonio El Bailarín concibió la idea de hacer un Sombrero de Tres Picos en la Ópera de Milán, cuando fue con Mariemma a bailar el original de Leonide Massine, creado para los Ballets Rusos en 1919 con la música de Manuel de Falla y los diseños de Picasso. -Este es el segundo espectáculo en el que reponemos repertorio, el primer espectáculo fue “Clásicos de la Danza Española”. De Antonio el Bailarín me asombra esa capacidad que tenía de absorber, de asimilar y traducir a nuestro lenguaje, de empaparse de todo lo que veía, todo lo asimilaba y lo hacía suyo, por eso pienso que ha sido el gran revolucionario de la danza española. Sus saltos, sus cabezas, sus quiebros, su fuerza, su personalidad, su gran sentido de la teatralidad y de la interpretación a través de una gran riqueza de obras argumentales... y, sobre todo, todo el arte que desprendía cuando pisaba un escenario. P-¿Quienes están montando las coreografías del homenaje? -“Eritaña” y “Fantasía Galaica¨, la Repetidora del BNE Cristina Visús “El Sombrero de Tres Picos” y “El Taranto de la Taberna del Toro”, la Maestra – Repetidora del BNE Maribel Gallardo “El Zapateado de Sarasate” y el papel del molinero en “El Sombrero de Tres Picos”, el bailarín y coreógrafo Carlos Vilán. Ya están ensayando con todos los elencos. Además de ellos, estoy invitando a nuestros ensayos a varias de las primeras figuras que han encarnado cada uno de los papeles principales de estos ballets bajo la dirección de Antonio Ruiz, al igual que he hecho siempre con todas las obras de repertorio que hemos repuesto, para que nos transmitan sus vivencias y nos ayuden con los últimos detalles de esta reposición. P-¿Son ensayos técnicamente complicados? -Sí, mucho, porque hay figuras protagonistas en todo, movimientos grupales complejos, y el programa está compuesto por danzas de estilos muy diferentes. Exige mucha adaptación, comprender el estilo, un gran nivel técnico y mucha versatilidad, hay coreografías de ejecución muy rápida y compleja como “Eritaña”, otras que exigen una gran interpretación teatral, como es el caso de “El Sombrero de Tres Picos”, etc P-Son los originales e inexplorados caminos que emprendeis los artistas. -Es muy necesario recuperar obras del repertorio a la par que seguimos creando obras nuevas, ese es uno de los compromisos principales plasmado en el proyecto que presenté para la dirección del BNE, un proyecto que fue seleccionado por el Consejo de la Danza de entre 16 propuestas diferentes y que es revisado anualmente por el mismo consejo y miembros del equipo directivo del INAEM. P-Dime algo que te emocione especialmente de estos días de ensayos. -Yo estoy encantado con lo que nos cuentan sobre Antonio todos los maestros que trabajaron con él, las anécdotas, las historias que con tanta emoción nos transmiten, nos hablan de su gran carácter, de su genio, de su gran talento. Es tan reconfortante tenerlos entre nosotros. Son lecciones de vida muy importantes, transmiten un legado excepcional. No sabes lo feliz que me hace ver como artistas que han llegado tan alto en sus carreras artísticas, responden a mi demanda al pedirles que nos asesoren. Lo hacen con tantísimo amor, tanta illusion, generosidad y, sobre todo, con tanta humildad… eso es lo que, para mí, define a una verdadera figura de la danza. P-¿Cómo crees que era Antonio? -Por lo que me cuentan todos los que han tenido relación directa con el, ya que no tuve la suerte de conocerle personalmente, pienso que era un hombre de muchísimo temperamento, mucho carácter y muy perfeccionista. Carmen Rojas ha archivado todos los artículos, los programas de los espectáculos, tiene una colección... Y Paco Ruíz, sobrino de Antonio, nos ha conseguido 3 fotografías inéditas del ballet “La Taberna del Toro”, que nos han servido para recrear la escenografía original del mismo. Juan Mata también nos acaba de traer unos recuerdos maravillosos. Y seguimos recibiendo mucha información de parte de los “antonianos”. P-Es una pena que no pueda haber un Museo para que todas estas cosas se conserven, ¿Por qué crees que lo mejor de nuestra cultura se pierde? -No cuidamos lo nuestro como se merece, es un problema general de nuestro país, no respetamos lo que nos es propio que además es un tesoro que ya les gustaría poseer a cualquier país del mundo, no sabemos aprovecharnos de eso. En España tenemos obras maravillosas que se pierden. Hay que detener esto. En el BNE tratamos de luchar contra el olvido, preservar lo que podemos. Este ha sido uno de los motivos de los desfiles de vestuario que hemos organizado con los bailarines y poder mostrar gratuitamente al público esos trajes que son verdaderas joyas. Tenemos pensado volver a presentarlo en Sevilla acompañando a nuestro periodo de representaciones en la ciudad. P-Y,¿cuales son tus planes ahora que ya van a transcurrir el mandato de 5 años que se te encomendó como director de la compañía? -Sinceramente, me gustaría renovar el cargo tal y como lo permite mi actual contrato. P-¿Por qué? -Porque estos años, con todo el trabajo que hemos desempeñado, han sido años en los que nos hemos dejado la piel día a día todos los miembros del equipo directivo del BNE, hemos logrado poner en pie todos y cada uno de los proyectos que me propuse en un principio y que van mucho más lejos que las representaciones en escenarios. Además de trabajar personalmente codo a codo con todos y cada uno de los actuales bailarines y equipo que conforma el BNE para intentar sacar todo su potencial, hemos puesto en marcha el departamento de patrocinio y mecenazgo del BNE, hemos creado una plataforma de creación entre los propios bailarines del BNE “Los Bailarines del BNE crean”, hemos creado un intenso vínculo con la moda española a traves de ACME, actividades solidarias con organizaciones diferentes, publicaciones de libros para que los más pequeños se introduzcan en el mundo de la danza española, exposiciones fotográficas, hemos puesto muchísimo empeño en potenciar la repercusión de nuestras redes sociales, página web. Ahora, después de casi 5 años, es cuando se empiezan a recoger los frutos de lo que hemos sembrado y me gustaría poder saborear su consolidación. Todos los años he pasado la supervisión del Consejo de la Danza, en la que damos cuenta de lo que se ha efectuado. Hemos emprendido y abierto nuevos campos en comunicación, público, creación del círculo de amigos, merchandaising, colaborado uniendo la danza como escaparate de otras manifestaciones artísticas, la pintura, la moda, la música... P-Y en caso de que no pudieras continuar ¿qué harías? -Si eso sucediera, seguramente retomaría mi compañía de nuevo y trataría de colaborar con la nueva dirección para intentar que el camino emprendido no se cortara. P-No sería nada bueno que no prosiguierais la tarea. Sería mucho mejor para la danza española consolidar, estabilizar proseguir la línea que habéis emprendido y que ha enriquecido nuestro patrimonio con obras nuevas y clásicas. -He tratado de hacer lo mejor que he podido. Abrir nuevos caminos no es fácil. Hay que continuar. Ya se está consolidando. Si no siguiera me llevo un recuerdo maravilloso, muchas vivencias muy bonitas y un gran aprendizaje... Quise abrir el BNE, despertar el interés del público joven, y lo hemos conseguido. La labor de difusión en redes sociales, las actividades beneficas, niños con discapacidad, presencia activa en las redes sociales, etc... P-¿Queda todavía mucho por hacer? -Sí, siempre queda mucho por delante y hay que seguir avanzando siempre. Estamos escalando la montaña, vislumbramos la cima pero nunca será lo suficientemente alta como merece ser considerada la danza española, una de los mejores escaparates del arte geniuinamente español, tan español como Cervantes. Hemos logrado que los promotores se interesen y vengan de todo el mundo para ver nuestras obras. El BNE en la actualid cuenta con una cartera de unos 13 ballets totalmente abiertos a contratación, con obras repertorio y nueva creación. P-El éxito obtenido en Japón ha sido memorable. Cuéntanos lo sucedido. - En Japón hemos hecho una gira de un mes y ha sido increíble. P-¿Cómo contactastéis con los promotores japoneses? -Los japoneses son muy especiales, muy minuciosos, no dan pasos en falso y siempre saben lo que contratan. Vinieron primero a la Zarzuela a ver “Alento y Zaguán” y quisieron llevarlo. Siempre ven lo que contratan y son super-organizados. Hacía 10 años que el BNE no viajaba a Japón y retomamos el contacto. Me impresiona como nos valoran, el gran respeto que tienen por nuestro arte. Nos encontramos allí un público que nos echaba de menos, que no había olvidado al BNE, es un público cultísimo, lo conocen todo, hasta los nombres de los bailarines mejor que en nuestro propio país. Los japoneses recordaban muy bien al BNE, y al grupo de antiguos fans se unió el público nuevo. Son muy abiertos. Me sentí especialmente emocionado por como han reaccionado con “Alento”, un ballet que estrené en el pasado mes de junio de 2015. Gustó tanto que me pidieron cambiar el orden de las piezas y dejarlo como cierre del espectáculo, la crítica y reacción del public ha sido magnífica. P-Y en España ¿no hay tan buena recepción por las obras de nuevo cuño? -No, no es eso, mi premisa principal y por la que más me esfuerzo es por atraer al nuevo público, y por desgracia, esto es muy difícil hacerlo únicamente con los ballets de repertorio. Tenemos que usar estrategias diferentes para captarlo. La contrapartida es que te expones a ser criticado por los artistas del sector a los que puede gustarles más o menos porque siempre son más ortodoxos. Pero hay que despertar el interés de quienes serán en el futuro el nuevo público de la danza española, por supuesto, siempre con propuestas de gran calidad que definen la excelencia de un gran ballet como es el BNE. Seguiremos escalando, el reto siempre es el día a día, es la entrega, es el sudor, esos quebraderos de cabeza que no se ven y la obra final que emociona, que llena los teatros y pone al publico en pie, es nuestra recompensa. Gracias por los aplausos. MERCEDES ALBI (Fotografías Ateneo, Paola Panizza)

Esta mañana Los Teatros del Canal presentaron la cuarta edición del Festival Talent. ¿Qué busca Talent2016? Es una iniciativa de apoyo a los creadores y de búsqueda de talento que se desarrolla en los Teatros del Canal en colaboración con Talent Festival LTD. El concurso, laboratorio de creación y festival tiene como objetivo descubrir e impulsar a nuevos talentos de las artes escénicas -creadores, dramaturgos, coreógrafos y compositores-, así como propuestas de artes alternativas con un espectáculo original. El objetivo es dar visibilidad y ofrecer oportunidades a todos aquellos creadores con una idea innovadora para poner en marcha sobre un escenario. Las categorías en esta edición son teatro, danza, espectáculo musical y circo/cabaret. El Festival Talent se desarrolla en varias fases: convocatoria, presentación de proyectos en la plataforma online, votaciones populares en las redes sociales, desarrollo creativo de las obras seleccionadas y exhibición de las mismas durante el festival, que tendrá lugar del 2 al 12 de junio de 2016 en la Sala Verde. Comienza en Internet Para participar en este festival solo hay que contar con una idea original, una cámara y acceso a Internet. Se dirige a todos los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y residentes extranjeros mayores de 18 años. Del 13 de enero al 15 de marzo, los participantes deberán subir a la plataforma un vídeo de unos dos minutos donde muestren la esencia de su idea. Las obras deben ser originales y no haber sido producidas comercialmente. Combinando la opinión de un panel de expertos, de reconocida trayectoria en el panorama de las artes escénicas, y la votación popular en Internet saldrán los nombres de hasta 50 finalistas. La votación estará activa del 21 al 31 de marzo de 2016. Desde el inicio del concurso, los vídeos serán visibles y participantes e internautas podrán comenzar a difundirlos en las redes sociales, lo que hace de TALENT2016 una iniciativa interactiva, dinámica y colaborativa. Para formar parte del jurado, se contará como viene siendo habitual con Albert Boadella, director artístico de los Teatros del Canal y con Mónica Hamill, directora artística del Festival Talent. Además en esta edición estarán Juan Carlos Rubio, director de escena y autor teatral; Russell Maliphant, coreógrafo; Donald B. Lehn, director de Carampa Circo; Emilia Yagüe, productora y promotora; Rob Tannion, director artístico de Circus Oz; Verónica Larios, directora de Microteatro; Rafael Romero de Ávila, director Teatro Galileo; Antonio Najarro, director del Ballet Nacional Español y Jose Carlos Martínez, director de la compañía Nacional de Danza. Y termina en el escenario El 5 de abril se hará público el listado de los 50 finalistas. A partir de ese momento, la dirección del festival, junto con otros mentores, se encargará de asesorarles en aspectos artísticos y técnicos durante el ensayo de una versión de 8 a 12 minutos de su obra, que se exhibirá finalmente ante el público de los Teatros del Canal. Los ensayos en los Teatros del Canal tendrán lugar del 25 de abril al 22 de mayo de 2016 y cada grupo tendrá una sesión de 3 horas con los mentores. Del 2 al 12 de junio, los montajes podrán ser vistos por el público, de modo que estos creadores podrán mostrar sus proyectos originales en uno de los mejores espacios escénicos del país. En la gala final, que se celebrará el 12 de junio, se decidirán los ganadores. Primero se elegirá una obra por cada categoría, que recibirá una ayuda económica por valor de 1.000 euros. Y de éstas, el proyecto más valorado se convertirá en el ganador absoluto de TALENT2016 y será galardonado con un fondo de recursos por valor de 5.000 euros para el desarrollo de su proyecto. Estos cauces de comunicación en los que dicurren y se desarrollan originales ideas que el Festival Talent nos ofrece, son un medio para que el talento acceda al público y se fomente la creatividad. Esperamos que esta edición sea tan exitosa como las anteriores o más, si cabe, siendo una buena noticia que el proyecto se consolide de forma firme con su edición 2016. PAOLA PANIZZA

Uno de los Grandes Clásicos de la Historia de la Danza, pero esta vez con una visión renovada a través de los vestuarios de ÁGATHA RUIZ DE LA PRADA y las coreografías de IKER GÓMEZ Y MANUEL GARZÓN. En un primer plano, el Ballet original del Cascanueces nos cuenta la historia narrativa y fantástica que vive una niña llamada Clarita entre un mundo real y un mundo mágico. Pero como todo los cuentos existe un segundo plano con una segunda lectura, en el caso del Cascanueces, la historia nos quiere hablar sobre el final de la infancia, el despertar a la sexualidad y la transfor- mación de la niña a la mujer. Idea que se va desarrollando a lo largo de los dos actos del Ballet y que cobra su apogeo y máxima representación en la boda que ocurre al final del segundo acto. En esta nueva versión los coreógrafos han querido sustituir la idea costumbrista de “la boda” por el concepto de “el primer beso” como símbolo del primer sentimiento platónico puro y el nacer del primer amor. Del 15 al 31 de enero en el Teatro Apolo.

El Centro Danza Canal (CDC), ubicado en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, abre el plazo para la presentación de proyectos de creación de danza en su 8ª convocatoria, que terminará el 7 de febrero. Las compañías profesionales cuyos proyectos sean seleccionados tendrán la oportunidad de desarrollarlos en las instalaciones del CDC durante un máximo de tres meses. Con el fin de promocionar la danza, por octava vez, la Comunidad de Madrid da la oportunidad a cualquier compañía profesional de preparar sus trabajos en el CDC, centro pionero en este tipo de actividad. Gracias a las anteriores convocatorias, los estudios del Centro Danza Canal han sido el lugar de nacimiento de más de 200 espectáculos de danza y del trabajo coreográfico e interpretativo de más de 600 profesionales. A la convocatoria pueden concurrir todo tipo de compañías profesionales: nuevas, consolidadas, de pequeño o gran formato etc…lo importante son los proyectos. Por supuesto, está abierta a todos los estilos: danza clásica, neoclásica, todas las variantes de danza contemporánea, flamenco, danzas urbanas, danza española… La calidad, único requisito imprescindible Para la selección de los proyectos, la calidad es el requisito imprescindible y, a partir de ahí, se tendrán en cuenta variables como la viabilidad, la originalidad, la potencial proyección de los mismos…. Será necesario presentar - por mail (centrodanzacanal@teatroscanal.com) - un completo dossier sobre el proyecto, incluyendo, entre otras cosas, una descripción detallada de la propuesta, currículos, presupuesto estimado de preparación del proyecto y las fechas de ensayo sugeridas para desarrollar su residencia. En la 7ª Convocatoria (correspondiente a 2015) se han creado en el CDC proyectos de las siguientes compañías: Cía de 15, Carmelo Segura Companhia, Antonio Ruz Compañía, Cía. Sara Cano, De sangre y raza, Cía Poliana Lima, Marlene García, Dani Pannulo, Indra Dance Company, EBB (Elephant in the Black Box), La Pharmaco, HuryCan, Javier Martín, Cía Arketip, Lucía Marote, Laura Neyskens/Daisy Ransom, Peter Agardi, La Permanente, Losdedae Dance Company, Dancelab Berlín, Cía. Irene Vázquez, Lucio Baglivo, Lisarco, En profundidad, Cía. Denis Santacana, Cía. F.T. Fabián Tomé, Compañía Carmen Fumero, Manuel Díaz Compañía Española, Ai Do Project, Oefimera, Ballet Carmen Cantero, A pie de guerra, IDG Collective & Inability, Cía. Carmen Cortés, Compañía Binôme, Cristian Martín, Manuel Ramirez, Ballet flamenco José Porcel, L´Origami Dance Theatre, Impromptus, Cía. AnnikaPannitto, Kubuk Danza, Cía. Elías Aguirre, Nueveuno/Gandini Juggling, Incandescente, Enclave Danza-Larumbe Danza, Paula Quintana, Cía. Zuk Dance, Daniel Abreu, Dimo Kirilov y Tamako Akiyama, Compañía Manuel Liñán, Danizza Sabino, Compañía María Pagés. Nueva web del Centro Danza Canal Como novedad, la web del Centro Danza Canal, dentro del dominio de www.teatroscanal.com, estrena diseño y un repositorio de búsqueda con información de todas las compañías que han pasado por el proyecto de residencias temporales ¿Tienes un proyecto coreográfico? La búsqueda se puede hacer tanto por nombre del proyecto o nombre de la compañía como por año y género. Las más modernas dotaciones de España Desde su inauguración en octubre de 2009, el Centro Danza Canal de la Comunidad de Madrid CDC) no ha parado su actividad. Proyectos de residencia, charlas, audiciones, presentaciones, muestras, encuentros y conferencias se dan cita en sus salas de ensayo, que por su dotación y características convierten al CDC en el centro de creación de danza mejor dotado en España y uno de los más punteros en Europa. El Centro Danza Canal de la Comunidad de Madrid dispone de nueve estudios de ensayo de diferentes tamaños, distribuidos en cinco plantas, y sus superficies oscilan entre 72 y 238 metros cuadrados. Todas están climatizadas y acústicamente aisladas; y cuentan con el mejor suelo disponible en el mercado (linóleo sobre tarima de 11 capas y, como base, elastómeros de doble densidad), con barras de ensayo móviles y otros elementos auxiliares, además de pianos (tres de media cola y seis verticales). Además, cada estudio está equipado con mesa de sonido y cámara de grabación interna, así como con otros elementos audiovisuales. La infraestructura básica se complementa con instalaciones auxiliares tales como los seis camerinos (cuatro individuales y dos colectivos) o las aulas teóricas. Todo ello hace del CDC el centro de danza mejor dotado en España y uno de los más punteros en Europa. Estas modernas dotaciones permitirán a las compañías seleccionadas en esta 8ª convocatoria de residencias trabajar y ensayar en las mejores condiciones, en espacios por los que han pasado, entre otros: Tamara Rojo, Julio Bocca, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Kham, Sasha Waltz, María Pagés, Joaquín de Luz, David Zambrano, Russell Maliphant, Sara Baras, Teresa Nieto, Blanca Li, Antonio Najarro, Mats Ek, Christian Spuck, Eleonora Cassano, Ana Laguna, Aída Gómez, Carmen Werner, Youri Vamos, Alicia Alonso, Mónica Runde, Ohad Nahari, Rocío Molina, Marta Carrasco, el English National Ballet, el Boston Ballet, el Ballet de la Ópera de Múnich, el Ballet del Teatro Nacional de Praga, el Ballet Real de Suecia, Martha Graham Dance Company, Batsheva Dance Company, Les Ballets de Monte-Carlo, Les Ballets Canadiens,o el Ballet Nacional de Cuba por citar solo unos pocos. El CDC, además, tiene como compañía residente al Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid. En sus estudios ensayan habitualmente, y en ellas han creado sus últimos proyectos, como Wonderland, Bolero o Amor Brujo..

El Auditorio del Palacio Euskalduna vivió el pasado 27 de diciembre, una velada especial con el estreno absoluto del espectáculo “Izena duenak izana du”, un ballet basado en las creencias populares y tradiciones ancestrales del pueblo vasco, que cuenta la historia de una joven que se pierde en el bosque durante la noche del solsticio de invierno y es rescatada por la diosa-madre Amari. La dirección artística recayó en Jon Ugarriza quien concibió un espectáculo multidisciplinar en el que aunó coreografía, música, innovadoras proyecciones visuales y narración en directo para crear esta fábula sobre el escenario. UNA DIOSA DEL BALLET.- Lucía Lacarra fue la encargada de meterse en la piel de la diosa-madre Amari. A lo largo de su dilatada trayectoria profesional, la bailarina guipuzcoana ha acumulado premios y récords, situándose en el Top Mundial del ballet. Sirva de ejemplo señalar que ella fue la primera bailarina española en recibir el Premio Benois de la Danse (2002), considerado el ‘Oscar’ de la danza, y la primera intérprete española en ser invitada expresamente a bailar en el Concierto de Año Nuevo de 2007, donde instauró la tradición de bailar en directo ”El Danubio azul”, que lo interpretó desde el palacio de Schönbrunn, mientras la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Zubin Mehta, desgranaba los acordes del vals en la Sala Dorada de la Muskverein vienesa. Además, su partenaire en el estreno mundial de “Izena duenak izana du” fue su marido y compañero habitual sobre el escenario, Marlon Dino, también Primer Bailarín del Ballet de la Ópera de Munich. DUENDES, BRUJAS, PLANTAS BECARIAS.- En lugar de concebir una gala al uso, Ugarriza planteó la creación de un ballet completo de temática inspirada en la mitología vasca, en el que reunió en escena a ocho estudiantes de danza, becados por la Diputación Foral de Bizkaia. Duendes, brujas o plantas protectoras contra los malos espíritus serán otros personajes de “Izena duenak izana du”, fueron interpretados por los bailarines Nerea Barrondo, Mikel del Valle, Maitane Goikolea, Marina Goitia, Jone Martínez, Almudena Pérez, Inés Pérez y Clara Yue Bañuelos. Todos ellos son jóvenes promesas de la danza que están finalizando sus estudios en prestigiosos centros como la Escuela Superior de danza del Teatro Bolshoi de Moscú, el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, el Real Conservatorio Profesional de Danza "Mariemma" de Madrid, la Escuela de Danza de Víctor Ullate de Madrid y el Conservatorio Superior de Danza de Valencia, gracias al apoyo económico de la entidad foral vizcaína. El objetivo de la propuesta era subrayar la importancia de la concesión de las subvenciones para completar la formación de los alumnos de danza. También se envió un mensaje de unidad, con la intención de poner en valor el trabajo de base realizado por la red de escuelas de danza del Territorio Histórico. UNA NARRADORA DE LUJO.- La conocida escritora Toti Martínez de Lezea no sólo redactó el guión en el que se basa “Izena duenak izana du”, sino que además se subió al escenario del Euskalduna para interpretar a una sabia mujer mayor que narra los mitos y leyendas ancestrales del pueblo vasco. UN ESCENARIO Y VESTUARIO DE CUENTO.- Las nuevas tecnologías del mapping recrearon a la perfección el pueblo, la cueva de Amari y toda la magia circundante. Mario Jiménez firma la espectacular escenografía y proyección que ha empleado los últimos recursos tecnológicos. Completaron el equipo Kike López como director de fotografía, Oscar Andrés, en la dirección audiovisual, Yon Gijón, para el atrezzo, Dineke Bakken y Louise Flanagan, en el vestuario. MÚSICA VASCA DE TODOS LOS TIEMPOS.- La banda sonora de esta nueva producción ha contado con canciones del fallecido cantautor Mikel Laboa, el pianista Iñaki Salvador y los grupos Oskorri, Elfenthal (Maite Itoiz y John Kelly) y Ken Zazpi, cuya canción “Ilargia” (Luna, en euskera) se ofreció en la versión sinfónica realizada por Fernando Velázquez para el grupo y la Orquesta Sinfónica de Euskadi. HOMENAJE A LAS ESCUELAS.- El espectáculo congregó sobre el escenario a 81 alumnos de las escuelas de danza de Bizkaia (Dantza Eskola Andoni Aresti de Leioa, L’Atelier Escuela de Danza de Durango, Estudio de ballet Carmen Vera, Ana Lara Dantza Eskola, CDART Centro de Danza Ana Rosa Tercero, Escuela de Danza Olaeta, Escuela de Ballet Roser Carrés, Estudio de Ballet Ana María Aurrecoechea). En la apoteosis final, todos ellos participaron en una grandiosa coreografía que reunió también a los ocho alumnos becarios junto a la pareja del Ballet de la Ópera de Munich Lucía Lacarra-Marlon Dino. SIETE MINUTOS DE APLAUSOS. El cuantioso público congregado en el Auditorio del Palacio Euskalduna premió el espectáculo con una calurosa ovación de aplausos de siete minutos. Por mi parte, como responsable de comunicación de MasQDanza, quería agradecer a los compañeros de los medios de comunicación su implicación, apoyo y difusión al estreno del ballet “Izena duenak izana du”. Eskerrik asko denori eta Urte Berri On!!! IRATXE DE ARANTZIBIA (Fotografías David Herrero)

Elisa sube la escalera del Ateneo; su paso veloz y una mirada curiosa llena de la ilusión la delatan. Ella es vida. A sus 23 años es la estrella que comienza a resplandecer, la joven promesa del Ballet de Stuttgart, donde se ha convertido en Primera Bailarina. Es sábado 2 de enero. Ayer fue un día muy importante en su existencia: pudo bailar por vez primera un ballet en España. Fue Quiteria, la protagonista del ballet Don Quijote de la CND, el éxito escénico de estas Navidades en Madrid. Viene de allí, del Teatro de la Zarzuela, donde estaba ensayando con un nuevo parternaire, Esteban Berlanga, la función de cierre del día siguiente. Mañana también vendrán sus padres, desde su Valencia natal, a verla bailar. Y es que estos días están siendo para esta joven promesa de la danza un verdadero cuento de Navidad. Elisa quiere verlo todo y recorremos las diferentes salas del Ateneo mientras conversamos. Sus ojos se posan sobre las cosas con la efervescente curiosidad de quienes están descubriendo el mundo. Un momento que nunca olvidaré: cuando contempló el retrato de Antonia Mercé, la argentina, obra de Anselmo Nieto que la sobrina de la emblemática artista donó a la institución. Pasado y futuro quedaron unidos en un único instante, y recordé la afirmación de Ricardo Cue (anterior entrevista), de que la danza sobrevive en a través de los grades intérpretes. Y ahora este milagro se ha hecho carne en Elisa y habita entre nosotros. P- ¿Cómo te sientes? - Feliz. Muy satisfecha del trabajo, en tan poco tiempo he creado una relación superbonita con mis dos partenaires. Y con la compañía. La primera vez que visité la sede de la compañía sentí un gran apoyo por parte de todos, que venían a besarme... Percibí calor, tanto cariño que pensé que me había trasladado a otro mundo. Muy bonito. Así da gusto. Tenía tantas ganas de bailar un ballet en España que mi propio entusiasmo ha evitado que me pusiera nerviosa. No estaba nada nerviosa. Sabía que el público no me conocía, y ayer al salir a escena pensé que tenía que ganármelos. P- Y así fue, creo que todavía están aplaudiéndote (bromeo). - La compañía ha hecho un esfuerzo muy grande. Es complicado para los bailarines tener que cambiar los intérpretes de los papeles principales en cada actuación. Implica tener muchos más ensayos en cada cambio, como ahora que vengo del Teatro de la Zarzuela. Esteban Berlanga y yo hemos ensayado muy poco juntos, también tuve muy poco tiempo con Moisés Martín. Va a ser todo muy espontáneo (ríe). No estoy preocupada porque sé que son muy profesionales. P- ¿Has bailado el Quijote en Stuttgart? -Sí, ahora con ésta de José Carlos Martínez, ya he hecho dos versiones del Quijote. Me gusta mucho, algunas escenas son diferentes y los pasos varían más en el 2º acto. Todavía no me lo creo... ¡Estoy en España ahora mismo! P- Este es el Salón de Actos del Ateneo. Mira hacia arriba. Es un lugar mágico, en la bóveda están pintadas las 9 musas. - Es precioso. Me encanta estar aquí. P- Las musas son las que velan por los artistas, te traeran suerte. - ¡Qué bien!. Si, seguro que me ayudan, tengo tanto que hacer que espero que me tomen bajo su protección. Mañana domingo bailo la última función del Quijote, y el lunes bailo en Stuttgart, dos piezas contemporáneas, y llevo sin ensayarlas desde antes de Navidades. Ni lo pienso... Prefiero ir día por día. Si empiezo a pensar en lo que me queda por hacer, me bloquearía. Eso es algo que hago también cuando ensayo un ballet, me concentro en lo que estoy trabajando en ese momento, porque si me pusiera a pensar en los pasos que todavía me quedan... P- ¿Cómo empezaste en la danza? - Yo era miembro del equipo de gimnasia rítmica de Burjassot. Como yo era una niña muy elástica me matricularon allí, pero fue a los 11 años cuando me cambiaron al Conservatorio de Danza de Valencia. P- ¿Te resultó complicado asimilar el cambio? -Fue como empezar desde el tejado. Yo podía saltar, pero desconocía todo lo más elemental, ni posiciones, carecía de base, no sabía ni ponerme las puntas. Pero 5 años en Ribarroja, con nuestro profesor, Rafael Darder me ayudaron muchísimo. Salir del conservatorio es difícil, porque te das cuenta de que no hay sitios donde poder bailar. Entonces Rafael me presentó al Prix de Lausanne. El objetivo era encontrar alguna escuela de alguna compañía extranjera, y lo conseguí, me dieron la beca en el Royal Ballet. Se me abrieron otras posibilidades pero elegí el Royal. P- ¿Que tal te fue en Londres? - Uff, imagínate, de estar recibiendo clases en los barracones de Valencia y de repente pasar al Royal, que tiene ese maravilloso teatro al lado de la Escuela... Es completamente diferente. Es muy bueno tener el teatro cerca de la escuela porque integra el presente y el futuro del bailarín, que se familiariza con el trabajo de la compañía desde siempre. Pero mi sueño era Stuttgart. P- ¿Por qué Stuttgart? - Por mi profesor, que se formó en esa escuela y siempre fue para mí un referente. Me encantaba pensar en el repertorio maravilloso que tienen. Así que, después de un año de beca, me fui a audicionar a Stuttgart. Y no había ninguna posibilidad de entrar. P- ¿Por qué? -Porque hice la última audición. Ya no quedaban plazas vacantes para contratar. Ten en cuenta que como allí tienen escuela, suelen llenar las plazas de la compañía con los alumnos de ella, y es complicado entrar si vienes de fuera y más cuando todas las plazas están concedidas. P- Entonces, ¿Qué pasó? - Me vió el subdirector de la compañía, Tamas Dietrich, y quiso que, como fuese, yo tuviera un contrato, y me cogieron de aprendiz. P- ¿Qué significa aprendiz? - Pues como suelen coger a la gente de la escuela, los que venimos de fuera tenemos que empezar por ser aprendiz. Yo he pasado por todos los niveles: aprendiz, cuerpo de baile, solista y principal. P- ¿Cuánto tiempo llevas de principal? - Dos años. P- Nadie es profeta en su tierra. Yo veo tu vídeo alemán bailando El Quijote y me emociona escuchar el nombre de mi ciudad... Indudablemente, los artistas sois nuestros mejores embajadores. - Me pone triste pensar que uno triunfa fuera y aquí es completamente imposible hacerlo. Tienen que reconocerte primero en el extranjero para que oigan hablar de ti. Las artes se han vuelto tan políticas que es complicado evolucionar. El arte debería estar dirigido por personas entendidas, no por simples cargos políticos que a veces no tienen ni idea de danza. Sin embargo, sí tienen el poder de decidir a quien ponen o a quien quitan, y es algo muy peligroso. Cuando José Carlos Martínez me propuso venir a Madrid... ¡qué ilusión! Nunca había bailado en lel Teatro de la Zarzuela. En Valencia solo he bailado en el Teatro Principal, el pasado mes de septiembre, en una gala organizada por Gemma Casino. Nunca había bailado un ballet completo en España hasta ayer. P- Estás muy contenta. - Sí, lo estoy. Además soy optimista. Después de la crisis, todo irá bien, a partir de ahora ya sólo podemos ir hacia arriba. Siempre he sido muy positiva, y trato de ver el lado bueno de las cosas, y si todo está tan negro que no lo puedo vislumbrar, le digo a alguien que lo busque y me lo diga (ríe). Y mira que los bailarines somos depresivos y nos estresamos por cosas sin importancia. P- ¿Por qué? - Creo que es porque somos muy apasionados, lo vivimos todo muy intensamente. Cuando acabas un espectáculo y no te queda nada de la intensidad de lo que has vivido, sientes una especie de vacío. Nostalgia. Acabas y dices “no está”, “se ha terminado”, la satisfaccion, el placer y la adrenalina que has generado se esfumó. Esta sensación se acrecienta cuando haces papeles dramáticos. Lo has dado todo y te entregas, y luego te quedas seco, vacio... Es el momento de buscar un nuevo estímulo. P- ¿Como este Quijote? - Sinceramente, no me imaginaba que pudiéramos hacer algo tan bonito. Ha sido tan increíble... P- Dime un sueño que tengas, pide un deseo para que te lo traigan los Reyes Magos. - Me gustaría poder traer algo del maravilloso repertorio del Ballet de Stuttgart a España. Bailar un papel dramático como Romeo y Julieta o Giselle. Me encantan los ballets con argumento, interpretar... Al público español le queda mucho por descubrir, todo un campo inexplorado que podría abrirse. Ahora que en el repertorio de la CND ya tenemos un Quijote... Pues... Poco a poco (ríe) Estoy gratamente sorprendida. ¡Me ha encantado! La CND es una compañía con muy buenos profesionales, ellos han sido los que han logrado este milagro. Si tuvieran un poco más de apoyo podrían hacerse muchas cosas. Han demostrado una enorme valía y que pueden montar un clásico de alta calidad. Ojalá que cada año se hiciera otro ballet. Ha sido tan hermoso para los españoles que bailamos fuera haber podido venir y vivir unos momentos como estos... Gracias por traernos. MERCEDES ALBI (Fotografías Ateneo, Paola Panizza; escena, Jesús Vallinas)