FECED ESTIMA UNAS PÉRDIDAS DE ENTRE 20 Y 25 MILLONES DE EUROS EN 2020 PARA LA DANZA EN ESPAÑA Y SOLICITA MEDIDAS DE URGENCIA ANTE LA EPIDEMIA DEL COVID-19 Las medidas adoptadas por el Gobierno de España para la contención de la epidemia del COVID-19 suponen unas graves consecuencias económicas y estructurales para muchos sectores de nuestro país, uno de ellos es el sector profesional de la danza, que ha visto totalmente paralizada su actividad –de manera similar a muchos otros profesionales de la escena y de la cultura en general–, sumido además en una situación de incertidumbre por no saber cuándo la va a poder retomar y sin contar por el momento con medidas de apoyo específicas. El cierre de teatros y otros espacios culturales y de formación, donde desarrollan su actividad las compañías y profesionales de la danza, supone la suspensión total de su trabajo durante estas primeras semanas de contención. Se calcula, además, que la crisis supondrá una parálisis parcial durante un periodo de entre dos y diez meses para todos los y las profesionales de la danza. En los últimos días se han sucedido cancelaciones y suspensiones de funciones y actividades de danza para los meses de marzo, abril y mayo. Y es de esperar que la parálisis continúe en relación a toda una lista de actividades y proyectos culturales: actuaciones y presentaciones públicas, ensayos y entrenamientos profesionales, uso de espacios públicos, residencias artísticas, actividades formativas, acciones de mediación y curaduría, producción, movilidad y participación en giras y festivales dentro y fuera del territorio nacional, etc. Esta situación –imposible de suplir con trabajo a distancia, dada la naturaleza presencial y pública de las actividades de la danza– conlleva enormes daños en relación a ingresos presentes y futuros, contratación y seguridad social, mantenimiento de estructuras fijas y temporales, pago de impuestos, gastos adelantados de producción, plazos de ejecución y justificación de ayudas y subvenciones… En resumen, se desmorona toda la estructura económica de un sector ya muy frágil de por sí, que tan sólo se venía recuperando tímidamente de la crisis económica del 2008 y que se encontraba todavía lejos de los niveles de actividad previos a dicha crisis. Ante la situación excepcional generada por las acciones de contención del COVID-19 en España y las graves consecuencias tanto económicas como estructurales para el sector profesional de la danza en nuestro país, FECED (Federación Estatal de Asociaciones de Compañías y Empresas de Danza, que agrupa a 170 compañías) ha realizado una estimación de los costes que supondrá la crisis para el sector de la danza durante los seis meses que van desde primeros de marzo a finales de agosto, la cual ascendería a una cifra de entre 20 y 25 millones de euros. Esta estimación se ha realizado a partir de la proyección de los datos económicos reales que FECED lleva recabando 10 años y encargando su análisis al Observatorio de Creación Independiente dirigido por la Doctora Fátima Anllo. El informe completo de esta estimación está disponible en la web de la Federación. Para afrontar esta situación de extrema urgencia y aplacar a los enormes costes y deterioros de las estructuras profesionales de la danza en nuestro país, FECED (Federación Estatal de Asociaciones de Compañías y Empresas de Danza) ha propuesto una serie de medidas de apoyo específicas para la danza, a abordar e implementar con carácter inmediato y hasta finales del 2020. Entre las medidas que se solicitan al gobierno central, autonómico y local, están las siguientes: – Inclusión de las compañías y profesionales de la danza en las medidas de apoyo económico previstas con carácter general para empresas, autónomos y demás profesionales. – Cumplimiento de los compromisos de contratación de funciones o actividades de danza, que tuviesen asignadas unas reservas de crédito por parte de teatros o espacios públicos, de tal modo de las compañías o profesionales puedan presentar sus facturas para abono en las fechas afectadas por la crisis, a falta de acuerdo de una nueva fecha de realización de la actividad suspendida. Esto permitiría a las compañías tener la opción de cobrar ‘con antelación’ por las funciones aplazadas y por tanto recibir unos ingresos en este periodo en el que se han quedado sin expectativa alguna de cobro. – La previsión de excepcionalidades en las próximas convocatorias de ayudas y subvenciones, como la rebaja de los requisitos habituales en el “volumen de actividad” anual de las compañías, o el aumento del porcentaje de los gastos indirectos (gastos de estructura que soportarán las compañías). Así como flexibilidad en los plazos de ejecución y justificación de las ayudas correspondientes al ejercicio 2020, ya que las compañías y artistas no van a poder realizar las funciones y actividades a un ritmo normal. – Aplicación de las bonificaciones máximas ya existentes a las cuotas y aportaciones a la Seguridad Social para trabajadores autónomos (como la tarifa plana de 60 euros para nuevos autónomos) y trabajadores por cuenta ajena hasta el 31 de diciembre de 2020. Proponemos esta medida como prioritaria frente a aplazamientos y/o fraccionamientos de cuotas y aportaciones, que sólo generarán deuda sobre actividad no existente. – Ampliación extraordinaria de los plazos de solicitud de prestaciones por desempleo, para poder dar respuesta a la naturaleza intermitente del trabajo de intérpretes y profesionales, que tenían una expectativa de contratos por días en estos meses (para la realización de funciones, formaciones puntuales, etc.), que no se va a realizar. – Aplicación de tipos reducidos de IVA (10%) e IGIC (3%) a los cachets de los espectáculos y otros servicios artísticos ofrecidos por profesionales de la danza. – Reconocer la consideración de situación asimilada a accidente de trabajo a las personas trabajadoras por cuenta propia o por cuenta ajena en situación de aislamiento o contagio como consecuencia del virus COVID-19 para la prestación económica de la incapacidad temporal. – En concreto, al INAEM se solicitan cambios en las bases de las ayudas a gira 2020 así como la elaboración de un plan de reactivación de la actividad escénica una vez pasada la crisis y puesta en marcha del Centro Nacional de Difusión de la Danza. Estas medidas, que ya han sido presentadas al INAEM Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música con fecha 14 de marzo, serán también remitidas a las Consejerías de Cultura de todas las Comunidades Autónomas en los próximos días, entendiendo que muchas de ellas pueden ser también aplicables en las políticas públicas a nivel autonómico y local, y sin obviar las propuestas específicas que se puedan desarrollar en cada Comunidad Autónoma o territorio, las cuales trataremos de acompañar. El informe completo de las medidas presentadas por FECED al INAEM se puede leer en la página web de FECED. Así mismo, FECED mantendrá un diálogo con asociaciones profesionales, instituciones y personas vinculadas a la danza y a las artes escénicas en general, entendiendo que nos queda por delante mucho trabajo en colectivo y que la acción sectorial y la coordinación son claves en este momento. Contacto: Mail: info@feced.org Raquel Madrid. Responsable de comunicación de FECED / +34 627 274 844 Javier Cuevas. Presidente de FECED / +34 617 28 28 19

En estos duros días en que empezamos reaccionar hacia aquello que nos ha sacudido de súbito, privándonos de libertad, quiero agradecer los mensajes que algunos estáis transmitiendo a través de las redes sociales, que nos dan aliento y nos hacen sentirnos menos solos. Recuerdo mucho a los bailarines, pues pienso en lo duro que debe resultar para ellos con toda su juventud y toda su rebosante energía, este confinamiento. Así, reconforta ver la filmación que ha colgado Ángel García Molinero. Acceso enlace El bailarín de la Compañía Nacional de Danza ejercita sus giros en el estrecho espacio de su salón-cocina, y parece como si interiormente sintiese que está sobre un maravilloso escenario, trasladándonos su magia de pájaro enjaulado. Eleanora Duse Me encantaron las hermosas palabras que ha escrito Agustina Llumá, directora de la revista Balletin Dance y que actualmente reside en Alicante, en las que recuerda la amistad de la actriz Eleanora Duse con Isadora Duncan, a la que confortó en el durísimo momento de la muerte de sus hijos. Escribe Agustina: <> Salomé Pavón Ortega En la academia de Salomé Pavón Ortega bajo el lema “nos quedamos en casa pero bailamos”, nos ofrece una clase magistral de como hay que mover las manos. Acceso enlace Antonio Najarro Antonio Najarro nos ameniza con su impresionante dominio de las castañuelas. Acceso enlace En la foto de cabecera recogemos el anuncio de José Espinosa, que impartirá próximamente sus clases vía Internet, como también nos consta que lo está haciendo Arantxa Sagardoy y otros. Muchos proyectos se han roto, y con ellos muchos sueños. Estoy segura que superaremos el trance que nos aflige a pesar de la nefasta labor de los políticos. Los buenos momentos volverán, recuperaremos las energías maltrechas y saldremos de nuevo adelante. Será gracias al esfuerzo y sacrificio de todos los españoles, un pueblo vital y generoso que se crece con valor ante la adversidad, algo de lo que son vivo ejemplo nuestros maravillosos artistas. MERCEDES ALBI

Siguiendo el paquete de medidas adicionales anunciado por el Consejo de Ministros en “zonas de alta transmisión” del Covid-19, el Ballet Nacional de España y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), en coordinación con el Ministerio de Sanidad y el Ministerio de Cultura y Deporte, han decidido aplazar las representaciones previstas para los días 20 y 21 de marzo en el Teatro Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria para garantizar la salud de nuestros trabajadores y espectadores. Lamentamos las molestias que esta decisión pueda suponer para el teatro y los espectadores. Las personas que deseen el reembolso del importe de las entradas adquiridas podrán solicitarlo a través de los canales de venta habituales del Teatro Cuyás: la taquilla y la página web Teatro Cuyás. La devolución se realizará en la misma forma de pago utilizada para la compra. Anunciaremos la fecha de las nuevas representaciones del Ballet Nacional de España en Las Palmas de Gran Canaria cuando estén confirmadas. LEER +

Tanto el Festival Internacional de Artes Escénicas para niños y jóvenes (Teatralia) como el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS) posponen todas sus funciones Los tres conciertos programados para el Festival de Semana Santa de El Escorial se trasladan al Festival de Verano de este Auditorio La Comunidad de Madrid cierra al público los Teatros del Canal, el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial y el Centro Coreográfico Canal como consecuencia de la evolución del coronavirus (COVID-19) durante 15 días naturales. Los espectáculos que se verán afectados son Curva España, de la compañía Chévere, Love Chapter 2, de L-E-V (Sharon Eyal y Gai Behar), La Plaza de El Conde de Torrefiel, Achterland de Anne Teresa de Keersmaeker y su compañía Rosas y el espectáculo Imitation of life de la compañía húngara Proton Theatre. En el caso del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, se aplaza el Festival de Semana Santa que estaba previsto para los días 9, 10 y 11 de abril y que incluía tres conciertos: Madre de Deus. Música y liturgia medieval, de Capella de Ministrers; Murió por el pecado: cantadas sacras españolas, de Concerto 1700; y Música para Cuaresma, de La Grande Chapelle. Las actuaciones de estos tres grupos musicales se trasladan al Festival De Verano de San Lorenzo de El Escorial con un repertorio y fechas aún por determinar. Asimismo se cancela la actividad del Centro Coreográfico Canal, tanto en sus estudios de danza como sus actividades abiertas al público previstas en este periodo. Se trata del Taller de creación Movimiento e imagen que iban a impartir Olga Pericet y Paco Villalta el día 14 de marzo y del Taller de danza: La figura de Anne Teresa de Keersmaeker y la compañía Rosas. Una danza belga, previsto los días 14 y 15 de marzo. Asimismo, la Consejería de Cultura y Turismo anuncia que aplaza tanto el Festival Internacional de Artes Escénicas para niños (Teatralia), como el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS). Teatralia comenzó el pasado 6 de marzo y se iba a desarrollar hasta el próximo día 29 de marzo en 49 teatros de 35 municipios de la región. Por su parte, el Festival Internacional de Arte Sacro comenzó el pasado 27 de febrero y se desarrollaba hasta el 2 de abril con un total de 51 conciertos en diferentes museos, teatros e iglesias de toda la región. La devolución del importe de las localidades se realizará de la siguiente manera: Compras en taquilla: La devolución se realizará en las taquillas del teatro desde ahora y hasta el 11 de junio de 2020. El abono será por el mismo medio de pago con el que hizo la compra: efectivo o reintegro cuenta. Si ha pagado con tarjeta, es imprescindible la tarjeta con la que se abonaron las localidades para hacer efectiva la devolución. Compras por internet: El importe de las localidades será reembolsado automáticamente en la cuenta de la tarjeta con la que fue realizado el pago. No es necesario que se efectúe ninguna gestión adicional. Todas estas medidas tienen efecto durante 15 días naturales, sin perjuicio de las prórrogas que se acuerden de forma sucesiva. Lamentamos las molestias que la medida pueda ocasionar. Seguimos trabajando para reiniciar todas nuestras actividades cuando la situación y las autoridades sanitarias lo permitan. &&&&&&&&&&&&&&&&&

Danza de notable crescendo, crispada e inclemente, para seis individualidades que bailan juntas Sharon Eyal bailó durante 22 años en la Batsheva Dance Company de Israel dirigida por Ohad Naharin Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Love Chapter 2 un espectáculo de la L-E-V Dance Company creado por Sharon Eyal y Gai Behar que se podrá ver los días 12, 13 y 14 de marzo en la Sala Roja. La coreógrafa israelí Sharon Eyal pasó 22 años bailando para la Batsheva Dance Company bajo la dirección de Ohad Naharin, ex director de la compañía, y asimilando su particular y emblemático estilo con el que ha creado escuela. Los últimos años supusieron también los de sus inicios como coreógrafa, estrenando con ellos su muy emblemática Bill. En 2013 emprendió su propia ruta con L-E-V, la compañía que formó junto a su compañero de vida y danza, Gai Behar, un productor de fiestas y eventos, protagonista de la noche de Tel Aviv. Quizá no logre desprenderse nunca de la base estética de Batsheva, pero su creación OCD Love (2015) parecía un intento serio por conseguir una voz propia. Tuvo éxito. Tanto, que se animó a crear una secuela, este Love Chapter 2, conectado con su antecesora pero con vida propia, lo que no hace necesario haber visto la primera para aproximarse a la segunda. Las siglas médicas OCD (en inglés), corresponden a las del TOC español (Trastorno Obsesivo Compulsivo), y la inspiración de los dos trabajos de Eyal vienen del poema de Neil Hilborn que describe cómo afronta una persona con TOC el hecho de enamorarse. No es danza narrativa. Ni siquiera descriptiva. Pero la obsesión y la obstinación parecen guiar las dos creaciones. En complicidad con el dj Ori Lichtik, autor de la música y siempre presente en el escenario, Eyal crea en Chapter 2 una danza de notable crescendo, crispada e inclemente, para seis bailarines que lejos de parecer un conjunto, son más bien individualidades que bailan juntas. “Un grupo de almas oscuras que viajan perdidas por el vasto espacio del escenario”, la definió poéticamente un crítico en Holanda. País: Israel Género: danza contemporánea Estreno en la Comunidad de Madrid Creadora: Sharon Eyal Cocreador: Gai Behar Música en directo: Ori Lichtik Iluminación: Alon Cohen Vestuario: Odelia Arnold, Rebecca Hytting, Gon Biran Bailarines: Gon Biran, Rebecca Hytting, Mariko Kakizaki, Darren Devaney, Keren Lurie Pardes, Clyde Emmanuel Archer Director técnico: Alon Cohen Asistente del director técnico: Baruch Shpigelman Repetidor: Leo Lerus Gerente en gira: Niv Marinberg Directora de producción: Maya Manor Giras internacionales: Menno Plukker Theatre Agent, Inc. Giras europeas: BeMove GCV – Karen Feys Coproducción: Winner of the FEDORA – Van Cleef & Arpels Prize for Ballet; Montpellier Danse Festival – Francia; Sadler’s Wells – London, Reino Unido; Julidans- Stadsschouwburg Amsterdam; Steps – Dance Festival – Suiza; Theater Freiburg, Freiburg-im-Breisgau, Alemania Más información

La revista "Danza en Escena", editada por la Casa de la Danza de Logroño, que dirige Perfecto Uriel, acaba de publicar un número especial dedicado a la figura de Alicia Alonso. ACCESO A PUBLICACIÓN En su editorial, Anael Martín, dedica estas sentidas palabras a la gran diva: <<Alícia, maestra... ¡ya es suficiente, está asustando al mundo entero! Ellos creen que ha muerto, ¡tan bién lo interpreta! Deberían saber que, como siempre, agota el último aplauso, que ahí está usted tirada en mi regazo, esperando que suban y bajen el telón del primer acto de Giselle una, dos, tres...¿hasta seis veces? Las necesarias para que el público disfrute de ese último cuadro impecable donde nadie se mueve y su respiración se para. ¡Nos ha hecho usted tantas veces esta escena! No la dilate por favor, porque ellos no saben que, con el último telón se pondrá de pie, secará mis lágrimas que cayeron en su pecho y saldrá ligera a prepararse y volverse espíritu. Aquí la esperamos para el segundo acto todas sus Willis en perfecta diagonal. ¡Pero dese prisa, ellos no lo saben y la están llorando!>> &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

SOBRE EL BALLET Pulcinella Ballet para 27 bailarines (7 solistas) Música Igor Stravinsky Coreografía, diseño de vestuario y diseño de luces: Blanca Li Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza en el Auditorio Nacional el 8 de marzo de 2020. Concierto de la Orquesta y Coros Nacionales de España* con la colaboración de la CND - Conciertos Ciclo En Familia. "Cuando Joaquín De Luz me llamó para invitarme a crear una nueva versión de Pulcinella para la Compañía Nacional de Danza, la idea me entusiasmó. Stravinsky es uno de mis compositores favoritos y Pulcinella una obra con múltiples texturas. Posee luz y color y, lo que más me gusta, es alegre y está llena de energía. El reto más importante era el hecho de crear un ballet para ser representado en un contexto diferente al habitual. El Auditorio Nacional de Música es en el fondo una sala dedicada a conciertos de música clásica, no un escenario de ballet. Lo primero que hice fue visitar el Auditorio con el equipo de la Compañía Nacional de Danza y dejar que el espacio me inspirase la forma que debía tomar la distribución escénica. El ballet tendría tres espacios: la parte frontal, más cerca del público, estaría dedicada a los siete solistas, en el centro, estaría la orquesta y el espacio del coro lo utilizaría para el resto de los bailarines. Es la primera vez que trabajo con la Compañía Nacional de Danza y tengo que decir que ha sido un enorme placer. Los bailarines y bailarinas han sabido adaptarse al lenguaje coreográfico de mi propuesta. Les agradezco la ilusión y la entrega con la que han aceptado el reto. El hecho de que nuestro primer público sea un público familiar es muy importante para mí. Llevo años trabajando para acercar la danza a niños y a jóvenes, es un público al que adoro y respeto. Pulcinella me parece una pieza abierta a todo tipo de públicos por su riqueza musical, su belleza y su energía. Más adelante adaptaré la pieza para que la Compañía Nacional de Danza pueda llevarla de gira a escenarios más clásicos, en los que la orquesta no estará ya en el escenario." Blanca Li Blanca Li Blanca Li nace en Granada. A los doce años, integra el equipo nacional de gimnasia rítmica y a los 17 se establece en Nueva York para estudiar durante 5 años en la escuela de Martha Graham. De vuelta a Europa, crea su propia compañía de danza contemporánea, con la que ha actuado durante 25 años en más de mil teatros en todo el mundo con 17 creaciones, siendo las últimas Elektrik para bailarines de Electrodance, Solstice producida por el Teatro Nacional de Chaillot que aborda el tema de la belleza del planeta y la necesidad de preservarla, Diosas & Demonias, un dúo sobre la feminidad con la estrella del Bolshoi ballet Maria Alexandrova, y ROBOT! con el robot NAO en el escenario. Además de sus numerosas contribuciones en el cine y la moda, Blanca ha trabajado como coreógrafa en la Ópera de París, la Metropolitan Opera de Nueva York y el Ballet de la Komische Oper en Berlín. También fue directora del Centro Andaluz de Danza en Sevilla de 2006 a 2010 creando allí Poeta en Nueva York con Andrés Marín y Carmen Linares para el teatro de los Jardines del Generalife en la Alhambra, con el que recibió el premio Max en 2008. Ha dirigido 5 largometrajes, incluyendo la comedia musical Le Défi, con 150 bailarines de hip hop, Pas à Pas, un documental sobre la creación de Corazón Loco con su compañía, o Elektro Mathematrix, un musical con bailarines de electro dance. También ha creado múltiples instalaciones y eventos como para el MUSAC en Léon, el Museo Guggenheim de Bilbao, la Noche Blanca en Madrid, el Grand Palais en París y los OGR en Torino entre otros. Entre los premios y condecoraciones que ha recibido a lo largo de su carrera, se pueden destacar en Andalucía, el premio Ideal, el premio Manuel de Falla, la medalla de la fundación Rodríguez Acosta, y la medalla de Bellas Artes de Granada. También ha recibido la medalla de “Chevalier de la Légion d'Honneur" otorgada por el presidente de la república francesa François Hollande, y la "Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes" por el Rey Juan Carlos de España. Fotografía Alba Muriel Elencos BAILARINES Pulcinella 5, 6 y 8 de marzo 2020 PIMPINELLA: Ana Calderón PULCINELLA: Shlomi Slomo Miara PRUDENZA: Cristina Casa ROSETTA: Haruhi Otani FLORINDO: Yanier Gómez COVIELLO: Anthony Pina FURBO: Álvaro Madrigal CORO DE BAILARINES: Celia Dávila, Giulia Paris, Martina Giuffrida, Pauline Perraut, Tamara Juárez, Clara Maroto, Daniella Oropesa, Ana Ramos, Sara F. Khatiboun, Natalia Muñoz, María Muñoz, Laura Pérez Hierrro, Cristian Lardiez, Marcos Montes, Iker Rodríguez, Alessandro Audisio, Miquel Lozano, Ángel García Molinero, Toby William Mallitt, Rodrigo Sanz. *ORQUESTA Y CORO NACIONALES DE ESPAÑA PULCINELLA de Igor Stravinsky DIRECTOR JORDI FRANCÉS PALOMA FRIEDHOFF BELLOSOPRANO DIEGO BLÁZQUEZ GÓMEZTENOR ÁNGEL RODRÍGUEZ TORRESBAJO COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA BLANCA LICOREÓGRAFA ANA HERNÁNDEZ SANCHIZPRESENTADORA/NARRADORA Acceso venta entradas

Acudo con Pilar Villanueva a ver la Feria de Arte Contemporáneo Artist 2020, un muestra recién inaugurada que nos parece verdaderamente excepcional, pues reúne a una selección de 120 pintores de más de veinte países. Ir a ver arte contemporáneo acompañada de una coreógrafa es toda una experiencia. La observo y veo como siente, como entabla conversación con los pintores e intercambian puntos de vista. Nos paramos en el stand de Juan Pita. Todo resulta muy estimulante. Pilar es la directora de la Asociación Beta Pública, cuya finalidad es fomentar la atracción de los nuevos públicos hacia la danza contemporánea. Este programa ya va por la 6ª Edición y se compone de varias actividades: “Una mañana en danza”, que se completa con la función abierta “Una Tarde en Danza” (en el Centro Cultural Paco Rabal) a cargo de los artistas invitados, Mariano Cardoso y Mario Glez., que impartieron uma Masterclass en la sede de la Compañía Nacional de Danza; y finalizarán en junio con la Muestra Coreógrafica, en la que artistas de todo el mundo exhiben coreografías seleccionadas. -¿Qué tal está funcionando esta sexta edición de Beta Pública? -Muy bien. Hemos tenido una enorme acogida. Y mi asignatura pendiente era llenar “Una tarde de danza”… -¿Lo lograsteis? -Bueno, hubo lleno absoluto… -La actividad de Beta Pública tiene tantas facetas… A ver, explícame “Una mañana en danza” va dirigida a los colegios de Madrid, y tiene lugar durante tres semanas en el Paco Rabal; pero luego está la Master Class y “Una tarde en Danza”, ¿No? -Sí, la Masterclass fue impartida el sábado en la sede de la CND por Mariano Cardoso y Mario Glez, y, luego esa misma tarde, se muestran sus coreografías, junto con las de "Una mañana en danza" en el Centro Cultural Paco Rabal. En la clase magistral estos magníficos profesionales nos muestran sus herramientas técnicas y ponen en práctica con los asistentes un fragmento de las piezas que se verán por la tarde. -¿Qué público acude a la clase magistral? -Está abierta a toda clase de público, y generalmente vienen aficionados la danza, profesionales, maestros, alumnos… -Y, ¿Por qué luego no acuden tanto a la tarde en danza dónde luego se muestran sobre escena las coreografías? -Por fin, este año también hemos llenado, pero la dificultad a mi juicio estriba en que existe demasiada compartimentación. Hay una especie de camarillas que se encierran en un idioma dancístico y no se abren a los demás. Y eso pienso que es un error. -¿Hay cerrazón en la danza contemporánea? -Eso es lo flipante, parece contradictorio que seamos cerrados en lo contemporáneo, que en teoría se supone que es lo más abierto… No podemos ni debemos limitarnos a lo que hago yo y mis amigos, y el resto… Ni lo veo, porque no me interesa. -Afortunadamente, hay gente que trata de romper esa tendencia. -Sí, poco a poco se va logrando. Yo, feliz de ver que habíamos llenado de tal forma que alguno ni pudo entrar. Nunca había pasado. Era público que deseaba conocer un contemporáneo diferente. -¿Qué quieres decir con "contemporáneo diferente"? -Que no solo la abstracción en un movimiento libre es lo contemporáneo. Muchas veces aquí se denomina contemporáneo a un estilo que se está haciendo desde hace más de cuarenta años. -En realidad el concepto de “contemporáneo” define lo que se está creando en el momento presente, lo que está viendo la luz ahora. -Y hay técnicas diferentes, como el aéreo, o tendencias más narrativas, hip hop, incluso flamenco… Hay muchos lenguajes, pero se tienen que hacer con un rigor técnico, que es lo que separa la danza del teatro. -¿Qué has sentido con “Una mañana en danza”, por la que 33 colegios de la Comunidad de Madrid han acudido a ver danza? -Es muy emocionante. La danza se ve como un simple entretenimiento. Por eso “En una mañana en danza” les enseñamos a valorarla como un arte que conforma una parte importante del tejido social. Además, está la dimensión de su profundo significado, y les enseñamos a comprenderlo, porque siempre proporciona un mensaje al mundo. También aprenden a ser conscientes del esfuerzo que hay detrás, del gran trabajo que hacen los artistas y la disciplina que conlleva… -¿Sigue existiendo incomprensión hacia los niños bailarines? -Sí, y por eso es necesario darles pautas para que puedan seguir con sus sueños y ser respetados. Hace mucha falta porque hay historias a nivel humano de niños y niñas que quieren ser bailarines o expresar algo que tienen dentro dormido, y todavía existe hacia ellos mucha incomprensión e ignorancia. Tratamos de ampliar su percepción del arte y de la vida, porque en realidad la danza es vida. -¿De qué modo se puede mostrar a los alumnos la semejanza entre danza y vida? -Yo aprendí de la vida a través de la danza. A ello me adapto, hay que percibir las necesidades, aquello que a los jóvenes los asistentes les intriga, dudan o demandan. Por ejemplo, al final del espectáculo me preguntan cosas como “¿Qué pasa si te equivocas?”, son preguntas que conectan con lo que en realidad sucede en la existencia. -¿Qué pasa? -Pues que el error es una realidad que todos padecemos, nadie es perfecto. Pero hay que saber jugar con él, aprender a aceptarlo. Entonces puedes transformar la equivocación en algo beneficioso. No hay que tenerle miedo. Bailando te caes, fracasas, te levantas, tienes que practicar una y otra vez, superar el fallo, tener disciplina y seguir hacia delante, así en la danza como en la vida. MERCEDES ALBI Fotografías: Alba Muriel

El Ballet Nacional de España potenciará las actividades pedagógicas para atraer a los más jóvenes a la danza española. En 2020, el Ballet Nacional de España impulsará el proyecto pedagógico que lleva desarrollando desde hace tres años para la creación de nuevos públicos en paralelo a su actividad principal de estrenos y giras. Entre otras actividades de difusión, ampliará las visitas a la sede de la compañía a un mayor número de centros escolares y grupos, así como incrementará los talleres didácticos en colegios en Madrid y se extenderá al resto de España. Además, continuará utilizando las nuevas tecnologías para hacer más atractiva para los jóvenes la danza española con la publicación de la colección de libros interactivos #BNEnoscuenta. LEER +

La Compañía Nacional de Danza de España, bajo la dirección artística de Joaquín De Luz, tiene previsto realizar el año 2020 numerosas actuaciones tanto dentro del territorio español como europeo y norteamericano. Algunos de los ballets que se pondrán en escena durante esta temporada serán: Don Quijote y El Cascanueces de José Carlos Martínez, Enemy in the figure de William Forsythe, Carmen de Johan Inger así como un programa dedicado a Nacho Duato. Al mismo tiempo, la nueva dirección artística pondrá en pie las siguientes nuevas producciones para esta temporada y la del 2020/21: Pulcinella de Blanca Li (creación original para la CND), Giselle de Jules Perrot y Jean Coralli en versión de Joaquín De Luz, Concerto DSCH de Alexei Ratmanski -creado para el New York City Ballet con la música del Concerto para piano nº 2 de Dmitri Shostakovich en fa mayor, op. 102 (1957)- y se incorpora de nuevo al repertorio CND la reposición de White Darkness que Nacho Duato creara para la formación en el año 2001). También tenemos como estreno para la CND y estreno en España una pieza de Ricardo Amarante: Love, Fear, Loss. + información

• El primer programa creado por Rubén Olmo como director del BNE incluye un homenaje al bailaor y coreógrafo flamenco Mario Maya y dos obras inéditas, Jauleña e Invocación bolera. • El estreno de Invocación tendrá lugar el 7 de marzo en el Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera (Cádiz). • El BNE también representará este programa en San Petersburgo, primera gira internacional de 2020. El Ballet Nacional de España clausura el próximo 7 de marzo el Festival de Jerez con el estreno absoluto de Invocación en el Teatro Villamarta de la ciudad gaditana. El primer programa diseñado por Rubén Olmo como director de la compañía nacional ofrece una visión global de la danza española, incluyendo la mayor parte de sus estilos. Rubén Olmo ha querido rendir un especial homenaje al bailarín y coreógrafo Mario Maya (1937-2008) con el montaje de De lo flamenco. El programa se completa con Eterna Iberia, de Antonio Najarro, y dos estrenos absolutos, las coreografías de Rubén Olmo Jauleña e Invocación bolera. “Al BNE le faltaba una suite flamenca con la que disfrutar solo del baile”, explica Rubén Olmo. El director eligió De lo flamenco, obra estrenada por Mario Maya en 1994 con la Compañía Andaluza de Danza, actual Ballet Flamenco de Andalucía, porque el estilo de esta coreografía flamenca para un grupo de bailarines, con mucho movimiento y frescura, encaja muy bien con el BNE. “El programa que estrenó Maya ese año fue un soplo de aire fresco y diferente respecto al flamenco que se representaba hasta el momento. Aun ahora sigue siendo innovador y totalmente diferente al resto”, añade. A pesar de ser un referente en la danza y el Flamenco Teatro andaluz, creador de un estilo personal y único, el repertorio del Ballet Nacional de España no incluía ninguna coreografía suya. “Creo que Mario Maya estaría muy satisfecho del trabajo que hemos hecho y de ver su obra en el Ballet Nacional de España”, asegura Rubén Olmo. El director del BNE ha pretendido reproducir al mínimo detalle la suite flamenca presentada por Mario Maya. Para ello ha contado con la colaboración de Mariana Ovalle, viuda del coreógrafo, que le ha permitido consultar los archivos personales del artista guardados en cajas en su despacho. “Mariana protege mucho la memoria de Mario pero, aunque no nos conocíamos anteriormente, comprendió que yo iba a cuidar mucho los pequeños detalles”, explica el director del BNE. “Ha sido un gran acierto de Rubén Olmo retomar las coreografías de Mario, que ha sido, es, y será un referente del flamenco. De lo flamenco es un montaje que reúne piezas flamencas de estilos diferentes, pero que comparten una escuela con mucho rigor, muy alegre y muy viva, como es el flamenco”, afirma Mariana Ovalle. Rubén Olmo ha consultado en este montaje a los colaboradores más cercanos de Mario Maya. Desde los maestros repetidores de De lo flamenco Rafaela Carrasco y Manuel Betanzos hasta el músico Diego Carrasco o el pintor Patricio Hidalgo. “He querido hacer una réplica respetando hasta el último paso tal y como lo hizo Mario”, añade. El vestuario también ha sido pintado a mano como el original. El artista Juan Andrés Maya se ha encargado de replicar los utilizados por Maya en su producción. Asimismo, las bailarinas Isabel Bayón y Rafaela Carrasco, que trabajaron a las órdenes de Maya, han creado dos coreografías nuevas para el montaje de De lo flamenco del BNE: Taranto y Romance del emplazado, respectivamente. El programa incluirá además la coreografía de Manolo Marín Los cinco toreros. “Es un programa muy completo que podremos disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario”, resume Rubén Olmo. Otros dos estrenos absolutos El programa que estrenará el Ballet Nacional de España en el Festival de Jerez incluye otras dos coreografías nuevas creadas por Rubén Olmo. Invocación bolera actualiza la esencia de la escuela bolera tradicional, caracterizada por la danza con castañuelas. Este estilo, que dominaron grandes bailarines como Mariemma, Ángel Pericet o Antonio ‘el bailarín’, es uno de los más complejos y singulares de la danza española. El músico y director de orquesta Manuel Busto ha compuesto una partitura original para orquesta para esta pieza. Busto también ha creado la música de Jauleña, un solo que interpretara Rubén Olmo entrelazando tres de las disciplinas de la danza española: escuela bolera, danza estilizada y flamenco. Completará el programa Eterna Iberia, coreografía de Antonio Najarro con música de Manuel Moreno Buendía. Estrenada por el Ballet Nacional de España en mayo de 2019, Rubén Olmo ha decidido incluirla porque representa el estilo clásico español con el que se identifica al Ballet Nacional de España. “Es una de las coreografías de Antonio Najarro, poseedor de un sello propio, que ha conseguido alcanzar una mayor pureza de la danza estilizada española, inspirada en los grandes maestros como Pilar López”, estima el director del BNE. Tras su estreno en Jerez de la Frontera, el Ballet Nacional de España llevará este programa en su primera gira internacional de 2020. La actuación del BNE tendrá lugar el 16 de abril en el Teatro Alexandrinksy de San Petersburgo (Rusia), dentro del Dance Open Festival. Rubén Olmo, director del BNE Rubén Olmo, Premio Nacional de Danza 2015, se ha incorporado al Ballet Nacional de España en septiembre de 2019 con la intención de trabajar para la preservación, la difusión y la movilidad del repertorio tradicional de la Danza Española, incorporando además nuevas creaciones y abriendo las puertas a las vanguardias y la experimentación. Esta supone su segunda etapa en el BNE, compañía de la formó parte como bailarín entre 1998 y 2002. Desde 2011 ejerció como director del Ballet Flamenco de Andalucía, institución dependiente de la Junta de Andalucía. Son numerosas su exitosas coreografías desarrolladas también con su propia compañía. Han quedado en la retina del espectador títulos de sus numerosas creaciones como Llanto por Ignacio Sánchez Mejías o La muerte de un minotauro, Érase una vez, Belmonte, Las tentaciones de Poe, Horas contigo, Naturalmente flamenco... También ha colaborado como coreógrafo o bailarín con figuras destacadas de la Danza Española como Aída Gómez, Antonio Najarro, Eva Yerbabuena, Víctor Ullate, Antonio Canales, Rafael Amargo, Isabel Bayón, Rafaela Carrasco. Acerca de BNE El Ballet Nacional de España (BNE) es la compañía pública referente de la danza española desde que se fundó en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español, con Antonio Gades como primer director. Forma parte de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), perteneciente al Ministerio de Cultura y Deporte. La finalidad del BNE se centra en preservar, difundir y transmitir el rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística y sus tradiciones, representadas por sus distintas formas: académica, estilizada, folclore, bolera y flamenco. Asimismo, trabaja para facilitar el acercamiento a nuevos públicos e impulsar su proyección nacional e internacional en un marco de plena autonomía artística y de creación. FOTOGRAFÍA MANUEL TORO

Con libreto del dramaturgo Martin Crimp, la ópera es una reinterpretación, en clave política, del cuento de El flautista de Hamelin de los hermanos Grimm La dirección musical estará a cargo de Tim Murray, quien se pondrá al frente de 15 músicos de la Orquesta Titular del Teatro Real y de las voces de la soprano Jenny Daviet y la mezzosoprano Camille Merckx Marcos Morau (La Veronal), responsable de la concepción, coreografía y dirección de escena, ha contado con la colaboración de Roberto Fratini en la dramaturgia Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Into the little hill, una coproducción de los Teatros del Canal con el Teatro Real y la compañía La Veronal. Una ópera contemporánea que se podrá ver en la Sala Verde de los Teatros del Canal los días 11, 13, 14 y 15 de febrero, a las 20.00 horas. El interés del público por esta obra, tan bella en lo musical como inquietante en lo dramatúrgico, ha llevado a ambas instituciones a añadir una función más de las programadas (14 de febrero a las 20.00 h) tras haberse agotado, semanas antes de su estreno, todas las localidades. Into the Little Hill es una adaptación del cuento El Flautista de Hamelin, de los hermanos Grimm, cuya acción se traslada a un escenario político contemporáneo dominado por el totalitarismo, con una sociedad frágil y manipulable, incapaz de prever o evitar su destrucción, anestesiada en el desastre, tal y como explica el coreógrafo y director de escena Marcos Morau (La Veronal), responsable de la producción que veremos estos días y para cuya dramaturgia ha contado con la participación de Roberto Fratini. George Benjamin estrenó Into the Little Hill, su primera ópera, en 2006 en el Teatro de la Ópera de París; el color de su música, la tensión dramática y el reconocimiento y del público y de la prensa especializada la han convertido en una obra que no ha dejado de representarse desde entonces. Concebida para una formación de quince músicos y dos voces, una soprano y una mezzosoprano que dan vida a todos los personajes, contará para su representación en Madrid con la dirección musical de Tim Murray al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real y de las voces de Jenny Daviet y Camille Merckx, junto a un elenco de bailarinas formado por Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Angela Boix, Núria Navarra. Idea y dirección artística Marcos Morau Dirección musical Tim Murray Música Orquesta Titular del Teatro Real Coreografía Marcos Morau, Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Angela Boix, Núria Navarra Intérpretes Camille Merckx mezzo-soprano, Jenny Daviet soprano, Àngela Boix bailarina, Núria Navarra bailarina, Lorena Nogal bailarina, Marina Rodríguez bailarina Con la participación de Óscar Mellado, Alfonso Zuma, Saúl Esgueva y Aimar Miranda Técnicos en escena David Pascual, Mirko Zeni Asesoramiento artístico y dramatúrgico Roberto Fratini Dirección técnica David Pascual Diseño de iluminación Bernat Jansà Diseño de escenografía Max Glaenzel Diseño de vestuario Silvia Delagneau Con la colaboración especial de The Animals Observatory Confección Mª Carmen Soriano Regiduría Laia Machado Producción ejecutiva Alicia Calôt, Cristina Goñi Adot, Juan Manuel Gil Galindo Agradecimientos Loring Art Cuento Lírico en dos partes Música de George Benjamin (1960) Libreto de Martin Crimp Estrenado en la Opéra Bastille de París el 22 de noviembre de 2006 Coproducción Teatro Real, Teatros del Canal y La Veronal Más información