El repertorio de la Dresden Frankfurt Dance Company está compuesto principalmente por coreografías de su director, Jacopo Godani, cuyo camino artístico se centra en la búsqueda de “un nuevo y vibrante lenguaje coreográfico basado en el virtuosismo de su expresión, y en el desafío físico del trabajo de los bailarines”. Con The Primate Trilogy, Jacopo Godani vertebrada un tríptico alrededor de la idea de evolución: la evolución de los cuerpos, la evolución en su acercamiento a la coreografía y la evolución de la propia coreografía a lo largo de las tres creaciones que lo conforman. Ciertamente, la gran calidad de los bailarines es la esencia de la compañía. Es magnífico poder admirar su danza, su enorme ductilidad, la gran cohesión de movimientos en el conjunto de formas que vertebran. Todos parecen partes de un único esqueleto que evoluciona a través de una música con percusiones reiterativas y electroacústica inquitante, creada por 8nord, Ulrich Müller y Siegfried Rössert. Y es que el punto de partida en el trabajo coreográfico de Godani es siempre un proceso interno: una mecánica, una conexión, una coordinación entre las diferentes partes del cuerpo. Todo comienza con una idea que no busca forzar la complejidad o la dificultad en la ejecución de las mecánicas corporales, sino acentuar su carácter orgánico. Pero “The primate trilogy”, aunque tiene momentos muy interesantes, adolece de una cierta monotonía, una sensación de “dejá vu” que termina apoderándose del espectador. Esta trilogía de Godoni es una obra oscura donde todo se sustenta el el físico de los bailarines, un experimento válido en el terreno de la indagación sobre las posibilidades de los cuerpos, pero que no va más allá y no alcanza el fin primordial de un espectáculo que no es otro que mantener la atención del público. PAOLA PANIZZA Fotografía Dominik Mentzos

Este jueves 26 y mañana sábado, 28 de noviembre el Festival de Madrid en Danza acoge la gira del espectáculo de Teresa (Ora al alma), con motivo del V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa de Jesús. Se trata de una obra inspirada en los diferentes estados de la oración teresiana que la propia Santa Teresa narra en su autobiografía "El Libro de la vida". El director artístico y coreógrafo del espectáculo es Chevi Muraday, Premio Nacional de Danza 2006, y la intérprete de Santa Teresa es la actriz y bailarina Marta Etura, Goya a la mejor actriz de reparto en 2010. La Obra Social “la Caixa” es la principal impulsora de este proyecto que forma parte de un acuerdo entre la entidad y la Fundación V Centenario para poner en marcha destacadas actividades culturales y educativas centradas en la figura de la pensadora y escritora española de proyección universal. Teresa (Ora al alma) es una propuesta única y reveladora que muestra a través del lenguaje de la danza contemporánea, los conceptos esenciales que ayudan a acercarse al personaje de Santa Teresa de Jesús: acción, lucha, misticismo y amor desmedido. Lo real y lo imaginario, la pasión y la determinación por transformar la realidad son puntos comunes de una puesta en escena que pretende tratar la espiritualidad con las inquietudes del espectador de nuestro tiempo. Santa Teresa de Jesús es a la vez escritora y protagonista de sus propias narraciones: vive, sufre, supera, y finalmente narra, con una voz inconfundible, las hazañas que aparecen en sus escritos. A través del movimiento y la palabra, el espectador se adentrará en el universo de la Santa; viajará por medio de la pasión y la fe de Teresa para llegar a entender su manera de ver la relación entre cuerpo y espíritu, dualidad que se expresa a través de los movimientos que irán dibujando escenas que conformarán un espectáculo total. Las cuatro aguas Santa Teresa compara los grados de oración con cuatro formas de regar un huerto. Estos cuatro grados corresponderían a cuatro distintas formas de oración mental que serán el hilo conductor de la obra.el género de la “mística”, que continuaría su discípulo, el también carmelita San Juan de la Cruz. En la actualidad, la Orden del Carmelo Descalzo se extiende por los 5 continentes, con más de 14.000 monjas y frailes en conventos y monasterios de todo el mundo. Para conmemorar los quinientos años de su nacimiento, el Gobierno creó la Comisión Nacional V Centenario, cuya Presidencia de Honor ostentan SS.MM. Los Reyes de España, y donde está representada la Fundación V Centenario. Fotografías Jorge Alvárez

El pasado 20 de Noviembre tuvimos el placer de participar en el 2º Festival Benéfico de Danza a favor de de la Asociación de Niños Enfermos de Neuroblastoma NEN con la participación de los alumnos de los últimos cursos del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya y el Real Conservatorio Profesional de Danza Marienma. Abrió la velada la presidenta de la Asociación Nen. Nos informó de que el neuroblastoma es un cáncer infantil que se forma en el sistema nervioso. Es el tercer tumor pediátrico más frecuente entre la población infantil. Tan sólo sobreviven a la enfermedad un 50% de los afectados. Teniendo en cuenta que sólo un 5% de la población infantil menor de 5 años tiene riesgo de padecerla y la padece, la inversión en investigación es mínima. No es rentable ni para instituciones, ni para laboratorios. "Queremos ver crecer las estrellas", es uno de sus slogan en las campañas de concienciación. El festival benéfico se vio iluminado por muchas de ellas. Todos los alumnos pusieron su buen hacer al servicio de esta causa solidaria. El programa elegido para la ocasión fue el siguiente: "BENAMOR" - CPD "CARMEN AMAYA" Coreografía: Antonio Pérez Música: Pablo Luna "LA TABERNA DE DON QUIJOTE" (EXTRACTO) - RCD MARIEMMA Coreografía: Ricardo Franco y Petipa / Gorsky (Paso a Dos) Música: Ludving Minkus "ALBORADA DEL GRACIOSO" - CPD "CARMEN AMAYA" Coreografía: Goyo Montero Música: M. Ravel "RAPSODIA DEL GRACIOSO" - CPD "CARMEN AMAYA" Coreografía: Elena Serna Música: S. Rajmáninov "I DON'T KNOW (EXTRACTO) - RCD MARIEMMA Música: Armand Amar Coreografñia: José Reches "CORSARIO. TRIO DE ODALISCAS" - CPD "CARMEN AMAYA" Coreografía M. Petipa Música: Adolph Adam "ROSA DE INVIERNO" - RCD MARIEMMA Música: Roberto Ciria, Ara-Ur, Orquesta de Cámara de Madrid & Jose Luis Lloret Cantaor: Pedro Sanz Coreografía: Arantxa Carmona "No tenemos la solución a todos los problemas del mundo en nuestras manos. Pero frente a los problemas del mundo, tenemos nuestras manos." Teresa de Calcuta. La música y la danza regalaron sus pies y sus manos con la generosidad que sólo lo saben hacer aquellos que ponen todo su esfuerzo al servicio de un aplauso. Y no fueron uno, ni dos, el Auditorio del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, se puso en pie y les agradeció su labor con una gran ovación. GEMMA ORTEGA Fotografías Alfonso Sastre

Aída Gómez viste con secillez, entre las butacas del pase de gráficos en la Sala Verde de los Teatros del Canal se confunde entre la prensa como uno más. Sin embargo, ella tiene algo distinto, como si una invisible fuerza centrípeta la convirtiera en protagonista. Todo gira en torno a ella. Aída es una mezcla de atractiva belleza, inteligencia, carácter y maestría. La indiferencia no se hizo para ella. Pisa fuerte y conoce el terreno en que se mueve. La recién estrenada directora del Festival de Madrid en Danza comienza una nueva etapa, un nuevo reto que estamos seguros afrontará con pasión, tal y como es ella. Conversamos a la salida de ensayo, y le pregunto: P-¿Cómo te sientes? -Muy contenta, ilusionada, feliz por todo y por todos. P-¿Qué opinas sobre estado de la danza en la actualidad? -La danza está herida, muy herida, por ello es importante asumir cosas cuando se necesitan, y brindarles apoyo, ayuda, amor... P-¿Eres consciente de que las nuevas generaciones de bailarines casi no pueden bailar en España? -Todos somos muy conscientes de ello, y no sólo los bailarines conocemos la gran dificultad que hay, porque no solo existe el bailarín, la danza es una disciplina y también una empresa que mueve y da trabajo. Cuando uno se sienta en butaca escucha una música que ha sido grabada en un estudio, unos vestidos que han sido confeccionados por las modistas... La danza en su vertiente de negocio mueve la economía. La danza es un espectáculo sin texto que llega a todos los rincones del mundo. Es muy importante que obtenga la consideración que merece. Y lucho por ello. P-Me gustaría, que desde tu perspectiva de mujer que ha destacado en todas las facetas de la danza, me dieras tu opinión sobre qué consideras más importante para triunfar ¿La tenacidad, la inteligencia, el virtuosismo...? -Todo va unido. La inteligencia es necesaria. Sin inteligencia se pueden hacer muchas cosas, pero la emoción no estará bien canalizada. P-¿Y la técnica? -Tampoco es una mera cuestión de técnica, si bien en este terreno hay que diferenciar lo que es un mero ejecutante de un artista. Los hay que ejecutan, que bailan muy bien, pero que no transmiten porque no son artistas. P-¿Qué les aconsejarías a la hora de salir al escenario? -Pienso que el bailarín debe ser consciente al enfrentarse al público de que tiene que bailar no sólo para la gente entendida, sino también para los que desconocen el lenguaje de la danza. Hay que encontrar tu propio estilo, tu propio camino. Y cada cosa a su tiempo. No se puede empezar la casa por el tejado. Todo tiene sus fases, primero hay que estar en el cuerpo baile, donde se aprenden muchas cosas. Luego, a lo mejor destaca y llega a solista, o empieza a descubrir que tiene dotes para ser coreógrafo, o director, o quizá nunca llegue a dirigir porque no tiene visión para ello... No se... Influyen muchas cosas, no por ser un buen periodista se puede escribir un buen libro. El bailarín como todas los profesionales se puede desarrollar en una vertiente o en otra. P-¿Qué faculta para ser un buen director? -Un director debe ante todo saber cómo sacar lo mejor, la perspectiva empieza desde fuera a dentro. Ser consciente para ver y apreciar el material con el que se cuenta y hacerlo brillar. Cuando un niño empieza a bailar nadie le dice "oye que tú no vas a llegar a ser estrella". La ilusión nos mueve. En realidad, nadie sabe hacia dónde va a conducirle la vida. Y los artistas nos lanzamos, saltamos sin red, si nos caemos tenemos que volver a levantarnos. La falta de certidumbres es dura. Es importante permanecer, ser fuerte y trabajar sin descanso para renovarse uno mismo día a día. Y la vida te va llevando... P-¿Cómo te ha llevado a ser la directora de Madrid en Danza? -Me llamaron. Yo no soy de las que llaman las puertas. Llevo muchos años trabajando en solitario y soy orgullosa, me cuesta llamar. Si alguien sabe cómo eres, si le gusta tu forma de hacer las cosas te llamará. P-¿Recuerdas tus inicios? -Sí. Mira, yo nunca he ocultado mi edad, he tenido la suerte de estar con los más grandes. Empecé a los 14 años. Conocí a Pilar López, Mariemma, Gades...Y de mi generación he bailado con todos, con Canales, con Joaquín Cortes... Aprendí los pasos de los grandes maestros, pero también me enseñaron a amar la danza y a hacerlo de la forma más ética posible. No limitarme por ser mujer y poder desarrollarmen en campos que suelen ser más de hombres. Miro hacia atrás y veo una fantástica vida con mis luces, mis sombras y mis soledades. Dani Doña en "No pausa" P-¿Es dificil ser mujer en la danza? -Ser mujer es más complicado en todo. Cuando un hombre tiene carácter se dice de él que su personalidad es arrolladora; por el contrario, si se es mujer la tachan de cabrona, de tener mal genio, “es que la tía no veas qué carácter”... Yo ya lo asumí, “oiga soy la directora, respéteme”. Saber quién eres, sin pegar una voz... Eso es difícil. Y yo he logrado esa línea de respeto. Hoy dirijo, si hubiera sido hace 16 años, me pillarías dirigiendo el Ballet Nacional de España, pero entre medias he hecho muchas cosas. He crecido, he tratado de ser honesta conmigo misma y ante todo feliz. Y si te dijera que todo ha sido fantastico mentiría. P-¿Te gustan los retos? -No he tenido nada fácil en la vida, trabajo, me implico, me entrego. Vivo esta faceta con pasión y si algún día se termina, me enamoraré de otra cosa. P-La danza española está casi extinguida, no puede ir a peor... -Puede haber un resurgimiento, por ahí va el camino. Me alegra que me lo digas, porque imagínate como nos sentimos los que vivimos esto. Tampoco soy Lourdes, y me encuentro un panorama de desierto absoluto. Más bajo no se puede caer, ya es una cuestión de dignidad, cómo sea que tratar de decir estamos aquí. Los bailarines de danza española somos los despositarios de un cultura única en el mundo, en todos los grandes ballets de repertorio clásico hay danza española. Yo en el Kirov les he tenido que tocarles las castañuelas entre cajas, porque ellos nunca han podido hacer lo nuestro. Nosotros sí somos capaces de hacer lo suyo, pero no al contrario. Son ellos quienes bebieros de nosotros. P-¿Vas a cambiar Madrid en Danza? -En el Festival no sobra nada, pero falta equilibrio. ¿Cómo puede haber un festival internacional sin dar importancia a nuestra cultura? Ibérica de Danza. Fotografía Miguel Angel Ramos P-¿Vas a reforzar la programación en este sentido? Ahora podremos ver a Dani Doña, Ibérica de Danza, Fuenteovejuna de la Compañia de Antonio Gades... Dime, ¿Dónde se programan? En la televisión vemos “Madrilenos por el mundo”. Viajas y te encuentras un montón de artistas españoles, y pienso: “ostras, son madrileños ya está bien de estar por el mundo que los conozcan también en Madrid”... ¡Qué menos! Tenemos muchos motivos para sentirnos muy orgullosos. MERCEDES ALBI (Fotografía de cabecera, María Alperi; Fotografías Aída, Cia. Aída Gómez)

"Á l´Espagnole" es una equilibrada unión entre música y danza de alto nivel, donde los bailarines de la Cia. Antonio Ruz y la orquesta de música antigua de la Accademia del Piacere se integran a la perfección sobre la escena. No hay separación de géneros, los músicos bailan y bailarines "cantan" en una obra que es un verdadero deleite para los sentidos. La luz, perfectamente modelada, crea una atmósfera propicia para el estilo coreógrafico de Antonio Ruz, que conjuga el devenir de movimientos muy dinámicos -a veces con apariencia de improvisación- que se consolidan a través de frisos encadenados y grupos escultóricos de admirable plasticidad. Su imaginación es extraordinaria. "Á l´Espagnole" es vivaz, posee humor, un dominio del ritmo escénico, ingeniosas transiciones y sobre todo belleza. La música es maravillosa. La soprano Mariví Blasco, con un timbre dulcísimo, se incorpora a la coreografía como un bailarín más y se convierte en una musa mecida en una hamaca imaginaria. Los bailarines muestran gran versatilidad, se transforman en actores, en músicos y asombran al espectador con dotes artísticas inesperadas. Pero en "Á l´Espagnole" todo es posible, es un mundo abierto a la sorpresa. Un bailarín puede declamar un texto sobre el antiguo arte del buen danzar, y tañer la flauta de pico con maestría. Y es que "Á l´Espagnole" es muy puro, muy sencillo, las tonalidades del vestuario son monocromas, pero un halo de luz dorada crea el efecto barroco que todo lo envuelve con exquisitez. "Á l´Espagnole" contiene pinceladas de historia, música hermosísima, danza contemporánea y toques de vivacidad teatral, conjugados con una plástica imaginativa a cargo de unos mágníficos intérpretes. En un tiempo en el que parece que todo está ya visto, Antonio Ruz logra ir más allá, y el espectador es trasladado al fértil universo de la genialidad artística. MERCEDES ALBI (Fotografías Jorge Alvárez, Foto final Luis Castellano de Norte)

Maya Plisetkaya ha tomado Moscú, y lo hace desde el más allá, su esfinge decora a gran tamaño la entrada de su queridísimo teatro Bolshoi. Se le rinde homenaje el día de su cumpleaños con este programa excepcional: Ave Maya Gala in honor of 90th Anniversary of Maya Plisetskaya Historic stage 20 & 21 November, 7 pm PART I Pyotr Tchaikovsky Introduction to the Sleeping Beauty Mikhail Glinka Jota Aragonesa Choreography by Igor Moiseyev Igor Moiseyev State Academic Ensemble of Popular Dance Boris Asafiev Zarema’s variation of from The Fountain of Bakhchisarai Choreography by Rostislav Zakharov Yulia Yangurazova (Stepanova) (Bolshoi Theatre) Ludwig Minkus Kitri’s variation from the 1st act of the ballet Don Quixote Choreography by Marius Petipa, Alexander Gorsky Maria Alexandrova (the Bolshoi Theatre) Ludwig Minkus Kitri’s variation from the 3rd act of the ballet Don Quixote Choreography by Marius Petipa, Alexander Gorsky Ekaterina Krysanova (Bolshoi Theatre) Solo on harp: Elizaveta Simonenko Alexander Krein Laurencia’s variation from the 2nd act of the ballet Laurencia Choreography by Vakhtang Chabukiani Angelina Vorontsova (Mikhailovsky Theatre) Pyotr Tchaikovsky Odile’s variation of from the 3rd act of the ballet Swan Lake Choreography by Marius Petipa Olga Smirnova (Bolshoi Theatre) Alexander Glazunov Raymonda’s variation from the 1st act of the ballet Raymonda Choreography by Marius Petipa Ekaterina Shipulina (Bolshoi Theatre) Alexander Glazunov Raymonda’s variation from the 2nd act of the ballet Raymonda Choreography by Marius Petipa Maria Allash (Bolshoi Theatre) Solo on French horn: Alexei Raev Pyotr Tchaikovsky Aurora’s variation from the 3rd act of the ballet The Sleeping Beauty Choreography by Marius Petipa Nina Kaptsova (Bolshoi Theatre) Solo on violin: Vladimir Sklyarevsky Pyotr Tchaikovsky Marie’s variation from the 2nd act of the ballet Nutcracker Choreography by Vasily Vainonen Evgenia Obraztsova (Bolshoi Theatre) Solo on celesta: Vladimir Chukhnov Extracts from Maya Plisetskaya’s diary Narrator: Ilze Liena PART II To music by Gustav Mahler La rose malade Choreography by Roland Petit Costume Designer: Yves St Laurent Uliana Lopatkina Andrey Ermakov (Mariinsky Theatre) Johann Sebastian Bach – Charles Gounod – Rodion Shchedrin Ave Maria Cello: Boris Lifanovsky Harp: Elizaveta Simonenko Extracts from Maya Plisetskaya’s diary Narrator: Ilze Liena To music by Maurice Ravel Bolero Choreography by Maurice Béjart Set and Costume Designer: Maurice Béjart Lighting Designer: Dominique Roman Diana Vishneva (the Mariinsky Theatre) Gabriel Arenas Ruiz, Connor Barlow, Francisco Javier Casado Suarez, Michelangelo Chelucci, Mattia Galiotto, Fabrice Gallarrague, Kwinten Guilliams, Juan Jimenez Sanchez, Ergys Lalaj, Kevin Lila, Anthony Maestre Benitez, Federico Matetich, Theophile Onana Essomba, Masayoshi Onuki, Vito Pansini, Laurence Rigg, Denovane Victoire, Oscar Chacon Ramirez, Felipe Ferreira Rocha Pinto, Jiayong Sun (Béjart Ballet Lausanne) Bolshoi Theatre Corps de Ballet PART III Georges Bizet – Rodion Shchedrin Carmen Suite Choreography by Alberto Alonso Set and Costume Designer: Boris Messerer Carmen - Svetlana Zakharova Jose - Denis Rodkin Torero - Mikhail Lobukhin Corregidor - Vitaly Biktimirov Fate - Yulia Yangurazova (Stepanova) Tobacco Girls - Olga Kishneva, Tatiana Lazareva, Viktoria Yakusheva Flamenco dancers - Alexey Gaynutdinov, Anton Gaynutdinov, Dmitry Dorokhov, Vladislav Kozlov, Kirill Kireev, Anton Kondratov, Victor Meshcherekov, Apollinary Proskurnin, Erick Swolkin, Kirill Sobolev Solo on percussion: Sergei Soloviev, Mikhail Dunaev, Igor Prokopov, Evgeny Romanov, Vasily MoiseevConductors – Tugan Sokhiev, Pavel SorokinDirector – Andris LiepaLighting Designer – Mikhail SokolovVideo – Nikita TikhonovGeneral sponsor of the Bolshoi Theatre isCredit Suisse bank &&&&&& Ave Maya! Desde Albidanza te deseamos allá donde estés Feliz Cumpleaños!!! El equipo de Albidanza

En la noche de ayer el Teatro Carlos III fue un delicioso cofre que albergó una joya, la recién creada compañía "Ballet Norte", todo un signo de la nueva Galicia que merece ser potenciado. La compañía, con sede en Coruña, bebe de una fuente alejada de los tópicos tradicionales. Son 14 bailarines de formación clásica que, vinculados a la tierra gallega, interpretan en "Atlántica" la coreografía de Juan M. Hernández, tan fluida como las olas del océano. Sí, Atlántica es mar y es poesía. La escenografía casi desnuda, formada por unos simples paneles móviles, es un marco cuya sencillez suplen los artistas con sus dotes artísticas. No hay aditivos, son pura piel y carne sobre el escenario. "Atlántica" no constriñe a sus intérpretes bajo la rigidez de un cliché, sino que deja percibir que está confeccionada a la medida de sus personalidades. Así, el conjunto no impide admirar las individualidades. El magnetismo de Silvana Sestelo, la equilibrada precisión de Julia Méndez, la energía de Miguel A. Ponte... Rosalía de Castro, Curros Enríquez y Eduardo Pondal no podían haber soñado que su poesía fuera difundida de una forma tan bella, proyectándose los versos sobre los paneles e inspirando la composición de las escenas. "Mas las aves y el buque huían, sin oír sus amargos lamentos, solo el viento repetía; ¡Quién pudiese con vosotros volar!" (Curros Enríquez) Mientras las imágenes del mar se alternaban con el poema, la maravillosa bailarina Ailen Ramos, vestida de blanco, volaba etérea sobre el escenario portada por dos bailarines. No había brusquedad en las transiciones, el argumento de la obra es un devenir, el tránsito desde los llamados siglos oscuros al "rexurdimento galego". Pero este despertar no es sólo historia, no es pasado, sino que es un deseo totalmente inserto en el presente, pues es el símbolo de un deseo: bailar. Ballet Norte es una compañía que nace contra el viento de la crisis y la marea del insuficiente apoyo económico, pero llena de ilusiones y proyectos erigidos sobre el firme sustrato de la excelente técnica de sus integrantes. "Atlántica" es un soplo que desearía alcanzar la fuerza de un vendaval para extenderse y mostrar la cultura gallega al mundo. MERCEDES ALBI (Fotografías Mao Mendivelzo)

Los Teatros del Canal presentan su primer espectáculo del Festival Internacional Madrid en Danza con el estreno en la Comunidad de Madrid de À l’Espagnole, fantasía escénica un espectáculo que combina la danza de la Compañía Antonio Ruz y la música barroca de Accademia del Piacere. Este espectáculo estará en tres únicas funciones, los días 19, 20 y 21 de noviembre en la Sala Verde. Desde su fundación en el año 2009 la Compañía Antonio Ruz se mueve en los márgenes de la investigación coreográfica, buscando la interacción con otras disciplinas como las artes plásticas, el teatro y la música antigua y contemporánea, en trabajos como No Drama, Ignoto, Ojo, Libera Me!, Vaivén y Recreo.02. En esta ocasión se une al grupo sevillano Accademia del Piacere, dirigido por Fahmi Alqhai y referente de la música antigua española, para poner en marcha esta fantasía escénica inspirada en la influencia artística mutua que experimentan España y Francia a lo largo de la historia y, más concretamente, durante el fecundo siglo XVII. À l’Espagnole es un experimento coreográfico en el que la copia, el viaje y la frontera se convierten en ejes vertebradores de la acción, subrayados por la potencia de la música en directo a cargo de las violas da gamba, la guitarra barroca, la percusión, el laúd, el clave y la voz de la soprano Mariví Blasco. Una relación de amor-odio, de seducción-rechazo, de adopción y transformación de las formas, principalmente a través de las danzas venidas de América y asimiladas posteriormente en España, sirven en À l’Espagnole como puntos de partida para un espectáculo en el que la danza contemporánea, el teatro y la música barroca se dan la mano en un diálogo interdisciplinar. La pieza se ha estrenado en junio de este año en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. (Fotografías de Luis Castellano del Norte)

El Ballet Don Quijote de Marius Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX, para poner en escena a la gente del pueblo. El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos...”), y la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho. Basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreográfica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario quitarle ese toque “español para turistas” y acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aun siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición. José Carlos Martínez (Fotografías María Alperi// Portada Jesús Vallinas) Todo está preparado para su próximo estreno en el Teatro de la Zarzuela a partir del 16 de diciembre. "Por esta sola gracia -dijo a esta sazón Don Quijote- merecía ese mancebo no solo casarse con la hermosa Quiteria, sino con la mesma reina Ginebra, si fuera hoy viva, a pesar de Lacerote y toros aquellos que estorbarlo quisieran..." Don Quijote de la Mancha, Miguel de Cervantes

Del 13 de noviembre al 5 de diciembre, la Comunidad de Madrid acogerá las más interesantes producciones nacionales e internacionales de danza mediante una completa diversidad de estilos dentro de la XXX Edición del Festival Internacional Madrid en Danza, que convertirá a Madrid en la capital de la danza europea. Teresa Nieto en Compañía con Las 4 estaciones, Pablo Esbert Lilienfeld y Federico Vladimir Strate Pezdirc con Introducing the Star y la Compañía de Patricia Ruz con Animales de Compañía, serán los primeros en mostrar a todos los asistentes sus propuestas dentro del festival. TERESA NIETO EN COMPAÑÍA, Las 4 estaciones La bailarina, coreógrafa y directora Teresa Nieto (Premio Nacional de Danza 2004, Premios de Cultura de la Comunidad de Madrid 2002, Premios Villa de Madrid 2007, ganadora de 7 Premios Max) estrena en el Festival Internacional Madrid en Danza su último trabajo. Las 4 estaciones es una coreografía que funciona como una metáfora de lo cíclico, recorriendo cuatro mundos imaginados a modo de viaje bailando por momentos y lugares vividos y soñados. El verano simboliza el sur, el calor, el tiempo detenido, la vida suspendida bajo el cielo estrellado. El otoño es el pasado, la fragilidad de la memoria, la madurez. El invierno es el viento del norte, el presente, la acción aquí y ahora. La primavera es el futuro, la esperanza, el nuevo comienzo… PABLO ESBERT LILIENFELD Y FEDERICO VLADIMIR STRATE PEZDIRC, Introducing the Star Introducing the Star es un espectáculo de danza, una película y un álbum de música. El proyecto parte de un interés sobre la necesidad de comunión en situaciones de éxtasis colectivo físico y sonoro, y plantea la posibilidad de creer en una figura que sirva de facilitador para estas experiencias, un personaje llamado The Star. Para ello se apropia de las estrategias del pop, deconstruyendo la identidad rotunda del líder en otra identidad mutable e imprecisa, reflectante. Introducing the Star introduce al espectador a un imaginario cosmogónico. Es una ficción musical atravesada por lo autobiográfico, una cosmogonía épica e intimista, una fábula con coristas embarazadas, virus voladores, gestaciones, contagios, bebés, ciencia ficción y música electrónica. Es una narración fragmentada, saturada, llena de errores y dudas. El público de Madrid en Danza podrá disfrutar del estreno absoluto del espectáculo de danza. La película se estrenará a finales de 2015 y el álbum de música verá la luz en 2016. COMPAÑÍA DE PATRICIA RUZ, Animales de compañía Para la coreógrafa Patricia Ruz, Animales de compañía trata sobre “la soledad, la compañía, la soledad acompañada y la compañía en soledad”. Habla sobre el instinto, la libertad y la vuelta al origen, a esa parte animal que nos pertenece y hemos olvidado. Sobre el escenario, la triunfadora Roberta Sansone, una millonaria extravagante en su mansión ultratecnológica. Hasta que llaman a la puerta y lo inesperado se atreve a ponerlo todo patas arribas… ¿Y si al final todos resultamos ser animales de compañía?

Conocía a Ana Abad Carles únicamente como ferviente lectora de su libro “Historia del ballet y la danza moderna” (Ed. Alianza Editorial) que siempre he consultado, pues lo considero el mejor y más completo análisis que se ha escrito en lengua española sobre la materia. Pasaron los años y un guiño del azar me posibilitó contactar con ella. Fue a través de una red social en la que colgué un dibujo de Monique Lancelot adquirido en una subasta. Y cuál no sería mi sorpresa cuando Ana me escribió un comentario indicándome el tratado de danza donde figuraba esta bella ilustración. ​ Ana era mi escritora, yo su lectora. Ella no lo sabía. El muro de distancia que separa al autor de su lector, se había roto. Mi escritora se había vuelto real, no podía dejar de conocerla. Quedamos en el Ateneo de Madrid. Entramos en un gran salón de cuyas paredes pendían los retratos de los grandes intelectuales del pasado. Allí nos sentamos en unos sillones fraileros junto a un piano con la tapa echada. Este piano pensé, es como ella, su teclado está oculto, guarda todas las notas de su música dentro de sí, deseo abrirlo... Ana posee una gran inteligencia, tiene el don de la claridad y una capacidad de analísis certera, pero no hay que dejarse engañar por su raciocinio. Su espíritu no se mueve por la frialdad del intelecto sino que son los sentimientos quienes la empujan hacia la acción. Y es que Ana es fundamentalmente soñadora, un ser idealista al que el tiempo, el estudio, su constancia y sobre todo su gran amor por la danza la convirtieron en una erudita. Pregunta-¿Qué motivo te ha traído a Madrid? -Vengo bastante, cada dos semanas, pues estoy impartiendo las clases sobre industrias culturales en el Master en Gestión y Liderazgo de Proyectos Culturales de la Universidad Rey Juan Carlos. -¿Vives ahora en España? -Sí, regresé desde la Argentina en marzo del 2014 por cuestiones familiares. -¿Cómo encontraste todo a tu regreso? -Yo me marche en el 88 porque las cosas no estaban bien... Y vuelves y resulta que está todo peor. -Peor...¿En qué sentido? -Cuando me fui la situación de la danza estaba mal, pero había un ímpetu, un movimiento incipiente, un deseo de mirar hacia fuera, de hacer cosas... Ahora no queda nada de eso. Lo que se hizo estaba mal construido y ahora estamos viviendo su derrumbe. -¿A qué te refieres? -Proyectos que se iniciaron cuando yo estaba fuera, como la incursión de la danza en la universidad, la creación de los centros coreográficos, de los grados superiores de danza... No han dado los frutos esperados. -¿Dónde crees que está el fallo? -Alguien dijo parafraseando a Graham Greene que “la transición cultural española es un viaje sin mapas” y tenía toda la razón. Se iniciaron muchas cosas, pero no se sustentaron sobre unas bases sólidas, no había dirección, un objetivo y cuando parecía que los políticos mostraron interés en ello, llegaron las olimpiadas y se fijaron en otras cosas. -¿Crees que todavía estamos a tiempo de revertir la situación? -Estamos en un momento importantísimo de cambio absoluto del paradigma social, cultural, educativo, y es el momento de que si España se apostase firmemente por la cultura y las artes podríamos impulsarlas de nuevo. -¿La crisis ha afectado a la cultura más en España que en el resto del mundo? -La crisis ha provocado un sunami en todo el mundo, pero en España se siente más porque había menos. Era todo más endeble, aunque la crisis artística y creativa es global. Por ejemplo, el Londres del 88 que yo encontré cuando llegue allí no tenía nada que ver con el del 2011. Es por lo que me marché, mis referentes ya no estaban allí, se había producido un relevo generacional muy mal impulsado durante el gobierno de Tony Blair y se perdieron muchos valores artísticos. -¿Nos encontramos ante un camino sin rumbo? -Se acaba una época y empieza otra, pero lo viejo no se acaba de marchar y lo nuevo no acaba de llegar. Se siguen representando los “lagos” del siglo XIX y el XXI no termina de arrancar. Hemos agotado las formas, siento que hay un agotamiento de las formas... -¿Hacia dónde va la evolución? -No sabemos a dónde vamos. Cuando organicé el Londres un congreso sobre esta materia, hace ya 10 años, tampoco ellos lo tenían muy claro. Recuerdo que el coreógrafo Javier de Frutos vaticinó que la revolución vendría de la calle, del mundo urbano y que el hip hop tenía que estar en ella. Aunque ha transcurrido una década desde entonces y eso no ha sucedido. Esa revolución no tuvo lugar, ha pasado de largo, algún elemento de danza urbana se ha incorporado a las nuevas creaciones pero no se ha dado ninguna revolución. Javier de Frutos Nos encontramos en un momento de cambio de paradigma, estamos sumergidos en un letargo, seguimos buscando al nuevo Balanchine, pero este ya murió hace tiempo, pertenece al siglo XX, y no podemos seguir buscándolo en el XXI. Es importante tener referencias pero se cae en el error de mirar desde el presente lo que va a venir con los ojos de lo que ya pasó. Un problema muy grave se ha generado como consecuencia de la globalización: las artes se han desconectado de la vida y ya no tienen relevancia. -¿Qué quieres decir? -Te pondré un ejemplo. Cuando nace el Royal Ballet no era más que una compañía formada por un grupo de amigos. Entonces, estalla la II Guerra Mundial, y tienen ir girando por toda Inglaterra sin apenas medios, pues los bailarines son reclutados, y actúan como pueden. Al terminar la guerra como premio a su esfuerzo se les recompensa dándoles la Royal Opera House ¿Cómo sucedió esto? El influyente economista John M. Keynes estaba casado con la bailarina Lidia Lopokova, amaba su mujer e hizo todo lo posible para que el ballet fuera apoyado. Y esto nos desvela otro factor muy importante: no existe creación sin poder, si el poder no apoya... No hay nada. Lopokova y Keynes -Y volviendo al tema de España, ¿Dónde estaría la solución? -En España tal y como está ahora se necesita galvanizar las artes y crear un caldo de cultivo que permita el brillo del talento. Es de sobra conocido que en nuestro país es un lugar donde florecen los artistas, lo sabemos todos. Pero falta nivel intelectual en la formación de los bailarines. Habría que fomentar el estudio de la danza más allá de lo puramente mecánico. Es necesario que al aprendizaje de los pasos se incorpore también la mente. Ser capaz de hacer los 32 fouettes no sirve de nada si no sabes cuando se tienen que dar y de dónde vienen. Falta investigación. Por ejemplo, los bailarines rusos y franceses tienen una educación teórica mucho más sólida, un conocimiento de su historia enviable. -¿Falta un proyecto de cultura definido? -El problema es que no hay un proyecto, ni siquiera se ha hecho un relato claro de lo que nos ha pasado. -¿Habría que buscar una finalidad? -Te responderé con una típica frase de congreso: “necesitamos saber de donde venimos para saber a donde vamos”. El que comprende su presente entiende la realidad y sabe hacia dónde ir. -Pero, ¿Cuál es la realidad? -La realidad es compleja y esto se debe al cambio provocado por la era digital, por la forma en que ahora procesamos la información, ahí está la verdadera revolución. Antes tenías el vídeo de una representación y lo guardabas como oro en paño, lo veías una y otra vez hasta llegar a saber como el bailarín movía la ceja en cada momento. Ahora, sin embargo hay una saturación de medios. Esto conlleva el peligro de una escasa profundización. You tube es maravilloso y nunca agradeceré suficientemente su creación. Pero hay que ser conscientes del gran efecto que tiene sobre la forma en que miramos de danza. -¿Cómo cambia esta percepción? -Se pierde una dimensión, en las filmaciones, la danza no se mueve en el espacio, la vemos de forma bidimensional. Las grandes creaciones del siglo XX no se grabaron en su momento. Y, justamente, la gran innovación del XX frente al XIX vino en materia de espacialidad, que pasó a ser mucho más compleja. Si en el XIX se usaban principalmente las líneas diagonales y rectas, mucho círculo todo muy centrado, y en el XX el uso del espacio es más complejo, hasta llegar a Merce Cunningham que jerarquiza por completo el espacio esénico. Por eso es muy complicado explicar a los alumnos las coreografías del siglo XX, porque la concepción espacial no se puede apreciar en las filmaciones. Ahora se está perdiendo el uso del espacio, así verás, si te fijas en los vídeos musicales, que los bailarines baila en el sitio y apenas se desplazan de forma básica. -¿En qué se traducen estos cambios? -En un cambio sobre la percepción de las artes. Y quizá, a las artes les ha faltado rapidez de respuesta, se están quedando cada vez más fuera de la sociedad. Y al estar fuera, si desaparecen no pasa nada... Ha existido una política de absoluta invisibilizacion por parte de lo medios y el poder. Se necesita un cambio urgente. Hay que conseguir que la gente venga a los teatros, que el público descubra la magia de la inmediatez, a pesar de que con un simple clic ya puede acceder a ver mil cosas desde una pantalla. -¿Se está planteado de forma seria cómo abordar el problema? -Nos enfrentamos a un problema muy complejo y me sorprende que no se estén generando estos debates en el mundo de las artes. Parece que seguimos anclados discutiendo que si ballet, español, o contemporáneo... En Inglaterra ya hace décadas que comenzamos a plantear estas cuestiones, y aquí seguimos sin analizar lo que nos pasa. Surge gente con talento, pero habría que explicarles que el mundo que les va a tocar vivir ahora es muy diferente. -¿Qué sucederá con la nueva generación? -La capacidad del ser humano para adaptarse es increíble. Sin embargo, si no se desarrolla el sector cultural, no les quedará otra solución que emigrar, lo cual es muy triste dado el talento que hay en este país. -¿Qué opinas sobre la danza que se programa en los escenarios españoles? -La danza se programa muy poco. No hay una tradición coreográfica en nuestro país, por ejemplo, no se conoce el repertorio del XX. Hay un vacío que va desde Raymonda a la llegada de Duato. El ya dijo cosas como “o la fille mal gardé o yo”. Y se creó en la Compañía Nacional de Danza un vacío de 100 años que nunca hemos llenado. Se intentó en la época de Maria de Ávila, cuando se bailaron por vez primera “Serenade” y “Jardín de Lilas”. Fue la primera llegada de obras internacionales de gran prestigio a España, algo que continuó en la época de Maya. -He traído tu libro, me encantaría que me lo dedicaras. -Faltaría mas. -¿Por qué escribiste este libro? -Cuando volví de Londres yo quería ser coreógrafa, y como no encontraba la posibilidad, la única manera de no detener mi mente era recordando las obras que había visto y así empecé a escribir. En un viaje a Madrid, Henry Brown, Director de la Asociación de Profesionales por la Danza, leyó mis escritos y dijo que me los iba publicar todos. Yo me sorprendí. -¿No tenías vocación de escritora? -No, nunca. La primera vez que realmente fuí consciente de que podía escribír bien fue cuando murió MacMillan, y me llamó Henry para encargarme que escribiese el obituario. Yo le respondí que lo lógico era que lo escribiese él que había trabajado con MacMillan. “No, quiero que lo escribas tú”, me dijo. Me impresionó. Seguí colaborando con la revista Por la Danza y el Teatro Real me contactó para que escribiera las notas al programa de “La Bella Durmiente”, que inauguraba su temporada con el Royal Ballet después de la rehabilitación. La editorial Alianza, dándose cuenta de que en su catálogo había un vacío en relación a la historia de la danza, me hizo el encargo. -¿Por qué es este libro tan especial? -(Ríe) Bueno, a veces me han dicho que se nota que está escrito con cariño. Te contaré el secreto. La clave que me inspiró fue pensar qué me hubiera gustado que me enseñaran sobre historia de la danza y nadie en España me supo contar. Cuando era estudiante yo preguntaba a cerca de muchas obras de las que nadie sabía nada... El libro es lo que me hubiera gustado saber sin tenerme que marchar de España. Lo escribí desde Londres movida por el deseo de que si alguien se hacía aquellas mismas preguntas que yo me he formulado, pudiera al menos encontrar una respuesta. MERCEDES ALBI (Fotografía de portada Eugenia Sartorius)

Bajo el lema de “Disciplinas convergentes”, la 3ª edición del festival valenciano Circuito Bucles arranca hoy jueves 29 de octubre con una extensa y variada programación en la que la danza bailará durante 4 jornadas en espacios singulares del barrio de Ruzafa. Librerías, galerías de arte, comercios, restaurantes, terrazas, etc. se transformarán durante unos días en espacios escénicos para acoger espectáculos de danza en general y creaciones coreográficas de artistas emergentes en particular. El festival, cuyas características lo hacen único en la Comunidad Valenciana, actúa desde su nacimiento en 2013 como una plataforma de promoción e impulso de nuevos creadores e intérpretes y como un laboratorio de experimentación abierto al intercambio y el diálogo artístico. Está codirigido por Isabel Alfaro y Juan Pinillos, se inaugurará esta tarde a las 20:00h con un espectáculo gratuito y para todos los públicos, Trisha reloaded que, llegado desde México, desembarcará en la Plaza de Baró Cortés. Dirigida por el mexicano Pablo Madrigal, ganador del Premio Nacional de México a Nuevos Talentos, se trata de una coreografía que “forma parte de una serie de piezas que retoman las estrategias y reflexiones de coreógrafos y bailarines internacionales para cuestionar la noción de autor en la danza contemporánea”. Tras la inauguración, la compañía valenciana Malarte ofrecerá el Bucle 1 de la programación del festival, titulado Sígueme, dirigido por Jessica Martín e interpretado por Paloma Calderón y Paula Quiles que tendrá un único pase a las 21:00h en la Galería Color Elefante. Flamenco, poesía bailada, break dance y danza inclusiva La jornada del viernes, sábado y domingo estará marcada por danza y más danza en todas sus disciplinas y variedades que mostrarán las infinitas posibilidades de este lenguaje universal. En el apartado de Bucles, que acoge piezas de pequeño formato y duración de entre 20 y 30 minutos, participarán distintas compañías cuyas representaciones itinerarán por diversos espacios. En la danza contemporánea se articularán los bucles de la Cia Lloc Incert, Un heróico Intento y la pieza Onkar, interpretada por Raul Huaman y Lorenza Di Calogero. Y la compañía valenciana Rodak fusionará la danza teatro y la performance en Click and go. El flamenco estará presente en esta edición con la Cía Marcos Morales que llega desde Málaga para interpretar Los Restos del Naufragio. La danza más moderna, el break dance, combinada con el teatro de humor, lo traerán los madrileños Cía. Umami con Agridulce. Y la poesía de Encarna Reig del “Llibre de l’ànima i de les coses salvatges” se fusionará con la danza de Lorenza Di Calogero en un espectáculo del mismo título. Los madrileños Cía Babirusa Danza desembarcarán en Circuito Bucles con Brea y Plumas, una creación que ahonda en el patriarcado como estructura de subordinación galardonada con el I Premio Certamen DeUnaPieza 2013 Universidad Carlos III Madrid. Y la compañía catalana DGustart representará el bucle Pilot automàtic, espectáculo multidisciplinar que habla sobre la rutina y sus consecuencias sobre las personas. Los Minibucles, piezas de pequeño formato y unos 15 minutos de duración, llenarán por su parte de movimiento y arte el centro Spirit of St. Luis con 7 micropiezas muy distintas. Danza gratuita para todos los públicos y charlas abiertas con especialistas. La charla-debate que introducirá Carmen Giménez Morte, bajo el título “Repensando en Centro Coreográfico”, será de gran interés. PROGRAMACIÓN completa en el siguiente enlace: http://circuito-bucles.com/