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La Compañía Nacional de Danza, dirigida por José Carlos Martínez ha planificado una temporada variada, ecléctica, intensa. Esta nueva etapa contará con nuevos estrenos como In The Night de Jerome Robbins, Vertiginous de William Forsythe, una nueva creación de Dimo Kirilov o el esperado ballet Don Quijote de José Carlos Martínez. Este estandarte de la danza en España llevará la tradición y la vanguardia a lugares como Cannes (Francia), Estambul (Turquía), Génova (Italia) o Friedichshafen (Alemania). Biarritz y Bari La Compañía Nacional de Danza abre la temporada 15/16 el 18 de septiembre en Biarritz, continuando en Bari, con un programa que revolucionará la adrenalina del público compuesto por piezas de Itzik Galili, William Forsythe, Jiri Kylián y Ohad Naharin. La formación dirigida por José Carlos Martínez actuará por primera vez en el Teatro Petruzzelli de Bari. Cagliari La trágica historia de Carmen resucitará en el Teatro Lírico de Cagliari en otoño de 2015. La Compañía Nacional de Danza vuelve a representar este magnífico ballet coreografiado por Johan Inger, acompañada de la Orquesta Sinfónica di Cagliari que será dirigida por el maestro Manuel Coves, Director Artístico y Musical de la Orquesta de la Universidad Carlos III de Madrid. San Sebastián y Cannes Carmen, un ballet con un marcado carácter español ha sido revisado y repensado por el coreógrafo sueco Johan Inger, que ha conseguido darle una vuelta de tuerca a esta famosa y terrible historia y ha compuesto una pieza única, fresca, que da lugar a la imaginación, a la emoción y a la autocrítica de una sociedad todavía machista. Además del Kursaal en San Sebastián, la CND interpretará Carmen en Cannes. La versión de este ballet que Johan Inger creó especialmente para la Compañía Nacional de Danza se estrenará en Francia por primera vez en el Palacio de Festivales y Congresos de Cannes el día 29 de noviembre de 2015. ¿Se volverá a repetir la historia como la conocemos una y otra vez? ¿Renunciará Carmen a su libertad para salvar su vida? Teatro de la Zarzuela Más de veinte años han pasado desde la última vez que la Compañía Nacional de Danza llevó al escenario un ballet clásico completo. El 16 de diciembre de este año la CND representará por primera vez el ballet Don Quijote en el Teatro de la Zarzuela, coreografiado por el director de la formación, José Carlos Martínez, con música de Ludwig Minkus, escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda y figurines de Pedro Moreno. Teatre Liceu La Compañía Nacional de Danza homenajea a Granados en el centenario de su fallecimiento en el Teatre del Liceu de Barcelona y lo hace con un programa compuesto por piezas de Dimo Kirilov, William Forsythe, Jerome Robbins y José Carlos Martínez. El director artístico de la CND ha diseñado un programa muy especial para esta ocasión eligiendo músicas y coreografías que ponen al genial compositor en relación con otros grandes músicos a través del lenguaje de la danza. Teatro Real Robbins, Scholz, Martínez y Kirilov conforman el programa que la CND interpretará en el Teatro Real de Madrid a finales de la temporada próxima. Coreografías unidas por el hilo conductor de la música de cuatro románticos; Chopin, Rachmaninov, Glazunov y Granados. Una noche para disfrutar de un ballet exquisito con grandes profesionales de la danza: los bailarines de la Compañía Nacional de Danza. Se trata de una temporada rutilante donde las giras internacionales y nacionales se suceden. Nuestra CND estará, además, en otros espacios escénicos de igual relevancia actuando también en Alcobendas, Estambul, Friedrischafen, Sevilla, Valencia, Sant Cugat del Vallés, Bilbao, Granada, Génova o Milán.

Dentro de pocas horas tendrá lugar el estreno del ballet "Sorolla" en el Liceo de Barcelona. La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo ensaya la partitura de Juan J. Colomer, bajo la batuta de Manuel Coves. Los bailarines se acomodan a este nuevo espacio y sienten una emoción muy especial, porque cada escenario es único, y llevar lo mejor de nuestra cultura a un lugar con una tradición y una historia como la del Liceo, impresiona. Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, nos cuenta: "La verdad es que sí, estamos muy contentos, la prensa y los medios se han volcado en esta visita del Ballet Nacional de España al gran teatro del Liceo después de 10 años, que no actuaba aquí el BNE. Para mí realmente es un orgullo el poder representar un espectáculo de danza española tan global, a través de todo el elenco del Ballet Nacional de España en este teatro de referencia mundial. Además por primera vez, Sorolla va a ser interpretado con la música en directo por la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo dirigida por Manuel Coves. Todo el Ballet Nacional de España nos sentimos muy orgullosos y emocionados de poder llenar este teatro de danza española". También estará presente en el estreno el compositor Juan J. Colomer, que ha venido desde Los Ángeles para ultimar detalles de la intepretación de su partitura. Nos dice: "Es muy emocionante que Sorolla esté en el Liceo. Hay mucha expectación, mucha curiosidad y se siente una gran acogida. Se que vamos a vivir unos momentos maravillosos, porque este teatro ya lo es por sí solo. Y el BNE, bajo la dirección de Antonio Najarro, los bailarines, los coreógrafos, el diseñador, la orquesta, la evocación de Sorolla... Y el equipo técnico, los músicos (ríe)... No quiero dejarme a nadie, todos son imprescindibles. Creo que gracias a todos sí se logró una obra de arte total". MERCEDES ALBI (Fotografía de Sergio Bernal, de José Nino)

La danza con una compañía de excepción, Nederlands Dans Theater, ha puesto el punto final de la actual temporada del Teatro Real. La NDT, creada en 1959 por Benjamin Harkarvy con la finalidad de encontrar otros caminos para la expresión y experimentación de las nuevas formas de danza, es un modelo de referencia dentro de las compañías europeas. Las direcciones de Hans Van Manen y Jiri Kylian constituyeron todo un hito, sin que resulta osado afirmar que los coreógrafos que pasan por ella son los que marcan tendencia y consiguen gran reconocimiento internacional (Nacho Duato, Ojad Naharim..). Es la tercera vez que el NDT actúa en el coliseo madrileño. En esta ocasión el programa contenía dos piezas: “Sehnsucht” y “Schmetterling” de Paul Lighfoot, actual director artístico, y Sol León, asesora y directora artística de la compañía holandesa. Sol León nació en Córdoba y desde 1989 trabaja junto a Paul Lighfoot cuando fueron bailarines de la NDT 2, donde iniciaron su camino llegando a la NTD, familiarizándose con las creaciones que se conviertieron en el santo y seña de la prestigiosa compañía. El tiempo pasa rápido, pero para los buenos artistas que encuentran un campo fértil donde desarrollar sus ideas, estás quedan plasmadas en una sólida trayectoria, y Paul Ligtfoot y Sol León, desde que fueran nombrados coreógrafos residentes en 2002, han creado más de 40 coreografías para la NDT. Las dos obras presentadas componen un único programa en base a una unidad temática que gira en torno al amor y a la transformación del ser humano, el paso del tiempo y la metamorfosis vital fruto de las experiencias vividas. Los bailarines de formación clásica parecían seres venidos de otro planeta, con una técnica increíble y poseedores de una elegancia y virtuosismo excepcionales. “Sehnsucht “ se incia con el bailarín Silas Henriksen totalmente solo dentro de un círculo de luz. Suspendido en el aire hay un cubo móvil a modo de habitación, penetrado por una luz dorada y cálida, iluminando su interior que se abre a través de una puerta. Allí viven una pareja interpretada por Danielle Rowe y Medhi Walerski. Es un escenario dentro de otro, un mundo minúsculo contenido en otro más grande pero con el que comparte los mismos sentimientos de amor, soledad y angustia. La narración se sustenta en la música, en fragmentos de tres partituras de Beethoven (conciertos para piano núm. 3 y 4, así como la 5ª sinfonía), que irán determinado la construcción de las diferentes escenas. La secuencias más emociontes tienen lugar en el interior del cubo, esa pequeña historia de una convivencia que se torna asfixiante y desemboca en el abandono. Pero en la segunda parte todo se ha diluído, el cubo ya no existe, y el cuerpo de baile interpreta una coreografía de gran geometricidad belleza plástica. Durante el descanso, no cesa la danza y siempre hay un bailarín que aunque el telón esté echado, improvisa e interactúa con el publico. Esta novedad, que a base de repetirse pierde su originalidad, contrasta mucho con la calidad del espectáculo programado por lo que más que enriquecer desconcierta y a mi juicio sobra. “Schmetterling” significa mariposa. Los protagonistas son una madre y su hijo (Ema Yusa y Medhi Walerski) que danzan de la vida hasta la muerte. Todo lo que nace muere para dar lugar a algo nuevo, es el tránsito, el devenir de la existencia, la vida efímera que simboliza la mariposa. La madre es una anciana vestida de luto que baila con una hondura llena de significados. Cada cosa tiene su lugar y todo se suboordina al mensaje de la fugacidad. El vestuario, diseñado con trajes de mucho vuelo, formara parte de esa danza que simbolizando las alas de las “schmetterlings” serán batidas con todo el esplendor de los magníficos duos, tríos y danzas corales desarrollados por los bailarines en la parte frontal del escenario. Paul Ligtfoot y Sol León pertenecen, sin duda y por méritos propios, a ese Olimpo de creadores europeos que abren caminos y sobre cuyas creaciones reposa el peso de todas las miradas. PAOLA PANIZZA

Hace mucho tiempo que no tenemos en la cartelera madrileña el ballet Giselle, y se echan de menos las memorables actuaciones del Ballet Nacional de Cuba, que solía comenzar en el mes de septiembre. Pero una cita obligada con el ballet se mantiene cada verano gracias a la labor esforzada y constante de la productora Tatiana Solovieva, que trae al Teatro Compact Gran Vía las mejores compañías rusas privadas, que siempre nos deleitan con los títulos del repertorio clásico. Una de ellas, “El Ballet de San Petersburgo”, dirigido por Andrey Batalov representa estos días “El lago de los Cisnes”, y la semana próxima comenzarán las funciones de “Giselle”. Andrey Batalov tiene sobre sus espaldas una prestigiosa carrera de bailarín. Educado en el Academia de Ballet de San Petersburgo, ha sido solista en el Ballet del Teatro Mikhailovsky y hasta la actualidad primer bailarín solita del Ballet Marinsky, obteniendo numerosos galardones en concursos internacionales –Medalla de Oro en Nagoya (Japón, 1996), Segundo Premio concurso Nuriev en Budapest 1996, Primer Premio y Premio Mikhail Baryshnikov en “Arabesk, 1996, Gran Prix de Moscú (1997). Y como coreógrafo sigue la tradición clásica respetando las obras de M.Petipa, L. Ivanov, A- Gorsky y M. Fokine, imprimiendo su sello en esta formación del Ballet Clásico de St. Petersburgo. "El lago de los cisnes" estará en cartel hasta el 19 de julio, y Giselle del 21 al 26 de julio, para regresar el Lago hasta el próximo 8 de agosto.

• Un espectáculo en el que se alternarán obras de José Manuel Cañizares y Domenico Scarlatti • Un viaje a través de los siglos en el que se tocan presente, pasado y futuro de la música • Cañizares homenajea así a Scarlatti, al que muchos consideran el primer compositor de flamenco de la historia El Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta Cañizares. Scarlatti & Flamenco, un espectáculo de guitarra flamenca, baile y palmas en el que el guitarrista José Manuel Cañizares estará acompañado de los bailaores Charo Espino y Ángel Muñoz. La alternancia entre las composiciones de Cañizares y las del compositor napolitano Domenico Scarlatti acompañan al espectador en un maravilloso viaje a través de los siglos, viaje en el cual se tocan presente, pasado y futuro de la música. Scarlatti, que vivió una larga parte de su vida en España, reflejó su amor por la música popular de nuestro país en algunas de su maravillosas Sonatas para clave. Cañizares, enfrentándose al reto de una transcripción de algunas de ellas para guitarra, no rehúye el desafío y pone de manifiesto su convicción de que Scarlatti fue el primer compositor flamenco de la historia. Bajo sus dedos, se evidencian detalles armónicos, fragmentos melódicos, rítmicos, que unen de forma indisoluble el compositor italiano con el lenguaje universal del flamenco. Hablar de José Manuel Cañizares es hablar de guitarra flamenca y con ella ha conseguido llevar su arte a los mejores escenarios del mundo. Ha sido el primer y único guitarrista flamenco invitado por la Orquesta Filarmónica de Berlín y ha recibido tanto el Premio Nacional de Guitarra en 1982 como el Premio de la Música en 2008. Cañizares colaboró con Paco de Lucía durante 10 años y también ha compartido escenarios y grabaciones con grandes artistas como Enrique Morente, Camarón de la Isla, Serrat, Alejandro Sanz, Peter Gabriel, Mike Stern, Al Di Meola o The Chieftains entre muchos otros. En su faceta como compositor encontramos músicas para el Ballet Nacional de España y también diversas bandas sonoras de películas como La Lola se va a los puertos con Rocío Jurado y Paco Rabal o Flamenco de Carlos Saura. El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arrancó el 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, un espectacular homenaje a Víctor Ullate, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además el programa del Festival incluye 14 conciertos en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto. PROGRAMA: Scarlatti, Sonata K 208 J. M. Cañizares, Como Dos Niños (Colombiana) Scarlatti, Sonata K34 J. M. Cañizares, Mar Caribe (Guajira) Scarlatti, Sonata K9 J. M. Cañizares, El Abismo (Bulerías) Scarlatti, Sonata K 32 J. M. Cañizares, Se Alza la Luna (Zapateado) Scarlatti, Sonata K11 J. M. Cañizares, Palomas (Vals) Scarlatti, Sonata K291 J. M. Cañizares, Collar de Perlas (Alegrías) FICHA ARTÍSTICA: José Manuel Cañizares, guitarra flamenca Charo Espino, baile, castañuelas y palmas Ángel Muñoz, baile, cajón y palmas Música de Domenco Scarlatti y Cañizares. Arreglo musical de Cañizares. Coreografía de Charo Espino y Ángel Muñoz. &&&&&&&&&&&&&&&&&&

La acción del primer "Amor Brujo" se sitúa en casa de la gitana Candela, que espera en vano la llegada de su novio Carmelo, el cual no vuelve porque la ha abandonado. Entona la “Canción del Pescador”. Se echa las cartas y, ante su mal augurio, termina arrojándolas al fuego, para, a continuación, bailar la “Danza del Fuego”. Después del entreacto comienza la segunda escena, cuya acción se desarrolla en la cueva de una hechicera donde Candela acude a buscar a su amado. Los graznidos de los cuervos y los fuegos fatuos la persiguen, momento en que baila la “Danza de la Tarántula” a fin de conjurar a los malos espíritus. Aparece un rayo de luna como símbolo de que Candela ha vencido al mal. Su amante, embrujado por su danza, cae rendido en sus brazos mientras se escuchan las campanas de amanecer. El impacto escénico de los figurines y decorados de Néstor Es muy significativo el hecho de que, por primera vez España, en el cartel anunciador de una obra apareciera el nombre del escenógrafo al mismo tamaño que el de los principales protagonistas, y así figuraba: “Decorados de Néstor”. El trabajo de Néstor supuso una gran innovación, que fue “in crescendo” desde el primer cuadro –que conserva algo de tipismo- al segundo, en el cual la vanguardia se instala plenamente. Por su interés, y gracias a los estudios efectuados por el historiador Pedro Almeida Cabrera sobre Néstor, describiremos de forma pormenorizada algunos detalles escénicos. Del cuadro primero, que se desarrolla en casa de la protagonista, no se conserva el boceto de Néstor, aunque si referencias escritas sobre cómo debió ser: <> El traje que Pastora Imperio lleva en esta escena tampoco se conserva, pero sí una caricatura de la artista vistiéndolo, en la que se observa la originalidad del corte de su silueta que evoca los tiempos de la moda isabelina. Una descripción detallada de la prensa nos permite imaginar la vivacidad de los colores de las telas: <<…es un traje de amplísimo vuelo, inspirado en los cuadros de las damas de la corte de Isabel II (…), el color de la falda es de un azul intenso, como un jirón de cielo andaluz, y sobre ese azul grandes rosas de fuego; del mismo color rojo son todas las faldas interiores y las medias y los zapatos que calza la gentil Pastora>> Y si el vistoso colorido dominó en la primera escena, el segundo cuadro se despliega ante los ojos del espectador desde la oscuridad: <> La crítica aplaudió con unanimidad las escenografías, pero la polémica se desató respecto al vestuario, especialmente con el del segundo cuadro, en el que los bailarines visten unos trajes de un diseño que abandona cualquier referencia al tipismo. La crítica más tradicional llegó a calificarlos como una especie de “gitanos de París”. En el vestido de Pastora, el drapeado del cuerpo recoge sus elegantes pliegues desde los hombros a la cintura, y el corte recto de la falda queda rematado en una angulosa asimetría. Con este diseño Néstor abandona a Bakst para avanzar los planteamientos estéticos de Natalia Goncharova. También llamó mucho la atención el sombrero picudo del bailarín, que se adelanta en diez años al que luego vestirá Vicente Escudero en la versión posterior y definitiva, con supresión de las partes habladas, de “El Amor Brujo” representada por la compañía de Antonia Mercé, la Argentina. Una imagen renovada de la mujer española aparece en las pinturas de Néstor. Son españolas hermosas de poses seductoras, alejadas de la languidez, por el contrario se muestran seguras de sí mismas. En las modelos de Néstor se conjuga a la perfeción la modernidad con la tradición. Néstor colaborará estrechamente con María Koustnezova -artista rusa muy unida a los Ballets de Diaghilev- y Antonia Mercé realizando para ella numerosos figurines, con los que bailará por los teatros de todo el mundo, así como las escenografías íntegras de ballets como “El Fandango del Candil” o “Triana”. Conclusión “El Amor Brujo” es un hito en la historia de la danza en España, pues se crea fusionando los elementos de folklore con las corrientes artísticas de la vanguardia europea. Representa el inicio de la trascendente influencia que los Ballets Russes ejercerán sobre al arte escénico español, un año antes de que la compañía de Diaghilev desembarcara en Cádiz, el 6 de mayo de de 1916. MERCEDES ALBI

El Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta al Víctor Ullate Ballet Comunidad de Madrid con su espectáculo Samsara, que se podrá ver el próximo sábado 11 de julio. Samsara se estrenó en 2006 y es una abstracción de los sentidos que permite, a través de la conjunción del movimiento corporal y la música, trasladar al espectador a aquellos lugares de donde procede el diverso repertorio de música étnicas que conforma este ballet: Egipto, Irán, India, Nepal, China, Japón… Tal y como explicó el propio Víctor Ullate: “La danza me sirve de nexo entre culturas dispares para aportar pinceladas de ritmo, belleza y crítica social a la situación de este conjunto de países que he visitado a lo largo de tantos años y cuyo recuerdo e influencia han marcado mi vida. Una vez más decido continuar el círculo de la vida y la muerte a través de la danza, mi forma de expresión.Más que darle un significado a Samsara, sencillamente he tratado de interpretar lo que sentí en momentos delicados y cruciales de mi vida, en los que, postrado en una mesa de operaciones, creyendo que todo se acababa, mi ser se dirigió a Oriente.” Víctor Ullate (Zaragoza, 1947), considerado por Maurice Béjart como uno de los bailarines más completos de este siglo, ha sido el bailarín español con mayor proyección internacional de todos los tiempos. Su extraordinaria técnica clásica, inculcada por María de Ávila, y su gran amor a la danza, le dotaron de una vocación y una voluntad excepcionales que le hicieron destacar muy pronto como solista. Inició su carrera profesional en el Ballet Siglo XX, bajo la dirección de Maurice Béjart, en el que permaneció durante catorce años. Cabe destacar entre sus roles principales el interpretado en Gaîté Parisienne, creada para él por Béjart sobre su propia biografía, donde da vida al propio Béjart. El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arrancó el 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, un espectacular homenaje a Víctor Ullate, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además se podrá disfrutar del Ballet VíctorUllate de la Comunidad de Madrid así como de 14 conciertos en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto. FICHA ARTÍSTICA: Director: Víctor Ullate Director Adjunto: Eduardo Lao Bailarinas: Ksenia Abbazova, Leyre Castresana, Elena Diéguez, Marlen Fuerte, Martina Giuffrida, Charlotte Lanning, Kana Nishiue, Laura Rosillo, Alba Tapia. Bailarines: Lorenzo Agramonte, José Becerra, Alejandro Bretones, Mariano Cardano, Fernando Carratalá, Mikael Champs, Philippe Solano Cristian Oliveri y Josué Ullate. Asistente de dirección: Ana Noya Maestros de la compañía: Víctor Ullate, Ana Noya y Luca Vetere Asistente coreográfico: Luca Vetere Maestra invitada: Menia Martínez Pianista: Alexandre Khvedkevich Preparador físico: Carlos Flórez Fisioterapeuta: Juan Francisco Rodríguez Coreografía: Víctor Ullate Música: Varios Autores Escenografía: Paco Azorín Iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I) Diseño de vestuario: Anna Güel Maestro de Tai-chi: Pedro Valencia Construcción de escenografía: Taller de Escenografía Sant Cugat Se puede consultar más información de los espectáculos, sus fechas de representación y el precio de las entradas en: http://www.teatroauditorioescorial.es/espectaculo/samsara/ Fotografías: Jesús Vallinas (Cabecera y texto) y Stephane Bellocq (Cierre)

Una imagen siempre vale más que mil palabras, y en un aniversario tan especial, los momentos que en él vivimos con toda la emoción que se respiraba en el Teatro de la Zarzuela, quedan reflejados en las exquisitas fotografías de María Alperi. Ella juega con la realidad, incluso a veces sus imágenes tienen una dimensión fantasmagórica, fiel reflejo de que el patio de butacas estaba habitado, junto a los seres de carne y hueso, por el espíritu de muchos maestros y artistas que nos han dejado pero viven en sus enseñanzas, en cada paso de danza que gracias a ellos se ha transmitido. Una cadena interminable que une pasado, presente y futuro. Recuerdo, vida e ilusión, danzaron todos a un mismo tiempo, hacia la búsqueda de un camino que es un eslabón más en la cadena infinita de la trasmisión artística. “Peso Pluma”, Coreografía Pedro Berdayes. Interpretes: “Larreal": Angela Chavero, Adrián Díaz, Andreina Insausti, Cristina Manso, Ana Morales, Teresa Santos, Ángel Suárez , Hugo Torrijos, Pablo Badillo, Abraham Iglesias, María Redondo, Gabriela De Alteriis, Juan Pereira . “Buleria Bolera“, Coreografía y baile: Cristina Gómez “Kokoro” de Wim Mertens. Coreografía: Pedro Berdayes. Interprete: Eduardo Ramírez. “Bolero 1830”. Coreografía: Mariemma y bailada por quien fue su inspiración, Eduardo Martínez. La propia maestra le hizo esta a su alumno Eduardo, que ahora es principal de nuestro BNE. “La Caña “. Coreografía: Guadalupe Torres, Jonatan Miró Intérpretes : Guadalupe Torres y Jonatan Miró. “El Compromiso de Solor“. Coreografía: Ricardo Franco sobre el original de “ La Bayadera” de Marius Petipa. Interpretes: “ Larreal” Ana Pérez-Nievas, Carlos González. “El Compromiso de Solor“. Coreografía Ricardo Franco sobre el original de “ La Bayadera”; Interpretes “Larreal” : Ana Pérez – Nievas, Carlos González, Tamara Juárez, Carolina Rodríguez, Itziar Ducajù, Ahinoa Borrego, Irene Pinilla, Isabel Sanz, M Trinidad Fernández, Adriana Sánchez, Itxiar García , Isabel Medrano, Olga García, Mónica Álvarez, Juan José Almeida, Ángel García, Javier Rivet , Borja Bermúdez de Castro, Bryan Ramírez, David Castelló , Pablo Martínez, Aaron Venegas, Alex Cuadros. “Rassemblement“ (Extracto). Coreografía : Nacho Duato. Interprete : Marina Jiménez. “Rassemblement“ ( Extracto). Coreografía : Nacho Duato. Interpretes : Marina Jiménez y Aleix Mañé “La Farruca del Molinero”. Coreografía : Antonio Ruiz Soler. Montaje: Carlos Vilán. Inteérprete : Sergio Bernal “Lucha o Vuelo “. Coreografía: Elías Aguirre. Intérpretes: Ruth Muelas y Elías Aguirre. “El Corsario" (Extracto). Coreografía: Marius Petipa. Interprete : Esteban Berlanga. “El Corsario“ (Extracto). Coreografía: Marius Petipa: Interpretes : Erina Takahashi y Esteban Berlanga. “Por Derecho“. Coreografía: Antonio Pérez. Interpretes: "Larreal” Cristina Cazorla , Lucia Nicolás, Lorena Díaz, Marta García, Alba Dusmet, Lucia Cardeñoso, Noelia Romero, Marina Fernández, Jose Alarcón, Alejandro Cerda, Alejandro Muñoz, José Luis Torá , Pedro Sánchez, Daniel Cabezuelo, Daniel Arencibia, Francisco Linares, Cristian Escribano. Felicidades, artistas, los que bailasteis, los que no bailasteis, los que estaban, los que nos miraban desde el más allá... Todos estaban presentes. Había un cúmulo de emociones difícil de describir, del que estás imágenes son el más fiel testigo. ¡Feliz 75 Aniversario, Real Conservatorio Profesional Mariemma! Los 100 años nos esperan... EL EQUIPO DE ALBIDANZA

Siempre ir al Teatro de La Zarzuela es todo un acontecimiento y cuando se va a disfrutar en una noche tan importante, lo es muchísimo más. Y es que la de anoche no fue una noche mas, fue La Noche de La Danza representada en un amplísimo programa, donde brillaron aparte de bailarines y ex-bailarines del Real Conservatorio -muchos de ellos Primeros Bailarines actualmente-, la formación de los maestros que lo hicieron posible. Cuando la emoción embarga de orgullo ese torrente de buen hacer, es que el trabajo, el esfuerzo y hasta a veces lagrimas, han valido la pena. Nos habéis emocionado artistas, nos habéis hecho felices viéndoles bailar, nos habéis regalado una noche mágica de un teatro hasta la bandera gritando, pues ya nuestros aplausos eran poco para premiar tanta entrega. Nos hemos deleitado viendo coreografías de grandes creadores que sin vuestra entrega morirían y gracias a vosotros son eternas ¡No sabéis en verdad el significado que para nosotros tiene! Sois los responsables de hacerlas Inmortales y eso nos emociona mucho! Gracias a todos y a cada uno de vosotros que ya estáis algunos, escribiendo con Letras de Oro, vuestro paso por La Danza de España en el Mundo. Pero sabéis que sin esa gran labor de quienes os cuidan día a día, que os ven crecer a golpe de palillo, tacón y barra, nada de esto sería posible, por eso permitirme agradecer a vuestros maestros que hacen posible el Milagro de La Danza, pues ponen todo su amor y sabiduría en vosotros, Sinergia maravillosa que nos arrancan ese Grito de Ole, hilos conductores de Nuestra Cultura de Ayer, Hoy y Siempre. Esto es La Danza, un gran Puente de Plata por donde todos hemos pasado y que sacamos lustre con nuestro saber para que vuestras pisadas brillen hoy y sigan transitando ese camino de arte por generaciones. Os escribo estás líneas, simplemente para humildemente daros Las GRACIAS así, Con Mayúsculas dando Fe de haber asistido a esta emotiva Noche que el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma en su 75 aniversario nos ha regalado, y que la Excma. Sra de la Danza Mariemma instituyó, la cual seguramente, asistió orgullosa anoche a su Gran Gala. ¡Gracias Señora! Gracias compañeros, gracias Mar Mel por conducir este barco del cual nos nutrimos directores y coreógrafos de Toda España. Gracias plantel de maestros, equipo técnico y especialmente coreógrafos y bailarines, presente y futuro de Nuestra Danza y Nuestra Cultura. CARLOS VILÁN (Imágenes de la Gala de María Alpari. Fotos antiguas, archivo Museo Mariemma -1 Mariemma en sus clases; 2.Representación "La vida Breve" en la Scala de Milán; 3.Mariemma bailando Jota de Iscar)

Un hombre solo, llamado Manuel, es arropado en escena por tres grandes músicos: la guitarra de Víctor Márquez "El Tomate", y al cante Miguel Ortega y David Carpio. No hay nada más, ni nada menos. Nada es superfluo y todo es esencia, pura entraña de bailaor, corriente de arte que desde él se genera, porque sobre la escena baila aquel que todo domina, pero a cambio todo entrega. La complicidad con los músicos es absoluta, ellos están completamente integrados formando parte de la imaginativa puesta en escena, cuya desnudez es mera apariencia porque él hace que las cosas cobren vida. Las sillas, únicos elementos decorativos, abandonan su estatismo, y un simple cambio de ubicación les confiere nuevos y sugerentes significados: son sus compañeras, o las ausencias que miran como si el fantasma del recuerdo se sentase invisible sobre ellas... Hay muchas sugerencias, pues Manuel baila preso como de una energía superior, una fuerza poderosa y transformadora que lo hace transitar por los diferentes palos, bajo distintos estados de ánimo, porque "Sinergía" es vivir en compañía del arte y con los demás artistas en un cuerpo único. Es un juego que se lidia con la soledad, con la perpétua búsqueda, con el entusiasmo y con unos pies de vértigo que parece conducir al bailaor hacia el éxtasis. La corriente que genera es contagiosa, invasiva y el público queda abducido en el mundo de Liñán, ovacionando cada secuencia coreográfica. Todas enganchan, porque además contienen un fondo poético. Pero si me tuviera que quedar con alguna, escogería la emoción que se siente en aquella en que aparece vestido con un simple pantalón y camiseta sin mangas, y con la guitarra, bailando acompañando la luz que atraviesa el escenario. La iluminación es importantísima en "Sinergía", es la fuente primigenia de la que extraen la misteriosa fuerza que les domina. Otra escena muy poética es cuando Liñán se arrodilla ante el guitarrista, y la guitarra deja de sonar, como un corazón traspasado que ha dejado de latir, entonces es el propio bailaor quien se acerca y hace sonar las cuerdas devolviéndole la vida. Todos sus bailes están inflamados por la magia de su duende arrollador, que es pura fuerza que se le sale y le hace prescindir del purismo, porque la energía del movimiento es superior a la contención de la forma clásica, y se revela en sus personales giros de manos, o ruptura de la línea con movimientos de cadera. Liñán con música, sin música bailando al silencio, en la quietud de su pena, y en la pasión de su alegría, porque se convierte en una parte más de esa unión rítmica con sus intérpretes que es sinergía. El bailaor se vuelve música en el sentido filosófico de Shopenhauer, que si le hablase diría: Manuel, "en la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad". Tu haces música y haces mundo. Gracias por habernos llevado hasta él. PAOLA PANIZZA

En el festival Flamenco Madrid se ha despedido la danza con un ARTISTA, con mayúsculas, sobre el que la vanguardia y el buen hacer de antaño se dan la mano. "Siete Balcones", como las siete estrellas de la bandera de Madrid, han brillado más flamencas que nunca en el Fernán Gómez. Un catalán llenó de azahares andaluces, esos balcones inundando la sala de intensas fragancias, que ni los mejores perfumistas parisinos pudieran recrear... En cada estrella, una ciudad, y claro esta que en una de ellas, Madrid, fue un lucero, pues no se puede con tanto arte respetuoso, recitando después de una Soleá que ha quitado la respiración, hacer un homenaje tan profundo a ese chotis, dibujando sobre una baldosa el arte de la Gran Vía, y de los grandes de la Tauromaquia que por nuestro Coso pasaron. Hay bailarines que quieren ser flamencos con coreografías complicadas y zapateados interminables, ahora, cuando un Artista utiliza para nutrirse la danza académica, no olvidemos que Carmona bordó en el 30 aniversario del BNE la dificilísima Alborada del Gracioso de Bizet, con coreografía del Maestro José Granero, ni más, ni menos; toda esa sabiduría, esperando en su baile el tempo musical en un ¡relevè! que quita la respiración del entendido y del que no lo es. Y, si debemos agregar que todo el conjunto estuvo a su altura, cantaor y cantaoras de exquisita raigambre, que hasta en el final pusiera guinda, una sola guitarra, Una Sola...con arpegios que arañaban el alma, recorrieron por sus venas, sangre oxigenada RH Flamenca. Y su baile, el de un tío de los pies a la cabeza, que Gloria da verle bailar con exquisita masculinidad, OLE! De esos balcones, escuetamente dibujados a modo de preámbulo, Cádiz y sus Alegrías, en donde las olas mecen compases, tanta bravura aunque muy agradecida por el público, no puede convertir en tsunami ese rocío de las rompientes de la Bahía Gaditana, sino cuidarlas con arrullo por este palo de Cádiz, pero de mas esta decir que magistral fue el movimiento de Mantón arropando luego por Jerez a esa Bulería de Carmona, que durante todo el espectáculo hizo música y no sólo virtuosismo con sus pies, siendo total por derecho en ese baile por Soleá, que como lo señoritos de Córdoba, supo poner majestad y señorío con sombrero de ala ancha, como esta "mandao". No se puede rematar con más arte el cante excelso, ofreciendo cánones no solo de vanguardia con braceos de vértigo, sino también de buena cuadratura de riñón como los antiguos maestros, demostrando el mucho estudio que con gran facilidad ofrece, respetando y enalteciendo el arte flamenco. La luz acompañó cada paso y cada postura con exagerada exactitud lo cual es de agradecer, con el consabido poco tiempo de montaje, arropando con mimo una historia de Balcones muy bien entramada, que nos conduce con buenos aires mediterráneos en este Madrid sofocante. Mientras que los políticos no acaban de comprender la grandeza de nuestro arte, La Danza Española escribe y pisa con tacón y castañuela, aunado 7 ciudades con este arte universal de nuestra Cultura que por desgracia, siempre es mas allá de los océanos valorada. Ahí va el guante, y ole por los grandes Artistas, gracias Carmona, que empezando con la rumba catalana, esa que habrás escuchado de niño y que movió tus sentidos para ofrecernos con elegancia y sin aspavientos, emoción, esa que ni este YouTube, ni los vídeos ofrecen, y que ponen los pelos de punta en directo de esos que seguimos y apoyamos y seguimos apostando por este El Arte, NUESTRO Arte, La Danza Española. CARLOS VILÁN (Fotografías, Jesús Robisco -cabecera- y Emilio Tenorio, siguientes)

Los ojos nuevos encuentran siempre nuevas cosas, y tal vez los que tenemos la vista algo cansada hemos perdido esa inocencia del niño, de aquel que descubre la realidad alejado de ideas preconcebidas. El público se deja guiar mucho mejor por la grata impresión de un espectáculo sin plantearse como debería o no debería ser, y por eso son los espectadores los que conectan plenamente con la frescura de este nuevo “Alento”, que el director de nuestro Ballet Nacional de España, Antonio Najarro, ha querido transmitir. Lo cierto es que, gracias a la buena labor de Najarro, el Ballet Nacional se encuentra en unas condiciones óptimas, con un elenco que es una verdera joya, engarzada con las magníficas gemas que son sus bailarines. La coreografía de "Alento" les ha enfrentado al desafío de ampliar su rico registro dancístico incluyéndoles pasos que no son de danza española. Y es que el nuevo ballet tiene un toque "ginger", ligero, versátil, que los danzantes asumen, aunque estén formados para otros horizontes. Sus facultades quedan muy por encima de una coreografía de complicado aprendizaje, pero en la que no terminan de encontrar su adecuado lucimiento. "Alento" podría compararse, en cierta forma, al dueño de un Ferrari que se limitase a conducirlo en primera, aunque a medida que avanza el espectáculo, el conductor se va haciendo con el vehículo y aumenta su potencia. Antonio Najarro se ha arriesgado, ha querido ir más allá, obteniendo un resultado muy original que sería ideal para un compañía de autor, pero que no es apropiado para lo que debe significar un Ballet Nacional de España: un escaparate de la riqueza de nuestro arte -algo que sí se logró con "Sorolla"-. El BNE tiene un peso y una responsabilidad diferente, su obligación ineludible es la de trasmitir el importante legado de la cultura española al mundo. "Alento" poco tiene de España. La música parece extraída de una serie televisiva, el vestuario tampoco destacó, aunque la iluminación fue prodigiosa. La obra fue mejorando a medida que avanzaba hasta la escena final, que resultó impactante y muy plástica. El ballet "Zaguán", exhibido a continuación, busca su conexión con el pasado. Contiene varios temas que se podrían haber unificado en la historia de la "Carmecita", una desconocida bailarina, entre bolera y sicalíptica, que filmó Thomas Edison en la norteamérica de finales del XIX. La idea está solo contenida en los tangos de la Lupi -su trama es la despedida de Carmencita, que marcha al nuevo mundo-, pero por desgracia "Zaguán" carece de hilo conductor, y lo limita a ser un ballet irregular, aunque con muy buenos momentos. Se echa de menos una obra sólida, sin fragmentación, un trabajo único capaz de cohesionar, lo cual es imposible si un mismo ballet se encarga a cuatro coreógrafos diferentes. De Marcos Flores destacó su güajira, danzada por hombres; las alegrías con bata de cola de Mercedes Ruiz fue un paso a dos sustentado en la destreza de sus intérpretes, pues en él no parecía existir coreografía alguna; los tangos de La Lupi supieron a poco -hubiera sido posible crear un único ballet basado en esta reunión de bailaoras históricas-, y la "Soleá del Mantón" fue el momento cumbre, rematado con un emotivo final. El vestuario de Jaiza Pinillos es maravilloso, confeccionado con un barroquismo exquisito, cada traje es una pieza digna de ser admirada en las vitrinas de un museo. Los vestidos de Jaiza fueron la perfecta prolongación que todo arte necesita para salir, latir, surgir y emocionar. Sobre escena refulgía con la danza el vuelo de las telas, las texturas, la combinación de colores entre ténue y osada... Magnífico. Al terminar la representación uno siente ganas de volver a ver "Alento" y "Zaguán". Son obras que no se agotan en una sola "visita" porque rebosan talento. Resaltar aquellos elementos susceptibles de mejora forma parte del anhelo de perfección que al que debe aspirar toda disciplina artística, y el Ballet Nacional de España debe cumplir su misión fundamental que no es otra sino la de ser la obra de arte total de la cultura española. Pero más allá de los matices, de los posible defectos de enfoque que haya sufrido este espectáculo, permanece el éxito del BNE. Su triunfo se puede palpar y sentir en su verdadera dimensión, a través de la emoción del público. Esto es así gracias a la labor de su director, Antonio Najarro, y de los artistas que se dejan la piel para que el telón se alce una y otra vez entre ovaciones. Solo hace falta ajustar un poco las tuercas del motor para que el coche alcance la velocidad adecuada: la de la luz. No podemos contentarnos con menos. MERCEDES ALBI (Fotografía María Alperi)