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El Ballet Nacional de España, a través del concurso organizado por la Asociación Creadores de Moda de España (ACME) y con el patrocinio de DUFRY HISPANOSUIZA S.L., ha seleccionado la propuesta de García Madrid como proyecto ganador para diseñar la línea general de merchandising “Creative BNE”. Antonio Najarro, director de la compañía, se ha mostrado muy contento con esta inciativa, que una vez más estrecha la intensa relación existente entre la danza el diseño de moda, una simbiosis que la convierte en el mejor modo de mostrar el arte español al mundo. Los finalista del concurso fueron tres: Ángel Schlesser, Duyos y el diseñador ganador, Manuel García Madrid. La razón de su victoria fueron a juicio de Antonio Najarro que "el diseño es perfecto". Lo valora como un trazado magnífico que identifica de una foma clara España y su danza. Este bonito dibujo de una bailarina con castañuelas será el sello de la colección. Manuel García considera un honor haber sido elegido, y se muestra muy feliz porque la danza y el diseño se complementan mutuamente. Ha intentado hacer un diseño especial pero adaptado la uso cotidiano. En base al logotipo se han personalizado diferentes productos. Os mostramos algunos de ellos: -Bolsa de lona -Mochila -Termo La gama de productos tendrá una tirada limitada, y además los compradores al lucirlos se convierten en un original modo de propaganda para nuestro BNE. En el BNE está todo casi listo para el próximo estreno de su nuevo programa con las obras "Alento" y "Zaguán". Son, en palabras de Antonio Najarro, dos coreografías de mirada vanguardista, en las que también destacan los diseños de vestuario efectuados por Teresa Helbig y Yaiza Pinillos. Esperamos con impaciencia este nuevo reto que verá la luz el próximo 12 de junio en el Teatro de la Zarzuela. PAOLA PANIZZA

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid celebran el 40 aniversario de Les Ballets Trockadero de Montecarlo, en 11 únicas funciones que están teniendo lugar en la Sala Roja del 6 al 17 de mayo. El peso de un hombre balanceándose sobre las puntas de los pies para representar a cisnes, sílfides, ninfas del agua, princesas románticas y féminas victorianas engrandece, en lugar de ridiculizar, el espíritu de la danza clásica. Clásicos como El Lago de los Cisnes o Paquita adquieren una nueva perspectiva, gracias al talento de estos magníficos bailarines. Desde su fundación, Les Ballets Trockadero de Montecarlo han colaborado a forjar el éxito internacional de esta troupe masculina armada con tutú y dotada de un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas. Estas habilidades, a caballo entre la genialidad y el humor, pronto empezaron a conocerse fuera de la Gran Manzana. Les Ballets Trockadero de Montecarlo se creó en Nueva York en los años 70 como una compañía alternativa que con los años ha ido creciendo, pasando del Off Broadway, como se conoce al circuito alternativo de Nueva York, a actuar en los grandes templos de la danza, como el Teatro Bolshoi de Moscú. Desde sus inicios, consiguieron posicionarse como un fenómeno mundial que les llevó a participar en prestigiosos festivales de danza y a actuar en los más importantes escenarios del mundo, desde Nueva Zelanda a Sudamérica, pasando por China, Japón, Singapur, Europa y África. La originalidad de esta compañía neoyorquina radica en que está formada por bailarines profesionales, varones, especializados en la gama del repertorio clásico del estilo ruso. Además, otra de sus armas de seducción es la comedia, que consiguen al exagerar las circunstancias de la narrativa de la danza clásica, los accidentes, y la incongruencia de las coreografías. Coincidiendo con su 40 aniversario, la compañía se ha embarcado en una ambiciosa gira internacional que les ha llevado América, Alemania, Italia o Israel, y ahora en España podemos disfrutar de la técnica excelente de estos bailarines de peculiar estilo cargados de humor. JORGE ÁLVAREZ

Ángel Rodríguez acaba de regresar de Alemania, donde en la ciudad de Augsburgo ha estrenado su “Medea” con gran éxito. Echamos mucho de menos ver alguno de sus ballets en España, aunque nos alegramos del reconocimiento que están recibiendo sus trabajos en el extranjero. Se nos hace imprescindible conocer los detalles que la han llevado a triunfar en el corazón de centro-europa. Ángel es un artista total. Nunca ostenta, pues no le hace le hace falta. Él impresiona sin querer, sin pretenderlo, como si en el fondo lo supiera y deseara pedir disculpas por ser así. No lo buscó. Su evidente belleza externa guarda una absoluta correlación con su fascinante mundo interior. Cuando crea, cuando se le propociona un ámbito donde poder desarrollar su talento, Ángel permanece inmerso en su mundo, disfrutando cada segundo del proceso por el que sus ideas cobran vida. Recuerdo cuando me enseñaba los dibujos de los figurines que el mismo traza, y me explicaba, lo que deseaba trasmitir, las formas que les iba a dar, en esa nube vaporosa que son los proyectos antes de concretarse en el momento final de estreno. Un nuevo sueño de Ángel al fin ha visto la luz con la “Medea” en el Ausgburg Ballet. P-¿Por qué elegiste Medea? Medea es una mujer que se identificaría mucho con nuestros tiempos. Una mujer fuerte, con control y exigencias que en aquella época solo pertenecían a los hombres. Es una mujer enamorada, y ese amor que la lleva a la locura, hace que tome decisiones terribles y dramáticas, como el asesinato de sus propios hijos para hacer daño a quien la ha traicionado. Es algo terrible, pero yo he querido buscar a la mujer frágil, quebrada por el desamor y llevada al precipicio por culpa de ese amor no correspondido. P-¿Qué te ha inspirado? -He tratado de realizar una obra llena de poesía, con imágenes que quedaran en la retina del espectador, y sobre todo con fuertes emociones que a quien se siente a verlo, le haga vivir cada momento, le sobrecojan e incluso llegue al punto de entender a Medea. Medea me atrapó como esa hechicera que es y me condujo hasta el día de su estreno en abril, día que se expuso desnuda y clara ante el público. P-¿Expuso? -Sí, digo expuso, porque el coreógrafo se expone al juicio de todos con cada creación que realiza. Una exposición que da vértigo y que a veces incluso ahoga, pero que motiva e inspira. Con cada pieza que realizamos sacamos una parte íntima de nuestro yo, la planteamos y la exprimimos, consumimos hasta nuestro último aliento y todo lo colocamos como un puzzle mágico que encaja y cobra vida en el primer ensayo. P-¿Es algo así como una nueva concepción? No me atrevo a decir un hijo, pero cada nueva obra no está en el mundo hasta que como los niños no nace... -Sí, realmente, es como un nacimiento. Has parido al bebé con todas sus virtudes y todas sus imperfecciones, pero es tuyo y lo quieres. P-Cuéntame un poco sobre el Ausgburg Ballet, ¿Quien lo dirige? -Está bajo la dirección del artista americano del Robert Conn. P-¿Te gustó trabajar con la compañía? -Me encanta. El trabajo con los bailarines ha sido muy bueno, gratificante e intenso. Son bailarines que están muy abiertos a todo tipo de vocabulario. Trabajan siempre con coreógrafos invitados, eso hace que no se asusten ante ninguna exigencia y su calidad de movimiento esté siempre abierta a lo que pides. P-¿Cómo describirías de la forma más sintética posible qué es el ballet Medea? -Uff, es dificil, aunque te podria decir, simplemente, que es un ballet dividido en 2 actos, con un largo y complicado collage musical. P-¿En qué te basaste para escoger la música? -Quería que la música tuviera una coherencia en su complejidad, y para ello necesitaba que no hubiera paradas musicales y que estuviera unida con transiciones que hicieran que la historia se contara sin cortes, como un libro que no puedes parar de leer y que aunque salte en escenas no te deja respirar hasta su final... Ahí aparece Jesús Rubio, un joven compositor español que me ayudó con todo este trabajo. Él realiza todas las transiciones que necesito e incluso compone alguno de los momentos de la obra, y realiza un estupendo trabajo. Le estoy muy agradecido. P-¿Te ha sido fácil llegar hasta aquí desde el punto de vista del proceso creativo? -La creación se compone de una serie de encuentros y de desencuentros, de marchas atrás y adelante, de tropiezos y de saltos al vacío, hasta que das con la clave de lo que realmente deseas plasmar. Una vez encuentras lo que quieres parece que todo sale como rodado. Hasta que al final, sin casi saber como llegó el gran día, el teatro lleno, se apagan las luces…Parecía que era ahí donde todo empezaba…Pero habían pasado ya muchos meses... Gracias a todos aquellos que lo hicieron posible. MERCEDES ALBI (Fotografías Nik Schölze)

Tener al Cisne enfrente fue una emoción que aun me sigue conmoviendo. Recordaba de pequeño haber visto ese aleteo de sus brazos que no sabías describir, y volver a ver entre cajas a esa BAILARINA ABSOLUTA QUE NO TENÍA EDAD, SOLO CUMPLÍA ARTE, aquella mezcla de Divinidad y Animal, que jamás hubiera esperado conocer. ¡Cómo amaba la Danza Española! Maya nos miraba a nosotros bailar (Lola Greco, Aida Gomez, Antonio Canales, Joaquín Cortés, etc…), admiraba tanto el genio español y el toque de castañuelas. Y cuando sentías que estaba ella, no sabías si bailar al público o hacia la caja donde se ocultaba, vestida con sus calentadores, su bata y su tocado de Cisne, penetrando con su mirada cada movimiento y aplaudiéndote al finalizar el “Asturias” de Antonio Ruiz Soler. Luego, con su gran sonrisa, nos abrazábamos, y con Ricardo Cue y su traductora decía: “¡Eres España!” El porte, el palillo, la pasión de la ejecución de nuestra danza la hacía exaltarse. Y también le encantaba verme calentar como un bailarín de clásico, haciendo mi barra y mi centro. Realmente esos 5 años de estas Galas de Estrellas, de las cuales aprendía cada noche de cada una de ellas… Fueron mis comienzos, yo empezaba, aproveché la oportunidad que Ricardo Cue me brindó; Maya te hacía sentir esa estrella. Acude a mi cabeza la emoción de los primeros aplausos, el contacto con el público, que te esperaba a la salida del teatro. Yo me retrasaba por pura timidez; Ricardo Cue tiene muchas anécdotas de ese tiempo, pero prefiero que él os lo cuente. Maya se sabía el “Asturias” y la “Farruca del Molinero” al dedillo. En las cenas posteriores a la función, te hacia poses de lo que habías bailado con rigurosidad, y te quedabas atontado. El trato sencillo de esa Bailarina Absoluta era tan conmovedor... Quiero agradecer a Maya, esté donde esté, su apoyo en un proyecto que fue un sueño maravilloso. Fue después de las Galas de Estrellas, estando en Buenos Aires. Le pedí que fuera la Madrina del Ballet Español que yo dirigía, y accedió encantada. Yo iba a ser nombrado director del Teatro Avenida y ella me animaba: “así es como debe ser, un teatro debe dirigirlo un artista, pues sabe la pasión y lo que es arte, y lo dirigirás perfectamente". Aquel Teatro, referente del Arte Español, estuvo cerrado 17 años tras un incendio, y la Colectividad Gallega lo rescató y lo ofreció a la ciudad en agradecimiento a su acogida a todos los emigrantes gallegos, mi padre uno de ellos. Recuerdo que la rueda de prensa fue muy temprano, pero Maya estaba ahí, guapa a rabiar, con esa clase y ese halo que las divinidades poseen. No andaba, flotaba en el aire envuelta en el mejor de los perfumes, abriéndote sus brazos, o mejor dicho sus alas, para darte el mejor de los abrazos y decirte en su español-ruso tu nombre, que sonaba a gloria de su boca. Ese escenario que había sentido las pisadas de Carmen Amaya, Antonio y Rosario, Lola Flores, Paco de Lucia, Camarón y un largo etcétera, que el fuego había hecho cenizas para subirlo aun más a lo más alto, renovado como el ave fénix, era PISADO E INAGURADO por LA HISTORIA VIVA DE LA DANZA MUNDIAL PARA DARLE MÁS HISTORIA TODAVÍA en su reapertura. Cuando la presenté estaba entre cajas con Ricardo Cue, elegantísima, y el público y la prensa le dieron una ovación atronadora nada más aparecer, como si hubiese bailado esa noche. Me agradeció mis palabras en la rueda de prensa que se hizo sobre el Escenario, deseándonos a todos lo mejor en esa andadura. Lamentablemente, los apoyos gubernamentales de los Ministerios de Cultura de ambos países, España y Argentina, no continuaron, y fue imposible seguir con ese gran proyecto que era una extensión del BNE y del Teatro de la Zarzuela para coproducir espectáculos de repertorio de danza española y de zarzuela. Llueve sobre mojado... Pero volvamos a Maya; siempre que coincidíamos te reconocía y te abrazaba cariñosamente llamándote por tu nombre. Un ser ESPECIAL E IRREPETIBLE. UNA DIVA HUMILDE, CON UN GRAN CORAZÓN E HIDALGUÍA DE ZARINA, AMANTE DE ESPAÑA Y DE SU DANZA. No puedo escribir más, la emoción me ha tocado. Nunca te olvidaremos, Maya Plisetskaya. CARLOS VILAN

Todavía conmocionados por el repentino fallecimiento de Maya Plisetskaya, acuden a nuestra memoria imágenes de ella, como flashes que avivan su presencia. Y es que los dioses nunca mueren. Su esposo, el compositor Rodion Schedrin llamaba esta misma tarde a Ricardo Cue y al Teatro Bolshoi para darles la triste noticia. Así lo había querido Maya en vida, quien expresamente designó a su gran amigo Ricardo como la persona encargada de transmitir al mundo su adiós. "Maya passed away”, dijo Rodion con la voz entrecortada por el llanto. La bailarina rusa de alma española pasó al otro lado. Hoy la Fuente de Bakhsisarai llora, y estas imágenes adquieren la fuerza de una leyenda. Maya habita ahora en el mundo de los sueños. Hasta siempre, querida musa, nunca te olvidaremos. EL EQUIPO DE ALBIDANZA

MENSAJE PARA EL DÍA DE LA DANZA Carmen Amaya, Valeska Gert, Suzushi Hanayagi, Michael Jackson…danza inclasificable. Yo no podría descifrar sus estilos de baile… los veo como turbinas generadoras de energía y esto me hace pensar en la importancia de la coreografía sobre esa misma energía del que baila. Seguramente lo importante no es la coreografía, sino precisamente esa energía, el torbellino que provoca. Imagino una bobina tesla atrayéndolos a todos y emitiendo un rayo sanador y provocando una metamorfosis en los cuerpos: Pina Bausch como mantis religiosa, Raimund Hoghe convertido en escarabajo pelotero, Vicente Escudero en insecto palo y hasta Bruce Lee en escolopendra. Bailé mi primer dúo con mi madre, embarazada de 7 meses. Puede parecer una exageración. Aunque casi siempre bailo solo, imagino que me acompañan fantasmas que hacen que abandone mi papel de “bailaor de soledades”. No querría decir Didi-Huberman: de soleares. De pequeño, no me gustaba el baile, pero era algo que salía de mí de una forma natural y fácil. Casi instintiva. Con el tiempo me di cuenta que el baile curaba, me hacía efecto, casi medicinal, me ayudó a no ser tan introvertido y a abrirme a otras personas. He visto la imagen de un niño enfermo de ébola curándose a través de la danza. Se que es una superstición, pero, ¿sería eso posible? Después, el baile, acaba convirtiéndose en una obsesión que consume mis horas y que hace que baile hasta cuando me quedo quieto, inmóvil, apartándome así de la realidad de las cosas. No sé si esto es bueno, malo o necesario pero… así es. Mi hija Milena, cuando estoy quieto en el sofá, pensando en mis cosas, con mi propio runrún, me dice: papi, no bailes. Y es que veo a la gente moviéndose al andar por la calle, al pedir un taxi, al moverse con sus diferentes formas, estilos y deformidades.¡Todos están bailando! ¡No lo saben pero todos están bailando! Me gustaría gritarles: ¡hay gente que todavía no lo sabe!, ¡todos estamos bailando! , ¡los que no bailan no tienen suerte, están muertos, ni sienten ni padecen!. Me gusta la palabra fusión. No como palabra de marketing, confusión para vender un determinado estilo, una marca. Mejor fisión, una mezcla atómica: una coctelera con los pies clavados en el suelo de Juan Belmonte. Los brazos aéreos de Isadora Duncan y el medio cimbreo de barriga de Jeff Cohen en Los Goonies.Y con todos estos ingredientes hacer una bebida agradable e intensa, que esté rica o amarga o se te suba a la cabeza. Nuestra tradición también es esa mezcla, venimos de un coctel y los ortodoxos quieren esconder su fórmula secreta. Pero no, razas y religiones y credos políticos, ¡todo se mezcla! , ¡todos pueden bailar juntos!. Quizás no agarrados, pero sí unos al lado de los otros. Hay un antiguo proverbio chino que dice así: el aleteo de las alas de una mariposa se puede sentir al otro lado del mundo. Cuando una mosca levanta el vuelo en Japón, un tifón sacude las aguas del Caribe. Pedro G Romero , después de un aplastante baile por sevillanas, dice: el mismo día que cayó la bomba en Hiroshima, Nijinsky repitió su gran salto en un bosque de Austria. Y yo sigo imaginando: un latigazo de Savion Glover hace girar a Mikhail Baryshnikov. En ese momento, Kazuo Ono se queda quieto y provoca una cierta electricidad en María Muñoz que piensa en Vonrad Veidt y obliga a que Akram Khan provoque un terremoto en su camerino: se mueven sus cascabeles y el suelo se tiñe con las gotas cansadas de su sudor. Me gustaría poder dedicar este Día Internacional de la Danza y estas palabras a una persona cualquiera que en el mundo esté bailando en este justo momento. Pero, permitidme una broma y un deseo: bailarinas, músicos, productores, críticos, programadores, demos un fin de fiesta, bailemos todos, como lo hacía Béjart, bailemos a lo grande, bailemos el Bolero de Ravel, bailémoslo juntos. ISRAEL GALVÁN

La segunda vez que coincido con Marc Álvarez ha sido en la puerta del Centro Cultural Paco Rabal. Hace solo unos días fue en el Teatro de la Zarzuela, al final del estreno de "Carmen" de la CND, pues quise felicitarle por su excelente trabajo compositivo. Me intrigó qué era lo que hacía allí, en el Festival Beta Pública de danza contemporánea, y descubrí un poco más de la personalidad de este gran músico vinculado personal y profesionalmente con la escena. Marc es una curiosa mezcla de precisión mental y sensibilidad. Ama lo que hace, posee un gran sentido de la libertad creadora que compagina con su enorme adaptabilidad a la acción dramática, ya sea en el ámbito teatral como en el cine o la danza. Si se navega por su web son tantos los espectáculos en los que ha participado, que uno tiene la sensación de estar consultando una cartelera. Su pareja es la bailarina y coreógrafa Amaya Galeote. Hoy en el Paco Rabal van a cerrar el Festival Beta Pública con "Lego´s", de la compañía Danza 180º , dirigida por Amaya con música compuesta por Marc. Ellos dos forman una irresitible unión entre música y danza, entre la pasión y vida que destilan sus trabajos. Les pregunto: P-¿Cómo os conocistéis? (se miran y sonrien) Amaya- Fue hace ocho años, nos conocimos en el musical Jesucristo Super Star. Marc era el director musical y yo la asistente de Ángel Rodríguez. P.- Pero tú, Marc, ¿De dónde eres? Marc- Soy de Barcelona, pero desde que conocí a Amaya me quedé a vivir aquí, desde el principio me sentí tan bien en Madrid que me encanta. (Amaya se despide pues tiene que ir a camerinos para preparar la representación, y sigo conversando con Marc) P.- ¿Cuándo empiezas a componer música para danza? -Mi primer contacto con la danza fue a través de María Rovira. Hicimos, junto con Javier Gamazo, la música de una pieza suya para un festival de calle en Mataró con la compañía Trànsit Dansa. Luego le seguiría "El Salto de Nijinsky", espectáculo que giró por varios países y con el que ganamos el Premio Butaca al mejor espectáculo de danza del 2008. Mi conexión ahora la tengo en casa, porque le pongo música a todo lo que Amaya coreografía. Más me vale... (bromea) P.-¿Qué trabajos has hecho con Amaya? -Hicimos un espectáculo precioso para el Ballet de Carmen Roche: "La Niña farola". Fue una pena que no tuviera más recorrido. Después hicimos "Lego's" y "Destino/destino", pieza que hemos decidido retomar porque nos gusta mucho. P.-¿Cómo te seleccionaron para componer la "Carmen" de la Compañía Nacional de Danza? -Eso se lo tengo que agradecer a Gregor Acuña, nuestro dramaturgo. Nos conocemos desde hace tiempo, y hace cuestión de un año me llamó para preguntarme si podría enviarle una propuesta de solo para Don José, para un ballet que iba a hacer con Johan Inger. En un par de días le envié una música, y al cabo de unas semanas me confirmó que el trabajo era mío. Yo ni sabía quien era Johan Inger, pero si vieras la cara que puso mi chica cuando se lo comenté... No pude negarme. Luego ha sido todo muy fácil, Johan tiene muy buen trato y muchísimo sentido del humor, que son dos cosas básicas para mí. P.-Pues mira, te soy sincera, cuando me enteré de que a la versión que siempre se utiliza para los ballets de Carmen (Bizet-Shchedrin) le habían doblado el tiempo de duración, me asusté, porque se tenía que hacer muy bien, o te cargabas la obra. Y enfrentarse a una música tan poderosa.. ¿Cómo lo hiciste? -Te contaré mi secreto. A la hora de componer necesito saber dos cosas: el sentimiento o la sensación que se quiere reflejar en la escena y el estilo en el que se va a hacer. Y tengo una obsesión: inspirar al coreógrafo. No me es suficiente que mi música les "funcione", necesito que les guste mucho, muchísimo... Si detecto que no es así, lo borro todo y empiezo de nuevo. P.-¿Te resultó fácil o dificil conectar con la idea sobre la musica que tenía Inger? -No, con Carmen fue muy sencillo desde el principio. Solamente en un par de ocasiones, con uno de los solos de Don José y con lo que nosotros llamamos Torero's world, en el segundo acto, tuve alguna dificultad a la hora de llegar a algo que me gustara a mí y a todos. Aún así, hoy cambiaría algunas cosas. P.-Siempre pienso que el creador de cualquier disciplina, si vuelve sobre su obra, la modifica. Hasta Velázquez daba pinceladas sobre lienzos que hacía años había pintado... Y vosotros, Amaya y tú, sois los dos creadores, no quiero imaginar si no os ponéis de acuerdo en la forma de colocar los muebles de casa... ja ja -Con Amaya suelo coincidir en todo, además de mi pareja, es la coreógrafa con la que más he trabajado y la que más me inspira. Estoy convencido que mis mejores cosas las he realizado para ella. P-¿Cuál es el estilo de las coreografías de Amaya? -Tiene un estilo entre neoclásico y contemporáneo, que le va muy bien a mi manera de ver la música y de ver el arte en general. Aunque he hecho música para todos los estilos, me siento muy cómodo en la melodía, en lo estéticamente bello. P-¿Te gusta componer para danza más que para otras disciplinas? -He puesto música a mucho teatro y a algo de cine pero me siento muy cómodo en la danza. P-¿Por qué? -Porque la música se escucha sin voces de por medio y se alimenta a su vez del movimiento de los bailarines. Música y danza se complementan, se enriquecen mútuamente. P-¿Cómo se siente un músico en el ambiente de la danza? -Lo único que no me gusta de la danza (en teatro también se ve) es esa obsesión por trabajar para la profesión. El arte, como yo lo concibo, es para el público, ya sea de clásico-clásico o del contemporáneo más duro, pero trabajar pensando en qué va a pensar Pepe cuando lo vea, me parece un error y la mejor manera de no ser honesto. La función va a comenzar. En el vestíbulo reciben al público con performances. En unos instantes se levantará el telón. Nos despedimos. Me siento en mi butaca, dispuesta a que la magia del espectáculo me sumerja en nuevos sueños, está vez serán los de siete creadores procedentes de diferentes partes del mundo. MERCEDES ALBI (Fotografía de "Lego´s" por Jacobo Medrano; de "Carmen" por Jesús Vallinas)

La segunda edición del Festival Beta Pública, que ha exhibido este fin de semana siete piezas en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid, es toda una experiencia para que el espectador conozca, disfrute y se sorprenda con la danza contemporánea. En la presentación, su directora, Pilar Villanueva, supo contagiar su entusiasmo evitando la frialdad o la distancia que muchas veces se impone entre el escenario y el público. Pilar salta las barreras, tiende puentes, suple la falta de medios económicos con su pasión. Algún día esperamos que nos cuente lo que no se ve: el gran esfuerzo que posibilita colgar un cartel como este. Y es que BETA PUBLICA es una iniciativa innovadora de apoyo a la creación, dentro del ámbito de la danza contemporánea. El proyecto se estructura a través de tres elementos, pues además de esta muestra coreógrafica, tiene una plataforma online y un banco de proyectos, cuya finalidad es establecer un contacto para que el creador y su público puedan implicarse en el proceso artístico. El abanico de obras seleccionadas desplegó una atrayente variedad, producto de la más pura necesidad de expresión de los jóvenes artistas. La coordinada perfección de “22h 21m.” de Fernando Carrión y Luca Vetere; el emocionante “Haiku” de Mariano Cardano; el juego de equilibrios establecido en el “Outline” de David Guerra e Inés Navaez; la original “¡Gul, Giallo, Geltonas!” de Carolina Duarte y Mara Pacheco; un fragmento del Proyecto “The oldest thing in the World” de Natalia Fernandes; e Irene Cortina y Yannis Karalis fueron “The Wolf and the Deer”, un interesante juego de fuerzas entre los dos protagonistas donde el cazador acaba siendo la presa. El broche final llegó con “Lego´s” de la compañía Danza 180º, una coreografía de Amaya Galeote, danzada por ocho bailarines, que trazaron bellas geometrias sobre el escenario, integradas en la música de Marc Alvárez, que recientemente ha sido el destacado compositor de la “Carmen” estrenada por la CND. El diálogo desnudo de ese “aquí estoy y aquí me entrego” que establecen los artistas al pisar el escenario, tuvo su correlación con el que se estableció al final de la actuación -moderado por Pilar Villanueva- en el cual los propios creadores contrastaron con el público lo que éste había sentido y percibido a lo largo de la representación. Felicitaciones a todos, y esperamos la tercera edición. MERCEDES ALBI (Fotografías cartel y 2ª de Daniel Guinda; fotografía "Lego´s" de Jacobo Medrano)

La distancia que separa la mirada de estas dos mujeres no es más que el recorrido que determina las experiencias de toda una vida. El antes y el después son la misma persona. Los ojos de la mujer adulta guardan los fotogramas que relatan las vivencias, esas mismas que determinan las líneas de su cara. Carmen parece estar rebobinando las imágenes de su vida: los sonidos de las olas que mimbreaban su cuerpo, la sensación de la arena de la playa con los pies "descalzos de maestros". Parece escuchar los sones de aquella guitarra que pellizcaban su estómago. Las largas noches sin descanso que eran un sustento inconsciente. Las huidas protagonistas del miedo de una época dura de nuestra historia. Los viajes programados cruzando aquel mar que no tenía un fin cercano o real. Los destellos de las luces de los escenarios y de los brillantes. Los pedacitos de pan y las comilonas en los mejores restaurantes. La mirada de la niña es la de la ilusión de la inocencia. Esa misma que no sabe de miedos y preocupaciones. Con la vista en un presente ausente de juguetes pero con el tesoro de unos "zapatos escondidos" que se convertirían en el mayor tesoro de su vida. Aquella niña que jugaba bailando o bailaba jugando. En esta imagen no están ni la chaquetilla de diamantes, ni más techos que la luna. Sólo aparecen las gitanas que honran la memoria de una cultura. Aquellas que sin perder nunca el norte viajaron por medio mundo utilizando el lenguaje universal del baile "por entrañas", del de dentro "pá fuera" ese que no conoce de academicismos ni reglas impuestas. Ese baile inimitable que no creó escuela porque la genialidad es un don inherente a la persona, que viene con ella y con ella se va. Ricardo Cue fue testigo de aquella mirada. Era 1958, La Habana, el lugar el Copa Room del Hotel Riviera. En aquellos tiempos la vida nocturna de la Habana era de las más brillantes del mundo. El asistió aquella noche a ver un espectáculo como lo había hecho y haría tantas otras. La velada fue inolvidable, no podía imaginar que la mirada que le embaucó no le abandonaría el resto de su vida. Afirma que tampoco era consciente de lo que estaba viendo hasta que nunca jamás volvió a sentir nada igual. En contra de lo que eran los rasgos físicos de Carmen, él no la recuerda ni pequeña, ni menuda. Si recuerda la velocidad de sus giros y sus pies. Pero la magia de sus ojos fue lo más impresionante. Nada más aparecer en escena, Carmen hizo un movimiento de cabeza brusco, contundente, descargando tal energía que le dejó prendado. Tuvo la sensación de sentirse atrapado por una sensación inexplicable como si de un embrujo se tratara. El siguiente recuerdo es el trance en el que entró Carmen, ese mismo que no le abandonó hasta que ella dejó de bailar. GEMMA ORTEGA

El Real Conservatorio Superior de Danza Mariemma ha inciado los actos de celebración de su 75 “cumpleaños”, y lo ha hecho en el contexto de las Jornadas de Formación de Nuevo Publico, que han tenido lugar en la RESAD del 17 al 19 Abril. Es un orgullo celebrar la conmemoración de una institución creada en 1940, con una trayectoria incesante en la meritoria labor de crear y formar artistas. Todos los maestros de danza que forman y han formado parte de esta institución han dado lo mejor de sí mismos para que proyecto sea hoy lo que es. Presentaron un programa en el que los jóvenes alumnos del Taller Coreográfico del Centro “Larreal” ofrecieron una muestra de lo aprendido durante tantas horas de esfuerzo diario, a través de un espectáculo diseñado para posibilitar el lucimiento de las tres especialidades que se imparten en las aulas: Danza Clásica, Danza Contemporánea y Danza Española. La Sala estaba abarrotada, se sentía la emoción de un público ilusionado que aguardaba expectante a los jovencísimos bailarines. Y una vez más nos demostraron que poco tienen que envidiar a los bailarines profesionales, en lo que se refiere al nivel técnico y físico alcanzado. Bailaron las piezas: “La Taberna de Don Quijote“ de Ricardo Franco , “Caida libre” de Sharon Fridman, "Del Origen" de David Coria, “Peso Pluma “ de Pedro Berdayades, "4 Seasons" de Jean Philippe Dury y "La Rosa de Invierno" de Arantxa Carmona. Nos sorprendió “La Taberna de Don Quijote”. El coreógrafo Ricardo Franco ha seleccionado diversas músicas de la partitura de Minkus, que hoy en dia son poco utilizadas -Seguidilla, Danza Española-, para crear una coreografía en la que participaron casi todos los alumnos del taller, ya que los pasos a dos fueron realizados por varias parejas a la vez, al igual que en las variaciones, en las que bailaron dos o tres solistas cada vez, con lo cual la coreografía ganó en color y espectacularidad. Hay que destacar el Gran Pax Deux, donde la pareja principal desprendió emoción a raudales. En “Del Origen“, la coreografia de David Coria impacta, y a la vez cautiva por su belleza. Hay secuencias en las que aparecen tres grupos de bailarines, cada uno con su propia coreografía. Preciosos los pasos a dos por su brillantez y encanto. La singular “Peso Pluma” de Pedro Berdayes, favoreció la búsqueda indivual de cada interprete arrullándose en la musica de Wagner -fragmentos de la ópera Tristan e Isolda, entre otras- y en el sonido del mar. Continuamos con la bellísima coreografía “Four Seasons” de Jeah Philippe Dury que ha creado una pieza de gran dureza física. Es una danza de grupo, de estilo contemporáneo, muy plástica , magnética y muy elegante, deliciosa. Preciosos dúos y bailes en grupo. “Rosa de Invierno” de Arantxa Carmona fue muy aplaudida entre los asistentes: es una bellísima jota aragonesa donde encontramos tradición e innovación. Parte de los parámetros tradicionales para llegar a los más estilizados, y hay en ella 4 partes bien diferenciadas . La primera, con un maravilloso paso a dos muy dulce y poético. La segunda es La Danza del Boto, estilizada. En la tercera se resuelve la historia de amor de los protagonistas. Y una cuarta recrea la jota de Gigantes y Cabezudos, interpretada de forma diferente y original. Estupenda la pareja principal, muy armoniosos y con una gran quimica entre ellos. Felicitamos de todo corazón a los corógrafos y bailarines participantes del Real Conservatorio Superior de Danza Mariemma, y a su directora, Mar Mel, por esta maravillosa función. Y cómo olvidar una mención especial para los maestros de danza, que durante todos estos años y gracias a la dedicación, interés y apoyo constante a sus alumnos han creado una escuela de prestigio nacional e internacional. PAOLA PANIZZA

Rafael Estévez es vehemente y pasional, y sobre todo, uno de los coreógrafos más prometedores de la danza española y el flamenco. Cuando se habla con él, a las primeras de cambio, te das cuenta de que no le valen las medias tintas, que es un artista que se lanza a la vida y al escenario en carne viva. Ese es su secreto: la absoluta entrega. Desde su Huelva natal, sintiendo que la danza despertaba en su cuerpo a la temprana edad de 3 años, su peripecia artística ha sido un constante caminar en busca de sus sueños. Y estos los vislumbra siempre junto a Valeriano Paños, con quien desde el 2003 dirigen su propia compañía (Estévez/Paños). Podrían contarse muchas cosas sobre Rafa Estévez, incluso el mismo las relata en su propio blog. Es evidente que su mente no para, su constante bullir efervescente no se detiene ni en la adversidad, ni en los malos tiempos en los que la enfermedad se ha ensañado con él, pues la muerte le miró a la cara hasta seis veces. Afortunadamente, como los gatos, tenía siete vidas, y sigue y prosigue su senda creadora para deleite de todos los que le admiramos. Le pregunto: -¿Qué ha pasado con tu salud? -Mejor di: “¿Qué no ha pasado con mi salud?” (ríe) He vuelto a nacer, y no solo una vez, ni dos, sino seis veces… -Bueno, pues eso debe ser que tienes siete vidas como los gatos, todavía te queda una.. -La verdad es que todo fue de repente, un caso rarísimo. Según los doctores, soy el octavo paciente documentado a nivel mundial. Un corazón sano que genera un trombo en el ventrículo izquierdo, que envía unos émbolos que terminan por formar un trombo en la aorta, a la altura del abdomen. Al operar, se complica todo, en la pierna izquierda se me forma un edema y tienen que intervenir hasta tres veces (me hacen fasciotomía) para que no la pierda… Y afortunadamente no la he perdido… sigo en rehabilitación, aunque ya bailando, poco a poco, pero bailando. -Debe ser horrible para un bailarín pensar en perder una pierna, su instrumento de trabajo. -Mantuve el sentido del humor y una fuerza que no sé de donde saqué… <>. Me operaron, partieron mi esternón, sacaron mi corazón de mi cuerpo y extrajeron el trombo que había fibrosado… El corazón, no había sufrido, ni antes, ni después de la operación. La última operación fue para cerrar las heridas de la pierna con unos injertos de piel. Muy contento, porque no tuvieron que tocar ni músculo, ni tendones en las intervenciones anteriores… Seis operaciones en menos de dos meses… Cuatro de ellas en 48 horas. -El tiempo de convalecencia y haber pasado por una época tan tremenda... ¿Agudiza el ingenio como creador? En primer lugar, quiero transmitir el positivismo y la energía con la que he vivido, que no sufrido, este trance. Ha sido muy positivo… No sé si agudiza el ingenio como creador. Yo creo que todo lo que se vive personalmente enriquece el alma y en consecuencia, si lo sabes filtrar, se refleja en lo artístico. -¿El sufrimiento nos cambia? -Se cambia, sí se cambia... Se cambian las prioridades, te cambia la percepción, te cambian los hábitos, te cambia la opinión que tienes sobre las cosas y las personas, ya que en estos momentos te das cuenta quien está de verdad a tu lado y quien te quiere de verdad, que es en realidad lo único importante… Hace pocos días, hice un pequeño autovideodanza, en el que improvisaba sobre las Gnossiennes de Erik Satie, que me apasionan, y Valeriano me dice que me muevo distinto… ¡Se cambia, sí se cambia! -En la actualidad es difícil hacer obras de gran formato, como vuestra Consagración, la cual no hemos podido ver en Madrid.. ¿Qué os impulsa a afrontar el reto de embarcaros en unos proyectos de alto cabotaje? -Difícil no. Es dificilísimo. “La Consagración”, es una obra con un elenco muy grande, para la situación que estamos viviendo y pasando en el mundo de la cultura, somos 20 artistas más el equipo técnico. Lo que nos impulsa a hacer obras de “gran formato” son varias razones. -Cuéntamelas... La primera por una necesidad artística. A Valeriano y a mí, nos apasiona coreografiar para muchas personas. Y sobre todo también nos satisface mucho generar trabajo, que la gente joven pueda experimentar. -¿Los nuevos bailarines lo tienen difícil? -Tienen muy pocos lugares donde bailar. Y eso nos preocupa… Si quieren acceder a una compañía, lo tienen difícil porque hay apenas dos compañías públicas (de danza española y flamenco), no hay compañías privadas grandes y las que hay, no tienen apoyos de ningún tipo, o muy pocos apoyos y no pueden, no podemos, ofrecer una estabilidad. -¿Lo ves muy negro? -Bastante. ¡Es preocupante! Pero queremos ser positivos y animar a las nuevas generaciones a que hagan cosas, que se presenten y se hagan ver. Que sigan formándose, para cuando les llegue la oportunidad, la puedan defender, con todas las de la ley. Nos encantaría poder ofrecerle a los jóvenes que nos presentaran propuestas para poder producir y apoyar a estos jóvenes creadores. Está todo muy difícil, pero no imposible! Todo se andará!!! -Cuéntame proyectos de Estévez/Paños compañía. -Como siempre Valeriano y yo tenemos 10.000 cosas a la vez… Últimamente estamos dirigiendo, coreografiando y escribiendo espectáculos para muchos compañeros que nos lo piden… Concha Jareño, David Coria, Ana Morales, Antonio “El Choro” y varios más, tenemos ocho encargos esperando y nos ilusiona mucho y nos hace sentir muy afortunados que los compañeros quieren que seamos nosotros los que firmemos sus trabajos. Y volviendo a Estévez / Paños y compañía: dos de pequeñísimo formato , y también preparando una serie de coreografías que se titulará “LA MÁQUINA CANTAORA” donde llamaremos a colaborar con nosotros a personajes de distintas disciplinas artísticas, junto con algunos de los integrantes del elenco de la compañía. Llevamos pensando desde hace un par de años en una nueva versión en gran formato de “SONATA”. Recuerdo que tú nos hiciste una entrevista para el estreno de este montaje en 2008. -Sí, es una obra maravillosa con la música del Padre Soler. Yo os sigo con placer desde que vi en el Fernán Gómez vuestro ballet “Flamenco XXI: ópera, café y puro”. Soy fan incondicional vuestra. Os lo merecéis. -Además, queremos hacer una nueva versión de “El Salón de Baile”, que en su día creamos para la Joven Compañía Nosolodanza - Córdoba-, pero esta vez para Estévez / Paños y Compañía. Seguimos en activo con “ROMANCES” que nos dirigió Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola en el año 2012, convirtiéndonos así en ser los primeros artistas de la danza española y el flamenco en ser dirigidos por él, todo un privilegio y un honor… Y “Danza 220v”, que se estrenó en el Festival Madrid en Danza 2.010 y que ha tenido muy buena repercusión en Sevilla, París, Lisboa, Rotterdam, Reims o Rouen... Y nos encantaría reponer “LA CONSAGRACIÓN”, para que se vea en Madrid y en el mundo entero. -Una Consagración, que es la primera vez que se ha hecho en clave de danza española, y que todavía no la hayamos podido ver en Madrid... Espero que sea algo temporal, porque me llegan noticias de que es una maravilla. -Fue un trabajo grande el que se hizo para ponerla en pie, tanto la partitura de la primera parte, “TIERRA”, que es a base de cantes campesinos del folklore y el flamenco; y en la segunda parte, la partitura de Igor Stravinsky de “La Consagración de la Primavera”. Fue genial desde el principio…Desde que nos cedieron los derechos de la música, al beneplácito de Millicent Hodson que es quien tiene los derechos de la coreografía original de Vatzlav Nijinsky. -¿Millicent Hodson? !Qué casualidad! Últimamente me hablan mucho sobre ella, precisamente así fue en la última entrevista que le he hecho a José Carlos Martínez. ¿Habéis conocido también vosotros a Millicent? -Sí. Estábamos en Berlín, experimentando con Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, Luc Dunberry y Antonio Ruz, en “RadialSystem V”, la sede de Sasha Waltz & Guests. Entonces, Sasha le dijo a Millicent: - ahí en el estudio hay dos bailarines de Danza Española y Flamenco que van a montar “La Consagración de la Primavera”. -¿Fue a veros? Sí, vino a conocernos y nos dijo: “ Siempre pensé que esa partitura se tenía que montar en Danza Española y Flamenco… Ya era hora”. -Vaya emoción que sentiríais... -Las palabras de la maestra fueron una motivación bien grande y todo un honor para nosotros. -¿Qué tal va “La Consagración”? -Solamente se ha representado tres veces, y aquí seguimos esperando pacientemente a que se pueda ver en más escenarios. -¡Ojalá! -Nuestra distribuidora está trabajando muy duro y parece ser que hay cosas a la vista!!!. Cuando la representamos tiene muchísimo éxito, muchísimos aplausos. Tenemos el reconocimiento de los compañeros de profesión y de la crítica, y obtuvimos el premio Giraldillo a la Mejor Coreografía en la XVII Bienal de Flamenco de Sevilla. -Esperemos que las autoridades culturales se conciencien de la necesidad urgente de apoyo para la danza española y sus artistas. ¿Qué es lo más preocupante en este sentido? -La falta de conocimiento y la falta de interés en algunos casos. Si no conocemos la historia de nuestra danza, nuestro legado histórico cultural, no podremos avanzar. Me preocupa mucho la falta de rigor y de coherencia y sobre todo la falta de verdad… -¿Qué es para ti la verdad? -Uno tiene que crear su Universo propio… A base de estudio, de afición, de conocimientos… Fruto de la investigación, de la curiosidad, del amor por la danza, la música, la literatura, la poesía, la arquitectura, la pintura, la fotografía, la historia, el cine, el teatro, la vida y un largo etcétera… ¡de la nada, nace NADA! Hay que crear desde la verdad y desde la necesidad artística y vital más pura y absoluta. Hay que hacerlo desde un convencimiento propio. ¡Y no por modas!, ¡No por imitación o desde los conceptos que le funcionen a otros! Creo que aquellos que hacen esto, se están perdiendo un placer inmenso: ¡El placer de la libertad! MERCEDES ALBI (Fotografía de Rafa Estévez en La Consagración de Daniel Múñoz)

Se levanta el día, suena una campana, un niño vestido de blanco juega con su balón. Aparece la sombra, le quita su juguete, pierde la inocencia. Esta introducción tan sencilla funciona a modo de obertura narrativa, es la síntesis simbólica de lo que va a ser la acción del ballet. Una obra muy ágil en su primer acto, y onírica en el segundo. La "Carmen" de Johan Inger es sutil, porque sustenta la historia de la cigarrera de Sevilla con insinuaciones, basándose en unos pocos gestos que la identifican perfectamente con el mito. No hace falta la evidencia, la trama se mantiene en lo esencial con un mínimo de elementos, pero totalmente coordinados y perfectos cada uno en sí. Carmen aparece, es distinta, resplandece por la sensualidad de su danza magnífica y por su traje rojo, que contrasta con los tonos apagados del resto. Los volantes dejan entrever veladamente el toque hispano, y el simple gesto de dar una calada a un inexistente pitillo nos recuerda su oficio. Toda la coreografía del primer acto posee una narrativa de acción trepidante: la pelea entre mujeres, Don José que la detiene, ella que lo seduce y él que, al dejarla escapar, pierde su condición de militar. Y de nuevo el gesto que desde la simplicidad lo dice todo: le quitan sus galones y automaticamente queda convertido en un portero. Pasa de ser el protagonista de una historia de amor, a observador mendicante de una simple caricia de Carmen, a la que busca con desesperación, sin poderla atrapar. Los personajes están perfectamente caracterizados, Don José (Dean Vervoort) tiene la cualidad de un ser normal, un bailarín muy expresivo con el que cualquiera podría identificarse; Carmen (Emilia Gisladöttir), con una danza sensual, dúctil, atrayente... Y el torero (Isaac Montlor), también un excelente bailarín, con ese toque macarra de estrella del rock, no pierde por ello una personalidad llena de magnetismo e incluso algún rasgo de humor. El niño (Jessica Lyall) está vestido de negro en el segundo acto. La conciencia de Don José ya se ha pervertido, se ha vuelto negra. Sin embargo sigue soñando, y ambos se convierten, junto con Carmen, en una familia feliz. Es el niño que nunca llegó a nacer. Un niño que, como Don José, destroza finalmente su muñeca, porque también el niño es él. Esta pluralidad de significados que contiene el personaje infantil confiere a la obra un gran peso simbólico, que llega a estremecer. La violencia y la soledad se han adueñado de todo. El silencio se hace chirriante y, a pesar de la ausencia de sonido,el niño se tapa los oidos en un último gesto. La puesta en escena es magnífica, limpia, con muros que atrapan y se tornan laberintos que confunden, porque el amor de Don José no da la libertad, sino que aprisiona cada vez más y más. La música creada por Marc Alvárez es excelente, ceñida a la acción, y prolonga los significados de las ricas emociones que contiene la obra. La partitura está muy bien orquestada, y las variaciones que hace sobre los temas de los personajes potencian ese universo lleno de sugerencias. El tema del torero, por ejemplo, que aparece en el segundo acto al son de una melancólica trompeta cuyo sonido se interrumpirá con una electro-acústica vibrante, cuando aparezcan las sombras, demonios de los celos. El ballet "Carmen" significa la consolidación de José Carlos Martínez como gran director de compañía. Mejora con cada nuevo ballet, y selecciona unas obras muy exportables, llenas de talento, que serán un triunfo seguro para cualquier escenario del mundo. Felicitaciones a todos!!! MERCEDES ALBI (Fotografía Jesús Vallinas)