Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, ha presentado, en el la Casa del Léctor de los Teatros del Matadero de Madrid, el próximo estreno del BNE, en un coloquio cuya finalidad es el acercamiento al público. Y previo a desentrañar los detalles que se expondrán próximamente a la prensa, cuyos secretos no vamos a desvelar, pudimos visionar algunos fragmentos de la nueva producción y conocer las motivaciones de sus creadores. El programa se compondrá de dos partes, de la primera, "Alento" su coreógrafo y autor, Antonio Najarro nos cuenta que es un signo de su identidad y su maduración creativa, de su estilo, de ese "no se qué" que sintió desde niño y que podría calificar como su propio sello: <<"Alento" es un vivo reflejo de mi estilo como creador, así como de mi visión personal de la danza clásica española. Un recuerdo de mi bagaje coreográfico, inspirado en la partitura del genial compositor, guitarrista y compañero de viaje Fernando Egozcue, el cual ha creado una música muy rítmica y llena de sensibilidad, que será interpretada por la ORCAM y por el propio Egozcue.>> “Alento” será vestido por los exquisitos diseños de Teresa Helbig (ACME) , e iluminado por Nicolás Fischtel. La segunda parte, "Zaguán", es un ballet flamenco compuesto por varias piezas pertenecientes a tres jóvenes artistas: Mercedes Ruiz, La Lupi y Marco Flores, junto a una artista de las que marcan época, Blanca del Rey. La música de "Zaguán" ha sido compuesta por el guitarrista flamenco Jesús Torres y la diseñadora Yaiza Pinillos. Marco Flores ha coreografiado una siguiriya para 18 bailarines, así como una güajira -combinada con ritmos de milonga-, que tiene la originalidad de ser bailada por hombres. Se mostró agradecido, muy feliz y casi sobrecogido ante el reto que le ha supuesto afrontar una pieza para tantos bailarines, una gran oportunidad a la que accede siendo todavía muy joven. La Lupi bromeó significando que para ella "coreografíar al BNE no puedo decir que fuera un sueño.. ¡Es que ni se me pasó por la mente!", exclamó con su gracejo malagueño, pero "todo vale la pena, todo vale la pena", reiteró. Y con la expresividad de sus gestos contagió al auditorio con el entusiarmo que desprende quien ha alcanzado sus deseos permaneciendo fiel a sí misma. Blanca del Rey, de quien Antonio Najarro subrayó que "su gran elegancia exterior está en completa sintonía con su interior". Ella ha trasmitido a los jóvenes bailarines del BNE el gran legado de su emblemática "Soleá del mantón". Sobre esta experiencia manifestó la gran artista: "he estado en el cielo, en el BNE hay muchísimo talento y una gran cabeza que lo dirige". Para Blanca del Rey ha nacido otra soleá del mantón, y esto ha sido gracias al compositor Marcos Flores, que le dió una nueva inspiración con sus nuevos ritmos. "La soleá del mantón, no es una técnica, es algo más, es un paso a dos. Me he emocionado tanto cuando he visto bailarla a Esther Jurado..." , dijo Blanca. De repente, a Blanca del Rey se le quiebra la voz, sus palabras le salen de tan adentro que sus ojos se humedecen y su garganta se paraliza. Y es que el alma no puede salir por la boca, el alma se le ve cuando baila. El próximo día 12 en el Teatro de la Zarzuela se estrenará "Alento" y "Zaguán", una nueva obra, tejida con mucho esfuerzo y un montón de nuevas ilusiones, que conforman esa mezcla de técnica y entraña que nos ofrecen los artistas cuando lo entregan todo. Mucha suerte. MERCEDES ALBI (Fotografías, María Alperi -2ª foto- y Albidanza)

“La Lupi” soprendió a los paseantes bailando en el antiguo pedestal sobre el que se ubicaba la estatúa de Colón. Y desafiando al mundo, con el mantón por bandera, recortaba su silueta contra el cielo madrileño. Era el arranque de un nuevo proyecto de danza: "Flamenco Madrid", un festival que tendrá su sede en el Teatro Fernán Gómez. Juan Carlos Pérez de la Fuente presentó el acto: “Somos gente que queremos que nuestra capital siga siendo la capital mundial del flamenco y la danza española. Por eso hemos traído al corazón de Madrid esta experiencia artística única en la que tres generaciones dialogan sobre un mismo arte". Y subrayó: "Hagamos de Madrid una ciudad libre, con su propia personalidad que está compuesta por la suma de muchas personalidades”. Ángel Rojas, alma mater del proyecto, contó como este es fruto de una necesidad artística. "El espectador cuando compra una entrada para algún espectáculo de Flamenco Madrid, adquiere un boleto hacia un contacto directo con el arte. Podrá visitar la exposición sobre Antonio Gades, ver clases magistrales, conocer a los jóvenes artistas del conservatorio Mariemma que les enseñarán la exposición, acercarse a los artistas… Toda una experiencia en vivo que no se limita a permanecer sentado en una butaca." dijo. Está muy contento de contar con un hada madrina de excepción: Merche Esmeralda, una mujer “que cuando levanta el brazo por soleá, se para el mundo”. La gran bailarina expuso la gran emoción que significa para ella su retorno a escena con “Última Parada”: “Llevo retirada unos años, pero sentí la necesidad de echarme al toro, y lo hice a través de las experiencias de una mujer que pasea por la historia de su vida, la guerra del 36, la postguerra… ”. Piensa que ha logrado con el espectáculo una gran dignidad artística y expresiva. “La edad es un privilegio, vean que bien me tratan todos“. –bromeó -“Pero no soy la más mayor de aquí, porque está el conservatorio, que cumple los 75, y actúa con su maravillosa formación “Larreal”. La Lupi, “con un corazón que no le cabe en el pecho”, dijo de ella Ángel Rojas, homenajeará con “Cartas a Pastora” a Pastora Imperio, en el centenario del estreno de “El Amor Brujo” que Manuel de Falla compuso para ella. Daniel Doña, al que en una reciente crítica que le escribieron en el Mercat de les Flors, le calificaron como “el guerrero de la DANZA ESPAÑOLA”, expuso la necesidad de resaltar la importancia de nuestro gran arte con su “Sin Pausa”. Pedro de Córdoba, Manuel Liñán, Jesús Carmona, Vicente Soto, Montse Cortés y Edith Salazar, completan el exquisito elenco de este festival. La Fundación de Antonio Gades ha organizado el día 4 de junio una interesante mesa redonda en la que participarán Antonio Najarro, Ángel Rojas y artistas que compartieron escenario con Gades, como Lario Díaz, Marta García y Orlando Salgado. Y también habrá un espectáculo para niños “Flamenco Kids”, pues “lo primero que hace un niño cuando escucha flamenco es levantarse y bailar”. Cerró el acto Merche Esmeralda, que pidió a Madrid "que muestre su generosidad con los artistas, y vengan a verlos, pues ellos entregan los mejor de sí mismos y nos embellecen con su arte. Ayúdenles para que puedan continuar”. MERCEDES ALBI (Fotografías: Albidanza)

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Lest we forget, el nuevo espectáculo del English National Ballet, bajo la dirección artística de Tamara Rojo. Se representarán cinco únicas funciones, del 28 al 31 de mayo en la Sala Roja, con la música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum, dirigido por Gavin Sutherland. Lest we forget fue el primer programa de nuevas coreografías que Tamara Rojo contratóì después de ser nombrada directora artística del English National Ballet. Al acercarse la conmemoración del centenario de la Primera Guerra Mundial, Tamara Rojo invitó a algunos de los mejores coreógrafos británicos, Akram Khan, Liam Scarlett y George Williamson, para que crearan o recrearan obras inspiradas en dicho aniversario. El resultado es un programa formado No man´s land, de Liam Scarlett, Firebird, de George Williamnson, y Dust, de Akram Khan. No man´s land, de Liam Scarlett, cuenta con el acompañamiento musical de fragmentos de Harmonies poétiques et religieuses, de Franz Listz. Esta pieza, ambientada en una fábrica, con reliquias de bombas y metrallas, está interpretada por siete parejas. Esta coreografía resalta el papel de las mujeres, a las que les tocó hacer el trabajo de los hombres que se tenían que ir a luchar. La pieza de Akran Khan, Dust, con música de Jocelyn Pook, obtuvo el premio a la Mejor Coreografía Moderna en los Critic´s Circle National Dance Awards de 2014. En esta coreografía se incluye la única grabación que se conoce de un soldado británico mientras servía en la Gran Guerra. En ella puede escucharse al propio soldado, Edward Dywer, hablando sobre su vida como soldado y cantando la marcha militar We´re here because we´re here, que inventaron los propios soldados. La escena inicial de Dust se inspira en el sistema mecánico del cuerpo que creó originalmente Dimitris Papaioannou. Firebird, de George Williamson con música de Igor Stravinsky, transcurre en la actualidad, con un guiño al futuro. Describe un mundo en el que los recursos naturales se han agotado y los humanos quieren explotar y reemplazar la naturaleza, puesto que se consideran una fuerza superior. Se trata de una fábula ecologista que sugiere la necesidad de equilibrio y reparación.

El cartel de "localidades agotadas" está colgado en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, donde se espera la inminente llegada de Tamara Rojo para presentar el estreno en España de "Lest we forget", el nuevo espectáculo del English National Ballet bajo su dirección. Estará en cartel durante cinco únicas funciones de jueves 28 al domingo 31 de mayo. Tamara, además de dirigir el Ballet, también participará en algunas funciones como bailarina. El programa se compone de tres piezas inspiradas bajo el tema central de la conmemoración del centenario de la Primera Guerra Mundial. "No Man’s Land", es de Liam Scarlett, coreógrafo clásico en alza, cuyo trabajo está siendo muy solicitado en todo el mundo. También para este programa del Centenario, George Williamson, artista asociado de la compañía, reestrena su versión de 2012 de "Firebird". Completa el programa, "Dust", de Akram Khan, que recibió una clamorosa acogida tanto por parte de la crítica como del público y fue el primer ballet sobre el escenario en el Festival de Glastonbury. El público siempre tiene la última palabra, y la acogida que dispensa a la más brillante de nuestras bailarinas es un claro ejemplo de su admiración. (Fotografías de Nancy Osbaldeston) &&&&&&&&&&&&& PROGRAMA Coreografía: Liam Scarlett Música: Franz Liszt fragmentos de Harmonies poétiques et religieuses Arreglos y orquestación Gavin Sutherland Diseños: Jon Bausor Luces: Paul Keogan Co-producción English National Ballet y Queensland Ballet Coreografía: George Williamson Música: Igor Stravinsky Escenografía: David Bamber y George Williamson en colaboración con John Campbell Scenic Studios Vestuario: David Bamber Luces: Paul Keogan Con la autorización de Schott Music Limited and Chester Music Ltd Dirección y coreografía: Akram Khan Música: Jocelyn Pook* Vestuario: Kimie Nakano Luces: Fabiana Piccioli Dramaturgia: Ruth Little Escenografía: Sander Loonen Maestros repetidores: Jose Agudo, Andrej Petrovic y Hua Fang Zhang &&&&&&&&&&&&&

La Compañía Nacional de Danza presentó este lunes en el Matadero la coreografía “Mirage “ de Mattia Ruso y Antonio De Rosa, con motivo de la clausura de la exposición de Eugenio Ampudia. “Mirage” es una pieza concebida para esta ocasión, por lo que lamenteblemente nunca más se volverá a ver. Fue un verdadero sueño imbricado en el espacio mágico creado por Eugenio Ampudia. El escenario se trazó sobre un estanque casi en penumbra, con los reflejos de las luces de neon en el agua, multiplicando los efectos de una ensoñación irreal. Los bailarines "nacían", emergían de la laguna como criaturas mitológicas, como los primeros dioses destinados a poblar la tierra. La coreografía de Mattia Ruso y Antonio Da Rosa fue bellísima. Se trata de una pieza de 20 minutos de duración, interpretada por 7 bailarines. El tema es el círculo de la vida, y se desarrolla en 3 partes: nacimiento, caos, y disolución final, en la que los “habitantes del lago” lo abandonar para marcharse cada uno por su lado. La música avanza desde el sonido discordante inicial hasta la tristeza conmovedora del “Lacrimosa” del Requiem de Mozart. Fue una emocionante obra de arte efímero, una clara manifestación de la simbiosis total alcanzada entre la arquitectura imaginada de Eugenio Ampudia y la coreografía de Mattia Russo y Antonio de Rosa, a la que dieron vida los magníficos bailarines de la Compañía Nacional de Danza. Un evento sublime e irrepetible de los que quedan grabados en la memoria del espectador para siempre, y del que estas imágenes de María Alperi son fiel testimonio. PAOLA PANIZZA (Fotografías de María Alperi)

Hoy tendrá lugar en la ciudad de Atenas un estreno muy especial, la ópera "El Greco" compuesta por George Hadjinassiou, con libreto del poeta Elias Liamis, bajo la dirección escénica de Claus Anastasiou. Es un acontecimiento muy esperado en el ámbito artístico internacional, ya que corona los actos de celebración del 4º centenario de la muerte del excelso pintor en su tierra natal. Pero el lugar que Doménico Teotocópuli escogió para vivir y allí donde halló la culminación de su arte fue España. Gracias a nuestra danza nuestro país estará presente, pues el coreógrafo de la nueva ópera es Ricardo Cue. La obra se divide en tres actos y siete escenas. Todo está preparado, tal y como nos muestran las fotografías de los ensayos que están teniendo lugar en la capital griega. Ricardo Cué nos describe las 3 escenas de danza que ha creado: "CARNAVAL, es la llegada de El Greco a Venecia, y la he concebido como una pieza de escuela bolera con castañuelas. La baila Carlos Romero con cuatro chicas y cinco chicos. "ISPANIKO", la segunda pieza es un solo de flamenco. Sucede en Toledo. El Greco exclama: ¡Qué suene la danza y música de España! Y Carlos empieza a bailar ataviado con una gran capa, que están confecionándole aquí, pintada completamente a mano. Y la tecera pieza es PENTOZALI, una danza típica del folclore de Creta donde nació El Greco. La interpreta Carlos con otros cuatro bailarines." Los ensayos han suscitado mucha curiosidad, tal y como nos cuenta el coreógrafo sobre el orden de las piezas. "Primero la escuela bolera que gustará, después vendrá el flamenco que arrebatará, y para terminar el folclore de la tierra, con una música y pasos in crescendo que estoy seguro que rendirá al público". Afirma Ricardo que se siente muy feliz con el resultado: "Venir a Grecia a montarles PENTOTALI es todo un reto, pero en el ensayo de hoy, que suscitaba un gran expectación porque lo veían por primera vez, los asistentes quedaron encantados. Yo me lo estudié muy bien con mucha minuciosidad, y todos los pasos son auténticos. Sólo les he añadido un poco de virtuosismo." Esta noche, día del gran estreno, nos hubiera gustado mucho estar allí, con nuestra danza y nuestros artistas, para homenajear al gran Doménico, el genio precursor de la Escuela Española de pintura. Nuestro lejano aplauso suena para vosotros. Mucho éxito!!! MERCEDES ALBI

El Centro Danza Canal, situado en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, acoge a 50 proyectos coreográficos en la séptima convocatoria del programa de residencias ¿Tienes un proyecto coreográfico? La iniciativa, en la que ya han participado 145 compañías durante sus seis ediciones anteriores, tiene como objetivo potenciar la creación, ofreciendo a los creadores la oportunidad de desarrollar sus nuevos trabajos en las infraestructuras del Centro. Los artistas seleccionados, de diversas nacionalidades, prepararán sus proyectos en las instalaciones del CDC en periodos de hasta tres meses. Las residencias no llevan aparejada dotación económica, pero sí el uso de los espacios y recursos de uno de los centros de danza más punteros de Europa. A la convocatoria pública han podido acceder todos aquellos proyectos que tuvieran como fin su exhibición en salas y que cumplieran con los requisitos de calidad, originalidad y viabilidad. En esta edición se han presentado propuestas de danza contemporánea, flamenco, danza urbana, danza clásica y neoclásica, danza española y danza para niños, así como propuestas que apuestan por los nuevos lenguajes y la fusión con el teatro, el circo, las artes audiovisuales y la performance. Compañías seleccionadas en la 7ª convocatoria: Ballet Flamenco José Porcel, HuryCan, Dancelab Berlín, Indra Dance Company, Laura Neyskens/Daisy Ransom, Oefímera, Lucio Baglivo, Cristian Martín, Peter Agardi, Manuel Díaz, Nueveuno/Gandini Juggling, Dani Pannullo, Impromptus, Daniel Abreu, Cía Irene Vázquez, Marlene García, De Sangre y Raza, Manuel Ramírez, Compañía Binôme, L’Origami Dance Theatre, Ai Do Project, Luna Teatro Danza, La Permanente, Lucía Marote, Kubuk Danza, Cía Denis Santacana, En Profundidad, Aracaladanza, La Phármaco, Cía Carmen Cortés, Paula Quintana, Javier Martín, Cía Annika Pannitto, Enclave Danza/Larumbe Danza, Cía Carmen Fumero, Incandescente, A pie de guerra, Poliana Lima, Cía Sara Cano, Cía Zuk Dance, Losdedae Dance Company, Antonio Ruz, IDG Collective & Inability Crew, Cía Elías Aguirre, Elephant in The Black Box, Cía Arketip, Carmelo Segura Companhia, Cía F.T. Fabián Thomé y Lisarco. El CDC: un vivero para artistas consagrados y emergentes Muchas de las compañías seleccionadas en anteriores convocatorias han mostrado los trabajos creados en el CDC en teatros y festivales de todo el mundo. Es el caso de Antonio Ruz, María Pagés, Sharon Fridman, Manuel Rodríguez, Daniel Abreu, Dani Pannullo, Stocos, Olga Pericet, Teresa Nieto, Daniel Abreu, Peter Agardi, Carmelo Segura o Aracaladanza, por citar solo algunos. Así, el principal objetivo del Centro Danza Canal es favorecer el desarrollo de la danza, dinamizando la actividad y la creación, y ofreciendo el entorno de trabajo más adecuado a los bailarines. Para ello, dispone de nueve estudios de ensayo de diferentes tamaños, distribuidos en cinco plantas, y sus superficies oscilan entre los 72 y los 238 metros cuadrados. Las residencias temporales se complementan con numerosas actividades para profesionales como cursos, clases magistrales, encuentros, charlas, audiciones y muestras de trabajos. Pero también se tiene muy en cuenta a los nuevos públicos con propuestas específicas para alumnos de conservatorios y escuelas de danza, escolares y diferentes colectivos de ciudadanos. El CDC es un espacio para fomentar sinergias entre coreógrafos y compañías. Allí comparten espacios y experiencias las compañías seleccionadas para una residencia temporal, con las programadas en los escenarios de los Teatros del Canal y con el Ballet Víctor Ullate – Comunidad de Madrid, que es la compañía residente del CDC.

El Ballet Nacional de España, a través del concurso organizado por la Asociación Creadores de Moda de España (ACME) y con el patrocinio de DUFRY HISPANOSUIZA S.L., ha seleccionado la propuesta de García Madrid como proyecto ganador para diseñar la línea general de merchandising “Creative BNE”. Antonio Najarro, director de la compañía, se ha mostrado muy contento con esta inciativa, que una vez más estrecha la intensa relación existente entre la danza el diseño de moda, una simbiosis que la convierte en el mejor modo de mostrar el arte español al mundo. Los finalista del concurso fueron tres: Ángel Schlesser, Duyos y el diseñador ganador, Manuel García Madrid. La razón de su victoria fueron a juicio de Antonio Najarro que "el diseño es perfecto". Lo valora como un trazado magnífico que identifica de una foma clara España y su danza. Este bonito dibujo de una bailarina con castañuelas será el sello de la colección. Manuel García considera un honor haber sido elegido, y se muestra muy feliz porque la danza y el diseño se complementan mutuamente. Ha intentado hacer un diseño especial pero adaptado la uso cotidiano. En base al logotipo se han personalizado diferentes productos. Os mostramos algunos de ellos: -Bolsa de lona -Mochila -Termo La gama de productos tendrá una tirada limitada, y además los compradores al lucirlos se convierten en un original modo de propaganda para nuestro BNE. En el BNE está todo casi listo para el próximo estreno de su nuevo programa con las obras "Alento" y "Zaguán". Son, en palabras de Antonio Najarro, dos coreografías de mirada vanguardista, en las que también destacan los diseños de vestuario efectuados por Teresa Helbig y Yaiza Pinillos. Esperamos con impaciencia este nuevo reto que verá la luz el próximo 12 de junio en el Teatro de la Zarzuela. PAOLA PANIZZA

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid celebran el 40 aniversario de Les Ballets Trockadero de Montecarlo, en 11 únicas funciones que están teniendo lugar en la Sala Roja del 6 al 17 de mayo. El peso de un hombre balanceándose sobre las puntas de los pies para representar a cisnes, sílfides, ninfas del agua, princesas románticas y féminas victorianas engrandece, en lugar de ridiculizar, el espíritu de la danza clásica. Clásicos como El Lago de los Cisnes o Paquita adquieren una nueva perspectiva, gracias al talento de estos magníficos bailarines. Desde su fundación, Les Ballets Trockadero de Montecarlo han colaborado a forjar el éxito internacional de esta troupe masculina armada con tutú y dotada de un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas. Estas habilidades, a caballo entre la genialidad y el humor, pronto empezaron a conocerse fuera de la Gran Manzana. Les Ballets Trockadero de Montecarlo se creó en Nueva York en los años 70 como una compañía alternativa que con los años ha ido creciendo, pasando del Off Broadway, como se conoce al circuito alternativo de Nueva York, a actuar en los grandes templos de la danza, como el Teatro Bolshoi de Moscú. Desde sus inicios, consiguieron posicionarse como un fenómeno mundial que les llevó a participar en prestigiosos festivales de danza y a actuar en los más importantes escenarios del mundo, desde Nueva Zelanda a Sudamérica, pasando por China, Japón, Singapur, Europa y África. La originalidad de esta compañía neoyorquina radica en que está formada por bailarines profesionales, varones, especializados en la gama del repertorio clásico del estilo ruso. Además, otra de sus armas de seducción es la comedia, que consiguen al exagerar las circunstancias de la narrativa de la danza clásica, los accidentes, y la incongruencia de las coreografías. Coincidiendo con su 40 aniversario, la compañía se ha embarcado en una ambiciosa gira internacional que les ha llevado América, Alemania, Italia o Israel, y ahora en España podemos disfrutar de la técnica excelente de estos bailarines de peculiar estilo cargados de humor. JORGE ÁLVAREZ

Ángel Rodríguez acaba de regresar de Alemania, donde en la ciudad de Augsburgo ha estrenado su “Medea” con gran éxito. Echamos mucho de menos ver alguno de sus ballets en España, aunque nos alegramos del reconocimiento que están recibiendo sus trabajos en el extranjero. Se nos hace imprescindible conocer los detalles que la han llevado a triunfar en el corazón de centro-europa. Ángel es un artista total. Nunca ostenta, pues no le hace le hace falta. Él impresiona sin querer, sin pretenderlo, como si en el fondo lo supiera y deseara pedir disculpas por ser así. No lo buscó. Su evidente belleza externa guarda una absoluta correlación con su fascinante mundo interior. Cuando crea, cuando se le propociona un ámbito donde poder desarrollar su talento, Ángel permanece inmerso en su mundo, disfrutando cada segundo del proceso por el que sus ideas cobran vida. Recuerdo cuando me enseñaba los dibujos de los figurines que el mismo traza, y me explicaba, lo que deseaba trasmitir, las formas que les iba a dar, en esa nube vaporosa que son los proyectos antes de concretarse en el momento final de estreno. Un nuevo sueño de Ángel al fin ha visto la luz con la “Medea” en el Ausgburg Ballet. P-¿Por qué elegiste Medea? Medea es una mujer que se identificaría mucho con nuestros tiempos. Una mujer fuerte, con control y exigencias que en aquella época solo pertenecían a los hombres. Es una mujer enamorada, y ese amor que la lleva a la locura, hace que tome decisiones terribles y dramáticas, como el asesinato de sus propios hijos para hacer daño a quien la ha traicionado. Es algo terrible, pero yo he querido buscar a la mujer frágil, quebrada por el desamor y llevada al precipicio por culpa de ese amor no correspondido. P-¿Qué te ha inspirado? -He tratado de realizar una obra llena de poesía, con imágenes que quedaran en la retina del espectador, y sobre todo con fuertes emociones que a quien se siente a verlo, le haga vivir cada momento, le sobrecojan e incluso llegue al punto de entender a Medea. Medea me atrapó como esa hechicera que es y me condujo hasta el día de su estreno en abril, día que se expuso desnuda y clara ante el público. P-¿Expuso? -Sí, digo expuso, porque el coreógrafo se expone al juicio de todos con cada creación que realiza. Una exposición que da vértigo y que a veces incluso ahoga, pero que motiva e inspira. Con cada pieza que realizamos sacamos una parte íntima de nuestro yo, la planteamos y la exprimimos, consumimos hasta nuestro último aliento y todo lo colocamos como un puzzle mágico que encaja y cobra vida en el primer ensayo. P-¿Es algo así como una nueva concepción? No me atrevo a decir un hijo, pero cada nueva obra no está en el mundo hasta que como los niños no nace... -Sí, realmente, es como un nacimiento. Has parido al bebé con todas sus virtudes y todas sus imperfecciones, pero es tuyo y lo quieres. P-Cuéntame un poco sobre el Ausgburg Ballet, ¿Quien lo dirige? -Está bajo la dirección del artista americano del Robert Conn. P-¿Te gustó trabajar con la compañía? -Me encanta. El trabajo con los bailarines ha sido muy bueno, gratificante e intenso. Son bailarines que están muy abiertos a todo tipo de vocabulario. Trabajan siempre con coreógrafos invitados, eso hace que no se asusten ante ninguna exigencia y su calidad de movimiento esté siempre abierta a lo que pides. P-¿Cómo describirías de la forma más sintética posible qué es el ballet Medea? -Uff, es dificil, aunque te podria decir, simplemente, que es un ballet dividido en 2 actos, con un largo y complicado collage musical. P-¿En qué te basaste para escoger la música? -Quería que la música tuviera una coherencia en su complejidad, y para ello necesitaba que no hubiera paradas musicales y que estuviera unida con transiciones que hicieran que la historia se contara sin cortes, como un libro que no puedes parar de leer y que aunque salte en escenas no te deja respirar hasta su final... Ahí aparece Jesús Rubio, un joven compositor español que me ayudó con todo este trabajo. Él realiza todas las transiciones que necesito e incluso compone alguno de los momentos de la obra, y realiza un estupendo trabajo. Le estoy muy agradecido. P-¿Te ha sido fácil llegar hasta aquí desde el punto de vista del proceso creativo? -La creación se compone de una serie de encuentros y de desencuentros, de marchas atrás y adelante, de tropiezos y de saltos al vacío, hasta que das con la clave de lo que realmente deseas plasmar. Una vez encuentras lo que quieres parece que todo sale como rodado. Hasta que al final, sin casi saber como llegó el gran día, el teatro lleno, se apagan las luces…Parecía que era ahí donde todo empezaba…Pero habían pasado ya muchos meses... Gracias a todos aquellos que lo hicieron posible. MERCEDES ALBI (Fotografías Nik Schölze)

Tener al Cisne enfrente fue una emoción que aun me sigue conmoviendo. Recordaba de pequeño haber visto ese aleteo de sus brazos que no sabías describir, y volver a ver entre cajas a esa BAILARINA ABSOLUTA QUE NO TENÍA EDAD, SOLO CUMPLÍA ARTE, aquella mezcla de Divinidad y Animal, que jamás hubiera esperado conocer. ¡Cómo amaba la Danza Española! Maya nos miraba a nosotros bailar (Lola Greco, Aida Gomez, Antonio Canales, Joaquín Cortés, etc…), admiraba tanto el genio español y el toque de castañuelas. Y cuando sentías que estaba ella, no sabías si bailar al público o hacia la caja donde se ocultaba, vestida con sus calentadores, su bata y su tocado de Cisne, penetrando con su mirada cada movimiento y aplaudiéndote al finalizar el “Asturias” de Antonio Ruiz Soler. Luego, con su gran sonrisa, nos abrazábamos, y con Ricardo Cue y su traductora decía: “¡Eres España!” El porte, el palillo, la pasión de la ejecución de nuestra danza la hacía exaltarse. Y también le encantaba verme calentar como un bailarín de clásico, haciendo mi barra y mi centro. Realmente esos 5 años de estas Galas de Estrellas, de las cuales aprendía cada noche de cada una de ellas… Fueron mis comienzos, yo empezaba, aproveché la oportunidad que Ricardo Cue me brindó; Maya te hacía sentir esa estrella. Acude a mi cabeza la emoción de los primeros aplausos, el contacto con el público, que te esperaba a la salida del teatro. Yo me retrasaba por pura timidez; Ricardo Cue tiene muchas anécdotas de ese tiempo, pero prefiero que él os lo cuente. Maya se sabía el “Asturias” y la “Farruca del Molinero” al dedillo. En las cenas posteriores a la función, te hacia poses de lo que habías bailado con rigurosidad, y te quedabas atontado. El trato sencillo de esa Bailarina Absoluta era tan conmovedor... Quiero agradecer a Maya, esté donde esté, su apoyo en un proyecto que fue un sueño maravilloso. Fue después de las Galas de Estrellas, estando en Buenos Aires. Le pedí que fuera la Madrina del Ballet Español que yo dirigía, y accedió encantada. Yo iba a ser nombrado director del Teatro Avenida y ella me animaba: “así es como debe ser, un teatro debe dirigirlo un artista, pues sabe la pasión y lo que es arte, y lo dirigirás perfectamente". Aquel Teatro, referente del Arte Español, estuvo cerrado 17 años tras un incendio, y la Colectividad Gallega lo rescató y lo ofreció a la ciudad en agradecimiento a su acogida a todos los emigrantes gallegos, mi padre uno de ellos. Recuerdo que la rueda de prensa fue muy temprano, pero Maya estaba ahí, guapa a rabiar, con esa clase y ese halo que las divinidades poseen. No andaba, flotaba en el aire envuelta en el mejor de los perfumes, abriéndote sus brazos, o mejor dicho sus alas, para darte el mejor de los abrazos y decirte en su español-ruso tu nombre, que sonaba a gloria de su boca. Ese escenario que había sentido las pisadas de Carmen Amaya, Antonio y Rosario, Lola Flores, Paco de Lucia, Camarón y un largo etcétera, que el fuego había hecho cenizas para subirlo aun más a lo más alto, renovado como el ave fénix, era PISADO E INAGURADO por LA HISTORIA VIVA DE LA DANZA MUNDIAL PARA DARLE MÁS HISTORIA TODAVÍA en su reapertura. Cuando la presenté estaba entre cajas con Ricardo Cue, elegantísima, y el público y la prensa le dieron una ovación atronadora nada más aparecer, como si hubiese bailado esa noche. Me agradeció mis palabras en la rueda de prensa que se hizo sobre el Escenario, deseándonos a todos lo mejor en esa andadura. Lamentablemente, los apoyos gubernamentales de los Ministerios de Cultura de ambos países, España y Argentina, no continuaron, y fue imposible seguir con ese gran proyecto que era una extensión del BNE y del Teatro de la Zarzuela para coproducir espectáculos de repertorio de danza española y de zarzuela. Llueve sobre mojado... Pero volvamos a Maya; siempre que coincidíamos te reconocía y te abrazaba cariñosamente llamándote por tu nombre. Un ser ESPECIAL E IRREPETIBLE. UNA DIVA HUMILDE, CON UN GRAN CORAZÓN E HIDALGUÍA DE ZARINA, AMANTE DE ESPAÑA Y DE SU DANZA. No puedo escribir más, la emoción me ha tocado. Nunca te olvidaremos, Maya Plisetskaya. CARLOS VILAN

Todavía conmocionados por el repentino fallecimiento de Maya Plisetskaya, acuden a nuestra memoria imágenes de ella, como flashes que avivan su presencia. Y es que los dioses nunca mueren. Su esposo, el compositor Rodion Schedrin llamaba esta misma tarde a Ricardo Cue y al Teatro Bolshoi para darles la triste noticia. Así lo había querido Maya en vida, quien expresamente designó a su gran amigo Ricardo como la persona encargada de transmitir al mundo su adiós. "Maya passed away”, dijo Rodion con la voz entrecortada por el llanto. La bailarina rusa de alma española pasó al otro lado. Hoy la Fuente de Bakhsisarai llora, y estas imágenes adquieren la fuerza de una leyenda. Maya habita ahora en el mundo de los sueños. Hasta siempre, querida musa, nunca te olvidaremos. EL EQUIPO DE ALBIDANZA