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Una 'Bella durmiente' distinta a las tradicionales llega a los Teatros del Canal. El espacio madrileño recibe hasta el domingo 8 de febrero a Les Grandes Ballets Canadiens , la compañía de Montreal que estrena len España a versión que del título clásico hizo en 1996 Mats Ek para el Ballet de Hamburgo. Desde entonces, la nueva 'Bella', que ha sido bailada por prestigiosas compañías, cautivó a la crítica y al público por su belleza y compromiso, ya que Ek llevó la acción al mundo a la sociedad de ese tiempo. Así, la princesa Aurora del cuento de Charles Perrault no es una dulce adolescente, sino una joven rebelde a la que la aguja de la heroína convierte en una zombie, como le sucedió a tantas personas, y sigue sucediendo, en el último tercio del siglo pasado. Ek dio con esa versión mientras estaba en Suiza. “Vivía en Zurich, una ciudad con una política muy liberal respecto al consumo de drogas. Yo madrugaba mucho y un día me encontré con una chica dormida en la calle que tenía una aguja clavada en el brazo”, recuerda el coreógrafo sueco, uno de los grandes de la danza del siglo XX. “Ahí imaginé a una nueva Aurora y un nuevo sueño”. Luego pensó en Carabosse como otra víctima del caballo y se dio cuenta de que ya tenía el tema para el ballet narrativo que el Ballet de Hamburgo le había hecho. Esas premisas le sirvieron para volver a entrar en un mundo que le atrae de antiguo, el de mostrar las otra cara de los cuentos. “Tengo un deseo irrefrenable de contar historia. Releer los mitos, las leyendas y los cuentos de hadas, descubrir sus aspectos más obvios, sabotearlos y recrearlos -en otras palabras, tomarlos en serio- es para mí un acto de gran trascendencia”. Para esa nueva visión de 'La Bella durmiente', Ek optó por una mezcla de lenguajes. “No me preocupa si la danza es clásica, moderna o 'street dance', lo que quiero es que funcione”. Y lo hace, como también la música de Chaikoski, que suena diferente a la de otras 'bellas'. “Visioné, en VHS, todas las versiones posibles y me di cuenta de que ninguna de las clásicas usaba la música del mismo modo”, explica Ek. “Yo he seleccionado los fragmentos que necesitaba, pero procurando mantener el orden de la partitura”, precisa Ek. 'La Bella Durmiente' no es su última cita con el compositor ruso. En estos momentos prepara para otoño una nueva versión de 'El lago de los cisnes' que hizo para el Cullberg Ballet en 1978, la compañía fundada por su madre y de la que ha sido bailarín, coreógrafo y director artístico. Antes está su cita madrileña con Les Grands Ballets, una compañía de Montreal que en 2017 cumplirá 60 años. Fundada por la bailarina letona pero emigrada a Canadá Ludmilla Chiriaeff con la mirada puesta en el mundo clásicos, ha evolucionado a lo largo del tiempo. Sobre todo con la incorporación de Gradimir Pankov en 2000, a un repertorio más contemporáneo, aunque sin olvidar su origen. El antiguo director artístico del Nederlands Dans Theater II y del Cullberg ha optado por un camino propio que le diferencie de las grandes formaciones de Norteamérica. “Somos una compañía pequeña, de sólo 34 bailarines, que no puede ni quiere hacer los grandes títulos que ya hacen el American Ballet y otras grandes compañías por lo que buscamos unas obras que ellas no hagan”, asegura Pankov. Además de obras de Ek -de quien también tienen 'Solo for two' y 'Appartament'- el director macedonio ha llevado al repertorio de la compañía creaciones de otros coreógrafos contemporáneos como Ohad Naharim o Jiri Kilyan. Pero manteniendo la historia de la compañía, por lo que “dos veces al año” interpretan “obras clásicas para un público clásico que casi siempre llena el teatro”. También está implicada en diversos programas con diferentes grupos desfavorecidos de Montreal, apuesta que aumentará después del verano, cuando la compañía se traslade a una nueva sede en la ciudad canadiense. CARLOS GALLEGO -Fotografías Jonh Hall (1ª y 3ª) y Belle Ezra (2ª)-

En el frío invierno, ajena al viento helado y los envites de la crisis, la cultura se refugia en los espacios íntimos, como la maravillosa inicitiva de Georgina García Mauriño, que ha tenido lugar el pasado sábado en el salón de su casa. Ella misma nos explica en que consiste la idea: <<Ésta fórmula del House Concert/Concierto en Casa es una iniciativa particular, privada, que en otros países gusta mucho, y que creo proporciona una experiencia muy enriquecedora tanto para los asistentes como para los intérpretes>> Y el primero de los "house concerts"que ha organizado, ha sido dedicado a la danza. Así, dos músicos de excepción: el violinista Farid Fasla y la pianista Nuria Guerras, interpretaron un programa titulado "Pas de deux para violín y piano. El espíritu de los ballets rusos", que contiene algunas de las piezas del repertorio balletístico más hermosas. Farid explica en las notas al programa: <> Es muy dificil describir con palabras la intesidad que generó la música, interpretada por estos dos excelentes maestros, en el reducido espacio de un salón. Hay que vivirlo para poder sentirlo. La música se metía directamente al corazón. Es un verdadero privilegio asistir a un "house concert" tan exquisito, pudiendo compartir la experiencia con un reducido grupo de personas afines a las artes, e incluso charlar con los propios intérpretes tomado un vodka después del concierto. Esta propuesta queda abierta a todo tipo de manifestaciones artísticas, como danza, poesía, pintura... Los "house concert" generan además un ámbito que propicia el intercambio de relaciones e ideas, por lo que cualquier actividad artística de pequeño formato tiene cabida en él. Georgina García Mauriño expresó su deseo: "Me gustaría que en Madrid, y en toda España, este tipo de iniciativas se extendiera, ofreciendo un circuito alternativo a artistas y público para una experiencia especial, que deja huella..." Y al final de la presentación, Georgina citó unas palabras de Unamuno que fueron premonitorias de lo que allí vivimos: <> El próximo viernes, Farid y Nuria interpretaran de nuevo este programa en el Conservatorio de Música Adolfo Salazar-entrada gratuita-, cuyo cartel encabeza este artículo. Aquellos que deseen elevarse y soñar con la música para ballet, tienen junto a ellos una cita inexcusable. MERCEDES ALBI

Fue una noche especial. La Plaza de Toros de las Ventas se recortaba bajo el cielo de invierno como un palacio de leyenda. Atravesar el umbral de la Puerta Grande, con una maravillosa alfombra roja que nos conducía hacia el albero, poder admirar la plaza iluminada con unos matices tan distintos a los que luce en los días de toros... Desprendía un halo de misterio bajo el que sucumbimos, ¿Cómo no sobrecogerse al pasar frente al emblemático tendido siete, la cátedra de los taurinos? Y es que no se puede encontrar un entorno más apropiado para un programa de danza española. La decoración no estaba sobre el escenario, sino que era la plaza misma la que nos envolvía y abrazaba, en su acogedora redondez, la ilusión arroyadora de los jóvenes bailarines. Recibir en ella su primer aplauso, es un bautizo de honor. El mismo suelo que elevó a lo más grande a las figuras de renombre de nuestra tauromaquía era cómplice de lo que sucedería más tarde. El albero en esta ocasión estaba ocupado por mesas y sillas perfectamente dispuestas. En torno a ellas las gradas que ampliaban el aforo dando cobijo a un público entusiasta. Se respiraba ambiente de fiesta, de una fiesta diferente, de una fiesta de danza. Al fondo el escenario con el telón cerrado. Y detrás de él muchos nervios, calentamientos, repasos de últimos detalles de maquillaje o de vestuario. Todo listo para empezar. La escena desnuda, escenario neutro, sin decorados ni acompañamientos porque no hacía falta. Estas jóvenes promesas lo supieron invadir con toda la luz de sus ilusiones. Nos hicieron sentir, viajar, ilusionarnos, soñar, con la gracia de su virtuosismo, la personalidad propia de los grandes artistas que en muchos de ellos ya se vislumbra. Y el trabajo que realizan en el durísimo día a día muestra sus frutos. Los profesores y las aulas son el medio donde se aprenden la técnica y las coreografías, pero es la prueba del escenario donde se exponen los conocimientos llevados por las emociones. Y lo lograron. Partíamos de un escenario neutro, sin decorados y con pocos recursos escenográficos. La primera aparición en escena vino de la mano de los bailarines de clásico, con "El Compromiso de Solor" (coreografía de Ricardo Franco). De pronto se hizo la magia e invadieron el escenario con toda la luz de sus sueños. Y nos hicieron soñar, viajar, sentir a pesar de tener entre sus manos una pieza con muchas dificultades técnicas. A continuación y con una acertada elección por parte de la dirección artística, disfrutamos de "Sonata en Re Menor" del Padre Soler con coreografía de Malena Mexía y "3 de plata" de Emilio Ochando. Ambas piezas interpretadas por dos alumnos que habiendo terminado sus estudios en el Conservatorio ya comienzan a dar pasos firmes en solitario. Son dos excelentes referentes para el resto de compañeros. Arantxa Carmona eligió esta noche para estrenar su nueva coreografía, "Rosa de invierno". Una vez más esta maestra enamorada del folclore puso su sello en una pieza. Arantxa sabe hacer como pocos de "lo nuestro", "lo suyo". Impregna sus coreografías de argumentos que cuentan "pedacitos de historia" en pocos minutos. Lo acompaña de un excelente cuidado en los detalles, con mágnifico vestuario de Carmen Granell. Y el resultado es una hermosa JOTA con mayúsculas. De esas que hacen vibrar al que la baila y al que la disfruta desde la butaca. También la segunda parte fue memorable de principio a fin. Y empezó con una pieza de repertorio memorable: “El fandango del cándil” uno los primeros ballets españoles que se crearon. Se estrenó por la gran Antonia Mercé en 1927; luego lo rescató Mariemma del olvido, y esperamos que gracias a las nuevas bailarinas que lo representan, permanezca “en vida” para siempre. Y conjugando estilos armónicamente pasamos del clasicismo de la escuela bolera a una pieza muy flamenca de la mano de "Un poco de ti" de Ricardo Franco. Y sin romper el ritmo y la cadencia tan importantes en una Gala, volvimos de la mano de los clásicos con música de Joaquin Turina a "Orgía" de Paco Pozo. En ambos casos piezas de excelente ejecución en manos de dos grandes promesas. Como colofón "Por derecho" de Antonio Pérez, cargado de connotaciones del más puro clásico-español. Ya tuvimos la ocasión de disfrutarlo en la Gala de Navidad y nuevamente nos ha cautivado. Es una coreografía muy nuestra, en la que por momentos nos parecía entrever la figura del gran maestro Antonio "El Bailarín". Algunas secuencias nos recordaban a personajes emblemáticos de nuestra danza. Es una obra que a medida que vaya rodando ira "in crescendo". Y hablando de maestros, no podemos ni debemos obviar la excelente labor que desarrollan. Cuando el futuro de nuestra cultura y en especial el de la danza, es tan incierto, ellos no dejan de ilusionar a sus alumnos. Nadie dijo que fuera fácil pero el que no lucha no gana. Los profesores y las aulas son el medio donde se aprenden la técnica, la historia, las coreografías, pero es en el escenario donde se exponen los conocimientos llevados por las emociones. Es el escenario donde se crece, donde se viven los minutos mágicos y donde se encuentra el sentido al inmenso esfuerzo que conlleva esta disciplina. Es el calor del público el que da el aliento para seguir trabajando. Desde Albidanza debemos deciros que ya estáis preparados para rodar. Que esta mágica noche nos cautivó y quedará grabada en nuestra memoria. A LARREAL le mueve la danza y nosotros siempre nos moveremos por y para ella. ¡¡¡Gracias!!! GEMMA ORTEGA Anteriores artículos relacionados: -Gala de Navidad en el Conservatorio -Entrevista a Mar Mel

Mañana, viernes 30 de enero, a Larreal -la “compañía” formada con los alumnos más destacados del RCDPM- le espera una cita emocionante y especial. Van a actuar en un nuevo espacio escénico: el coso de la Plaza de Toros de las Ventas, donde se ha ubicado el Gran Teatro Coso Caser Las Ventas. El aforo está completo, y la emoción de los jóvenes artistas se siente a flor de piel. La Directora del Conservatorio, Mar Mel, nos cuenta los detalles que están viviendo en estos momento. -¿Es Larreal una compañía? -No es compañía, porque una compañía tiene unas connotaciones que nosotros no tenemos. -¿Cuando nace Larreal? -Larreal son los talleres coreográficos del conservario. Hace unos años, cuando conmemoramos el 20 aniversario de su creación, fue cuando los bautizamos con el nombre de “Larreal”. -¿Es una simple denominación? -Sí, le pusimos el nombre por comodidad, porque llamar Talleres Coreográficos de Real Conservatorio de Danza, era demasiado largo. Ha sido una buena idea, un nombre más directo, más dinámico y comercial. Larreal es la culminación de un gran trabajo, el que durante años realizan día a día nuestros alumnos. -En apariencia, sin embargo desde el público se recibe a Larreal como si fueran una compañía... -Tiene similitudes porque realmente lo que pretendemos es que los chicos adquieran experiencia escénica, y cuando vayan a salir al escenario hayan vivido un poco todos los conceptos que giran en torno a un espectáculo. Es el paso intermedio entre el aula y el escenario. -¿Qué es lo mejor que adquiere el alumno con este experiencia? -La valoración que podemos hacer es muy positiva. Entre todos los beneficios que reciben los alumnos destaca, a mi entender, por ejemplo, el contacto con otros coreógrafos que les dan un estímulo diferente a lo estudiado. Es un complemento porque en realidad lo que pretendemos en el conservatorio es darles una formación lo más completa posible. -¿Cuando empezaron los talleres? -Los talleres nacen en 1992. Ahora llevan 23 años. Y como te he comentado el cambio de nombre fue en el 20 aniversario. En este vídeo se explica fenomenal: -Y sobre esta actuación que tendrá lugar mañana en las Ventas... ¿Cómo surge la ocasión de que Larreal baile en un entorno tan original? -La idea surgió gracias a una propuesta de Ángel Rojas y Carlos Rodríguez que querían abrir este espacio para la danza. -¿Cómo nace este nuevo “teatro”? -Se pensó que sería conveniente darle una utilidad mayor a la Plaza de Toros durante el tiempo en que las ferias taurinas no están en su plenitud. Así se ha construido una carpa sobre el albero, que tiene mesas, además de las gradas de butacas... Bajo la carpa hay un espacio muy grande que el próximo viernes vamos a llenar con danza. -¿Bailarán Ángel y Carlos? -No, ellos no bailan, pero sí nos pidieron que el programa fuera de danza española, y de esta forma lo hemos confeccionado, aunque lo completamos con danza clásica. -¿Bailan coreografías de repertorio? -En parte son de repertorio, como el "Fandango del Cándil" de Mariemma, y otras son de nueva creación, como “3 de Plata” de Emilio Ochando; “Un poco de ti”, recientemente coreografiado por Ricardo Franco y Beatriz Martín, que lo han hecho expresamente para la alumna que lo baila; la “Sonata nº 3” del Padre Soler, de Maleni Mexía; o el estreno de Arantxa Carmona, titulado “Rosa de invierno”. También la coreografía de Antonio Pérez “Por derecho” con música de Albéniz; y la pieza clásica “El compromiso de Solor”, de Ricardo Franco inspirada de la Bayadère... -Imagino que los alumnos estarán muy contentos. -Sí, tienen mucha ilusión. Son los chicos que cursan 5º y 6º, y por fin van a saborear el fruto de tantos años de esfuerzo. Ya han alcanzado un alto nivel y llega el momento de poder sentirlo, mostrarlo, vivirlo y compartilo con el público. MERCEDES ALBI Orden del programa: "El Compromiso de Solor" Música: L. Minkus Coreografía: Ricardo Franco, sobre original de La Bayadera de Petipa "Sonata en re menor" Música: Antonio Soler Coreografía: Malena Mexía "3 de plata" Música: Daniel Jurado y Jose y Maka Ibáñez Coreografía: Emilio Ochando "Rosa de invierno"(estreno absoluto) Música: Roberto Ciria, Ara-Ur. Cantaor: Pedro Sanz Coreografía: Arantxa Carmona DESCANSO 10 MINUTOS "El Fandango del Candil" Música: Gustavo Durán Coreografía: Mariemma "Un poco de ti" Música:Parrita interpretada por Marina Heredia Coreografía: Ricardo Franco "Orgía" Música: Joaquín Turina Coreografía: Paco Pozo "Por derecho" Música:Isaac Albéniz( El puerto, Cádiz, Albaicín) Coreografía: Antonio Pérez

El Ballet Nacional de España está últimando los ensayos del nuevo espectáculo, que se estrenará el próximo 12 de junio en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Con "Alento & Zaguán" nos adentramos en una propuesta personal del director de la Compañía, Antonio Najarro, en la que se mostrará un nuevo giro estético y estilístico en el BNE tras el gratificante resultado de la recuperación de la tradición del folclore y de los diferentes estilos de nuestra danza española en la última producción "Sorolla". Alento es un vivo reflejo del estilo de Najarro como creador, así como de su visión personal de la danza clásico española. Un recuerdo de su bagaje coreográfico, inspirado en la partitura del genial compositor, guitarrista y compañero de viaje Fernando Egozcue, el cual ha creado una música muy rítmica y llena de sensibilidad, que será interpretada por la ORCAM y por el propio Egozcue. “Alento” será vestido por los exquisitos diseños de Teresa Helbig (ACME) e iluminado por Nicolás Fischel. Un mensaje positivo y alentador, a través de una coreografía dinámica y llena de vida, interpretada por los bailarines del BNE. Zaguán, como lugar de transición de diferentes estampas, es un ballet flamenco donde varios de los jóvenes artistas del panorama actual, Mercedes Ruiz, La Lupi y Marco Flores, mostrarán su vocabulario, su estilo y su sello personal. Para esta ocasión viviremos un momento mágico, una de las grandes damas del flamenco de nuestro país, Blanca del Rey, nos dejará el legado de su emblemática "Soleá del Mantón". La música de "Zaguán" ha sido compuesta por el guitarrista flamenco Jesus Torres, la dramaturgia la ha realizado David Picazo, la iluminación de Nicolás Fischel y la diseñadora Yaiza Pinillos ha creado un elaborado vestuario de época, de corte tradicional, con un tratado de tejidos vanguardista. (Fotografía María Alperi)

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, en coproducción con el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival Internacional Castell de Peralada, el Sponsorship Consulting Mediay la agencia Old and New Montecarlo en representación del Teatre Municipal de Sao Paulo y el Teatro Comunale de Bologna, presentan una nueva versión escénica de El amor brujo de Manuel de Falla. A cargo de La Fura dels Baus, El amor brujo: el fuego y la palabra, es un encargo para celebrar el centenario de su estreno, que vino a revolucionar el panorama musical español. El 15 de abril de 1915 se estrenó en el Teatro Lara de Madrid la primera versión de El amor brujo, obra que responde a una nueva forma de espectáculo músico-teatral ideado especialmente para la cantaora, actriz y bailaora Pastora Imperio. Con música de Manuel de Falla y textos originales de María Lejárraga, el espectáculo contó con la dirección de escena de Gregorio Martínez Sierra y decorados de Néstor Martín Fernández de la Torre. El amor brujo: el fuego y la palabra, nueva versión escénica de la Fura dels Baus Este nuevo montaje se estrenará con la participación de la cantaora Marina Heredia; Pol Jiménez, bailarín y coreógrafo; actores y cuerpo de baile de la Fura. La música en el Festival de Granada será interpretada por la Orquesta Joven de Andalucía, bajo la dirección musical del maestro Manuel Hernández Silva. Para la puesta en escena en los Teatros del Canal de Madrid, la música estará interpretada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la dirección de Manuel Coves. La nueva puesta en escena, de 75 minutos de duración, cuenta con proyecciones cinematográficas del extraordinario creador granadino José Val del Omar, uno de los cineastas más singulares e importantes del cine español. Se proyectarán imágenes inquietantes y oníricas intercaladas en las distintas secuencias músico-teatrales, en las que también habrá danza, flamenco y números acróbatas cargados de movimiento, luz, aromas, agua y fuego... Previo a El Amor brujo se interpretan tres obras más de Manuel de Falla y un tema popular de cante jondo para introducir la relación entre los personajes Candelas y Carmelo en el guion de escena que ha sido concebido como espectáculo único: se escucharán fragmentos de Noches en los jardines de España, El sombrero de tres picos y La vida breve, y la canción Amor gitano. Para Carlus Padrissa, director de la Fura, “es la obra más universal, brillante y arrebatadora de Manuel de Falla. Fusiona el folclore andaluz, ‘lo gitano y flamenco’ con la música culta. Por ello, un siglo después, la obra sigue siendo moderna en las melodías vibrantes del compositor gaditano y en el pasional argumento escrito por María Lejárraga. Queremos rescatar del anonimato el nombre de la autora del texto y situarlo junto al del músico”. Homenajes a Falla y Lejárraga “Desde los primeros acordes de El amor brujo, la música arde con fuerza, funde esquemas y rompe tópicos. Queremos romper moldes igual que lo hicieron sus creadores, pero de manera diferente a lo que antes han hecho maestros como Antonio Gades y otros grandes nombres del baile flamenco, con los que la Fura no puede ni quiere competir. Presentamos un espectáculo mágico en el que intervienen de manera física el agua y el fuego con toda su carga hipnótica, la fuerza física de los movimientos corporales, el poder evocador de los olores y el desbordamiento final del escenario provocado por la luz que como el ‘amor’ puede sobrepasar todos los límites”, añade el director de escena. Gira 2015: Granada, Madrid, Perelada… Festival de Granada, 10 de julio; Festival de Peralada, 17 de julio; Theatro Municipal de São Paulo, octubre, y Teatros del Canal, mayo 2016. (Imagen; Miguel de Molina en el papel de espectro -1934-)

Estos días ha tenido lugar, en la Fundación Juan March, la exposición sobre el pintor futurista Fortunato Depero (1892-1960), en la que se ha reproducido a tamaño natural una escenografía que le encargó Diaghilev para un ballet con música de Stranvinsky, titulado "El canto del ruiseñor". Hemos podido admirar la genialidad de este pintor, encuadrado en el movimiento futurista, que ha sido hoy en día rescatado del olvido al que fue injustamente relegado. Todo un descubrimiento que nos hace reflexionar sobre como el talento se abre camino por encima la adversidad de las circunstancias. La obra de Depero era tan innovadora que fue un paso más allá, incluso para un "buscardor" de la modernidad con una mente tan abierta como Serge Diaghilev, el director de la compañía de ballets rusos, situado a la cabeza de las vanguardias artísticas del siglo XX. ¿Qué sucedió con el ballet "El canto del ruiseñor"? En aquella temporada del año 1917, los Ballet Rusos estaban de gira por Estados Unidos, bajo la dirección de Nijinsky, mientras que Diaghilev y el joven Massine viajaron desde España en coche con José María Sert y Misia a Italia. Ese invierno se establecieron en Roma donde idearon los ballets para la nueva temporada. Los proyectos a realizar fueron tres: un ballet de tema italiano con música de Scarlatti, coreografiado por Massine con diseños de Bakst, que vería la luz bajo el título de "Le femme de bonne humeur" Otra composición con música de Erik Satie, con guión de Jean Cocteau y diseños de Pablo Picasso, que se tituló "Parade". Y aquel "canto del ruiseñor" con música de Stravinsky, con las escenografías de Fortunato Depero, que nunca se estrenó. Diaghilev y Depero Si el cubismo era un movimiento con sede en París, en Roma fue el futurismo la corriente que buscaba revolucionar las artes. Diaghilev era amigo de Giacomo Balla, el principal ideólogo del movimiento, que firma junto con su discípulo, Fortunato Depero, el manifiesto "Ricostruzione futurista dell´universo" (1915): <> Unos fragmentos del universo que Depero creó para Diaghilev llegaron a la Fundación Juan March. Si se trataba de dar vida a formas inhertes, no había mejor campo de experimentación para postulados del manifiesto que eleborar la escenografía de un ballet. El primer encargo que Diaghilev hace a Depero fue el diseño de un caballo para el ballet "Cuentos rusos", del que "Kikimora", estrenado en San Sebastián (verano de 1916), era una de sus partes. ¿Qué sucedió con el caballo? Imaginamos al joven Depero entusiasmado esperando a Diaghilev, en su estudio a las afueras de Roma, para mostrarle su escultura. Massine, que le acompañaba, nos cuenta lo que pasó: <> Sin embargo, Diaghilev vió algo que le gustó mucho. Eran unas flores hechas con cartones gigantes, y ofrece a Depero una segunda oportunidad: la realización del vesturio y la escenografía para el ballet "El canto del ruiseñor". Stravinsky iba a adaptar la música de su ópera "El ruiseñor", prescindiendo del canto, para la danza. Diaghilev sugirió a Depero que contruyera un escenario parecido a una escultura cinegética, similar a los paisajes artificiales cuya teoría desarrolla en la "Ricostruzione futurista dell´universo". Depero trabajó durante meses en el proyecto, desarrollando extrañas formas picudas, y otros elementos totalmente innovadores, para los figurines y el jardín imaginario donde habitaba el ruiseñor. Los círculos artísticos de París esperaban ansiosos el estreno de la nueva obra, y Diaghilev escribió a Stranvinsky mostrando hacia ella un gran entusiasmo. Sin embargo, el proyecto nunca se llevó a cabo. Diaghilev dejó "colgado" a Depero. Las razones por las que el ruiseñor nunca llegó a materializarse no se saben con certeza. Se barajan varias teorías. Tal vez se debió a la situación de crisis económica generada por la guerra, o a la irrupción de Picasso en el entorno de los ballets rusos -se reune con ellos en Ilalia y se enamora de la que será su primera esposa, la bailarina Olga Koklova-. Otras razones podrían ser la dificultad de adaptar los trajes al movimiento de los bailarines, o el retraso de Depero en la entrega de los bocetos... No se sabe. Se puede percibir, claramente, la influencia de Depero en los diseños que realizó Picasso para el ballet "Parade". Lo que sí es un hecho cierto, es el final que tuvo la escenografía fabricada por Depero. El pintor, que atravesaba una de sus frecuentes etapas de penuria económica, no pudo pagar el alquiler del estudio. La casera lo desahució y destruyó el soñado jardín del ruiseñor. Pero la obra de Depero sigue viva, tan viva que ha podido contemplarse recientemente en esta brillante reconstrucción, expuesta por la Fundación Juan March. Puede ser que Diaghilev olvidase a Depero, sin embargo, nunca sucedió lo contrario. Y es que el estilo del pintor evolucionó gracias a la influencia de los ballets rusos. Sus cuadros se convierten en escenografías, y el mundo vivo de la danza habita para siempre en ellos. EUGENIA SARTORIUS Anteriores artículos relacionados con el tema: -Nijinsky en Hollywood (1) -Nijinsky en Hollywood (2)

Miguel Ángel Berna presenta en los Teatros del Canal "Mediterráneo". Tal y como él mismo ha confesado, este espectáculo nace de su inquietud por conocer los orígenes de la jota. El artista a partir de esa necesidad realiza su personal búsqueda, basada en una profunda labor de investigación que le condujo a través de diversos paises, desde Albania pasando por Túnez, Grecia e Italia. Se fascinó al descubrir que aquella jota que aprendió en infancia, tuviera tantas coincidencias con el folclore de los países visitados. Entonces concibió su objetivo: el alejamiento de la jota aragonesa del "baturrismo", intentando romper con el academicismo de los puristas y asumiendo los riesgos que ello conlleva. En "Mediterráneo" le acompañan un excelente grupo de músicos, así como dos voces de gran calado: María Mazzotta -cantante reconocida de la música tradicional italiana- que interpretó con mucha dulzura, entre otras piezas, "La Tarara" de Federico García Lorca; y Nacho del Río -cantante de jota aragonesa, recientemente nombrado hijo predilecto de Calatayud-. Una de las caracteristicas de este espectáculo es la de combinar música y danza a partes iguales fusionando armónicamente las culturas. Y digo a partes iguales porque son tan protagonistas la una como la otra. Por momentos, parece que estemos asistiendo a un concierto y que nos falte danza, pues son tan intensas las apariciones de Berna en escena que sus ausencias, aunque quedan sobradamente cubiertas con la música, se hacen notar. Miguel Ángel con su fuerza, con su gran personalidad, se nos muestra en su recorrido por el "Mare Nostrum" como un Ulises en busca de Ítaca. Es un bailarín tan carismático y poseedor de una excelente técnica que podría haberse quedado anclado en un repertorio mucho menos arriesgado y seguro, del que habría salido airoso. Pero movido por su curiosidad ha ido más allá para convertirse en algo distinto, y gira vestido con una "fustanella" de forma incansable con una cadencia y ritmo impecable. Con esta misma calidad es capaz de bailar una "Jota Tarantada" -fusión de ritmos italianos y aragoneses-. Berna en cualquiera de sus piezas hace hablar a sus mejores compañeras, las castañuelas, y lo hacen con el sentimiento que unen su "dedo corazón" con la pasión por su jota. No obstante, fusiones a parte, la gran triunfadora una vez más es la "Reina de las Jotas", la baturra, la aragonesa, porque en ella se contiene la emoción y hace desatar la ovación del público. Es la jota aragonesa la que en una de sus olas condujo a Miguel Ángel Berna a donde está y es la que le devuelve al sitio que merece. GEMMA ORTEGA Fotografías Juan Moreno https://www.youtube.com/watch?v=DGVlpnnbFtI

La Compañía Nacional de Danza sigue su senda de enraizamiento y apertura directa hacia el público, con lo que no cesa en su actividad, organizando numerosos actos casi íntimos, pero constantes en el tiempo, y actuando en los teatros y núcleos culturales más relevantes. El entrañable homenaje a María de Ávila, que tuvo lugar hace unas semanas en la sede de la CND, dónde se le puso su nombre a una de las Salas, era una cita inexcusable. Todo es poco para esa gran maestra que es la piedra angular en donde reposa el origen de toda una generación emblemática de bailarines. Las jornadas de puertas abiertas prosiguen, como la acontecida estos primeros días de enero, obsequiando a los asistentes con el cuaderno pedagógico, escrito por Elna Matamoros, “Balanchine para jóvenes”, gracias al patrocinio de la Fundación Loewe. El pasado viernes se ofreció, en el Teatro Auditorio de Alcobendas, un adelanto del mismo programa de tres piezas que presentarán en París, en el Théâtre des Champs Elysées, a finales de este mes (“Casi-Casa” de Mats Ek, “”Extremely Close de Alejandro Cerrudo y “Sub” de Itzik Galili). El día 23 participaran en la Gala Inaugural Del Museo Universidad de Navarra. La nueva producción que se está ensayando ha generado una gran expectación entre el público. Promete ser muy interesante esta revisión del mito de “Carmen”, coreografíado por Johan Inger, con la célebre música de Bizet que arreglase Rodion Shchedrin para un ballet a su esposa Maya Plitseskaya, y figurines a cargo de David Delfín, en una dramaturgia creada por Gregor Acuña-Pohl. Se estranará en el Teatro de la Zarzuela en abril. José Carlos Martínez sigue apostando por una compañía nacional que concilie los diversos estilos y las diferentes corrientes artísticas bajo el paraguas único de la DANZA. Les deseamos muchos éxitos en esta nueva temporada que comienzan con paso firme. PAOLA PANIZZA

(anterior) El 21 de septiembre de 1936, se toma esta fotografía, que nos sirve de epílogo para cerrar la serie de artículos dedicados a la bailaora Agustina Escudero, una mujer excepcional, cuyo rastro se ha transmitido de generación en generación, siendo precisamente su bisnieto, el escritor Joaquín Albaicín, quien rescata la imagen de los archivos del diario ABC, y publica su magnífico artículo “La otra generación del 27”. No se puede reunir más arte en una sola fotografía. Describe, Joaquín: <> El rostro de Agustina aparece agazapado entre La Argentinita y la actriz Catalina Bárcena. Ella es una mujer que brilló en los lienzos y en el amor de los suyos, no busca un lugar preeminente en la fotografía. No lo necesita. Se basta con sí misma y el orgullo que debía sentir por sus dos hijos: Miguel, el bailaor que quiso ser torero y había debutado con Argentinita en el ballet “Las calles de Cádiz” (1933); y Rafael, que en aquel momento deseaba consagrase como pianista, aunque el destino le tenía reservado un sitio de honor en el mundo del toreo. La flor y nata de artistas que actuaron ese día en el Teatro Calderón es algo que, con solo imaginarlo, deja a cualquiera sin habla. Agustina y Pastora Imperio, juntas de nuevo en la fotografía, están rodeadas por la nueva generación que se abre paso en medio de grandes dificultades. En el aire se quebraba el cante de Manolo Caracol y el de Pastora Pavón, la Niña de los Peines, cuya mítica voz de “estaño derretido” nos deleita en estas alegrías grabadas de 1929. Zuloaga contó que una vez llevó a Stravinsky a oirla, y el compositor ruso quedó maravillado y exclamó: “¡Qué prodigio! Nosotros que creíamos estar haciendo algo nuevo en música, y resulta que todo está ahí ya, en la garganta de esa mujer.” En el medio de la foto vestida de blanco, poseida por una majestad que parece hacerles a todos girar sobre su centro, esta Encarnación López, la Argentinita. Atrás habían quedado los años de felicidad junto a su gran amor, el torero Ignacio Sánchez Mejías. No hacía mucho que habían estrenado en el Teatro Español (1933) el ballet “Las calles de Cádiz” de cuyo libreto era autor el malogrado torero. Fue, precisamente, en ese espectáculo donde debutó el joven Miguel Albaicín. ¡Cuantas cosas habrá relatado Miguel a su sobrino nieto, el escritor Joaquín Albaicín! Vivió momentos trascendentales. El bailaor fue testigo de la conmoción que sacudió a los artistas, sintiendo en carne propia la muerte Ignacio Sánchez Mejías, que Lorca inmortalizó en sus poemas. Los reproducimos en la voz de Paco Rabal: Argentinita quedó desconsolada por la muerte de Ignacio, y para olvidar la pena que corroía su alma, emprendió una gira por América con su compañía en la que también viajó Miguel Albaicín. La fatalidad, una vez más, hizo que regresan a Madrid en julio del 36, pocos días antes de estallase la Guerra Civil. Las sonrisas de la foto son una mera apariencia, un disfraz, una careta de gestos alegres en tiempos de desgarro interno. La muerte rondaba a los artistas y el miedo se instaló en ellos como una consecuencia del horror cotidiano. Es necesario leer el artículo de Joaquín Albaicín para darnos cuenta de alguna de las “realidades” que estos rostros escondían. Bailaores, cantantes, actrices son llevados de aquí para allá a festivales en pro de la República. Escribe Joaquín: "(...) la alegría aparente de los artistas, que encubre sus esperanzas de fuga de un Madrid sitiado y cacheado cada noche por la Brigada del Amanecer, los Linces de la República y otras cuadrillas de ejecutores que habían ya amenazado de muerte a Joaquín Turina y asesinado de un disparo en la nuca, en la Puerta del Sol y a plena luz del día, a Rodero, el fotógrafo taurino de la calle del Príncipe. Quedaba apenas un mes para que dieran el «paseo» a Ramiro de Maeztu y dos para que acabaran con el comediógrafo Muñoz Seca. Y tres sólo para que mataran también vilmente a Valencia II, a quien no sirvió de nada torear en Alicante a beneficio del Frente Popular sólo un día antes de ser tomada esta foto... Sé por boca de mi tío Miguel, pareja artística por aquel entonces de Argentinita, en cuántos festivales a favor de «la causa» hubo de participar. ¿Cómo decir no? La otra opción era ser fusilado «por fascista»." Este testimonio coincide con lo que la hermana de Argentinita, Pilar López le cuenta al escritor Ángel Álvarez Caballero en su libro “El baile flamenco”: <> Sin embargo, Argentinita y su hermana Pilar López fueron de las pocas que lograron escapar, gracias al pasaporte argentino de Encarnación, se marcharon a través de Orán. En América se juntaron con los otros artistas españoles que ya se habían ido, como Carmen Amaya, con quien se hacen esta foto en NY, bailando en porche de su casa. Un trozo de España se quedó en América. Entre los que aquí permanecieron y lograron salvar su vida "por los pelos", estuvo Rafael Albaicín, el menor de los hijos de Agustina. Según nos sigue relatando su bisnieto Joaquín: <> El amor de una madre como Agustina, que se esfuerza, a pesar de que ella era analfabeta, para que sus hijos estudiasen idiomas, logra el milagro de protegerles frente a la muerte y los horrores de la guerra. He querido significar en estos capítulos la grandeza de Agustina Escudero. Una mujer, que parió arte, dió y salvo vidas, y permanece eterna sonriéndonos en los lienzos y mirándonos para siempre con unos ojos negros de “siniestra belleza”. ¡Ave, Agustina, Reina de los Gitanos! MERCEDES ALBI

Estos días en que el espectáculo "Adalí" está en los Teatros del Matadero de Madrid, es imprescindible escuchar el siguiente audio, en el que Aída Gómez hace un repaso de sus músicas preferidas acompañadas de sus recuerdos, en el programa "Juego de Espejos" de Rádio Clásica. Os recomendamos pulsar sobre el surayado y escucharlo, así como deseamos a Aída y al resto de artistas que forman parte de este espectáculo, que cosechen un gran éxito. Con toda la admiración y el afecto del Equipo de Albidanza.

Reestreno con aroma de estreno. Aida Gómez regresa a Madrid con 'Adalí', un espectáculo que sólo pudo presentarlo una noche dentro de la edición de Suma Flamenca de 2012. En esta ocasión, la bailarina estará en las Naves del Matadero, al lado de donde tiene su sede el Ballet Nacional de España que dirigió, hasta el 1 de febrero. 'Adalí' es el homenaje de Gómez a Madrid, donde nació y se formó con maestros como Antonio, quien la 'retiró' a los 14 años del ballet que estudiaba para 'envenenarla' con la danza española, o Mariemma, entre otros maestros. No sólo desde el título, el nombre de la capital en calé, sino en toda su esencia, pues la obra es “un recorrido por Madrid, una ciudad que es una fusión de culturas y donde nos conocimos todos los que hacemos Adalí”, explica la bailarina, que va más allá del flamenco, aunque este tipo de baile tenga un gran protagonismo. “No es un espectáculo de flamenco donde está metida la danza española. No, es danza española en la que, lógicamente, incluyo flamenco”, precisa Gómez. Así, 'Adalí' comienza con una introducción “por todo lo alto de palillos y chello con un poco de folklore” para recordar luego el histórico 'Permíteme bailarte' y adentrarse en el flamenco de hoy con seguiriyas, tangos, rondeñas, “unas alegrías que dan ganas de escucharlas en el coche y una farruca con sabor a Buenos Aires”, dice la Premio Nacional de Danza de 2004, además de seguiriyas, rondeñas y tangos. Con este último palo acaba un espectáculo que tiene una música original de Juan Parrilla y la colaboración de Batio. Ambos han compuesto una partitura “muy emocionante” que inerpreta el elenco original de la obra -Gómez, Christian Lozano y Eduardo Chamorro- del 27 de enero al 1 de febrero. Antes, del 15 al 25 de este mes, acompañarán a la bailarina en el escenario José Manuel Benítez y Moisés Navarro, un joven bailaor del que Gómez se quedó prendada por su “fuerza” cuando lo vio en un tablao. CARLOS GALLEGO