Un verdadero placer es dejarse sorprender, siempre desde la butaca, con la exhibición de piezas que la Muestra Coreográfica de Beta Pública -que este año ya va por la octava edición- nos ofrece. Y es que partimos de una excelente selección de obras ya que, según cuenta su directora artística, Pilar Villanueva, “se han presentado tantas y tan buenas, que ha sido difícil escoger. Si pudiera, montaba mañana mismo otra muestra coreográfica buenísima con las que no pudimos traer”. A la selección se presentaron 130 trabajos de los que pasaron al escenario solo 5, más la Pro- Beta, que es un proyecto en ciernes, un embrión de algo que se está construyendo. La muestra es una ventana a la que nos asomamos cuando se levanta el telón. Nos brinda la posibilidad de viajar sin movernos a través de las tendencias más actuales de la danza contemporánea, que nos llegan en tiempo real desde diversos lugares del mundo. DU-ENTRO (Barcelona) – “Du-Entro PROJECT” Beatriz Cubero y Matilde Casini comienzan juntas su proyecto con una pieza que habla de la soledad. Es una creación muy reciente que data del pasado mes de noviembre. La estrenaron en Zaragoza en el festival “Pies para que os quiero”, ambas residen en Barcelona y bailan en la compañía FRE3BODIES, aunque Matilde es de Liborno. La idea surgió en el período de aislamiento que surgió con el coronavirus y que nos condujo a una situación de aislamiento. El elemento escenográfico que usan es un banco, pues tal como me cuenta Beatriz, observó cómo los bancos de la Rambla estaban vacíos, nunca se sentaba más de una persona y lo escogió como signo de lo que querían contar. La soledad sumerge a Beatriz en una inercia que Matilde, que simboliza el mundo exterior, trata de romper. La bailarina italiana “representa la persona que intenta sacarte de la burbuja en la que te has sumergido, porque hay mucho en el exterior, nos queda mucho por ver…”. Este proceso de reconexión y deseo de retomar la vida, de salir de la zona de confort es lo que hace evolucionar Du-dentro. PRO.BETA BOK (Madrid) – “BOK” Bok Colectivo es el embrión de lo que es y tal vez pueda llegar a ser, pues nada más aparecer en el escenario, el público quedó arrebatado por la energía que desplegaban estas jóvenes estudiantes de 4º curso del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma. Se llaman: Raquel Zamora, Sofía Revenga, Mónica Plaza, Paula Cedillo, Sofía García y Marina López. “Desde que nos conocimos congeniamos muy bien y comenzamos… No teníamos ninguna finalidad, simplemente fuimos investigando movimientos y hemos ido a donde nos ha llevado la música”, cuenta Raquel. La música de Kepa Junquera fue el hilo conductor de todo. Es una fusión de danza vasca y contemporánea con la que desarrollaron una serie de movimientos influidos por el folklore vasco, aunque siempre dentro del lenguaje contemporáneo. “Hemos metido movimientos más percutidos para darle un aire no tan fluido como el que suele requerir el estilo contemporáneo”, explican. Su sueño está en fase de construcción y sus caminos y objetivos es muy posible que las separen: “A mí me gusta bailar, no coreografiar”, “Yo quiero ir a USA para estudiar el método Martha Graham”… Pero en lo que sí están absolutamente de acuerdo es que quieren vivir por y para la danza. Javier Rodriguez Cobos (Madrid/Suiza) – “Lonesome Lisa” Todo un acontecimiento recuperar a Javier Rodríguez , este artista madrileño que desde las filas de la CND, y bajo dirección de Nacho Duato, se marchó al Ballet del Rhin, está desde más de una década en el elenco del Ballet de Basilea (Suiza) donde compagina su carrera de bailarín con sus trabajos coreográficos. Nos cuenta que le hace mucha ilusión mostrar un extracto de su ballet “Night Shift” (Turno de noche), es un solo titulado “Lonesome Lisa”. Javier concibió la obra durante su estancia en un centro hospitalario a consecuencia de una lesión. Y en ese "impasse" sintió distintas emociones que plasmó en esta creación. Posteriormente, la pandemia posó casualmente su foco en los sanitarios y en los hospitales y completó su visión. La bailarina es Lisa Horten, compañera suya en Basilea, aunque de nacionalidad noruega. Ella interpreta a una enfermera que experimenta las sensaciones que la espera genera y oscilan entre el aburrimiento y la curiosidad de explorar esa nueva circunstancia. Todo tiene una carga de positivismo y humor, pero sobre todo gran técnica dancística e interpretativa al compás del único sonido de las agujas del reloj. “Night Shift “ fue estrenado en Basilea el pasado mes de agosto, cuando fueron abiertos los teatros, pero según nos cuenta Javier, todos los teatros de Europa han permanecido cerrados y se siente orgulloso de que Madrid haya sido la gran excepción. “Hemos sido por una vez un referente de apoyo a la cultura”. No bautizados (Madrid/Ucrania/Chile) – “Lo invisible” El nombre de la compañía “No bautizados” de alguna manera quiere significar que “mezclamos lenguajes y no nos atenemos a los códigos, no somos ortodoxos”, nos cuenta Rolando Salamé que junto con Katia Humenyuk han creado la pieza “Lo invisible”. Se estrenó en 2018 con una duración de 40 minutos y ganaron el Premio Bionic, que les dio el empujón para seguir evolucionándola, y al año siguiente la presentaron en el Festival Gatadans y otros escenarios. No es lo que expresamos sino el hecho mismo de habernos conocido lo que nos dio pie para anhelar contar algo juntos. Roland es chileno y Katia, ucraniana, aunque viven en Madrid. Están muy compaginados, tan profundamente que se siente en escena. “Lo invisible” fusiona a ambos intérpretes como si se tratase de un único ser. Es la relación que se entabla con uno mismo, en ese conflicto permanente del ser humano con su entraña, el hombre con su propia sombra…”, nos cuentan. Ellos se mueven por el deseo de crear sin un objetivo concreto más allá de la necesidad de expresar, pues tienen mucho que contar, “nos suceden cosas que queremos transmitir con nuestro propio lenguaje sobre un mundo que a veces no comprendemos, y que sentimos que a veces va incluso contra la vida misma”. La Basal (Madrid) – “MudarseInstalarse” La Basal, es un colectivo de jóvenes creadoras de la que en esta ocasión exhiben la pieza “MudarseInstalarse, a cargo de tres intérpretes-creadoras: Claudia Bosch, Luna Sánchez y Aurora Constanza. Ellas se conocieron en el Conservatorio Superior de Danza, y aunque vienen de ciudades diferentes (Barcelona, Cádiz, y Basilicata –Italia) llevan 5 años viviendo en Madrid. “Con este colectivo empezamos 2018. Somos 7 socias y no estamos en todas la piezas, nosotras tenemos un trío, pues no siempre estamos todas en todo". MudarseIntalarse se basa en un texto de Georges Perec, un escritor que juega mucho con los espacios en sus libros, y encontrar su texto titulado “especies de espacios” les aportó la motivación creativa. “Nuestra generación está supeditada a un cambio constante y se enfrenta a un futuro incierto. Reflexionamos sobre esta mudanza continua a la que estamos condenados. Sin embargo, sabemos lo que deseamos, pero en esta sociedad líquida y cambiante, el camino para conseguirlo es incierto, nos somete a un ir y venir constante, por lo que esa forma de bucle se expresa en la coreografía.” Algo muy original fue el modo de escoger la música, porque primero hicimos la danza con un metrónomo y a posteriori, basándose en nuestros movimientos, Francesco Torrado compuso la música, que es electrónica y experimental. Podemos decir que ha sido la música la que ha venido a nosotras. Una experiencia maravillosa”. OUPS Dance Company (Francia) – “Pardon!” Emilie Joneau y Clémence Juglet vienen de París, su compañía Oups Dance es de reciente creación en julio del 2019. Fundada en 2019, se propusieron como objetivo estimular la creación artística, cultivar la originalidad y desarrollar el acceso a la cultura de la danza contemporánea - electro garantizando al público -aficionado o neófito- hacia una experiencia única y poderosa. Las dos jóvenes intérpretes y coreógrafas sienten la necesidad de desarrollar espectáculos muy dinámicos, como lo ha sido este extracto de su obra “Pardon” que es una protesta llena de rebeldía, por no ser como la sociedad y el mundo esperan que una sea. Se alejan de los clichés impuestos y parodian con frenesí y humor su paso a dos. El próximo mes de septiembre la mostrarán completa en la ciudad de Blois. Están muy contentas de poder bailar en Beta Pública, y ansiosas de volver a conectar con el público real, ya que en Francia los teatros estaban cerrados desde octubre. En “Pardon” nos disculpamos con nuestro propio lenguaje de la falta de aceptación de nuestro físico, nuestra mentalidad, de no ser como tú quieres sino como yo realmente soy. Es una búsqueda de nuestra propia identidad, porque queremos romper con los estereotipos. Yo soy un poco grande, ella un poco pequeña, en teoría nuestros tamaños son discordantes porque en danza se requiere la uniformidad. Estamos rompiendo cánones. Ese es nuestro mensaje de libertad que deseamos resuene y se comprenda en todas las culturas porque el lenguaje de la danza es universal”. Sofía Nappi (Italia) – “Reva” Cerró el festival una pieza de Sofia Nappi, un solo bailado por Paolo Piancastelli, que efectúa sobre escena una magnífica dualidad de personajes. Sofía pensó qué sucedería si de repente un día te despiertas y has perdido tus más preciadas cualidades personales… En realidad esa forma de despojarse nos conduce a conocer que somos la misma persona, independientemente de las condiciones que se reúnan en cada momento. Es un duelo entre el personaje viejo, que también es el mismo joven que ha sido. Sofía tiene una destacada carrera internacional desde que se graduara en el Alvin Ailey American Dance Theater, y sus coreografías han obtenido numerosos galardones. Recientemente su último dúo “Dodi” fue seleccionado en la International Choreography Competition Hannover 2021. MERCEDES ALBI Fotografías, Alba Muriel

El pasado 7 de mayo terminó el rodaje de Hasta el Alba, un documental dirigido por Horacio Alcalá que se adentra en los procesos creativos de la CND y en la Giselle de nuestro director, Joaquín De Luz Una extraordinaria experiencia que comenzó a principios de temporada y culminó con los rodajes en la Biblioteca Nacional de España, el pasado 24 de abril, y en el plató Oscylight (Loeches, Madrid), el pasado 7 de mayo. A partir de ahora comienza el trabajo de montaje y edición. Hasta el Alba. Equipo: Director: Horacio Alcalá Director de fotografía: Juan García Productora: Silvia Martínez Actriz: Lucía Álvarez Montador: Nacho Ruiz Capillas Etalonaje: Óscar Morillas Sonido: La Bocina Sonido directo: Mar González y Coque Ayudante de dirección y texto: Blanca Tormo Operadores de cámara: Leyre Mira e Ignacio Barreto Ayudante de cámara: Adrián Seguí Ayudante de producción: Roger Vericat Iluminación: Cinelux Maquillaje: Milena Bono Cámaras: weLab Delivery: Keyframe Servicios Audiovisuales Fotos Alba Muriel

"LA VIDA ES UN ROMANCE" de la bailaora y coreógrafa MARÍA JUNCAL, que se estrenará hoy día 21 en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid y que estará en cartel todos los viernes, sábados y domingos, hasta el 4 de julio. María Juncal ha contado con la dirección artística de Ángel Rojas, y el asesoramiento coreográfico de Jesús Carmona. Sobre textos de Jesús Corbacho, la música es de Óscar Lago con la colaboración de Ricky Rivera en "La piel sin mácula"; acompañan a María Juncal, en la guitarra Pino Losada en la percusión Lucky Losada y los cantaores Juan Triviño, Juañares y Saúl Quiros. El vestuario es de María Lafuente, la iluminación de Tito Osuna y la escenografía de Paulina Ramos. Un talentosísimo equipo que hacen que este espectáculo sea pura magia, belleza y sentimiento; y María Juncal, la esencia misma del arte. Acceso compra entradas

José Miguel Onaindia, distinguido gestor cultural, agente y programador cultural y una eminencia en el ámbito de la cultura internacional, viajará desde Montevideo hasta Colombres para vivir el proceso de producción de la obra de danza teatro “De Vuelta a España”, que este año promoverá el Encuentro Con Los Maestros en Colombres. Gracias al Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) en la modalidad de Visitantes de Acción Cultura Española (AC/E) y al apoyo del Ayuntamiento de Ribadedeva, el programador cultural argentino, director el Festival Internacional de Artes Escénicas de Uruguay (FIDAE), se encontrará con los artistas españoles Maribel Gallardo (bailarina emérita y Maestra repetidora del Ballet Nacional de España), Currillo Franco (Maestro de flamenco en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma), Eduardo Martínez (primer bailarín del Ballet Nacional de España), Ángel Rojas (bailarín y coreógrafo español director de la compañía Ángel Rojas Flamenco Project) y Alejandro Torregrosa (director teatral y coguionista de la obra de danza teatro “De Vuelta a España” que se producirá y mostrará este año en Colombres) y podrá conocer toda la oferta creativa que se desarrolla con las nuevas generaciones de músicos y bailarines en la convivencia artística. Para ello, María Herrera, organizadora y directora del Encuentro Con Los Maestros, prepara, también, la I edición del Certamen de música y danza española para jóvenes intérpretes y creadores Ribadedeva En Danza, que se programará el día 20 de agosto de 2021 en la Villa Indiana, para mostrar las propuestas creativas de los jóvenes que participen en el Encuentro Con Los Maestros y, quien sabe, si algunas podrán ser elegidas por José Miguel Onaindia para incorporarla en sus programas. En todo caso, los participantes en el Encuentro Con Los Maestros que concurran al Ribadedeva En Danza podrán optar a una beca de formación extraordinaria en el Ballet Nacional de España, o en la compañía del famoso bailarín y coreógrafo Ángel Rojas, o a ser contratados como coreógrafos en la próxima edición del Encuentro Con Los Maestros. Este año, además, se podrá asistir en Colombres a un nuevo concierto lírico a cargo de la soprano Thalía Garrido y, si se consiguen los apoyos necesarios, también se programarán las propuestas coreográficas “Pensando a Lorca” y “La Escuela Bolera en Palacio”, de los jóvenes bailarines y coreógrafos Javier Moreno y Cristina Cazorla, respectivamente, que mostrarán sus compañías de danza. Habrá otros conciertos y actuaciones y el día 27 de agosto, María Herrera volverá a organizar la ya tradicional cena solidaria, que este año se hará a favor de Cáritas Ribadedeva, organización que recoge y distribuye las ayudas destinadas a las familias afectadas por la COVID 19 en el concejo asturiano. Para terminar, el día 28 de agosto se llevará a cabo el estreno absoluto en Colombres de la obra de danza teatro “De Vuelta a España”, con guion de Victoria Candel y Alejandro Torregrosa, dirección teatral de Alejandro Torregrosa, dirección coreográfica de Ángel Rojas, Currillo Franco, Eduardo Martínez y Maribel Gallardo (que compartirá escenario con el elenco formado por las nuevas generaciones de músicos y bailarines) quienes contarán con la colaboración de los jóvenes intérpretes y coreógrafos Javier Moreno, Cristina Cazorla y Santiago Galguera, este último músico y danzarín tradicional que aportará el folclore asturiano a la obra. "El encuentro con los maestros" tendrá lugar en Colombres (Ribadedeva – Principado de Asturias) Del 16 al 30 de agosto de 2021 &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Dos creadores de BETA PUBLICA con amplia experiencia internacional impartirán dos MasterClass que puedes verlas o hacerlas." Pilar Villanueva, Directora Artística / Artistic Director La VIII Edición de la Muestra Coreográfica BETA PUBLICA será realidad los días 22 y 23 de mayo a las 19.00 en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid. Si quieres asistir presencialmente a alguna de las dos funciones, apresúrate a comprar tus entradas Además, BETA PUBLICA ofrece una MasterClass el domingo 23 de mayo a partir de las 12.00 desde el escenario del C.C. Paco Rabal, EXCLUSIVAMENTE EN ONLINE GRATUITO. Aprenderéis las técnicas de cada uno de los coreógrafos que podéis ver, antes o después, en las funciones. Además las propuestas y ejercicios que propondrán cada uno de los creadores son apropiadas para cualquier nivel de danza. ¿Cómo participar en la MasterClass? Entra en betapublica.org y clica en el botón "MasterClass" disponible el domingo 23 La retrasmisión será a las 12.00. Podrás hacer donaciones para apoyar a la Asociación. La VIII Edición de BETA PUBLICA incluirá 7 piezas seleccionadas entre las más de 130 presentadas. Los creadores y piezas seleccionadas han sido : PRO.BETA BOK (Madrid) – “BOK” BETA DU-ENTRO (Barcelona) – “Du-Entro PROJECT” Javier Rodriguez Cobos (Madrid/Suiza) – “Lonesome Lisa” No bautizados (Madrid/Ucrania/Chile) – “Lo invisible” La Basal (Madrid) – “MudarseInstalarse” OUPS Dance Company (Francia) – “Pardon!” Sofía Nappi (Italia) – “Reva” &&&&&&&&&&&&&&&&

La llegada de los Ballets Rusos a España inaugura una época de mutuo enriquecimiento cultural tan fructífera que impregnará la evolución de todas las artes en la primera mitad del siglo XX. Si bien, es preciso matizar que el influjo de la danza española se había dejado sentir en Rusia mucho antes del histórico momento en que la compañía de Diaghilev desembarca en Cádiz, el 6 de mayo de 1916. Un primer nexo de unión directa es el establecido por el gran coreógrafo francés Marius Petipa, cuya estancia en España ha sido estudiada con detalle por la bailarina Laura Hormigón en su libro “Marius Petipa en España, 1844-1847", cuya meritoria labor de investigación histórica ha desvelado con absoluta certeza el tiempo que permaneció el coreógrafo en nuestro país, y las razones de índole amorosa que le hicieron aceptar precipitadamente un puesto en el Ballet Imperial de San Petersburgo. Pero Marius Petipa nunca se olvidó de España y creó varios grandes ballets de tema español (“Don Quijote”, “Paquita”, “Soraya, o una mora en España”…). Además, el célebre coreógrafo siempre solía introducir una danza española en todas sus obras; Es, por tanto, un hecho evidente que sin la influencia de lo español las grandes obras del repertorio del ballet clásico no serían tal y como son. Obsérvese a modo de curiosidad en esta imagen de 1900, a María Petipa portando en sus manos unos crótalos, influencia probable de las castañuela española que tanto admiraba su padre. Pero la afición por lo hispano no se extingue con Petipa, sino que es asumida por la siguiente generación de coreógrafos rusos. Así Mihail Fokine -primer coreógrafo de los Ballets de Diaghilev- ya había utilizado lo español en varias de sus creaciones en San Petersburgo: títulos como el ballet “Sevilla” con música de Albéniz, estrenado en San Petersburgo en 1906; la “Danza española” de Bizet; y la “Jota aragonesa” de Glinka. María Kousnezova Un personaje de excepción en este intercambio cultural fue la soprano y bailarina rusa María Kousnezova. La artista, que se refugia en nuestro país al estallar la primera guerra mundial, llegando a formar parte del elenco del Teatro Real de Madrid entre los años 1914 a 1916. Ella fue uno de los personajes más destacados la vanguardia artística del momento. Cuando presenció el estreno de “El amor brujo” en el Teatro Lara (1915) -tal y como recoge el historiador Pedro Almeida Cabrera- quedó gratamente impresionada, dando comienzo a una estrecha colaboración con el pintor grancanario Néstor de la Torre, autor del vestuario y decorados de la producción. Pero, ¿Quién era está espectadora, amiga de Pastora Imperio y alumna de danza española en la acedemia de Julia Castelao, a la que Igor Stravinsky describe como una mujer “tan apetecible de contemplar como de escuchar”? María Kousnezoff (1880-1966) nació en Odessa: Era hija de un famoso pintor de retratos, y se educó en la Escuela Imperial de San Petersburgo. Había sido, por tanto, alumna de Mihail Fokine y compartió aulas con los grandes bailarines de su tiempo como Pavlova, Nijinsky y Karsávina. Pero su arte no se reducía a una única especialidad. Su prodigiosa voz de mezzosoprano la hizo abandonar el ballet para dedicarse más plenamente al canto. En 1909 hizo su debut en el Teatro Mariinsky como la Margarita de la ópera “Fausto”, obteniendo gran éxito, siendo desde entonces durante varios años estrella del Teatro de la Ópera Imperial. Mujer de gran belleza y de temperamento apasionado, aficionada a los motivos exóticos, ofrece una muestra de ello con el seudónimo artístico que empleaba: “La pantera negra”, con el que signaba hasta los membretes de la correspondencia. María Kousnezoff fue amante del pintor Léon Bakst, que le confecionó diseños para sus actuaciones, y su relación con los Ballets Russes de Diaghilev fue muy estrecha. En diversas ocasiones Diaghilev había contratado para interpretar el papel de Sherezade. También contó con ella como mujer de Putifar, la protagonista femenina del ballet “La leyenda de José”, estrenado durante la temporada de 1914 en París. Otro español, el pintor José María Sert fue el encargado de realizar las escenografías y los figurines de la obra, cuya música fue compuesta por Richard Strauss, siendo este el único ballet de su legado compositivo; sin olvidar que fue el primer ballet en el que actuó Massine, un joven que terminaba de descubrir Diaghilev entre las filas del Bolshoi, y que estaría destinado a ser uno de los grandes artistas de la danza del siglo XX. Néstor “sucesor” de Leo Bakst En el momento en que María Kousnezoff asistía en Madrid al estreno del “El amor brujo”, la artista se encontraba ultimando los preparativos para la creación de su propia compañía. Al conocer los diseños de Néstor, toma inmediatamente la decisión de encargarle los figurines para el vestuario de “La maja” título del espectáculo que organiza, a fin de emprender una gira por América a iniciativa de la Asociación de la Gran Ópera de Chicago. En “La maja” María Kousnezoff cantaba, bailaba y tocaba las castañuelas acompañada de una orquesta de más de cien músicos dirigidos por el maestro Lasalle, con canciones de Granados, Albéniz, José Serrano, y otras del folklore tradicional español. Así, después del estreno en el Teatro Romea de Madrid, el espectáculo viaja al Teatro Auditorio de Chicago. Fue algo grandioso e injustamente olvidado, ya que gracias a esta gran artista rusa se exhibía por primera vez en Estados Unidos una muestra de lo mejor de nuestra cultura. La prensa americana se hizo eco del gran éxito obtenido con “La maja” y alaban la labor de Néstor calificándolo como el escenógrafo español con mayor talento y visión de modernidad del momento. En un artículo publicado por el crítico Hernan Devries en el “Chicago Evening American” (28 de febrero de 1916) titulado “Kousnezoff has triumph at concert” se llega a denominar a Néstor como “The spanish Leo Bakst ”. También la crítica española había descrito la belleza del vestuario: “Vistió tres trajes a cual más original. El primero era de gasas blancas, sobre las que flotaban tres grandes volantes de gasa color pensamiento orlados de seda rosa y encaje de oro; el cuerpo de una seda rosa estaba bordado en alamares alamares de oro como un traje de torero; altísima peineta de oro cincelado surgía de entre sus cabellos negros, que velaban una mantilla de blonda de colores digna de un museo; un abanico estilo isabelino y espléndidas joyas de rubíes y brillantes complementaban el traje, en el que Néstor ha juntado con feliz originalidad, la moda de Goya para el busto, y la de Madrazo, para la falda. Otro traje era también de gasa y de seda y en este se combinaban los colores verde y azul zafiro; la peineta muy grande de concha rubia y la mantilla, ancha y flotante de encaje blanco. El tercer vestido era un traje de princesa de terciopelo negro con flecos del mismo color, forrado de seda color naranja”. (El imparcial. 26 noviembre, Madrid, 1916). Al parecer existía un cuarto traje que la artista no utilizó probablemente hasta 1920, cuando se propone difundir la danza española en París con un espectáculo llamado “Una hora de canto y baile español”. Este vestido es el que aparece ilustrando el conocido artículo de Néstor sobre “El traje en la escena” (Suma, 15 febrero, 1916), donde proclama su concepción de la obra escénica como arte total. La amistad entre Néstor y María Kousnezoff se prolongaría durante muchos años más hasta la muerte del pintor. Buena muestra de ello son los diseños para los vestidos de la “Carmen” de Bizet (1923), y los de la “Salomé” (1928) de Richard Strauss. La cumbre de Néstor como escenógrafo sería el encargo hecho por María para la escenografía y vestuario del “Don Giovanni”, montaje que se estrenó en la Ópera de París en 1931, cuyos bocetos y trajes originales son una de las joyas que alberga el Museo Néstor de Las Palmas de Gran Canaria. Un invierno “español” en Estados Unidos Casualmente, en aquel mismo mes de febrero del año 1916 en que María Kousnezoff había estrenado en Chicago “La maja”, se encuentran en el país dos grandes artistas españoles que también tendrían una importante relación de amistad con el pintor Néstor: el compositor Enrique Granados –cuyo retrato es una de las joyas que alberga el Museo Néstor de Gran Canarias- estrenaba “Goyescas” en el Metropolitan Opera House de New York; y Antonia Mercé, la Argentina. Precisamente, Antonia Mercé había viajado a New York para actuar en el estreno de “Goyescas”, pero el empresario dueño del teatro impuso contra la voluntad de Granados a otra bailarina con la que tenía una relación amorosa. El gran músico español, como desagravio a Antonia Mercé, le compuso “La danza de los ojos verdes”. Y la bailarina se vio obligada a buscar otro trabajo, siendo contratada para iniciar una gira que comenzó en el Maxine Elliot Theather on Brodway. La música y la danza española colonizaron los teatros de Estados Unidos en aquel frío invierno de 1916. Pero nadie pudo sospechar una terrible jugada del destino: “La danza de los ojos verdes” sería la última pieza que compondría Granados. Incluso, nunca sabremos, si la falta de participación de Antonia Mercé en “Goyescas”, tal y como inicialmente estaba previsto, fue lo que separó a la bailarina del fatídico naufragio que terminó con la vida del insigne compositor. Es de sobra conocido que a su regreso a Europa, el barco en el que viajaba Enrique Granados fue torpedeado, e intentando salvar a su esposa, ambos perecieron ahogados en las aguas del Canal de la Mancha. Enrique Granados murió a los 46 años de edad, después de alcanzar su clamoroso triunfo internacional en Metropolitan Opera House de New York. MERCEDES ALBI

El Ballet Nacional de España lleva la escuela bolera a Zaragoza y Pamplona dentro del programa ‘Invocación’ El programa, que ofrece una visión global de la danza española, rinde homenaje también a Mario Maya Las funciones están programadas los días 7 y 16 de mayo en el Palacio de Congresos de Zaragoza y Baluarte de Pamplona El programa Invocación que el Ballet Nacional de España representará los días 7 y 16 de mayo en Zaragoza y Pamplona incluye una de las escasas coreografías de escuela bolera creadas en los últimos años. En Invocación bolera, el director de la compañía pública de danza española, Rubén Olmo, actualiza la esencia de la escuela bolera tradicional, además de rendir un homenaje a los grandes maestros que marcaron la línea a seguir de este estilo: Mariemma, Ángel Pericet y Antonio el Bailarín. Este estilo de danza española también es conocido como danzas goyescas porque el vestuario, con pantalones por la rodilla para los bailarines y faldas de vuelo y redecillas en el pelo para las bailarinas, recuerda el de los personajes populares representados por Goya en sus cuadros. Los bailes boleros proceden asimismo del siglo XVIII, cuando eran danzas populares que se bailaban en romerías y verbenas. Con el tiempo se fueron complicando e incorporando técnicas del ballet clásico hasta llegar a los teatros de toda Europa en el siglo XIX. Actualmente, la escuela bolera es una de las disciplinas más difíciles de la danza española por la rapidez de sus pasos y la necesidad de dominar también las castañuelas o palillos. La música de Invocación bolera es una composición contemporánea original para esta pieza encargada por el Ballet Nacional de España al joven compositor y director de orquesta sevillano Manuel Busto. La grabación que se podrá disfrutar en Zaragoza y Pamplona es la realizada por la Orquesta de Extremadura bajo la dirección del propio compositor. El vestuario fue diseñado por Pedro Moreno para la obra del Ballet Nacional de España Fandango del Padre Soler en 1988 y ha sido adaptado por el propio diseñador para esta obra. La actuación del Ballet Nacional de España en el Palacio de Congresos de Zaragoza el 7 de mayo forma parte del ciclo Música para Goya. De salones, tonadillas y fandango. La Diputación de Zaragoza y el Gobierno de Aragón han programado diversos conciertos y espectáculos de danza inspirados en la época goyesca para conmemorar el 275 aniversario del nacimiento del pintor. La compañía pública no actuaba en Zaragoza desde 2006. La visita a Pamplona no se ha hecho esperar tanto. Aunque hace solo tres años desde la última vez que la compañía actuó en la capital navarra, las localidades para la única representación en Baluarte, el 16 de mayo, ya se han agotado. De la escuela bolera al flamenco Invocación bolera está incluida en el programa Invocación, una visión global de la danza española, incluyendo la mayor parte de sus estilos, que el Ballet Nacional de España estrenó en marzo de 2020 en la clausura del Festival de Jerez. Tras la pausa obligada por el confinamiento, este programa ha viajado a Albacete, Pozuelo de Alarcón (Madrid) y Terrassa (Barcelona). “Es un programa muy completo en el que se puede disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario, un ballet de la más pura danza estilizada y una de las escasas coreografías recientes de escuela bolera”, afirma Rubén Olmo. También de Rubén Olmo, con música de Manuel Busto, es Jauleña, un solo interpretado por el director del Ballet Nacional de España que entrelaza varios estilos de danza, con especial protagonismo del zapateado y la granaína. Completa la primera parte del espectáculo Eterna Iberia, de Antonio Najarro. Estrenada por el Ballet Nacional de España en 2019, se trata de una coreografía de danza estilizada que utiliza con brillantez elementos tradicionales de la danza española como la capa y el sombrero cordobés. La música fue compuesta originalmente por Manuel Moreno Buendía para el ballet Eterna Castilla, de Antonio Ruiz Soler, y editada posteriormente en forma de suite con el título Celtiberia. El sofisticado vestuario de Yaiza Pinillos representa la riqueza de nuestro territorio con la utilización de los colores azul, verde y granate para representar tres de nuestras riquezas: el mar, los olivos y el vino. El programa Invocación supone, además, la primera vez en su historia que la compañía pública incluye en su repertorio una coreografía de Mario Maya, bailaor, coreógrafo y maestro fallecido en 2008. Mario Maya es un referente en el mundo de la danza española por su genialidad y sensibilidad. Fue un pionero, autor de montajes arriesgados e innovadores y uno de los investigadores más incansables de nuestra época. “Con De lo flamenco, Mario Maya refrescó en 1994 la forma de hacer y de sentir el flamenco en el escenario, sobre todo con una gran compañía de bailarines. Este montaje, estrenado por la Compañía Andaluza de Danza, actual Ballet Flamenco de Andalucía, de la que fue el primer director, marcó un antes y un después por su estilización, frescura y movimiento. Aun ahora sigue siendo innovador y totalmente diferente al resto”, asegura Rubén Olmo. El montaje de De lo flamenco que el Ballet Nacional de España representa añade al original de Mario Maya, Milagros Menjíbar y A. Rueda ‘Toná’ la coreografía Los cinco toreros de Manolo Marín y dos obras nuevas creadas por dos colaboradoras habituales de Mario Maya: Romance del emplazado, de Rafaela Carrasco, y Taranto, de Isabel Bayón. También han colaborado artistas que formaron parte del elenco original, desde el maestro repetidor Manuel Betanzos al músico Diego Carrasco. El vestuario es una réplica del original y ha sido pintado a mano por Juan Andrés Amaya. El cuadro flamenco del Ballet Nacional de España, acompañados por tres cantaores invitados, interpretará en directo la música compuesta por Diego Carrasco, Jesús Torres, Moraíto Chico y Los del Río. Invocación Ballet Nacional de España Programa: Invocación bolera, de Rubén Olmo Jauleña, de Rubén Olmo Eterna Iberia, de Antonio Najarro De lo flamenco. Homenaje a Mario Maya, de Mario Maya, Milagros Menjíbar, A. Rueda ‘Toná’, Manolo Marín, Isabel Bayón y Rafaela Carrasco. Palacio de Congresos Zaragoza 7 mayo 2021, 20:00 h. Acceso entradas Baluarte Pamplona 16 mayo 2021, 19:00 h. Entradas agotadas Fotografías Javier Fergo

CARTEL Y ENTRADAS PARA LA VIII EDICION DE BETA PUBLICA LA VIII EDICION DE MUESTRA COREOGRAFICA INTERNACIONAL BETA PUBLICA SE CELEBRARÁ LOS DIAS 22 Y 23 DE MAYO EN EL CENTRO CULTURAL PACO RABAL ¡Ya tenemos los creadores para la VIII Edición de BETA PUBLICA! La VIII Edición de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA, que se celebrará los días 22 y 23 de mayo 2021 a las 19.00 horas vuelve a reunir en el escenario del C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid un programa innovador, sorprendente y atrevido de creadores Internacionales, Nacionales y de la Comunidad de Madrid. El cartel de esta edición tiene un total de 7 piezas cortas, incluyendo una pieza de nuestra sección experimental Pro.BETA donde damos entrada a proyectos de investigación en ciernes. Todas han sido seleccionadas entre las más de 130 que se presentaron este año, para mostrar y poder disfrutar de danza contemporánea con calidad e innovación. PRO.BETA BOK (Madrid) - “BOK” BETA DU-ENTRO (Barcelona) – “Du-Entro PROJECT” Javier Rodriguez Cobos (Madrid/Suiza) – “Lonesome Lisa” No Bautizados (Madrid/Ucrania/Chile) – “Lo invisible” La Basal (Madrid) – “MudarseInstalarse” OUPS Dance Company (Francia) – “Pardon!” Sofia Nappi (Italia) – “Reva” Como declara Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de Beta Publica: “En esta VIII Edición lo hemos vuelto a tener muy complicado para elegir estas 7 piezas entre las más de 130 coreografías de todo el mundo que han participado en el proceso. A destacar la calidad técnica, coreográfica y artística de muchísimas de piezas presentadas” y añade: “Estamos seguros de que, con esta selección de piezas, los espectadores se divertirán y podrán conocer el estado actual y las tendencias de la danza contemporánea”. Ya están a la venta las entradas, a precios populares, para las dos funciones de la Muestra Coreográfica BETA PUBLICA. Acceso entradas Las entradas pueden adquirirse por adelantado en y en la taquilla del Centro Cultural Paco Rabal el sábado 22 y domingo 23 de mayo a las 19.00 los dos días. Además la Muestra ofrece una MasterClass, el domingo 23 de mayo a las 12.00 de la mañana, que será retrasmitida en Live Streamingy en la taquilla del Centro Cultural Paco Rabal el sábado 22 y domingo 23 de mayo a las 19.00 los dos días. Además la Muestra ofrece una MasterClass, el domingo 23 de mayo a las 12.00 de la mañana, que será retrasmitida en Live Streaming.

Programas educativos europeos Erasmus+ Internacionalización de la educación dancística en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma. Por Ricardo Sanz Tur Durante el pasado curso académico 2019-2020, el Equipo Directivo del Real Conservatorio Profesional de Danza Meriemma puso en marcha la propuesta de formar parte del programa educativos europeos Eramus+. La ventaja más importante es la obtención de apoyo o subvención económica para la realización de los proyectos; pero no son desdeñables otras tales como una mayor proyección internacional, entrar a formar parte de redes educativas europeas, la posibilidad de crear asociaciones de centros docentes de danza europeos... Ha de ponerse de manifiesto que, hasta donde tenemos noticia, el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma es el primer centro de enseñanzas artísticas de régimen especial de danza de la Comunidad de Madrid que ha presentado un proyecto Erasmus+. Así pues, apenas había ejemplos previos de proyectos especializados de danza sobre los que basarse. Obviamente, el RCPD Mariemma está abriendo camino en cuanto a programas educativos europeos en régimen especial de danza en el ámbito territorial de la Comunidad de Madrid. Responsables de los programas educativos Eramus+ Al objeto de poner en marcha el proyecto, la directora del centro, Arantxa Carmona, encargó la tarea a la jefa de estudios, Yaiza Clares, y al profesor Ricardo Sanz y Tur, que fue nombrado Coordinador de programas europeos Erasmus+ en el RCPD Mariemma. PRIMER PROYECTO: "Estudiantes de Danza Española del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma en Europa" Consiste en el envío de cuatro alumnos de la especialidad de Danza Española acompañados de una profesora del RCPD Mariemma al único centro docente europeo del que tenemos conocimiento que imparte enseñanzas de Danza Española en Europa. Así pues, se estableció una relación institucional con la Royal Ballet School Antwerp (Real Escuela de Ballet de Amberes), poniéndonos en contacto con el Equipo Directivo del centro (Laura Baaijens y Nadia Deferm) y la profesora de Danza Española. Se trata de una estancia breve, de quince días, tal y como establece las bases del programa. La maestra Eva Moreno es española de origen, ha sido compañera de estudios de varias profesoras de la casa y ha mantenido contacto regular con el Conservatorio Mariemma, con lo que la comunicación ha sido especialmente fácil y fructífera. Para nuestros alumnos, se ha considerado una actividad formativa de valor educativo extraordinario, siendo, además, poco probable la realización de una actividad de estudio en el extranjero fuera del programa Eramus+, por razones socioeconómicas, principalmente. Para los alumnos belgas (Región de Flandes), el programa les ofrece la oportunidad de conocer in situ, en vivo y en directo, el modo de bailar la Danza Española por aprendices de baile enculturados en España, no en Bélgica. En otras palabras, pueden aprender de sus compañeros de clase (aprendizaje entre iguales) cuestiones de técnica e interpretación, de estilo y carácter de la Danza Española de modo directo. Sin embargo, la implementación del proyecto se ha visto truncada con la aparición de la pandemia de la COVID-19 y el posterior confinamiento derivado del estado de alarma decretado por el Gobierno desde marzo de 2020. Se tenía la expectativa de enviar los alumnos a Bélgica a principios de curso, en septiembre-octubre de 2020. No obstante, las actuales condiciones de salud pública, cambios continuos en la legislación general y educativa, los cierres de fronteras internacionales, dificultades de repatriación de alumnos inmersos en un programa Eramus, etcétera, desaconsejan mantener las fechas de viaje previstas, lo cual ha sido valorado como imprudente en las actuales circunstancias. Así pues, a finales de mayo de 2020 se escribió al centro de recepción advirtiéndoles de que se pretendía postergar el proyecto a otras fechas en las que las condiciones de viaje al extranjero sean más favorables. Con fecha 29 de mayo de 2020, el SEPIE (Servicio Español para la Internacionalización de la Educación) hizo público el listado oficial provisional de solicitudes. El proyecto europeo del RCDP Mariemma fue una de las solicitudes admitidas. Ha de ponerse de relieve que los proyectos europeos son súper-competitivos. Hay una primera criba en la que simplemente se valora que el proyecto esté correctamente presentado, que responda a lo que se pide y que se ajuste a las normas europeas. En esa primera criba ya cayeron 76 proyectos. Luego, se evalúa cada apartado del proyecto por separado, y hay que alcanzar una valoración mínima en cada apartado para considerar el proyecto elegible. A más de esto, también se le da una valoración global, en puntos sobre 100. Finalmente, los proyectos se ordenan por orden de puntuación y las Agencias Nacionales cortan en determinada puntuación en función del número de proyectos que puedan subvencionar de acuerdo con los fondos de que disponen. A nosotros nos dieron a la primera 87 puntos sobre 100. Y es bastante raro obtener tanta puntuación en gente novata, y que te seleccionen el proyecto a la primera con tan alta puntuación (notable alto). Así pues, conseguimos el primer objetivo que teníamos, que era superar el proceso de admisión con un proyecto suficientemente bien planteado y riguroso que lo hiciera elegible. Como estábamos en plena pandemia, se habló con el centro para irlo preparando todo para realizar las movilidades cuando la situación mejorara. Y así, a lo largo de todo el curso 2020-2021 se ha mantenido contacto con el centro belga con este objetivo. No obstante, en Amberes-Bélgica han estado igual o peor que nosotros. Decía la responsable belga (Eva Moreno) que, viendo los mapas de infección, si en Madrid salíamos rojos o granates (en función del número de infecciones), en Amberes salían morados. Estaban peor que nosotros en cuanto a número de casos de infección. El Gobierno belga incluyó a España en una lista roja que impedía los viajes, conllevaba cierre de fronteras, etcétera. Esta situación se mantuvo durante meses. Y como, respecto a la pandemia, se han sucedido olas de infección, tras el pico de la tercera ola (enero-febrero de 2021) se habló con el centro belga y se les dijo que se iba a solicitar prórroga. porque este año iba a ser imposible realizar la movilidad presencial. Dicha prórroga fue concedida para el curso 2021-2022. Confiamos en que la vacunación universal permita que la situación pandémica esté más controlada de cara al curso que viene y se puedan realizar las movilidades. Así pues, en marzo-abril del presente curso (estos días) se está procediendo a la selección del nuevo alumnado para realizar la movilidad. Como se decidió que fueran alumnos de cuarto curso de enseñanzas profesionales y ha pasado un curso, se ha descartado a los alumnos del curso pasado y se ha procedido a elegir alumnos nuevos, a ver si el año que viene podemos realizar la movilidad. Nuestro proyecto ha sido financiado con una subvención de 7.656 €. Diseño del segundo proyecto europeo La convicción del Equipo Directivo en la necesidad de dar proyección internacional a la enseñanza de danza, ha sido determinante para embarcarnos en un segundo programa educativo europeo. El segundo proyecto es una Acción Clave 2, consistente en una asociación estratégica entre centros docentes de danza europeos. Concretamente, el proyecto se ha materializado en una Key Action 229 (asociaciones de intercambio escolar). Lleva por título Innovation in dance education, y se enmarca en la variante de intercambio de buenas prácticas. El proyecto está liderado por la Escuela Secundaria para Artes (Hogeschool voor de Kunsten) HAVO/VWO voor Muziez en Dans de Rotterdam, Codarts-Rotterdam (Países Bajos). Ese centro es la división de estudios profesionales (nivel de instituto de educación secundaria) de la reputada escuela de danza Codarts de Rotterdam. La propuesta surge de Sander Tetteroo, director de la Escuela Secundaria para Artes de Rotterdam (Países Bajos). Se trata de una asociación de cinco centros docentes de danza. Participan en el proyecto, además de Codarts-Rotterdam, los siguientes centros: • Escola Artística de Dança do Conservatório Nacional (Lisboa, Portugal); • Sukromne Konzervatorium (Košice, Slovakia); • Lycée International de Valbonne (Cannes, Francia); • RCPD Mariemma (Madrid, España). El proyecto consiste básicamente en poner en contacto a estudiantes, profesores y personal directivo de cinco centros de danza europeos a lo largo de un periodo de dos años, creando de este modo una red europea de centros de danza. La propuesta se organiza en series estructuradas de intercambios (Rotterdam ↔ Lisboa, Rotterdam ↔ Cannes, Rotterdam ↔ Madrid) y en simposios internacionales comunes para todos los participantes. El programa europeo se llevará a cabo con base en intercambios cortos de profesores y alumnos de una semana de duración. Cada socio participante recibirá personal y alumnado holandés. El alumnado holandés se integrará en clases de danza con sus compañeros de curso españoles. El profesorado holandés también impartirá clases en el RCDP Mariemma. Así mismo, el RCPD Mariemma enviará alumnos de entre 15 y 18 años y profesores a Rotterdam en las fechas estipuladas en el proyecto. Los alumnos tomarán clase con sus compañeros neerlandeses y los profesores impartirán clase en el centro holandés (es un intercambio que repite el mismo formato en los dos países). Si el primer proyecto comentado, el KA 102 está destinado a las enseñanzas de Danza Española, este está destinado a las enseñanzas de Danza Clásica y Danza Contemporánea. El proyecto tiene tres ejes básicos orientadores: • análisis curricular; • cuestiones de salud física y mental del alumnado vocacional de danza; • detección del talento dancístico en contextos socioeconómicos poco ventajosos. El proyecto consta de seminarios y ponencias sobre salud del bailarín y medicina específica para las artes escénicas a cargo de la doctora Janine Stubbe, así como simposios breves de intercambio y puesta en común de resultados entre profesionales (equipos directivos y profesorado). Además, contará con la participación de coreógrafos invitados. La fecha exacta del intercambio de alumnos Rotterdam ↔ Madrid está por determinar, pues depende de la evolución de la pandemia de la COVID-19. Puesto que este segundo proyecto se diseñó ya en plena pandemia, se ha tenido en cuenta esta circunstancia (a diferencia del primer proyecto, que se diseñó mes y medio antes de la declaración oficial del estado de alarma). El proyecto fue aprobado en agosto de 2020, inciandose la implementación del proyecto. Ha sido subvencionado con 19.486 € para la parte española, lo que incluye la realización de las movilidades de intercambio alumnos-profesores y la implementación del simposio internacional con los cinco centros de danza. La reunión-simposio tenía fecha fijada para enero de 2022 en Madrid, pero en las últimas reuniones que se han mantenido se ha decidido solicitar prórroga del proyecto. Al igual que en el otro caso, no se pueden realizar las movilidades por culpa de la pandemia. Con que todo se posterga al curso que viene y al siguiente, en el periodo 21-23 (es un proyecto de dos años). Se tiene la expectativa de que el Simposio Internacional se realice en enero de 2023. LA ACREDITACIÓN COMO CENTRO EUROPEO ERASMUS Empezó el curso 2020-2021 y ya teníamos dos proyectos Erasmus en marcha, el belga (KA 102) y la asociación estratégica de cinco centros europeos (KA 229). Y la Agencia Nacional Erasmus española, el SEPIE convocó un nuevo formato de proyecto, el KA 120. Para ello, convocó un concurso de acreditaciones. El proyecto KA 120 es un proyecto de internacionalización del centro para todo el periodo de referencia, extendiéndose entre 2021 y 2027. Si te conceden la acreditación, pasas a ser reconocido como un centro de calidad (= todas las actividades Erasmus que realiza el centro se consideran de calidad) y la subvención individual de cada proyecto es más fácil. Así pues, el 17 de septiembre de 2020 hubo una reunión virtual en la que nos explicaron en qué consistía el proyecto KA 120, nos dijeron que había 370 acreditaciones para toda España y nos animaron a participar. Se presentaron 1105 proyectos para un total de 370 acreditaciones. En la primera ronda selectiva fueron aceptados 879 proyectos y rechazados 226. De los 879 proyectos que pasaron a la segunda ronda de valoración para otorgar las 370 acreditaciones, el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma fue uno de los elegidos. Hasta donde sabemos, solo dos conservatorios profesionales de danza están acreditados Eramus: nosotros y el Conservatorio Profesional de Danza de Valencia. Así pues, el RCPD Mariemma es el único centro de enseñanzas profesionales de Danza acreditado Erasmus de la Comunidad de Madrid, y uno de los pocos de toda España. RICARDO SANZ Y TUR Coordinador de Programas Europeos Erasmus del RCPDM

Ayer, con motivo del día internacional de la Danza se realizó un acto en el Mira Teatro de Pozuelo de Alarcon donde se dieron cita numerosos amantes de la danza que disfrutaron de un extracto de 40 minutos del espectáculo "Alento" de la Compañía Antonio Najarro, que se estrenará el próximo 6 de Mayo en los Teatros del Canal dentro de la programación de Madrid en Danza. El acto estuvo presidido por la concejala de Cultura Victoria Wharrier y la alcaldesa de la ciudad, Susana Pérez Quislant, quien en su intervención señaló “queremos sumarnos a este homenaje a la danza, una disciplina artística que goza de gran reconocimiento en nuestro municipio”… “Por ello, queremos aprovechar este Día de la Danza para presentar en público a la que a partir de ahora será Compañía de Danza Residente en Pozuelo de Alarcón, la Compañía Antonio Najarro”. Firmado con la Comunidad de Madrid este acuerdo de intercambio es “para disfrutar de la danza en Pozuelo y poner en marcha nuevas iniciativas culturales, para que nuestro municipio siga siendo un referente cultural en la Comunidad de Madrid” ha dicho la Alcaldesa; recalcando “no solo los indiscutibles valores artísticos de Antonio Najarro, sino también su sensibilidad y sus valores humanos” En el evento han estado presentes amigos y amantes de la danza como: Lidia Torrent con su pareja el modelo y comentarista deportivo Jaime Astrain; el humorista y actor Goyo Jiménez; la coreógrafa Vicky Gómez (ganadora de la primera edición de Fama, ¡a bailar!); la presentadora Laura Ferrer y el actor Raúl Olivo. "Alento" transmite un mensaje positivo, fresco, brillante y alentador, a través de una coreografía dinámica, llena de vida, donde cada número tiene un aroma, un sabor y una emoción diferente. La música interpretada en directo por el compositor y guitarrista Fernando Egozcue, quien tocará en escena junto a otros cuatro músicos, acompañan a 14 bailarines en un espectáculo lleno de sensibilidad y de una gran complejidad técnica, en el que se han fusionado la danza española con diferentes estilos pero siempre con el "toque Najarro" que tanto lo caracteriza como creador, así como de su versión personal de la danza clásico-española. El maravilloso vestuario realizado por Oteyza, Víctor Muro y el propio Najarro, da vuelo a los bailarines que son pura emoción y elegancia. Tras dirigir durante 8 años el Ballet Nacional de España, Antonio Najarro retomó la actividad tras el confinamiento con su propia compañía de danza, logrando ser una de las primeras formaciones de gran formato que logró estrenar su espectáculo en España después del confinamiento. Ahora, esta nueva etapa como Compañía Residente del Mira Teatro de Pozuelo de Alarcón, significa un gran apoyo y reconocimiento a la Compañía y a la Danza española como parte importante de nuestra cultura. Os adelantamos un avance del espectáculo:

"A mis 20 años participé por primera vez en una performance de Tatsumi Hijikata, en compañía de mi padre. De los tres yo era el más joven, el que se ocupaba de la logística y tenía los pies en la tierra. Hijikata murió a los 58 años y mi padre quedó a los 90 en silla de ruedas. Le cuide durante una década, hasta el día de su muerte. Cuando me quise dar cuenta, yo mismo tenía ya 70 años aunque me sentía igual que a los 20." Así resume Yoshito Ohno su trayectoria al lado de dos pioneros de la danza butoh: Tatsumi Hijikata, el creador de la técnica y primer coreógrafo, y Kazuo Ohno, figura espiritual de ese arte, fallecido en 2010 a los ciento tres años de edad. "A los 30 hice mi primer solo y vi que había fracasado"-, sintió que había llegado el momento de intentarlo de nuevo: "Kazuo era cristiano y estando en lugar sagrado consideró que yo me había inspirado. A partir de ahí me puse a perder peso, dejé mi vida sedentaria y de excesos, me afeité la cabeza y me acerqué a la tradición budista para volver a bailar", explica. Cuando Hijikata le vio preparado, se encerraron dos días a trabajar: "Camina sobre las hojas de otoño; siente el olor de la muerte...". Su modo de trabajar era a través de la palabra, "que poco a poco iba permeando en ti". "El butoh nació de la suma de experiencias de distintas danzas. Yo mismo quise bailar como Nijinsky, a quien admiraba, y luego quise imitar a Marcel Marceau y su pantomima, pero nada funciono. Tatsumi y Kazuo intentaron otros bailes como el flamenco, pero no acababan de encajar, de modo que volvieron a su esencia y crearon el butoh, una danza de reacción, contraria a la gracilidad del ballet, una danza que surge del sufrimiento y en la que uno tiene que crear para romper". ¿Qué puede aportar el butoh al público de la aldea global? "Aprender a valorar hasta que punto es importante hacer el esfuerzo de vivir, aunque te vaya la vida en ello", expone Yoshito tras impartir un taller en la sala Pina Bausch del Mercat. "Hijikata tuvo una infancia dura, de supervivencia, y de este esfuerzo de lucha nace el butoh. Y luego esta Kazuo Ohno, que tuvo una vida de sufrimiento inimaginable, nueve años en la guerra. Al regresar quiso reivindicar a través de la danza la importancia de la vida. De ahí la importancia de transmitir el mensaje a las generaciones jóvenes". ¿Cómo fue la relación con tu padre? (Las respuestas de Yoshito constituyen siempre un hermoso e impactante giro). "Un día Hijikata me pregunto que me parecía el butoh de Kazuo Ohno. 'Es danza moderna' le dije. La respuesta le gustó porque había hablado de Kazuo Ohno y no de mi padre. Piensa que cuando yo vi por primera vez a mi padre ya tenia 9 años. Llegaba de la guerra y a mí me pareció un extraño. Mi madre entró en el lavabo y yo me quedé con él, oyéndola llorar. Siempre hubo una distancia entre él y yo. Aunque algún día en mi danza me gustaría llamarlo papá y no Kazuo Ohno". (Texto seleccionado por Luis Antonio Valdivia Durán de Danza Libre, escrito por Maricel Chavarría, Yoshito Ohno "El butoh nos enseña la importancia de vivir". La Vanguardia, Barcelona). Fotografía: Kazuo y Yoshito Ohno por Eikoh Hosoe

El libro autobiográfico de Tatiana Solovieva, recién publicado con prólogo de César Vidal, es una lectura enriquecedora y amena. Se lee con mucho placer ya que su vida está plagada de matices sorprendentes. Su autobiografía podría asemejarse a un cuento sobre una bella niña que nace en una ciudad de los Urales, Perm, y va encontrando su propio camino guiada por su propia sensibilidad e inteligencia hasta llegar a España, sin que nunca haya dejado de brillar e inundar a los demás con lo que ama: el arte. Pero la historia de Tatiana no pertenece al mundo de la fantasía, ella es así y lo ha sabido reflejar en las páginas de su extraordinario relato. Recopila la historia de sus antepasados con detalle ofreciendo un testimonio de primera mano de los avatares acontecidos en la Rusia del siglo XX desde el punto de vista de los que los vivieron. También es muy interesante como trata la crisis sufrida con la llegada de Gorvachov, en la que se derrumba el dorado mundo de su infancia. Entonces, la cultura deja de ser un fin en si mismo para convertirse en un modo de ganarse el sustento, un choque muy fuerte para una sociedad y unos artistas que dejan bruscamente de poder vivir de su arte. Tatiana se salva y los salva tratando de buscarles actuaciones y giras por España. Tatiana, aunque no se da cuenta, porque todo lo narra de forma muy natural y sin pretensiones, es realmente una heroína. Si las circunstancias la van arrastrando, ella sabe dominarlas porque es una persona llena de recursos interiores. Luego, va configurando capítulo a capítulo unos temas interesantísimos estructurados con nombre propio, el de las compañías con las que ha trabajado y los artistas que ha conocido, que constituyen valiosas páginas sobre la historia de la danza y el ballet ruso: los cosacos, el Ballet Imperial Ruso y Maya Plisetskaya, el Joven Ballet de Ucrania, Yuri Petukhov y Leonid Yakobson, Geminidas Tarandá, Andrey Batalov, Igor Moiseyev... Es más que interesante el capítulo que dedica al estilo coreográfico de Jakobson, donde traduce páginas inéditas en español, y sucede lo mismo el dedicado a Igor Moiseyev. También destacan las propias valoraciones y juicios de Tatiana en los capítulos finales, una de cuyas reflexiones dice así: "Los acontecimientos marcan a todos, pero la gente siempre se divide en los que abren nuevos caminos, los que mantienen lo existente y los que se dedican a destruir" (pág. 494) Pocas personas he encontrado en mi camino tan auténticas y valerosas como Tatiana, pero al leer esta obra confieso que incluso me he sentido abrumada al ser consciente de la enorme cantidad de cosas que ha logrado llevar a cabo esta mujer hecha a sí misma, que partió desde cero. Y es que es un verdadero deleite el que no se haya querido quedar quieta ni durante el tiempo del confinamiento, que ha aprovechado brillantemente para escribir su libro. “Entre dos orillas” excede los límites de la autobiografía, para convertirse en ocasiones en un libro sobre historia, en un tratado sociológico sobre las diferentes perspectivas y también afinidades entre Rusia y España, en un modo de transmitir valiosos conocimientos sobre el arte coreográfico y el folklore ruso… Y es que leyendo a Tatiana siempre se aprende. Ella es un tesoro y por eso, lo que escribe también lo es. MERCEDES ALBI