Conversamos con Azucena Huidobro para felicitarla por el éxito obtenido con “Quiero Bailar Flamenco”, un libro dirigido a los más pequeños, cuya segunda edición verá próximamente la luz. Azucena ha dedicado su vida a la danza y no ha perdido ni un ápice de la ilusión que sentía cuando siendo casi adolescente, con sólo 17 años, entró en el Ballet Español de Madrid, bajo la dirección del maestro Granero. Desde entonces no ha parado de bailar formado parte de las más célebres compañías de danza española -Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar, José Antonio y los Ballets Españoles, la Compañía de Aída Gómez y Compañía de Antonio Márquez, Ballet Nacional de España con Aída Gómez- con las que ha recorrido el mundo. Actualmente, es Asistente de Dirección de Antonio Najarro en el Ballet Nacional de España. Azucena es un ser inquieto e inteligente. Su rizada melena envuelve una cabeza que no para de bullir, de pensar, de buscar la forma de transmitir a los demás el gran amor que siente por la danza española. -Felicitaciones por la segunda edición de tu libro, "Quiero Bailar Flamenco" ¿Cómo te sientes? -Muy contenta, la venta ha funcionado muy bien, tanto que la editorial Planeta me ha dado la buena noticia de que se va a reeditar, tanto en inglés como en español (*) -¿Se ha vendido bien en inglés? -Sí, se agotaron enseguida, incluso antes que la edición española. También había memos ejemplares, pues salieron 500 en inglés, y 3.500 en español. -Es un libro con unos dibujos preciosos... -Las ilustraciones son de Mario García Arévalo, con quien he trabajado mano a mano, y ha sido muy duro. El no sabía nada de danza y yo le daba las referencias de cada detalle por pequeño que fuera. Por ejemplo, si una niña aparecía en una postura, esta debía ser la correcta desde la posición de los pies a los dedos de las manos... Mi objetivo es que el libro fuera un referente didactico además de un cuento. Por ello, muestra una realidad, cómo es un aula de danza, cómo son las castañuelas, de qué color son... Para que los pequeños alumnos se sientan identificados con lo que ven cada día. Le enviaba a Mario fotos con posturas. Las posiciones de brazos son mías; para los toques de palillos... Pues me fotografiaba las manos. Y los pies de los zapateados son de mi peque (ríe). -Cuéntame de que trata el cuento. -El personaje principal es una niña, Sara. Ella es el reflejo de mi vida, de cómo me acerqué al mundo de la danza, de mis experiencias como bailarina... Aunque te confieso que la idea de escribirlo me llegó durante un período en el que impartí clases de danza, el cual coincidió justamente con el tiempo en que mi hija comenzaba también a aprender el flamenco. Ahí me llegó la inspiración. -¿De qué forma? -Yo tenía un montón de cuentos de ballet, pero me di cuenta que no encontraba nada de flamenco, y buscaba algo para que mis alumnas más pequeñas se divirtieran aprendiendo ¡No había nada! Entonces, empezó a surgir la idea en mi cabeza. Pensé que me encantaría poder llegar a casa y leer con mi hija un cuento que no fuera ni de Barbie, ni de Monster Hight, sino que tratase de algo que compartimos las dos. -¿Es un libro solo para niñas? -No. Uno de los personajes es un niño, y es importante que así sea, pues por desgracia los chicos todavía lo tienen más dificil para que sus padres les lleven a aprender a bailar. -¿Pero cómo llegas a poder plasmar tus ideas en un libro y que te lo publiquen nada menos que en Planeta? -Conseguí tras muchas averiguaciones la dirección mail de la editora juvenil de Planeta. Y le envié un correo. -¿Te contestó? -Sí, me propuso que cuando viniese a Madrid me reuniera con ella. Así fue, y me presenté en la entrevista sin nada escrito. Todo estaba dentro de mi cabeza. -¿Cómo les convences? -Esas cosas que pasan... Sentí desde el primer momento que entre Marta - la editora- y yo surgía una corriente de empatía muy fuerte. Y propuso a la editorial estudiar el proyecto. Así, en un par de meses lo aprobaron y ¡Zas! Había que ponerse manos a la obra... -Un idea que se plasma y que logra el éxito, porque tu libro es un referente para que los pequeños aprendan sin darse cuenta. -Ese era mi objetivo, crear un referente en el campo didáctico. -¿Tienes pensado escribir más libros? -Mi cabeza no para, ideas tengo muchas. Cuando Marta apostó por mi proyecto, en la editorial no conocían el mundo de la danza ni el flamenco... Es un tema que se dirigía en a un público especializado. Ahora me alegro tanto de que me digan que el libro funciona, que se vende... -¿Qué es lo que más te enorgullece? -Les he podido demostrar que apostar por la danza tiene recompensa. También hay muchos gestos particulares, anécdotas que me han contado que me ponen muy contenta. -Cuéntame alguna. -El otro día me pongo a firmar ejemplares en una academia de danza, y me dicen que llegó una niña con una libretita de anotaciones como la del libro, y le comenta a su profesora: "traigo una libreta como Sara". Esas cosas a mi me emocionan un montón. Las niñas serán el futuro público. El final de mi cuento, y esto le encantó a la editora, no es como suele ser, que la protagonista logra sus sueños y se convierte en estrella. Sara dice que no sabe que pasará, si llegará o no a primera bailarina, ni sabe que será de su vida... Sin embargo, eso no es lo que importa, porque el vínculo con el maravilloso arte del baile español está creado, y su amor por él quedará en ella para siempre. Para mí esta conclusión significa un homenaje a toda la gente que ama la danza, que no son famosos ni pretenden serlo. Son miles y miles de personas a los que me apetecía dedicarles un guiño. Ellos forman parte del público que siempre esta ahí para darnos el mejor de los aplausos. MERCEDES ALBI (*) Pulsando sobre las palabras subrayadas, se accede los enlaces para comprar el libro.

Llueve en París. Nos dirigimos hacia el Palais Garnier por la Avenida de la Opera. Es un ensueño. Las luces navideñas brillan, se reflejan sobre el suelo mojado llenando el aire de destellos. El edificio de la Ópera de París posee el esplendor de los templos, se respira una atmósfera que sólo es propia de los lugares sagrados. Allí habita el corazón del ballet, pero no es un corazón de piedra sino de carne, porque late dentro del pecho de una étoile: la bailarina argentina Ludmila Pagliero. Ella es la encargada de dar vida sobre la escena al espíritu de la danza. Se abre el telón y la vemos aparecer como la ninfa Naila de “La Source”. Su baile etéreo es pura armonía, expresión, musicalidad, poesía... Nos conmueve. La esperamos a la salida de artistas, sus ojos chispean y tiene el detalle de agradecernos que hayamos viajado desde España para verla. A pesar del cansancio que le ha supuesto hacer dos funciones seguidas, quedamos con ella a la mañana siguiente en el Café Wepler. Ludmila a la luz de la mañana, sin maquillaje, tomando el café con leche con el que desayuna, sigue siendo hermosa. Sus modales son delicados, habla y sonríe con dulzura. Su mirada se pierde recordando los días de la infancia en Buenos Aires. Su relato nos hechiza, nos sumerge en un verdadero cuento de Navidad: su propia vida. -¿Cómo empezaste a bailar? -Por una simple necesidad de moverme, de utilizar mi cuerpo. Yo era una niña que sentía que mi cuerpo tenía que ser el instrumento de algo de lo que ignoraba hasta el nombre. No sabía que la danza existía. -¿En tu familia no hay bailarines? -No, ninguno. Nadie en mi familia se ha dedicado a la danza. Uno de mis abuelos trabajó en el teatro, pero nada más. Yo no sabía ni como expresarle a mi mamá esa necesidad interior que me poseía. Era una agitación, un deseo de fatigarme, de desgastarme físicamente... Me llevaron a clase de ballet y no me gustó. -¿Dónde? -Mi mamá me apuntó a clases de danza clásica en un estudio cerca de casa. Lo encontré aburrido. No había piano, la profesora era severa y golpeaba el suelo con un bastón para marcarnos el ritmo. Salí y dije: no quiero ir más. -¿Y lo dejaste? -Me matricularon en clase de jazz. Y me encantó. Yo me veía como una Liza Minelli danzando y cantando. Por fin, podía mover mi cuerpo como me encantaba. Mi profesora, Silvia, vio en mí algo, y le recomendó a mi madre que me apuntase a ballet. -¿Te gustó esta vez? -Si, me encantó. La profesora era Fabiana Maggio, que había sido bailarina del Teatro Argentino de la Plata. Recuerdo que finalizábamos las clases haciendo improvisaciones. No era tan estricto para una niña tan chica. Era como un juego. Iba, me divertía y me sentía bien. -¿Cuándo se transformó el juego en algo más serio? -Todo sucedió sin pensar, como recorriendo un camino trazado de antemano. Empezaron a recomendar a mi mamá que sería bueno para mí ir al Instituto Superior de Arte la Escuela del Teatro Colón. Ella se quejaba: “vaya, siempre hay algo más...” (ríe). Sin saber tampoco porqué, fue así como me inscribí. Había que pasar un concurso con diferentes pruebas al que se presentaban más de 250 chicas, ¡Y no sabía nada de danza clásica! -¿Estabas motivada? -Sí, y eso era un problema para mi madre., El Instituto de Arte preparaba las chicas a pasar el concurso. A mi mamá le contaba después de las clases que el profesor me reñía, “señorita Pagliero, haga tal cosa”, y mencionaba pasos que yo no entendía. A mi mamá le sabía mal y me preparaba para el fracaso, trataba de consolarme diciendo que si no entraba no pasaba nada, etc... Un día salí llorando de la clase, pero seguí. A la semana siguiente pude contarle: “el profesor me felicitó”. Llegó el día del examen y quedé entre las 12 chicas que escogieron. Todo fue tan rápido que ni me di cuenta de lo que significaba ser bailarina. -¿Qué recuerdas de tu época en el Teatro Colón? -Tengo un buen recuerdo. Estudiábamos con el método Vaganova, con maestros de muy diversa procedencia, de escuelas diferentes. Por eso el bailarín argentino se caracteriza por su facilidad de adaptación, no está marcado, definido, sino que es versátil y moldeable. -¿Qué edad tenías? -Sólo 9 o 10 años. -¿No dudaste de tu vocación cuando te diste cuenta de lo que significaba convertirte en bailarina? -Te seré sincera. Sí hubo un momento muy difícil en la adolescencia, cuando fui consciente de que la danza ocupaba demasiado espacio en mi vida. Se hacía muy cuesta arriba la falta de compatibilidad con los estudios de la escuela normal, a los que había que añadirles la carrera de danza. Dos escuelas y una sola vida, sin tiempo apenas para nada... -¿Cómo lo hacías? -Al final tuve que dejar la escuela y hacer los estudios a distancia. Imagínate, yo tenía que ir por la mañana al colegio normal, luego iba al curso de danza básico, y por las noches, en el Instituto, todas las chicas iban a cursos privados. Yo iba con una profesora que me daba el curso avanzado de tres veces por semana durante tres horas por la noche... 3 horas, 3 veces por semana. Hay una historia que me gusta contar sobre este tiempo... Poco después de mi entrada en el Instituto, Fabianna Maggio, la profesora que me había empujado a inscribirme, me dijo, con mucha humildad, que el nivel de su escuela no era suficiente para mi, "para progresar como se debe progresar con alguien del Instituto". Entonces, mi mamá se fue a buscar un otro estudio, de un nivel mas alto. Encontró uno, que parecía bastante bien. Y yo empecé a trabajar allá. La profesora que había era buena, pero tenía un problema, siempre quiso tener una hija y eso nunca sucedió, por lo que de una cierta manera me adoptó. Quería acompañarme a la escuela, a los concursos, invitarme a pasar tiempo en su casa para entrenarme, etc. Después de un año, un día, durante un curso, tuvimos una disputa en la que habló mal de mi madre. Y no era la primera vez que sucedía. Yo salí de la clase llorando y gritando que nunca iba a volver. Fue a pedir a la secretaria que llamara a mi mamá. De vuelta a la casa, yo no me calmaba. Después de un momento, le expliqué a mi mamá. Ella pidió una cita con la profesora. Durante la cita, la profesora le dijo que Ludmila nunca iba a poder lograr nada, porque no tenía una mamá con un titulo universitario y un papá con dinero. Te hacen sufrir este tipo de cosas cuando eres niña, cuando tienes 10 años. Pero nada está escrito con antelación. Y no se puede tampoco juzgar una persona de esta manera, con este tipo de criterios. A esa edad ya iba sola a todas las clases. Tienes un momento de agotamiento, y empiezan las dudas sobre si es ese tu verdadero camino. Son momentos en los que nada parece claro. -¿Pensabas en tus planes de futuro? -No parecía que existiera, no había futuro, especialmente porque en mi propio teatro no salían plazas para poder entrar en el cuerpo de baile. -¿Surgió una salida? -Siempre intervino en mi vida el elemento sorpresa, el azar inesperado y emocionante... (Continuará) MERCEDES ALBI (Fotografías de Ludmila en "La source", por Julien Benhamou)

Danza española para despedir y recibir año. El Teatro Real presenta estas Navidades la nueva mirada de Víctor Ullate hacia 'El amor brujo'. Dos décadas después de estrenarse con la obra de Manuel de Falla, el artista zaragozano regresa a la partitura del compositor para hacer “una revisión total'”, según sus palabras, que estará en el coliseo madrileño el 29 y 30 de diciembre, más el de 2 y, con dos funciones, el 3 de enero. Para la nueva coreografía, Ullate ha convocado para que compartan escenario con su compañía al bailaor Rubén Olmo y a la cantaora Estrella Morente. De la parte musical se encargan el guitarrista Pedro Sierra y Josep Vicent, un director con especial dedicación por la danza, que estará al frente de una Orquesta Sinfónica de Madrid que interpretará una adaptación de las versiones original de 1915 y la revisión de diez años después. A esta partitura ha añadido tres canciones populares del propio autor, más una variación de Paco de Lucía sobre para el trance de José, y unos efectos especiales creados para la ocasión por Luis Delgado y el conjunto In Slaughter Natives. La danza también incorpora importantes variaciones respecto a la versión de 1994. “El esqueleto es el mismo, pero todo lo demás está muy cambiado”, asegura Ullate, que declara estar “muy orgulloso de lo que salido” con la revisión, que le ha dejado “un perfume español, pero sin caer en tópicos”. El cambio principal es la “transformación de José en un ser oscuro, con un séquito de ángeles negros que hacen una especie de ritual”. Para ello, Ullate ha incorporado “una proyección que es una obra de arte en 3D”. Además, el coreógrafo ha profundizado en “la complicidad entre Candela y Lucía". De la anterior versión, Ullate ha mantenido algunas partes, aunque con retoques. “La pelea de principio es lo único que hay de lo antiguo, no la he tocado, pero sí perfilado, y la danza del fuego está mejorada”. Otra novedad tiene que ver con Morente, que no sólo canta, sino que también “se mete dentro de la obra”, pues Ullate la hace desdoblarse en la pitonisa. “Estrella está guapísima, con una bata de cola enorme”. Morente se siente “privilegiada” por formar parte del elenco de una “obra magna, profunda, intensa” que conoce muy bien, pues es un titulo que ya ha cantado en unas 30 ocasiones con diferentes orquestas. Pero ninguna como la presente, ya que tiene coreografía de Ullate, con quien mantiene “una relación casi paternal” ya que le conoce desde su niñez, y es en el Teatro Real, un coliseo que su padre la llevaba a ver “por fuera cuando era pequeña”. CARLOS GALLEGO

El Ballet Imperial Ruso fue creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya, que durante muchos años fue su presidenta de Honor y asesora general. El director artístico del Ballet es Gediminas Tarandá, quien antes de crear la compañía fue solista principal del Teatro Bolshoi de Moscú (1980-1994) y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich. Su trabajo fue reconocido con el Primer Premio del Concurso Nacional de Ballet de Moscú (1978), Primer Premio del Concurso Nacional de Coreografía y Ballet (1980), Premio al Mejor Intérprete de Coreografía Moderna (1984). Artista de Honor de Rusia (2005), Orden de Diaguilev (2008). En el teatro Compac Gran Vía se estrena estos días un título muy apropiado en estas fechas, "El Cascanueces", y a partir del 6 de enero el público podrá disfrutar de "El Lago de los Cisnes"; la gran novedad vendrá de la mano de "El Quijote", un título que se representa muy escasamente en nuestros teatros, y que podremos ver desde el 20 de enero gracias a esta querida compañía rusa y a su productora Tatiana Solovieva.

Cada vez que me ofrecen la oportunidad de visitar un conservatorio de danza, es como adentrarme en el "mundo de los sueños". Allí se van germinando, con un enorme esfuerzo, los bailares de nuestro futuro. Son jóvenes de una sociedad que no se lo está poniendo nada fácil. Capaces de compaginar sus estudios académicos con los de danza. Protagonistas de interminables jornadas de trabajo que deberían ser portada de muchos medios de comunicación de nuestro país. Confío en que se les haga justicia y algún día, alguna cabeza pensante, les elija como modelos a seguir para las nuevas generaciones. La gala de Navidad de anoche en el "Conservatorio de Danza Marienma" fue una vez más fantástica. A la entrada muchos nervios mezclados con grandes ilusiones. Entre el público sus familias, amigos y compañeros de aventuras. Ellos mejor que nadie conocen el sacrificio de estas pequeñas grandes promesas. Nos ofrecieron extractos de dos piezas de contemporáneo, "YOUNG HAPPENINGS" y "DESPUÉS DE MUCHOS AÑOS EL CISNE MUERE" de José Reches. La primera guardaba la sorpresa del acompañamiento musical de Noemí Lario. Tocó el arpa, el piano y además acompaño con su voz la pieza. La segunda, es la visión personal del coreógrafo del "cisne", figura recurrente en nuestra danza, y a la que ofrece cabida en las formas contemporáneas de una manera muy acertada. Cada vez son más y mejores los estudiantes de esta disciplina. Los alumnos de ballet clásico ejecutaron "EL COMPROMISO DE SOLOR" de M. Petipa y Ricardo Franco. Es una pieza con elevadas dificultades técnicas que defendieron con mucho nivel. El pequeño gran teatro del que disponen se les quedaba pequeño. Debieran tener la posibilidad de poder representar obras de esta talla en otros escenarios. Y allí me los imagino no tardando mucho tiempo. Y para finalizar "POR DERECHO" de Antonio Pérez con música de Albeniz. Es una pieza apoyada en las formas más tradicionales de la danza española. Sombreros y abanicos acompañan al excelente grupo de bailarines. Por momentos aparecían figuras que mucho me recordaban el sello de Antonio "El bailarín". Enhorabuena a todos, directora, coreógrafos, profesores y por supuesto alumnos. Vuestra labor es impagable. Contra viento y marea sois fieles al compromiso con la danza. El futuro es incierto pero nunca dejéis de bailar. Bailad para vosotros mismos y para todos los que estamos deseosos de disfrutar de vosotros. BUEN TRABAJO Y FELIZ NAVIDAD!!!!!! Texto: GEMMA ORTEGA Fotografías: Jorge Alvárez (cabecera) y Jesús Robisco (última)

En la sala de prensa de los Teatros del Canal ha tenido lugar la presentación de “A+A” el espectáculo que ponen en escena el bailarín y coreógrafo Ángel Corella, junto al violinista Ara Malikian y la Orquesta en el Tejado. Ángel Corella se muestra contento con “A+ A”, y considera que se ha logrado una perfecta simbiosis entre música y danza. Para él es un placer trabajar con Ara Malikian compenetrándose a la perfección aunque manteniendo cada uno su propio estilo. El espectáculo consta de dos partes: la primera, dedicada a Tchaikovsky, a través de la pieza Bhithe Wick. Ara y Ángel en perfecta sintonía, abren el primer movimiento, incorporándose paulatinamente el resto de los músicos y bailarines; en la segunda parte, la música y la coreografía son actuales -“After de Rain“ de Cristopher Wheeldon, un bellísimo paso a dos interpretado por Carmen Corella y Dayron Vera, y “Solea” de María Pajes, bailado por Ángel y su hermana. El gran bailarín nos contó que ha escogido Madrid para celebrar su retirada como bailarín y emprender un nuevo rumbo en Philadelphia dirigiendo el Pensilvania Ballet. Su despedida será el 4 de Enero bailando con su hermana Carmen, porque su incorporación en el Pensilvania será el día 6 de enero, así que en tan señalada fecha le deseamos de corazón que los Reyes Magos le traigan lo que merece. Ara Malikian comentó que la idea de hacer un espectáculo con Ángel Corella surgió a través de un amigo común. E hizo hincapié en que la orquesta no está en foso como en las representaciones tradicionales de ballet sino que interactúa con los bailarines formando parte de la coreografía. Para èl ha sido también un placer trabajar con Ángel Corella porque cada uno ha mantenido su propio espacio. “A+ A” se podrá ver en la Sala Roja del 18 de Diciembre al 4 de Enero. PAOLA PANIZZA

Si veinte años es nada, como dice el tango, diez no deben ni ser. Excepto para una compañía de danza en España que si en tiempos de bonanza lo tiene difícil, mucho más si la mitad de su existencia la ha pasado durante una crisis devastadora para la sociedad en general y las artes escénicas en particular. Por eso Daniel Abreu ha decidido celebrar el décimo aniversario de su formación, como va a hacer del 17 al 20 de diciembre en la sala Cuarta Pared de Madrid, donde su compañía es residente. Junto al aniversario, Abreu tiene otros motivos de celebración. El coreógrafo y bailarín recibió hace apenas un mes el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación, por lo que estas actuaciones serán no sólo como un repaso a su trayectoria, sino también la primera oportunidad que tiene el público madrileño de verle después de ser premiado con el galardón. Para la ocasión, Abreu ha preparado un programa que varía todos los ideas. Las actuaciones comienzan el miércoles 17 con 'Acto de fe', una nueva obra cuyo título que encierra muchos significados. Por un lado la obra es un “relato narrado y bailado de los diez años de historia de la compañía”, según Abreu. Y por el otro, la frase alude a “la confianza, el acto de fe” hacia los otros que es necesario para salir a los escenarios. El resto del programa lo componen dos de las piezas anteriores más representativas de la compañía. La primera es 'Silencio' (19 de diciembre), una pieza que Abreu estrenó el año pasado en Madrid en Danza, mientras que la segunda (día 20), con la que concluirá las celebraciones del décimo aniversario, es 'Perro', la obra de 2006 con la que obtuvo reconocimiento. El cartel incluye otra fecha, la del viernes 18. Esa noche Abreu y los participantes en el taller que ha impartido en Cuarta Pared durante los últimos días, ofrecerán los resultados de sus trabajos. CARLOS GALLEGO (Fotografías: Antonio Barajas Rodríguez, Piti Prieto y Yassiek)

Circula el rumor de que algo maravilloso sucedió el pasado sábado en la actuación del Ballet Nacional de España del Teatro Mira de Pozuelo. Por tratarse de un recinto con aforo muy limitado frente a la gran demanda de localidades existente, la inmensa mayoría de seguidores del BNE se quedaron sin verlo. Hemos recibido una avalancha de mensajes preguntándonos sobre el espectáculo y sobre si íbamos a escribir la crítica. Sentimos mucho no haber podido asistir, pero he decidido conocer la opinión de un espectador de excepción: Ricardo Cue, que amablemente responde a mi llamada. Mercedes-¿Pudisite ver al BNE el sábado? Cuéntamelo todo... Ricardo- Fuí de los pocos afotunados en poder asistir al programa ofrecido por el BNE en el Teatro Mira. M-¿Quien había entre el público? R- Estaba lleno de gente de Pozuelo que fueron los que compraron las entradas; había muy poca gente representativa del mundo de la danza de Madrid y nadie de la crítica. M- Sí, debe ser por eso que nadie ha escrito. Es una pena que el aforo estuviera tan colapsado. R- El público respondió muy bien, era muy espontáneo y esto fue una cosa muy positiva. M- ¿Cual fue el orden de las piezas? R- Hubo dos partes con intermedio. En la primera, abrió "Ritmos", "Viva Navarra" bailada por Miriam Mendoza, después La Farruca interpretada por Fran Velásco, Eduardo Martinez y José Manuel Benítez, y el estreno de "Bolero" de Rafael Aguilar. M- ¿Podrías hacerme tu crítica del espectáculo? R- Para empezar te dire que Sergio Bernal alcanzó una nueva cota. M- ¿En que sentido? R-"Bolero"es un ballet que él ya había bailado con la compañía de Rafael Aguilar; ahora, al estrenarlo con el BNE, lo ha hecho uniendo una técnica impecable a una gran interpretación, con lo que brilló en todo su esplendor y el ardor de su juventud. Yo siempre digo que cada estación tiene su fruto y Sergio está en la madurez de su juventud, posee esa luz que le conduce a alcanzar nuevas metas... Es una pena que en Madrid no se vea "Bolero", ni esté programado verse. Sergio estuvo en todo su explendor. M-¿Consideras que ha sido un programa bien escogido? R- Sí, me encontre con Antonio Najarro y le di la enhorabuena por haber seleccionado un programa tan completo. Y yo que llevo tanto tiempo trabajando con Sergio me sentía especialmente orgulloso de su actuación. Esta coreografía de Bolero fue in crescendo hasta alcanzar un delirio increíble entre Sergio y público. M- Cuéntame como reaccionó la gente. R- Todos en pie, gritando bravo, bravo.. Salió así de forma espontánea. Uno de esos momentos que son únicos e irrepetibles para un artista. M-¿Y el resto del programa? R- Destacaría la interpretación de Viva Navarra de Miriam que añadió a la coreografía la agilidad que requiere la pieza; también estuvieron muy bien Fran Velasco y Aloña Alonso en Ritmos. La segunda parte de la noche fue con "Grito" de Antonio Canales. M-¿Qué te pareció? R- Yo hacía tiempo que no lo veía y pienso que este ballet sigue sin terminar de alcanzar un remate para el final. No hay un final definido, porque tiene dobles finales y eso desconcierta un poco. M- ¿Crees que mejoraría si se modificase el final? R- Ellos ya lo modificaron para esta ocasión, y si lo hicieron fue por algo, pero no termina... El éxito noche fue sin duda "Bolero", yo lo calificaría de plenitud total. M-¿Cómo piensas que se debe interpretar "Bolero"? R- A "Bolero" hay que darle alma y temperamento por lo que requiere de un gran artista para poder dar ese nivel de entrega tan exigente que tiene la pieza. "Temperamento"... ¿sabes? Es la palabra de Maya Plitsetskaya. M- No me digas... Y ¿Por qué justamente esa expresión? R- Es la palabra que ella considera que mejor la define. Me viene a la mente una anecdota con Maya contemplando una escultura de una bailarina que decían que era su retrato. A lo que Maya respondió con rotundidad: "imposible, no soy yo, no tiene temperamento" (ríe). Y Sergio tiene alma y temperamento por eso interpreta Bolero como una inmolación, dándolo todo hasta lograr el éxtasis. M-¿Qué opina Maya de Sergio? R- Lo adora, la primera vez que lo vio se volvió loca. Piensa que es el bailarín de su generación el más completo que ha dado España. Para ella Sergio Bernal es quien representa España. Este domingo en el País Semanal ha salido reportaje titulado "2015 se escribe con Arte" donde escogen a los artistas más representativos, las jóvenes promesas que brillarán en el 2015, y Sergio está entre ellos. Te enviaré lo que escriben sobre él. M- Muchísimas gracias, Ricardo, verdaderamente debió ser maravilloso el espectáculo del Teatro Mira, y Antonio Najarro y todo el equipo e interpretes del BNE son magníficos y arrasan por donde van. Esperamos poder ver este programa en un futuro próximo. No tenemos filmación de "Bolero", pero sí podemos admirar a Sergio Bernal en la Farruca del Molinero, coreografiada por Carlos Vilán, con la que cerramos estas impresiones de nuestro admirado y querido Ricardo Cue. MERCEDES ALBI

En estos días previos a la Navidad en los que nuestros amigos nos envían los mejores deseos de felicidad, hemos recibido una filmación muy especial, proveniente de la joven compañía Larreal, formada por los alumnos de los Talleres Coreográficos del Real Conservatorio Profesional de Danza "Mariemma". Con su permiso, queremos hacer esta felicitación extensiva a nuestros lectores, ya que no hay deseo más puro que el de los jóvenes que trabajan día a día para que sus sueños se cumplan. Feliz Navidad, queridos lectores, con el anhelo de que seamos capaces de transmitiros un poco de la fuerza y la ilusión que tantas veces nos brindan nuestros bailarines, para que nunca olvidemos que detrás de cada espectáculo se han dejado la piel y una gran parte del tiempo de sus vidas. Felices Fiestas a todos!!! El equipo de Albidanza

"Sorolla" el último trabajo presentado por el Ballet Nacional de España, dejó tan buen sabor de boca, que tan pronto se anunció la presentación del nuevo espectáculo en el Teatro Mira de Pozuelo, se agotaron las entradas la misma mañana en que salieron a la venta. Albidanza no llegó a tiempo. La víspera del estreno aún estábamos haciendo los últimos intentos por no perdernos el espectáculo. La acogida en la sede fue maravillosa. Con el permiso de Antonio Najarro y desde un lugar privilegiado, pudimos disfrutar de un pase completo, sin interrupciones, como indicó su director. Narrar lo vivido allí es muy complicado. En la sede no hay luces, ni vestuarios, no hay maquillaje más allá de las enormes ojeras que tienen la mayoría de ellos, fruto del cansancio acumulado. No hay efectos ni adornos, pero tampoco hacen falta. Hay mucha calidad y muchas ganas de hacer bien las cosas. Antonio, cuadernillo en mano, anota los últimos pequeños errores por corregir. Maribel Gallardo y Marta Visús, supervisan hasta el último detalle que pudiera pasar desapercibido a los ojos del director. El programa preparado para esta ocasión era una gran homenaje a algunos de los mejores maestros de nuestra danza. Si algo caracteriza a Antonio Najarro es su gratitud a todo el legado que le dejaron sus antecesores. "Ritmos", "Viva Navarra", "Farruca" y "Grito" son piezas que ya habíamos tenido la oportunidad de disfrutar. No por ello debemos dejar de mencionar la maravillosa y elegante técnica de Aloña Alonso o la versatilidad y sutileza de Miriam Mendoza. Y en el lado opuesto la fuerza, energía y temperamento de Esther Jurado. Pero además se incluía el estreno de "Bolero" que el maestro Rafael Aguilar presentaba en 1987. Descubrimos que la maestría del vanguardismo que lleva implícita la obra curiosamente la hace atemporal. En esta ocasión Narciso, es representado por Sergio Bernal. Su trabajo una vez más es impecable. Nos presenta a un perfecto narcisista en la formas y en la actitud. Su afán de perfeccionismo, su exquisita técnica, sus elevadas dosis de elegancia y su indiscutible entrega, hacen que el personaje alcance las dosis perfectas. El enorme esfuerzo que conlleva preparar un espectáculo de tanta valía, para un solo día de representación, no sería comprensible si no fuera porque a todos y cada uno de ellos les mueve la pasión por lo que hacen. Posiblemente después del estreno se queden con ganas de más escenario. Las cosas las están haciendo muy bien, el progreso es evidente. Muy pronto nuevos teatros levantaran sus telones y colgarán el cartel de "localidades agotadas". Porque a pesar de la adversidad de las circunstancias económicas y los recortes en cultura, nuestro ballet es muy grande y siempre cuenta con el calor y el afecto con que el público le acoge donde quiera que va. Desde Albidanza, sólo nos queda dar las gracias por hacernos partícipes de esta emoción. Gemma Ortega (Fotografía María Alperi)

“Bolero” es una pieza que ha sido interpretada por numerosas generaciones de bailarines desde su creación y que, en palabras de Antonio Najarro, representa para la danza española “el vanguardismo y riesgo que Rafael Aguilar asumía en todas y cada una de sus creaciones y que hacen que su obra siempre se muestre actual, vital e innovadora”. La coreografía ha sido remontada exactamente como la creó Rafael Aguilar, con música de Maurice Ravel y, en esta ocasión, con el nuevo diseño de vestuario de Nicolás Vaudelet, inspirado en el original de Manuela Aguilar. El espectáculo del BNE en el Teatro Mira lo completan las siguientes coreografías: “Ritmos” de Alberto Lorca, “Viva Navarra” de Victoria Eugenia, “Farruca” de Juan Quintero y “Grito” de Antonio Canales. Un programa, en definitiva, de recuperación de obras prestigiosas del repertorio más clásico de la danza española unidas al flamenco personal de Antonio Canales. El Ballet “Ritmos”, coreografiada en 1984 por Alberto Lorca bajo la dirección de María de Ávila, está considerada como una de las piezas más emblemáticas del repertorio del Ballet Nacional de España, y que recientemente Antonio Najarro repuso con motivo del Homenaje a María de Ávila en la celebración del 35 aniversario de la Compañía Nacional de Danza. El Solo “Viva Navarra”, creado por otra de las reconocidas directoras de la compañía Victoria Eugenia, es una pieza que ha interpretado Carmen Cubillo desde 1978 quien ha querido transmitir su sabiduría, brío y energía a las nuevas generaciones de bailarines para que, por primera vez, “Viva Navarra” sea interpretada por una bailarina del BNE. Fotografías de María Alperi

La revista “Danza en escena” es un proyecto consolidado, que nace en Julio del 2003 de la mano de Mila Ruiz -iniciativa privada- y Perfecto Uriel –director de la Casa de la Danza. Surge con la necesidad de contribuir a la difusión e investigación de este maravilloso arte. Durante estos años de trabajo su principal objetivo ha sido acercar el mundo de la danza al público y que los nombres de los grandes intérpretes sean mucho más conocidos. La revista es totalmente gratuita y se edita cada tres meses haciendo que sus artículos y entrevistas nos ayuden a descubrir la valía de nuestros bailarines y coreógrafos. Filipa de Castro y Carlos Pinillos ilustran la portada de este número 38 al que puedes acceder pulsando sobre el subrayado. Está lleno de interesantes contenidos. Desde Albidanza queremos felicitar a Casa de la Danza por su magnífica, constante y desinteresada labor. (Nota de Redacción)