La compañía de Antonio Gades iba a estrenar “Fuego” en Alemania, y de repente, el confinamiento… Se canceló de golpe una importante gira internacional que se disponían a emprender. La pandemia ha traído consigo un montón de cambios, ruptura de proyectos, viajes y necesidad de programar a bote pronto, como ha sucedido en esta ocasión en el Teatro Real, que se ha visto obligado a sustituir al Ballet de Hamburgo por la compañía española. Joan Matrabosch dio la bienvenida a las 3 mujeres que son actualmente la cabeza rectora de la Fundación Gades: María Estévez, Presidenta de la Fundación, Eugenia Eiriz, Directora General y Estella Araujo, directora artística de la Compañía. María Estévez se mostró contenta y emocionada de estar allí, y recordó a su padre que solía decirle que “cada uno lucha con las armas que tiene”, y que la suya era la danza. Por eso, traer al público en estos momentos tan complicados “Fuego” es nuestra manera de contribuir a ofrecer cultura al público, “que respiren cultura, aunque sea con mascarilla”, bromeó. Eugenia Eiriz, opinó que la adversidad de las circunstancias “agudiza nuestro sentido humano”. También recordó cuando ella tenía tan solo 24 años y entró a trabajar, justamente, en ese mismo Teatro Real, donde conoció al que iba a ser su marido, Antonio Gades, que representaba allí “Fuenteovejuna”… Por eso, aunque este espectáculo está dedicado a Gerardo Vera, ella a título personal también lo quiere dedicar a todos los empleados del Teatro Real, que constituyen un símbolo de la lucha del teatro por sobrevivir. Eugenia, también habló sobre las circunstancias adversas que rodearon a Antonio cuando concibió “Fuego”, el único de sus espectáculos que nunca se ha visto en el Teatro Real. Así, por aquel entonces, falleció su padre, se separó de Pepa Flores y además el año anterior, su hermano Enrique Estévez, fue asesinado en la Plaza de Santa Ana de una puñalada, un hecho que se refleja claramente en la primera escena del ballet. Stella Araujo, directora artística de la Compañía Antonio Gades, le parece casi un milagro estar en el Teatro Real. Ella bailó la obra por primera vez con 24 años. “Fuego” es un trabajo arduo, muy intenso y apasionante, porque en la compañía se sigue conservando el modo de hacer que tenía Antonio, pues él nos inculcó “hacerlo todo con mucho corazón”. Y recordó a su maestro con bellas frases: “Antonio bebía del pueblo para llevarlo al escenario “; “Era pura energía tanto en la explosión como en la contención”… Los artistas de la Compañía de Antonio Gades se disponen a mostrarnos lo mejor de si mismos en este fabuloso escenario del Teatro Real, los días 21 al 23 de octubre. No hay que perdérselo. Se ofrecerán cuatro funciones, los días 22, 23 y 24 de octubre, esta última en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas ● Con Fuego, el Teatro Real completa la obra coreográfica de Gades, recuperada hasta la fecha y de la que ya se  ha representado y grabado en DVD: Bodas de Sangre, Carmen, Fuenteovejuna y Suite Flamenca, disponibles en la plataforma audiovisual My Opera Player ● Las partes orquestales de la obra estarán a cargo de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Miquel Ortega y las flamencas serán interpretadas por los bailarines y músicos de la Compañía, los cantaores Sara Salado, Alfredo Tejada, Enrique Bermúdez ‘Piculabe’ y Aser Giménez y los guitarristas Antonio Solera y Basilio García. ● El Teatro Real y la Fundación Antonio Gades rinden homenaje, con estas funciones, al recientemente desaparecido Gerardo Vera, responsable del espacio escénico y el vestuario de esta producción Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas, el Teatro Real inaugurará su temporada de danza con el estreno de Fuego, coreografía de Antonio Gades inspirada en El amor brujo, de Manuel Falla, y última colaboración del artista con el director de cine Carlos Saura, interpretada por la Compañía Antonio Gades, con la que también se quiere rendir homenaje al recientemente desaparecido Gerardo Vera, creador del espacio escénico y el vestuario de esta producción, por el que obtuvo el Goya en 1987 en la versión cinematográfica. La Compañía Antonio Gades, dirigida artísticamente por Stella Arauzo, contará con 26 artistas en escena,  entre músicos y bailarines, con Esmeralda Manzanas (Candela), Álvaro Madrid (Carmelo), Juan Pedro Delgado (El espectro) y Raquel Valencia (La hechicera) en los papeles protagonistas, y los cantaores Sara Salado, Alfredo Tejada, Enrique Bermúdez ‘Piculabe’ y Aser Giménez y los guitarristas Antonio Solera y Basilio García, en la partes de música flamenca. Los fragmentos orquestales serán interpretados por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Miquel Ortega. Con esta obra, el Teatro Real completa la puesta en escena de la producción coreográfica de una de las figuras más relevantes de la historia de la danza en España, de la que ya se han ofrecido en anteriores temporadas Bodas de Sangre, Carmen, Fuenteovejuna y Suite Flamenca, todas ellas grabadas en DVD y disponibles en la plataforma audiovisual My Opera Player. Fuego, nace en 1989 como encargo del Teatro de Châtelet de París. Es  exponente del más puro sello Gades: “volver a la tradición si se quiere evolucionar”; una obra de transición entre los ya míticos montajes de Carmen y Fuenteovejuna, en la que se encuentran algunos recursos creados por el artista que por poco vistos nunca fueron repetidos y que constituyen, hoy en día, una sorpresa que hace que la obra mantenga su frescura. MERCEDES ALBI

Es una gran noticia que nos transmite desde Huso editorial y Ediciones Cumbres, pues han creado una tienda digital en la que se podrán adquirir  todos los libros de nuestro catálogo en ebook u otras variantes. Nuestra tienda se llama Palabras en vela y solo poniendo el nombre Google les llevará a la web,  o poniendo: palabrasenvela.publica.la Con este nombre pretendemos que llegues a la narrativa, a la poesía, a las artes escénicas, estés donde estés y estés como estés. Desde ya podrás comprar la mayor parte de los fondos de las dos editoriales por esta vía. Nos ha movido también a la creación de esta tienda, la compleja realidad que vivimos y aunque somos defensores del libro impreso, esta tienda digital es una posibilidad de llegar a los lectores que lo hacen a través de sus Tablets, ordenadores, móviles incluso y a más personas no solo en España sino también en todos los países de habla hispana, y en todos los que cuentan con una importante población hispanoparlante. Aquellos que quieran comprar el libro impreso, además de en las librerías en las cuales esté disponible, o en su librería habitual donde siempre les ayudarán,  pueden optar si quieren hacer la compra online, entrando en la web de Huso: www.husoeditorial.es  en la de Cumbres: www.edicionescumbres.com.  En esta web tienen las dos opciones: la impresa y la digital. Los que compren a través de nuestra tienda digital, tendrán un bono de bienvenida en el que se les descontara el 5% desde hoy 13 de octubre hasta el 7 de enero de 2021 y también tendrán acceso a otras campañas que iremos dando a conocer en su momento. Nosotros defendemos la lectura como una necesidad porque como bien dijera Jorge Luis Borges: “El verbo leer, como el verbo amar y el verbo soñar, no soporta el modo imperativo”. Este es el enlace puntualmente, aunque insisto, entrando por la web de la editorial, también los lleva a la tienda digital ACCESO A TIENDA DIGITAL

NUEVAS FECHAS Y CREADORES SELECCIONADOS PARA LA VII EDICION DE BETA PUBLICA ESTE AÑO LA VII EDICION DE MUESTRA COREOGRAFICA BETA PUBLICA SE CELEBRARÁ LOS DIAS 17 Y 18 DE OCTUBRE EN EL CENTRO CULTURAL PACO RABAL DE LA COMUNIDAD DE MADRID Tras la cancelación de las fechas previstas el pasado mes de junio, la séptima edición de BETA PUBLICA se celebrará, presencialmente y mediante online streaming en vivo, los próximos días 17 y 18 de octubre en el Centro Cultural Paco Rabal de la Comunidad de Madrid. La retrasmisión en vivo será producida y emitida por la plataforma Live Vuvuzela. Con los creadores ya seleccionados desde antes del verano, ahora comienzan 4 intensas semanas de trabajo para que público, coreógrafos, bailarines, programadores culturales, medios, productores y demás participantes estén - física y virtualmente - presentes en los procesos creativos de las piezas seleccionadas dando lugar a nuevas reflexiones y acercando puntos de vista que contribuyan a enriquecer el proceso creativo. La VII Edición de la Muestra Coreográfica BETA PUBLICA, que se celebrará los días 17, a las 20.00 horas y el 18, a las 19.00 horas, de octubre, vuelve a reunir en el escenario del C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid un programa innovador, sorprendente y atrevido de creadores Internacionales, Nacionales y de la Comunidad de Madrid. Serán 7 piezas cortas, seleccionadas entre las más de 120 que se presentaron este año, para mostrar y poder disfrutar de lo más novedoso y fresco de la danza contemporánea. PRO.BETA Ana Rosa Manzanera (Valencia) - “Blank. OUT” BETA Tangen|Benzal (Madrid) – “Carretería” Compañía X (Madrid/Eibar) – “Y ahora qué?” Kenji Shinohe (Alemania) – “K(-A-)O” Colectivo Sin Par (Granada) – “Efecto Siam” Over & Out (Alicante) – “Quan els Ocells Prenen el Vol / Cuando los Pájaros Vuelan” Colectivo Banquet (Madrid) – “Rojo Rojo Verde?” Como señala Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de Beta Publica: “En esta VII Edición hemos vuelto a batir récords con más de 120 coreografías de todo el mundo participando en el proceso. A destacar la frescura y la calidad coreográfica y artística de la mayoría de las piezas presentadas, así como el atrevimiento de las 15 que se presentaron a nuestra nueva sección experimental que hemos denominado PRO.BETA” y añade: “Creemos que, con esta selección de piezas los espectadores se divertirán y podrán conocer el estado actual y las tendencias de la danza contemporánea.” Las entradas para asistir a los dos días de la VII Edición de BETA PUBLICA se pondrán en breve a la venta, a precios populares, en www.entradas.com y las propias taquillas del Centro Cultural Paco Rabal de la Comunidad de Madrid. Las entradas para acceder al streaming en vivo de las dos funciones estarán pronto a la venta en Live Vuvuzela. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES periódicas de su Muestra Coreográfica utilizando la Plataforma online proporcionada por TALENTS UNITED® para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación realiza desde febrero del 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 10 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea y a la que asistieron, el pasado mes de febrero, más de 3.500 alumnos y profesores. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa y directora de Beta Pública Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin….) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza, junto con otros creadores, a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 18 proyectos estrenados en España y Estados Unidos.

La Bella Otero y Antonio el Bailarín protagonizan los dos estrenos del Ballet Nacional de España en la temporada 20/21 El Teatro de la Zarzuela de Madrid acogerá en julio de 2021 el estreno de ‘La Bella Otero’, obra argumental dirigida y coreografiada por Rubén Olmo, basada en la vida de la artista española del Folies Bergère. El BNE estrenará en abril un programa en torno a Antonio Ruiz Soler en el centenario de su nacimiento en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. El calendario de giras de ‘Invocación’, el programa estrenado el 7 de marzo en el Festival de Jerez, comienza el 29 de octubre de 2020 en Albacete. El Ballet Nacional de España (BNE) comienza la temporada 2020/2021 en octubre con la recuperación de las giras aplazadas la pasada primavera debido a la covid-19. Después de siete meses alejados de los escenarios, llevará al escenario del Teatro Circo de Albacete los días 29 y 30 de octubre el programa Invocación. Estrenado el 7 de marzo en el Festival de Jerez, está formado por las obras Invocación bolera y Jauleña, de Rubén Olmo; Eterna Iberia, de Antonio Najarro; y De lo flamenco. Homenaje a Mario Maya. Tras Albacete, girará por Terrassa (Barcelona), Zaragoza, San Petersburgo (Rusia), Pozuelo de Alarcón (Madrid), Águilas (Murcia) y Pamplona, a falta de confirmar otras ciudades. Además, la compañía pública de danza española estrenará esta temporada la obra La Bella Otero, de Rubén Olmo; una nueva coreografía para Capricho español, con música de Rimski-Korsakov; y un programa en torno a Antonio Ruiz Soler con motivo del centenario de su nacimiento. El Ballet Nacional de España programa regularmente piezas clave de Antonio Ruiz Soler, especialmente Zapateado de Sarasate, Eritaña o El sombrero de tres picos. Incluso, estrenó en 2016 un Homenaje a Antonio Ruiz Soler, en el que reunía algunas de sus obras más emblemáticas. Lo que distingue al programa que el BNE presentará el 15 de abril en el Teatro de la Maestranza de Sevilla es que incluirá la obra Sonatas, con música del Padre Soler, que no se había vuelto a representar completa desde su estreno en el Teatro Lope de Vega de Sevilla en 1982 y la posterior gira por España y Estados Unidos en 1983. “Quería que esta obra de escuela bolera estuviera en el programa del Centenario, porque refleja muy bien la influencia de la técnica de la danza clásica en el estilo de Antonio; tiene una estructura perfecta, como un ballet clásico”, explica Rubén Olmo. Este programa que el Ballet Nacional de España dedica a uno de los artistas que más han marcado la evolución de la danza española, Antonio el Bailarín, fallecido en 1996, se diferencia también de homenajes anteriores en que ofrece cuatro nuevas piezas inspiradas en su estilo, estética y carácter. Bajo el título Estampas flamencas, Rubén Olmo y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección y ex bailarín principal del BNE, firman unas coreografías que recorren el flamenco tradicional desde sus orígenes, tanto de vestuario como musicalmente; un repaso del cante, el baile y el toque primigenios que transita por los palos flamencos del zorongo, el martinete, los caracoles y las sevillanas. “Creo que a él le hubiera encantado que haya hecho esta versión de su estilo con tanto cariño y respeto como la que hemos preparado en su centenario”, afirma el director del BNE. También de nueva creación es el solo Leyenda, coreografiado por Carlos Vilán para la composición musical Asturias, de Isaac Albéniz. Rubén Olmo decidió encargar a este bailarín y coreógrafo un nuevo montaje para esta música, habitual en el repertorio de los ballets que dirigió Antonio, por el gran conocimiento que Carlos Vilán posee del estilo del maestro, en cuya compañía fue primer bailarín. Como novedad también, esta coreografía es un solo para bailarina, mientras que en la compañía de Antonio lo interpretaba un bailarín. Completan este programa el solo que Antonio incluía en todas sus representaciones benéficas y que es, sin duda, una de sus piezas más conocidas, el Zapateado de Sarasate; junto a Fantasía galaica, con música de Ernesto Halffter. “El Zapateado era su sello. No podíamos dejar de incluirla. Y Fantasía galaica, basada en el folclore gallego, es una obra redonda, incluso mi preferida”, asegura Rubén Olmo. “Todavía no se ha vuelto a crear una obra así”. En el caso de estas dos coreografías, así como en Sonatas, el montaje será fiel al original, por lo que el equipo del BNE está estudiando el archivo audiovisual existente para acercarse lo más posible a la primera versión de estas obras que dirigió Antonio. Solo adaptará los elementos escenográficos para poder representar juntas estas obras. El Ballet Nacional de España estará acompañado en el estreno del programa Centenario Antonio Ruiz Soler el 15 de abril de 2021 en el Teatro de la Maestranza por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, dirigida por Manuel Coves. ‘La Bella Otero’, un ballet dramático ambientado en la Belle Époque El segundo estreno del Ballet Nacional de España en 2021 cumple el sueño que tenía Rubén Olmo desde antes de convertirse en coreógrafo. Se trata en una obra argumental que narra la vida de la bailarina y cortesana Carolina Otero, más conocida como La Bella Otero. Que una de las mujeres más famosas de su época (finales del siglo XIX) fuera de un pueblo de Pontevedra es lo que atrajo al director del Ballet Nacional de España cuando conoció la historia de este personaje. Desde el principio, supo que se necesitaba una compañía de ballet de gran tamaño para contar esta historia mediante la danza y estar al frente del BNE le ofreció la oportunidad que llevaba años deseando. Sus cómplices en esta aventura han sido el dramaturgo Gregor Acuña-Pohl, que ha investigado todo lo que se ha escrito sobre La Bella Otero, incluidas sus memorias, y los músicos Manuel Busto, Agustín Diassera, Diego Losada, Paul Vallet, Víctor Márquez, Rubén Díaz y el grupo Rarefolk, que han creado la partitura original para esta obra. “La música relata muy bien la vida de La Bella Otero y su época y es, sobre todo, muy emocional y pasional”, según Rubén Olmo, que ha diseñado un montaje que incluirá diferentes estilos de danza, desde danza estilizada al flamenco, la danza contemporánea y el folclore, para conseguir una fusión que permita contar la historia de La Bella Otero. Tras ser agredida sexualmente en su adolescencia, Carolina Otero huyó de su aldea natal y consiguió, primero en Portugal y después en Nueva York, ganar fama como cantante y bailarina gracias a los sucesivos benefactores y amantes que la hicieron progresar en su carrera hasta llegar a actuar durante muchos años en el Folies Bergère de París. Se relacionó con reyes y príncipes de toda Europa, a los que seducía y abandonaba, llegando a causar el suicido de muchos de ellos. Aunque su verdadera pasión fue el juego, por el que perdió sus joyas y toda su fortuna en el casino de Montecarlo, y pasó los últimos años de su vida sola y arruinada en un pequeño piso en Niza (Francia). En palabras de Rubén Olmo: “Va a ser un espectáculo muy emocional, emotivo y también dramático, porque es la historia de una mujer que se inventa sus orígenes para llegar a lo más alto, pero al final termina sola y olvidada”. Para interpretar al personaje principal, el Ballet Nacional de España ha invitado a Patricia Guerrero, una de las figuras más relevantes del flamenco más vanguardista. Fue bailarina solista del Ballet Flamenco de Andalucía bajo la dirección de Rubén Olmo, aunque ya antes habían trabajado juntos, y actualmente posee su propia compañía. “Es una bailaora que desprende una gran fuerza en escena, un magnetismo muy potente. Por eso escogí a Patricia Guerrero para este personaje; posee lo mismo que hizo grande a La Bella Otero”, explica Rubén Olmo. La maestra repetidora y ex primera bailarina del BNE Maribel Gallardo encarnará a la protagonista cuando está retirada. “Además de bailarina, es una actriz maravillosa. Ha llevado muchísimos personajes a escena y va a hacer un gran trabajo. Los suyos son unos momentos clave en la obra”, añade. El vestuario será otro de los elementos destacados de La Bella Otero, cuyas escenas transcurren en ambientes tan diferentes como un pueblo gallego, el Liceo de Barcelona, el casino de Montecarlo o la corte del zar de Rusia, diseñados por el escenógrafo Eduardo Moreno. La diseñadora Yaiza Pinillos ha realizado un gran trabajo de investigación sobre la historia del vestuario en distintas épocas, para recrear desde los trajes que llevaban los campesinos gallegos hasta el gran espectáculo del Folies Bergère. El Teatro de la Zarzuela de Madrid acogerá el estreno de La Bella Otero el 7 de julio de 2021. La Orquesta de la Comunidad de Madrid, dirigida por Manuel Busto, estará acompañada por Alejandro Cruz, Agustín Diassera, David Chupete, Rarefolk y los músicos flamencos del Ballet Nacional de España. Calendario giras 2020/2021 Ballet Nacional de España 29-30 octubre 2020 Teatro Circo Albacete Invocación 13-15 noviembre 2020 Centre Cultural Terrassa, Terrassa (Barcelona) Invocación 19-22 noviembre 2020 Teatro Principal, Zaragoza Invocación 14 diciembre 2020 Dance Open Festival Teatro Oktyabrsky, San Petersburgo (Rusia) Invocación 16 diciembre 2020 Gala Dance Open Festival Teatro Oktyabrsky, San Petersburgo (Rusia) Capricho español (estreno absoluto) 23-24 enero 2021 Teatro Mira, Pozuelo de Alarcón (Madrid) Invocación 15-16 abril 2021 Teatro de la Maestranza, Sevilla Centenario Antonio Ruiz Soler (estreno) 1 mayo Auditorio Infanta Doña Elena, Águilas (Murcia) Invocación 16 mayo Baluarte, Pamplona Invocación 7-18 julio 2021 Teatro de la Zarzuela, Madrid La Bella Otero (estreno absoluto)

Dentro  de la Muestra SurgeMadrid estreno el trabajo Las Musas, los días 13 y 14 de Octubre en la Sala Cuarta Pared. La primera vez que pongo en pie un proyecto que no interpreto. Esto como motor ademas de una pregunta que me hago desde hace tiempo y a la que no he contestado pero a la que le he dedicado tiempo. El resultado al que hemos llegado se podrá ver en forma de acto escénico con el cuerpo, la luz, el sonido, la palabra como herramientas para hacer. Con Las Musas Inés Narváez se pone a disposición de la siguiente pregunta: ¿La inspiración se puede provocar? La bailarina y coreógrafa irá construyendo al tiempo que intenta responder a ella. Las musas son ese destello que ilumina la oscuridad, una conexión espiritual donde la meditación libre adquiere forma y responde preguntas que quizás ni me estoy haciendo. El destello surge en un momento, es fugaz, efímero y puede confundirse si no estamos atentos. La energía fluye a través nuestro, somos nosotros los que tenemos que estar atentos y dar forma. Hacer y no hablar de hacer. La inspiración, la creación, el amor, la vida necesitan de tiempo, son tiempo. “Estás perdido desde el instante en que sabes cuál será el resultado”. Juan Gris Autoría y Dirección: Narváez Arróspide Asistencia a la dirección artística: Mónica Runde Interpretación: Luiscar Cuevas, José Luis Sendarrubias y Gonzalo Simón Diseño de iluminación: Bea FD Creación audiovisual, Música Original y Espacio Sonoro: Mónica Runde Coreografía: Luiscar Cuevas, Jose Luis Sendarrubias, Gonzalo Simón y Narváez Arróspide Fotografía y Diseño Gráfico:Mónica Runde &&&&&&&&&&&&&&&&& Fotografías Luiscar Cuevas

"Me llamo Marisa Mateo. Nací en Mallorca y desde muy pequeña sentí la necesidad de bailar. Tenía unos zapatitos de flamenco rojos con lunares blancos que eran mi “juguete” favorito. Mis clases de ballet y danza española eran los mejores momentos del día, sin duda, mucho más que el colegio. A los 15 años me traslade a Madrid para continuar mis estudios de danza. Horas de clase con maestros como Luis Fuente, Carmen Roche, Lola de Ávila, etc..., horas de escenarios y de formación en diferentes ámbitos relacionados con la danza, despertaron en mí, la vocación por la docencia. Mi primer trabajo fue en la Escuela de Ballet de África Guzmán. Destaco en mi carrera, mi etapa como coreógrafa y profesora de ballet del Equipo Nacional de Gimnasia Rítmica durante casi 5 años, años intensos de trabajo, viajes y competiciones donde conseguimos grandes resultados para el deporte español, destacando la Medalla de Oro en las Olimpiadas de Atlanta (1996) en la modalidad de conjuntos. Los años fueron pasando y en el curso 2004/05 me incorporé al profesorado de los Conservatorios de Danza de la Comunidad de Madrid donde finalmente me otorgan el destino definitivo en el Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, centro donde he ejercido de coordinadora TIC, jefa de estudios y, actualmente, como directora. La danza llena todos mis días y deseo que así siga siendo.” El cuestionario de Proust: 30 preguntas para conocer en profundidad a una persona -Principal rasgo de tu carácter. -La paciencia. Supongo que es la cualidad que me da el valor para afrontar el volumen de trabajo que requiere mi día a día. -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -Por supuesto que todas aquellas que le dignifican, pero sobre todo aprecio su capacidad de mantener el ascensor del ego en la planta baja. Si, además, sabe darle el punto justo de sal a las comidas... pufff!!! -¿Y en una mujer? -La valentía de asumir el verdadero papel que esta sociedad demanda de nosotras, sin estar por encima, pero nunca por debajo. -¿Qué esperas de tus amigos? -En realidad, no espero nada, la amistad la concibo como entrega, al igual que el amor. Si la entrega se produce por ambas partes, lo recibes todo. No tengo muchos, pero los que comparten el camino conmigo, estarán para siempre. -¿Tu principal defecto? -Tomar decisiones. Me cuesta. Doy muchas vueltas a las cosas, sopeso lo positivo y lo negativo, tomo mil puntos de vista, me enredo en mis pensamientos, pero una vez tomada la decisión, tomo las riendas de la situación, observo el camino elegido y no pienso más en lo que hubiera podido pasar si la decisión hubiera sido otra. -¿Tu ocupación favorita? -Tengo dos: 1 - Me encanta ir a los teatros, conciertos, espectáculos de danza, presentaciones de libros, conferencias, tertulias, etc.… y me gustan las redes sociales para poder dar difusión a la Cultura, en especial a la Danza. 2 – Disfrutar de la visión fotográfica de mi marido, Tino Morán, y compartir con él horas de viajes, posados y visionados. Desde que descubrió el mundo de la fotografía me he convertido en su musa (eso dice él, jjjj) y en los últimos 6 años tengo más fotografías que en los cuarenta y tantos anteriores. -¿Tu ideal de felicidad? -Como dice Punset: "La felicidad está en la sala de espera de la felicidad, es decir tenemos que ser felices esperando a ser felices". Mi felicidad reside en la organización de un viaje en familia, de una exposición de mi marido, detrás de un proyecto de trabajo, preparando una cena para los amigos o pensando en el regalo ideal para alguien a quien quiero... momentos sencillos que convierten la vida en satisfacción. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? Soy egoísta en esta respuesta, no puedo pesar en desgracia peor que perder a mi familia, no concibo mi vida sin ellos. -¿Qué te gustaría ser? -Lo que soy, si además pudiera despeinarme más a menudo sería fantástico...jajaja -¿En qué país desearías vivir? -Creo que nuestro país es maravilloso; no lo cambiaría por ningún otro. Nadie da más; luz, sol, mar, tradiciones, gastronomía... y sobre todo la mezcla de culturas. -¿Tu color favorito? -Siempre el rojo y en su defecto el granate. Me transmite fuerza, sensualidad y firmeza. -La flor que más te gusta. -Me gusta la variedad. Los ramos de flores silvestres. Pero las orquídeas, sin ser mis preferidas, me traen al recuerdo el día mi boda. -El pájaro que prefieres. -No soy mucho de pájaros, pero me encanta la majestuosidad de las aves rapaces. Ver volar los “voltors negres” (buitres) sobre la Sierra de Tramuntana mallorquina me llena de paz. -Tus autores favoritos en prosa? -Me gusta la lectura en general, aunque no siempre tengo tiempo para ella y no tengo un autor favorito. Leo a Eduardo Punset, a J. Luis Sampedro... cualquier libro del que me atraiga el título o me recomienden mis amigos. Ahora estoy leyendo “La bailarina de Auschwitz” de Edith Eger. -Tus poetas Me erizan la piel los poemas de Miguel Hernández y de Lorca. Me gusta, también, la poesía actual, hay mucho talento en los jóvenes de hoy. Pero, sobre todo, me gusta la poesía de mi marido que escribe desde que era niño. -Un héroe de ficción -De pequeña me llamaba la atención THOR, el Rey del Trueno, y claro, después de las últimas versiones cinematográficas me reitero en mi elección. -¿Una heroína? -Elasti-Girl, madre, mujer, sexi, super-elástica y lucha contra “los malos”. - Tu compositor favorito. -Philip Glass siempre me ha gustado, tiene un estilo muy personal. -Tu pintor preferido. Sorolla por su luz, su color y su capacidad de plasmar el movimiento. Recientemente tras la lectura de “Hannah” de Christian Gálvez he descubierto al pintor expresionista Egon Schiele y me estoy interesando por su obra. -Tu héroe de la vida real. -En los tiempos de pandemia que vivimos, los héroes son todos aquellos que han estado (y continúan) trabajando por el bienestar de todos nosotros. - Tu nombre favorito. -Los nombres de mis hijos: Raquel y Alejandro, aunque también me gustan Marta y María. -¿Qué hábito ajeno no soportas? Los hábitos ajenos no me molestan, pero me costaría compartir momentos con personas desordenadas, que gestionan mal el tiempo y tienen el hábito de llegar siempre tarde a todos los sitios. -¿Qué es lo que más detestas? -La falta de claridad, complicar lo sencillo y buscar conflictos donde, en principio, no los hay. -Una figura histórica que te ponga mal cuerpo. -Cualquiera que haya utilizado el odio, las armas, el racismo, etc... para doblegar de una manera u otra a sus semejantes. Me horrorizan muchas partes de la historia, pero tal vez la Inquisición, en la figura de Tomás de Torquemada, me pone los pelos de punta. - Un hecho de armas que te admire. No me gustan las armas y menos su uso. No puedo entender que no se puedan utilizar otras fórmulas para solucionar conflictos. Ni ayer, ni hoy, ni en el futuro. -¿Qué don de la Naturaleza desearías poseer? -Desearía tener el don de la ubiquidad, estar en 2 sitios a la vez, porque me falta tiempo para todo lo que me gustaría hacer. - ¿Cómo te gustaría morir? -No me gustaría, pero puestos a elegir, con la conciencia tranquila, los proyectos realizados, las sábanas limpias y sintiendo el calor de las manos de mi familia. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Moderadamente tranquilo. La “procesión” suele ir por dentro. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -Me cuesta definir los defectos, no estoy segura de que lo que consideramos defectos en realidad lo sean, por lo que supongo que mi indulgencia se inspiraría sobre todo en las personas que no son conocedoras de “ellos”. -¿Tienes un lema? -Últimamente mi lema es: “Cuando llegue ese puente... ya lo cruzaremos”. No preocuparse ni buscar soluciones a problemas que aún están por llegar. Texto ilustrado con fotografías de Tino Morán, Belén Vázquez y fotografías de archivo

En medio de la tristeza de estos días, es difícil encontrar las palabras adecuadas para agradecer suficientemente a los artistas por ser capaces de seguir emocionándonos. Nos transmiten una sensación inefable, como si el corazón se nos ensanchara. Este vídeo que conmemora el Día Nacional del Turismo acaba de ver la luz. El Museo del Prado junto con la Asociación de Tablaos Flamencos de Madrid, han sido los "ideólogos" de esta filmación tan especial, organizada por Antonio Najarro, que llamó a unos grandes artistas, que han contribuido desinteresadamente, como un reclamo destinado a fijar los ojos del mundo en lo mejor de nuestro arte y llamar la atención desde esta terrible situación que ha obligado al cierre de los tablaos. Fue toda una sorpresa, en las imágenes que se difundieron ayer y que precedieron a la emisión del vídeo, ver bailar a Cristina Cazorla en la sala de los Velázquez, en perfecta armonía estética con el retrato de Mariana de Austria, trasmitiéndonos una emoción que nos traspasa. Nada puede haber, en resumen, que contenga una mayor dosis de esencia del arte español que la danza bolera, única en el mundo, junto a la pintura del más grande de nuestros pintores. Maravillosa Cristina. Cristina Cazorla La filmación tendrá un enorme éxito y llegará a todas partes del mundo. Ante los cuadros también han bailado Manuel Liñán, Jesús Carmona, Eduardo Guerrero, Olga Pericet y el propio Antonio Najarro, que ha sido el encargado de dar forma a esta iniciativa a modo de gran embajador y difusor de la Danza Española. Manuel Liñán Manuel Liñán, frente a la Inmaculada de Murillo, destacó rompedor con su bata de cola y el vuelo de su mantón. Sugiere su ansia, una aspiración hacia otro mundo. Jesús Carmona Jesús Carmona, mostró ante el tríptico del Descencimiento de Van Der Weyden, su hermoso torso lleno de fuerza y pureza. Poético. Eduardo Guerrero Eduardo Guerrero, con Rubens al fondo, hizo gala de su flamenco desnudo, sobre el duro suelo, como si sus pasos se convirtieran en latido. María Mezcle Antonio Najarro lució esa elegancia, que es la base de su esencia, al toque de sus castañuelas. Quedó soberbio junto a cuadros de El Greco. Y Olga Pericet, artista camaleónica donde las haya, ofreció unos pasos de connotaciones casi dramáticas, como el grito contenido que anida en su interior. Gran expresividad. Es casi milagroso en la actual situación, que el artista sea todavía capaz todavía de encontrar resquicios, salidas, pequeñas grietas por donde respirar en medio de esta asfixia, generando amplitud, espacios donde se expande y que con su poder transforma. Y todo se hizo en una semana, y aun así, fueron capaces de engrandecer los cuadros, algo que, dada la inmensa calidad de las obras de arte que alberga el Museo, es una hazaña de tintes imposibles. Pero lo lograron. Sois Luz en medio de esta oscuridad. MERCEDES ALBI

Mercedes Suárez nos responde el Cuestinario Proust, este antiguo juego de salón compuesto por una serie de preguntas que definen el carácter de quien las contesta. Ella por su alma de artista es instintiva, lo que se traduce en sus respuestas. Vive actualmente una nueva etapa vital, en la que optó por la libertad dimitiendo de su cargo como Directora del Centro Coreográfico Gallego. Pasó el confinamiento dedicada a sus esculturas de barro. Se siente feliz, incluso, en medio de las actuales circunstancias de la pandemia, que ha sido más leve en A Coruña, y han podido reanudar las clases en su Escuela Druida con la ilusión y el ánimo que siempre les impulsa a continuar. El cuestionario de Proust: 30 preguntas para conocer en profundidad a una persona -¿Principal rasgo de tu carácter? -El despiste, por lo menos eso es lo que dicen los demás de mi. -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -La bondad, y esto implica un montón de cosa: tolerancia, empatía, caridad... -¿Y en una mujer? -Lo mismo, la bondad. -¿Qué esperas de tus amigos? -Nada, no espero absolutamente nada. -¿Tu principal defecto? -Pues, también siguiendo la opinión de otros, la impuntualidad, pero tengo muchísimos, seguramente no me los dicen. Podría enumerarte algunos: el mal genio, me enfado a menudo pero se me pasa en 5 segundos; la insociabilidad; la intolerancia ante lo que creo que es injusto... -¿Tu ocupación favorita? -El modelado, me encanta tener las manos en el barro y que surjan cosas, me apasiona, podría estar todas las horas del día entre el barro. -¿Tu ideal de felicidad? -Esto es muy difícil de responder pero soy bastante feliz cuando puedo asistir a una buena ópera. Me encanta la ópera. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -¿Qué te gustaría ser? -Bailarina, en el más amplio sentido de lo que esto significa. Tuve una maestra de ballet que me dijo una vez que "cuando dominase la técnica entonces tendría que olvidarla para poder bailar", nunca lo conseguí. -¿En qué país desearías vivir? -La verdad, no me importa el país, me vale cualquiera. -¿Tu color favorito? -El verde y el azul juntos pero no mezclados. -¿La flor que más te gusta? -Las anémonas, tienen todos los colores y son sencillas. No son nada prepotentes. Las descubrí cuando vivía en París, un día saliendo del metro lo primero que vi fue una vendedora de flores, todas eran anémonas llenas de color y me quedé un rato mirando, me parece que ese fue el día en que fui consciente de su belleza. -¿El pájaro que prefieres? -Supongo que el gorrión, es el que más conozco pero me encantan las águilas. como soy fan de todos los animales me cuesta elegir. ¡Poder volar tiene que ser fantástico! -¿Tus autores favoritos en prosa? -S. Beckett, García Márquez, Cioran, Albert Camus, Jean Tardieu.... -¿Tus poetas? -J. Prévert, Antonio Machado, Miguel Hernádez, Pablo Neruda... -¿Un héroe de ficción? -Don Quijote. -¿Una heroína? -Anna Karenina. -¿Tu compositor favorito? -¡Madre mía!!!! ¿Cómo puedo responder? Pues... Beethoven, sobre todo las sonatas y las sinfonías. -¿Tu pintor preferido? -¡Ay Dios! qué difícil es todo, E. Hopper, Magritte..... -¿Tu héroe de la vida real? -Gandhi. -¿Tu nombre favorito? -No tengo nombre favorito. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -La mala educación y la envidia. -¿Qué es lo que más detestas? -Las guerras y la mala educación. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Hitler o casi más, Goebbels, no sé cual elegir, de hecho. hasta siento tener que nombrarlos y recordar que han existido. -¿Un hecho de armas que te admire? -Ninguno, no me admira nada que lleve la palabra "armas". -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -La capacidad de hacer música, aunque supongo que para eso habría que estudiar antes. Me gustaría también saber escribir y que alguien se sintiese bien con lo que escribo. -¿Cómo te gustaría morir? -Es algo que nunca se me ocurrió pensarlo, no me gustaría morir. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Depresiva/contenta. Creo que soy un poco "maníaco depresiva". -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -Los defectos físicos. Ahora supongo que he metido la pata con la respuesta pero tengo una explicación. Cuando era muy pequeña tenía una compañera de clase que tenía estrabismo, un día varios niños la acorralaron contra una pared y no paraban de reírse y meterse con ella, la recuerdo moviendo su cabeza asustada y sin articular una sola palabra. Ese día descubrí la maldad y sentí mi impotencia de no poder hacer nada (tenía 5 años). Esa imagen me persiguió toda la vida. -¿Tienes un lema? -No, no tengo. MERCEDES ALBI

Del 17 al 19 de septiembre en las Naves del Español en Matadero Sharon Fridman estrena Dosis de Paraíso, un manifiesto coreográfico sobre el amor y las relaciones Es el último espectáculo del coreógrafo israelí, creado en colaboración con el artista audiovisual belga Ofer Smilansky Melania Olcina y Arthur Bernard Bazin protagonizan esta reflexión sobre el papel de las tecnologías como espacios emocionales La pieza recurre a efectos visuales avanzados y a un particular diseño de iluminación que dialoga con música y danza "Esta es la historia de una pareja que podría ser cualquier pareja. Sobre un escenario eléctrico, visualmente arrebatador, lo autobiográfico se entrelaza con lo universal. La intensidad de las vivencias trascendentes alterna con la mecánica repetitiva de las rutinas. Los tiempos se diluyen y convergen: hoy, ahora, antes, mañana, ayer. Es también una mirada sobre lo que estamos viviendo: una pieza de contacto en un mundo en el que está prohibido tocarse. Una pieza acerca del lugar de los cuerpos en la era de lo virtual". Así se acerca Sharon Fridman a su última creación, Dosis de Paraíso, un manifiesto personal sobre el amor, las relaciones y la tecnología. La obra, que podrá verse desde hoy 17 de septiembre hasta el al sábado 19 en las Naves del Español en Matadero (Sala Max Aub, Nave 10) surge de la colaboración del coreógrafo israelí con otros artistas internacionales, como el artista audiovisual belga Ofer Smilansky. Sharon Fridman (Premio Max 2015 al Mejor Espectáculo por Free Fall y Premio Max 2019 al Mejor Espectáculo por Erritu) explica que con Dosis de Paraíso busca "dar especial protagonismo a universos visuales que permitan a intérpretes y espectadores abstraerse del propio espacio teatral para adentrarse en paisajes emocionales: el interior del cuerpo o el corazón, por ejemplo". Los bailarines Melania Olcina y Arthur Bernard Bazin se encuentran y se entregan, descubriendo la turbulencia del movimiento, la oportunidad del abrazo y el miedo a la soledad. Comparten una certidumbre: mantenerse en el paraíso no fue tarea fácil, quedarse en el presente, sin la refracción del pasado ni la proyección del futuro. La técnica del contact improvisation, de la que la Compañía Sharon Fridman es un referente, se alía con los efectos visuales avanzados y un particular diseño de iluminación que se integra con la música y la danza. En este sentido, Dosis de Paraíso es la obra más compleja de la compañía y también la más narrativa. Tras una muestra del proceso creativo del espectáculo en el prestigioso Suzanne Dellal Center de Tel Aviv, la crítica Ora Brafman describió Dosis de Paraíso como "Una pieza de 'contacto' que marca nuevos límites para el género (...). Un trabajo placentero y especial, con una representación magnífica, con momentos de emoción y magia". El trabajo de investigación y creación para este espectáculo se ha desarrollado en el marco de residencias técnico-artísticas en el Teatro Francisco Rabal de Pinto, donde la compañía es residente desde octubre de 2018. Dosis de Paraíso podrá verse en los próximos meses en Dansa València (15 de noviembre 2020), Danza Gijón (21 de octubre 2020), Teatros del Canal (mayo 2021) y Cádiz en Danza (junio 2021), además de en teatros de Colombia y Alemania. Es una coproducción con el Auditorio de Tenerife, apoyada por la Comunidad de Madrid, el INAEM, el Ayuntamiento de Pinto y el Teatro Francisco Rabal. SHARON FRIDMAN El folclore israelí, la danza contemporánea, el ballet clásico y el lenguaje del contact improvisation dibujan el conocimiento dancístico del coreógrafo israelí Sharon Fridman (Hadera, 1980) y su compañía con sede en Madrid. Fridman comienza a bailar a los seis años en la agrupación de danza y folclore israelí Hora Pardes Hanna, del coreógrafo Dado Kraus. Con dieciséis se incorpora como voluntario en Ilanit, el hospital de diversidad mental donde trabajaba su madre, ayudando a los pacientes mediante terapias de movilidad corporal. En 1995 empieza a estudiar Danza Contemporánea y a bailar con la compañía de Yehonatan Carmon, en la Opera House de Tel Aviv. En 1999 ingresa en la prestigiosa compañía Ido Tadmor Dance Company. La Kibbutz Contemporary Dance Company, la compañía de danza Vértigo y diversos proyectos para el efervescente Suzanne Dellal Center, centro para la creación dancística en Israel, completan la trayectoria de Fridman. Su labor como coreógrafo comienza en el año 2000, con la creación del grupo Phrasal, y de las piezas Covered Red (2000) y Anna (2001). Entre 2004 y 2008 ejerció las funciones de coordinador artístico y coreógrafo en la compañía Mayumaná. En 2006 se establece en Madrid y funda la Compañía Sharon Fridman. La primera obra del grupo se estrenó en el Certamen Coreográfico de Madrid y obtuvo varios premios a la creación y a la producción. La base técnica de sus piezas se centra en la relación entre la gravedad y el equilibrio, y está inspirada en la madre del artista, que nació con el síndrome de Arnold Chiari. A partir de esta técnica, ha desarrollado un nuevo lenguaje corporal al que el coreógrafo denomina INA, Contact INcreation. Otras obras con su firma son Waiting (2003), The Creation (2004), Carlos & Me (2007), Q Project (2008), Shakuff (2010), Al menos dos caras (2011), Hasta dónde…? (2011) y Rizoma, una coproducción del Festival Quartier d’ Été que se estrenó en Los Inválidos de París con 70 bailarines y 10 violonchelistas. Este proyecto nació en París en 2012 y desde entonces se ha presentado en la Bienal Danza de Calí (Colombia), en el Oerol Festival de Terschelling (Países Bajos), en Hong Kong (China), en el Oriente – Occidente: Festival di danza contemporanea de Rovereto y en el Festival Opera State de Bassano del Grappa (Italia). En 2008 participa en Dance Lines ’08, un proyecto para el desarrollo de jóvenes coreógrafos de la Royal Opera House de Londres, bajo la dirección artística de Wayne McGregor. El año siguiente es invitado a formar parte de Choreoroam ’09, proyecto de investigación coreográfica que consta de una serie de clases magistrales y residencias artísticas en seis capitales europeas, donde desarrolla y presenta su solo Beyond, que es representado en el festival Dance Week de Zagreb (Croacia) y en el festival Opera Estate de Bassano del Grappa (Italia). En su prolífera carrera, Fridman ha recibido distintos galardones como el premio Alicia Alonso CIC’2012 (Fundación Autor-Ballet Nacional de Cuba) con el dúo Hasta dónde…?, el Premio a la Mejor Propuesta de Danza Contemporánea en le edición 2011 de la Feria Internacional de Danza y Teatro de Huesca con Al menos dos Caras y el Primer Premio y Premio del Público en el Certamen Coreográfico Burgos-Nueva York (2011) también con Hasta dónde…?, cinco premios en el Certamen Coreográfico de Madrid 2007 con Carlos and me, entre ellos el Segundo Premio a la Mejor Coreografía, el Premio del Público y el Tercer Premio en el Certamen Coreográfico Internacional de Hannover 2009 con el mismo montaje. En 2015 recibe el Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza por Free Fall y en 2019 vuelve a recoger este galardón por su pieza Erritu. Un gran número de compañías y agrupaciones bailan hoy sus creaciones: la Compañía Nacional de Danza de España, la Compañía Nacional de Danza de Paraguay, la Vertigo Dance Company de Israel, el Bora Dance Project de Corea del Sur, la compañía Kukai Dantza del País Vasco, el Colectivo Cinético de Italia, la compañía LaMov de Zaragoza, la Compagnie Jus de la Vie de Estocolmo y el Ballet Bielefeld de Alemania. Sus obras han sido coproducidas por instituciones de referencia como el Mercat de les Flors, el Teatro Ludwigshafen, el Festival de otoño en primavera, Madrid en Danza y el Auditorio de Tenerife, entre otros.All ways (2016), una pieza para ocho intérpretes, es la culminación de diez años de investigación coreográfica en Madrid, un reflejo de la trayectoria de la compañía que investiga conceptos como la armonía colectiva. La pieza se alza en 2017 con el Premio al Mejor Espectáculo de Danza en la Feria de Teatro y Danza de Huesca. Hoy, la compañía Sharon Fridman es residente en el Teatro Francisco Rabal de Pinto (Madrid), donde lleva a cabo proyectos con la comunidad y obras de creación propia. En los últimos años, Fridman ha dirigido los festivales de danza Gvamin 2018 del Suzanne Dellal Center en Tel Aviv y Danzamos Conde Duque en Madrid (2017). En la actualidad sigue trabajando en proyectos de exhibición artística a nivel local como miembro de diferentes plataformas como Coreógrafos en Comunidad, de la que es uno de los socios fundadores. Las producción más recientes de la compañía son Dosis de Paraíso y Shape on us, esta última producida junto a la Vertigo Dance Company y creada para 10 bailarines con diversidad funcional. www.sharon-fridman.com

Olga Pericet se alzó anoche en Málaga con el Premio Max de las Artes Escénicas a la Mejor Intérprete Femenina de Danza por su espectáculo Un cuerpo infinito, en el que explora el mito de Carmen Amaya. En esta XXIII edición de los galardones, la coreógrafa y bailaora estaba también nominada en la categoría de Mejor Espectáculo de Danza, por esta misma pieza. Es el tercer premio Max que gana Pericet tras los obtenidos por su espectáculo Pisadas (2015, Premio Max a la Mejor Bailarina Principal) y por su trabajo en De Cabeza (2009, Premio Max a la Mejor Coreografía). Un cuerpo infinito, que se estrenó en mayo de 2019 en los Teatros del Canal, se presentará el próximo 1 de octubre en la Bienal de Sevilla y el 14 de noviembre en Danza Valencia. Sobre Un cuerpo infinito Un cuerpo infinito es un viaje de autoconocimiento físico y espiritual en torno a la legendaria figura de la bailaora para entrar en su propio universo creativo. No se trata de recrear un determinado repertorio, o repetir ciertos discursos históricos, sino de abrir la recepción hacia una de las bailaoras más “reconocibles” de la historiografía tradicional. Carmen Amaya como material creativo, como posibilidad, no como pretexto ni esencia. Para este proyecto, una idea original de la propia Olga Pericet, la coreógrafa y bailaora ha buscado el asesoramiento dramatúrgico de Roberto Fratini, el acompañamiento coreográfico de Marco Flores, Rafael Estévez y Valeriano Paños y la dirección escénica de Carlota Ferrer. Las dos ya colaboraron juntas en La espina que soñó con ser flor o la flor que soñó con ser bailaora (2018), una pieza innovadora desde el punto de vista teatral (por su inmersión en los códigos flamencos) y también desde el flamenco, por mostrar una cierta permeabilidad a la hora de trabajar desde el lenguaje escénico contemporáneo. En La espina la mirada se dirigía a la vulnerabilidad. Aquí esa vulnerabilidad reaparece. Si en Pericet hay una aceptación y un reconocimiento a un determinado estado del cuerpo, en la lejanía suena un eco que lleva al espectador a una Carmen Amaya distinta a cómo se ha contado. Una Carmen en la que, como recalca Pericet, había dolor y sufrimiento, mucho más del que puede parecer. Hasta el final de su vida sufrió graves dolores: en las caderas, en las rodillas, llegando a padecer una insuficiencia renal que no le impidió, sin embargo, seguir bailando. El único límite fue la propia muerte. Olga Pericet la invoca en escena y cada una entra en el lenguaje de la otra. En los silencios, en la quietud, en los cimbreados de cadera, ahí está Carmen Amaya. Si la energía de Olga es centrífuga, la de Carmen es centrípeta, pero todos esos movimientos circulares son complementarios. En la escenografía vemos una constelación dibujada que refleja muy bien el movimiento de estos dos planetas que han decidido mirarse. Tras su presentación en el festival Mont de Marsan en julio de 2019, escribió sobre la pieza la crítica especializada: "... un trabajo de riesgo, comprometido y muy elaborado, con piezas realmente emotivas, envolventes, que están llamadas a hacer de la obra algo importante y trascendente para el estudio de las nuevas generaciones". (El Mundo). Sobre Olga Pericet Creadora internacional, la bailaora y coreógrafa Olga Pericet comparte desde hace casi dos décadas su vibrante arte con el público de los principales festivales y teatros del mundo. Bebe de la tradición y se lanza al abismo de lo nunca visto con espectáculos en los que late un flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino y masculino, inquietante y bello. Licenciada en danza española y flamenco y conocedora del contemporáneo, la artista cordobesa es una de las mejores representantes de la renovación flamenca de la escena actual. Desde 2004, año en el que estrenó su primer espectáculo, la artista no ha dejado de trabajar. Ha compartido escenario con figuras como Ana Laguna, Lola Greco, Nacho Duato, Enrique Morente, Isabel Bayon, Joaquín Grilo, Merche Esmeralda o Carmen Cortés, entre otros. En 2018 recibe el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación por “su capacidad de aunar las distintas disciplinas de la danza española, actualizándolas en un lenguaje interpretativo con sello propio” y por “su versatilidad escénica y su valiosa capacidad de transmisión”. “Pericet es innegablemente carismática y su técnica es deslumbrante”, dice de ella The Washington Post. Entre sus obras se encuentran La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora, Pisadas, fin y principio de mujer, De una pieza y Rosa, metal, ceniza.

Manuel Liñán recogió anoche en Málaga el Premio Max del Público 2020 por ¡Viva!, su pieza más emblemática y uno de los espectáculos revelación de la temporada pasada. El montaje se ha alzado también recientemente con el Premio de la Crítica en el último Festival de Jerez. La pieza podrá verse próximamente en el Teatro Circo de Murcia (10 de octubre), Danza Valencia (12 de noviembre), Auditorio Maestro Padilla de Almería (12 de diciembre) y en los Teatros del Canal de Madrid (del 27 de diciembre al 1 de enero). Sobre ¡Viva! “Hacía años que no se oían aplausos y vítores así en una obra de danza española. El entusiasmo rozaba por momentos el circo romano y aquello acabó con todo el mundo en pie” (El País, 2019). Estas palabras del crítico Roger Salas describen la sensación apoteósica que provoca en el público ¡Viva!, el último montaje de Manuel Liñán, coreógrafo y bailaor granadino, Premio Nacional de Danza 2017. Y es que desde que se estrenara en 2019, el montaje ha supuesto un gran éxito allá donde se ha presentado, provocador para algunos y revelador para otros. La pieza nace de un recuerdo de la infancia de Liñán: “De pequeño me encerraba en mi cuarto y me vestía con la falda verde de mi madre. Me adornaba el pelo con flores, me maquillaba, y bailaba a escondidas. Ese baile era impensable fuera de esas cuatro paredes”. Con esta pieza, Liñán propone, en sus propias palabras, "la pluralidad del baile, las distintas formas y la singularidad de cada una de ellas. Junto a seis bailaores-bailarines que serán los encargados de explorar este universo fascinante del travestismo y exponer así, la normalización y formalización de estas identidades". A lo largo de su recorrido, ¡Viva! ha recorrido importantes festivales de la geografía peninsular y ha colgado el cartel de no hay entradas en muchos de los teatros en los que se ha presentado. También más allá de nuestras fronteras, como en el Festival Flamenco de Milán, y llevando una nueva forma de entender el flamenco hasta el continente americano. Prueba de ello es la gran acogida en el Festival de Flamenco de Alburquerque (Nuevo México, USA). Sobre Manuel Liñán Manuel Liñán (Granada, 1980) es un artista de arraigo flamenco; bailaor, coreógrafo y director de su propia compañía. Tras años involucrado en el estudio de nuevas tendencias, Liñán apuesta por situar la tradición flamenca en el punto más alto de la vanguardia. Sus espectáculos se caracterizan por el dominio escénico y la creación de nuevos paradigmas a través del cante, la guitarra y el baile flamenco. Según destaca la crítica, Manuel Liñán “es un ejemplo de esa hornada de artistas que entiende el flamenco como un arte en permanente diálogo con la sociedad que le envuelve” (Julio Bravo, ABC, 2010). Liñán se formó en Granada junto a figuras como Manolete y Mario Maya. En 1997 entra a formar parte de la compañía de Carmen Cortés. Un 1998 trabaja con la compañía de Adrián Galia y en 1999 pasa a ser integrante de la compañía de Manolete. En su faceta como solista ha colaborado con artistas de la talla de Merche Esmeralda, Teresa Nieto, Belén Maya y Rafaela Carrasco. Y, como coreógrafo, Liñán ha coreografiado para el Ballet Nacional de España y el Nuevo Ballet Español, entre otros. Sin olvidar las producciones conjuntas con Olga Pericet, Marco Flores y Daniel Doña. En el año 2008 arranca su andadura en solitario con el montaje Tauro, seguido de los espectáculos Mundo y Aparte y Sinergia, con los que ha recorrido numerosos festivales como el Festival de la Unión, Madrid en Danza, la Bienal de Sevilla o el Festival de Jerez, donde se alzó con el premio Bailarín Revelación en el año 2012. En 2014 estrena Nómada en el Festival de Jerez, un espectáculo de gran formato que posteriormente recorrió numerosos festivales por todo el mundo. Dos años más tarde presenta Reversible, pieza en la que realiza un viaje emocional a la memoria de los primeros recuerdos y en 2018 estrena Baile de autor. Su último montaje es ¡Viva! Premios Pronto comienza a destacar en certámenes y concursos como la Bienal de Sevilla de 1998 donde quedó finalista; y en la décimo tercera edición del Certamen Internacional de Danza Española y Flamenco, en 2004, donde obtuvo el premio a la Mejor coreografía solista y al Mejor bailarín. También atesora el Premio otorgado por Hugo Boss a nuevos valores de la Danza en el año 2003 y el Premio al Bailaor Revelación otorgado por deflamenco.com en 2006. En 2012 logra el Premio Bailarín Revelación del Festival de Jerez y los años 2013 y 2014 es galardonado con el Premio a Mejor bailaor que otorga la crítica especializada de Flamenco Hoy y el Premio Granada Joven (2014), en la modalidad de Arte, concedido por el Instituto Andaluz de Granada. Ha sido finalista de los premios MAX como Mejor intérprete de danza durante cinco años consecutivos, hasta 2013, año en el que se alzó finalmente con el galardón en esa categoría, repitiendo en la edición de 2017. Como coreógrafo, Liñán resultó merecedor del Premio Max 2009 en la categoría de Mejor Coreografía con el espectáculo De cabeza, de la compañía de Teresa Nieto, y fue finalista en la edición de 2013 junto a Daniel Doña, por el espectáculo Rew. En cuanto a los montajes de su compañía, con la pieza Reversible logra el Premio de La Crítica del Festival de Jerez en el año 2016 y un año más tarde se alza con el Premio Nacional de Danza que otorga el Ministerio de Cultura. El jurado destacó "la riqueza de su interpretación que se nutre de diversas influencias, a la vez que ensancha los horizontes del flamenco". Recientemente ¡Viva! le ha valido el Premio Max del Público 2020 y el Premio de la Crítica del último Festival de Jerez. Como docente Liñán es invitado por el Ballet Nacional de España para la realización de cursos intensivos. Ha impartido clases generales en el Centro de Danza Amor de Dios y ha realizado cursos magistrales en el Festival de Jerez durante cuatro años consecutivos (2008-2011). A lo largo de su carrera ha realizado cursos internacionales en Italia, Japón, Australia, Estados Unidos, Finalandia, Brasil, Israel, Rusia, Argentina o China, entre otros.

El título del recién estrenado espectáculo de la Cía. Emilio Ochando en el Centro Cultural Paco Rabal, "Clásica tradición" hace honor al conocido aforismo orsiano inscrito en la fachada norte del Casón del Buen Retiro de Madrid: «Todo lo que no es tradición es plagio». Y es que nos encontramos con algo totalmente auténtico. Ayer los que asistimos al estreno del nuevo espectáculo de la Cia. Emilio Ochando nos sentimos unos verdaderos privilegiados. Con "Clásica tradición" se percibe que es algo que le ha salido del alma, porque Emilio es un animal de danza, nació así y lo que le sale se llama pura y simplemente: Arte. No podíamos dejar de aplaudir. Rindió al público. Su técnica de bailarín fue un alarde que partió del clásico con el Fandango de Doña Francisquita, dejándonos boquiabiertos con sus vuelos, para continuar apuntando a nuestro corazón con las canciones de Lorca, y una interpretación con castañuelas, de originalísima estética en el Fandango de Boccherini, donde entrega todo el protagonismo de la danza a las castañuelas a costa del suyo propio, atreviéndose a tocar los palillos como nadie antes lo ha hecho. Nada se le resiste, todo lo agranda; además tiene gracia, como demostró cantando "Las cosas del querer" con la magnífica cantaora Loreto de Diego, cuya voz prodigiosa le envolvió a lo largo del espectáculo. Los músicos eran excelentes: Daniel Jurado a la guitarra con un polifácetico, Gonzalo Grau que alternó como un mago el piano, el chelo y la percusión. La variedad de los temas quedó, sin embargo, unificada y cohesionada bajo una estética cuidadísima de equilibrado cromatismo, y gracias también a el gran talento escénico de Emilio. El sentido rítmico de Emilio Ochando es algo prodigioso, no se detiene en las palmas y el taconeo, sino que se extiende a recursos de insólita originalidad, como el uso de las campanillas o el de las cucharas, alcanzando en su percusión un paroxísmo que arrancó los vítores de los asombrados espectadores. Raro placer, efectivamente, el que gozaron los que lograron estar ahí, pues hubo gente en lista de espera que no pudo conseguir entrada por las complicaciones debidas a las restricciones de aforo... Duele está exagerada restricción en los teatros, cuando en trenes, aviones y ahora los colegios están abarrotados. Debería cuestionarse la razón de porqué tienen que pagar el "pato" la cultura y los artistas, cuando nunca ha habido ni un solo caso de contagio procedente de un teatro... En fin, los que sí estuvieron, saben que lo que he escrito sobre "Clásica tradición" es cierto. Gracias artistas. MERCEDES ALBI