El próximo sábado 23 de noviembre en el Centro Cultura Paco Rabal, Rajatabla Danza estrena "Nora", basada en Casa de Muñecas, de Ibsen. Con dirección de Antonio C. Guijosa, y coreografía e interpretación de Esther Tablas. “Nora”, el nuevo montaje de la compañía Rajatabla Danza, se estrena el próximo sábado 23 de noviembre en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid. A partir de la célebre obra teatral de Ibsen, “Casa de muñecas”, la compañía de Esther Tablas ha creado un espectáculo que habla de la búsqueda de la propia identidad, de la libertad del individuo y de la emancipación de la mujer, temas plenamente vigentes, pese a que la obra original se estrenó a finales del siglo XIX. “Nora” habla de la vida de una mujer, felizmente casada, cuya pasión y talento quedan en un segundo plano, tras sus obligaciones como esposa. Una vida en la que está pendiente exclusivamente de agradar a los demás. Nora va descubriendo a lo largo de la trama su propia personalidad mediante una lucha interna entre lo que desea y la norma establecida. La tensión va a más hasta que se desencadena en ella una ruptura total con el mundo que la rodea, dejando atrás lo convencional y lo seguro de una vida estable pero ficticia y desgraciada. Nora es un reto artístico donde la versatilidad de la danza española se une a la magnífica música del compositor Josete Ordóñez para ponerse al servicio de esta historia del teatro universal. En palabras de Esther Tablas: “Me interesaba mostrar el dilema de una mujer que descubre que ha estado actuando para encajar en el mundo donde le ha tocado vivir y que reacciona dejando de fingir y haciendo aflorar su verdadera personalidad, aceptando las consecuencias, corriendo riesgos, enfrentándose a lo desconocido. Creo que es una decisión valiente, vital para su supervivencia, puesto que hasta ese momento Nora piensa que cumplir con lo que se espera de ella la mantendrá a salvo. El espectáculo presenta las dos caras de una mujer: la visible y la oculta, que finalmente es la única y que se va revelando casi sin querer en el transcurso de la obra.” La dirección de “Nora” corre a cargo de Antonio C. Guijosa, entre cuyos más recientes trabajos se encuentra “Iphigenia en Vallecas”, obra revelación de la temporada pasada. Según Guijosa, “la revisión del personaje central de ‘Casa de Muñecas’ desde una sensibilidad actual ahonda en un debate que está más presente que nunca: el lugar de la mujer en nuestra sociedad. El lenguaje de la danza nos permite ver a Nora –y su rechazo al lugar que se le otorga– desde una perspectiva emocional y sensitiva, liberada del discurso intelectual que suele acompañarla.” La música original de “Nora” ha sido creada por Josete Ordóñez, guitarrista y compositor fundamental en la escena del flamenco contemporáneo, así como en el rock, el jazz o el pop. En las representaciones de “Nora”, Rajatabla Danza contará con música en directo interpretada por David Torrico. A este espacio sonoro se unen las voces de Manuel Galiana (Helmer), Carmen del Valle (Nora) y Juan Carlos Mestre (Aksel) dando vida a los personajes que habitan en los pensamientos de Nora y a la propia Nora. “Nora” se representa en el Centro Cultural Paco Rabal el sábado 23 de noviembre a las 20.00 horas. + información Sobre Rajatabla Danza Rajatabla Danza comienza su andadura en 2007, fundada por Esther Tablas y Antonio C. Guijosa, y hasta 2013 la compañía produce tanto obras de teatro como de danza, desde unas ideas y estética comunes a estas dos artes escénicas. A partir de 2013 Esther Tablas toma el relevo en la dirección y orienta Rajatabla hacia la Danza en exclusiva, manteniendo la misión original: el uso de dramaturgias que aborden las inquietudes y problemas de la sociedad actual y la investigación de diferentes lenguajes plásticos y musicales para la creación de espectáculos de Danza Española. Esther Tablas apuesta por una danza versátil donde el intérprete es un artista integral. Música, imagen, luz y movimiento deben ir de la mano para expresar y emocionar. Sus obras hablan de historias y de emociones actuales, conectan con el espectador de forma inmediata, emanan vida, pasión y elegancia. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Se acaba de abrir la convocatoria para inscribirse y presentar propuestas en el III Congreso Internacional y VI Nacional La Innvestigación en Danza. Dicho Congreso esta organizado por la Asociación Española Dmás I: Danza e Investigación conjuntamente con el Instituto de Historia, Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila y tendrá lugar en Madrid del 19 al 21 de noviembre de 2020. (ver adjunto+ ) FECHAS IMPORTANTES 14 de febrero de 2020 – Cierre de recepción de abstracts para presentar comunicación oral, póster científico, comunicación de obra audiovisual o comunicación de obra performativa. 13 de marzo de 2020 – Notificación de aceptación de las propuestas recibidas para presentar comunicación oral, póster científico, comunicación de obra audiovisual o comunicación de obra performativa, tras la primera evaluación del Comité científico. 22 de junio de 2020 – Cierre de recepción de textos completos de comunicaciones orales y pósteres científicos, de pósteres maquetados y de soportes de comunicaciones de obras audiovisuales y de obras performativas, aceptados y notificados previamente. 22 de julio de 2020 – Notificación de aceptación de los trabajos completos tras la segunda evaluación del Comité científico, con sus indicaciones de modificación en los casos correspondientes. 4 de septiembre de 2020 – Cierre de recepción de los trabajos definitivos debidamente modificados de acuerdo a las indicaciones del Comité científico. 12 de septiembre de 2020 – Notificación de aceptación de los trabajos definitivos tras la tercera evaluación del Comité científico. 9 de noviembre de 2020 – Último día para formalizar la inscripción y realizar el pago de la cuota para los comunicantes seleccionados que asistan al congreso. 19, 20 y 21 de noviembre de 2020 – Celebración del congreso. SEDES DEL CONGRESO Jueves 19 de noviembre de 2020: Centro de Ciencias Humanas y Sociales, CSIC. Calle Albasanz, 26-28, 28037, Madrid. Viernes 20 y sábado 21 de noviembre de 2020: Conservatorio Superior de Danza María de Ávila. Calle del General Ricardos, 177, 28025, Madrid. Directoras : Ana Isabel Elvira Esteban, Eva López Crevillen e Idoia Murga Castro. &&&&&&&&&&&&&&&&&&

Próximamente el Ballet de Igor Moiseyev gira por España, lo cual es todo un acontecimiento cultural pues se trata de una de las grandes compañías de Rusia junto con las del Bolshoi y Marinsky. Y como todo lo que es grande tiene una historia detrás, no hay que olvidar que este mítico conjunto tuvo el honor de ser la compañía predilecta de Stalin. El Ballet de Igor Moiseyev era el escaparate de la potente maquinaria de la Rusia soviética, todo un símbolo del vigor con que Rusia sorprendía al mundo. A modo de ejemplo copio algunos fragmentos de las críticas internacionales que cosechaba: En abril de 1958 , el diario del New York Times hace una curiosa advertencia: <>. El diario “Il messaggiero” en un artículo de Gino Tani, uno de los más prestigioso historiador y crítico, escribe: <>. La crítica en España se sumó a las alabanzas recibidas en todos los lugares donde actúa la compañía: “Igor Moiseyev, músico, coreógrafo, bailarín e investigador insigne, ha logrado crear no sólo un elenco sensacional de bailarines sino lo que es más importante, un estilo nuevo que fundándose en el folklore “incomparable folklore ruso” presta a la danza una riqueza, variedad y expresión de auténtica categoría universal” Diario Madrid, J. Espinosa Orlando “El Ballet Moiseyev, es una feliz síntesis del estilo musical, sentimental de un pueblo que a través de todas sus transformaciones políticas, sociales y económicas, ha sabido salvar una alta fidelidad a si mismo. Está compuesto por una pléyade de bailarines, cada uno de los cuales, podría, si se lo propusiera, ser figura destacada en cualquier ballet del mundo”. ABC, Lorenzo López Sancho ¿Quién era Igor Moiseyev? Nació en Kiev en 1906, y con solo 18 años entra en el Teatro Bolshoi donde se graduará en 1924. Allí va se va realizando como artista y siente el influjo de Alexander Gorsky, el gran director y coreógrafo entre cuyos méritos figura la autoría de la versión canónica del ballet El Quijote, que mejoró la de Petipa en cuanto a la participación del cuerpo de danza en la acción. El maestro que lo acompaña desde el cuerpo de baile hasta sus papeles de principal fue Kasian Goliezovski. El joven Moiseyev aspira bajo este influjo a conseguir veracidad en las escenas de masa y recurre a las danzas de tradicionales de carácter como fuente de inspiración. Las primeras obras que realiza Moiseyev para el Bolshoi - donde fue uno de sus más destacados bailarines hasta 1939- “Futbol”, “Salambó” y “Los tres gordos”-, definen con inusitado éxito su inclinación por los grandes cuadros y ballets de multitudes. "Futbol" coreografía creada por Moiseyev a los 24 años de edad para el Bolshoi “El genio creador popular, me reveló así mi vocación”, afirmaría Moiseyev, que se convirtió en un viajero ferviente movido por el afán de recopilar y estudiar las danzas folklóricas bebiendo de sus más genuinas fuentes. Igor Moiseyev en Tadjikistan (1930) Emprende viajes por Ucrania, Bielorusia, Tadjikistan, la orillas del Volga, el Ural, Siberia, el Caúcaso y Crimea. No es un mero espectador, sino que se integra con las gentes, convive con ellas y aprende sus danzas, incluso participara bailando en las fiestas populares como uno más. Ama lo que ve, lo vive, lo asimila y lo estiliza para mostrarlo al mundo. Moiseyev en Pamir (años 30) Y en 1937 es encargado de organizar el primer Grupo de Danzas Folklóricas de la URSS. Pero Igor Moiseyev no se va a limitar a recopilar y reproducir las danzas populares, como hacía por aquel entonces el profesor V. Vsevolojky Guerngross en el Teatro Etnográfico de Leningrado, que existió desde 1929 a 1933,  sino que innovo en su ejecución de una forma que podríamos calificar de revolucionaria. Así, gracias a Moiseyev, las danzas populares se bailan primera vez con bailarines profesionales, creando su propia escuela. Se hace muy consciente y sigue en cierta forma una opinión del escritor Nicolás Gogol que tildaba a los  ballets que se representaban en París y San Petersburgo de “faltos de carácter” y de excesiva uniformidad, cuando: <> Por lo que Moiseyev con completa consciencia y fascinación de lo popular, tratará de penetrar en la esencia de las danzas, y sin desdeñar la estética y la imaginación, las recreará de forma inigualable con bailarines de técnica prodigiosa. Y supera los límites de las vastas fronteras rusas y comienza a estudiar danzas las todo el mundo aprovechando los viajes de su compañía. Fue en 1967 cuando en España queda fascinado por la jota aragonesa. Entonces, y cada día de los tres meses que duró aquella gira, trató de que sus bailarines asumieran el ritmo de aquel “endiablado” baile. Los ensayos de prolongaron en la Sala Tchaikovsky de Moscú a donde acudieron especialistas venidos de pueblos de Aragón, Zaragoza, Huesca, Alcañiz… y después de 10 meses logró finalmente el resultado deseado. Los pensamientos de Igor Moiseyev, que ha traducido en un brillante artículo Tatiana Solovieva, merecen una especial atención, pues nos encontramos ante un filósofo del movimiento. El gran artista superó la centuria falleciendo a los 101 años, sin faltar a sus clases. Tal era su pasión. Sobre las circunstancias de la existencia afirmó: <> Igor Moiseyev, toda una lección de vida. Acceso info fechas y ciudades de la gira

Hoy se cumple un aniversario más del Ballet Nacional de Cuba, cuyo nacimiento se produjo en 1948 bajo el nombre de Ballet Alicia Alonso. Y en esta conmemoración, pocos días después de producirse la ausencia física definitiva de la diva cubana, y como homenaje a ella, he decidido volver a tomar este tema. También me ha motivado una pregunta que he escucho desde hace tiempo, y más ahora: ¿Cuál fue la última función de Alicia Alonso? Alicia Martínez en su debut escénico Quisiera primero referirme a la longevidad de la carrera de Alicia Alonso, una de las más largas en la historia del ballet mundial. El debut escénico de Alicia Alonso se produjo en el Teatro Auditórium el 29 de diciembre de 1931 en la primera función de ballet ofrecida por la recién fundada Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, siendo ella aún una alumna llamada Alicia Martínez, de once años de edad. En esta, su primera función en un escenario, Alicia bailó con otras condiscípulas el Gran Vals del ballet “La bella durmiente del bosque” (Petipa-Chaikovski), montado por el histórico profesor Nicolai Yavorski, fundador y director de la Escuela de Ballet de Pro-Arte. Alicia logró su longevidad sobre las “tablas” simplemente haciendo en el escenario lo que su cuerpo y su técnica le permitían hacer a medida que pasaban los años. Primero, dejando de bailar los ballets largos en su forma íntegra, por ejemplo, “El lago de los cisnes” o “Coppélia”, y bailando de ellos solo un acto, como hacía con el segundo acto de “El lago de los cisnes”. Después, bailando solamente algún pas de deux de estos y de otros ballets como “Giselle”, o bailando obras cortas, entre ellas, el “Grand Pas de Quatre”. Y más tarde, bailando obras creadas para ella, y a veces por ella misma, en las que el virtuosismo técnico de antaño era reducido a sus posibilidades de entonces, sin dejar por ello de ofrecer al público una obra de arte. Teatro Masini Si vamos a definir la última función de Alicia Alonso por el uso de las zapatillas de punta, como estábamos acostumbrados a verla, esta fue el 28 de noviembre de 1995, unas tres semanas antes de cumplir 75 años de edad. Y ocurrió en la ciudad de Faenza, Italia, en el pequeño pero hermoso Teatro Masini. Para esta ocasión, Alicia escogió un ballet de su propia creación, al cual le dio un título en italiano, “Farfalla” (Mariposa), que iba a ser parte del repertorio de la gira del BNC por Italia. Alicia Alonso en "Farfalla" Pero “Farfalla” en la ciudad de Faenza no fue la última vez que Alicia Alonso actuó para el público, aunque no haya llevado zapatillas de punta en sus pies. Hubo otras tres funciones posteriores, que fueron: “El espectro de la rosa” (Metropolitan Opera House, Nueva York, 1997), “Luz de vida” (Gran Teatro de La Habana, 2001), y “Retrato de un recuerdo” (Gran Teatro de La Habana, 2012). FARFALLA El ballet “Farfalla”, con coreografía de la propia Alicia Alonso y música de Chaikovski, se había estrenado en el Gran Teatro de La Habana el 6 de julio de 1995. En ese mismo año, el BNC daría una gira por Italia del 30 de octubre al 28 de noviembre. “Farfalla” se presentó por primera vez en Italia en el Teatro Alfieri, en Turín, y una última vez en el Teatro Masini, en Faenza. Teatro Masini En este último teatro se produjo la clausura de la gira, el 28 de noviembre de 1995, y, con ella, la despedida imprevista de Alicia Alonso como bailarina de ballet. “Farfalla” apareció en los programas impresos en Italia, pero en ninguno se dijo que esta sería la última función de ballet en la carrera de la diva cubana. ¡Alicia Alonso cumpliría 75 años de edad tres semanas después! Lienz Chang, Alicia Alonso y Orlando Salgado La propia Alicia lo explicó con estas palabras: «Fue en Italia [en 1995, en el Teatro Masini de la ciudad de Faenza]. Bailé ‘Farfalla’. No quería hacer una despedida dramática o doliente, que el público supiera que era la última vez. Pensaba que era cruel para ambos. Cuando terminé de bailar dije, ‘no bailo más’. Nadie lo sabía. ¿Qué mejor que Farfalla, esa mariposa que se va?». Hasta el momento, no he podido determinar si existe alguna grabación en vídeo del ballet “Farfalla”, a pesar de todas mis indagaciones a través de fuentes confiables. Sólo dispongo de fotos tomadas en Italia por Enzo Conte. El elenco de “Farfalla” fue el siguiente: Alicia Alonso, Víctor Gilí, Reynaldo Arencibia, Lienz Chang, Orlando Salgado y William Castro. La música en la que se inspiró la coreógrafa-bailarina para su último ballet (en puntas) fue un fragmento de “Las estaciones”, de Piotr Ilich Chaikovski. Esta obra del gran genio ruso no consta de 4 piezas, como podría esperarse por el título. En lugar de ello, “Las estaciones” consta de 12 piezas que representan los 12 meses del año, y cada pieza está relacionada con alguna característica del mes en cuestión. La pieza que sirvió de base musical para este ballet fue, precisamente, la número 12, titulada “Diciembre: Navidad”, de apenas 5 minutos de duración. “Las estaciones” la compuso Chaikovski para piano, pero otros autores han hecho transcripciones de la obra para otros instrumentos. La más famosa de todas es la versión orquestal hecha por Aleksandr Gauk en 1942, medio siglo después de fallecido Chaikovski. EL ESPECTRO DE LA ROSA El 12 de mayo de 1997 se produjo la función de apertura de la temporada de primavera del American Ballet Theatre en el Metropolitan Opera House de Nueva York. En ese año, el ABT celebraba el 50 aniversario del estreno del ballet “Tema y variaciones”, de George Balanchine, con música de Piotr Ilich Chaikovski, que fue estrenado por Alicia Alonso e Ígor Youskevitch, como figuras principales. Alicia y Malakov en "El espectro de la rosa" Para esta función de apertura y aniversario, Alicia Alonso no podía dejar de ser invitada. Sin embargo, el ballet escogido fue muy raro en el repertorio de la bailarina cubana: “El espectro de la rosa” (Fokine-von Weber), en el que la parte de mayor lucimiento técnico corresponde al bailarín, y que la Alonso había bailado por primera vez en 1945. Para esta ocasión se hizo una adaptación en la que la joven que regresa de su primer baile con una rosa y se queda dormida sentada con la rosa en la mano, se mantuvo sentada durante todo el ballet, mientras que el bailarín (Vladímir Malakov) ejecutaba toda la danza desde su entrada por la ventana, alrededor de la joven dormida, y luego su salto final por la ventana en el extremo opuesto del escenario. Alicia tenía 76 años de edad. Llevaba un elegante vestido azul, no tutú, y llevaba zapatos de carácter y un collar de perlas. Cuenta un cronista que cuando se abrió el telón y el rayo de luz la iluminó, el público asistente al Met la reconoció, dándole una ovación estruendosa. Tampoco sé si existe alguna grabación de esta función, pero me imagino que sí, que algún “pirata”, de esos que, por suerte, abundan en el Met, la haya grabado. Una adaptación similar de “El espectro de la rosa” se había visto en el mismo teatro, en la Gala del Centenario del Metropolitan (“Met Centennial Gala”), el 13 de mayo de 1984, con la actriz, no bailarina, Lillian Gish, ¡que contaba entonces 90 años de edad! El bailarín fue el francés Patrick Dupond. Esta gala fue transmitida por televisión, y gracias a ello existen grabaciones originalmente hechas en VHS. LUZ DE VIDA “Luz de vida” fue una pantomima creada por la bailarina cubana, concebida para interpretarla ella misma como sorpresa para su público en el Gran Teatro de La Habana el 29 de diciembre de 2001, para cerrar el espectáculo llamado “Gala por el 70 aniversario del debut escénico de Alicia Alonso”. El aniversario se refiere a la primera aparición de Alicia Alonso en el vals del primer acto de “La bella durmiente”, en 1931, a los 11 años de edad, como vimos anteriormente. Para esta pantomima con música, la Alonso tomó una de las cinco piezas del “Diario de un niño”, que constituye una de las obras menos conocidas de Ernesto Lecuona, compuesta en 1949. Las cinco piezas para piano son: “Buenos días”, “El baile de la muñeca”, “Carrusel”, Canción de Luna” y “Bacanal de muñecos”. Alicia escogió “Canción de Luna”, dándole el título “Luz de vida” a su creación escénica. Por fortuna, “Luz de vida” fue grabada en vídeo. Fue el último número de la Gala, y no fue anunciado. Al abrirse el telón principal del Gran Teatro de La Habana al final de la función, apareció Alicia Alonso sentada en el frente del escenario, no con vestuario de teatro ni con zapatillas de ballet, sino con un vestido de color azul oscuro y calzado de carácter. Por la reacción eufórica del público es fácil entender que este fue tomado por sorpresa. Tres amigos míos que estuvieron en la función, me contaron que la emoción del público reunido en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana fue indescriptible. La diva, como era de esperarse, ya no tenía el físico que estábamos acostumbrados a ver: ya habían transcurrido seis años de retirada del entrenamiento de la danza, y ahora contaba 81 años de edad, pero esto no fue un obstáculo para ella, como tampoco lo fue para el público, evidentemente. Alicia Alonso apareció sentada con las manos descansando sobre sus muslos. De pronto, se lleva los puños a la cara como lo haría un niño observando su entorno o, en este caso, una niña, y comienza la música. Ahora, con la música que casi parece una canción de cuna, sus brazos con los dedos entrelazados parecen sugerir una madre meciendo a su bebé: ella misma en los brazos de su madre, o tal vez una niña meciendo su muñeca. Entonces lleva sus manos detrás del cuello como para agarrar su cabello, representado por el largo pañuelo que cubre su cabeza, y cuyas puntas cuelgan hacia atrás; y el juego es como un coqueteo, pensando que ya es adulta. Después mira hacia su derecha, como si descubriera algo y se lleva los dedos a la boca, e imita lo que vio: alguna mujer de su familia, tal vez a su propia madre, a quien ha visto coser. Entonces hace unos gestos en que mira a ambos lados para ver si la están observando, y sus gestos indican que está intentando dar unos pasos de baile. Después señala a varias personas delante de sí, deben ser otras niñas que constituyen su público, y a continuación hace un gesto como si hubiese hecho una travesura y dice “yo no fui” con su cabeza y con su mano sobre el pecho. Ahora se queja como si no lograra lo que quiere hacer, hasta que por fin logra sus movimientos de danza. Desde ese momento, ya sus gestos dejan de ser infantiles. Ahora su vida ya ha tomado un rumbo definido: el ballet, sus sueños de niña. Sus manos se extienden y se recogen como en una conocida pose de su “Madame Taglioni” en el “Grand Pas de Quatre”. Después sus brazos y manos parecen representar a Giselle, su personaje más querido. Pero rápidamente sus brazos se agitan como las alas de un ave asustada, un cisne: su inolvidable Odette. Y ahora las alas vuelven a ser los brazos de una mujer, que se trenzan uno con el otro en forma ascendente, como en su ballet “Nos veremos ayer noche, Margarita”, y después las manos, por un instante breve, logran formar como el cáliz de una flor a los lados de su rostro, como en uno de sus últimos ballets: “La Diva: Maria Callas in memoriam”. Y para terminar, sus brazos ascienden y descienden hasta colocar de nuevo sus manos sobre sus muslos como indicando el final de la historia que contaba, y como si dijera “y esta es mi vida”. RETRATO DE UN RECUERDO Este ballet es una adaptación del ballet “Retrato de un vals”, que había sido creado por Alicia Alonso y estrenado el 11 de noviembre de 1990, con la bella música del “Vals de la mariposa”, que su autor, Ernesto Lecuona, dedicara a Anna Pavlova, y precedido por una breve Introducción de Alejandro García Caturla (“Fanfarria para despertar espíritus apolillados”). Esta vez, “Retrato de un recuerdo” trajo de nuevo al escenario algunas figuras históricas del Ballet Nacional de Cuba, en primer lugar, Alicia Alonso, acompañada por Marta García, María Elena Llorente, Lázaro Carreño, Orlando Salgado, Jorge Vega y Osmay Molina. Lázaro Carreño, Alicia Alonso y Osmay Molina La función de “Retrato de un recuerdo” se produjo el 29 de octubre de 2012, dentro del Vigésimo Tercer Festival Internacional de Ballet de La Habana. El vestuario creado por el diseñador alemán invitado, Armin Heinemann, se separaba por completo del vestuario típico del ballet, y era en realidad una evocación de la forma de vestir tanto de hombres como de mujeres elegantes en los años 1920 o 1930. En esta ocasión, la participación de Alicia Alonso, recibida por el público con euforia, se limitaba simplemente a algunos pasos, con zapatos de carácter (al igual que las otras dos bailarinas participantes), y con el apoyo siempre de algún bailarín. Y así lo aceptó el público que la amaba: ¡Siete semanas después Alicia Alonso cumplía 92 años de edad! MARCIAL FERNÁNDEZ

El acto de apertura del nuevo curso en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma se ha celebrado esta semana. La directora del conservatorio Arantxa Carmona Sánchez estuvo flanqueada por José María Rodríguez Jiménez, Director General del Educación Secundaria, y Ana Lázaro, a quien se homenajeó especialmente como madrina de este curso. Arantxa Carmona expresó con claridad lo que es el objetivo que persiguen: que cada alumno encuentre "la mejor versión de si mismo". Ana Lázaro, fue presentada por José María Rodríguez Jiménez con satisfacción como la "primera catedrática de danza" que fue nombrada en 1966 para la especialidad de ballet clásico. Ana Lázaro efectuó un repaso por la historia de la danza, desde los tiempos más remotos hasta llegar a su época, recordando cuando en 1977 hizo el programa de televisión "La danza", que significó un gran reconocimiento al arte de Terpsícore tan necesitado de difusión. Se mostró muy feliz y emocionada. Y comenzó el espectáculo, una exhibición de tres piezas, una de cada estilo: ballet clásico, contemporáneo y español, que dieron cuenta de gran nivel que poseen los futuros bailarines. Estas fotografías de Jesús Vallinas condensan esos breves instantes que pudimos disfrutar con el Nocturno y El Vals "Las Sífides" "Siame" de José Reches Y un extracto de "Pléyade" con coreografía de Antonio Pérez. Siempre es una fiesta el comienzo de un nuevo curso, y en el precioso vestíbulo del Conservatorio se degustó un magnífico buffet para los invitados, entre los que figuraban, además de los alumnos y amigos, destacados maestros. ¡¡¡Feliz curso!!! Fotografías artísticas Jesús Vallinas @Vallinas.photography (fotos vestíbulo, varios)

(acesso 2ª parte) ¿Cómo habría sido el destino de Olga si no hubiese abandonado la compañía de Ballets Rusos de Dighilev? Es algo imposible de saber, pero sí conocemos la trayectoria profesional de la que fue tal vez allí su mejor amiga, la cual estaba a su par en nivel artístico: Lidia Sokolova. Esta fue la que tras su marcha la sustituye en el papel de Felicita de "Las mujeres de buen humor". Lidia Sokolova en el Sombrero de Tres Picos Lidia Sokolova siguió perfeccionando su estilo y llegó a ser solista de la compañía y a interpretar papeles estelares como la Molinera de "El sombrero de tres picos". En sus memorias tituladas "Dancing for Diaghilev" hay algunas referencias del fuerte aprecio que sentía por Koklova a la que siguió visitando después de casada, es más, en una ocasión en que Lidia Sokolova se pone enferma, Picasso, Olga y el pequeño Paulo la visitan, y es el mismo Pablo Picasso quien se encarga de recogerla en su coche a la salida del hospital. Venecia 1920, en el centro de la fotografía Olga Koklova con Lidia Sokolova y Sergei Diaghilev Los ballets rusos se marchan, parten en un barco sin Olga Koklova, que acompañada de su prometido Pablo Picasso, acude a despedirlos al muelle. El pintor le enseña Barcelona. Visitan el Tibidabo, Monjuich y los barrios que él solía frecuentar, también la presenta a sus amigos de "Els quatre gats" donde es bien acogida. Acuden a los famosos cafés cantantes a admirar las representaciones de flamenco tan frecuentes en la Barcelona de aquellos tiempos. Y la pinta con atavío español. Olga con mantilla (1917) Sin embargo, Doña María, la madre de Picasso, aconseja a Olga que no debe casarse con su hijo:"Ninguna mujer podrá ser feliz con él", le advierte. Entre los recuerdos de Olga figura este contrato manuscrito que suscriben los futuros esposos el 4 de marzo de 1918: "Olga Koklova y Pablo Picasso se comprometen a vivir en paz y amor. Aquel que incumpla este contrato, sera condenado a muerte" Y el 25 de ese mismo mes, en una carta manuscrita Olga escribe a Pablo con membrete del Hotel Lutetia unas líneas que serán premonitorias de los celos que durante su matrimonio la enloquecerán: "Nunca podrás quererme tanto como yo te quiero, porque en la vida solo se quiere una vez, y tu ya has querido, y esta es la causa de mi infortunio. Ni te imaginas cuanto dolor siento y cuanto sufro. No logro tranquilizarme ni dejar de llorar. Te amo y soy infeliz." El el 12 de julio de 1918 contraen matrimonio por el rito ortodoxo en espléndida catedral Alexander Nevsky, sita en la calle Daru de París, el lugar donde los rusos blancos exiliados de la revolución celebran sus ceremonias. Catedral Alexander Nevsky Los testigos por parte de la novia serán Jean Cocteau y el crítico de ballet Valerian Svetlov; por parte de Picasso, Apolinaire y Max Jacobs. El banquete se celebró a continuación en el hotel Le Meurice, en la rue de Rivoli. Restaurante Hotel Le Meurice Los amigos de Picasso se muestran desconcertados por un cambio tan radical en el estilo de vida del pintor. Y culpan a Olga de aquel presunto "aburguesamiento". Es una acusación totalmente frívola e injusta que siempre pesará en las biografías que sobre el pintor se escriben a lo largo del siglo XX. Sorprende leer adjetivos sobre la vida mundana a la que ella le aboca, ya que en realidad ese supuesto ambiente vanal no es otro que el que rodea a los ballets rusos de Dighilev, una atmósfera artística que es la más selecta que jamás existió en torno a una actividad escénica, de enorme efervescencia creativa que ha fascinado completamente a ese ser pasional que es Pablo Picasso. Gracias a las nuevas relaciones que entabla y a la vida social que gracias a su esposa establece, deja atrás las penurias de aquella vida bohemia en la que a veces tuvo hasta que quemar sus propios dibujos para poder calentarse. Pero el mundo del arte no le perdona el cambio. Telón para ballet "Le train bleu". Picasso Ha abandonado el cubismo y comienza su período neoclásico. Esto es una especie de anatema para los críticos de arte del siglo XX que solo consideran tal a las corrientes de vanguardia, denostando completamente a los artistas que no distorsionan la realidad. Es Olga Koklova la que cargará con esa supuesta culpa. La bailarina se convierte en una especie de mala en la película de la vida del genio Pablo Picasso. Lo más terrible es que esa transformación, de la bailarina al monstruo, es la misma que va trazando Pablo Picasso con sus pinceles a lo largo de los 12 años que dura su matrimonio. En una principio Olga capta toda su atención. Es su centro, su exquisita modelo a la que retrata en más de 154 obras comprendidas entre los años 1917 a 1924. Viven en un piso maravilloso en la calle La Boètie, en el barrio de Saint-Honoré. En torno a Olga se dan cita personas de la alta sociedad y artistas relacionados con los círculos de Diaghilev. A su salón acuden personajes como Arthur Rubistein, Erik Satie, Jean Cocteau, el conde Éttiene de Baumont, Manuel de Falla, Stravinsky...Y Picasso pone su estudio en otro piso igual situado en la planta de arriba. Fiesta de disfraces Picasso está inmerso de pleno en el mundo del ballet, en el magnífico nuevo proyecto de Dighilev de crear un ballet de tema español con música de Manuel de Falla y coreografía de Massine: "El sombrero de tres picos", que se estrenará en el Teatro Alhambra de Londres en 1919. No hay que olvidar que en ese momento inicia su salto a la fama. Cambia de marchante y será Paul Rosenberg quien se ocupe de vender sus cuadros a la alta sociedad. Picasso se vuelve riquísimo en unos pocos años. Curiosamente, un día Brassaï acude al estudio acompañado de la ex mujer del poeta Paul Eluard y de un joven español. El chico tiene un aire extraño, delgado, alto, tiene un pequeño bigote y unos ojos centelleantes... Se llama Salvador Dalí y será Gala la que lo introduzca en la sociedad cultural parisina. Si Picasso hubiera sido un ser amorosamente estable, quizá Olga hubiera desempeñado un papel similar a lo que significó Gala en la vida de Dalí. Olga sigue viendo a sus amigos rusos, pero ha pasado a ser una espectadora, ya no baila y apenas sonríe, pero ahí está junto a su genial marido. Comienzan sus depresiones. Olga Koklova y Pablo Picasso con los decorados del estreno del Sombrero de Tres Picos (1919) Después del Sombrero de Tres Picos, Picasso colaborará en dos ballet más: "Cuadro flamenco" y "El tren azul". En 1921 nace Paulo el único hijo que tendrá la pareja. En 1920 Olga consigue retomar el contacto con su familia y recibe muy malas noticias, su hermano ha muerto, su padre ha desaparecido y todos viven en la más profunda miseria. Esta situación la angustia mucho y les ayuda económicamente. Sin embargo, a pesar de que su madre expresa de forma dramática en varias cartas su deseo de verla, Pablo Picasso impide que su esposa viaje a Rusia o que su suegra vaya a París. Album de fotos de Olga, donde aparece con su hijo Paulo y Diaghilev Olga siempre llevará en su interior a la bailarina que fue y nunca se deshará de sus vestidos de danza. Se conservan unas fotografías familiares de 1923 en su casa de veraneo en San Joan des Pins, donde ella está haciendo ejercicios sobre las puntas con su traje de bailarina y también Pablo y Paulo trata de imitarla con movimientos de baile. Las desavenencias del matrimonio van en aumento, Pablo Picasso comienza aburrirse y a ir en pos de otros rumbos. Es un artista que jamás se repite a sí mismo por lo que todo termina cansándole. Familia Picasso en aeropuerto con miembros Ballets Rusos (Nikitina, Lifar, Danilova..) Aparece la joven Marie Thérèse Walter, que es a penas una niña, solo tiene 17 años y despierta en el pintor una nueva sensualidad. Ella se convierte en su modelo y vive siempre cerca de la familia Picasso, por lo que es de suponer que Olga conocía su existencia, aunque trata de luchar varios años por su matrimonio. Marie Therese Walter (1928) Será 1927 un año terrible para ella. Muere su madre a la que no ha podido volver a ver y aparece Marie Thérèse. "El lío que ocurre entre mi abuela y Marie-Thérèse no es solo algo que le ha ocurrido a Picasso. Creo que en el planeta hay varios ejemplos desde el inicio de nuestra humanidad de hombres que se van con otras señoras", dice Bernard Ruiz-Picasso, quitando importancia a los actos de su abuelo. No opina igual su otra nieta, Marina Picasso. En su libro Picasso, mi abuelo (2001) le cataloga como alguien déspota y misógino que, según su sinopsis, fue capaz de reinar "sobre su familia como un ser ególatra y despótico". Tampoco tiene buenas palabras del pintor la inicialmente mencionada Françoise Gilot, que contó en su biografía cómo el artista malagueño arrastraba a Olga por el suelo tirándola del pelo o le daba sedantes para calmarla. En 1934 nace la hija de Marie Thérése y Olga al enterarse se marcha con su hijo al sur de Francia. Sin embargo, Pablo y Olga no se separarán nunca judicialmente. La vida del pintor se convierte en un caos, que el recordará como el peor año de su existencia. Incluso, viendo lo caro que podía costarle el divorcio, ya que tiene que repartirse con Olga la mitad de sus bienes e ingresos, deja de pintar durante casi dos años. Finalmente, decide no divorciarse. Sin embargo, tampoco llega a penas a convivir con su joven amante, sino que se enamora de Dora Maar y las abandona. El mismo Picasso afirmaría, en su biografía escrita por Françoise Gilot, sobre las protagonistas de sus retratos: "Todas esas mujeres no están posando como una simple modelo aburrida. Están atrapadas en la trampa de esos sillones como pájaros encerrados en una jaula. Yo mismo las he aprisionado en esta ausencia de gesto." Retrato Marie Thérèsse Walter Olga se sumerge en el silencio y en las tinieblas de la depresión. Jamás hablará o contará detalles de los acontecido durante su matrimonio sino que se limitará a afirmar: "Soy Olga Koklova. Soporté al genio con cariño durante más de 12 años. Fui legalmente su primera esposa y, como a casi todas, me abandonó". Nadie escribirá sobre ella, ni sobre sus sentimientos. Incluso deja de contestar las cartas de su familia. Picasso queda atrás y también todos sus anhelos. Olga Koklova nunca volverá a tener un hogar y vagará de hotel en hotel y pasará temporadas de reclusión en varios sanatorios mentales. Sin embargo, y esto es una característica de todas las mujeres que compartieron su vida con el genio, seguirá viendo a su marido en ocasiones, como muestra esta fotografía. Lifar, Olga y Picasso jugando al tiro al blanco Olga pasó sus últimos años sola, sin poder caminar. El 11 de febrero de 1955, falleció en una clínica de la ciudad de Cannes en cuyo cementerio yace para siempre la bella bailarina. MERCEDES ALBI

Cuando una estrella se apaga en la tierra algo queda teñido con el negro de su ausencia, pero si esa estrella es tan grande y poderosa como era Alicia Alonso su brillo no se extingue. Y la prima ballerina abssoluta era un astro, su reino habita en el corazón de los que la acompañaron y siguieron su estela, así como de quienes la amaron y del público que la vio bailar... ¿Qué tenía ella que la hacía tan especial? No la traté más que en breves momentos y no puedo contar más allá de lo que conocí. Percibí a través de la artista instantes que fueron para mi como destellos inolvidables. Era poderosa. De sangre española, porque aquí nacieron sus padres, a esa pasión sumaba su gracia cubana y una técnica heredada de los legendarios bailarines rusos que se refugiaron en USA. Un mestizaje perfecto que produjo una bailarina inolvidable. De las numerosas condolencias que pueblan las redes sociales, reproduzco por su precisión un fragmento escrito por Ana Carles Abad: << Sin duda, pasará a la historia como la autora del "milagro cubano", la creación de una escuela y compañía que se posicionó a nivel mundial en pocos años. Como intérprete, será recordada como la creadora de Tema y Variaciones de Balanchine y una gran intérprete de Tudor y de Mille durante sus años en Estados Unidos. Consumó su interpretación de Giselle hasta hacerla tan personal que muchos la han considerado una de las mejores intérpretes de este papel.>> La prima ballerina abssoluta era un ser impactante. Tan impresionante que es difícil deslindar a la bailarina de su personaje. Ambos quedan a la par. Alicia Alonso aparecía y se hacía el silencio. Su personalidad era tan conmocionante que a su paso era imposible la indiferencia. Nació para mover montañas y esa fuerza nunca se doblegaba. Parecía capaz de vencer la implacable crueldad del tiempo. Ella luchó frente a él, de cara y en la proa de las tempestades, sintiendo más allá de lo que no podía ver, heroína imbatible del arte. Adiós a la diva de las divas, a una mujer extraordinaria de aguda inteligencia, con un fino sentido del humor, una gran elegancia y su dominio implacable sobre todas las cosas, con voluntad de hierro y un inmenso amor por la danza. Hasta siempre Alicia Alonso. MERCEDES ALBI

O lo que a mi me gusta llamar la constante evolución de un ecosistema... Laberinto de memoria” (Hipotético Epilogo) Así titula Runde el trabajo que esta poniendo en pie para este Cumpleaños. 30 es un numero redondo y donde los humanos ponen la diferencia entre ser Joven y ser adulto, es un numero en el que ella pone punto y a parte, donde se para a coger aire, agitar la salas y darse cuenta de cómo volará a partir de ahora.Un vuelo que será sereno, alto, y con trazo claro y consciente. Cuando Runde imagina esta celebración tiene claro que quiere disfrutar, compartir, poner en valor el trabajo hecho, la familia creada, los proyectos acompañados y todo lo que 10&10 Danza ha construido estos 30 años de camino. Un camino de idas y venidas, de escasez y de bonanzas ... Siempre cargado de ganas, buen hacer, dudas, inquietud, necesidad, familia, evolución, constancia y una coherencia con sus necesidades creativas y personales que han hecho que sufra infinidad de mutaciones en sus maneras y formas de crear hasta llegar a hoy 2019, donde Runde Directora desde los inicios junto con Berdayes y desde hace 16 años en solitario nos presenta un cumpleaños en SOLITARIO pero acompañada, muy bien acompañada(como confiesa que mejor se siente). Un cumpleaños que bebe de lo que fue y que abre la puerta, una puerta profunda a lo que es y será ELLA-RUNDE quizás sin el apellido 10&10 pero desde luego llena de todo lo que fue, es y quizás... Sea. Runde de la mano de la Sala Cuarta Pared nos proponen una semana llena de eventos para que podamos de un modo u otro formar parte de la celebración. Inés Narváez, Madrid Octubre 2019 Cronograma del aniversario: -Día 11 de Nov Lunes de 16:00 a 21 h - Sesión de trabajo-Taller. Habitar la creación. Encuentro teórico practico entorno a la creación de un acto escénico con el Cuerpo, el espacio sonoro, el texto, el vídeo, la luz, el vestuario y los materiales como herramientas de composición. - Días 14 Jueves y 15 Viernes a las 21h Función de “Ondine” - Día 16 Sábado a las 21 h. Básicos 10&10 Proyección de dos de las piezas claves dentro de la historia de la compañía. “Anyway” (18 min) y fragmento del duo central y alma de la coreografía “Hebras de mujer”(25 min) Posteriormente coloquio con Mónica Runde Directora de la compañía y coreografa de ambas piezas, Elisa Sanz (escenografías y vestuarios de 20 producciones de la compañía entre ellos HEBRAS DE MUJER) y Dacil Gonzalez bailarina fundamental en este recorrido, protagonista de HEBRAS DE MUJER,la intérprete que más años a permanecido en 10 & 10 y ganadora del Premio Nacional en la modalidad de interpretación este año. -Día 17 Domingo a las 13 h. “Laberinto de memoria” Recorrido visual, auditivo, dancístico por los treinta años de 10 & 10 danza. Revisitar la Sala Olimpia, el Teatro Albeniz o el Teatro Madrid y ver a los intérpretes de 10 & 10, hoy maestros de nuevas generaciones. Ver la evolución en la estética de nuestra danza a lo largo de treinta años. Su historia, un pedacito de nuestra historia. Después de la función se ofrecerá un vino como corresponde a toda buena celebración. Fotografías Luis Carlos Molina

Li ha trabajado previamente para la Ópera de París, La Metropolitan Opera de Nueva York o el Ballet Nacional SODRE de Uruguay -La artista granadina es Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes de España, Oficial de la Legión de Honor francesa y Miembro de la Academia de las Bellas Artes francesa -Li ha sido coreógrafa cinematográfica de directores como Pedro Almodóvar o Michel Gondry. Además, ha intervenido en coreografías para Beyoncé, Paul McCartney o Coldplay, entre otros Los Teatros del Canal, uno de los principales espacios culturales de la Comunidad de Madrid, estarán dirigidos por la artista Blanca Li. El Gobierno regional ha tomado esta decisión basada en la reconocida posición que Li tiene en el sector cultural en todo el mundo y en su larga experiencia como directora de espectáculos, creadora de obras y gestora de su propia compañía independiente. Según la consejera de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, “la llegada de Blanca es un paso más en la apuesta de este Gobierno por el regreso de talento”. En este sentido, la consejera ha destacado que “es un placer poner su visión, conocimiento y experiencia al frente de los Teatros del Canal” ya que Li ha triunfado en todo el mundo en diferentes disciplinas artísticas, y ha recibido los mayores galardones posibles en España y Francia. Con el nombramiento de Blanca Li se inicia la tercera etapa de los Teatros, que buscará simultanear programas que aúnen montajes clásicos con proyectos actuales no solo dentro de los espacios escénicos tradicionales, sino en escenarios alrededor de toda la Comunidad de Madrid. Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, que cuentan con 3,8 millones de presupuesto para este ejercicio, disponen de tres espacios distintos en los que se programan ópera, teatro, danza, circo o música. Blanca Li, nacida en Granada en 1964, es coreógrafa, bailarina, directora de cine, fundadora de la compañía Blanca Li y miembro de la Academia de Bellas Artes francesa. En danza ha trabajado desde el flamenco al ballet clásico, pasando por el street dance o el hip-hop. Entre otras distinciones ha recibido la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes de España y el nombramiento como Oficial de la Legión de Honor francesa. Uno de los objetivos que ha compartido Blanca Li durante su presentación es el de sacar el teatro de las salas. “Quiero un teatro abierto al público, donde este participe, intercambie y aprenda”, ha señalado Li. “Pretendo hacer de los Teatros del Canal un referente de las Artes Escénicas en España y en Europa. No solo que vengan artistas nacionales e internacionales, sino también espectadores desde cualquier lugar”, ha manifestado la coreógrafa. “Que sea un espacio de exhibición y creación multidisciplinar, un lugar de encuentro entre artistas y público. Un espacio de intercambio, tolerante y reflexivo, un centro escénico del siglo XXI”, ha añadido Blanca Li. A lo largo de su carrera, Li también ha destacado en otras disciplinas artísticas, como coreografías cinematográficas para directores como Pedro Almodóvar, Michel Gondry, Jean-Jacques Annaud y Jonas Akerlund. Asimismo ha formado parte de los equipos artísticos de Beyoncé, Daft Punk, Blur, Rita Mitsouko, Goldfrapp, Kanye West, Paul McCartney y Coldplay, entre otros. Los Teatros del Canal han estado dirigidos por el dramaturgo Albert Boadella (desde su inauguración en 2009), por Natalia Álvarez Simó y Alex Rigola (entre julio y septiembre de 2016) y por Natalia Álvarez Simó (desde octubre de 2016), y son el buque insignia de la cultura en la Comunidad de Madrid y cuentan con una amplia programación que combina montajes nuevos y clásicos, de la mano de creadores consolidados o prometedores, en la que tienen cabida los distintos géneros y modalidades escénicas. BLANCA LI Blanca Li es coreógrafa, bailarina, directora de escena para ballets, musicales y óperas, realizadora de cine y audiovisual, actriz, artista multimedia y, en abril de 2019, fue nombrada primera mujer coreógrafa de la Academia de Bellas Artes francesa, en reconocimiento a su contribución a la danza. Blanca nace en Granada. A los doce años integra el equipo nacional de gimnasia rítmica y a los 17 se establece en Nueva York para estudiar durante 5 años en la escuela de Martha Graham. De vuelta a Europa, crea su propia compañía de danza contemporánea, con la que ha actuado durante 27 años en más de 1.200 teatros en todo el mundo, con 17 creaciones, siendo las últimas: Elektrik, para bailarines de Electrodance; Solstice producida por el Teatro Nacional de Chaillot, que aborda el tema del medio ambiente; Diosas & Demonias, un dúo sobre la feminidad con la estrella del Bolshoi ballet Maria Alexandrova, y ROBOT! En la actualidad, desarrolla una adaptación de La Viuda Alegre, de Franz Lehár, en realidad virtual, que se estrenará en la temporada 2020-2021. Blanca ha trabajado como coreógrafa para la Ópera de París, para la Metropolitan Opera de Nueva York y dirigió el Ballet de la Komische Oper en Berlín. También fue directora del Centro Andaluz de Danza en Sevilla donde creó Poeta en Nueva York con Andrés Marín y Carmen Linares para el Festival Lorca y Granada, con el que recibió el premio Max en 2008. Su última creación, El Quijote del Plata, para el Ballet Nacional SODRE de Uruguay, ha recibido excelentes críticas desde su estreno. Ha dirigido cinco largometrajes, incluyendo la comedia musical Le Défi, con 150 bailarines de hip hop, en 2001; Pas à Pas, un documental sobre una de sus creaciones, o Elektro Mathematrix, un musical con bailarines de Electrodance. Ha dirigido el primer cortometraje de danza en realidad virtual en Francia en 2013. También ha creado múltiples instalaciones y eventos como para el MUSAC en León, el Museo Guggenheim de Bilbao, la Noche Blanca en Madrid, o el Grand Palais en París, entre otros. Ha trabajado con incontables artistas en la música como Coldplay, Beyoncé, Blur, Daft Punk, Paul McCartney y Kylie Minogue; directores de cine como Pedro Almodóvar, Jean-Jacques Annaud, Michel Gondry, Andrei Konchalovski y Jonas Åkerlund; y creadores de moda como Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa, Stella McCartney, Iris Van Herpen, Cartier, Hermès y Valentino. Entre sus premios y condecoraciones se pueden destacar la bandera de Andalucía, el premio Ideal, el premio Manuel de Falla, la medalla de la fundación Rodríguez Acosta y la medalla de Bellas Artes de Granada. También ha recibido las insignias de Chevalier de l'Ordre National du Mérite en 2004, las de Officier des Arts et des Lettres del ministro de Cultura en Francia en 2007, las de Chevalier de la Légion d'Honneur del presidente de la república francesa François Hollande en 2014, y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el Rey Juan Carlos de España en 2009. Premios, cargos y distinciones Caballero de la Orden Nacional del Mérito de Francia, 2004 Premio Manuel de Falla, 2004 Directora artística del CAD, 2006-2010 Oficial de la Orden de las Artes y las letras de Francia, 2007 Premio Ideal, 2007 Premio Max a la mejor coreografía por Poeta en Nueva York, 2008 Bandera de Andalucía, 2008 Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes de España, 2009 Medalla a las Bellas Artes de Granada, 2010 Oficial de la Legión de Honor francesa, 2014 Medalla de Honor de la fundación Rodríguez Acosta, 2015 Miembro de la Academia de las Bellas Artes francesa, 2019

(acceso 1ª parte) Diaghilev llama a Cocteau y a Picasso para que acudan a Roma y comprobar el estado del proyecto para el nuevo ballet "Parade". La Primera Guerra Mundial causa estragos en el ánimo de todos y la compañía de Ballets Rusos pasa por un momento de crisis ante la ausencia de escenarios en una Europa en guerra. Diseño de Picasso (Parade) El grueso de la compañía ha emprendido una gira por América, y Diaghilev permanece en Roma organizando los próximos ballets cuyo coreógrafo será el joven Leonide Massine. Entre el pequeño grupo de bailarines seleccionados para poner en marcha las nuevas coreografías se encuentra la bella Olga Koklova. Olga en el Hotel Minerva, Roma 1917 Los bailarines se hospedan en el Hotel Minerva de Roma, desde cuya terraza se contempla una de las vistas más hermosas de Roma. La bailarina ha perdido totalmente el contacto con su familia. Olga estába ensayando un destacado papel, el de Felicita, en el nuevo ballet que ha coreografiado Massine con musica de Scarlatti "Las mujeres de buen humor", cuando conoce a Picasso. La carrera de Olga como bailarina está en pleno ascenso. Solo tiene 27 años, y pertenece al selecto círculo de artistas que rodean a Diaghilev, donde también estan Ansermet Y Stravinsky. Picasso se queda prendado nada más conocerla y la asedia con proposiciones que ella rechaza. Una situación que Jean Cocteau caricaturiza en un dibujo que hace de ellos. Olga y Pablo por Cocteau Picasso se aloja en el hotel de Russie en la Vía Babuino, y ha alquilado un estudio en la Vía Margutta con vistas a la Villa Medici. Ansermet escribe: "Picasso aprovechó la ocasión de acompañarme a mi hotel, y momentos después se marchó diciendo: "Voy a ver a Olga". Oí como Picasso, en el pasillo, llamaba a su puerta y como Olga decía "no le voy a abrir, Monsieur Picasso". Los artistas viajan a Nápoles y Picasso y Massine quedan entusiasmados por las ruinas de Pompeya. También se ha recuperado un dibujo esquemático en una hoja del Hotel Victoria, que el pintor traza de un paseo con Olga por Nápoles en carroza, y que la bailarina conservó entre sus más preciados recuerdos. Leonide Massine y Pablo Picasso congenian muy bien, es el inicio de una fructífera. Hay un retrato que Picasso le pinta durante el trayecto de tren de Roma a Nápoles. El 12 abril en una gala benéfica celebrada en el Teatro Constanzi de Roma tuvo lugar el estreno de las "Las mujeres de buen humor", donde Olga interpreta el papel de una de ellas, Felicita. A la representación acude toda la crema de la sociedad romana, así como la espectacular marquesa Casatti y la escritora Colette. Después se representa durante una semana en Nápoles. Y Olga se prepara para la gira española. Picasso se compromete formalmente con ella. El pintor se ha "rusificado", los miembros de la compañía pasan a considerarlo uno más. Pero el maestro Enrico Cecchetti siente una honda pena de que Olga vaya a dejar la compañía para casarse con el pintor. Así lo cuenta la bailarina Tamara Karsávina en su libro "Los Ballets russos": << Olga había debutado como aficionada muy bien dotada pero bajo la dirección del maestro había demostrado verdaderas cualidades, por lo que no fue sin protestas de este que dejó el conjunto. No se si hay afinidades naturales entre nosotros y España, o si Olga había rusificado a Picasso, pero su marido nunca nos parecía un extranjero>> Se puede comprobar en el material fotográfico que se conserva, la estrecha relación que tenía Olga con el maestro Enrico Cecchetti. Olga paseando por Roma con Elena Antonova y Enrico Cecchetti 1917 Olga con el maestro Enrico Cecchetti Son tiempos convulsos pero rebosantes de creatividad artística. Desde que Pablo Picasso ha conocido a los rusos no se separa de ellos, y cuando la compañía se dispone a emprender una gira por España aprovecha para presentarle a Olga a su madre, que se muestra encantada con la futura esposa de su hijo. Menina, José María Sert Será la segunda gira por España de los Ballets Rusos. La pasada temporada fueron muy bien acogidos gracias a la ayuda y patronazgo del propio rey Alfonso XIII. Olga y Lidia Sokolova fueron las dos bailarinas protagonistas del ballet Meninas, estrenado ante de la familia real en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastian el 21 de agosto 1916. El rey Alfonso XIII quedó tan grátamente impresionado que les envió dos ramos de flores a su camerino, como relata Sokolova en su libro "Dancing for Diaghilev". Figurines de Sert. Ballet Meninas La temporada española de 1917 será la última para la bella Koklova. Olga en la gira española de 1917 El domingo 2 de junio Nijinsky hace su debut en el Teatro Real bailando “El espectro de la rosa” con Lopujova; el programa se completó con “El príncipe Igor” y “Carnaval”. Y en esta ocasión fue la primera vez que se pudo ver a Nijinsky y a Massine en un mismo escenario. ¡Nijinsky interpretó el papel de Arlequín y Massine el de Eusebio! Contra todo pronóstico, no hubo jamás fricción alguna entre los dos grandes amores de Diaghilev. La temporada en el Real fue tan exitosa que el público no tuvo bastante con las seis funciones programadas, y el rey pidió que se ampliara a dos más que tuvieron lugar los días 13 y 15 de junio. Las pistas sobre Olga las extraigo a modo de ejemplo de mi propia colección de programas de esa temporada de 1917. -Programa del Real, día 13 de junio de 1917 Olga baila será una de "Las sílfides" que acompañan a Nijinsky; y hará el papel de nodriza en Petroucha. Durante el mes de junio los ballets rusos se trasladan a Barcelona para ofrecer seis funciones en el Teatro del Liceo. El éxito fue tal que al término de la temporada ya se habían agotado las entradas para la siguiente. -Programa de 20 de junio en el Liceo Olga baila tres de las cuatro obras que ser representan: Carnaval, en la pieza del vals noble; la Felicita de "Las mujeres de buen humor" y será una de las mujeres polosievnas del Príncipe Igor. -Programa del día 24 de junio Olga baila en todas las obras. -El programa del 30 de junio de 2017, es el más valioso de mi colección, pues se trata de la última vez que Niinsky bailó en los Ballets Rusos. Fue en "El espectro de la rosa" Olga baila en todas las obras salvo El espectro de la rosa Pero al término de la funciones de aquel mes de junio, Olga Koklova se queda con Picasso. Juntos acudirán al muelle para despedir a los Ballets Rusos, que parten hacia América. Una parte de su vida se marcha en ese barco. La luz ascendente de Olga comienza a eclipsarse, deslumbrada por el potente astro del genio que acabará apagándola. (continuará)

El English National Ballet regresa al Teatro Real, tras trece años de ausencia, con la actualización de uno de los grandes clásicos de la danza. GISELLE CRUZA LA FRONTERA DE LO IMAGINARIO Y SE HACE REAL -La aclamada coreografía que el prestigioso coreógrafo Akram Khan ha hecho del clásico Giselle por fin podrá verse en Madrid, en el escenario del Teatro Real Se ofrecerán cuatro funciones, los días 10, 11 y 12 de octubre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas -Tamara Rojo protagonizará el estreno y la última representación, para alternarse en la interpretación de personaje principal con las primeras bailarinas Erina Takahashi (día 11) y Alina Cojocaru (día 12 a las 17.00) -El viernes 11 de octubre, en la sala de ballet del Teatro Real, se impartirá una masterclass única a cargo de Loipa Araujo, directora artística asociada del English National Ballet, como parte del programa de talentos desarrollado por el British Council -Hoy martes, 8 de octubre, a las 20.15 horas, se ofrecerá una nueva sesión de Enfoques, en torno al English National Ballet, a cargo del crítico y escritor Roger Salas -Giselle, de Akram Khan, y la emblemática compañía británica, se presentarán en el Gran Teatre del Liceu el próximo mes de abril Las funciones de Giselle cuentan con el patrocinio de la Fundación Banco Santander El próximo 10 de octubre el Teatro Real inaugurará su temporada de danza de la mano del prestigioso English National Ballet, dirigido en la actualidad por Tamara Rojo, que ofrecerá uno de los espectáculos que más han emocionado al mundo de la danza en los últimos años, la revisión que el coreógrafo Akram Khan ha hecho del clásico Giselle. Desde su llegada al ENB, en 2012, Tamara Rojo ha centrado gran parte de sus esfuerzos en revitalizar el repertorio, buscando otras lecturas y nuevas emociones en los clásicos para mantenerlos vivos y cercanos al público de hoy. De este empeño personal, para el que ha contado con la colaboración de nombres de referencia y prestigio indiscutible, ha nacido esta Giselle, cuya propuesta ha cautivado al público de medio mundo y conquistado a la crítica que ya la ha convertido en un espectáculo imprescindible en los escenarios internacionales. Akram Khan, el gran coreógrafo de la actualidad, traslada la acción a nuestros días, en una fábrica de tejidos; allí nos sumerge en la penumbra de la desigualdad social y el abuso de poder, en un entorno marginal donde Giselle es una mujer, más fuerte y menos ingenua que en la trama original, viviendo un drama de amor en un ambiente hostil. El compositor Vincenzo Lamagna crea su primer trabajo para un ballet, partiendo de la obra original de Adolphe Adam, recreando un ambiente casi cinematográfico, con una fuerte carga dramática, que dibuja sobre el sonido ese espectro industrial en el que tiene lugar la acción pensada por el coreógrafo. Lamagna ha contado con la colaboración del maestro Gavin Sutherland, responsable de la orquestación de esta nueva partitura, quien en las funciones que se ofrecerán en Madrid estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Para este innovador trabajo, Khan se ha rodeado de un equipo de colaboradores de lujo, como el escenógrafo y figurinista chino Tim Ying -ganador de un Oscar a la Mejor dirección Artística y de un BAFTA al mejor vestuario, ambos por la película Tigre y dragón (2000), de Ang Lee- y el iluminador británico Mark Henderson -ganador de un Premio Tony por The history Boys (2006), de Alan Bennett- , por citar sólo algunos. Se ofrecerán cuatro funciones de Giselle entre los días 10, 11 y 12 de octubre, este último en sesión doble a las 17.00 y a las 21.00 horas, con la participación de Tamara Rojo en el estreno y en la última representación, quien se alternará en la interpretación de papel protagonista con las primeras bailarinas Erina Takahashi (día 11) y Alina Cojocaru (día 12 a las 17.00). Tamara Rojo ha descrito a esta nueva Giselle como una mujer real, alejada de la fragilidad adolescente del personaje clásico. Aquí es madura, fuerte, trabajadora y luchadora, como muchas mujeres de las factorías ubicadas en el extrarradio de las grandes ciudades, pero también llena de esperanza. Lo que la mueve, y también lo que ve, es identificable por el espectador como una realidad cotidiana, manteniendo a la vez la esencia y la magia del personaje que todos conocemos. Los roles principales masculinos, Albrecht e Hilarión, estarán a cargo de James Streeter y Jeffrey Cirio (10 y 12 a las 21.00h), Aitor Arrieta y Erik Woolhouse (día 11) e Isaac Hernández y Ken Saruhashi (12 a las 17.00). El Teatro Real, en colaboración con el British Council y con la participación del English National Ballet, ha organizado una masterclass única impartida por Loipa Araujo, directora artística asociada del English National Ballet, que tendrá lugar el próximo viernes 11 de octubre en la sala de ballet del Teatro Real, y ofrecerá a 40 participantes la posibilidad de participar en esta exclusiva sesión como parte del programa de talentos desarrollado por el British Council. Como complemento a estas importantes representaciones, hoy martes, 8 de octubre, a las 20.15 horas, tendrá lugar en la Sala Gayarre del Teatro Real, una nueva sesión de Enfoques, en esta ocasión, en torno a Giselle y el English National Ballet, a cargo del crítico y escritor Roger Salas. Giselle, de Akram Khan, y la emblemática compañía británica, se presentarán en el Gran Teatre del Liceu los días 22, 23, 24 y 25 (este último en sesión doble) el próximo mes de abril. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Más de cien años después de aquel primer encuentro entre la bailarina rusa Olga Koklova (1891-1955) y el pintor Pablo Picasso (1881-1973), en Roma 1917, se ha tratado de remediar una gran injusticia y paliar la lamentable visión que algunos historiadores del arte trazaron sobre ella. La razón de esta minusvaloración deriva especialmente, como apunta Joachim Pissarro, del hecho de que “Picasso entra en la historia del arte, cuando sale Olga”, es decir, fue después de su separación cuando se comienzan a escribir las biografías sobre el gran artista del siglo XX. Ella ya no es nada en su vida, tal vez incluso un recuerdo molesto al que se le amputa su verdadera importancia, tanto en los casi 20 años en que Pablo Picasso estuvo junto a ella, como en su carrera como miembro de los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev. Olga y Bob en Boisgeloup (1930) Bernard Ruiz-Picasso, nieto de Pablo y Olga abrió un misterioso baúl después de la muerte de su padre. El arcón de viaje, marcado con las iniciales O. P., se conservaba en una habitación vacía del Chateau de Boisgeloup, a unos 60 kilómetros al norte de París. En su interior se contenían las cartas y fotografías de la bailarina que han permitido reconstruir una historia personal y artística. «En algunos de sus cajones había, entre otras cosas, fotografías conservadas dentro de sus sobres Kodak. Unas fotografías que contaban la historia de la vida de mi abuela: Olga con Picasso, Olga con mi padre, la infancia de mi padre, los viajes a Barcelona y a Montecarlo, el estudio de escultura de Boisgeloup, etc. En otros cajones había cartas en francés y en ruso, atadas con cintas finas de seda rosa y azul. También había zapatillas de danza, tutús, un crucifijo, una Biblia ortodoxa en ruso, efemérides y programas de ballet», explica el nieto. Los objetos y documentos hallados en ese baúl sirvieron para desempolvar los recuerdos de Olga sepultados por el olvido y ofrecer una imagen más fidedigna de la esposa de Picasso, de la que a pesar de su separación en 1937, nunca se divorció, y fue la madre de Paulo Picasso, primer y único hijo legítimo. Olga y su hijo Paulo Picasso Todo este material fue el germen de la investigación que fructificó en una exposición en París, en 2017, cuando se cumplía el centenario de la fecha en que se conoció la pareja, y que después pasó por Moscú y Málaga, y recientemente en Madrid, organizada por el Musée National Picasso-París y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, con la colaboración de ”la Caixa”, el Museo Estatal de Artes Plásticas A. S. Pushkin de Moscú y el Museo Picasso de Málaga. Sin embargo, y a pesar de la loable labor de investigación efectuada en el catálogo de la exposición, he decidido escribir este artículo porque se han pasado por alto detalles transcendentales sobre la gran importancia de los papeles que Olga interpretó como bailarina de la más emblemática compañía de ballet de la historia: los Ballets Rusos de Diaghilev. Encuentro entre Olga y Pablo En 1917 Pablo Picasso es contratado por Sergei Diaghilev en París para realizar los decorados de un nuevo ballet titulado "Parade". El pintor envía una carta al empresario sellando con estas palabras el compromiso: <>. Telón de Parade Fue el 17 de febrero de ese año cuando Picasso viaja a Roma acompañado de Jean Cocteau. Allí conocerá a su futura esposa Olga Koklova. La compañía se encuentra de gira por América pero Leonide Massine y un grupo escogido de bailarines, entre los que se encuentra Olga, permanecen en Roma con Diaghilev para preparar los ballets de la próxima temporada. Picasso y Massine (1917) Este viaje que emprende el pintor donde se sumerge de lleno en el refinado ambiente que rodea a Sergei Diaghilev, le conmociona, le hace cambiar y evolucionar hacia un nuevo estilo pictórico que los historiadores de arte denominan período neoclásico, proponiéndose actualmente una nueva denominación: PERIODO OLGA. Pablo Picasso se encuentra personal y artísticamente impresionado. Nada será igual a partir de entonces. Las esculturas romanas, Miguel Ángel, los frescos de Pompeya, sus paseos por Nápoles... le afectan en su constante búsqueda de nuevas formas de arte. Y se enamora de la Olga Koklova, una bailarina de ascendencia aristocrática que sobresale del resto por su refinamiento y cultura. El pintor emprende una nueva etapa que lo alejará del mundo cubista parisino. Pablo Picasso y Olga Koklova (1917) ¿Quién es Olga Koklova? Olga Stepánovna Koklova nació en la ciudad rusa de Nizhin el 17 de junio de 1891, hija de un aristócrata coronel del ejército imperial ruso. Su familia se traslada a San Petersburgo donde ella comienza a estudiar ballet con su maestra Eugene Sokolova, que fue primera bailarina del Ballet Imperial. pues había quedado hondamente impresionada por una actuación de madame Shrossont que había visto de niña. Olga ama la danza y cuando su familia se traslada a la región de Kars en 1911, porque su padre recibe el encargo de dirigir allí la construcción del ferrocarril, ella abandoná a los suyos para cumplir su sueño de convertirse en bailarina. Sergei Diaghilev había decidido consolidar los Ballets Rusos como compañía estable, animado por grandes éxitos que había cosechado en sus giras por los grandes teatros europeos desde 1909. Y el gran empresario escoge a la bella Olga para formar parte del cuerpo de baile. Nijinsky deja entonces el Ballet Imperial, donde había sido censurado por vestir un atuendo demasiado ligero para la rígida moral de la institución, y decide marcharse definitvamente con Diaghilev. La joven Olga, con solo 19 años, totalmente independizada de su familia, comienza una carrera que la llevará a vivir y a ser parte de algunos hitos trascendentales de la historia de la danza. Olga como ninfa (1916) Ella es una de las ninfas que acompañan a Nijinsky sobre escena en el estreno de su celebre pieza "La siesta de un Fauno". Olga Koklova (4ª desde la iz.) La bailarina rusa va consolidando numerosos papeles en las exitosas giras internacionales que emprenden los Ballets Rusos viajando por todo el mundo, como muestran las siguientes fotografías. Olga como princesa en el Pájaro de Fuego (1916) Olga en el Ballet Thamar (1916) Olga en el Ballet "Les Papillons" La compañía de Ballets Rusos en Denver, gira americana 1916 Gira americana 1916 (Olga 2ª por dcha.) Lo que no sabía Olga cuando en 1911 deja Rusia es que ya solo podrá volver una vez en 1914. Nunca más verá a su familia, pues la guerra y la revolución bochevique que estalla en 1917, le harán imposible su retorno. Una gran pena comenzaba a anidar en su interior cuando conoce en Roma al pintor Pablo Picasso y se enamora. (2ª parte) MERCEDES ALBI