El Teatro de la Zarzuela será el escenario para la conmemoración del cuadragésimo quinto aniversario de la institución Todo el pasado por delante, la primera película documental del Ballet Nacional de España, se presentará en la gala Desde que se fundara en 1978, el Ballet Nacional de España ha pasado por diferentes direcciones, sedes y elencos, que han constituido, moldeado y redefinido la institución durante sus cuarenta y cinco años de existencia sin perder jamás de vista el objetivo bajo el que nació: el de preservar, difundir y transmitir el rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística y sus tradiciones. Queriendo reflejar el recorrido del Ballet Nacional de España, a comienzos del 2023 se empezó a producir la película documental Todo el pasado por delante, un proyecto impulsado desde el INAEM y primera película dedicada íntegramente al BNE desde su creación. Se ha querido poner en valor todo el proceso y equipo que hay detrás de cada producción, mostrando una mirada “entre bambalinas” del día a día en la compañía, además de ofrecer una perspectiva histórica de su evolución. Este documental, dirigido por Emilio Belmonte y Luis Delgado, cuenta con diversas entrevistas a protagonistas de la andadura del Ballet Nacional de España, como también con auténticas joyas extraídas de sus archivos audiovisuales. El 21 y 22 de diciembre se presentará una pre visualización de imágenes del documental  Todo el pasado por delante, en la Gala del 45 Aniversario del Ballet Nacional de España, que se celebrará en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Por supuesto, una celebración del Ballet Nacional de España no estaría completa sin la presencia de la danza. En la gala habrá coreografías de todos los estilos que conforman la Danza Española: escuela bolera, danza estilizada, folclore y flamenco, creando una panorámica tanto estilística como histórica; acompañadas con la música en directo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de Manuel Busto, que asimismo se ha ocupado de la banda sonora original de la película documental. El programa ha sido diseñado de tal forma que las coreografías abracen al documental, haciendo que la danza en vivo y la danza en imágenes se entrelacen entre sí. La primera de las coreografías se trata de Danza y Tronío de Mariemma (1984), una obra donde la escuela bolera y el clásico español se dan la mano con el flamenco. Continuará con Vito de gracia, coreografía de Rosario y Antonio estrenada en 1944 en la película Hollywood Canteen y recuperada en 2021 por el Ballet Nacional de España con motivo del centenario del nacimiento de Antonio ‘el bailarín’, director de la institución entre 1980 y 1983. “El vito” muestra el baile que caracterizaba a la pareja de Rosario y Antonio, “Los chavalillos sevillanos”. Tras estas actuaciones, se proyectará la primera parte del documental Todo el pasado por delante, para finalmente terminar esta parte de la gala con el Zapateado de Antonio Ruiz Soler con la música de Pablo Sarasate, coreografía estrenada en 1946 que rápidamente se convirtió en una de las más célebres de Ruiz Soler. El Zapateado es una pieza de gran dificultad técnica con influencias de claqué en flamenco estilizado. Siguiendo la máxima de Antonio, “bailarlo es acariciar el suelo; hay que hablar con el suelo, no dar patadas”. El Martinete, coreografía de Miguel Ángel Corbacho estrenada en 2021, abrirá la segunda parte de la velada. Se trata de una pieza flamenca inspirada en el estilo y carácter de Ruiz Soler. A continuación tendrá su estreno absoluto el día 21 la Farruka coreografiada por Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España. Después de estas coreografías, será proyectada la segunda parte del documental. La Jota Aragón de Pedro Azorín cerrará la noche. Esta coreografía de 1975, será estrenada por primera vez por el Ballet Nacional de España el día 21, celebrando la reciente declaración de la Jota como manifestación representativa del patrimonio cultural inmaterial. Una gala en la que el director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, ha querido “mostrar no sólo la esencia de la Danza Española, sino también toda la colaboración de coreógrafos, bailarines, diseñadores de vestuario, iluminadores, maquinistas, Instituciones, Fundaciones, Conservatorios y muchos más que son quienes entonces, ahora y en un futuro construyen la historia del Ballet Nacional de España”. Gala 45 Aniversario Ballet Nacional de España Teatro de la Zarzuela, Madrid 21 y 22 de diciembre de 2023, 20:00h. Primera parte Danza y Tronío Baile en la casita de arriba El jaleo de las tres picadas Vito de gracia Todo el pasado por delante (Pre visualización de imágenes, primera parte) Zapateado Segunda parte Martinete Farruka (Estreno absoluto) Todo el pasado por delante (Pre visualización de imágenes, segunda parte) Aragón (Jota) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El primer gran ballet de absoluto nuevo cuño que estrenó Antonia Mercé para su compañía Ballets Españoles fue “El Fandango del Candil”. Desde aquellos lejanos años 20 hasta ahora hemos sido afortunados de que la obra haya sobrevidido a las visicitudes del tiempo y de la historia. Esto ha sido gracias a Mariemma que lo reelaboró, y a Aída Gómez que ha hecho del bolero una de sus piezas más aplaudidas, hizo el gran esfuerzo de llevarlo a los escenarios con su compañía, tal y como podermos ver en esta filmación del año 2009 del Festival de Jérez. Emociona poder admirar el innovador vestuario con originalísimos toques cubistas creado por Néstor de la Torre, los decorados, la música... Vale la pena detenerse en los entresijos de su creación y, especialemente, en las historias que se esconden tras las vidas de quienes junto a la gran Antonia fueron sus artífices. LA MÚSICA Antonia Mercé encarga la elaboración de la música a un compositor de 21 años de edad, Gustavo Durán. El joven era por áquel entonces la pareja sentimental del pintor grancanario, Néstor que lo consideraría el gran amor de su vida. Existe, por tanto, un nexo de unión personal muy fuerte entre el compositor y el autor de los vestuarios y escenografías del ballet.. Algo que con el tiempo Gustavo Durán se esforzaría en ocultar de su biografía, olvidando por completo a quien le había ayudado a ser quien era y con quien mantuvo una larga relación en torno a una década. El prometedor músico convivía con Néstor en París llevando un tren de vida que jamás hubiera podido costearse por sus propios medios. Gustavo Durán fue un hombre de gran belleza, siendo el modelo que Néstor empleó en los cuadros de su serie de pinturas titulada "Poema del Atlántico", donde se representa el óceano en clave simbolista, a través de los distintos momentos del día, y encarnado en la figura de un hermoso muchacho. Sin embargo, a pesar del éxito obtenido con la música del "Fandango del candil", nunca compuso nada más importante que este ballet, ni tampoco parece que el joven compositor se esforzase en perfecionar su arte durante su estancia en la capital francesa, donde Néstor le costea las clases de composición que impartía Paul Dukas, compartiendo aula con Joaquín Rodrígo y Joaquín Nin Cumell. En 1934 su existencia da un giro radical y abandona a Néstor. Gustavo Durán abandona la música en pro de otros derroteros mejor remunerados, y existen claras sospechas de su participación en alguna suerte de colaboracionismo activo con el comunismo stalinista. El crítico musical Carlos Bosch, en su libro "Mnéne. Anales de música y sensibilidad" (Ed. Espasa Calpe, 1942) en sus páginas 141-142, lo narra sin trapujos: <> Fue un personaje ambicioso que se afanó para introducirse en el mundo artístico parisino y en el madrileño, dónde frecuentó a los artistas afines al círculo de la Residencia de Estudiantes, especialmente, a Federico García Lorca. Cuando estalla la Guerra Civil, Gustavo Durán, con la complicidad de Rafael Alberti, se convierte en un destacado activista de la SIM y, posteriormente, de la GPU. Nunca más volvería a ver a Néstor, que jamás recibió noticias suyas, falleciendo en Gran Canaria en 1939. Gustavo marchó al exilio ayudado por Ernest Hemingway, que le consigue la nacionalidad norteamericana, y trata de iniciar una carrera diplomática ocupando algunos cargos en el ámbito internacional, pero la sombra de su pasado le persigue. Muere en Atenas en 1969. Sin embargo, la poderosa personalidad del compositor del Fandango del Candil siguió perpetuándose en la literatura. No sólo en el poema que sobre él escribe Jaime Gil de Biedma, que lo conoce cuando es un anciano. Más allá de la muerte será el protagonista de la novela de Horacio Vázquez Rial "Soldado de porcelana": <> Su propia hija, Jane Durán, se inspira en él, un personaje del que todos perciben que posee un lado oscuro, indescifrable... Su hija escribe un poemario titulado "El silencio de mi padre": <> En los archivos de la Fundación Juan March, se conserva un tesoro: la grabación sonora de la música del Bolero del Fandango del Candil con el mágico toque de las castañuelas de Antonia Mercé. (Nota: para poder escucharla pulsar con el cursor sobre las palabras subrayadas). LA TRAMA DEL BALLET El libreto es obra de Cipriano Rivas Cherif, amigo íntimo de Manuel Azaña, que se convertiría en su cuñado al contraer matrimonio con su hermana. Cuando Don Manuel llega a Presidente, Rivas Cherif es nombrado Jefe de Protocolo del Gobierno. Rivas Cherif era un destacado miembro de los círculos teatrales, tal y como muestra esta foto en la que aparece acompañado de Federico García Lorca y Margarita Xirgu. Cipriano Rivas basa su libreto en un sainete de Don Ramón de la Cruz y desarrolla para "El fandango del candil" la trama de un ballet-pantomima en un acto y cinco escenas, para veinte bailarines y cuarenta músicos. El mismo describe, en una carta dirigida a Gustavo Pittluga, el modo en que solía elaborar sus obras con Antonia Mercé: el argumento “una vez admitido, se lo desmenuzaba escena por escena y, después, ateniéndome a mis posibilidades, o a lo que ella pedía, le apuntaba incluso la clase de movimientos que me parecía adecuada y hasta los pasos”. La acción de “El fandango del candil” se sitúa en el Madrid de 1850, en una típica taberna de las denominadas “de candil”, donde alternan gentes del pueblo y de la alta sociedad. Allí una actúa la Niña Bonita, la gran sensación del momento. Naturalmente, tiene un pretendiente, Manolo–interpretado por el maestro Juan Martínez-, que le quiere dar celos, y ella le corresponde coqueteando con los visitantes. El amante, airado, invita a bailar a una dama de la alta sociedad que va cubierta. Entonces se produce un gran escándalo, pues la Niña Bonita, llevada por un arrebato, despoja del manto a la señora, y se descubre que la tapada es la mismísima reina Isabel. En el alboroto, un valenciano ciego tira por equivocación el candil, y la reina y sus acompañantes, aprovechando la oscuridad, escapan. Atraídos por el jaleo, se presentan dos alguaciles, y aunque todos disculpan el error del ciego, los guardias se lo llevan detenido. Manolo le pide explicaciones a la Niña Bonita, y ella, para congraciarse con él, le baila un bolero. Al final la alegría se contagia a todos los presentes, que se unen al baile, mientras la Niña bonita y Manolo hacen las paces. Sobre el maestro Juan Martínez, el escritor Chaves Nogales publicó una magistral biografía novelada de las peripecias del bailarín durante la revolución rusa, bajo el título "El maestro Juan Martínez que estuvo aquí". Se puede observar que el figurín que Néstor diseña para su papel de Manolo, que se conserva en el Museo Néstor de las Palmas de Gran Canaria, es su retrato. Tal vez nos encontramos ante una de las pocas imágenes que existen del maestro bolero Juan Martínez. Se le puede reconocer si observamos al pesonaje de amplias patillas situado en el extremo izquierdo de esta fotografía del Fandango del Candil, tomada sobre el escenario. En cuanto a las partes del ballet, la primera danza es un solo de Argentina (Niña Bonita): la “Danza del Candil”; otro de los bailes que interpreta son unos “Panaderos”; también hay dos Zorongos, danzados por el cuerpo de baile con solos de Carmen Joselito y Lolita Mas; la obra finaliza con la Argentina danzando el famoso “Bolero”, una de sus piezas más emblemáticas que nunca dejará de ser parte fundamental en el repertorio de la artista. Antonia paseó el bolero del Fandango por el mundo, pero nunca lo bailó en España. Ella no tuvo una buena relación con Gustavo Durán y quizás esa fue su venganza. La Argentina siguió trabajando con Néstor en sus ballets posteriores, pero nunca con el joven músico. ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO DE NÉSTOR Néstor crea unos figurines y escenografías que son una verdadera obra maestra, donde logra incardinar a la perfección los motivos de inspiración folklórica con la más innovadora vanguardia. Han trascurrido doce años desde su trabajo en “El amor brujo”, y la vertiente escenográfica de Néstor ha madurado y absorbido todo el devenir de las corrientes artísticas en el período de entreguerras. Si la escenografía de “El amor brujo” que creó para el estreno de 1915 en el Teatro Lara de Madrid, se podría calificar como preciosismo ilusionista, corriente escénica opuesta al realismo teatral de finales del XIX, en “El fandango del candil” la perspectiva se quiebra, la línea recta se abre en “uve” para ser contemplada desde el punto de vista bajo, donde se sienta el público, que percibe el escenario con una mayor amplitud y grandiosidad. Los elementos cubistas invaden la obra, desde los vestidos al decorado. Si bien, es necesario recordar, como afirmaba Gertrude Stein, que “el cubismo es cosa de pintores españoles”, pues españoles fueron tanto su creador: Pablo Picasso, como sus artífices más reconocidos (Juan Gris). EL ESTRENO “El Fandango del Candil” es estrenado por la compañía de los Ballets Españoles de Antonia Mercé, en el Teatro Volskoper de Hamburgo en noviembre de 1927. Inician una gira que recorrerá Alemania (Bielefeld, Bremen, Colonia, Berlín…); cosechará triunfos en Italia (Sala Humberto de Roma); para finalizar en el Teatro Femina de los Campos Elíseos (del 18 de junio al 12 julio 1928). El éxito obtenido es de tal envergadura, que en París la cola para adquirir las entradas con varios días de antelación ha de ser vigilada por gendarmes. NULA REPERCUSIÓN DEL ESTRENO EN ESPAÑA Pero España no se hizo eco del triunfo europeo del “Fandango del Candil”, como se narra en una carta de Miguel Benítez Iglott escribe a Néstor: <> Lo que constituye una prueba del disgusto que sentía Gustavo Durán de que en España no se diera importancia alguna a los triunfos que habían obtenido por Europa. Lo cierto es que el único ballet que la compañía de los Ballets Españoles de Antonia Mercé llegó a representar en España, fue el “Amor brujo” en 1934. Todo un acontecimiento que logró unir en la escena del Teatro Español un reparto sin igual: Pastora Imperio (la primera Candela) en el papel de hechicera, con Antonia Mercé (Candela de entonces), Vicente Escudero como El Espectro, y Miguel de Molina –el gran artista de la copla, que tuvo que marchar a Argentina acusado de homosexual- en el papel de Carmelo. Un reparto de los que hacen historia. MERCEDES ALBI

Desde hace tiempo deseaba conocer a quien considero una de las grandes investigadoras de la danza en nuestro país, Rosario Rodríguez Lloréns. Sin haber tenido el placer de conocerla personalmente, tuvo la amabilidad de ofrecerme algo de su escaso tiempo, y concertamos una cita a ciegas en el vestíbulo del Hotel Inglés de Valencia, ciudad donde reside. Ella es un ser con encanto, delicada y elegante. Su aire inteligente y soñador es como si no perteneciera a este siglo, pues encajaría perfectamente en el perfil de una escritora de la época del romanticismo, valerosa y pionera. Sin embargo, y aunque como investigadora le gusta mirar atrás se encuentra por sus múltiples actividades perfectamente ubicada en el presente. Licenciada en Pedagogía de la Danza, Clásica y Española, por el Conservatorio de Danza de Valencia, donde ejerce como docente. Es también licenciada en Ciencias Políticas y Sociología y doctora en Pedagogía, pero ante todo es un ser en movimiento, cada poco tiempo deja obsoleto su abultado currículum. Así, desde 2022 forma parte del Grupo de investigación Cuerpo Danzante. Archivos, imaginarios y transculturalidades en la danza entre el Romanticismo y la Modernidad del CSIC; en 2023, es nombrada como miembro de la Comisión asesora de la Cátedra de Música y Danza Tradicional de la Universidad de Valencia… Es autora de la obra biográfica Francisco Miralles. Pasos de baile para una leyenda, publicada en el año 2015 por la editorial L’Eixam Edicions, con la que me obsequia. P-¿Cómo llegaste a investigar a este gran bailarín valenciano que fue Francisco Miralles? -Fue por azar. P-Realmente, tu libro ha sido como devolverle a la vida. -Hice una previa investigación durante 5 años antes de publicar el libro. P-¿Qué te movió hacia él además de la pasión? Al leerte es evidente que la tienes y la suscitas. -Gracias. Verás, yo conocía de su existencia en la historia de la danza, especialmente, porque Mariemma siempre le reconoció como su maestro de danza española en París, durante su adolescencia. Entonces, por casualidad, en el transcurso de una comida familiar conocí a Josefa Lloris Miralles, que era sobrina del gran bailarín, hija de una prima hermana suya. P-¿Qué te contó sobre su tío? -Unos detalles desconocidos. Gracias a ella supe que Francisco Miralles era un valenciano nacido en la calle Sagunto. Josefa me contó unos recuerdos conservados gracias a sus familiares cercanos, la madre de Josefa y las hermanas del bailarín: Vicenta, Amparo y Paquita. P-¿Los recuerdos se pierden si no se escriben? -En gran medida. P-Por ejemplo, para hacernos idea de la vida tan rica en experiencias que tuvo el gran bailarín valenciano, cuéntame cómo fue que enseñó danzas españolas al zarévich Alejandro. -Este dato lo conocemos por boca del propio Francisco Miralles. Lo contó en una entrevista para la revista Estampa del 26 de marzo del año 1929. P-Muy pocas personas podían acceder al zarévich Alejandro. Es un dato sorprendente. -En efecto el hijo de los zares tuvo una vida además de corta muy difícil porque padecía hemofilia. Estaba muy protegido. Hay que situar el hecho en su contexto ya que en la Rusia de los zares se apreciaba mucho la danza española, y los miembros de la extensa familia imperial solían organizar pases privados en sus palacios a los que invitaban a los artistas españoles para que representaran los bailes con los que tantos éxitos obtenían en los teatros. En estas ocasiones, los grandes duques, e incluso los zares, obsequiaban a los bailarines con regalos muy valiosos. P-¿Se conserva alguno de estos regalos? -Sí, la familia guarda todavía un alfiler de corbata precioso que le regaló la reina Olga de Grecia, tía del zar Nicolás II y abuela de la reina Sofía de España; también costosos iconos rusos decorados con piedras preciosas. P-Tu libro también nos descubre otro de los personajes con quien Francisco Miralles trabó relación: la escritora Anaïs Nin. -La relación entre Anaïs Nin y Francisco Miralles es, posiblemente, la más sorprendente de toda la biografía del bailarín. Nunca lo hubiera imaginado,  a pesar de lo azaroso de su vida, de sus múltiples viajes, de todas las personas que conoció y de tantas y tantas alumnas y compañeras de baile como tuvo. P-¿Cómo lo descubriste? -El primer indicio lo encontré en una de las cartas que conservaban las hermanas de Miralles y que Eduardo Ranch Fuster tradujo del francés. Era una carta escrita por un tal J. Mareschein, amigo del bailarín y también profesor de baile en la que le decía que Madame Nin había solicitado ensayar dos veces por semana, bien ella sola o bien con su marido. P-Y con solo esa referencia... ¿Cómo pensaste que podría tratarse de Anaïs? -El apellido Nin no es demasiado común. El pianista y compositor Joaquín Nin era íntimo amigo de Antonia Mercé, la Argentina, y tenía una hija llamada Anaïs... Indagué si podía haber alguna conexión. En los diarios de Anaïs y descubrí, entre emocionada y atónita, que habían sido alumna y profesor, y quizás algo más, durante unos tres años, a finales de la década de los veinte del siglo pasado. P-Increíble, ¿qué averiguaste? -La futura escritora, celosa de la admiración que sentía su padre por la Argentina, decidió convertirse en bailarina profesional de danza española para atraer hacia ella sus elogios. Y acudió a la academia de Francisco Miralles atraída por su fama  como maestro. P-¿Cómo fue la relación de Anaïs y Francisco Miralles? -Anaïs Nin se dedicó en cuerpo y alma al aprendizaje, tanto que su familia estaba preocupada porque incluso llegó a adelgazar y hasta su marido se apuntó a las clases; Miralles, ya bien entrado en edad, quedó fascinado por su belleza, juventud y su entrega. Anaïs reflejó en su diario las clases, las anécdotas y las conversaciones que tuvo con su profesor, hasta el punto que a través de sus escritos nos dio a conocer más profundamente al artista que cualquier otra fuente que se haya podido consultar. P-En tu libro cuentas que terminaron distanciados. -Sí, la relación no acabó bien, porque Francisco Miralles se enojó mucho la última vez que la vio bailar improvisando y cambiando todo lo que él le había enseñado. Francisco amaba la danza española y no le gustó que no conservase esa esencia en la pureza que él le había transmitido. Y nunca más volvieron a verse. P-¿Anaïs siempre le recordó? -A pesar de que Francisco Miralles le prohibió que se refiriese a él como su maestro, aparecerá como personaje en sus obras, pues ella publicó diversos libros a modo de reflejo novelado de sus diarios. En las novelas el vínculo con el maestro de danza va más allá de la simple amistad que refleja en sus diarios. P-Eres un verdadero detective del tiempo, nos descubres cosas interesantísimas en tus investigaciones. -Gracias, me alegro que así te lo parezca. P-Y también has investigado mucho las imágenes de los bailarines de danza española que aparecen en el cine mudo, ¿qué te atrajo a este campo? -Al cine mudo llegué también a través de la búsqueda de datos sobre Francisco Miralles, porque estaba convencida de que podían haber registrado sus bailes en alguna película. Al fin y al cabo, él estaba en el momento justo y en el lugar adecuado para que así fuera: Francia a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando los Lumière, los Gaumont... P-¿Lo encontraste? -No, pero no pierdo la esperanza. Sí encontré unas películas: La malagueña y el torero y El Tango, filmadas en Sevilla por la casa Pathé Frères en el año 1906, y en un principio creí identificar a Miralles como uno de los bailaores que se veía al fondo en las películas dando palmas. Sin embargo, quizás realicé un descubrimiento mayor cuando comprendí que quienes aparecían bailando en las películas eran integrantes de la compañía de baile del maestro José Otero con él mismo como protagonista de La malagueña y el torero. Este hallazgo lo presenté, precisamente en Sevilla, en una ponencia en el V Congreso Nacional y II Internacional La Investigación en Danza organizado por la Asociación Española D más I: Danza e Investigación, al tiempo que pude comunicárselo a los descendientes del maestro Otero, concretamente a uno de sus bisnietos al que invité a la ponencia. P-¿Sigues investigando el cine antiguo? -Sí, porque me apasiona. De este estudio se hizo eco la Asociación Le Grimh: Groupe de réflexion sur l'image dans le monde hispanique y, desde entonces, gracias a la invitación de Jean-Claude Seguin Vergara, presidente del portal de esta asociación Les origins du cinéma : [1896-1906], colaboro en el análisis de la danza en general y de la danza española en particular, que encontramos en las películas mudas. P-¿Queda mucho por descubrir en el cine mudo? -Estamos en ello. Son estudios fascinantes porque nos trasportan a un tiempo y a unos personajes de la danza que, hasta ahora, solamente conocía por los libros de historia de la danza. Poder observar cómo bailaban estos artistas y cómo eran los bailes, cuyas coreografías todavía estudiamos, supone un gran privilegio. P-¿Cómo has conseguido que el 2 de agosto, día en que nació Francisco Miralles, sea declarado Día de la Dansa Tradicional Valenciana? -Cuando se publicó el libro en el año 2015, me hizo ilusión pensar que faltaban unos pocos años para celebrar el 150 aniversario del día del nacimiento del bailarín, el 2 de agosto de 1871. Sin embargo, la pandemia interrumpió todo. Pero existe un grupo de danza tradicional muy reconocido en Valencia, que es el Grup de Balls Populars, Les Folies de Carcaixent, cuyo director Xavier Francesc Rausell me ofreció entonces hacer una entrevista, online de la que surgió la elaboración de un manifiesto en el que se solicitaba que el 2 de agosto fuera declarado el Dia de la Dansa Tradicional Valenciana, en homenaje a Francisco Miralles. Al manifiesto se adhirieron prácticamente todas las asociaciones y federaciones de folklore de la Comunitat Valenciana, pero también muchísimas escuelas y conservatorios de otros puntos de España. En Les Corts se aprobó la propuesta por unanimidad. P-¿En qué consiste la celebración del 2 de agosto? -Se plantea como un día de hermandad y unión, bailando las danzas tradicionales, que fueron donde Miralles empezó.  Este año 2023, la celebración fue en la recién restaurada Plaza de la Reina de Valencia y acudieron innumerables grupos y rondallas. Es muy bonito, la verdad. P-¿La danza valenciana sigue aportando estrellas al mundo? -Claro. P-¿Podrías nombrarme algunos? -Ahora mismo está Marcos Morau, que es nacido en Ontinyent, como uno de los coreógrafos más solicitados internacionalmente; sobre Nacho Duato no hace falta decir más; en danza española tenemos a Antonio Gades como gran figura histórica, y no podemos olvidar otros como Javier Latorre, por citar algunos… Somos tierra de artistas, y es algo que en danza se deja sentir. MERCEDES ALBI

“La danza y la profesión de bailarín caminan hacia su extinción en España” ·               El I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con Proyecto de Formación Profesional, que se ha celebrado en la Casa de la Danza de Logroño, propone medidas para salvaguardar el futuro de este arte ·               En este encuentro se ha rendido un homenaje a la bailarina y maestra internacional Carmen Roche por su trayectoria, quien ha participado activamente en este congreso El I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con proyecto de Formación Profesional que se ha celebrado en Logroño del día 23 al 26 de noviembre, organizado por la Casa de la Danza de esta ciudad, con el patrocinio del Ayuntamiento y del Gobierno de La Rioja, alerta en sus conclusiones, tras días de intensos debates y reflexión, sobre la pésima situación que vive la danza en España, un arte y una profesión: la de bailarín, que caminan hacia su extinción. Por ello, tras abordar los problemas del sector a nivel nacional y autonómico, se han planteado una serie de objetivos y medidas para salvaguardar el futuro de este arte, para que las escuelas y centros profesionales de danza sean verdaderamente un puente entre la formación y la profesión, y para ganar mayor visibilidad de este arte en la sociedad. En este congreso han participado escuelas, centros y profesionales de la danza de Castilla y León, País Vasco, Andalucía, Comunidad Valenciana, Madrid, Cataluña, La Rioja y Aragón. Todos sus representantes han evidenciado que los problemas del sector se incrementan año tras año y siempre la misma pregunta: ¿Es realmente posible bailar en España? Los estudios de danza en escuelas privadas y centros públicos profesionales son para formar bailarines, pero ¿y si no pueden bailar en su país porque no hay compañías para ello? ¿Cuál va a ser su motivación y cuál su futuro? Esto ya está repercutiendo en los conservatorios y las escuelas privadas con proyecto de formación profesional. Cada vez hay menos alumnos y los valientes que terminan sus estudios y deciden emprender la casi utópica carrera profesional del bailarín se encuentran con un muro prácticamente infranqueable. Prácticamente no quedan compañías en las que poder desarrollar la profesión para la que tantas horas, ilusión y esfuerzo han invertido. Este congreso, además de establecer interesantes sinergias y colaboraciones entre los centros presentes, propone una serie de objetivos y medidas para salvaguardar la danza. Como objetivos a corto plazo (curso 2023/24-Curso 2024/25) se ha propuesto optimizar los recursos existentes, mediante el intercambio de alumnado entre los conservatorios y escuelas privadas con proyecto de formación profesional para implementar la excelencia de los futuros bailarines, así como realizar cursos de verano de especialistas en los conservatorios para  propiciar que los alumnos puedan formarse con los mejores maestros. Asimismo, se va a trabajar en la creación de  un festival itinerante de conservatorios y escuelas privadas para potenciar las prácticas escénicas y la futura red profesional de los alumnos. Para paliar la desmotivación que sufren los alumnos de danza y sus familias, se propone incrementar el diálogo padres-profesorado, con el objetivo de que los padres se conviertan también en embajadores de este arte. Todo ello con reuniones informativas con las AMPA, charlas divulgativas de exalumnos, que hoy son reconocidos bailarines, para que actúen como  figuras inspiradores de alumnos y padres. Y, sobre todo, campañas de difusión sobre las salidas de las enseñanzas profesionales (intérpretes, Grado Superior, titulación para incorporar en futuras oposiciones, formación artística que enriquecerá las capacidades emocionales del alumno en cualquier trabajo que ejerza en el futuro, etc.); así como reforzar la orientación del alumnado con tutorías personalizadas con cada estudiante para dar a conocer, aún más, las salidas de estas enseñanzas profesionales. Muy importantes son los objetivos a medio y largo plazo (que se podrían poner en marcha durante la actual legislatura). Para completar las enseñanzas, tanto privadas como públicas, se deben facilitar espacios escénicos que cumplan las necesidades mínimas para poder desarrollar al máximo la formación de los futuros bailarines, recuperar los exámenes libres en los conservatorios: pese a que somos sabedores de las dificultades que esto conlleva, consideramos que esta iniciativa del pasado no solo incrementaría el nivel de los alumnos, sino que también revitalizaría el número de alumnos de las escuelas. Hay que crear la figura de los examinadores que viajen por toda España, en la línea de los profesionales de la Royal Academy of Dance. Y lo más necesario: los centros profesionales de danza exigen lugares en los que puedan trabajar los bailarines, es decir, compañías. Hay que fomentar la voluntad política para que se incrementar las infraestructuras para danza a nivel autonómico: estudiar la posibilidad de que se creen/reutilicen nuevos espacios para la exhibición de este arte. Hay que aspirar al modelo de Alemania: que cada capital autonómica tenga su propio ballet, vinculado a un teatro en el que pueda actuar y que se podrían asociar a las orquestas ya existentes, es decir: un ballet en cada comunidad y con un teatro asociado como sede. Esto permitiría crear una red de espacios dedicados a la danza en España donde actuarían todas las compañías y la profesión de bailarín tendría sentido. El bailarín debe salir de su país para ejercer esta profesión por ambición pero no por obligación. Asimismo, es necesaria una mayor promoción y difusión de la danza en la sociedad para llenar estos teatros, porque el escaso apoyo que se da a la danza es también un problema cultural. Estas conclusiones son un avance de lo que podría ser un Manifiesto por la danza. Se contempla la posibilidad de trabajar en una plataforma que unifique al sector público-privado de centros profesionales de danza en una única voz con suficiente poder de convicción para poder revertir la situación actual y poder transmitir un legado a la próxima generación. Han participado en este congreso: CARMEN ROCHE. Bailarina y maestra internacional de danza, quien ha participado en este congreso de una forma muy activa y aportando toda su experiencia, y a la que se ha rendido un sentido homenaje por su trayectoria. GREGOR ACUÑA-POHL. Actor, director de escena y dramaturgo para danza. Productor de TAKE OFF DANCE, que dirige el prestigioso coreógrafo Johan Inger y codirige Carolina Armenta en la ciudad de Sevilla. ANAEL MARTÍN. Bailarina y maestra internacional en representación del proyecto  PAR en Dansa, Tarrasa, que tiene como director general a Adrià Fornes y director artístico a Rodolfo Castellanos, bajo el auspicio de la Factoría Cultural de Terrassa. JOAN BOIX. Bailarín, maestro y coreógrafo en representación del Centro de Danza de Cataluña, que dirige junto a otra gran bailarina: Roser Muñoz. MARISA MATEO. Directora del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya de Madrid BEÑAT URRUTIA. Profesor de la Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi, Danzerti. CLARA BLANCO. Bailarina internacional, maestra y directora de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León (EPDCYL) en Valladolid. M.ª JESÚS MORANT. Directora del Conservatorio Profesional de Danza de Alicante. SUSANA RODRIGO. Profesora y directora del Conservatorio Profesional de Danza de Castellón. Fue bailarina profesional de la compañía Ananda Dansa. JOAN CRESPO, ELIZABETH TABERNER Y LAURA BRUÑA, de Valencia Dancing Forward. ASUN NOALES, creadora, intérprete, docente y dinamizadora cultural. Directora de OtraDanza (Elche). GONZALO PRECIADO-AZANZA. Bailarín, investigador y moderador de este primer congreso. Y PERFECTO URIEL. Director de la Casa de la Danza de Logroño. Esta participación ha permitido dibujar un mapa muy aproximado de la situación actual de la formación en danza en España. Este I Congreso Nacional de Escuelas de Danza con Proyecto de Formación Profesional está organizado por la Casa de la Danza de Logroño, un espacio cultural privado impulsado por el Ayuntamiento de Logroño, y cuenta también con el patrocinio del Gobierno de La Rioja en su programa “La Rioja 360 Avanza”. Asimismo, ha contado  con la colaboración del Estudio de Danza Mª Victoria Romanos, Puerta 19, FeliÑarán Floristas, Hotel Gran Vía, Manuel Ferrer Joyero, Crixto 14 Enoteca, Ontañón Familia, Renueve, Gráficas Numancia y Enmárcalo.

La Porteña Tango celebra sus 15 años con un gran concierto en el Teatro EDP de Gran Vía el Día del Tango, el 11 de diciembre El grupo argentino de tango de mayor audiencia en Europa reúne a los grandes clásicos del género, desde Arolas a Villoldo o Gardel a Piazzola, con arreglos propios en un recital de canto y baile. El grupo formado por el guitarrista Alejando Picciano, el pianista Federico Peuvrel, la cantante Eugenia Giordano y el joven bandoneísta Matías Picciano lleva a 15 años de historia la esencia de la música más universal del país suramericano La Porteña Tango, el grupo argentino de la música más universal del país austral de mayor audiencia en Europa, celebra sus quince años de andadura con 15 tangos de historia, nombre del gran concierto que ofrecerán el 11 de diciembre en el Teatro EDP Gran Vía, coincidiendo con el Día Nacional del Tango en Argentina. Con esta actuación, el grupo vuelve a mostrar la esencia de aquella formación de trío primigenia que nació instrumental, con arreglos propios originales de los grandes clásicos del género, desde Arolas y Villoldo a Piazzola. Además, incluirán temas compuestos por el joven bandoneísta Matías Picciano, tercer puntal de la agrupación junto al guitarrista Alejandro Picciano y el pianista Federico Peuvrel. La exquisita voz de Eugenia Giordano y la danza de las parejas formadas por Carlos Guevara y Débora Godoy, y Guillermo León y Gema Leiva completan un conjunto que espera llevar la emoción de su música al público del Teatro EDP Gran Vía. La alegría que les produce Alejandro Picciano, Federico Peuvrel, Matías Picciano y Eugenia Giordano esta celebración evoca el ambiente de felicidad en que los dos primeros, durante un periplo europeo, decidieron crear en 2008 La Porteña Tango en un bar nocturno, ya desaparecido, llamado La cueva del bolero. Su crecimiento a partir de ese momento fundacional fue constante e imparable. Desde ese pequeño barel grupo se proyectó a los grandes teatros y auditorios de 22 países, convirtiendo un pequeño encuentro casual, en un continuo espectáculo de danza y música argentina alejado de clichés. Así han podido recorrer cuatro continentes presentando los espectáculos Un placer, Perfume de tango, Buenos Aires…Cuando lejos me vi, Danzarín, Que me van a hablar de amor!, 10 años, Alma de Bohemio y el reciente 15 Tangos de historia en algunos de los teatros más importantes del mundo y en muchísimos de los festivales más prestigiosos de world music que existen en la actualidad. Más de 800 representaciones cumplidas como grupo han hecho realidad sus sueños. Otra de sus grandes alegrías ha sido la tener de padrino y productor musical al maestro Litto Nebbia, que ha editado toda la discografía de La Porteña Tango para su sello Melopea Argentina. En España los espectáculos del grupo han sido seleccionados y recomendados en varias oportunidades para las diferentes redes de teatros de comunidades autónomas. Y como en ellos, en el concierto del Teatro GDP Gran Vía coquetearan con la improvisación y las armonías más modernas, además contar sus historias, provocar risas y cercanía. “Estas son cosas -señalan los componentes de La Porteña Tango-- que nos han hecho disfrutar de la enorme respuesta del cariño del público que tanto amamos y agradecemos”. Entradas compra

EL BAILARÍN Y COREÓGRAFO ANTONIO NAJARRO COREOGRAFÍA LA CANCIÓN PRINCIPAL “WELCOME TO ROSAS” DE LA NUEVA PELÍCULA DE ANIMACIÓN DE DISNEY “WISH” PARA ESTA NUEVA PELÍCULA, LOS ESTUDIOSE DE ANIMACIÓN WALT DISNEY SE HAN INSPIRADO EN EL ALCAZAR DE SEVILLA, LA TORRE DEL ORO Y LA ALHAMBRA DE GRANADA PARA DEFINIR LA MIRADA DEL REINO DE ROSAS DANZAS Y MÚSICAS DE INFLUENCIA ESPAÑOLA ESTÁ PRESENTE EN LA BANDA SONORA DE LA PELÍCULA CON LAÚD, CASTAÑUELAS, BAILE ESPAÑOL Y FLAMENCO Making of de la creación coreográfica de ANTONIO NAJARRO para Walt Disney: Wish, de Walt Disney Animation Studios, es una comedia musical que transporta al público al mágico reino de Rosas, una isla fantástica situada en el extremo sur de la Península Ibérica. Históricamente, la Península Ibérica ha sido punto de encuentro de numerosas culturas que han dejado su huella en la arquitectura, la música y las tradiciones de la zona. En la nueva película de Disney podemos ver cómo el reino donde vive su protagonista, Asha y el resto de habitantes de Rosas, incluye vestigios de la arquitectura medieval vista dentro de la Península Ibérica, como grandes arcos ciegos de medio punto o azulejos vidriados. formando patrones. La inspiración arquitectónica proviene de muchas grandes estructuras de España, incluido el Alcázar de Sevilla, la Torre del Oro, la Mezquita de Córdoba y la Alhambra de Granada. “Dada la ubicación de Rosas, lógicamente tendría influencias del norte de África y del sur de Europa. También creemos que las personas que viajaron por la Ruta de la Seda podrían terminar allí”, afirma la directora Fawn Veerasunthorn. El prestigioso bailarín y coreógrafo español Antonio Najarro ha colaborado con Disney en la creación de las coreografías de algunas de las canciones de la película. Desde Danza Española y flamenco, pasando por movimientos de danza clásica e introduciendo algunos movimientos contemporáneos para hacer la coreografía más creíble y moderna. "Para la canción “Bienvenidos a Rosas”, creé una coreografía nueva y original con diez bailarines de mi compañía de danza, Compañía Antonio Najarro, incorporando muchos estilos diferentes de danza: danza española, flamenco, danza contemporánea, ballet clásico y más. Me inspiré en muchos elementos españoles diferentes: instrumentos de percusión como las castañuelas, el juego de zapateados flamencos, el movimiento de las faldas , todo basado en el verdadero espíritu del flamenco". dice Antonio. Wish utiliza guitarras españolas y castañuelas para realzar las canciones compuestas por Julia Michaels y Benjamin Rice y musicalizadas por Dave Metzger. Para apoyar las referencias españolas de la película Con un guiño al legado musical de Walt Disney, que cumple 100 años, Walt Disney Animation Studios “Wish” da la bienvenida al público al reino mágico de Rosas, donde Asha, una ingeniosa idealista, pide un deseo tan poderoso que es respondido por una fuerza cósmica: una pequeña bola de energía ilimitada llamada Estrella. Juntas, Asha y Star se enfrentan al enemigo más grande, el gobernante de Rosas, el Rey Magnífico, para salvar a su comunidad y demostrar que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas. Con la coreografía de Antonio Najarro, las voces de la actriz ganadora del Oscar® Ariana DeBose como Asha, Chris Pine como Magnifico y la cabra favorita de Alan Tudykas Asha, Valentino, la película está dirigida por el director ganador del Oscar Chris Buck (“Frozen”, “Frozen 2” ) y Fawn Veerasunthorn (“Raya and the Last Dragon”), y producida por Peter Del Vecho (“Frozen”, “Frozen 2”) y Juan Pablo Reyes Lancaster Jones (“Encanto”). Jennifer Lee (“Frozen”, “Frozen 2”) es productora ejecutiva; Lee y Allison Moore (“Night Sky”, “Manhunt”) son los escritores del proyecto.

Ayer acudimos a "In C" una obra de la célebre coreógrafa alemana Sasha Waltz que nos visitó en el Festival de Otoño, ante una repleta Sala Roja en los Teatros del Canal, con su compañía Sasha Waltz & Guests. Parece ser que ese ballet se ideó durante la pandemia y su novedad fue que se estrenó de forma virtual. No dudo de que en ese momento fuese una propuesta inovadora y el público, encerrado en sus casas y angustiado, se sintiera identificado con la opresión del aburrimiento que "In C" transmite. Pero cuando las circunstancias cambian, por favor, olviden aquello que fue creado con un propósito concreto y no nos decepcionen de esa manera trayéndolo a un escenario varios años después. Seguro que la compañía tiene obras muy interesantes, porque hemos sido testigos de ello en las propuestas operísticas que la coreógrafa alemana ha presentado aquí en dos ocasiones: su "Orfeo" en el Teatro Real fue una verdadera maravilla. Escoger "In C" en el Festival de otoño supone un evidente y decepcionante error de programación. Un consejo para los que estén a tiempo, no es necesario acudir. Simplemente viendo el teaser de la obra y ampliándolo durante sus 50 minutos de duración, uno ya ha visto "In C". Sumergir al público en esa monotonía durante casi una hora, carece de sentido. El público abandonaba la sala con algo de desconcierto. Trataban de explicar aquello, y eso era lo único divertido, escucharles. Reconozco que había un coloquio posterior organizado por el Goethe Institut, al que no asistí. Cuando una obra de arte está necesitada de tanta explicación adicional, es simplemente porque no es arte. MERCEDES ALBI

Hay libros que son pequeñas joyas. Este lo es y llegó a mí desde ultramar, de la mano de una de sus autoras: Concepción Cuervo Pericet, descendiente directa de la ilustre saga de bailarines. Y es que más que un libro es un acto de amor. Su título ya nos lo indica: “Hacedores de cultura. La huella de Don Quijote en la tierra de Martín Fierro”. Trata de ilustres artistas españoles que vivieron en Argentina durante el siglo XX, concretamente este volumen 9 versa sobre: Miguel de Molina, Angelillo, Imperio Argentina y la familia Pericet. En la contraportada, su editora, Luz Fernández del Castillo, transmite su intención: “A ellos, a esos españoles que me acompañaron siempre, algunos a través de sus obras, porque no tuve el honor de conocerlos, y a muchos que sí traté y quise con una amistad entrañable a lo largo de mi vida, les va este homenaje de la hija de un librero andaluz, de Granada para más datos, que se sintió siempre española y se crió en un rincón de Andalucía en Buenos Aires”. Concepción Cuervo Pericet, madrileña que se convirtió en porteña, pertenece a la cuarta generación de esta saga de bailarines que se inicia desde finales del siglo XIX con Ángel Pericet Carmona, quien las aprende de Amparo Álvarez, La Campanera. Concepción como hija, sobrina, nieta y bisnieta de una estirpe de grandes artistas escribe su capítulo titulado “Los Pericet en Argentina” apoyándose en sus recuerdos y en el testimonio directo de sus tías, Luisa y Carmelita, que se encuentran actualmente en Buenos Aires, lo que confiere al libro un valor único. Las anécdotas de unas vidas privilegiadas, tanto en la docencia como sobre los escenarios, se asoman a las páginas contribuyendo al enriquecimiento de la historia de la danza. No podemos olvidar a los que se marcharon, Amparo, Concepción, su madre, ni a sus tíos, los maestros Ángel y Eloy Pericet Blanco. Sería muy importante que esas danzas y coreografías del gran Ángel Pericet Blanco se rescatasen para no sumergir un legado cultural tan importante en el olvido. Ahora que el Ballet de la Comunidad de Madrid emprende su andadura bajo la dirección de Jesús Carmona, sería una buena oportunidad para rescatar la esencia de la danza española madrileña, reconociendo el importante legado que tuvo su centro en nuestra capital, en la academia Pericet de la calle Encomienda 10, allí con Luisa Pericet Jiménez estudia las danza boleras Alberto Portillo, que nos acompaña en la foto de cabecera. Los tesoros están para compartirlos y las joyas para lucirlas, jamás brillan dentro de un cajón. Gracias por este libro. MERCEDES ALBI

Dentro de la generación de jóvenes bailaores destaca Gabriel Matías. Hay que verlo. Es pura estampa. Un crisol de herencia flamenca. Estrena el próximo día 3 de noviembre su espectáculo "Terra" en el Teatro Carlos III Al día siguiente, 4 de noviembre, en el mismo teatro, estará la bailarina Estela Alonso con su espectáculo "A la luz del Cándil". Vale la pena pasar un fin de semana de danza en tan bello entorno y con dos jóvenes artistas de excepción, a los que hay que añadir a la bailaora Adriana Bilbao que acompañará a Gabriel Matías. Gabriel es un claro ejemplo de la internacionalización del arte flamenco, de nacionalidad brasileña, sintió desde niño el fuego de nuestro arte en la sangre y vino a España para perfeccionarse. Ahora es un ejemplo de atenticidad y elegancia flamenca que le hace situarse en la más alta posición dentro del estilo. Conversamos con Gabriel Matías -Háblame del espectáculo que estrenas -"Terra" es un recital de baile flamenco. Me he basado en el concepto de lo que significa la tierra para el baile, la importancia del suelo, del peso... Pero lo busco desde mi punto de vista, lo llevo en diferentes acepciones: la firmeza de los pies, lo encuentro en las manos para acariciarlas; también me inspiro en la tierra de donde vengo, Brasil, y en la que yo estoy, España, y me permito jugar con estos concepto derivados de la idea de tierra, que en portugués es "terra". -¿Quien te acompaña? -David Vázquez y Roberto Lorente al cante, la música de Antonio González, además hay una farruca que es una composición de José Almarcha. Y bailo con Adriana Bilbao, que aparte de gran bailaora es una gran amiga y me hace mucha ilusión hacer algo juntos. -¿Qué palos interpretáis? -Hay guajira, milonga, farruca, zambra, taranto, paso a dos con caña, y una bulería por soleá, ritmos de ida y vuelta para hacer alusión a mi viaje vital, al que emprendí desde el otro lado del mar a la cuna del flamenco. -Te gusta mucho la tradición del flamenco. -Sí. Yo anteriormente hice otro espectáculo llamado "Ellos" dedicado a los grandes bailaores que nos precedieron: Mario Maya, Güito y Tomás de Madrid, y deseaba rendirles homenaje. Así, hacía una soleá dedicada al Güito, unas alegrías a Mario Maya y un garrotín con bastón al estilo de Tomás de Madrid... -Cuéntame sobre Adriana Bilbao, que va a ser tu pareja de baile en Terra. Me intriga en Adriana Bilbao su personalidad, que transita entre su fuerte carácter y su dulce cuerpo. Lo que mejor la define es que no busca la apariencia, renuncia a ella para encontrar la esencia, ya sea en sus relaciones, creaciones artísticas o en la interpretación. A la bailaora de Bilbao, según ella misma me cuenta, le importa <> ¡ante todo! Y comenta que, al bailar, su cuerpo emana una <> que no sale por su boca. Doy fe de ello. -A mí, Adriana me encanta, poder veros juntos va a ser toda una experiencia. Vosotros que venís de mundos distintos a lo que suele ser la óbita flamenca, Bilbao y Porto Alegre (Brasil) y sin embargo, vuestos pasos os llevan a uniros y a la excelencia de un arte que no tiene fronteras. -Tengo mucha ilusión. Adriana y yo estamos muy compenetrados, bailar con ella es un enorme placer. Os esperamos en el Teatro Carlos III de El Escorial. MERCEDES ALBI

El Encuentro Con Los Maestros atrae al Centro Amor De Dios a Rubén Olmo en un domingo lleno de danza El proyecto pedagógico, artístico y cultural conocido como Encuentro Con Los Maestros (cuyo fin es el de apoyar a las nuevas generaciones de músicos y bailarines impulsando el diálogo entre distintas disciplinas artísticas, además de implementar la formación, la creación, las prácticas y los procesos culturales de los jóvenes artistas) invita a Rubén Olmo, actual director del Ballet Nacional de España, a impartir varios talleres de danza española el domingo 29 de octubre en el emblemático Centro de Arte Flamenco y Danza Española Amor De Dios, situado en Madrid. “ponemos todo de nuestra parte para que bajo la dirección de los representantes más ilustres de la danza los estudiantes tengan nuevas oportunidades para su futuro profesional” explica María Herrera, fundadora del Encuentro Con Los Maestros. Una oportunidad para que los jóvenes bailarines puedan acercarse de forma directa al Maestro capaz de sacar lo máximo de ellos en poco tiempo. Los alumnos llegarán a Madrid procedentes de toda España peninsular, las Islas Baleares y las Canarias. Y es que la ocasión lo merece. Rubén Olmo está muy ocupado dirigiendo los nuevos estrenos de la compañía nacional; por eso, María Herrera se siente muy agradecida de que el director haya elegido el Encuentro Con Los Maestros para ofrecer esta gran oportunidad. Una experiencia que la memoria del cuerpo recordará para siempre. MARÍA HERRERA

Hay días memorables, y en esos recuerdos que va fraguando la memoria hay que dejar constancia de la actuación de Estela Alonso, bailarina solista del Ballet Nacional de España, acompañada por Víctor Márquez, Tomate, a la guitarra; Víctor Guadiana al violín, Roberto Lorente al cante y Cristian García, palmas, dentro del Festival Summa Flamenca 2023. El espectáculo comenzó con una ponencia de José Manuel Gamboa sobre La Argentina, La Argentinita y Carmen Amaya, entre otras figuras, que el artista y escritor recreó desde lo concreto, desde un rico y variado anecdotario que fue muy ameno. Y hubo mucha correlación entre lo expuesto y lo bailado por Estela, pues el hilo conductor fueron las alegrías de Cádiz. Parece ser, según relató Gamboa, que Antonia Mercé, la Argentina, tenía intención de hacer un espectáculo a base de alegrías, un proyecto que acabaría viendo la luz con la compañía de Argentinita en “Las calles de Cádiz”, donde Ignacio Sánchez Mejías seleccionó a los artistas más representativos del lugar para llevarlos muy cerca del Ateneo, al Teatro Español. El éxito fue tan arrollador que hasta el cantaor Espeleta acuñó el famoso “tiriti trán trán trán”, porque de tanta juerga con que era obsequiado, sobre el escenario se olvidó de la letra y no tuvo más remedio que tararear las notas. Estela cerró con unas alegrías boleras en las que se entregó en cuerpo y alma, con una técnica vertiginosa y sin perder un ápice de su depurada línea balletística. No deforma el estilo -algo que por desgracia está sucediendo mucho- sino que lo enriquece. La agilidad de su juego de pies es algo único. Creo que estamos ante los mejores pies de la danza española. Entre las muchas cualidades que se pueden destacar de la completísima bailarina está su musicalidad. Sus castañuelas se adaptaron a sus acompañantes con prodigio. No hubo dispersión ni fraccionamiento durante todas las piezas, sino armonía y buen gusto. Los músicos fueron uno con la bailarina y el público quedó integrado en tan glorioso tándem. Todos fuimos uno con ella. Aquellos benditos fantasmas del pasado exorcizados por Gamboa vinieron a ver a Estela Alonso y volvieron a su reino complacidos. MERCEDES ALBI Fotografía Gabriel M. Olivares

Quique Peón, director de la compañía de danza tradicional gallega, Xacarandaina ha venido a verme a Camariñas, en plena Costa da Morte. Nos encontramos en el Club Naútico. Me siento muy feliz. Estoy frente a un hacedor de milagros. Él es quien logró que un grupo de unos cinco muchachos se transformase en una compañía que actualmente pone en escena a unas 90 personas, Y que además posee en Coruña una asociación cultural que supera los 800 alumnos. Lucen con orgullo la muñeira más auténtica por escenarios del mundo y lo hacen por puro amor. Quique es de caracter reposado, imaginativo y muy perfeccionista, con un conocimiento profundo hacia lo que emprende. No es de los que vacilan, tira para adelante pero teniendo en mente su objetivo. Es modesto. Puede contarte una hazaña sin darle importancia, un signo característico de los grandes personajes. Nada en apariencia, todo en autenticidad. Mi historia de fascinación por Xacarandaina comenzó cuando ví una filmación de una Muñeira Vella o Ribeirana, y fue tal mi impresión que osé escribir un artículo sobre ella. Contacté con ellos y vino Quique. Poder conocerle significó para mi un inmenso regalo de este héroe de la cultura. -Cuanto tiempo llevas dirigiendo Xacarandaina? -Empecé a dirigir la compañía a los dieciocho, hasta ahora, que ya he cumplido los sesenta. -Y ¿Qué edad tenías cuando empezaste a bailar? -Verás, yo entré con 14 años en la compañía. Nuestra historia comienza en noviembre de 1979 cuando en el instituto nos informaron de que se iba a formar un grupo de danza gallega. Unos 30 chicos acudimos a la convocatoria. -Me quedé fascinada con un vídeo vuestro de una Muñeira Ribeirana ¿Es una coreografía pura o le habéis añadido elementos creativos? -Es totalmente pura. Es tan potente que no necesita nada más. Hemos efectuado durante años una intensa labor de recogida y recuperación de las danzas por las aldeas de Galicia. -¿Cómo es que iniciaste la investigación de danzas antiguas? -La compañía que formamos con los otros escolares estaba dirigida por un matrimonio que bailaba en los Coros y Danzas de Coruña, por lo que el repertorio era el de Coros y Danzas. Cuando pasados cuatro años me hice cargo del grupo, ya casi no quedábamos integrantes, porque muchos lo habían dejado. No éramos más de media docena de bailarines. Contra todo pronóstico, me propuse continuar. Mi idea era encontrar un sello de identidad propio de Xacarandaina, propio de nosotros mismos. -¿Cuál es ese sello? -Sucedió que uno de los compañeros que era de Melide nos dijo "mira, es que hay una señora de una aldea, San Martiño de Moldes, que baila...". Fuimos al encuentro de la señora y así nació todo. Se llamaba María de Loureido. Ella nos abrió los ojos al darnos cuenta de que la danza que se bailaba en los pueblos poco tenía que ver con las coreografías que habíamos aprendido. Ahí estaba el sello de identidad que estaba buscando. -¿Cómo recopilábais las danzas? -Íbamos a los pueblos. Viajabamos como podíamos, al principio en autobús y anotando en cuadernos, pues no teníamos ni una cámara para filmar, ni siquiera casette con qué grabar. -Entonces, ¿Qué haciais? ¿Llegabais a un pueblo y tratabais de que os enseñasen sus bailes? -Tampoco creas que era fácil lograr que en las aldeas la gente nos los mostrase. De entrada te miraban con algo de desconfianza, y aunque solíamos llevar empanadas, vino y otras cosas, los habitantes de las aldeas son muy impermeables frente al que viene de fuera, pero cuando consigues que se abran, te entregan hasta su corazón. -¿Dónde hallastéis la Muñeira Ribeirana? -Fue en los años 80 en Laxe, pueblo de la Costa da Morte; allí nos encontramos con esa joya de la Muñeira Vella o Ribeirana. Fue algo muy emocionante, recibimos al instante un chute de droga folklórica que nos poseyó. -¿Por qué se llama Ribeirana o Vella? -Se llama Ribeirana porque se baila en la zona de la ribera, en Costa da Morte, que abarca desde Coruña hasta Finisterre; también se la conoce como Vella, que significa "vieja", porque se interpretaba desde antiguo en contraposición a la muñeira "nova". -¿Es muy diferente la Vella de la "nova"? -En la Vella la expresión del baile se parece muy poco al de la muñeira común, también por su estructura coreográfica: es preceptivo realizar los "cuatro vientos", lo que significa que se tienen que hacer necesariamente movimientos hacia los cuatro puntos cardinales. Y aunque pueda parecer que por su vistosidad, son los hombres los que se lucen, es todo lo contrario, las mujeres son las reinas, no se mueven, no dan saltos, sino que realizan un movimiento muy suave que no acaba nunca, siempre en circulo o en ocho... A simple vista puede paracer fácil, pero no lo es en absoluto, hay que sacar el alma para dejarse ver. La danza es un movimiento ultrasensorial. -Así que érais unos chicos que iban por los pueblos investigando, y en Laxe os encontráis por primera vez con la Muñeira Vella o Ribeirana. -Imagínate nuestra emoción. De inmediato, nos vino a la mente la descripción de Estrabón sobre el modo en que bailaban los pueblos del noroeste de España: hombres que daban saltos alrededor de una hoguera cayendo en genuflexión, mujeres vírgenes bailaban trazando el símbolo del infinito con el pie... Allí estaban frente a nuestros ojos como una aparición venida de un tiempo lejanísimo. Quedamos absolutamente maravillados. -Me llama la atención que las danzas gallegas no suelen acompañarse con castañuelas tanto como en otros lugares de España. Si es un instrumento, como afirman los especialistas, de procedencia íbera y Galicia es tierra de celtas... ¿Podría ser una reminiscencia del pasado pasado remoto? -Hay alguna danza con castañuelas en el norte, también en Lugo, sin embargo en Orense muy poquito. -Pero se usa menos que en el resto de España. En líneas generales donde hay menos íberos hay menos castañuelas, aquí que sois más celtas, hay menos. No sé si es una simple casualidad, pero es un hecho que prueba lo antiguas que son las tradiciones que contienen los elementos que conforman las danzas. -Siempre hay un componente geográfico tamizado en mayor o menor medida por el tiempo. En el caso concreto de la Muñeira Ribeirana nos encontramos que en los lugares en que se ha conservado esta danza son núcleos de población muy aislados. No son zonas de paso, sino que su única salida es al océano, por tanto, lo que llega permanece. Y aunque ha habido otras danzas posteriores, como la muñeira nova, como la jota, que en estas tierras se llama "maneo", y otros bailes como los agarrados incorporados a finales del XIX que vinieron a través del camino de Santiago, la ribeirana ha convivido con ellos casi intacta. -¿Cuantas Muñeiras Ribeiranas habéis logrado rescatar? -Unas diez. -¿Son muy distintas unas de otras? -Cada una tiene sus particularidades. Sucede que aunque están en una zona muy delimitada, no existe prácticamente interacción de unas aldeas con otras. Había rivalidad entre pueblos vecinos, hasta peleas, ya que los mozos de un lugar no permitían que los de otro fueran a "mozear" con sus chicas. Son muy suyos. Y de ahí nace esa variedad y riquezas de matiz diferentes en los bailes de en nuestras tierras. -Y esta Muñeira que bailastéis con gran éxito filmada en un programa de la televisión francesa, en que las mujeres llevan encima de la cabeza un bizcocho y una botella de vino, que según cuentan, lo repartían para comerlo después de la fiesta ¿Dónde la encontrastéis? -En el pueblo de Zas. -¿Todavía la bailan? -No, si no la llegamos a recopilar hubiera desaparecido. -¿Se han perdido muchas danzas? -Se ha perdido casi todo. - ¿Qué me puedes contar sobre la música de la Muñeira Vella, con voces de mujeres y percusión? -Nosotros pertenecemos al arco Atlántico, que va desde Escocia, Irlanda, País de Gales, Bretaña y continúa hasta África. Estamos situados en un ecuador por lo que tenemos la parte melódica de gaitas e instrumentos potentes de los pueblos del norte; y una parte de percusión muy importante que tiene que ver con los pueblos norteafricanos. -Me es dificil comprender vuestra relación con África. -No ha sido porque hayamos tenido una conexión directa. Pero existe una cosa curiosísima. Aquí tenemos una tradición muy antigua de pandereteiras, mujeres que cantan y acompañan a la danza con percusión, que están en la zona de la Coruña y también en Pontevedra. Pues bien, si tu escuchas una recogida de cantos de las pandereteiras y con una de mujeres bereberes... Te aseguro que cuesta diferenciar unas de otras. -¡Qué curioso! A mi me parece escuchar en ese canto de las pandereteiras en el muñeira Vella unas disonancias que pertenecen a una escala melódica distinta, no es la clave de sol. También me recuerdan a las voces búlgaras. -Pero las pandereteiras cantan al unísono a diferencia de las búlgaras. -A mi todos esos cantos de mujeres me parecen restos de una escala melódica casi neolítica, que desapareció y cuyos rasgos han permanecido en unos poquísimos lugares. Ecos lejanos. Pero es lo que yo supongo, no aspiro a tener razón. -Sea como fuere, lo cierto es que compartimos con las cantantes tradicionales bereberes el modo de canto de las pandereteiras. -Es fascinante. Todo aquí en Costa da Morte parece como mágico. Sois muy afortunados de vivir en una tierra así. Y tu labor, partiendo de un grupo de 3 ó 4 muchachos a la actual Xacarandaina ¿Cómo aprendiste a dirigir una compañía? -En mi caso, he ido aprendienso sobre la marcha, sin que nadie me dijera cómo. Somos un elenco grande, el espectáculo que estamos girando ahora se titula "Endaterra" y versa sobre el Camino Inglés, hay 90 personas en escena. -¿Cómo manejas un grupo tan enorme de personas que además actúan por amor al arte? -Por eso, por amor al arte, nunca mejor dicho, y a tu cultura. La clave está en el amor, pero también en la disciplina. -Yo lo que veo es que hay muchísimo trabajo detrás de cada actuación. -Ni te imaginas. Piensa que para reconstruir un baile antiguo se necesita mucho tiempo. Hay que ir a la aldea, entablar amistades, conocer a las personas mayores, conversar muchas horas, no solo sobre danza también te cuentan sus vidas, pero la vida influye en la manera de expresar, bailas con ellos... -¿Cómo se traslada esto a un espectáculo? -El reto para mí como coreógrafo de folklore es lograr un equilibrio entre lo escénico y lo púramente tradicional. Trato de no desvirtuar ninguno de los detalles, pero ponerlo en escena requiere un orden, una geometría de movimientos, un trabajo de igualación, etc.. Mi objetivo es lograr un espectáculo de danza tradicional que pueda competir con cualquier otro tipo de espectáculo. -Además de la compañía Xacarandaina tenéis un centro de formación del que se nutre. -Sí, actualmente tenemos unos 800 alumnos. Lo iniciamos partiendo de la creación de una asociación juvenil, guiados por Felcitas Saldeón, que tiene ahora 92 años. -¿Te sientes satisfecho con lo logrado? -Pienso que hemos conseguido ser un referente. Este año la Xunta de Galicia nos ha concedido el Premio al Patrimonio Cultural del que nos sentimos muy orgullosos, porque las entidades que lo obtuvieron anteriormente, como la empresa que restauró el Portico de la Gloria, son muy relevantes artísticamente, y que a un grupo folklórico le den un premio tan importante constituye una alegría enorme y una subida de estatus para todo el folklore en general. MERCEDES ALBI