Al fin se ha despejado la incógnita relativa al nombramiento de un nuevo director para la Compañía Nacional de Danza, que sustituyera a Joaquín de Luz. La designación de Muriel Romero ha sido toda una sorpresa. Los rumores daban por sentado que la escogida debía ser mujer, pero su nombre no aparecía en unas quinielas que señalaban como ganadora a otra candidata. Cuando alguien afirmaba un posible nombre con rotundidad, acudía a mi mente aquel dicho de procedencia vaticana de que en el cónclave "quien entra Papa, sale cardenal"... Y así resultó, pues en esto, como en todo, siempre queda un hueco para lo inesperado. Evidentemente, Muriel y su trayectoria presagian la irrupción de un aire nuevo. Tendrá mucho que vencer, y no va a ser fácil, porque tanto cambio de rumbo estilístico necesita una reorientación compleja que no da sus frutos de un día para otro. Al ser una elegida inesperada es de suponer que presentó un proyecto a la altura, que superó el primer tramo de selección; en la segunda fase, consistente en diversas entrevistas, habrá mostrado una inteligencia y cualidades personales que decantaron la balanza a su favor. Se rompe con la norma de escoger al director de la CND entre las estrellas de la danza, tal y como lo habían sido sus predecesores: José Carlos Martínez y Joaquín de Luz. En realidad, es un factor externo que no es garantía ni de ser coreógrafo, ni de saber dirigir. Llamó la atención entre las bases del proyecto para la selección del nuevo director, que fuese requisito indispensable una experiencia de al menos 5 años dirigiendo una compañía, lo que obstaculizó la presentación de muchas candidaturas. No estoy a favor de las limitaciones, porque si así hubiera sido ni siquiera José Carlos, que actualmente es el director del Ballet de la Ópera de París, hubiera podido concurrir. Tendrá mucho que vencer, y no va a ser fácil, porque tanto cambio de rumbo estilístico necesita una reorientación compleja que no da sus frutos de un día para otro Muriel Romero nació en Murcia (1972), con formación en la Escuela del Ballet Nacional de España con profesores como Lola de Ávila, Carmen Roche, Valentina Savina, Azari Plisetki, Carl Paris y Victoria Eugenia, entre otros, más adelante amplió sus estudios en L'École Rudra Bejárt en Lausanne. Obtuvo premios internacionales tales como el Moscow International Ballet Competition o el Prix de la Fondation de Paris-Prix de Laussane y llegó a ser primera solista de prestigiosas compañías entre las que se cuentan Deutsche Oper Berlin, Dresden Semper Oper Ballet, Bayerisches Staatsballet Munchen, Gran Théatre de Genéve o la Compañía Nacional de Danza. En su andadura como bailarina ha trabajado con destacados coreógrafos contemporáneos como William Forsythe, Jiří Kylián, Nacho Duato o Saburo Teshigawara. En 2008 creó, junto al compositor Pablo Palacio, el Instituto Stocos en Madrid, un proyecto transdisciplinar que combina danza, música, matemáticas, psicología experimental e inteligencia artificial. En sus creaciones escénicas ha desarrollado una visión original desde el cuerpo, como un lugar del que emanan de forma interactiva el sonido, la imagen y la luz. Actualmente, ejercía como profesora en el Conservatorio Profesional de Danza Fortea de Madrid. Lo que no se puede consentir es una Compañía Nacional de Danza menos interesante a nivel creativo que las  funciones ofrecidas por los conservatorios, o algunos festivales y galas independientes Entre las claves de su proyecto para la Compañía destaca su apuesta por un repertorio único y diverso que ensalce el patrimonio cultural español y acoja diferentes estilos coreográficos de creadores nacionales que aún no hayan estrenado con la CND, así como obras internacionales inéditas en España. La combinación del conocimiento de todos los estilos dancísticos, la creación y la docencia abren todo un mundo de posibilidades para explorar, y debe hacerlo abriendo una ventana hacia el horizonte, dejando que fluya el talento de tantos coreógrafos que forman en nuestro país un magma que no se canaliza y se enfría antes de emerger. Lo que no se puede consentir es una Compañía Nacional de Danza menos interesante a nivel creativo que las  funciones ofrecidas por los conservatorios, o algunos festivales y galas independientes, donde se percibe que hay algo que no llega a los grandes teatros, totalmente desconocido para el público o los medios de prensa. Un techo de cristal que ahoga sin dar oportunidades a los creadores, ya sean hombres o mujeres. Nuestros mejores deseos para Muriel Romero. MERCEDES ALBI

Ángel Pericet nos invita a conocer su casa de Madrid, cercana a la Puerta de Toledo. La tarde resplandece y el sol se filtra por los balcones iluminando las paredes vestidas de recuerdos. Su hermana Carmelita nos sirve café con pastas, y aunque acabamos de conocernos, somos recibidos con misma calidez con que son bienvenidas las visitas de toda la vida. Una hermosa gata siamesa se esconde tímida y ronronea, pero escapa ante nuestra conversación que va haciéndose más y más bulliciosa, hasta que los programas de pasadas actuaciones se desparraman por la mesa, y el maestro ríe trayendo a la memoria las anécdotas de una existencia plena. Ángel Pericet supo hacer de su vida un arte, y como los tesoros no se pueden esconder, jamás dejó indiferente a aquellos que le vieron danzar. Dibujado por ilustres artistas, alabado por la pluma de los literatos, sería por mi parte una osado relatar sobre alguien a quien Rafael Alberti dedicó un poema, y del que el dramaturgo Alejandro Casona escribiera: “Pericet tiene todas las pinceladas de una buena antología regional de España. En las cuatro puntas: majeza aragonesa, lirismo de Galicia, luz de Levante, sal de Cádiz. Y en el centro, el garbo goyesco, hecho de gracia natural y sencillez difícil, como toda la elegancia verdadera”. Me limito a comprobar que es cierto, que no necesito verle bailar para darme cuenta.   -¿Cuánto hace que se retiró, maestro?   -Hoy, justamente, se cumplen los 5 años de mi retirada de los escenarios. Fue el día 5 del 5 de 2005 y quise despedirme en el Teatro Avenida de Buenos Aires, lugar en el que debuté en Argentina. Y para redondear el número 5, hice cinco funciones a teatro repleto. Muy emocionante.   Nunca he dejado de bailar, por lo que me despedí bailando, y he tenido la enorme suerte de mantener las condiciones físicas que me posibilitaron no variar mi repertorio hasta los 77 años, incluso, compartiendo escenario con chicos de 20.   -Entonces, ¿Comenzó su carrera en Argentina?   -No, debuté en el Teatro Español el día 18 de febrero de 1947, en un recital de danza donde actué como partenaire de Elvira Lucena. Por aquel entonces toda mi familia vivía en Madrid. Mi abuelo, Ángel Pericet Carmona, y mis tías tenían la academia de la calle Encomiendas, 10; y la de mi padre estaba en la calle Santa Casilda.   -¿Cómo fue que toda la familia Pericet se había trasladado a Madrid?   -Fue a consecuencia de la Guerra Civil. Nosotros la pasamos con nuestro padre en Sevilla, y mi abuelo y el resto de la familia estaban en Madrid y tuvieron que huir a Valencia. La gran angustia que pasó mi padre al estar tres años sin noticia alguna de sus familiares, le hizo querer vivir siempre en la misma ciudad para no volver a separarse.   Mi abuelo montó su academia madrileña en un local emblemático que siempre había estado dedicado a la danza. Antes que de él fue de los Cansino, la familia de Rita Hayworth. Me duele que en este edificio no haya ni una placa recordando la historia del lugar.   Si hasta en Sevilla han quitado la placa de la academia de la calle Viriato, 3, regentada por mi tío, y que estuvo colgada desde 1905 hasta el año 2006.   -¿Es cierto que usted quería ser pianista y no pensó nunca en ser bailarín?   -Sí, yo terminé la carrera de piano en el Conservatorio de Madrid con la máxima calificación, pero cuando bailé en el Español, me aplaudieron tanto… Yo nunca tuve consciencia de haber aprendido a bailar, porque mis hermanos y yo nos criamos en la academia de danza bolera, y ésta fue para nosotros algo tan natural como andar o hablar. La danza en la familia Pericet es algo innato con una raíz lejana que se hunde en los siglos.   -¿Era la danza su destino?   -La danza me abrió de repente todo un mundo, el éxito, la posibilidad de viajar, tener dinero (en una época en la que escaseaba mucho). Y nada más aparecer en escena ¡Me ofrecieron trabajo en tres compañías! Elegir entre tres contratos distintos, es algo que ya no me ha vuelto a suceder nunca (ríe). -¿Cuáles fueron estas tres compañías?   -La de Pilar López, la de Vicente Escudero y la de Estrellita Castro, que se llamaba Compañía Romería.   -¿Por cual se decidió?   -Toda mi vida he sentido no haber elegido la Compañía de Pilar López, pero ella tenía dos grandes bailarines que eran Manolo Vargas y José Greco, y yo no habría podido ocupar la cabeza de cartel. No me hubiera importado, sino hubiera sido por mi apellido, pero no lo puedo colocar, por respeto a mis antepasados, debajo de otros artistas. Así que entré en la compañía de Estrellita Castro, e hice mi primera coreografía a los 19 años.   -¿Cómo tituló su primera coreografía?   -“La Academia de Baile en Sevilla” y fue con la música de “ El Baile de Luis Alonso”. Luego coreografié las “Goyescas” completas de Granados.   -¿Cuál considera su mejor coreografía?   -Para todos los coreógrafos, su mejor obra es la última, y mi última fue “El Fandango del Candil” con música del Padre Soler. Hay coreografías que envejecen y otras sobre las que no pasa nunca el tiempo, y se pueden interpretar siempre porque emocionan al público como el primer día. Quizá las más emblemáticas de mis obras sean “La Academia de Baile en Sevilla” y “España” de Chabrier.   -¿Y la más aplaudida?   -Hubo una pieza que pasará como uno de los tres grandes hitos que se han producido en el Teatro Colón. Verás, en este teatro están terminantemente prohibidos los bises. En la historia del Colón, tal como consta en sus anales, sólo ha biseado en tres ocasiones: Nureyev, al que le salió mal una pirueta y quiso repetirla, por lo que fue multado; un solo del gran tenor Tito Schipa; y la nuestra.   -Me deja intrigada, cuéntemelo.   -Me encargaron coreografiar el fandango de la Zarzuela “Doña Francisquita”. Salimos a danzar mis hermanos y yo, cada uno desde un extremo del escenario, y nos juntábamos en el centro bailando ¡Y se armó una! El público del Colón empezó a aplaudirnos con tal insistencia que no sabíamos qué hacer, si salir, si entrar… No paraban. Todo el teatro puesto en pie. Y el maestro bisó, “no quiero que me maten”, exclamó.   -Su propia compañía ¿Ha sido siempre de ballet de cámara junto con sus tres hermanos?   -Desde que en el año 59 decidí montar compañía, han sido muchos los avatares y etapas de nuestra formación. He tenido bailarines, he ganado dinero, también me he arruinado, etc… Lo normal en la vida de artista, pero finalmente, debido a las dificultades de mantener un conjunto numeroso -porque siempre te faltaba alguien y había tantos problemas de última hora- preferí centrarme en un conjunto de cámara de dos parejas: Amparo y Eloy, y Carmelita y yo.   A los dos años de casarse, Eloy dejó los escenarios y lo sustituimos por José Zartman, bailarín argentino de origen alemán, solista del Teatro Colón, que ha estado todo el tiempo con nosotros.   -¿A qué piensa que se debe su enorme popularidad en Argentina?   -Realmente, es un país que me cautivó desde el primer momento y en él he desarrollado el grueso de mi carrera artística. Nada más debutar en el Teatro Avenida con la Compañía Romería, me acogieron con gran afecto los exiliados españoles que solían hacer la tertulia en el café del teatro –el Café Español, por cierto- ¡Y qué personajes! Rafael Alberti y María Teresa León, Alejandro Casona, Enrique Suárez de Deza, Ezequiel y Elisa Aguilar, dos de los hermanos componentes del célebre Cuarteto Aguilar… Allí se conversaba de todo, de teatro, de literatura, de la guerra… Un tema frecuente era recordar a Federico García Lorca.    Estaban tan sorprendidos por mi forma de bailar bolero, ya que nunca lo había visto, que se entusiasmaron y me brindaron su amistad.   -¿Nunca habían visto en España bailar estilo bolero?   -La escuela bolera, si existe, es gracias a que mi abuelo, Ángel Pericet Carmona, la conservó, porque en los años 30 lo que se estilaba era el género de las varietés y la danza bolera estuvo a punto de desaparecer. Mi abuelo fue quien mantuvo la chispa que volvió a prender la llama.   -¿Quién encendió la llama?   -Compañías como la de Pilar López, y otras que surgieron como la de Rosario y Antonio. Cuando Pilar vino a España a enterrar a su hermana Encarnación, la Argentinita, fue Edgar Neville el que la convenció para que reorganizase la compañía. Pilar fue la gran artista que elevó el género de la danza española a la escena moderna, utilizando los medios teatrales necesarios y con rigor. Con ella se desterró el período funesto de las varietés y el baile español alcanzó una categoría que casi había perdido, inaugurando una nueva etapa de esplendor.   -Rafael Alberti le dedicó un poema.   -Sí, nosotros estábamos actuando en el Teatro Odeón de Buenos Aires, donde hacíamos una temporada de seis meses seguidos, y nos solicitaron ceder un día el escenario para celebrar el 60 aniversario del poeta, a lo que accedimos gustosos, y además bailamos unas alegrías de Cádiz en su honor. Mientras nos aplaudían Alberti subió a darnos las gracias y leyó ante el público el poema que me había escrito. Fue uno de los momentos más emocionantes de mi vida. -Usted ha sido amigo de los grandes intelectuales de su tiempo.   -He conocido a tanta gente maravillosa… Recuerdo a Rivas Cheriff, a Juan Ramón Jiménez, que me llamaba “Pellicer” y me preguntaba si yo era valenciano… Muchos personajes célebres imposible de enumerar. Imagínate que fui amigo del Che Guevara y no me enteré de que se trataba del Che hasta que ya había muerto.   -¿Cómo fue eso?   -Un día vino a verme un hombre que muy sigilosamente me pidió una entrada para la función, y me dijo que habíamos sido amigos. Me habló de una velada en que acudimos a escuchar un disco -la música de “Noches en los Jardines de España” de Falla- en casa de los sobrinos de Ezequiel Aguilar con Ernesto. Y yo le pregunté: “¿Qué Ernesto?”; él, sumamente extrañado, exclamó: “¿Qué Ernesto va a ser? ¡El Che Guevara!”. Me quedé estupefacto. Entonces vino a mi mente aquel Ernesto, un amable estudiante de medicina a quien yo jamás hubiera relacionado con el guerrillero.   Recuerdo que le conocí en la ciudad de Córdoba. Era Semana Santa. Me lo presentaron, y al saber que yo era muy creyente, me invitó a conocer las iglesias. A la mañana siguiente recorrimos juntos un itinerario por todos los templos de la ciudad. Así que he sido amigo del Che Guevara ¡Y no lo he sabido! (ríe)  Nunca me interesó la política.   Me gustaría que escribieses una cosa.   -Por supuesto, dígame.   -Es por si alguien lee esto y me puede ayudar a recuperar unas fotos antiguas de las representaciones de mi abuelo. Era una colección de siete u ocho fotografías de unos “bailetes” obra suya, titulados “El Pintor y la Maja”; “De Vuelta de la Corrida” y “El Payaso y la Maja”. Estas imágenes de fines del siglo XIX serían muy útiles para ver la evolución del traje bolero, ya que con posterioridad al periodo romántico las faldas perdieron vuelo y eran diferentes del modelo con dos volantes que luce Fanny Elsser. Por eso sería de gran utilidad recuperar esta colección, si alguien la tuviera.   Pienso que mi tía Luisa se las debió regalar a alguno de sus alumnos predilectos. Hablé con Udaeta, pero él no las tenía; tampoco Tona Radeli; tal vez pudiera saber algo Ana Ricarda, una maravillosa bailarina inglesa que vino a España con los Ballets del Marqués de Cuevas. Por favor, si alguien las tuviera me alegraría tanto poderlas recuperar… -No se preocupe, que lo voy a escribir, y si aparecen las fotos nos avisa para que todo el mundo pueda verlas. Y usted que ha tenido una vida tan rica en éxitos y experiencias ¿Cuál cree que ha sido su objetivo o el motor que le llevó a hacer tantas cosas?   -¿Mi finalidad?... Pienso que la más importante ha sido una: nunca perseguí la gloria como un bien personal, sino para homenajear el arte y el saber de mis antepasados. MERCEDES ALBI (Madrid, mayo 2010)

La función va a comenzar en el Centro Cultural Paco Rabal: es el espectáculo que clausura el curso con el broche de la Suite Don Quijote, donde el Joven Ballet Impulsa cuenta con Elisabetta Formento (solista de la CND) y Cristo Vivancos como invitados. Lo que más me gusta de la Escuela de Ballet de Carmina Ocaña y Pablo Savoye es la vibración que transmite. Hay lugares vivos, y este es uno de ellos; ubicado en pleno corazón de Madrid, cuenta con un programa riguroso en la docencia dancística que combina la técnica clásica con enfoques contemporáneos, todo ello impregnado del estilo único de Carmina y Pablo. En cada maestro existe un secreto que no se puede desvelar porque nadie sabe exactamente en qué consiste, y es ese el quid de la cuestión ¿Qué hace que un lugar sea diferente? Los logros son evidentes en sus alumnos, que están en todas las compañías de ballet del mundo. Converso con Pablo Savoye. Rebosa de proyectos. Desde que en 2003 comparte con Carmina Ocaña la escuela, la trayectoria de éxitos entre sus alumnos está plenamente consolidada. Su experiencia pedagógica se remonta a 1987, cuando, de forma accidental, tuvo que hacerse cargo del Real Ballet de Flandes durante una gira por los Estados Unidos y comenzó a impartir las clases y ensayos de la compañía. Desde entonces no ha parado y desarrolla una trayectoria paralela en el mundo de la docencia, que le ha llevado a ser maestro invitado en un sinfín de lugares (Bélgica, Reino Unido, ​Japón..), y en las más prestigiosas compañías de España. En 2013 crea El Joven Ballet Impulsa, formado con los bailarines de ballet de su escuela, con el objetivo de atenuar el salto existente entre la educación técnica en el aula y el paso al escenario. Es la antesala a una vida profesional exitosa para los aspirantes a bailarines del más alto nivel. -¿Qué balance haces en estos momentos de fin de curso? -Muy bueno, en realidad no paramos. Venimos de actuar con el Joven Ballet Impulsa en el Teatro Rojas de Toledo, ahora estamos aquí en el Paco Rabal, y estoy preparando en Cursillo de Verano de la Escuela. -Cuéntame qué tal ha funcionado tu idea de crear esta compañía-escuela con los estudiantes aventajados. -Ha funcionado fenomenal. Desde que en 2013 puse en marcha esta idea los resultados son excelentes. Tenemos alumnos que, desde aquí, han partido a escenarios de prestigiosas compañías de todo el mundo, incluido el Ballet Nacional Finlandés, el Ballet Estatal de Varna, el renombrado Teatro Mariinsky (anteriormente Kirov), el END (Ballet Nacional Inglés) en Londres, la Compañía Nacional de Danza de España… -¿Estás contento con el nivel alcanzado por las últimas promociones de alumnos? -Mucho. Hemos obtenido los primeros premios en la competición internacional del DANCE OPEN AMERICA, una competición que celebra rondas en lugares que van desde Puerto Rico, Portugal, Miami y hasta Taiwan. El año pasado nuestros alumnos lograron los dos primeros premios en la división Junior y en la Profesional. Pero es que este año Candela Almonacid, ha conseguido el Primer Premio de la división Profesional, cuya final se celebró en Miami. -¿Es Candela la que baila hoy una variación de "Soir de Fête"? -Sí. Justamente estos días le ha recibido la noticia de que ha superado las pruebas para audicionar  en el Ballet de la Ópera de París. -El programa clásico de vuestra escuela-compañía, Joven Ballet Impulsa, es de lo más ambicioso. Cuéntame un poco de las piezas que has montado. -Abrimos el espectáculo con “Tránsidos”, pieza de danza-teatro, donde he contado con todos los alumnos de la Escuela, trata de una temática muy dura pues son los desplazados por las guerras y la pobreza. En la segunda, son todo variaciones clásicas y alguna contemporánea de alto nivel, piezas emblemáticas que por desgracia se ven poco en España. -Y cerrais nada menos que con una Suite de Don Quijote. -El Joven Ballet Impulsa contará con la presencia de una bailarina invitada que me gusta mucho, Elisabetta Formento, primera figura internacional y Solista Principal de la Compañía Nacional de Danza, que bailara con Cristo Vivancos, también invitado, el Quijote Paso a Dos. Vais a ver una suite que he montado con diferentes extractos del ballet Don Quijote. -¿Controlais bien los nervios antes del espectáculo? -Vamos un poco liados, pero con mucha ilusión de mostrar el trabajo realizado. Animo a todo el público que esté deseoso de ver ballet que asista a nuestras funciones, no saldrá defraudado. -¿Dónde habéis actuado últimamente? -La semana pasada obtuvimos un gran éxito en el Teatro Rojas de Toledo. -Y sobre el Cursillo de Verano que impartís en vuestra escuela ¿Cómo va a ser? -Para que te hagas a una idea, te voy a nombrar el plantel de profesores: Arantxa Agüelles (Maestra de Ballet de la CND, Compañía Nacional de Danza de España), Carmela Piqueras (Maestra de Ballet de la Royal Ballet de Birmingham y de la prestigiosa English National Ballet), Patrick Armand (Director de la San Francisco Ballet School), Elisabetta Formento (Solista Principal de la CND y Artista Invitada Internacional) o Rafa Darder (Maestro del Conservatorio Profesional de Danza de Valencia), se unen a esta cita veraniega, impartiendo clases diarias, masterclasses intensivas, cubriendo meticulosamente todos los aspectos del entrenamiento de ballet, puntas, repertorio; y danza contemporánea con Etienne Béchard, Bárbara Fritsche y Mery García. -¿A quien va dirigido el curso? -Para estudiantes que ya sea que quieran mejorar su destreza técnica, tanto como ampliar sus horizontes artísticos o simplemente experimentar el encanto de Madrid mientras perfecciona sus habilidades de ballet, el Intensivo de Ballet de Verano en Madrid promete un viaje inolvidable de crecimiento e inspiración. Más allá de la capacitación rigurosa, el Intensivo de Verano fomenta un fuerte sentido de comunidad entre los participantes, creando amistades y recuerdos duraderos en una ciudad vibrante reconocida por su arte, cultura, deliciosa cocina y vibrante vida nocturna. Se lo pasan muy bien. -¿Cuánto dura? -Son las cuatro semanas de julio. Y habrá novedades. -¿Cuáles? -Por ejemplo, un taller sobre “la nutrición del bailarín” que es un tema que siempre hay que tratar con mucho detalle, que lo impartirá Paula de Castro; y otros nuevos talleres... Además, los participantes podrán apuntarse a las pruebas de acceso para la formación profesional del próximo curso. -¿Cuál es la filosofía que preside el Gran Cursillo de Verano? -Se trata de una experiencia inmersiva permite a los estudiantes perfeccionar su técnica, ampliar su expresión artística y desbloquear su verdadero potencial tal como lo indica el lema de la escuela: “Encuéntranos y descubre lo mejor de ti”. MERCEDES ALBI

Uno de los acontecimientos dancísticos de esta semana lo ha protagonizado el bailaor y coreógrafo Manuel Liñán con el estreno absoluto de su nuevo espectáculo, Muerta de amor , en la Sala Roja de los Teatros del Canal. La atmósfera escénica es generada con dos únicos colores. Todos los artistas visten de negro sobre un único fondo cromático color fucsia, que evoluciona con focos muy bien definidos. (Diseño Ernesto Artillo, iluminación de Gloria Montesinos). Y es que una de las características de este Muerta de amor es la elegancia. Si el tema del género se presta en ocasiones al histrionismo, aquí se reivindica la libertad de amar con un arte muy puro, muy nacido de dentro. No brota del contraste sino desde la unicidad. Manuel Liñán está arropado por la danza de José Maldonado, Alberto Selles, Juan Tomás de la Molía, Miguel Heredia, José Ángel Capel, David Acero, Ángel Reyes, que despliegan una gran versatilidad con el contrapunto dramático de Mara Rey, artista invitada. La coreografía ha sabido conjugar perfectamente la transición de las escenas grupales con las individuales, como si todo fuera el hilo conductor de la vida y el amor, desde la añoranza desesperada al afecto. Los bailarines son excelentes, y cuando bailan sus solos o dúos que suelen alternar con Manuel, alcanzan altas cotas de emoción. Cada uno tiene su espacio y se desprenden del resto manteniéndose la homogeneidad del conjunto. En ocasiones dan pasos de danza española, otras veces bailan palos flamencos ortodoxos como unas alegrías interpretadas por Juan Tomás de la Molía, que termina compartiendo un zapateado con Manuel Liñán… David Acero, con originalidad y virtuosismo, baila una danza celta acompañado por el violín de Víctor Guadiana, autor de la pieza. Las coplas y los boleros en clave flamenca transmiten los sentimientos de lo que se narra, gracias a la voz de Juan de la María, -con el guitarrista y compositor Francisco Vinuesa y los instrumentos y el espacio sonoro de Víctor Guadiana, con la percusión de Javier Teruel- contribuyen a sumergir al espectador en un recorrido sensorial y emocional. Manuel se entrega, se nota su pasión. Permite el brillo de los otros sin copar protagonismo. Va con ellos y brilla por su propia manera y luz, que mostró en la soleá final. Muerta de amor, viaja el próximo 15 de septiembre a la Bienal de Flamenco de Sevilla, está lista para el éxito y luce engalanada para pasearse orgullosa por el mundo. MERCEDES ALBI Foto @anayñañez

Cuando una producción balletística lleva a sus espaldas 25 años de representaciones, no es por mera casualidad. Esta Bayadera de  Patrice Bart sobre el original de Marius Petipa, le fue encargada en 1998 para el  Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett, actualmente bajo la dirección de Laurent Hilaire. La historia es un dramático triángulo amoroso entre la bailarina del templo, Nikiya; su rival, Gamzati, hija del Rajá, que se disputan el amor del guerrero  Solor. Llama la atención que en los tiempos actuales haya quien plantee el absurdo de si el emblemático título, estrenado en el San Petersburgo zarista de 1877,  pudiera herir la sensibilidad de los hindúes. Es lo mismo que si nos cuestionásemos que las danzas españolas que Petipa incluía en sus ballets pudiesen constituir una ofensa. A nosotros, carentes de complejos coloniales, nos sucede lo contrario. El público siempre aplaude a los bailarines extranjeros cuando abordan la danza española, aceptando con benevolencia los errores o diferencias estilísticas, pues agradecemos su buena intención como un reconocimiento a nuestra cultura. La recreación de las bayaderas o de las cigarreras de la ópera Carmen, por poner otro ejemplo, pertenece al mundo de la fantasía y no deben juzgarse bajo ópticas inexistentes, ni adulterar su significado buscándole los tres pies al gato. La India imaginaria, donde se supone que tiene lugar la acción, realizada por el escenógrafo japonés Tomio Mohri, tiene una puesta en escena que traspasa los límites geográficos concretos, para convertirse en una continua evocación estética de diversos influjos. Por ejemplo, hay un tipo de tocado que llevan las bailarinas que es del mismo tipo que del que luce, en el famoso cuadro de Vermeer, “La joven de la perla”. Es incomprensible que juzguemos con un pernicioso reduccionismo fronterizo una obra maestra que va  más allá, con el don de saber combinar explosiones de barroquismo con un delicado minimalismo made in Japan, siempre totalmente armónico. Crece el lujo pero luego se adelgaza y traspasa. No hay nada inerte en esta maravillosa producción, iluminada por Maurizio Montobbio. Las escenas pantomímicas han desaparecido, todo se cuenta con danza. La  versión de Nuréyev  que constaba de tres actos, se ha reducido a dos, por lo que le otorga fluidez y no decae el interés de espectador a lo largo de las dos horas y media de duración de la obra. No olvidemos el reto que supondría a Patrice Bart (París 1942) afrontar una de las coreografías señeras de su “jefe”.  Fue Rudolf Nuréyev quien lo nombró asistente principal después de su exitosa carrera como étoile de la Ópera de París. Por tanto, conocía a fondo la Bayadera parisina, incluso había interpretado el papel de Solor. Patrice ha profundizado en algo que ha interiorizado como artista, por eso supo profundizar en la obra, adelgaza su barroquismo, ganando en elegancia. La música de Minkus, bajo la batuta de Kevin Rhodes, se sincronizó a la perfección con la danza y ajustó los finales de los solos con exacta precisión. El Ballet de la Ópera de Munich tiene unos bailarines excelentes, muy bien coordinados. Lauretta Summerscales como Nikiya, brilló desde su primera aparición en escena, una bailarina muy estética con una delicadeza conmovedora, junto con Bianca Teixeira como excelente Gamzati; también el Ídolo Dorado de Shale Wagman entusiasmó al público. Jinhao Zhang fue un Solor más noble que acrobático. La escena final se aleja de la solución romántica al uso, pero es casi más poética si cabe. Y es que Gamzati no es perversa, sino que arrepentida gana en humanidad, figurando con Solor y Nikiya en un mismo plano y destino. MERCEDES ALBI

Marta Vela es especial. Cuando conversas con ella te das cuenta de que estamos ante una persona completamente instintiva. Esta joven música es la gran estudiosa de la Jota aragonesa, situándola en el ojo del huracán de la música europea e internacional a través de sus libros  (“La jota aragonesa y cosmopolita”, “La jota aragonesa y liberal”). De su carácter destaca su absoluta ausencia de pose. Marta posee una gran naturalidad, acompañada de cierto toque indomable. Nacida en Coslada (1985), se licenció en Dirección de Orquesta en el Conservatorio Superior de Aragón, en Piano y Pedagogía del Piano, en el Conservatorio Superior de Navarra y en Filología Hispánica, en la Universidad de Alcalá de Henares; desde 2017 es Doctora en Educación por la Universidad de Zaragoza y profesora titular de la Universidad de la Rioja. En sus libros, Marta Vela sitúa a La Nueva jota aragonesa de Florencio Lahoz como punto de partida de su fulgurante expansión internacional desde 1840. Esta partitura para piano se hizo famosa en los salones y teatros de la corte isabelina. Fueron Sebastian Iradier y Pauline García Viardot quienes difundieron la obra creando otras versiones, así como F. Liszt con su viaje por España… Por ejemplo, gracias a sus investigaciones, sabemos que la jota llegó a Cuba pocos años después (1844) de manos de un polaco, Julien Fontana, que nunca había visitado España pero que pertenecía al círculo íntimo de Chopin y Liszt, y, por tanto, al de Pauline Viardot-García. La expansión del ritmo fue imparable. En estos días en que la Jota ha sido propuesta por el Ministerio de Cultura para que sea reconocida por la UNESCO como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, agradecemos a todos los que lo han hecho posible con su labor, especialmente a Carmelo Artiaga, Presidente de la Academia de las Artes y Folklore de Aragón. El cuestionario de Proust: 30 preguntas para conocer en profundidad a una persona -¿Principal rasgo de tu carácter? -La determinación -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -La lealtad -¿Y en una mujer? -La misma -¿Qué esperas de tus amigos? -Conversación -¿Tu principal defecto? -La impaciencia -¿Tu ocupación favorita? -El arte -¿Tu ideal de felicidad? -El trabajo -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -La dependencia -¿Qué te gustaría ser? -Lo que soy -¿En qué país desearías vivir? -En una España unida y próspera (demasiado pedir, seguramente) -¿Tu color favorito? El azul -¿La flor que más te gusta? La del girasol -¿Tus autores favoritos en prosa? Javier Marías, Galdós, Vargas Llosa -¿Tus poetas? Juan Ramón Jiménez, Novalis, Cernuda -¿Un héroe de ficción? Le grand Meaulnes -¿Una heroína? Ana Ozores -¿Tu compositor favorito? -Chopin -¿Tu pintor preferido? -Rembrandt -¿Tu héroe de la vida real? -Rafa Nadal -¿Qué hábito ajeno no soportas? El tabaco -¿Qué es lo que más detestas? -La hipocresía -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -La del arribista, ayer y siempre -¿Un hecho de armas que te admire? -La cincomarzada de Zaragoza (5/III/1838) -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -El de la calma -¿Cómo te gustaría morir? -Con la cabeza maravillosamente lúcida -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -El de alerta -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -La duda, el desconcierto, la desorientación -¿Tienes un lema? -Seguimos trabajando MERCEDES ALBI

En las Sala Roja de los Teatros del Canal ha tenido lugar el primer estreno con el Ballet Nacional de Marsella La)Horde, y su espectáculo Age of Content. Fue hace dos temporadas cuando la compañía nos visitó con Room With A View, que fue creada en 2020 con el artista RONE. Y es que su trío de directores, Marine Brutti, Jonathan Debrouwer y Arthur Harel, han sabido imprimirle un sello propio. Si hubiera que sintetizar su estilo en una única característica esta sería la magnífica sincronización de complejos elementos escenográficos con un profundo mensaje simbólico-apocalíptico. Realmente conmociona este elenco compuesto por 23 bailarines de 16 nacionalidades. El trabajo es excelente por su técnica dancística y su expresividad. No estamos indudablemente ante una de esas compañías que se autodenominan “eclécticas” para enmascarar su falta de personalidad, navegando sin rumbo artístico alguno -esperamos que nuestra CND encuentre al fin su cauce con una firme y nueva dirección-. Los marselleses nos dejan boquiabiertos con su mensaje de plena actualidad, retratando al hombre moderno. Esta vez la excusa fueron los video-juegos y la realidad virtual, pero trasciende mucho más allá. En la primera escena aparece un coche con vida propia que nos deslumbra con sus focos. Se mueve despojado de carrocería, todos anhelan subirse en él… El esfuerzo es baldío. No hay vehículo para escapar. ¿Simboliza acaso ese anhelo de libertad imposible que anida dentro del ser humano? “Age of Content” se podría dividir cláramente en dos partes. A partir del momento en que los bailarines despliegan un gran telón de fondo se marca la frontera entre la antigua desesperación y una repentina alegría. Quizá signifique que la respuesta a la felicidad consite en crear un velo que nos oculta la apabullante realidad. Ambas partes quedan matizadas con un cromatismo diferente. Así, en la primera se envuelven las escenas dramáticas en una base de colores fríos, en la que predomina un verde pálido con tonos azulados; en la segunda, la alegría de vivir se enmarca con tonos cálidos (amarillo, naranja, rojo). La estética de ese todo coordinado -la música (entre lo tecno y el Aleluya), con una coreografía que sabe ligar unos solos y dúos interesantísimos, sin que se diluyan en la unifomidad de un conjunto simétrico- encuentra el modo de conducir al espectador hacia una inolvidable experiencia artística. MERCEDES ALBI Fotografía Pablo Lorente

Madrid en Danza convierte la Puerta de Sol en un gran estudio de baile al aire libre este sábado Una treintena de compañías y artistas celebran una gran fiesta coreográfica en seis espacios entre las 12.00 y las 22.00 horas en los que se bailarán desde la danza española a la contemporánea, el flamenco y el ballet clásico El Ballet Nacional de España, Lucía Campillo, Helena Martín, Alejandro Lara, Sergio Bernal, Belén López o Sara Calero, entre otros coreógrafos y bailarines, participarán en este evento del festival de la Comunidad de Madrid La actividad es gratuita y participativa para el público, que podrá asistir, además, a talleres y exhibiciones de bailes de salón y músicas urbanas Madrid en Danza pisa este año la calle. El festival coreográfico de la Comunidad de Madrid, que se celebra del 9 al 26 de mayo, ha organizado este sábado un gran evento participativo, gratuito y abierto a todos los públicos en la Puerta del Sol de Madrid. En él participarán una treintena de compañías que acercarán a los ciudadanos la belleza y capacidad expresiva de la danza. Durante 10 horas seguidas, desde las 12.00 a las 22.00 horas, la plaza se transformará en un gigantesco estudio de danza y en un espacio abierto donde se representarán diferentes espectáculos y se invitará al público a formar parte de esta experiencia singular y a aprender pasos de bailes de salón, danza moderna, flamenco o danza contemporánea. La plaza se dividirá en seis espacios, cada uno de ellos dedicado a un género de danza. En el escenario central destaca la actuación del Ballet Nacional de España con la representación al mediodía de un flashmob. Por ese escenario actuarán a lo largo del día artistas como Lucía Campillo, Helena Martín, Alejandro Lara, Sergio Bernal, Belén López y Sara Calero, que ofrecerán extracto de algunos de sus espectáculos. Por el espacio de la danza contemporáneo pasarán, entre otros, Richard Mascherin, Compañía Daniel Abreu y Ogmia/Eduardo Vallejo, participantes todos ellos en esta edición de Madrid en Danza, que impartirán diversos talleres. En el espacio dedicado a la danza española intervendrán Lucía Campillo, Helena Martín, Alejandro Lara y la Fundación Antonio Gades. Desde el mediodía hasta cerca de las diez de la noche las músicas urbanas tomarán otro de los escenarios de la Puerta del Sol, con actuaciones de 45 minutos, como en la mayoría de los casos, de artistas como Dany Barros, Ángel Lock e Irie Queen. La escuela de formación de danza JAC Ballet dispondrá del Espacio Ballet, donde exhibirá una muestra de su enseñanza en tres sesiones e impartirá clases de unos 30 minutos a lo largo del día. La variedad de estilos que pueden ejecutarse en los bailes de salón se desarrollará también en un espacio propio a partir de las 12.15 y en sesiones de 45 minutos, donde los asistentes podrán contemplar el movimiento del tango, la salsa, el rock and roll, el swing, la bachata, el pasodoble y el vals. PROGRAMACIÓN PUERTA DEL SOL

En colaboración con el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid Del 9 al 19 de mayo el público podrá disfrutar de Flamenco Emergente en la sala Pacífico del Real Teatro de Retiro. Los mejores artistas de la 32ª edición del Certamen bailarán en el Real Teatro de Retiro. Dos programas diferentes y cuatro artistas en total presentan lo mejor de la danza española y el flamenco en la actualidad. Flamenco emergente está recomendado a partir de 10 años. La cita con la danza española y el flamenco tiene continuidad en la próxima temporada 2024-2025. El Real Teatro de Retiro acoge por primera vez en sus tablas la danza española y el flamenco con Flamenco emergente. Del 9 al 19 de mayo, a las 19h y a las 20h, el público podrá ver los mejores artistas de la edición 2023 del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid. Dirigido por Margaret Jova, el Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas que representan los diferentes estilos que felizmente coexisten dentro  de la Danza Española y que se celebra anualmente desde 1992. Con más de treinta años de trayectoria se ha convertido en uno de los certámenes flamencos más relevantes en el panorama internacional y es cuna de varias generaciones de artistas de primer nivel. En Flamenco emergente se ofrecerán las piezas ganadoras de la edición número 32 gracias a dos programas dobles. El primero de ellos está programado para los días 9 y 10 de mayo, a las 20 horas,  y  el 11 y 12 de mayo, a las 19 horas y estará compuesto por las obras: Número oculto, creación de Marta Gálvez, bailarina sobresaliente en danza española, acompañada por la guitarra de Claudio Villanueva, el cante de David Vázquez y las palmas de Juan Carlos Avecilla, y Lo que pasa mientras nos encontramos, un bellísimo dúo de David Acero Delgado, ganador del Primer Premio del Certamen, interpretado por la bailarina Elisabet Romagosa Xufré y el bailarín Sergio R. Suárez. El segundo programa tendrá lugar los días 16 y 17 de mayo, a las 20 horas y el 18 y 19 de mayo, a las 19 horas, e incluirá las piezas Duelo, de Sara Pérez, Primer premio en la categoría Coreografía de Solo, interpretada por ella misma en una actuación en la que estará acompañada por el cantaor David Vázquez, y Entre nosotras, creación Christian Rubio para cuatro bailarinas, merecedor del Segundo Premio de Coreografía, al que darán vida en escena las bailarinas Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas. La cita con la danza española y el flamenco tendrá continuidad en la próxima temporada del Real Teatro de Retiro, trayendo en junio de 2025 lo mejor del Certamen en su edición 33.

-La Compañía Antonio Gades se embarca durante mayo y junio en un tour que llegará a veinte ciudades del gigante asiático, consolidándose como embajadora de la cultura española en Asia -Este ballet flamenco se ha representado más de 600 veces desde 2004

LA XI EDICION DE MUESTRA COREOGRAFICA INTERNACIONAL BETA PUBLICA SE CELEBRARÁ LOS DIAS 13 Y 14 DE MAYO EN EL TEATRO PRADILLO DENTRO DEL 39º FESTIVAL MADRID EN DANZA DE LA COMUNIDAD DE MADRID ¡Ya tenemos el cartel para la XI Edición de BETA PUBLICA! La XI Edición de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA, que se celebrará los días 13 y 14 de mayo a las 19.00 horas en el Teatro Pradillo, histórico escenario de la danza contemporánea en Madrid, con un innovador, sorprendente y multicolor, programa de creadores Internacionales, Nacionales y de la Comunidad de Madrid. El cartel de esta edición tiene un total de 6 piezas cortas, una seleccionada por el público en las redes sociales y el resto por el Equipo Artístico de la Asociación. Adicionalmente se presentarán varias apuestas en nuestra sección experimental Pro.BETA, donde damos entrada a proyectos de investigación en ciernes.  Como en anteriores ediciones tendremos una Antesala, creada por Pilar Villanueva, que con el nombre “A.SOMBRA.ME” dará la bienvenida a los espectadores. Todas las piezas han sido seleccionadas entre las cerca de 200 que se presentaron este año, para mostrar y poder disfrutar de danza contemporánea con calidad e innovación. Paula Sánchez & Matilde Casini / “ATTRACTIO” / BARCELONA Alessio Damiani / “Burdens of Being” / ITALIA Sofía García Calvarro / “Luz de Gas “/ MADRID Colectivo Glovo / “Alleo” / LUGO - PORTUGAL Jason Martin / “étude nO.1” / CANADA VENÉREA / “Mantra By Night” / VALENCIA Como declara Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de BETA PUBLICA: “En esta XI Edición ha vuelto a ser un verdadero reto elegir estas piezas por la calidad y solidez de las coreografías de todo el mundo que han participado en el proceso. Un año más nos da mucha pena tener que dejar fuera de la Muestra a tantos grandes creadores/as y performers” y añade: “En esta edición 10+1 en el histórico escenario del Teatro Pradillo por el que han pasado muchas, sino todas, las figuras de la danza contemporánea española, reiniciamos la Muestra con esta selección de creadores y piezas con la que queremos que los asistentes se diviertan y puedan ver hoy lo que será el mañana de la danza contemporánea” Ya están a la venta las entradas, a precios populares, para las funciones de la Muestra BETA PUBLICA. Esta XI Edición busca, como las anteriores, crear una mayor experiencia al público y para ello ofrece dos MasterClass con creadores/as seleccionados y dirigidas a toda persona amante o conocedor de la danza: bailarines, profesores, coreógrafos o simplemente curiosos que quieran probar. Las MasterClass serán en la Sede de la Compañía Nacional de Danza (Matadero, Paseo de la Chopera 4) el domingo 12 de junio de 10.00 a 13.30 de la mañana.

Madrid capital y otras siete localidades de la región acogen la 39ª edición del principal y más longevo encuentro coreográfico de España, que se celebra del 9 al 26 de mayo La programación, con montajes de cinco países, ofrece siete estrenos (4 en España y 3 en la Comunidad de Madrid), entre ellos los de (La)Horde / Ballet Nacional de Marsella, el coreógrafo británico Wayne McGregor, la Stephanie Lake Company de Australia y la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker Participan 22 compañías (4 internacionales, 9 de la Comunidad de Madrid y el resto de Andalucía, Canarias, Galicia, País Vasco y Navarra) Un gran evento de 10 horas de duración, participativo y abierto a todos los públicos, en la Puerta del Sol de Madrid transformará el corazón de la capital en un gigantesco estudio de danza el sábado 11 de mayo La representación española incluye nombres como Antonio Ruz, La Phármaco, Led Silhouette, el Ballet Nacional de España, Mucha Muchacha, Daniel Abreu, Janet Novás o Alfonso Losa A las puertas de cumplir cuatro décadas de compromiso e impulso de la danza en España, el festival más longevo e importante del género, Madrid en Danza, llega a su cita de mayo (entre el 9 y el 26) con un programa de 22 espectáculos que se exhibirán en la capital y en otras siete localidades de la Comunidad y que han presentado esta mañana en Teatros del Canal el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, y la directora artística del festival, la coreógrafa y bailarina Blanca Li. De la mano de 22 compañías (4 internacionales, 9 de la Comunidad de Madrid y el resto de Andalucía, Canarias, Galicia, País Vasco y Navarra), el festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid mostrará la amplitud de miradas al mundo y al arte de la creación coreográfica actual y la fortaleza de una expresión artística que cada año conquista a mayor número de espectadores. En total el público podrá disfrutar de trabajos llegados desde 5 países, con 7 estrenos (4 en España y 3 en la Comunidad de Madrid), entre ellos de compañías cimeras como (La)Horde / Ballet National de Marsella, Wayne McGregor, Stephanie Lake Company y la coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker. Madrid en Danza pisará este año la calle. Un gran evento participativo, gratuito y abierto a todos los públicos en la Puerta del Sol de Madrid el sábado 11 de mayo acercará la belleza y capacidad expresiva de la danza a todos los ciudadanos. Durante 10 horas seguidas, la plaza se transformará en un gigantesco estudio de danza y un espacio abierto donde se representarán diferentes espectáculos y se invitará al público a participar y aprender pasos de bailes de salón, danza moderna, flamenco o danza contemporánea. Además de este escenario al aire libre, el festival se desarrollará en otros cuatro escenarios de la capital (Teatros del Canal, Teatro Pradillo, Sala Cuarta Pared y Centro Cultural Paco Rabal) y en otros siete municipios de la región (San Lorenzo de El Escorial, La Cabrera, Pinto, Getafe, Coslada, Alcorcón y Alcobendas), con una apuesta por la autoría viva, la gran creación contemporánea nacional e internacional, y flamenca, que refleja las inquietudes de la sociedad contemporánea (como el cambio climático, la guerra, la identidad o el mundo digital). La presencia del festival más allá de la capital, con una oferta diversa y de excelencia, apunta a la voluntad de descentralización cultural de la Comunidad y la promoción y desarrollo de la danza más allá de sus circuitos habituales. Teatros del Canal aglutinará gran parte de la programación del festival, con diez espectáculos, y estrenará en España las cuatro producciones internacionales de (La) Horde y el Ballet National de Marseille, la Compañía Wayne McGregor, la Stephanie Lake Company y la coreógrafa belga Anne Teresa de Kersmaeker, al frente de Rosas. Las representaciones las abrirá el colectivo (La)Horde y el Ballet National de Marseille, que vuelven a Teatros del Canal después de su paso en 2022 con el recordado montaje Room with a view, en el que recreaban una espectacular cantera desde la que hacían un llamado a la protesta y la rebelión. En Age of Content (9 y 10 de mayo) se zambullen en el universo virtual elaborando un lienzo que fusiona danza y multimedia e invitando al espectador a atravesar el intrincado tapiz de la identidad (entre lo virtual y lo real), los medios de comunicación y las normas contemporáneas. Esta creación de Marine Brutti, Jonathan Debrouwer y Arthur Harel cuestiona nuestras respuestas físicas y emocionales ante la abundancia de contenido y las realidades simultáneas de nuestro tiempo. Aunque se inspira en la recordada película El cristal oscuro de Jim Henson (el creador de los Teleñecos), UniVerse: A Dark Crystal Odyssey, el más reciente espectáculo del multipremiado coreógrafo británico Wayne McGregor (15 y 16 de mayo), no es una traslación del universo fantástico del filme sino una inspiración que McGregor toma para pensar sobre un planeta, la tierra, enfermo, y la crisis climática actual, que necesita urgentemente, según entiende, una curación. Apoyado en poderosas imágenes, un sonido envolvente y una tecnología inmersiva de última generación, UniVerse: A Dark Crystal Odyssey evoca la idea de que la humanidad y la naturaleza son inseparables y se pregunta cómo pueden volver a unirse para estar completas. Anne Teresa De Keersmaeker estrenará el 19 de mayo en España EXIT ABOVE: after the tempest, con música de Meskerem Mees, Jean-Marie Aerts, Carlos Garbin. La coreógrafa belga (Malinas, 1960), al frente de su compañía Rosas que creó en 1983, vuelve sobre sus pasos con este montaje a las raíces de la danza, de la música pop, el blues y sus misteriosas notas azules, aquellas que entremezclan tristeza y alegría. El punto de partida es la canción Walking blues del legendario artista de blues Robert Johnson; aunque el viaje se remonta a Der Wanderer de Schubert, el autor de canciones más conocido del siglo XIX. Meskerem Mees, cantante flamenco de raíces etíopes, compondrá una serie de variaciones, permutaciones y otras adaptaciones de canciones ambulantes, junto con Jean-Marie Aerts, el arquitecto del sonido de TC Matic, la fabulosa formación de rock belga de los 80, y con el bailarín y guitarrista Carlos Garbin. En Manifesto (del 24 al 26 de mayo) Stephanie Lake, quizás la coreógrafa más importante que ha surgido en la danza australiana en la última década, provoca una simbiosis entre la danza y la percusión, entre nueve bailarines y nueve baterías. Después de Colossus (2019), que cohesionaba a 50 bailarines realizando intrincados movimientos contrapuntísticos, en Manifesto, cada pareja de batería y bailarín lleva a cabo un baile feroz con un sonido electrizante. Tradición y vanguardia El flamenco es una disciplina mimada por Madrid en Danza, fundamentalmente en sus propuestas más innovadoras y contemporáneas. Este año, junto a nombres indiscutibles como Alfonso Losa, del que se rescata su último montaje, Flamenco: Espacio creativo (24 de mayo), donde su danza flamenca se expone a nuevos conceptos y movimientos, sobresalen espectáculos sorprendentes como Zarra. Este montaje, dedicado al que fue máximo goleador de la liga de fútbol española Telmo Zarra, es un homenaje creado por su nieta, la bailaora bilbaína Adriana Bilbao. Conjugando danza y flamenco con elementos deportivos asociados al fútbol, Zarra (25 de mayo) recorre la historia del jugador del Athletic de Bilbao y de la selección española de fútbol en una época radicalmente diferente. La Reina del Metal (15 de mayo) inventa un género fugaz y único: el ensayo flamenco para dos cuerpos rodeados a partir del baile de Vanesa Aibar junto a los sonidos extraídos del metal y la electrónica del músico Enric Monfort. Verso libre (17 de mayo) es una improvisación de la joven bailaora gaditana María Moreno en torno al cuerpo en fiesta, acompañada a la guitarra por Raúl Cantizano, al cante por Miguel Lavi y al compás Roberto Jaén. Y en Las Alegrías (19 de mayo), Paula Quintana compone la primera pieza de una trilogía en torno al renacer, el empoderamiento y la elevación de los cuerpos. Un solo de danza sobre la alegría como energía en potencia, íntima, transformadora y revolucionaria. En Mariana (10 de mayo), Luz Arcas con su compañía La Phármaco celebra el arte jondo primitivo a través de la danza contemporánea ataviada como un animal de carga, y recrea de forma libre la potencia de este animal, rodeada de un espacio sonoro de cantes de campo, cornetas de fiestas populares y percusiones experimentales. La recuperación de la esencia ancestral mueve igualmente el baile de Nova Galega de Danza, que presenta en Berro (10 de mayo) el vacío que supone ser individuos solos y aislados en una sociedad sin memoria que debe buscar un movimiento que les recuerde su pasado. En un viaje que conecta los estados emocionales, muestra la importancia de anclarse en la tradición, la tierra, la raíz, la familia y el hogar, a través de la experiencia colectiva. Por su parte, la bailarina y coreógrafa Janet Novás y la compositora e investigadora del folclore gallego Mercedes Peón se alían en Mercedes máis eu (22 de mayo) para explorar las relaciones particulares que existen y se establecen entre su danza y su música plagado de imágenes evocadoras. Y en Afanador (23 y 24 de mayo), el Ballet Nacional de España bucea en el universo flamenco del célebre fotógrafo de moda y retratista colombiano Ruven Afanador, reflejado en los libros Ángel gitano y Mil besos, dos sesiones fotográficas realizadas en Andalucía. El Premio Nacional de Danza y director de La Veronal Marcos Morau pone a dialogar en este espectáculo “la mirada surrealista de Afanador sobre el flamenco” y la del propio Morau, “muy parecida” a la del fotógrafo. Ambas, señala, no representan “el mundo que existe” sino inventan “uno nuevo”. Espejo de actualidad Las propuestas de danza contemporánea española del festival se bifurcan en dos caminos, el de la reflexión sobre el hecho estético y el de la toma de conciencia del mundo de hoy, como sucede con la danza pasional del colectivo Led Silhouette (Jon López y Martxel Rodríguez) y Marcos Morau en Los perros (16 de mayo), otra aproximación, como en el montaje de (La)Horde, a nuestro presente digital, en la que la compañía navarra aborda la deshumanización y el aislamiento social a través de dos intérpretes que, como perros en movimiento, muestran una capacidad de resistencia ante esa adversidad. Una idea similar la plantea Eduardo Vallejo en Glass House (24 de mayo), en la que abre la puerta a la salvación del individuo que vive en una sociedad antiutópica en la que se siente alienado. Y a una utopía (un mundo sin guerra) parece dirigirse el cordobés Antonio Ruz en el canto antibélico de PHARSALIA (17 de mayo), que se inspira en la única obra que ha sobrevivido de su paisano Marco Anneo Lucano (39-65 d. C.), nieto de Séneca, autor de esta obra, un poema épico inacabado en diez cantos sobre la guerra civil entre Julio Cesar y Pompeyo Magno. El amor es el tema central de otros dos montajes, VAV (17 de mayo) de Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza 2014) y He aquí un acto romántico (16 de mayo) de Richard Mascherin. El título de VAV, pieza concebida para seis intérpretes, es el de la sexta letra del alfabeto hebreo, que rige las relaciones en general, incluyendo las relaciones amorosas. Simboliza, según Abreu, “lo que une, lo que mantiene todo unido, un anzuelo, el enlace, la conjunción de cielo y tierra, de hombre y espíritu”. Mascherin indaga, por su parte, en la idea del amor romántico a través de tres personajes. El artista canario ha basado su creación en la idea de caída (física y emocionalmente) desde 2015. “Quería analizar lo posterior a una caída física, a una caída emocional. Y la secuela y el impacto que tiene un accidente y las consecuencias físicas del amor romántico”. En SHINE (23 y 24 de mayo), la coreógrafa vasca Judith Argomaniz analiza con sus ocho bailarines la búsqueda del éxtasis, de la felicidad, la adicción al hedonismo y la busca de evasión en la sociedad actual al ritmo de la música tecno. Y Mucha Muchacha (24 de mayo), debut hace tres años de la compañía del mismo nombre que recupera el festival, reivindica al grupo de mujeres conocido como Las Sinsombrero, de poetas, escultoras, ilustradoras, filósofas, artistas gráficas y periodistas, que la Guerra Civil relegó al olvido. El coreógrafo israelí afincado en España Sharon Fridman interviene en Madrid en Danza con Europa (12 de mayo), dirigido por Luis Luque, Fridman aborda el mito griego del mismo nombre sobre el rapto violento de una princesa fenicia por Zeus, convertido en toro, para obligarle a vivir una vida que no ha sido elegida por ella. A partir de este mito, Fridman y Luque firman un espectáculo conceptual y minimalista en el que se multiplican los diferentes lenguajes plásticos y coreográficos, y donde el sonido, el movimiento y la luz funcionan como signos poéticos. Beta Pública El Teatro Pradillo acogerá, dentro de Madrid en Danza, la undécima muestra coreográfica internacional Beta Pública, que reúne producciones de corta duración de creadores noveles seleccionadas por el equipo artístico de la muestra. Beta Pública es una iniciativa de la Asociación Beta Pública, fundada en mayo del 2014 por Pilar Villanueva, que busca impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La asociación realiza anualmente la muestra coreográfica a través de su página web y redes sociales para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea.