Verdaderamente, este primer programa de la CND que sube a las tablas su nuevo director, Joaquín de Luz, es exquisito. Las tres partes que lo componen son obras inolvidables, que no difieren entre si aunque correspondan a tiempos y artistas diferentes. La calidad musical con la orquesta en directo, bajo la batuta de un Manuel Coves que comienza a peinar alguna cana, lo cual es señal que está alcanzado la sazón de su maestría, fue clave fundamental del resultado. La armonía y la elegancia encandiló a un público que fue entusiasta desde la filas del paraíso. El aforo del teatro se resiente por la pandemia, sobre todo en las zonas que suelen ocupar las personas de mayor edad, pero la seguridad en el Real es absoluta. Nada debería impedirnos hacer la vida de siempre mientras nos mantengamos dentro de los estrictos límites establecidos por la normativa. Nadie se ha contagiado por asistir a un teatro. Si el día del estreno el aliciente se encontraba en poder admirar a Joaquín de Luz y Gonzalo García en “Concierto DSCH”, tal y como estrenaron el papel en el New York City Ballet, en esta segunda función la intriga se situaba en el papel de “Apollo”, bailado por Sergio Bernal, quien es uno de los mejores bailarines de danza española en la actualidad, y que recientemente dejó las filas del Ballet Nacional de España, en las que era primer bailarín, para emprender su aventura en solitario. Entonces se plantea una interesante cuestión: ¿Puede un intérprete de danza ser tan completo que no se le resista nada y ser capaz de transitar del español al ballet clásico? Depende de lo que se pretenda. Es comparable a lo que sucedería si a un magnífico tenor se le diera un papel de barítono. Su registro es diferente, pero como es excelente, podrá acometerlo, aunque jamás cautivará. Para emocionar al público, un artista no debe vulnerar su propio destino. El equilibrio de las tres piezas del programa también estaba marcado por la similar duración de sus tiempos. Todo fue muy meditado, imaginamos a Joaquín de Luz concibiendo, a lo largo de la extensa carrera del que es uno de los mejores bailarines del mundo, lo que iba a hacer si su sueño de dirigir la Compañía Nacional del país que le vio nacer, se cumplía. Responde, por tanto, a un plan que no deja nada al azar, con un elenco que va consolidándose y preparándose para su despegue internacional. Una gran carta de presentación para un nuevo rumbo que se presagia exitoso. MERCEDES ALBI

Joaquín de Luz se mostró muy seguro de si mismo en la presentación del primer programa que ha diseñado como director de la Compañía Nacional de Danza. Dio la sensación de tener un proyecto muy sólido, base fundamental para edificar sus originales ideas sobre una estructura cuyo objetivo no es otro que encontrar la necesaria identidad de la compañía. Sabe muy bien lo que quiere y lo que es más importante, si las circunstancias no lo impiden, preludia una importante proyección internacional para la CND. Con este triple programa pretende “emocionar al público, no solo entretenerle”. Realmente está muy bien escogido y posee una base musical que le otorga coherencia (Stravinsky, Shostakovich y Karl Jenkins). Dio las gracias al Teatro Real, sobre el que afirmó que "es el mejor teatro del mundo en la mejor ciudad del mundo", pues es todo un logro que permanezca abierto y en pleno funcionamiento. Atrás quedaron los meses de confinamiento que fueron especialmente difíciles para los bailarines, quienes necesitan espacio para desarrollarse. “Fue como meter un león en una jaula”, bromeó. Joaquín de Luz quiere una CND versátil en el sentido de que no haya dos grupos diferenciados de bailarines clásicos y contemporáneos, sino que todos bailen todo. Y este triple programa lo demuestra partiendo desde las raíces históricas de Balanchine y su “Apollo”, una coreografía de 1928, pero que “parece que sea de ayer mismo” a pesar de que su primer intérprete fue nada menos que Serge Lifar… Por las grandes obras no pasa el tiempo. El Concerto DSCH de Alexei Ratmanski, que fue estrenado con el New York City Ballet, contó con Joaquín de Luz y Gonzalo García como bailarines principales tal como lo bailarán el día del estreno. Y para finalizar, White Darkness, una pieza icónica de Nacho Duato, pues Joaquín no concibe una CND sin sus coreografías. “Yo solo le abrí la puerta y él entró, no hice nada mágico”, explica. Joaquín De Luz y Gonzalo García (bailarín principal invitado) bailarán Concerto DSCH el día 19 de noviembre. Ambos formaron parte del elenco original de la pieza cuando la creara Ratmanksi para el New York City Ballet. Sergio Bernal y Gonzalo García (bailarines principales invitados) bailarán el papel de Apollo en la pieza de Balanchine los días 20 y 21 de noviembre (21h), respectivamente. La música será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Madrid, bajo la dirección de Manuel Coves. Este reencuentro, con tres diferentes miradas sobre la danza, será aún más especial esta  temporada en la que atravesamos tiempos difíciles con pasos decididos. Acceso compra de entradas Fotografía: Alba Muriel

Nuestra mente tiende a compartimentar a los personajes de la historia y clasificarlos por nacionalidades o estilos de danza. Sin embargo, la realidad se confecciona entretejida con una mezcla de hilos de la más diversa procedencia que enriquecen el tejido de nuestra imaginación. Así me sucedió cuando buscando información sobre Anatole Bourman (1888-1962), un bailarín ruso que formó parte del elenco de los Ballets Rusos de Diaghilev, y fue compañero y gran amigo de Nijinsky, desde los tiempos en que ambos fueron alumnos de la Escuela Imperial... detalles que relata en su libro "La tragedia de Nijinsky"-publicado en 1937-, encontré la foto de su compañía que encabeza este artículo. Me llamó poderosamente la atención la bailarina que luce elegante y sonriente un traje español, con gran peineta y falda a la moda velazqueña del guardainfantes. Quise averiguar de quien se trataba. Era la bailarina María Montero, una artista sevillana discípula del Maestro José Otero, que se afincó en New York en 1922. El pie de foto indicaba que fue tomada en la azotea del Mark Stand Theater de Broodway durante una ola de calor, sin precisar la fecha exacta sino que enunciaba que fue tomada en torno a 1928. Sin embargo, María fue asesinada el 6 de mayo de ese mismo año. Consulté las noticias norteamericanas de la época y encontré abundantes referencias a una terrible ola de calor acontecida en el mes de julio de 1927. Me gusta mucho esa imagen de María por su naturalidad, por reflejar ese instante en que los artistas suben a la azotea buscando respirar un poco de aire fresco y calmar los nervios en los minutos previos de salir a escena. Y atienden alegres las indicaciones que les da Anatole Bourman, que era entonces el maestro de danza de la compañía del teatro. Esta instantánea es única, ya que el resto de fotografías que se conservan de la bailarina sevillana son de estudio, mucho más elaboradas y artificiales. La foto de la azotea me parece maravillosa y fugaz, porque además entonces María vivía sin saberlo su último verano. Su vida no fue fácil. El maestro Otero, que fue entrevistado a su muerte, cuenta en la prensa sus recuerdos de la infancia de esa niña huérfana de padre y madre, que vivía en Sevilla con su tía y poseía un gran don para el baile: "Yo la eduqué y la enseñé en el baile flamenco. Bailaba como los propios ángeles, las zambras, las sevillanas, las bulerías, el vito y las peteneras (...). En 1911 la llevé con otras diez muchacha al Coliseo de Londres. Un exitazo, una apoteosis... De Londres nos fuimos a París al Folie Berèger (...) Pasamos a Madrid y de Cádiz embarcamos a América. Como los pájaros que dejan el nido, la pobre María quiso volar con sus alas y se separó de mi" (Nuevo Mundo, 6 de julio de 1928) La gira del maestro Otero discurre varios años con gran éxito a lo largo del continente americano, y a su término María se afinca en New York en 1922. Los éxitos se suceden tanto en el terreno escénico como en el de la docencia. Abre un estudio de baile por el que pasan algunas de las más celebres estrellas del cine mudo como Dorothy Gish, a quien le enseña las danzas para su película "The brigth Shawl" (1923). María Montero bailó en la gala del estreno del film que fue, precisamente, en el Mark Stand Theater, donde años después se tomaría la foto de la azotea. Según información extraída de la web "Mis papeles flamencos", cuando Antonio el de Triana llega a New York bailó con María Montero, a quien seguro conocía de Sevilla donde este bailarín formaba pareja con "La Quica". Su hermano narra así los motivos que le impulsaron a emigrar: El 6 de mayo de 1928, cuando María se encontraba en su estudio, su amante argentino, Horacio Colombres Marmol. Era el hijo díscolo de una familia de diplomáticos y gran bailarín de tango. Mató a María -a la que ocultaba su matrimonio con la francesa Marie Gayet con la que tenía una hija- de varios disparos, suicidándose después, como relató la prensa internacional de la época. Una triste historia, un drama de amor y de celos que terminó trágicamente con la vida de aquel "pájaro", que según las palabras de su maestro José Otero, ansiaba volar en libertad. MERCEDES ALBI

“No hay poemas terminados, solamente hay poemas abandonados” Paul Valéry 11, 12 y 13 de diciembre de 2020 Una investigación sobre la idea que subyace en Giselle: ¿es posible acceder al amor puro en la actualidad? Sala Verde. Duración: 1h 30min Creación Canal Si hay un tema nuclear en Giselle, se relaciona indiscutiblemente en torno al amor/desamor, incluso podemos decir que Giselle es la mayor historia sobre esta temática del ballet romántico. Con esta revisita a otro de los “clásicos”, Kor’sia continúa con una línea que comenzó con el reencuentro de los ballets de Nijinsky, Jeux y Siesta de un fauno; consolidando la exploración alrededor del academicismo y recurriendo a temáticas que perduran más allá del tiempo, para acercarlas a nuestros días. En este caso, se intenta investigar en la idea que subyace de manera básica en Giselle: ¿es posible acceder al amor puro en la actualidad? Podemos decir que incluso desde los núcleos científicos existen diferentes visiones. Por un lado, la medicina ha reconocido el síndrome del corazón roto como una verdadera patología clínica, mientras que opuestamente es innegable que la impronta tecnológica está introduciendo nuevos modos y formas de amar/desamar. De hecho, la Giselle de 1833 parece formar parte de un entendimiento del mundo, que está desaparecido o a punto de desaparecer, arrastrando con ella la dimensión gobernada por Myrtha en la que viven las Willis, las jóvenes que, como Giselle, murieron por amor. Pero paradójicamente también parece que ese submundo irreal, espectral, metaforiza de manera actual la liquidez de las relaciones humanas en la que nos vemos sumergidos: benching, ghosting, zombing…, surgen como términos que aluden a las nuevas formas de amor/desamor a las que nos enfrentamos hoy. Los nuevos dispositivos tecnológicos multiplican la velocidad de las relaciones, así como la de posibles y múltiples frustraciones, configurando el fracaso del amor como una temática actual. Los individuos reaccionamos a esta nueva esfera tecnológica, a este trastorno potencial, con otras herramientas que se apuntalan en la meditación, el yoga, la danza… pidiéndole a nuestro cuerpo nuevos recursos que nos ayuden a sostener aquello que nos instala en esta nueva velocidad espectral/virtual; aunque al igual que Giselle siempre guiados por un único deseo: el de amar y ser amados. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ya se están ultimando los ensayos del espectáculo "BAILAORAS" creado y protagonizado por la bailaora MARIA JUNCAL, en el Centro de Arte Flamenco y Danza Española Amor de Dios. El espectáculo se estrenará el próximo 12 de Noviembre en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con entrada gratuita hasta completar el aforo. Seis mujeres en escena, guitarras, cante y percusión para hacernos sentir una experiencia vibrante y Flamenca. Un viaje emocionante con Alma de Mujer. Cinco Bailaoras y María Juncal son la propuesta que entrelaza la fuerza, la pasión. y la belleza del flamenco. Expresión de mujer en un mundo de hombres. Cantaores de culto, Juan Triviño, y Jonatan Reyes. A la guitarra Óscar Lago y a la percusión Javier Teruel. Minimalismo en sus elementos, máxima eficacia artística, muy al estilo de María Juncal, con una coreografía titulada "Latido" de Arantxa Carmona. PROGRAMA My Soul, Your Soul (Farruca) Momentos (Fandango) El tiempo (Con Bata de cola) Mi sueño (Guajira) Latido coreografía de Arantxa Carmona Siento (Alegrías) Bailaoras (Bulerías) Duración: 75 minutos Ficha artística: Coreografía y dirección: María Juncal Coreografía de Latido: Arantxa Carmona Composición musical: Riki Rivera y Oscar Lago Bailaoras: María Juncal, Sofía del Río, Irene Flores, Laura Funez, Nuria Díez, Lucía Moreno, Mariana Darias Guitarra: Óscar Lago Cante: Jonatan Reyes y Rafael Jiménez Percusión: Javier Teruel Repetidores: Mariana Darias y Rafael Jiménez Diseño de vestuario: María Juncal Modas Diseño de iluminación: Marino Zabaleta Espacio Sonoro: Kike Diseño de imagen: Melania Ortega Producción ejecutiva: Silvia Baro Office Producción general: MJ Solea producciones MARIA JUNCAL María Juncal, nacida en Las Palmas de Gran Canaria. Considerada uno de los exponentes del Baile Flamenco de este Siglo, representa la continuación de una de las familias que han escrito páginas en la historia del este Arte, los Borrull. Es con una de sus tías abuelas, Trini Borrull, que inicia sus estudios de danza española en las islas para luego continuar su formación especializada de Flamenco en la prestigiosa escuela Amor De Dios en Madrid. Sus maestros: Ciro, Merche Esmeralda, Guito, Manolete, La Tati, Cristobal Reyes, entre otros. Se ha hecho acreedora de distintos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera: Premio Nacional de Danza en Córdoba “Antonio Gades” Primer Premio Danza Flamenca del Cante de Las MInas “Trofeo desplante” Primer Premio de Coreografía del Teatro Albéniz Mención de Honor de Gran Teatro de La Habana. Premio “Best of de vest” por su espectáculo “El Encierro de Anne Frank”, entre otros. Distintos los espectáculos que la han llevado a los Teatros del mundo - “Destemplao” - “Tercera Llamada” - “Quimera” - “El encierro de Anne Frank” - “Flamenco Natural” - “Fantasía Flamenca” Su obra mas reciente estrenada en Agosto de 2019 “La vida es un Romance” Colabora activamente con el proyecto comunitario “A Compás flamenco” en Cuba, siendo esta labor reconocida con el Premio “Excelencia del Arte” por el apoyo al desarrollo de la cultura en los barrios desfavorecidos de La Habana. Asimismo colabora con la Fundación CONFE para personas discapacitadas Imparte cursos de Flamenco internacionalmente así como en la escuela Amor De Dios, la más destacada institución representativa de la enseñanza en este Arte. HAN DICHO DE MARIA JUNCAL... "BELLEZA SOBRE BELLEZA" (DEFLAMENCO) "PERSONALIDAD PROPIA" (LA VOZ DIGITAL) "TEMPLE Y SORPRESA" (EL PAIS) "PURA ESENCIA" (PERIODISTAS EN ESPAÑOL) "UN CUERPO HECHO ARTE" (PERIODISTAS.ES) "BELLEZA FUEGO Y TERNURA" (CANARIAS 7) "RAZA PASION Y VIDA" (LA VOZ DIGITAL) "THE GLORY OF THE FLAMENCO" (JERUSALEM POST) " CONMOVEDORA" (TERPSICHORE- DENMARK) " PURO SENTIMIENTO" (FLAMENCO VANCOUVER) " BRINGING THE WOW TO THE FLAMENCO" (VANCOUVER SUN) " LA DAMA DEL FLAMENCO" (TERPSICHORE- DENMARK) " IMPRESIONANTE ENERGIA" (SEMANARIO HEBREO JAI) " IRON STRONG" (HET PAROL) " MAESTRIA Y VIRTUOSISMO" (VALENCIA.COM) "TEMPERAMENTO INCONTENIBLE" (LA VOZ DIGITAL) "UN ALTRA DIVA" (MILANO DABERE) "FEMENIN AND SENSUAL" (DEL GELDERLANDER) "PURA PASION" (JERUSALEM POST) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Puede haber empezado con una invitación de George Balanchine a Martha Graham para que lo acompañara en la coreografía "Episodes" en la que la señorita Graham hizo la primera parte y el Señor B. la segunda, ahora la única sección que todavía esta en el repertorio de la compañía. Si la memoria no me traiciona, ambas partes estuvieron muy juntas, y el hecho de que la contribución coreográfica de Martha Graham se haya descartado más tarde puede haber tenido razones puramente técnicas. Es sorprendente ver cómo gran parte de la danza moderna podría influir en el ballet clásico que tuvo su rostro del siglo XX levantado mediante el impacto de los bailarines descalzos que reclamaban autoexpresión. Las razones de ser de la danza moderna son la libertad interna ilimitada de expresar pensamientos-sentimientos y a oponerse al mundo dentro y fuera. Tampoco está ni psicológica ni técnicamente equipada para montar un ballet clásico. Aunque he oído que Balanchine dijo no veía ninguna diferencia entre la danza moderna y la clásica, que podía ver solamente la diferencia en la danza buena y mala, tomo esta declaración como un gesto generoso de su parte. El ballet, una forma de arte con tradición milenaria, puede afrontar el hecho de jugar con la idea de tratar una producción de una obra de danza moderna. Pero cuando se juntan realmente los dos, uno encuentra que hay una diferencia muy notable de actitud, en matiz, en actuación y técnica, en ejecución de un gesto cargado de significado, todo lo cual contribuye a una experiencia diferente de danza. Me inclino a pensar que es una filosofía básica de la vida que subraya las discrepancias más fácilmente que sus puntos de parecido o exclusividad. Los bailarines nunca se parecen mucho cuando hacen una danza moderna o en una compañía de ballet. Todo esto tiene poco que ver con el hecho de que hoy en día los bailarines o los bailarines de ballet empiezan sus carreras con compañías de danza moderna, o que la danza moderna se ha acercado a la técnica del ballet y las bailarinas ruedan en el piso, la cuarta dimensión descubierta por la danza moderna. Ya que la danza moderna siempre a sido financieramente más débil que el ballet y ha necesitado una exposición más general, es decir, forzosamente un público que no sea del ballet, uno solamente puede aplaudir una política de compañía de ballet para que incorpore las piezas de danza moderna en su repertorio. El Ballet Joffrey triunfó con La Mesa Verde de Kurt Jooss, no solamente porque es una creación eterna, sino también porque el coreógrafo fue uno de los primeros en fusionar con éxito lo "moderno" y el ballet. Desde el principio, Jooss enfocó su creación con la visión de utilizar la expresividad dramática moderna con la técnica del ballet. Summerspace de Merce Cunningham, cuando tuvo nueva coreografía del Ballet de la Ciudad de Nueva York, logró una fluidez y precisión como nunca había tenido con su propia compañía, pero es cierto que perdió algo de su estilo casual innato que es una característica vital de la obra de Cunningham. Pero en su impacto total, le fue muy bien. La Pavana del Moro y The Traitor de José Limón se han convertido en una parte de algunas compañías de ballet, también, también del repertorio del ABT. Tenemos que sentirnos agradecidos por ello porque lo anterior es una obra de arte en composición, impacto dramático y textura coreográfica, una totalidad creativa raramente lograda por obras de danza moderna, incluyendo ballets. Lo último está menos estrictamente estructurado, pero crea vigorosa y exitosamente un cuadro dramático de la historia más grande jamás contada. Limón tiene una forma muy personal de comunicar el drama interno de sus personajes. Hay una cierta grandeza, con un toque de arcaico, en sus modales; hay una intensidad en la armonía entre los bailarines a un nivel emocional e intelectual, y hay una atmósfera especifica creada a través de la comunicación emocional del intento dramático a través de la expresión facial tanto del movimiento del cuerpo. En su mejor momento, sus obras, tales como La Pavana del Moro y Missa Brevis (que puede haber sido una mejor elección que The Traitor), alcanza una "comunión mística con el cielo" (una frase seleccionada de uno de los ensayos de Limón). Puede deberse al tiempo insuficiente de ensayo -espero fervientemente que sea eso- poco de esto se ha logrado hasta ahora por la puesta en escena de las obras de Limón por el The American Ballet Theatre. Los bailarines aprendieron los pasos y los aprendieron bien. Con cada actuación, los bailarines indudablemente adquieren más fluidez. Pero estos son prerrequisitos. Parece que los bailarines sabían lo que están haciendo, pero no los porqués y los cómo. En La Pavana del Moro bailan muy bien uno con otro, pero el impacto dramático de la pieza solamente se transmitirá cuando obtengan el sentimiento de bailar contra cada otro en tanto están juntos, cuando las pausas y los acentos ganen la agudeza que requieren, cuando fluyan majestuosamente en la Pavana casi parecerá que dan camino al poder volcánico de las emociones fundamentales. Todavía siento, que tanto el ballet como la danza moderna solamente pueden ganar de tales uniones. Pero el bailarín de ballet tendrá que aceptar la idea de que no es necesariamente la excelencia técnica por sí sola lo que ayuda a recrear la esencia poética de un trabajo originalmente concebido en términos de la danza expresionista moderna. (Sorell, 1971) Extraído de: Walter Sorell. Looking Back in Wonder. Diary of a Dance Critic. Columbia University Press,1986. Texto y fotografías seleccionadas por Luis Antonio Valdivia Durán

Un placer que Jesús Carmona, recién galardonado con el Premio Nacional de Danza 2020, conteste a nuestro Cuestionario Proust. Y se presta con la habitual simpatía que le caracteriza, cercano y sin artificios. Así es Jesús, es tal como baila, con entrega, dándolo todo cada vez que pisa en escena, conmoviendo hasta lo más hondo. En realidad, es la presa de un milagro, el del duende de la danza, ese ser misterioso que de repente aparece y anida en el alma de un niño catalán de sangre cordobesa, sin que nadie se explique ni cómo ni porqué. Pero así fue. Le pido que me envíe una foto de niño y me envía una de cuando tenía 4 años, de un día que su madre le dijo "ponte ahí que voy a hacerte una foto", y sin más, adopta una pose de baile. Su debut profesional fue a los 16 bailando en el Teatro Zorrilla con la Orquesta del Liceo de Barcelona. Después formaría parte de las compañías de danza española más destacadas, llegando lo más alto: ser primer bailarín del BNE. Año a año sigue atesorando premios en su vitrina: Mejor Bailarín Sobresaliente del XX Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid en 2011, obtiene el Premio Desplante en el 52º Festival Internacional de Cante de las Minas de la Unión, el Premio El Ojo Crítico de Danza 2019 que concede RNE y el Premio Nacional de Danza 2020 en la modalidad de Creación.. que ha coronado estos días con el Premio Nacional de Danza 2020. EL CUESTIONARIO DE PROUST: 30 PREGUNTAS PARA REALMENTE CONOCER A UNA PERSONA -¿Principal rasgo de tu carácter? -Cabezota, perfeccionista… -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -Libertad de pensamiento. -¿Y en una mujer? -Exactamente igual. -¿Qué esperas de tus amigos? -Confianza, comprensión, compromiso. -¿Tu principal defecto? -Soy muy testarudo y a veces un poco gruñón. -¿Tu ocupación favorita? -Estar con mi familia y estar en un estudio. -¿Tu ideal de felicidad? -Estar tranquilo, rodeado de la gente que quiero y conforme conmigo mismo. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -Perder lo mencionado en la pregunta anterior. -¿Qué te gustaría ser? -Soy cada día lo que quiero ser. -¿En qué país desearías vivir? -Me encanta vivir en España, su gente, su cultora, su gastronomía, cada una de las ciudades y pueblos de este país, son dignas de admirar y apreciar. -¿Tu color favorito? -El verde botella, creo… -¿La flor que más te gusta? -Las peonías, el girasol o el clavel. -¿El pájaro que prefieres? -El verderón. -¿Tus autores favoritos en prosa? -Quevedo y Francisco Delicado. -¿Tus poetas? -Federico García Lorca. -¿Un héroe de ficción? -Las tortugas Ninja. -¿Una heroína? -Scarlett O’Hara. -¿Tu compositor favorito? -Paco de Lucia, maestro de la creación y el Toque. -¿Tu pintor preferido? -Picaso, Sorolla, Goya... son tantos -¿Tu héroe de la vida real? -Mis padres, son personas normales pero que han sacrificado todo por nosotros de una forma extraordinaria. -¿Tu nombre favorito? -Cayetano, que es como se llama mi hijo. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -La vagueza. -¿Qué es lo que más detestas? -La personas sin empatía y principios sociales. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Cualquier dictador de cualquier época y país. -¿Un hecho de armas que te admire? -Cualquiera que haya sido o sea en pro de la humanidad. -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -Lo he pensado mucho y creo que el ser humano tienes dones a los que nos gusta mucho acceder y a veces olvidamos. Me gustaría ser consciente siempre de ellos y utilizarlos a mi favor y al de los demás. -¿Cómo te gustaría morir? -De mayor (no demasiado), tranquilo y en paz, durmiendo y sin dolor. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Positivo, me gusta fijarme en lo bueno o bonito de las situaciones o las personas. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -El tartamudeo. -¿Tienes un lema? -No te arrepientas de lo que no hiciste, si no de lo que dejaste de hacer. MERCEDES ALBI

El VI Congreso Nacional y III Internacional La Investigación en Danza que organiza la Asociación Española D más I: Danza e Investigación conjuntamente con el Instituto de Historia, Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila tendrá lugar en Madrid del 19 al 21 de noviembre de 2020. Debido a las circunstancias excepcionales que nos está tocando vivir a causa de la COVID-19, y con el fin de garantizar que el VI Congreso Nacional y la III Internacional La Investigación en Danza pueda celebrarse, se ha decidido que éste se realizará on-line. Puede consultar el programa del mismo en el siguiente link. La dirección de este congreso está a cargo de: Ana I. Elvira Esteban – Asociación Española D más I: Danza e Investigación / Conservatorio Superior de Danza María de Ávila / Seminario Complutense de Investigación en Historia y Teoría de la Danza. Eva López Crevillén – Asociación Española D más I: Danza e Investigación / Conservatorio Superior de Danza María de Ávila Idoia Murga Castro – Asociación Española D más I: Danza e Investigación / Instituto de Historia, Consejo Superior de Investigaciones Científicas / Seminario Complutense de Investigación en Historia y Teoría de la Danza.

La Compañía Nacional de Danza realizará mañana, día 29 de octubre, conexiones en directo para celebrar el World Ballet Day. Os dejamos aquí la información y un vídeo promo de la actividad. JOIN US FOR #WORDLBALLETDAY TOMORROW FROM 10:15 IN OUR FACEBOOK AND INSTAGRAM CHANNELS #WORLDBALLETDAY 29 de octubre de 2020 Por séptimo año consecutivo el mundo del ballet está de celebración y nosotros nos unimos a la fiesta. La iniciativa impulsada originalmente por el Ballet Bolshoi, el Royal Ballet y el Australian Ballet a la que se unen grandes compañías de todo el mundo. Las compañías abren sus puertas a través de conexiones en directo a lo largo de la jornada, compartiendo su día a día con el espectador. La CND vuelve a estar presente en esta nueva edición, como cada año. Este jueves, 29 de octubre, a partir de las 10:15h, podrás presenciar a través de los canales de Facebook e Instagram las dos clases diarias, así como los ensayos de Apollo (George Balanchine) y de White Darkness (Nacho Duato). Piezas que se representarán del próximo 19 al 21 de noviembre en el Teatro Real. Únete a nosotros este jueves durante la celebración del #WorldBalletDay. Facebook: Compañía Nacional de Danza, Spain Instagram: @cndanzaspain

Siempre me parece interesantísimo acudir a la Muestra Coreográfica de Beta Pública, un espectáculo que no me pierdo ningún año, y aunque con retraso y venciendo a los “elementos” en forma del ataque vírico que sufrimos, allí estuve, en la función de clausura del pasado domingo en el Centro Cultural Paco Rabal. ¿Por qué dejar de viajar?, me pregunto, si sentados en nuestra butaca, aunque con mascarilla, podemos hacerlo gracias a que Pilar Villanueva, directora de Beta Pública, ha seleccionado entre 120 las mejores propuestas llegadas de todo el mundo. Así, sin movernos del sitio, las piezas coreográficas de más reciente creación se despliegan ante nosotros como un magnífico abanico con las tendencias más innovadoras. Y ahí radica la emoción de este Festival, te dejas sorprender y te sorprendes cada año por algo distinto que jamás defrauda, que abre una ventana que se convierte en realidad en un universo de cosas nuevas, pues en la auténtica creatividad no existen los límites. Ana Rosa Manzanera vino desde Valencia con su “Blank OUT”, que fue Pro.Beta, una nueva modalidad del festival que consiste en seleccionar un trabajo coreográfico en fase embrionaria a la espera de un futuro desarrollo. Y así hizo Ana Rosa, que nos cuenta cómo concibió la pieza en pleno confinamiento, cuando su cuerpo perezoso casi se había pegado al sillón, y tenía que salir de él, surgir de nuevo -una adicción que ella llama “sofing”- y en un vaivén de energía y con una gran técnica, supo transmitirnos sus sensaciones con mucha originalidad. Ella, además de su propia compañía, es miembro de Migrodanza. Tangen/Benzal nació en 2015 y han realizado diversos proyectos tanto nacionales como internacionales, y ahora se presentan por primera vez en Madrid, donde Jesús empezó a coreografiar para el Conservatorio Profesional María de Ávila. Se encuentran en los inicios de un nuevo proyecto “pero con el Covid va un poco más lento de lo que debería de ir, pero pretendemos tenerlo listo para el 2021”, nos comenta Jesús. Nadia Yagoubi, Hada Continente, y Saray Garzia, conforman Compañía X, iniciada en 2018. “Estudiamos juntas y decidimos montar nuestro propio proyecto”. Han estado girando con “Y ahora qué?” dos años por Costa Rica, México, Panamá… patrocinadas por el Centro Cultural de España en el Exterior. “Actualmente, somos una compañía residente en Zaragoza en el Teatro de la Estación. Nos movemos con muchas ganas y fuerza, especialmente, por nuestras tres ciudades de origen: Zaragoza, Madrid y Eíbar”. La inspiración de su exitoso trabajo surgió en un momento de incertidumbre. Nos cuentan que todos vivimos momentos en los que saltamos al vacío, tenemos miedo pero hay que enfrentarse a algo y sin saber qué es lo que viene después. “Y aun así, lanzándonos a lo desconocido, se generan cosas que no terminan de cuajar, un ciclo cuyo final se ignora pero que cada uno lo hace suyo a su manera y forma.” El próximo 19 de noviembre ofrecerán una función en el Teatro de la Estación a las 20 horas, y también van Compañía residente del Centro Coreográfico de la Gomera. Desde Japón, aunque reside en Alemania, nos visita Kenji Shinohe con “K(-A-)O”. Fue algo impactante ya que este bailarín puso su atención en algo que suele considerarse en la danza contemporánea como un elemento secundario: el rostro. Y nos contó que “nuestras caras tiene muchos músculos diferentes que se pueden mover en cualquier dirección, conteniendo muchas posibilidades que nosotros los bailarines a veces olvidamos”. Concibió la idea para su pieza una mañana que iba en el metro de Tokio y observó como todos estaban con expresión inerte mirando sus móviles y enviando, por el contrario, mensajes en los que comunicaban diferentes sentimientos”. Este contraste entre el rostro frío y la emoción contenida y limitada a lo que se envía a través del aparato, da pie a una muestra de expresividad prodigiosa y originalísima por parte de Kenji. El Colectivo Sin Par, desde Granada, lo componen Wilma y Marina, que nos ofrecieron su pieza “Efecto Siam”, su primera creación. Está basada en la unión física entre dos personas tal y como se da en los siameses. Fue la historia de Chang y Eng Bunker, los dos primeros hermanos de este tipo registrados, quienes dieron la pauta para esta coreografía tan estética. Wilma es la autora y se inspiró en su relación con su amiga Lara Misó de quienes todo el mundo decía que eran uña y carne, pues habían estado siempre juntas desde la escuela bailando hasta que se separaron al entrar en diferentes compañías. Leímos un libro y mucho material sobre la historia de los hermanos Bunker, que nacieron pegados y permanecieron con sus troncos unidos durante 62 años, y así exploramos las relaciones de dependencia y el transformarse dos cuerpos juntos gracias a las condiciones del otro. Están muy contentas de mostrar su pieza en Madrid, pues es un trabajo muy elaborado con música original compuesta por el italiano Marco Colochi. El Colectivo Banquet, con Ana, Jerónimo y Jesús, tres de sus integrantes de los seis que lo forman, exhibieron su pieza "Rojo, rojo, verde", que fue galardonada en el Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York. Sus trabajos nacen de su unión forjada desde las aulas del Conservatorio Profesional María de Ávila donde crearon este “Rojo, Rojo, Verde”. Su colectivo también afectado por la situación del confinamiento donde fueron conscientes de la necesidad de estar juntos y de todo lo que se echaban de menos, ya que viven en ciudades diferentes, decidieron unirse. Desde entonces ya han tenido 5 actuaciones y pronto se les podrá ver el día 22 de noviembre en el Centro Castellar de Valencia en su primera “full evening”. “En Rojo, Rojo, Verde somos intérpretes y coreógrafos al mismo tiempo. Es una pieza divertida y accesible para todos los públicos, engancha, entretiene y tiene ese rasgo de frescura y diversión que identifica el colectivo Banquet”. Pronto quieren hacer una nueva producción con seis bailarines-coreógrafos en un más difícil todavía, que esperamos y deseamos obtenga la misma calidad que la ya exhibida. Los jóvenes artistas, rebosantes de talento, brindan al público una gran dosis de vitalidad, sacian nuestra pena, los miedos que nos rodean y nos dan esperanzas para continuar. Hacen posible lo imposible. Son el bálsamo del arte que cura nuestras heridas. Mercedes Albi Fotografías escena por Alba Muriel

Ediciones Cumbres tiene hoy el honor de ofertar un título genuinamente excepcional: Diálogos con la danza, cuya autoría corresponde a Alicia Alonso, la legendaria bailarina, coreógrafa y maestra, cubana y universal. No es frecuente que una alta figura de las artes escénicas exprese sus concepciones, experiencias, principios y memorias por conducto de la palabra escrita. En esta ocasión se trata de un libro que alcanza las 650 páginas, y tiene la virtud de constituir una lectura fácil, amena y con motivaciones diversas. En él se alternan entrevistas, análisis estéticos y testimonios sobre grandes personajes con que la bailarina compartió su trabajo artístico, como Fokine, Massine, Tudor y Balanchine, entre otros. Diálogos con la danza ha alcanzado anteriormente un notable éxito editorial en varios países, al punto de que la presente publicación por Ediciones Cumbres corresponde a la octava edición, y todas las precedentes se encuentran completamente agotadas, incluyendo la realizada en idioma inglés. La que ahora presentamos está ampliada con nuevos textos; y también imágenes, porque el libro cuenta además con ilustraciones que muestran a la Alonso en algunos de sus más famosos personajes. También en sus encuentros con celebridades del arte y la política. Libro de gran utilidad para los profesionales de la danza en general, extiende su eficacia a otros sectores del arte escénico, además de ser una lectura atractiva para el público en general, pues sus virtudes se ofrecen al alcance de receptores de variada índole. Esta edición realizada por Ediciones Cumbres integra las celebraciones que se harán en el mundo por el centenario de la mítica bailarina Alicia Alonso (21 de diciembre de 1920 - 2020) y que incluye además la Gira Gala Centenario que se realizará entre 6 de abril al 31 de mayo con más treinta funciones por los más importantes teatros de España y tendrá un elenco que contará con bailarines cubanos y figuras internacionales de otros países. ...

En Toná, los verdiales -folclore malagueño prerromano- sirven de base para reivindicar el imaginario popular como antídoto contra el individualismo Coreografiada e interpretada por Luz Arcas, la pieza quiere ser un acto de insumisión hacia un sistema que destierra y niega la enfermedad y la vejez La enfermedad del padre de la creadora es el punto de partida de una obra que baila la muerte como celebración de la vida, la fiesta y la catarsis Luz Arcas, al frente de la compañía La Phármaco, estrena Toná el próximo 13 de noviembre en el Festival de Otoño de Madrid. La obra, que estará en cartel hasta el 15 de noviembre en el Teatro de La Abadía, recupera el folclore y la memoria colectiva como antídoto contra un sistema que destierra y niega la enfermedad, la vejez y la muerte.  El último espectáculo de Arcas (Finalista Mejor Intérprete de Danza en Premios Max 2017, Premio el Ojo Crítico de Danza 2015) surge, en palabras de la bailarina y coreógrafa de "los viajes a Málaga para visitar a mi padre, bastante enfermo. En su casa, donde me crie, me reencontré con referencias, iconos y símbolos que tenía casi olvidados. Recordé anécdotas y miedos, reconectando con el folclore de mi infancia. Quería bailar un sentimiento que es propio de ese folclore: la muerte como celebración de la vida, la fiesta y la catarsis individual y colectiva".  Otras dos mujeres malagueñas han acompañado a Luz Arcas en el proceso creativo: la violinista y compositora Luz Prado y la fotógrafa Virginia Rota. La pieza recoge referencias como la procesión por el mar de la Virgen del Carmen, o la alusión a Trinidad Huertas, La Cuenca, una bailaora del siglo XIX que se hizo famosa con un número en el que representaba a una torera en plena faena y que le dio el sobrenombre de La Valiente. Toná recoge también los símbolos, las supersticiones, los prejuicios, el paganismo y los mitos. Dice Arcas: "La memoria colectiva y los imaginarios populares son cruciales porque nos acogen y nos salvan del individualismo invitándonos a elaborar un relato compartido. Como todo lo relacionado con el pueblo, esta memoria cultural está llena de problemas, sin duda, pero volver a ella para ensuciarla, renombrarla, y así, vitalizarla, es un acto de libertad frente al totalitarismo cultural o cualquier intención neoliberal de imponer o capturar un sentido. (...) Toná nace ligada orgánicamente a la memoria colectiva y los imaginarios populares, con toda su conflictividad. Una poesía que transmite la carne, el pulso vital, llenos de rabia y de alegría, también de prejuicios y supersticiones. Un dolor antiguo y fértil que nos construye lentamente, desde la infancia".  Tras obras como Bekristen, en la que se mostraba la violencia radical del neoliberalismo como sistema colonizador y Una gran emoción política, sobre la figura de María Teresa León, la guerra civil y la memoria, Luz Arcas continúa cincelando en Toná su particular lenguaje escénico, un baile político a través de, en sus propias palabras, "un cuerpo reconciliado con sus fuerzas vitales, entretejido de enfermedad, vejez, muerte, y que se relaciona descaradamente con los símbolos, para ensuciarlos, pisotearlos, renombrarlos, mientras grita: son nuestros, nos pertenecen".  Toná, con música en directo interpretada por Luz Prado y Lola Dolores, es una obra de Luz Arcas / La Phármaco coproducida por el Festival de Otoño de Madrid. "La vergüenza es el sentimiento que salvará a la Humanidad" dice el protagonista de Solaris. No será el amor, sino la vergüenza. Un dolor que es antiguo y fértil: la carne, los cuerpos. La identidad es el misterio que se esconde en cada cuerpo y que surge de la reconciliación íntima con la vergüenza. Busco en los cuerpos el baile, no la danza sino el baile, su folclore, su herida: cuando la dignidad humana nos convoca y se atreve a pisotear el suelo con la potencia de la vergüenza. La rabia más hermosa, la herida más abierta. Luz Arcas Fotografías Virginia Rota