Desde la Escuela de Ballet Carmina Ocaña y Pablo Savoye, siempre nos dan buenas noticias, recientemente, tres de sus alumnas -Claudia Fernández-Montes, Nahia Soto y Bea Jimeno- han firmado contrato con compañías europeas de ballet clásico. Es bonito verlas, conocerlas, formarlas y dejarlas volar... Esa es la vida y la motivación del buen maestro, como es Pablo Savoye, que incorpora en sus enseñanzas las bases de la Escuela de la Ópera de París, influenciadas por la técnica americana desarrollada por la School of American Ballet (recibida directamente de Stanley Williams). Pablo, que siempre esta ideando nuevos retos nos anuncia que pronto, el Joven Ballet Impulsa, actuará de nuevo. Serán los días 3 (C. C. Antonio Machado) y 22 de diciembre (C. C. Paco Rabal), con la novedad de que Débora Martínez del Ballet Nacional de España será artista invitada e interpretará "Zarabanda" de José Antonio. EL CUESTIONARIO DE PROUST: 30 PREGUNTAS PARA CONOCER A UNA PERSONA -Principal rasgo de tu carácter? -Fuerza de voluntad, suelo conseguir lo que quiero o lo que me propongo, pragmatismo (y al parecer seductor…) -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -En los tiempos que corren de igualdad supongo que no hay que diferenciar, y corresponde hablar de las mismas cualidades que aprecio en las personas... (aunque creo que las mujeres y los hombres somos muy diferentes, y me gusta pensar que las mujeres están para enseñar a los hombres, todo lo que ellos no saben hacer…) pero para seguirle el juego al cuestionario diré: Energía generadora. -¿Y en una mujer? -Inteligencia emocional -¿Qué esperas de tus amigos? -Lealdad, complicidad y que encuentren su felicidad. -¿Tu principal defecto? Perfeccionista, orgulloso, confío demasiado en las personas, odio perder, y algo travieso quizás. -¿Tu ocupación favorita? -Escuchar música, leer, dibujar y conversar. -¿Tu ideal de felicidad? -Saber apreciar lo que uno tiene. El amor. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -Perder la vista; dejar de valerme por mí mismo y convertirme en un lastre; vivir una guerra... -¿Qué te gustaría ser? -Inmortal. Un pájaro. Siempre quise ser bailarín pero además de bailarín: piloto de avión, de prueba. Escritor y poeta, compositor, director de cine. Justo. -¿En qué país desearías vivir? -Creo que no existe jejeje, solo en mis deseos. En España ( aunque últimamente tengo dudas, pero no estoy seguro si por razones de lo que está ocurriendo aquí, o si éstas reflejan los males que están ocurriendo en el mundo occidental en general) -¿Tu color favorito? -Rojo, aunque visto mucho de azul o de negro. -¿La flor que más te gusta? -Orchidea -¿El pájaro que prefieres? El águila, el colibrí y el pavo real. -¿Tus autores favoritos en prosa? L. Balzac, Proust, de Beauvoir, A. Camus, G. Orwell y estoy descubriendo autores españoles y leyendo El Quijote… -¿Tus poetas? -C. Baudelaire, A. Rimbaud, J. Prévert, , W. Shakespeare, G. Byron, O. Wilde, F. García Lorca, P. Neruda y acabo de descubrir a Rainer María Rilke. Pero también J. Brel, C Aznavour, B. Dylan. -¿Un héroe de ficción? James Bond, Iron Man, Jesús de Nazareth. -¿Una heroína? -Carmen, Juana de Arco, Ellen Ripley. -¿Tu compositor favorito? JS Bach, P Tchaikovsky, I Stravinski, G Mahler, P Boesmans, P Glass, J Williams, P de Lucía, Pink Floyd. -¿Tu pintor preferido? -El Greco, G. Klimt, E. Hopper, S. Dalí -¿Tu héroe de la vida real? Mmm complicado... Erin Brockovich, Cleopatra, Mother Teresa, Winston Churchill, Mahatma Gandhi, Walt Disney, Julio Cesar. -¿Tu nombre favorito? -Tristán (con tilde) -¿Qué hábito ajeno no soportas? -Fumar, la hipocresía, la falta de respeto. -¿Qué es lo que más detestas? -La traición, la mentira, la falta de empatía, el cáncer y ese tipo de enfermedades devastadoras, perder el tiempo, las noticias del telediario cuando se empeñan en mantenerte asustado. Los mosquitos y las moscas en verano. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Lenin -¿Un hecho de armas que te admire? -Me es difícil admirar algo que tenga que ver con armas pero por decir algo: D-Day -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -El de la primavera. Volar. -¿Cómo te gustaría morir? -Amo la vida, morir no me va a gustar… De repente, sin sufrir y sin que nadie se diera cuenta o me echara de menos. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Optimismo, alegre, fortaleza, serenidad. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -La inseguridad, comerse las uñas. -¿Tienes un lema? -Varios: ahora es el momento, no lo dejes escapar; vive a gusto contigo y conforme a ti mismo; 70 por cien de organización y 30 de improvisación. MERCEDES ALBI Fotografías Jesús Vallinas y Carlos Quezada

El próximo 16 de noviembre se cumplen 20 años del fallecimiento del inolvidable Pedro Azorín, a quien se considera por sobrados méritos como el gran maestro de la Jota Aragonesa. Sus alumnos son innumerables y es palpable el cariño que se le sigue teniendo. Una misa baturra tendrá lugar en su honor el 19 de noviembre a las 19 horas en la Parroquia de Nuestra Señora del Pilar, los congregará a todos. Promete ser un acto muy emotivo en el que participarán excelentes voces venidas expresamente desde Zaragoza, así como la rondalla del Ballet Folklorico de Madrid. Su hija Pilar Azorín, nos cuenta cómo se siente y comparte con nosotros unas preciosas fotografías del gran artista de la Jota al que nadie olvida. “-Este es mi padre”- dice mostrando el retrato al óleo que preside el salón de su casa -“aquí lo tenemos”… -¿Habéis recibido estos días muchas muestras de cariño en recuerdo de vuestro padre? -Realmente, al tratarse simplemente de un Funeral, no hemos recibido expresamente muestras de cariño, lo que sí ha sucedido es que mucha gente ha empezado a compartir en redes sociales la celebración de la misa baturra, pero muestras de cariño... te soy sincera: no hemos dejado de recibirlas en todo momento, desde siempre, era tan querido que nadie ha dicho de él jamás ni una sola palabra. -¿Cuál crees que es el secreto de que sea tan recordado? -Su amor por lo que hacía. Le encantaba dar sus clases de jota, él tenía una camarilla de alumnos joteros que siempre le recordarán. Mi padre disfrutaba mucho enseñando, transmitía todo lo que sabía, hasta sus trucos y su gran estilo. -¿Dónde residía su ilusión? -El incentivo vital de mi padre, su motor, era aquel contacto que entablaba con sus alumnos y al mismo tiempo el cariño que de ellos recibía. Era una gozada asistir a sus clases. Enseñaba jotas de repertorio pero nos podía esta enseñando a la vez una jota que estaba montando para un escenario. -¿Cuál es la procedencia de su amor por la jota? -Aunque nació en Yecla (Murcia), siendo solo de un mes a mi abuelo que era guardia civil, lo destinaron a Canfranc (Huesca), allí vivió algunos años hasta que se establecieron en Huesca donde entró a formar parte del Coro de los Infanticos de la catedral con siete u ocho años. Desde pequeño la ha "mamao·, toda su vida está dedicada a la jota. -Y, ¿Cuándo empezó a bailar? -En la adolescencia le cambió la voz y empezó a bailarla, aunque siempre ha seguido cantando muy bien, imagínate que en sus clases no utilizaba a penas el CD sino que cantaba el mismo sus jotas. Al verle bailar, sus profesores quedaron encantados, pensaron que bailaba mucho mejor que cantaba, y ese fue el comienzo. -¿Cómo fue que se instaló en Madrid? -Vino a bailar con el grupo de Huesca a la Feria del Campo, y a los directivos de la Casa de Aragón les encantó, y como resulta que querían montar un cuadro de jota, le pidieron que se viniera a Madrid a dar clases. -¿Qué pensaron tus abuelos? -Pues imagínate, le dijeron que querían que hiciese algo como más serio que bailar, pero a pesar de que se oponían él, con solo 19 años, se vino. -¿Qué hizo entonces? -Formó el Cuadro de Jota de la Casa de Aragón. Resulta que en aquellos tiempos se celebraban concursos entre las diferentes casas regionales, y siempre ganaban el primer premio. -¿Cómo se hizo tan famoso? Entonces, poco a poco se corrió la voz y la bailarina María Magdalena, acudió a la Casa de Aragón. Sabes que las bailarinas un poquito punteras hacían una presentación escénica para darse a conocer, en la suya mi padre bailó con ella. Muchos profesionales le vieron, quisieron recibir sus clases y es cuando ya entró en Amor de Dios, así empezó toda la historia. -Es como una especie de efecto multiplicador, desde aquel niño que canta en el coro de los infanticos hasta que los grandísimos profesionales de la danza española a quienes enseña y bailan sus coreografías por el mundo. Pero no solo españoles, sino que también inspiró a Igor Moiseyev en su célebre jota ¿Qué sabes sobre ello? -Sí, lo se muy bien. Cuando el Ballet de María Rosa fue de gira por Rusia, Moiseyev les vió bailar la jota y le encantó. Entonces, le pidió a mi padre que le enseñase una serie de pasos que le sirvieron de base para crear la famosísima coreografía con música de Glinka, que figura en el repertorio de sus ballets, incluso ha sido recientemente bailada por el Bolshoi. -¿Conociste a Moiseyev? -Sí, éramos muy pequeñas mi hermana y yo, pero recuerdo ir a ver su compañía al Palacio de los Deportes porque siempre que venían a Madrid nos invitaban, y, por supuesto, reconocíamos los pasos de jota que le había enseñado mi padre. -Mil gracias por mostrarme estas fotografías, se nota que tu padre fue un hombre muy feliz. -Sí lo fue y mucho, hasta que cogió aquella terrible enfermedad, siempre lo fue. -Os deseo que el funeral sea muy emotivo, seguro que tu padre así lo sentirá así desde el cielo. -Te confieso que organizarlo ha sido idea de mi madre, porque a mi hermana y a mi nos nos remueve el dolor de su ausencia. Demasiados recuerdos. MERCEDES ALBI Gran maestro, gran persona, fue un padre para muchos de sus alumnos, entonces sobre el funeral no hay nada reseñable más allá de cariño, cariño y cariño hacia él, lo cual agradecemos muchísimo.

Con motivo de su próxima actuación en el Ateneo de Madrid, los días 26 y 27 de noviembre- dentro del Ciclo de conciertos Manuel de Falla, en colaboración con la Peña Flamenca El Duende- entrevistamos a Luisa Palicio, una bailaora que es la elegancia personificada a quien se considera por méritos propios como la mejor representante actual de la Escuela Sevillana. Luisa forma parte de una tradición que se remonta casi a un siglo atrás, cuando la gran bailaora Matilde Coral vio a Pastora Imperio usar la bata de cola, decidió que ése sería su camino a seguir dentro del baile flamenco. "La cola iba con ella, recuerda Matilde, ella no le daba una patada a la cola. Ella tenía el don de andar y la cola iba con ella, ella se paraba y la cola estaba en su sitio, ella se sentaba y la cola en su sitio, era algo especial. Fue ver a Pastora Imperio con bata de cola y quedar deslumbrada”. Sin embargo, no es a Pastora Imperio, sino a su madre, Rosario la Mejorana, a la que se atribuye el haber usado la bata de cola por primera vez, acompañada con el mantón de Manila. Matilde Coral emprendió por lo tanto un camino estético diferente al de otras grandes del baile flamenco, que se conoce, principalmente en el baile de mujer, como la Escuela Sevillana. Matilde fue también una excelente maestra: relevantes figuras como Milagros Mengíbar, Merche Esmeralda o Isabel Bayón, entre muchas otras, han bebido de ella. Luisa Palicio, malagueña de nacimiento pero afincada en Sevilla, está considerada la gran alumna de Milagros Mengíbar, y es probablemente quien mejor encarna hoy por hoy esta Escuela Sevillana de baile flamenco. -¿Cómo te sientes ante esta próxima actuación en el Ateneo? -Con muchas ganas de volver a Madrid después de este tiempo tan malo que hemos pasado los artistas, encerrados en casa sin hacer nada, yo creo que nos ha removido a todos mucho por dentro... Ir al Ateneo con esta propuesta tanto a mis compañeros como a mi nos hace especial ilusión. -¿Quiénes te acompañan? -Tres compañeros a los que tengo mucha admiración y cariño. Al cante, Manuel Romero y Ana Gómez y a la guitarra Jesús Rodríguez. Es un cuadro que para mí significa mucho porque nos conocemos muy bien, ellos saben valorar la escuela sevillana y mi forma de bailar, y eso se proyecta afuera. -¿Qué vamos a ver? -Un recital de bailes en el que existe un hilo conductor musical que le da fluidez, evitando que sean números independientes sin más. -¿Cuales son los palos que interpretas? -Interpreto los palos más personales de mi baile, sin olvidar el uso de los complementos que es en lo que se sustenta la Escuela Sevillana. Así, bailo una guajira con abanico; siguiriyas donde doy más importancia al cuerpo, al braceo y a la estética corporal; las cantiñas donde saco la bata de cola y el mantón... -¿Cómo explicarías lo que es el baile de la Escuela Sevillana a alguien que no lo conociera? -Es un baile flamenco de mujer que tiene la feminidad por bandera, su estandarte. Es un estilo que mantiene un uso importantísimo del braceo, imprime carácter al juego hombros, las caderas... posee esa sensualidad especial de la que hemos sido pioneras en la Escuela Sevillana; los pies nunca olvidan la musicalidad, los matices... Además destaca por el uso de los complementos: abanicos, palillos, mantón y bata de cola. -¿Por qué te has centrado en este estilo de flamenco del que eres considerada su máxima representante actual? -Mi principal punto de conexión con la escuela sevillana eran las ganas que yo tenía desde que tengo uso de razón de bailar con bata de cola. De pequeñita hasta cogía los manteles, me los ataba a la cintura sobre el pijama y me ponía a bailar con ello. Siempre tuve fijación con eso. Así que en cuanto tuve oportunidad enfoqué mi atracción. -¿Quienes han sido tus maestras? -Primero aprendí con Carmen Juan que me presentó a Milagros Mengibar, con quien empecé a los 15 años a aprender todos los entresijos de la escuela sevillana. Después he tenido muchos otros maestros, Canales, Javier Barón, la familia Campallo… con quienes he perfeccionado, pero a pesar de que bebía de todos los estilos, cuando empecé un poco a bailar de manera profesional y a buscar mi camino y mi personalidad, me di cuenta de que yo no quería desvincularme de la línea de la escuela sevillana porque es lo que a mi me sale en la manera natural de mi baile. -¿No te has dejado arrastrar hacia corrientes más contemporáneas? -Confieso que a veces dudaba y me dejaba llevar por las modas, pero cuando lo intentaba me daba cuenta de que me engañaba a mi misma, y prefiero ser fiel a mi naturaleza y a mis sentimientos que es lo que me configura como artista. -¿Es Milagros Mengibar la que más te ha influido? -Para mi Milagros supone un antes y un después como bailaora, significa muchísimo para mi, incluso a nivel personal la considero una segunda madre. No podría decirte nada sobre ella que no fuera positivo. Ella es mi raíz, la que me ha formado. He bebido de otros muchos artistas como Rubén Olmo, pero mi gran maestra es Milagros Mengibar. -Por cierto ¿Puedes confirmarme que Rubén Olmo vendrá a presentar alguna de tus actuaciones? -Sí, me hace muchísima ilusión, porque le admiro y hemos bailado juntos con una comunicación muy intensa entre nosotros. Todo un honor que venga a presentarnos quien es ahora el director del Ballet Nacional de España. Será una noche muy especial. Os esperamos. MERCEDES ALBI

El Ballet Nacional de España explora la actualización de las danzas tradicionales en tres talleres coreográficos que difundirá en streaming Los talleres impartidos por los coreógrafos Manuel Segovia, Miguel Ángel Berna y Jon Maya serán retransmitidos en directo los días 5, 19 y 26 de noviembre La reinvención de las danzas tradicionales desde una mirada contemporánea es el camino que han tomado algunos bailarines y coreógrafos en lo que se conoce como neofolk. En su interés por el aprendizaje continuo de los bailarines del Ballet Nacional de España, el director Rubén Olmo ha invitado a Manuel Segovia, Miguel Ángel Berna y Jon Maya a impartir tres talleres coreográficos durante el mes de noviembre. Los tres creadores han desarrollado una reconocida carrera expandiendo los límites del lenguaje coreográfico de la danza tradicional como herramienta para crear nuevas propuestas. “Quiero que los bailarines profundicen en el conocimiento del folclore, uno de los estilos de danza española incluidos en el repertorio del Ballet Nacional de España, e indaguen en las nuevas tendencias con coreógrafos especializados en este estilo”, afirma Rubén Olmo. La última sesión de cada taller será retransmitida en directo a través de las redes sociales del Ballet Nacional de España los días 5, 19 y 26 de noviembre. Esta actividad, denominada #BNEenMovimientoPerpetuo, surgió en julio de 2020 como una forma de acercar al público la danza y el trabajo de los bailarines en las salas de ensayo ante el aplazamiento de las actuaciones previstas hasta septiembre. Los talleres, impartidos por Manuel Reyes, Belén López y Marcos Morau (La Veronal), estuvieron enfocados en el flamenco y la danza contemporánea. En esta segunda edición, Manuel Segovia, codirector de Ibérica de Danza y Premio Nacional de Danza a la creación en 2001, abrirá el ciclo de talleres coreográficos, enfocados esta vez en el folclore y las danzas tradicionales. Ofrecerá una visión contemporánea de la danza española y, especialmente, del folclore estilizado, disciplina que convive en su trayectoria con la escuela bolera y el flamenco. El taller en el que participarán los bailarines del Ballet Nacional de España del 3 al 5 de noviembre se basará en los ritmos del baile charro. A partir de la estructura coreográfica de la Suite del Rebollar, Manuel Segovia desarrollará una pieza de nueva creación con un lenguaje coreográfico de autor a partir de la danza tradicional y la reinterpretación personal de las mismas. El objetivo, según el coreógrafo, es generar otra realidad de nuestra danza tradicional, un folclore imaginario o neofolk, que también nos proporciona un espacio emocional de código abierto, libre de fronteras y limitaciones estereotipadas. “Quiero que los bailarines tomen conciencia de la importancia de la danza tradicional, su capacidad de renovación y proyección para la construcción de nuevas coreografías y la posibilidad que ofrece a intérpretes y creadores vinculados a la danza escénica española”. La visión coreográfica de Miguel Ángel Berna, director de la compañía Danza Viva, es asimismo muy ecléctica, debido a la influencia de la amplia variedad de disciplinas que domina, desde la danza clásica a la contemporánea y el flamenco. El bailarín y coreógrafo revisará los pasos tradicionales de la jota aragonesa y desarrollará la técnica de la castañuela de dedo corazón como pilares para trabajar la coreografía La templanza, primer premio del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco en el año 2000. “Mi intención es reflexionar sobre cómo adaptar los bailes tradicionales a la sociedad en la que vivimos para convertirlos en un instrumento coreográfico que pueda abordar grandes obras y ponerlas en escena. Considero que es necesaria una evolución coreográfica de la danza tradicional, más allá de los repertorios de los grupos folclóricos, para que se pueda situar en el panorama internacional de la danza, tal y como lo ha hecho el flamenco”. Jon Maya, fundador de la compañía Kukai Dantza, Premio Nacional de Danza 2017, será el encargado de cerrar estos talleres coreográficos del 24 al 26 de noviembre con su apuesta de factura contemporánea a partir de la interacción de la danza tradicional vasca con otras disciplinas artísticas y estilos de danza. Estará acompañado del artista sonoro y compositor Xabier Erkizia y el dramaturgo Ximun Fuchs. Con ellos y los bailarines trabajará el concepto de la fuente desde el movimiento, el sonido y la dramaturgia. “Me gustaría que todos fuéramos cómplices en este laboratorio, en el que no trabajaremos una técnica, sino que emprenderemos una búsqueda”, afirma el creador vasco. Talleres coreográficos en streaming #BNEenMovimientoPerpetuo 5 noviembre 2021 14:15 h. Manuel Segovia (Ibérica de Danza) 19 noviembre 2021 14:15 h. Miguel Ángel Berna 26 noviembre 2021 14:15 h. Jon Maya (Kukai Dantza) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La coreógrafa y bailarina Luz Arcas/La Phármaco estrena la segunda pieza de su trilogía Bekristen/ Cristianos Inspirada en las imágenes marianas andaluzas, la obra baila el cuerpo del trabajo y del deseo, la vitalidad del desgaste y la potencia del llanto El espectáculo se envuelve con la música electrónica y folclórica de la artista andaluza Sole Parody y cuenta con la asistencia artística de Ernesto Artillo Luz Arcas, directora de la compañía La Phármaco, presenta del 27 al 30 de octubre en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque Somos la guerra, la segunda pieza de su trilogía Bekristen / Cristianos, en la que reflexiona sobre el cuerpo en el mundo actual. El primer capítulo, La domesticación, se estrenó en los Teatros del Canal en noviembre de 2019 y se encuentra actualmente en gira. Con dirección artística y coreográfica, dramaturgia y espacio escénico de Luz Arcas, Somos la guerra baila la vitalidad y potencia que alcanzan los cuerpos, mientras, en palabras de Arcas, "padecen la violencia de las estructuras verticales que nos hacen, históricamente, mirar hacia arriba: a los dioses, ambiciones y todo tipo de aspiraciones". Así, explica,"en la obra, los cuerpos esperan a que suceda el milagro, pero lo esperan bailando, envueltos en sudor y en lágrimas: el sudor del desgaste (el del trabajo, el del deseo) y las lágrimas de la compasión (las de la súplica, las del cante)". Estas imágenes arquetípicas del sudor y las lágrimas son recurrentes en el folclore universal: del erotismo a la fertilidad, del mal presagio a la muerte. En Somos la guerra, afirma la coreógrafa, "la danza no se impone a los cuerpos, sino que desvela lo que les pasa por dentro. El cuerpo como veladura, el baile como revelación. Vivimos huyendo del cuerpo, bailamos para volver a él". La pieza, interpretada por la propia Luz Arcas, Marcos Matus y Raquel Sánchez, se envuelve en la música electrónica y folclórica de la andaluza Le Parody. Cuenta además con los audiovisuales de Jorge Colomer y Jorge Juárez, la asistencia artística de Ernesto Artillo, que ha codiseñado el vestuario con Carmen 17 y la iluminación de Jorge Colomer. Con un discurso es puramente físico, intuitivo, Somos la guerra se inspira en anécdotas, imágenes y referencias concretas de la vida de Arcas: “La música electrónica y tan personal de Le Parody, la influencia del folclore, de las imágenes marianas veneradas en mi tierra, Andalucía, el deseo de bailar más que de hacer danza, lo que el cuerpo que baila convoca o el impacto en mi cuerpo del nacimiento de mi hija". Desgraciaíto de aquel Que come pan de mano ajena Siempre mirando a la cara Por si la pone malita o buena Soleá popular Acceso a compra entradas

El estreno de Acosta Danza en el teatro Real nos ha hecho regresar al coliseo madrileño en el reducido espacio de una semana, aunque naturalmente, poco o nada tiene que ver el Ballet Nacional de España con la naciente compañía cubana. La danza, en su enorme abanico de posibilidades, siempre ofrece motivos para el deleite de aquellos que la saben apreciar, en la variedad reside su riqueza. Lo que hemos visto de la compañía de Carlos Acosta es una compañía de pequeño formato, pero con bailarines de sólida técnica, en un conjunto muy cohesionado. Además, aunque erradicada en Cuba y con bailarines cubanos, está completamente abierta a otros artistas y creadores, y hasta nos devuelve a los nuestros, como ha sido el caso del madrileño Jorge Crecis cuya coreografía “Twelve” cerró el espectáculo con gran originalidad. Cada pieza de las que componen el programa aportó un diferente interés cara espectador alternando los ballets de conjunto con las piezas de pasos a dos y un solo de Carlos Acosta. Es imposible dejar de nombrar la vistosa “Satori”-de Raúl Reinoso- a la bailarina Zeleidy Crespo. Es una diosa de ébano, su magnetismo es un claro ejemplo de esos raros milagros de la naturaleza que suceden en contadas ocasiones. Nacen así. No ha necesitado ni formación clásica. “Mermaid” de Sidi Larbi Cherkaoui, fue un paso a dos en el que hizo su primera aparición Carlos Acosta, aunque cedió su protagonismo porteando excelentemente a la bailarina Liliana Méndez, hizo un breve solo con giros y tour a l´air que dejó a sus fans con la miel en los labios. “Paysage, soudain la nuit” de Portus Lidberg es un ballet muy vital que enmarcando su fondo por las maduras espigas de trigo, me dio la sensación de que celebraban los frutos de la vida, una especie de fiesta de la cosecha. “Two” fue un solo de Carlos Acosta con coreografía de Russell Maliphant. La iluminación, muy buena y acertada durante todo el espectáculo, aquí fue clave para el lucimiento de la estrella. Su carisma se hace presente, su técnica y especialmente sus brazos, larguísimos y expresivos parecía una escultura que despierta a la vida. Y lo lúdico y original de “Twelve” fue algo sorprendente. Es una coreografía de Jorge Crecis nada al uso, sino que mezcla el elemento deportivo, el juego, con la danza centrando la atención el espectador en un divertido empeño de los bailarines-jugadores en nunca dejar de caer unas botellas fluorescentes que se arrojan unos a otros de mil maneras, hasta el desenlace final que nos dejó con una sonrisa. Acosta Danza no es un simple grupo de grandes artistas reunidos para la ocasión, sino que la muy joven, o casi niña formación –fundada en 2015- define claramente la toma de un espacio referencial dentro del panorama internacional. No son un embrión, sino un hecho. Larga vida. MERCEDES ALBI

MIRADAS SOBRE EL ALMA DE CUBA · Las funciones tendrán lugar los días 22, 23 y 24 de octubre a las 19.30 horas · Aprendiendo a volar, título de la sesión familiar del sábado 23, a las 12.00 horas, contará con la participación especial de Acosta en un encuentro con el público en el que responderá a las preguntas de los espectadores. · El programa, denominado Evolution, ofrecerá los trabajos de coreógrafos que han encontrado inspiración en el alma de la isla, en sus ritmos y en sus bailes: Raúl Reinoso, Sidi Larbi Cherkaoui, Pontus Lidberg y Jorge Crecis. · Carlos Acosta protagonizará la interpretación de las coreografías Mermaid, de Sidi Larbi Cherkaoui, y Two, de Russell Maliphant. Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, el extraordinario bailarín y polifacético artista Carlos Acosta presentará en el Teatro Real su compañía, Acosta Danza, fundada en La Habana en 2015 con el objetivo de mostrar al mundo el nuevo talento artístico de Cuba, a través de un programa que aúna danza clásica, contemporánea y ritmos cubanos. Carlos Acosta es un bailarín de leyenda. Su talento innato, unido a una extraordinaria capacidad física, y una trayectoria cimentada en el esfuerzo profesional y personal, han hecho de él uno de los mejores bailarines de su generación. Premios importantes, las compañías más prestigiosas del mundo y el Royal Ballet de Londres, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera como Primer Bailarín, son la carta de presentación de un hombre que nunca ha olvidado sus orígenes y el latido de la cultura de su país natal, donde la danza ocupa un destacado lugar. Por esta razón, tras retirarse de la danza clásica, Carlos Acosta emprende la aventura de reunir a los mejores bailarines de Cuba para dar a conocer su talento y versatilidad en los grandes escenarios internacionales: Acosta Danza. Ahora, para su presentación en Madrid, la compañía ha seleccionado trabajos de coreógrafos cuyos trabajos han encontrado inspiración en el alma de la isla, en sus ritmos y en sus bailes. Evolution abrirá la velada con la coreografía de Raúl Reinoso, Satori. En el budismo zen este vocablo se refiere a la iluminación espiritual; así, esta creación ilustra el viaje hacia lo interior desde varias escenas abstractas: las interrogantes iniciales, la búsqueda, los estancamientos, la derrota de los obstáculos y, finalmente, el instante del conocimiento, el hallazgo de la verdad, de la belleza, la luz. Carlos Acosta asumirá la interpretación de Mermaid, creación del belga Sidi Larbi Cherkaoui para la compañía, sobre música de Woojae Park y Erik Satie. En ella, la danza contemporánea abraza a la clásica para contar la historia de una sirena, en la que el vestuario y la luz se apuntan como referencias fundamentales. Acosta volverá a bailar en la segunda parte del programa con la coreografía Two, de Russel Maliphant. Con Paysage, soudain, la nuit, el coreógrafo sueco Pontus Lidberg, inspirado en la música tradicional cubana a través de la rumba y su raíces africanas, celebra la juventud, entre los atardeceres y el amanecer, tomando como punto de partida la partitura del compositor Leo Brouwer con la complicidad de la instalación artística Vientos (2017) de la cubana Elizabet Cerviño. Y cerrará la noche Twelve, del español Jorge Crecis, una pieza de danza-deporte, en un universo regulado por complejas permutaciones matemáticas y gráficas, con un riesgo real que pone a prueba la resistencia física y mental de 12 bailarines que tienen que hacer lo imposible para lograr lo imposible. Twelve es una combinación de lógica, estética y emoción, un rompecabezas que juega con los conceptos de éxito y fracaso, riesgo y pragmatismo y que explora los límites del cuerpo humano. Twelve ha sido una recreación exclusiva para Acosta Danza a partir de la pieza 36 creada en 2011 para la compañía Edge y presentada en 2012 en la Royal Opera House de Londres. Serán precisamente estas dos coreografías, Paysage, soudain, la nuit y Twelve, las protagonistas de la función familiar que, bajo el nombre Aprendiendo a volar, tendrá lugar la mañana del sábado 23 de octubre a las 12.00 horas. Su gran fuerza rítmica, luminosa expresión y creatividad atraparán a los más jóvenes. La sesión contará con la participación especial de Carlos Acosta, en un encuentro con el público, en el que desvelará los secretos de la danza respondiendo a las preguntas de los asistentes, entre una y otra coreografía. Para coordinar esta acción, los espectadores podrán enviar sus cuestiones sobre el mundo de la danza a través de un formulario disponible en la web hasta el viernes 22 a las 12.00 h. De entre todas las preguntas se realizará una selección que será respondida por Carlos Acosta durante la función. ACOSTA DANZA Acosta Danza se fundó el 28 de septiembre del 2015 en La Habana gracias al empeño de Carlos Acosta, e hizo su primera aparición frente al público el 8 de abril de 2016. Insertada en el panorama escénico cubano bajo una línea contemporánea, la compañía no ha dejado de lado el desarrollo técnico del ballet clásico, con la clara intención de recoger la visión artística y profesional de su creador. Su creación es el resultado del amplio desarrollo de la danza en Cuba, país en el que este arte es manifestación esencial de la idiosincrasia nacional, y cuenta con un reconocido desempeño escénico en los ámbitos del ballet, la danza contemporánea y el folclore. El repertorio coreográfico incluye títulos de Carlos Acosta, Marianela Boán, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Peck, Saburo Teshigawara, Goyo Montero, Pontus Lidberg, María Rovira, Rafael Bonachela, Miguel Altunaga, Alexis Fernández (Maca), Mickael Marso, Jorge Crecis y Raúl Reinoso, entre otros. Acosta Danza está apoyada por el Consejo Nacional de la Artes Escénicas de Cuba y cuenta con la coproducción del teatro Sadler’s Wells de Londres –uno de los escenarios más importantes de Europa, asociado a nombres de la danza internacional tan reconocidos como el de Sylvie Guillem, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan– y Valid Productions, empresa logística encargada de gestionar la compañía internacionalmente. La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda e experimentación, no solo para artistas cubanos, sino también para creadores de todo el mundo como coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de los audiovisuales, a los que la compañía abre sus puertas. Con todos ellos, la compañía realiza espectáculos de danza que reflejan las últimas tendencias internacionales tanto en movimientos coreográficos como en todo lo referente a la escena. El resultado es una compañía joven, dinámica y de calidad que propone convertirse en una de las más efectivas cartas de presentación de la cultura cubana. En 2021 Acosta Danza ha sido nominada por la Sección de Danza del Círculo de Críticos del Reino Unido para el Premio Nacional de Danza de ese país como mejor compañía independiente. CARLOS ACOSTA Considerado uno de los más célebres bailarines de las últimas décadas, nació en La Habana y se formó en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Ha bailado en calidad de primera figura en compañías como el Royal Ballet de Londres, el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston, el American Ballet Theatre, el Ballet del Teatro Bolshoi, el Ballet de la Ópera de París, el English National Ballet y el Ballet de Australia. Su repertorio está compuesto por los títulos más significativos del ballet tradicional y contemporáneo. Como coreógrafo ha creado el espectáculo Tocororo, fábula cubana, y sus versiones de Don Quijote y Carmen. En el 2015 fundó Acosta Danza. En 2018, la directora Icíar Bollaín estrenó Yuli, la película inspirada en la vida del bailarín. En ese año, también fue merecedor del Queen Elizabeth II Coronation Award que otorga la Real Academia de la Danza británica. Desde el 2020 Carlos Acosta dirige el Birmingham Royal Ballet. Es Comendador de la Orden del Imperio Británico, posee el Premio Benois de la Danza y fue nombrado Premio Nacional de Danza de Cuba. Imágenes presentación: © Javier del Real / Teatro Real

Bajo el título "Un siglo de danza en España (1836-1936). Identidades, repertorios, imaginarios y contextos", este Congreso Internacional muestra el resultado del proyecto de investigación Tras los pasos de la Sílfide. Una historia de la danza en España, liderado por el Instituto de Historia del CSIC, ofreciendo una nueva aproximación a la historia de la danza española. El Museo del Romanticismo participa en este encuentro, y, junto con la Residencia de Estudiantes, acogerá la celebración del Congreso del 1 al 3 de diciembre. Más información aquí COMITÉ CIÉNTÍFICO Dra. Ana Abad Carlés (Universidad Católica de Murcia) Dra. Ibis Albizu (Seminario UCM­CSIC de Investigación en Historia y Teoría de la Danza) Dra. Eugenia Cadús (CONICET, Argentina) Dra. Claudia Carbajal Segura (Universidad Nacional Autónoma de México) Dra. Michelle Clayton (Brown University) Dra. Ana Isabel Elvira Esteban (Conservatorio Superior de Danza María de Ávila) Dra. Carmen Gaitán Salinas (Universidad Complutense de Madrid) Dra. Laura Hormigón (Asociación de Directores de Escena de España) Dra. Irene López Arnaiz (Instituto de Historia, CSIC) Dra. Eva López Crevillén (Conservatorio Superior de Danza María de Ávila) Dra. Cristina de Lucas (Universidad de Valladolid) Dra. Victoria Mateos de Manuel (Seminario UCM­CSIC de Investigación en Historia y Teoría de la Danza) Dra. Inmaculada Matía Polo (Universidad Complutense de Madrid) Dra. Idoia Murga Castro (Instituto de Historia, CSIC) Dr. Javier Ramírez Serrano (Instituto del Teatro de Madrid, UCM) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El “Homenaje a Antonio Ruiz Soler” del Ballet Nacional de España en el Teatro Real de Madrid, ha brindado al espectador un verdadero viaje en el tiempo por el creativo mundo antoniano. Su fidelidad queda patente al recuperar íntegros los dos ballets fundamentales de su repertorio grupal, que abren y cierran respectivamente el espectáculo: el ballet “Sonatas” y “Fantasía Galaica”. Afortunadamente, en los últimos años se está revindicando la figura del gran Antonio Ruiz Soler para tratar de situarlo sobre el altísimo pedestal que le corresponde, y este es el segundo programa de homenaje que le ha dedicado nuestro Ballet Nacional. El tiempo pasa para todos con un vértigo que deja obsolescentes los modos “antiguos” a gran velocidad. Pero en este caso, rescatar significó renacer. Y nosotros, espectadores del segundo milenio, cuando nos separan más de cincuenta años del estreno de las obras, hemos comprobado ese milagro de eternidad que solo poseen los clásicos: nunca envejecen. Se percibe que Rubén Olmo, director artístico de la compañía, tenía hondamente meditado el homenaje. La coherencia y la sutileza en las transiciones de una pieza a otra -incluso en los tiempos en que los bailarines se reunían para recibir la ovación del público- contribuían a ofrecer una visión de conjunto en la que, a pesar de que todo estaba medido, no hubo menoscabo alguno en el brillo particular de cada artista, algo que caracteriza su forma de dirigir, su innata generosidad. La entrega de los bailarines fue absoluta, uno a uno fueron dando lo mejor de sí. Y no hay mejor homenaje que esa entrega que tanto caracterizaba a Antonio, quien se deshacía en cada baile dándose por entero. Carmen Rojas, que fue su gran partenaire flamenco, y que presenció emocionada el espectáculo desde primera fila, recordaba como en el Zorongo, Antonio se ponía de rodillas y era capaz de cruzar así el escenario. Las Sonatas del Padre Soler son exquisitas, realizadas con refinamiento y maestría, y apoyándose en unos solistas de buen nivel. En el Vito de Gracia, bailar los pasos que en el cine grabó con Rosario era muy arriesgado; sin embargo, Miriam Mendoza y José Manuel Benítez lo afrontaron con sobresaliente. Miriam, a la que la acabábamos de ver en Sonatas con un registro totalmente diferente, dio una muestra reveladora de su gran versatilidad. El pasado se proyecta en el futuro, los nuevos artistas heredan esa inspiración que el exquisito programa ha incorporado con piezas de nueva creación. Así cerró la primera parte “Estampas Flamencas”, ballet coreografiado por Miguel Ángel Corbacho y Rubén Olmo que recorre los palos flamencos característicos de los trabajos de Antonio: el martinete -con un Fran Velasco sobrio y preciso-, el zorongo – bailado con gracia por Ana Agraz y Antonio Correderas-, el taranto –donde Rubén Olmo emocionó hasta el tuétano con un modo de bailar que le sale de dentro- y los caracoles, muy bien danzados por Noelia Ruiz, terminando con unas sevillanas con mantón. Otro trabajo de nuevo cuño nos esperaba en la segunda parte: “Leyenda”, una impresionante pieza que Carlos Vilán tejió para la primera bailarina, Esther Jurado, que ha llevado esta música de la Asturias de Albéniz triunfando con ella por diversas galas internacionales. Sara Arévalo la bailó con solvencia en el segundo reparto, aunque me quedaron las ganas de ver a la intérprete original. Y es difícil de describir a Fran Velasco en el Zapateado de Sarasate, porque las palabras dejan chicos los sentimientos que genera al entablar con sus mágicos pies su musical diálogo con el violín, y luego con el silencio. Tal es la atmósfera que Fran provoca, que el director de la orquesta se puso a aplaudirle desde el foso. Y es que Manuel Coves logró con su batuta superar brillantemente esa prueba de fuego que significa coordinar el foso con la escena, pues hay músicos arriba (pies, palillos, conchas…) y abajo, con la Orquesta Sinfónica de de Madrid. Un no va más que fue in crescendo hasta llegar a la Fantasía Galaica, donde Eduardo Martínez e Irene Tena hicieron el paso a dos de las conchas del “Presagio” con gran lirismo, desembocando la obra en una “Alborada final” donde se estableció una corriente de energía con el público, que comenzó a acompañarles con sus palmas hasta un estallido final en el que el teatro entero fuimos uno solo. Noche inolvidable. Gracias, Ballet Nacional de España. MERCEDES ALBI

Asun Noales ha sido galardonada con el Premio Max al Mejor espectáculo de Danza por su creación "La mort i la donzella", un espectáculo en el que ha conseguido transmitir su particular sello coreográfico lleno de sensibilidad y belleza. "Mi cara lo dice todo. Me siento profundamente agradecida, emocionada y orgullosa de este equipazo. Esta cumbre llega después de muchos años de esfuerzo, constancia y tesón. El amor que le ponemos a nuestra profesión al fin se vio recompensado con este premio. Y es que la danza se merece más cuidado y mimo. Sigamos dando vida a nuestros sueños e imaginarios creativos, aunque cueste visibilizarlos. Hoy es un día para celebrar", dijo. #lamortiladonzellaL'Escorxador Centre de Cultura Contemporània d'ElxIVC Arts Escèniques @luis.crespo.escenografia @juanjollorens @victorianosimonoficial @aurora.bauza.music @perejou @gustavo_ramirez_sansano_ @alexander_spnz @car_mela_grc @aginuz @salva.rocher @r.osamma @ju_jn_ @luismgea CUESTIONARIO PROUST LAS TREINTA PREGUNTAS QUE SIRVEN PARA CONOCER A UNA PERSONA -¿Principal rasgo de tu carácter? -Optimista -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -Sentido del humor -¿Y en una mujer? -Seguridad -¿Qué esperas de tus amigos? -Nada -¿Tu principal defecto? -Impaciencia. -¿Tu ocupación favorita? -Bailar. -¿Tu ideal de felicidad? -Familia, mar y una buena siesta. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -Perder la autonomía. -¿Qué te gustaría ser? -Arquitecta. -¿En qué país desearías vivir? -Italia o Grecia serían otras opciones buenas, pero en España estoy muy bien. -¿Tu color favorito? -Verde. -¿La flor que más te gusta? -Las flores de los cactus, tan sorprendentes y efímeras. -¿El pájaro que prefieres? -Un cormorán, que vive en el mar y en pareja. -¿Tus autores favoritos en prosa? -García Lorca. -¿Tus poetas? -Por cercanía Miguel Hernández, por romántico Mario Benedetti, porque marcó una etapa de mi adolescencia Silvio Rodríguez, por su sencillez Gloria Fuertes, por su intensidad Alejandra Pizarnik. -¿Un héroe de ficción? -Superman. -¿Una heroína? -Mi madre. -¿Tu compositor favorito? -Muchísimos, me cuesta elegir uno. Bach, Schubert, Stravinsky, Contemporáneos: Olafur Arnalds, Ludovico Einaudi. Me es imposible elegir uno. -¿Tu pintor preferido? -Por lo coreográfico y surrealista de sus obras, Magrit y Escher. Por su belleza y plasticidad, los pintores pre-rafaelistas. -¿Tu héroe de la vida real? -Toda aquella persona generosa y empática con la humanidad en su día a día. -¿Tu nombre favorito? -Valentina. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -La holgazanería. -¿Qué es lo que más detestas? -La violencia. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Hitler. -¿Un hecho de armas que te admire? -La conquista de América. -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -Poder volar. -¿Cómo te gustaría morir? -Sin sufrir pero consciente, y ya por pedir, me gustaría que fuera, viendo un amanecer o una puesta de sol y con gente querida cerca. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Alegría. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -Soy bastante indulgente por naturaleza. Pero quizá la vanidad. -¿Tienes un lema? -Adaptarse o morir. MERCEDES ALBI

El próximo lunes a las 20 horas en RTVE2 podremos ver el primer programa de "Un país en danza" que se ha presentado esta mañana en Torre España con Antonio Najarro, artífice de este proyecto que cumple un sueño largamente acariciado y por el que ha luchado desde hace años: que la danza tenga su espacio en el televisión pública. Esta primera temporada, que esperamos sea la primera de muchas, constará de 8 programas en los que Antonio entrevista a personalidades no solo de la danza sino también procedentes de otras disciplinas, que nos transmitirán el significado que tiene para ellos este arte. Entre estos invitados estarán Joaquín de Luz, Rubén Olmo, Nacho Duato, Sara Baras o María Pagés, Blanca del Rey, la Fundación Antonio Gades, Dani Panulo... y también figuras que representan a otras disciplinas vinculadas con la danza como la deportista Ona Carbonell o el patinador Javier Fernández, quienes contarán de primera mano cómo ven y cómo sienten la danza. Cada programa tiene un título relacionado con el personaje a quien se entrevista: 'La constancia y la disciplina'; 'La fuerza de la belleza', 'Una historia bailada'; 'Exilio y éxito: triunfar fuera de España'; 'La autenticidad en el arte'; 'La danza y el cine'; 'De la calle a la escena' y 'La identidad'. "Para mí es uno de los días más felices de mi vida porque en la televisión publica se va a dar un contenido de danza que considero que es muy importante para este país. Un contenido de danza donde se van a reflejar los valores reales de la danza y los trabajos que grandísimos profesionales están haciendo hoy en día", ha apuntado. Antonio Najarro ha estado acompañado en la presentación por algunos de los invitados del programa, como el director de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín de Luz; Eugenia Eiriz, directora de la Fundación Antonio Gades y la actriz María Esteve (hija del bailarín Antonio Gades); el coreógrafo Dani Pannullo; Paul y Caterina Oteyza; el dramaturgo Alberto Conejero y la bailaora y coreógrafa Blanca del Rey, quienes han expresado la importancia de esta serie documental. "El programa responde a una necesidad y a un anhelo que teníamos hace décadas. Me alegra mucho que nuestra televisión pública haya sido al que ha permitido que esta deuda que teníamos con la danza se cumpla. Es importantísimo este programa porque va a despertar muchas vocaciones (...) y va a legitimar al oficio", ha apuntado Conejero. En opinión de Joaquín de Luz, 'Un país en danza' es el programa que "todos hemos querido durante mucho tiempo" y que ayudará a "quitarle la etiqueta a la danza de elitista y llevarla al pueblo". Para Antonio, el principal objetivo es que la gente en sus casas "se enganche a la danza", esa disciplina que "no tiene trampa ni mentira", que "es repetición, constancia y es mucho amor a lo que se está haciendo". MERCEDES ALBI

El coreógrafo y bailarín, uno de los máximos referentes de la danza española actual, presenta en estreno absoluto su espectáculo Entre hilos y huesos, estarán el la Sala Roja de los Teatros del Canal del 7 al 10 de octubre. Un viaje bailado por la historia de España que propone una visión sincrética, feminista y desprejuiciada de nuestro pasado, y da voz a artistas que cayeron en el olvido El espectáculo es una coproducción de la compañía DDCdanza y los Teatros del Canal Lo que la pasión política o la guerra desgarran lo puede coser el arte, con sus manos aladas, con su aguja y su hilo sutiles e invisibles”. Con estas palabras presenta el coreógrafo y bailarín Daniel Doña (Premio Max en 2009 y 2019, entre otros reconocimientos) su último trabajo junto a su compañía DDCdanza: Entre hilos y huesos, idea original de Doña que también dirige la pieza junto al bailarín Jordi Vilaseca y que cuenta con los coreógrafos invitados Manuel Liñán y Marco Flores, y con la composición musical original de Antonia Jiménez, Carlos Cuenca, Jose Luís López y Paco Cruz. Entre hilos y huesos es un acto poético acerca de la libertad, la lucha y la memoria a través de la danza y se cimenta sobre el corpus artístico e intelectual de las vanguardias españolas a lo largo de diferentes etapas: la II República, la guerra civil, el franquismo y la democracia. La pieza propone una manera alternativa de leer la historia de España, con una visión sincrética, feminista y desprejuiciada. “Entre hilos y huesos es un viaje bailado a través de nuestra historia: vanguardia, danza de guerra y antivanguardia, pero también un ejercicio de memoria que enfoca hacia esos puntos ciegos de nuestro pasado, hacia las voces de los artistas que cayeron en el olvido”, explica Doña. La última propuesta escénica del coreógrafo y bailarín podría calificarse así de arqueológica ya que sigue las huellas artísticas de creadoras y creadores del siglo pasado de distintos ámbitos: de Federico García Lorca, a Antonia Mercé, Manuel de Falla, Miguel Hernández, Maruja Mallo, Picasso, Carmen Amaya, Buñuel o Pilar López. La pieza reúne al baile a Sara Jiménez, Jordi Vilaseca, José Alarcón, Miranda Alfonso, Cristian Martín y al propio Daniel Doña; al cante, Inma La Carbonera y David Vázquez; a la guitarra Antonia Jiménez y Paco Cruz; al violonchelo José Luís López; y a la percusión Nasrine Rahmani. Entre hilos y huesos cuenta además con los diseños de iluminación de Olga García, de sonido de Kike Cabañas, de vestuario de Belén de la Quintana, de máscaras de Ricardo Vergne, y con el espacio escénico de Elisa Sanz. Sobre Daniel Doña Daniel Doña (Granada, 1977) se ha consolidado como un explorador inagotable de movimientos, tradiciones y vanguardias. Sus trabajos se despliegan como territorios ilimitados en los que la danza española renovada, el flamenco y la danza contemporánea dialogan entre sí y con otras disciplinas artísticas. En 2004 crea su primera pieza, Estación seca, a la que sigue Haz conmigo lo que quieras (2008), su primer trabajo para espacios no convencionales. Entre 2005 y 2011 dirige junto a Olga Pericet y Marco Flores el colectivo Chanta la Mui, una “de las aventuras artísticas más interesantes del baile flamenco español”, según el diario La Razón. Al frente de su compañía DDCDanza desde 2013, ha creado espectáculos como A pie (2013), A pie de calle (2014), Black Box (2014) No Pausa (2015), Nada Personal (2016), Hábitat (2016), Cuerpo a cuerpo (2017), Psique (2018), Campo Cerrado (2020), Retrospectiva 2.0 (2020) y ahora Entre hilos y huesos (2021). La crítica La crítica especializada lo ha calificado como “uno de los coreógrafos más innovadores de nuestra danza” (ABC), destacando su trayectoria como “honrada, sin engaños, novedosa y abierta, pero perfectamente cimentada en una gran preparación técnica y de conocimientos clásicos y flamencos.” (EL DIARIO DE NAVARRA). Los premios En 2016 recibe el Premio El Ojo Crítico de Danza por su “continua evolución de estilos, por abrir nuevos caminos, desarrollar una voz propia de autor y beber de la Danza Española para proyectarse hacia la contemporánea”. Es además Premio Max a la Mejor Coreografía 2009, Premio HEBE de Honor 2016 y Premio MAX al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2019. Los escenarios Daniel Doña ha subido su danza sincrética, desprejuiciada y libre a los más importantes escenarios del mundo, entre los que destacan la Ópera de París, el Sadler’s Wells de Londres, la Ópera House de Sidney, el New York City Center, el Teatro Mella de La Habana, el Teatro Clásico de Mérida, el Palau de la Música de Barcelona, el Festival de Jerez, el Festival de Otoño de Madrid, el Festival Internacional Madrid en Danza, el Festival Tanzaus, el Festival Iberoamericano de Bogotá y la Bienal de Sevilla, entre otros. Una historia de amor Dice que “llegó a la danza por casualidad y se quedó por amor”. Tenía 5 años cuando acompañó a su madre a recoger a su hermana en la escuela del barrio. Recuerda el olor, los sonidos, la disciplina de los cuerpos, el movimiento como un lenguaje más poderoso que la palabra. Con 8 años se matricula en la Escuela de Danza Maite Galán y con 14 comienza a bailar profesionalmente. Es titulado por el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, ha formado parte del Ballet Nacional de España y sido bailarín solista en algunas de las compañías más importantes del país como la de Antonio Márquez, la de Rafaela Carrasco y Teresa Nieto en Compañía. Es habitual encontrarlo en la cartelera como bailarín y coreógrafo compartiendo trabajos junto a Olga Pericet, Manuel Liñán o Marco Flores y ha sido maestro invitado en el Ballet Nacional de España, coreógrafo invitado en el Ballet Nacional de Cuba, la compañía de Miguel Ángel Berna e Ibérica de Danza, entre otras muchas formaciones. Pedagogía y compromiso con los nuevos creadores Desde el año 2014 es codirector y fundador junto a Teresa Nieto del Certamen Coreográfico del Distrito de Tetuán de Madrid. En 2015 ingresa en la Academia de las Artes Escénicas de España y desde el año 2017 es colaborador habitual en el programa A COMPÁS de Radio Nacional de España, con una sección propia, “Aula de Flamenco”. Comprometido con los artistas emergentes y las nuevas generaciones de bailarines y coreógrafos, imparte talleres y seminarios en distintas instituciones nacionales e internacionales. Entre hilos y huesos Del 7 al 10 de octubre en los Teatros del Canal Entradas Fotografías _© marcosGpunto