En momento en que el arte escénico trata de sobreponerse al shock pandémico de los últimos tiempos, se agradecen más si cabe propuestas atrayentes como la que se encuentra listo para emprender alguien a quien considero uno de los artistas más creativos del momento: Antonio Ruz. Los próximos días 21, 22 y 23 de octubre, estrena Pharsalia, en la Sala Roja de los Teatros del Canal. Es la primera producción de gran formato que afronta la Compañía Antonio Ruz. Siempre es un placer conversar con él por lo que aprovecho esa amable cordialidad y cercanía que le caracteriza para que nos adelante algo sobre su Pharsalia. Así ha sido, y he terminado nuestra breve conversación diciéndole: “Respondes siempre cosas interesantes. Si alguien es interesante… hace cosas interesantes” Pronto podremos comprobarlo. P.- Antonio, cuéntanos algo sobre este nuevo espectáculo, ¿Cómo es que te decidiste a afrontarlo? -Ya sabes que yo siempre me meto en líos diversos, en “berenjenales” muy estimulantes al menos para mí… Y espero que este, si lo ves, lo sea también para ti y, por supuesto, para los espectadores. P.-¿En qué momento decides ponerlo en marcha? -“Pharsalia” es un trabajo coreográfico que se gestó hace año y medio por varios motivos. Como coreógrafo independiente no había tenido todavía la oportunidad de hacer una obra de gran formato. Después de Electra que hice para el Ballet Nacional de España, luego vino “In paradisum” para la Compañía Nacional de Danza, y en esa estela sentí la necesidad de dar un paso y pensar un poco más en grande. P.-¿Por qué has decidido acometer un proyecto de mayor dimensión? -Muchas veces debido a la situación del sector, ni nos planteamos emprender proyectos grandes, que tengan al menos más de cinco bailarines, con una escenografía, un vestuario, música y todo lo que conlleva… Pero mi reciente experiencia con las obras que he tenido la oportunidad de crear para las compañías nacionales me ha propiciado un bagaje me ha impulsado a afrontar un espectáculo de gran formato. También sucedió algo más que me obligó a decidir mi rumbo a seguir. P.-Cuéntamelo. -Verás. El año pasado me ofrecieron una dirección en ballet de Alemania y estuve valorando muy seriamente esta posibilidad, pero, finalmente, no acepté. No quería arriesgarme a perder una alta dosis de mi libertad creativa. Así que decidí quedarme en España para profundizar y hacer mi próximo trabajo a lo grande. En ese contexto nació Pharsalia. -.¿De qué trata Pharsalia? -Se basa en un poema épico de mi paisano Lucano. Un poeta cordobés del siglo I, sobrino de Séneca, que emigró a Roma sinedo un niño y del que solo se conserva esta epopeya, que además dicen que está inacabada. Empecé a investigar. Me encantó la obra, trataba sobre una visión de la guerra universal, casi cósmica. Pensé en lo complejo que era abordar desde la perspectiva de la danza un tema tan desgarrador como el que transmitían los versos… Llegué a la conclusión que a pesar de que lo bélico genera circunstancias muy duras de digerir, siempre desde el punto de vista de la belleza, desde un algo sublime que nos sobrecoge, es posible reflejar coreográficamente imágenes que incitan a la reflexión. P.-¿Haces referencias a la guerra de Ucrania o algún conflicto concreto? -No. Cuando empecé a escribir el proyecto habían una decena de conflictos bélicos en el mundo, y de repente estalló la guerra de Ucrania. Pero no me refiero a un país concreto, si bien el estallido de un conflicto tan cercano me corroboró la idea de que la guerra, por desgracia, forma parte del ser humano desde sus orígenes, y por ello es un tema tratado en la historia del arte en todas sus representaciones. Hemos partido de la premisa del cuerpo en guerra, del conflicto pero no únicamente desde la vertiente colectiva sino también de la guerra psicológica contra uno mismo, y otras vertientes: la guerra social, familiar, biológica… Lo definiría como poéticas del conflicto. P.-¿Cómo seleccionaste a los bailarines? -He escogido el elenco con mucho detalle a fin de poder transmitir lo que tenía en mente. Son once bailarines de cinco nacionalidades diferentes porque quería reflejar ese matiz de universalidad del conflicto. P.-¿Qué has buscado plasmar? -Pharsalia no busca para nada una exaltación de la guerra sino que se trata de una reflexión sobre la barbarie en clave contemporánea, la danza como arte de salvación. MERCEDES ALBI

TVE acaba de presentar la segunda temporada de UN PAÍS EN DANZA, idea original de Antonio Najarro, exdirector del Ballet Nacional de España. El espacio ha sido concebido como una manera de acercar al gran público la Danza Española y sus diferentes disciplinas, patrimonio cultural y artístico de nuestro país. Un país en el que, como el mismo Najarro lamenta, "se habla poco de danza, a pesar del enorme talento artístico que atesoramos y de ser tan valorados a nivel internacional". Para Najarro, UN PAÍS EN DANZA es "la consolidación de un proyecto personal con el que he pretendido dar visibilidad en la televisión pública a la danza de nuestro país". "No se puede amar lo que no se conoce -explica- por eso este espacio es una gran oportunidad para dar a conocer a los mejores intérpretes, coreógrafos y creadores de la danza española en todos sus estilos". Iratxe Ansa e Igor Bacovich, protagonistas del segundo programa de 'Un país en danza' Iratxe Ansa e Igor Bacovich son dos de los mejores bailarines de danza contemporánea del mundo. Tras cosechar éxitos en diferentes compañías fuera de nuestro país, han regresado a España para fundar Metamorphosis Dance, una compañía que ha apostado por crear coreografías innovadoras y nuevas propuestas artísticas con una proyección internacional. Igor Bacovich comenzó a bailar muy tarde. "Estudiar en la Escuela de Rotterdam me dio la vida y la oportunidad de comenzar a bailar de manera profesional, aunque la parte de creación llegó mucho más tarde cuando encontré a Iratxe". Más adelante llegarían sus 8 años de trabajo en el ámbito social con drogodependientes, en los que decidió apartarse de la danza, una época que describe como muy intensa pero que le permitió volver a enamorarse de la danza, "todos esos años de trabajo social aportaron mucho a mi persona, tenía otra vez mucho que decir". Por su parte Iratxe Ansa, Premio Nacional de Danza, cuenta que "de pequeña quería ser bailarina, y me dijeron que tenía talento. Me visualizaba entre bailarines, músicos, técnicos... en esa posible vida de artista, a pesar de que mis aitás no venían del mundo del arte. Después mi camino de nómada, de viajar, de trabajar en diferentes lugares...todo ese aprendizaje se impregna dentro de tu ser y me hace ser quien soy hoy en día". Pareja en la vida y en los escenarios, Iratxe explica que "Igor y yo nos entendemos muy bien, hay una intensidad, una complicidad, un juego... puede hacer cosas que no están marcadas, improvisa mucho". En este segundo programa de la temporada se hablará también del trabajo de Harlequin Floors, una multinacional inglesa con delegación en España especialista en la fabricación de suelos y tapices para danza. José Antonio Eguren nos muestra algunos secretos de este oficio no muy conocido, pero sí trascendental para la preparación y exhibición de espectáculos de danza. UN PAÍS EN DANZA es una producción de RTVE en colaboración con la productora KROMA QUITE ON, el primer capítulo ya está disponible en RTVE PLAY y el segundo capítulo se emitirá el lunes 10 de octubre a las 19:45 h en La2 de Televisión Española.

BELLA FIGURA “Un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños. Encontrar belleza en el gesto, en un rincón de la mente o en una contorsión física. Es como intentar mantener el equilibro sobre el cordón umbilical. Durante mucho tiempo me he hecho las preguntas: ¿Cuándo comienza realmente una actuación? ¿En el momento en el que nacemos o cuando se levanta el telón? ¿Termina cuando abandonamos el escenario o acaso no termina nunca? ¿Qué es una mascarada: el vestuario que nos ponemos para actuar o la ropa que nos ponemos en la calle? Entre el llamado arte y la artificialidad, entre la realidad de la vida o la fantasía, esa zona en penumbra crea una tensión que es lo que me interesa. Es como situarse al final de un sueño. Permanecer en la oscuridad y mirar detenidamente a una luz brillante con los ojos cerrados, dudando de cada pequeño detalle de lo que llamamos realidad. El momento en el que el sueño se inmiscuye en nuestras vidas y nuestras vidas en nuestros sueños, este es el punto de mi curiosidad. Simplemente, un sentimiento de caer hacia un sueño y levantarte con una costilla rota.” Jiří Kylián KÜBLER-ROSS Etapas del duelo Kübler-Ross. La teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross es uno de los modelos psicológicos más célebres en todo el mundo. Estos cinco estadios son la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación, y tienen lugar en mayor o menor grado siempre que sufrimos una pérdida. La increíble Maria Kochetkova y Joaquín De Luz constituyeron el primer elenco de este dúo de Schermoly, creado originalmente para ellos. MORGEN; Las personas que se hacen un tatuaje con un punto y una coma quieren representar su propia lucha contra el suicidio y su victoria sobre él. Es un signo de esperanza que representa que la vida puede continuar, que anima a estas personas a seguir adelante. Notas sobre la música de Morgen; Pedro Alcalde La idea de Nacho Duato era hacer un ballet sobre un poema de Dorothy Parker titulado Resumé. El poema consta de ocho versos cortos. Los 7 primeros hacen referencia a los inconvenientes de 7 formas de suicidarse y el octavo y último indica que también se podría vivir. La idea inicial era la de crear una sección para cada uno de los siete primeros versos y realizar para el verso final una orquestación de la canción Morgen de Richard Strauss, tanto por su belleza como por el contenido de esperanza de su texto. La música de este ballet tiene dos particularidades que la diferencian de las anteriores colaboraciones con Duato. La primera es que el proceso de composición no consistió, como era habitual entre nosotros, en ir presentando piezas, secciones o bloques, sino que, a mitad del proceso, cuando ya teníamos algunos materiales musicales, nos reunimos para trabajar en conjunto en una especie de guion gráfico, donde preveíamos el orden de las diferentes secciones, alejándonos, abstrayéndonos, por decirlo así, del orden fijado por los versos, para atender directamente a la atmósfera que representan. Una vez iniciado el proceso de composición, el grupo instrumental quedó establecido como un sexteto: clarinete, violonchelo y cuatro percusionistas. La segunda diferencia con las colaboraciones anteriores es que, en este caso, toda la música que suena en el ballet está tocada por el sexteto, sin ningún tipo de sonidos añadidos ni de elaboraciones electroacústicas, aunque en algunos pasajes lo pudiera parecer, al utilizar frecuentemente técnicas extendidas de ejecución instrumental. En cuanto a la composición de las diferentes secciones, tal vez se podría resaltar que hay un uso continuado del intervalo de segunda menor y de la cuarta cromática descendente, que eran los elementos que, en la teoría de los afectos del barroco, se utilizaban para representar el lamento, el luto y la muerte. También hay un uso repetido de diferentes formas de ostinati, pensados para producir una sensación de movimiento procesional, lo que podríamos llamar música de exequias. SAD CASE Estreno absoluto: Estrenado por el NDT2 (versión extendida) en el Teatro Aan Het Spui (La Haya, Holanda) el 4 de noviembre de 2014, a partir de la versión original en el Teatro de Danza de La Haya (La Haya, Holanda) el 7 de febrero de 1998. Estrenado por la CND: Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real, Madrid (España) el 3 de octubre de 2022. Sad Case fue creado originalmente para NDT 2 en 1998 cuando Sol León estaba embarazada de siete meses de su hija, y representa uno de los pilares principales de la obra de León y Lightfoot. Movimientos sorprendentes y terrenales del mambo mexicano en una búsqueda continua de tensión entre momentos satíricos y clásicos. Duración aproximada 2 horas y 9 minutos Bella Figura (30 minutos) Kübler Ross (4 minutos) Pausa de 25 minutos Morgen; (35 minutos) Pausa de 12 minutos Sad Case (22 minutos) Fechas 3, 4, 5 y 6 de octubre (19.30 horas) BELLA FIGURA Coreografía, concepto e iluminación Jirí Kylián Asistentes al coreógrafo Ken Ossola, Elke Schepers Música Lukas Foss (1922-2009) Lento, Suite Solomon Rossi G. B. Pergolesi (1710-1736) Obertura, Stabat Mater Lukas Foss (1922-2009) Andante, Suite Solomon Rossi A. Marcello (1673-1747) Adagio, Concierto para oboe, cuerdas y continuo en re menor A.Vivaldi (1678-1741) Andante Concierto para dos mandolinas en sol mayor G. Torelli (1658-1709) Grave, Concerto Grosso nº 6 en sol menor G. B. Pergolesi (1710-1736) Quando corpus, Stabat Mater Figurinista Joke Visser Estreno absoluto por el Nederlands Dans Theater, en el Teatro AT&T de La Haya, el 12 de octubre de 1995. Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real el 3 de octubre de 2022 KÜBLER-ROSS Coreografía Andrea Schermoly Música Antonio Vivaldi (1678-1741) Andante, Concierto para violín en Si bemol Mayor RV583 Bailarines Maria Kotchetkova y Joaquín De Luz Estreno absoluto en el Lincoln Center, Nueva York, el 11 de abril de 1995 Estreno por la Compañía Nacional de Danza por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real el 3 de octubre. MORGEN Coreografía Nacho Duato Música Pedro Alcalde (1959) Iluminación Nicolás Fischtel (A.A.I.) Proyecciones Victor Tomé (Sonicine) Figurines Nuria Manzano Asistentes al coreógrafo Yoko Taira, Daan Vervoort Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria, el 25 de febrero de 2022. SAD CASE Coreografía Sol León y Paul Lightfoot Música Pérez Prado (1916-1963), Alberto Domínguez (1906-1975), va Ernesto Lecuona (1895-1963), Ray Barreto (1929-2006) y Trío Los Panchos Asistente de coreografía Meghan Lou Escenografía y figurines Sol León y Paul Lightfoot Iluminación Tom Bevoort &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ayer en la Sala Verde de los Teatros del Canal, en la segunda jornada del Festival Suma Flamenca Joven, el bailaor brasileño Gabriel Matías entusiasmó. El teatro lleno se puso en pie para aplaudirle. Hubiéramos querido ver más, pues el formato del festival no permite más de tres piezas por artista, pero como popularmente se dice “para muestra basta un botón”. Desde que aparece en escena -muy bien arropado por José Almarcha, a la guitarra y composición, junto con los cantaores Roberto Lorente y Eleazar Cerreduela- su sola presencia deja sentir que estamos ante alguien adornado con un duende misterioso y especial. Y es que Matías posee un algo felino contenido en su propia naturaleza. Su baile flamenco tiene un estilo de líneas sobrias que desprende armonía y sensibilidad. Interpretó palos clásicos (farruca y soleá por bulerías) con absoluta pureza, sin concesiones ni excesos, dentro de una elegancia perfecta. Nace de él. Hay que verlo, y los que lo hagan en seguida comprenderán que estoy en lo cierto. MERCEDES ALBI Fotografías Pablo Lorente

El guitarrista José del Tomate, el cantaor Ismael “El Bola” y la bailaora Alba Heredia abren Suma Flamenca Joven El programa previo a la gran cita de Suma Flamenca presenta en cuatro galas a artistas menores de 30 años en la Sala Verde de Teatros del Canal del 22 al 25 de septiembre Tras el primer espectáculo actuarán David de Arahal, Teresa Hernández, Gabriel Matías, Álvaro Mora, Juanfra Carrasco, Ana Latorre, Alejandro Hurtado, Manuel de la Tomasa y Águeda Saavedra El guitarrista José del Tomate, el cantaor Ismael "El Bola" y la bailaora Alba Heredia inauguran el jueves 22 de septiembre la segunda edición de Suma Flamenca Joven, preludio del festival Suma Flamenca que organiza la Comunidad de Madrid. Suma Flamenca Joven, que atiende a los nuevos y emergentes valores del arte jondo menores de 30 años, se desarrollará hasta el 25 de septiembre en la Sala Verde de Teatros del Canal, y consiste en cuatro galas compuestas por intérpretes del cante, el baile y la guitarra de concierto. En la primera gala (20.00 horas), los espectadores podrán escuchar los sones del guitarrista almeriense José del Tomate. Hijo de Tomatito y biznieto de Miguel Fernández Cortés “El Tomate”, del que tomó su apodo, acaba de presentar su primer disco, Plaza vieja. A continuación, actuará el cantaor sevillano Ismael “El Bola”, nacido en 1995, debutó a los 7 años. Con una larga trayectoria a pesar de su juventud, en 2018 grabó su primer disco, Flamenco directo. La gala se completa con la bailaora granadina Alba Heredia, que obtuvo el premio Desplante Minero en La Unión en 2015. Recientemente, después del parón pandémico, dejó huella con su espectáculo Alba & Lando en el Teatro Real de Madrid dentro del ciclo Flamenco Real. El 23 de septiembre actuará el joven guitarrista sevillano David de Arahal, cuyo Mar verde, su irrupción en el mundo discográfico, fue calificado por ABC como uno de los mejores discos flamencos de 2021. Tras Arahal, intervendrá la cantaora de La Línea Teresa Hernández, ganadora el pasado año del II Concurso Nacional de Cante Zamara Music 2021. El bailaor brasileño Gabriel Matías cerrará la segunda gala. Nacido en Porto Alegre, en 2015 se mudó a Madrid y en 2022 estrenó su primer espectáculo, Ellos, en el Festival Flamenco de Jerez. Un día después, en la tercera gala, tocará Álvaro Mora, de Huelva, flamante Bordón Minero en La Unión 2022. En la disciplina del cante actuará Juanfra Carrasco, de Badajoz, que en 2011 obtuvo el premio de la Diputación de Badajoz. Por último, intervendrá Ana Latorre, de Córdoba, al baile. La artista andaluza estrenó en 2018 su primer espectáculo propio, Leiva yo a contar. La última gala la protagonizarán el guitarrista alicantino Alejandro Hurtado, Premio Bordón Minero en La Unión 2017; el cantaor de Sevilla Manuel de la Tomasa, descendiente de una de las dinastías cantaoras más importantes del flamenco, y la bailaora malagueña Águeda Saavedra, Premio Artista Revelación en el Festival de Jerez de 2022. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Ballet Nacional de España presenta nueva temporada tras una exitosa gira por México -Generaciones, un nuevo programa entre la tradición y la renovación en la danza española -Consolidación de Invocación y La Bella Otero en la programación de giras -Una temporada con orientación internacional: Grecia, Israel y Colombia Después del exitoso cierre de la temporada pasada con cinco semanas de gira por México, el Ballet Nacional de España inaugura su temporada 2022-2023 presentando nuevos programas, giras nacionales e internacionales, colaboraciones especiales y desarrollando nuevos talleres coreográficos. NUEVAS CREACIONES, RECUPERACIÓN DE PROGRAMAS Y CONSOLIDACIÓN DE ESPECTÁCULOS El 8 de septiembre, el Ballet Nacional de España dio por inaugurada su temporada en los Teatros del Canal con la presentación de un nuevo programa, con lleno absoluto en sus tres únicas funciones. Este nuevo programa, Generaciones, está marcado con unos principios muy claros, tradición y renovación de la danza española. El director, Rubén Olmo, reivindica la necesidad de recuperar los clásicos sin perder de vista las nuevas corrientes. Generaciones parte de la tradición de la danza española y refleja además la evolución de las propuestas escénicas a través de tres generaciones de creadores. Reúne uno de los títulos de clásico español preferidos por los bailarines, Ritmos, de Alberto Lorca, con partitura de José Nieto, y la personal interpretación del flamenco que creó Antonio Canales en Grito. El programa se completa con tres solos de estreno absoluto, firmados por creadores actuales de diferente personalidad, que han renovado la danza contemporánea, el flamenco y la danza española, haciéndolas permeables a otros estilos. Pastorela, de Antonio Ruz, con música de Manuel Blasco Nebra. Aurora, una reflexión sobre el yo firmada por Jesús Carmona, con música de Isaac Albéniz y Jacaranda, de Rubén Olmo, un solo inspirado en la simbiosis entre la esencia de la naturaleza y la de la mujer. La música es una composición de Alberto Ginastera. Además de Generaciones, a lo largo de la temporada 2022-2023, el Ballet Nacional de España seguirá consolidando los programas Invocación y La Bella Otero dentro de la programación de sus giras nacionales e internacional. Invocación, fue estrenado en el Festival de Jerez de 2020. Para Rubén Olmo “Invocación es un programa muy completo en el que se puede disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario, un ballet de la más pura danza estilizada y una de las escasas coreografías recientes de escuela bolera”. Además de Invocación bolera, Jauleña y Eterna iberia, este programa sigue ofreciendo la oportunidad de divulgar entre el público internacional De lo flamenco. Homenaje a Mario Maya, uno de los grandes creadores de la danza española, bailarín, coreógrafo y director que cambió la estética y el concepto del flamenco. La Bella Otero, estrenada en julio de 2021 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, es una coreografía original de Rubén Olmo, con dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl y música de Manuel Busto. Cuenta la vida de una de las artistas españolas más famosas del siglo XIX, que triunfó en el Folies Bergère de París, y conquistó el corazón de reyes de toda Europa. En este programa seguiremos contando con la participación de artistas invitadas de la talla de Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza 2021 y de jóvenes intérpretes como la exbailarina del Ballet Nacional de España Aitana Rousseau. La Bella Otero es una mezclan de diferentes géneros, desde la danza española, que incluye el folclore gallego y el flamenco, hasta la zarzuela, el cancán o la danza contemporánea. Además, a final de este año estrenaremos la tercera obra de repertorio que recuperamos en esta temporada 2022-2023. El loco, de Javier Latorre, podrá verse en el Teatro de la Zarzuela de Madrid del 9 al 22 de diciembre. Estrenada por primera vez en 2004, es un ballet inspirado en la peripecia artística y existencial del bailaor Félix Fernández ‘El loco’ y su desgarro interior tras colaborar con Diaghilev, Massine y los Ballets Russes en el estreno de El sombrero de tres picos. Reflexión sobre el artista y sus demonios, un espectáculo de danza sobre la creación de la danza, con dramaturgia de Francisco López y música de Manuel de Falla, Mauricio Sotelo y Juan Manuel Cañizares. GIRAS, COLABORACIONES ESPECIALES Y TALLERES COREOGRÁFICOS La difusión del rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística, y el impulso de su proyección nacional e internacional a través de las alianzas culturales entre instituciones son dos de los principios recogidos en el Plan Director 2019-2024 del Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo. En el marco de esta misión, el Ballet Nacional de España continuará girando por varias ciudades de España y de otros países con los programas Invocación y La Bella Otero. Después de nuestro paso por los Teatros del Canal en Madrid, le seguirán: Atenas, Albacete, Málaga, Pozuelo de Alarcón, Madrid, Colombia, Tel Aviv (Israel), entre otras plazas que aún no podemos anunciar. Entre las colaboraciones especiales que iniciaremos esta temporada, destacar la participación de distintos componentes del Ballet Nacional de España en colaboraciones especiales de primeros bailarines y solistas, incluyendo en algunos casos, la actuación con orquestas sinfónicas. Noviembre será la fecha señalada para el inicio de esta colaboración en el programa Falla con la New World Symphony de Miami (USA). Dentro de la labor de difusión del Ballet Nacional de España, se seguirá ofreciendo retransmisiones en streaming en directo con los talleres coreográficos que se desarrollan en la temporada como parte del aprendizaje continuo de los bailarines del Ballet Nacional de España. En palabras del director Rubén Olmo: “La intención de estos talleres es que los bailarines profundicen en el conocimiento de todos los estilos e indaguen en las nuevas tendencias con coreógrafos especializados de danza española” Este año comenzamos los talleres en octubre con el bailaor y coreógrafo Alfonso Losa. PROGRAMACIÓN 2022-2023 2022 MADRID Del 8 al 10 de septiembre de 2022 Teatros del Canal GENERACIONES Ritmos, Pastorela, Aurora, Jacaranda, Grito ATENAS (Grecia) 18 y 19 de septiembre de 2022 Odeón de Herodes Atticus INVOCACIÓN Invocación bolera, Jauleña, Eterna Iberia, De lo flamenco. Homenaje a Mario Maya ALBACETE Del 30 de septiembre al 2 de octubre de 2022 Teatro Circo LA BELLA OTERO MÁLAGA 29 y 30 de octubre de 2022 Teatro Circo LA BELLA OTERO POZUELO DE ALARCÓN 26 y 27 de noviembre de 2022 Teatro Mira El loco (Preestreno) MIAMI (Estados Unidos) 9 y 10 de diciembre de 2022 New World Center Orquesta New World Symphony Director: Carlos Miguel Prieto FALLA El amor brujo y El sombre de tres picos (Selección) MADRID Del 9 al 22 de diciembre de 2022 Teatro de la Zarzuela El loco (Estreno) 2023* BOGOTÁ (Colombia) Mayo de 2023 TEL AVIV (Israel) Del 12 al 15 de julio de 2022 &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En en el poliédrico relato de la realidad, son especialmente valiosos los testimonios que dejaron escritos aquellos que conocieron a los protagonistas de las antiguas historias. La escritora Mercedes Formica en sus memorias "Pequeña Historia de ayer", narra la complicada relación de amor y celos protagonizada por la gran bailaora Pastora Imperio y el torero "Rafael, el Gallo". Reproducimos su texto, si bien, hay que precisar que todo relato son meras aproximaciones a una realidad de la que solo perduran retazos, y tal y como advertía el gran Dostoievski: "No olvidemos que las causas de las acciones humanas suelen ser inconmensurablemente más complejas y variadas que nuestras explicaciones posteriores sobre ellas" <> MERCEDES FORMICA "Pequeña historia de ayer", págs. 105-7 Ed. Renacimiento

Reúne uno de los títulos de clásico español preferidos por los bailarines, Ritmos, de Alberto Lorca, junto a la personal interpretación del flamenco que creó Antonio Canales en Grito Completan el programa tres estrenos absolutos que permiten conocer la renovación de la danza española: Pastorela, de Antonio Ruz; Aurora de Jesús Carmona y Jacaranda de Rubén Olmo El compás de la temporada 2022/2023, que el Ballet Nacional de España inaugura el próximo 8 de septiembre en Teatros del Canal de Madrid, lo marcará un paso a dos de tradición y renovación de la danza española. El director, Rubén Olmo, reivindica la necesidad de recuperar los clásicos sin perder de vista las nuevas corrientes mediante la presentación de tres estrenos absolutos y la recuperación de dos obras del repertorio. El nuevo programa que estrenaremos en los Teatros del Canal de Madrid del 8 al 10 de septiembre, un escenario al que el Ballet Nacional de España está encantado de volver después de cinco años, es una propuesta mixta, que parte de la tradición de la danza española y refleja además la evolución de las propuestas escénicas a través de tres generaciones de creadores. Reúne uno de los títulos de clásico español preferidos por los bailarines, Ritmos, de Alberto Lorca, con partitura de José Nieto, y la personal interpretación del flamenco que creó Antonio Canales en Grito. La obra de Alberto Lorca, estrenada en 1983, es un espectáculo visual en cinco movimientos dedicado a Encarnación López ‘La Argentinita’, mientras que en Grito, el creador flamenco repasó en 1997 diferentes palos, desde las Seguirillas, a la Soleá, las Alegrías, los Tientos y los Tangos. El programa se completa con tres solos de estreno absoluto. Cada noche se representará uno de ellos. Están firmados por creadores actuales de diferente personalidad, que han renovado la danza contemporánea, el flamenco y la danza española, haciéndolas permeables a otros estilos. El día 8 se estrena Pastorela, de Antonio Ruz, con música de Manuel Blasco Nebra. Un solo en el que la bailarina Inmaculada Salomón navega, sin prejuicios, entre la escuela bolera, la danza estilizada y la contemporánea, haciendo convivir cadencias y deconstrucciones goyescas con evoluciones de la danza de hoy. Al día siguiente lo hará Aurora, una reflexión sobre el yo firmada por Jesús Carmona, con música de Isaac Albéniz, que interpreta Miriam Mendoza. El último día se presentará Jacaranda, de Rubén Olmo, un solo creado especialmente para Débora Martínez, inspirado en la simbiosis entre la esencia de la naturaleza y la de la mujer. La música es una composición de Alberto Ginastera. Generaciones Ballet Nacional de España Programa: Ritmos, de Alberto Lorca Pastorela, de Antonio Ruz (día 8 de septiembre) Aurora, de Jesús Carmona (día 9 de septiembre) Jacaranda, de Rubén Olmo (día 10 de septiembre) Grito, de Antonio Canales Teatros del Canal, Sala Roja 8, 9 y 10 de septiembre de 2022, 20:30h entradas

Carlos Rodríguez baila a Picasso en su nuevo espectáculo 'Eterno', que estrenará el domingo en el Festival Internacional de Verano de El Escorial El bailarín y coreógrafo Carlos Rodríguez estrenará el domingo en el marco del Festival Internacional de Verano de El Escorial (FIVE) su nuevo espectáculo, ETERNO, un homenaje flamenco a Pablo Picasso. La obra, que contará con música original interpretada en directo, se representará en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En este montaje, Carlos Rodríguez se sumerge en el mundo pictórico de Picasso y rompe las normas de un espectáculo de danza al uso, desde una voluntad rupturista y renovadora, deconstruyendo el proceso creativo del artista español. Para ello aborda su figura desde múltiples perspectivas, asumiendo las tesis del artista de que el arte es una gran mentira que utilizamos para contar la verdad y destruimos para poder crear. El espectáculo se divide en dos piezas, un primer acto de raíz flamenca y espíritu contemporáneo y un segundo acto experimental y ecléctico que rescata la estilización de la danza española, aportándole frescura escénica e innovación.

Colombres será, un año más, la capital Indiana de la danza española y la música hispanoamericana desde el 21 de agosto al 4 de septiembre. La danza española es capaz de dar abrazos tan gigantes que traspasan océanos y fronteras para fusionarse con la música hispanoamericana. En Ribadedeva, del 21 de agosto al 4 de septiembre, la sexta edición del Encuentro Con Los Maestros y la segunda del certamen Ribadedeva En Danza pondrán la danza, la música y el alma en Argentina. L@s Maestr@s invitad@s este 2022 son Maribel Gallardo, bailarina emérita y maestra repetidora del Ballet Nacional de España recientemente galardonada con la medalla de oro a las Bellas Artes; Manuel Segovia, Premio Nacional de Danza y miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas Española; Currillo Franco, bailaor y coreógrafo, profesor de flamenco en el Real Conservatorio de Danza “Mariemma”; Violeta Ruiz del Valle, responsable de la gestión de la compañía Ibérica de Danza; sin olvidar al invitado internacional de esta edición, el bailarín y coreógrafo argentino Mariano Luraschi, ex subdirector a cargo del ballet folclórico nacional de Argentina. Todos ellos dirigirán a 30 jóvenes, entre músicos y bailarines, apoyados por el musicólogo y danzarín tradicional asturiano Santiago Galguera. Un grupo excelente con dos premios extraordinarios de danza: Susana Algora y Rubén Rojo, quienes estarán también presentes en la rueda de prensa el día 23 de agosto, a las 12:00 horas, en La Librería de Pimiango, en la que se presentará con detalle este certamen. La exposición “Mujeres en Danza” dará protagonismo a las bailarinas en la VI edición del Encuentro Con Los Maestros. Más que una exposición “Mujeres en Danza” se expondrá por las calles de Colombres y en La Librería de Pimiango, como una reivindicación de la danza por parte de las mujeres a través de los testimonios de algunas bailarinas que expresan cómo el arte les transforma y les impulsa a mejorar su vida, transitando entre la sensibilidad y la crudeza, en búsqueda continua de su lugar, su foco y su voz en el escenario, donde se desenvuelven y expresan la lucha interior y exterior que libran cada día, navegando por las esquinas, los centros y los límites de la conversación social, del avance político, del equilibrio en el cuidado y en las relaciones emocionales. La exposición “Mujeres en Danza” ha sido impulsada por la Casa de la Cultura de Colombres y producida por la asociación cultural MJH DIFERENCIAS EDUCATIVAS, organizadora del Encuentro Con Los Maestros, y estará comisariada por la gestora cultural María Herrera, directora del proyecto artístico, e incluye imágenes dedicadas a la danza y sus protagonistas, sentando las bases para la descentralización y la transformación en el rural del desarrollo del arte y la expresión de los artistas. Momentos especiales en el Encuentro Con Los Maestros serán también, sin duda, el concierto lírico “Paisajes de la Argentina”, con la participación del barítono tenor Mario Millan, que estará acompañado del maestro Luis Noain al piano, el 26 de agosto en la Iglesia de Santa María de Colombres; el II Certamen Ribadedeva En Danza, el sábado 27 de agosto en el Auditorio Bajo Deva a las 19:30 horas, donde nuevas generaciones de bailarines de danza española mostrarán su talento innovador; el concierto de “La Nueva Indiana”, la formación de músicos en el Encuentro Con Los Maestros actuará en la Plaza de Colombres el viernes 2 de septiembre a las 20:30; y la muestra del espectáculo de danza española y música argentina “El día que me quieras. Ser Gardel”, que cerrará esta edición del Encuentro Con Los Maestros el sábado 3 de septiembre, a las 20:30, un año más en la carpa del Archivo de Indianos - Museo de la Emigración de Colombres.

El Conservatorio Profesional de Danza “Carmen Amaya” sito en la Avenida de la Felicidad, 27 en “El Espinillo” está, de nuevo, de enhorabuena. La alumna Susana Algora Fernández, que acaba de finalizar sus estudios de danza española, ha obtenido el prestigioso Premio Extraordinario de Danza de la Comunidad de Madrid que premia la excelencia y el talento. Al premio se pueden presentar aquellos alumnos de los conservatorios profesionales de Madrid que hayan obtenido el Premio Fin de Grado en su especialidad (danza clásica, danza española, danza contemporánea o flamenco) en sus centros. En el caso del “Carmen Amaya” hubo dos Premios Fin de Grado: Susana Algora en la especialidad de Danza Española y Rebecca Arias en la especialidad de Danza Clásica. Igualmente optaban al premio 4 alumnos más de otros conservatorios de Madrid. El pasado 5 de julio, se celebró en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila la prueba que determinaría quien, de ellos o ellas, únicamente uno/a, obtendría el destacado premio. Todos los participantes demostraron tener gran calidad interpretativa y haber hecho un excelente aprovechamiento de las enseñanzas oficiales de danza. En cuanto a las alumnas del “Carmen Amaya” destacó la limpieza técnica y la dulzura de Rebecca y la presencia escénica de Susana, así como su dominio del instrumento (castañuelas) que conquistó, con una actuación magistral tanto técnica como artística, al público presente y al propio tribunal, constituido por profesores de renombre del conservatorio anfitrión, que la calificaron con un merecido 10. Las piezas interpretadas por Susana fueron: - "Al Uzza", coreografía de Antonio Najarro, ensayada por Rocío Espada. - "Anónima", coreografía de Mar López, ensayada por la propia coreógrafa. La Comunidad de Madrid hará entrega de los galardones y diplomas a los premiados de todas las etapas educativas el próximo curso, en fecha y lugar todavía por determinar. La dirección del conservatorio se siente orgullosa del excelente trabajo realizado por sus alumnas y por los magníficos coreógrafos y repetidores, así como profesores del centro, que con dedicación e ilusión se han implicado en todo el proceso. Acceso listado de calificaciones Premios Extraordinarios de Danza &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Tengo el placer de reunirme con Lucrecia Enseñat Benlliure en el Jardín de la Casa-Museo de Sorolla. Ella, bisnieta del gran escultor valenciano, preside la Fundación Mariano Benlliure y realiza una encomiable labor de catalogación y difusión de las obras, organizando interesantísimas exposiciones. En este año que conmemoramos el 75 aniversario del fallecimiento de Mariano Benlliure, en el Museo Sorolla han expuesto algunas de las esculturas que forman parte del patrimonio familiar del pintor. Los dos artistas estaban muy unidos, se consideraban mutuamente como hermanos y tenían sus casas el uno junto al otro. Lamentablemente, la de Mariano Benlliure no se conservó. Visitamos la exposición y conversamos en el jardín. Es una especie de edén, una isla protegida del intenso ajetreo de la ciudad. Escuchamos el rumor del agua de la fuente inspirada en la del Patio de los Leones de la Alhambra, junto a la que nos sentamos. Me cuenta historias del pasado, recrea momentos de la vida de su bisabuelo y de sus obras, de las bailaoras que quedaron inmortalizadas en ellas, de ese milagro instintivo del que nace para el arte y vive para él. Habla de su amistad con Pastora Imperio, o el hechizo que sintió al ver a la gitana Pinrelitos, a la que Mariano Benlliure descubrió en un viaje rumbo a Tánger. Fue en un café-cantante de Cádiz. Impresionan hondamente esas escenas de danza congeladas para siempre en el mármol, el bronce, el barro… Benlliure siempre trató que sus esculturas tuvieran movimiento. Sus modelos y bailaroras parecen representar una danza eterna que transmiten a quien las contempla. La presencia del genio se siente en su obra. -¿De dónde procede la afición de Mariano Benlliure por la danza? -Desde muy joven, lo que Mariano Benlliure trató de lograr con sus obras era el movimiento, evitar en lo posible que las esculturas tuvieran una apariencia estática o inerte. Para ello encontró la inspiración en tres temas fundamentales: la danza, los toros -le atraía mucho la estética del toreo, aunque rechazaba la violencia- y los niños, porque que nunca paran quietos. Tiene muchísimas obras que giran en torno a estos motivos porque lo que buscaba era captar el instante, dotar de vida a sus esculturas. -¿Podrías contarme alguna anécdota sobre Benlliure y su afición por el baile? -Claro, por ejemplo, allá por el año 1908 en un viaje rumbo a Tánger visitó un café cantante de Cádiz donde le impresionó mucho la danza de una gitanilla. Se pasó toda la noche tomando bocetos de ella de quien afirmó que “era el instinto mismo de la danza”. Luego, regreso a Madrid y la modeló. -¿Se sabe quién era esta bailaora? -Sí, la llamaban La Pinrelitos. La gitana era muy joven -según cuenta Benlliure años después en una entrevista- tenía menos de quince años de edad, y alternaba su baile con el de otra bailaora de unos 40 años (su abuela), mientras amamantaban a un niño, hijo de la más joven, entre actuación y actuación. Hizo de ella dos esculturas, una primera en bronce y otra en mármol. -¿Hay constancia del palo flamenco que baila? -La pose, el gesto y siendo de Cádiz nos señalan con bastante probabilidad que sea alguno de los palos festeros propios del lugar como alegrías, tanguillos… Podemos imaginarlo pero nunca se sabrá con exactitud. -La grabación más antigua de unas alegrías es de 1909, con Sebastián el Penas al cante. Pero las denominan "Jaleos", porque entonces los palos no estaban tan definidos como lo fueron posteriormente. Si como afirma Benlliure, su modelo bailaba por instinto, es posible que no se ciñera de forma ortodoxa a un palo clásico ¿Dónde se puede admirar la escultura? -La Pinrelitos en bronce que fue comprada por la Duquesa de Alba. Se encuentra en el Palacio de Dueñas de Sevilla en la llamada Sala de la Gitana; la versión en mármol fue adquirida por el Jockey Club de Buenos Aires y allí está. -Recuerdo una preciosa figura de cerámica que esculpió a Pastora Imperio, ¿Cuándo se conocieron? -Fue en el año 1915 cuando se puede constatar su relación, una época en la que la bailaora alcanza su cumbre artística con el estreno de “El Amor Brujo” de Manuel de Falla. Pastora posaba para él entre ensayos y funciones, en pleno montaje de la obra. -¿Tuvieron una gran amistad? -Pastora Imperio frecuentaba la casa de mis bisabuelos, Mariano y Lucrecia Arana, hay fotos de los tres que así lo atestiguan. ´ Además, en mi familia conservamos un magnífico retrato de Pastora Imperio pintado por Villegas y dedicado a mi bisabuela, Lucrecia Arana. También existen cartas escritas por Pastora. -¿Qué cuenta en la correspondencia? -Hay, por ejemplo, una carta de diciembre de 1936 en la que se dirige a Benlliure para solicitarle ayuda. La bailaora está atravesando graves problemas económicos y acude a él para tratar de vender un retrato que le había pintado Manuel Benedito. -¿Cuántas figuras hizo de Pastora Imperio en aquel momento en que estaba bailando “El Amor Brujo”? -Cinceló una escultura en mármol, que está en la sede de la Embajada de Italia en Madrid. Tiene además en su plinto un friso muy curioso, porque es una secuencia de la danza de Pastora con desnudos a la manera griega; también realizó varias versiones en cerámica: una esmaltada en blanco y otras dos policromadas. No existen dos iguales. A partir de un mismo modelo va experimentando, pero jamás se repite. -Esa es una característica definitoria de los genios: la búsqueda permanente. ¿Por qué hacía cerámicas? -Porque le encantaba. Era para él un reto, ya que el esmalte de la cerámica hace que se pierda la definición del modelado, pero la policromía lo compensa. Hasta se puso un horno en su casa para controlar personalmente la cocción. Logró unos craquelados finísimos que daban a la piel el tono perfecto. -Son maravillosas. Es una pena que no se haya conservado su casa, que estaba a dos manzanas de la de su gran amigo Sorolla, a quien consideraba como un hermano. -Sí, Joaquín Sorolla construyó esta casa cercana a la de Mariano Benlliure. Incluso, fue mi bisabuelo quien le recomendó a su arquitecto, Enrique María Repullés, para que le construyese la suya. -¿Por qué no se conserva la casa de Mariano Benlliure? -Tuvo una vida sentimental complicada. Es una larga historia. -Me encantaría que me la contases. -Benlliure era autodidacta, desde muy niño empezó a modelar figurillas en barro (algunas de bailaoras), y siempre con esa búsqueda permanente aprendió todos los procesos necesarios para el tratamiento de los materiales. Fue aprendiz de platero, luego trabajó con un marmolista, y al llegar a Roma en el año 1881 aprendió el proceso de fundición a la cera perdida con un broncista. Allí obtuvo su primer éxito, solo tenía 19 años cuando realizó “Accidenti”-en España se la conoce como “El monaguillo”-, que fue expuesta en el Círculo Internacional de Roma, y premiada en España en la Exposición Nacional de 1884. -La temática de “Accidenti” es totalmente inusual, porque escoger como motivo a un monaguillo al que se le cae el incensario y se quema, no es nada común. Era totalmente arriesgado e innovador presentar semejante obra. -Se basó en una anécdota real que sucedió cuando era niño y, ayudando en la misa de su colegio de las Escuelas Pías de Valencia, se le cayó el incensario que portaba. Pasó mucha vergüenza y se hizo unas pequeñas quemaduras. La anécdota se le quedó tan grabada que así la representó más tarde, siendo la escultura que lo dio a conocer. La compró el Conde de Fernán Núñez, que hizo una fiesta en su palacio de Madrid para exhibir la obra y presentar al joven y prometedor escultor. En esa recepción conoció a la que sería su primera esposa. -¿Quién fue? -Era una chica de la alta sociedad madrileña, hija de una familia muy conocida. Se llamaba Leopoldina Tuero O´Donell. Se enamoraron, se casaron y se fueron a vivir a Roma. -¿Por qué se rompió el matrimonio? -Es algo que he investigado, tengo incluso copia de las actas de separación. Parece ser que a Leopoldina le aburría la vida junto a un artista y añoraba las fiestas de la alta sociedad y comenzó a coquetear. Hay testigos que afirman haberla visto arrojando notas para sus pretendientes desde la ventana de su casa. Cuando Mariano se entera, la encierra en un convento. Les concedieron la separación civil en Roma, pero nunca pudo, por las presiones de la familia de Leopoldina, obtener la nulidad en España. Tenían dos hijos, y la hija se queda a vivir con la madre y el hijo con el padre. -¿Cuándo conoce a tu bisabuela, la cantante Lucrecia Arana? -Cuando ya se instala en Madrid, porque cada vez iba teniendo allí más encargos. Se prendó de ella durante el verano de 1895 cuando la escuchó cantar en el Príncipe Alfonso y, unos meses después ya como primera tiple del Teatro Zarzuela, donde fue la estrella en aquel momento. Se enamoraron y se fueron a vivir juntos, en contra de las convenciones sociales imperantes. Tuvieron un hijo, mi abuelo, y nunca se separaron hasta la muerte repentina de Lucrecia a los 59 años de un derrame cerebral. -Debió de ser algo desolador, perder así al amor de su vida ¿Nunca pudieron casarse? -No, fue imposible. Unos años después de la muerte de mi bisabuela, inaugurando un monumento en Jerez de la Frontera coincidió con Carmen Quevedo, una viuda con la que se pudo casar en 1933 pues con la República se instauró el matrimonio civil en España. Pero el vínculo se consideró nulo después de la guerra, lo que motivó que tras la muerte de Benlliure en 1947, fuese expulsada de la casa por los hijos del primer matrimonio sin derecho alguno. La diversidad de intereses y los problemas económicos motivaron que la casa fuera derruida. -Uno de los más hermosos bustos que esculpió Mariano Benlliure fue el de la bailarina francesa Cléo de Mérode, la cual se formó en la Ópera de París y fue la estrella del Folies Bergère. No sabía que vino a actuar a España. -Sí, actuó en Madrid en 1907 y posó para Benlliure. Ella tenía una relación sentimental con el Marqués de Perinat, que era gran amigo y cliente del escultor y le compró varias obras. Cléo y el marqués vivían en el mismo edificio en París. Fue considerada la mujer más bella de su época. -¿Crees que la obra de Mariano Benlliure está en la actualidad justamente valorada? -Pienso que no, pero a partir de la labor expositiva y de difusión por la que estamos trabajando desde la Fundación, vamos avanzando y no nos detenemos en esa búsqueda constante de localización y catalogación de las obras, así como la organización de conferencias, exposiciones. -Te felicito por el ciclo de conferencias organizado en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, he escuchado los audios y son interesantísimos. ¿Qué es lo próximo que vais a organizar? -A finales del próximo mes de octubre, en Valencia se inaugurará una exposición en la Casa Museo José Benlliure bajo el título “Un arte por descubrir”. Mostrará obras muy variadas, abanicos pintados y dedicados por el escultor, obras en torno a ellos, fotografías… Facetas de su ámbito íntimo. MERCEDES ALBI