Los Teatros del Canal presentan Grand Finale, los próximos días 26 y 27 de septiembre, el último espectáculo de Hofesh Shechter Nominada a los Premios Olivier, Bessie y Helpmann, la pieza fue nombrada Producción del Año por tanz magazine y se ha alzado con un Premio Dora 2019 El coreógrafo israelí, a la cabeza de la británica Hofesh Shechter Company, sube a escena su visión de un mundo en caída libre, interpretada por bailarines de nueve nacionalidades y una banda de música en directo Los Teatros del Canal presentan el estreno en la Comunidad de Madrid de Grand Finale, último espectáculo del coreógrafo israelí Hofesh Shechter, con dos únicas funciones el 26 y 27 de septiembre en la Sala Roja. El espectáculo, que pudo verse por primera vez en el Théâtre de la Ville de París en 2017, ha estado nominado a los Premios Olivier (Reino Unido), Bessie (Estados Unidos) y Helpmann (Australia), además de ser nombrado Producción del Año por tanz magazine y alzarse con un Premio Dora (Canadá) en 2019. Grand Finale sigue fiel a las coordenadas estéticas de creaciones tan aplaudidas como el díptico Uprising/In Your Room, Political Mother o barbarians, e incorpora como novedades la alianza de Shechter con un escenógrafo, el diseñador Tom Scutt, y con una banda de música que toca partituras clásicas en directo. El humo es denso, la luz intensa y el sonido estridente. Grand Finale habla del caos de nuestro mundo, del colapso de la civilización, del derrumbamiento y quizá, de la reconstrucción. Es del humo, justamente, de donde surge, cada uno por su lado, un grupo interconectado de nueve bailarines que parecen reflejar la angustia y el terror en sus cuerpos y un ensemble de música que parece ignorarlo todo. No es casual que vagamente recuerde a esa escena desasosegante del Titanic, con los pasajeros histéricos intentando salvarse y los músicos tocando plácidos mientras el barco se hunde, porque fue esa, justamente, la imagen que le vino a la cabeza a Shechter y a Scutt durante las primeras discusiones sobre la pieza, que terminaría alcanzando dimensiones apocalípticas. Una sociedad que danza al borde del precipicio. Energía anárquica y danza milimétricamente calculada. En este baile de opuestos se asienta el camino expresivo de la coreografía interpretada por un equipo internacional de bailarines. Un caos perfectamente organizado en el que hay lugar también para el humor y la esperanza. Sobre la génesis de este mundo en caída libre -parte concierto, parte danza, parte teatro- reflexiona Shechter: "Me resulta siempre muy curioso al ver las noticias esta sensación de que las cosas están fuera de control y de que la gente está al mismo tiempo atemorizada y excitada. Todo colapsa, pero es casi como una celebración. Es un estado del ser caótico, es un apocalipsis y, sin embargo, hay algo divertido e todo ello. Quizás desde un punto de vista optimista es parte del ciclo de la vida y la evolución. El colapso y después, la reconstrucción". De Grand Finale, la crítica ha escrito: "Un trabajo maduro y magnífico... sulfúrico, visceral y sorprendentemente tierno." (The Stage), "Un vals salvaje para el final de una era. Grand Finale se encuentra entre las creaciones más sofisticadas de Shechter." (The Guardian). Actividad paralela El 27 de septiembre tendrá lugar un taller de movimiento impartido por Hofesh Shechter, dirigido a profesionales. Más información. Hofesh Shechter El coreógrafo israelí Hofesh Shechter dirige desde 2008 la Hofesh Shechter Company con sede en Reino Unido. Es artista asociado de Sadler's Wells. El repertorio para la compañía incluye los títulos Uprising (2006), In your rooms (2007), The Art of Not Looking Back (2009), Political Mother (2010), Political Mother: The Choreographer’s Cut (2011), Sun (2013), barbarians (2015), Grand Finale (2017) y SHOW (2018), con su segunda compañía, Shechter II. Shechter también ha coreografiado trabajos para compañías internacionales de la talla de Alvin Ailey American Dance Theater, Batsheva Ensemble, Candoco Dance Company, Cedar Lake Contemporary Ballet, Nederlands Dans Theater 1, Paris Opera Ballet, Royal Ballet y Royal Ballet Flanders. Ha creado piezas para teatro, ópera y televisión, entre las que se encuentran la Metropolitan Opera de Nueva York, el Royal Court, el National Theatre of Saint Joan y para la serie Skins (Channel 4). Como parte de #HOFEST, un festival de cuatro semanas en el que se muestra el trabajo de Shechter en cuatro escenarios icónicos de Londres, ha codirigido Orphée et Eurydice de Gluck, junto a John Fulljames en la Royal Opera House. En 2016 fue nominado a un premio Tony por su coreografía para Fiddler on the Roof. Grand Finale, su última gran producción, se estrenó en el Théâtre de la Ville de París en 2017 y fue nominada a un Premio Olivier al Mejor Espectáculo de Danza. En 2018 Hofesh Shechter fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la danza. La primera película de la compañía, Hofesh Scheter's Clowns, se emitió con gran éxito ese mismo año en la BBC. El periódico The Times le ha descrito como “un poderoso coreógrafo contemporáneo, una combinación de creador de danza y estrella del rock con la sensibilidad de un director de cine”. Fotografía: Rahi Rezvani

Asistimos a la XVII Edición de los Premios del Teatro de Rojas en Toledo. La fachada iluminada del teatro nos recibe mostrando ese calor especial de la gratitud, porque recibir un premio siempre tiene un algo afectivo. Es como un abrazo invisible del público hacia el artista. Y ésto se acentúa en los Premios Teatro de Rojas porque tienen la particularidad de que son otorgados por los propios espectadores. Votan en torno a unas dos mil personas que reciben en sus domicilios la programación y evalúan aquello que más les ha gustado. Estos premios se crearon en 1993 con el objetivo de mantener un canal de comunicación con el público-espectador para conocer sus gustos y preferencias sobre la creación artística. Fue un acto festivo y emocionante para la danza que tuvo su protagonismo con tres premios: Mejor Espectáculo Infantil y Familiar, “El lago de los Cisnes” de Cía. Morfeo Teatro, Karlik Danza y Gloria Muñoz; Mejor Espectáculo de Danza, “La Bella Durmiente” del Ballet de San Petersburgo; y Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla La Mancha, “Carmen de Merimée” de la Compañía De Sangre y Raza. La bailarina Radamaria Nazarenko-Duminika y la productora Tatiana Solovieva, recogieron el galardón otorgado al Ballet de San Petersburgo por “La Bella Durmiente”. En su discurso, Tatiana agradeció el estímulo que produce el reconocimiento de los premios, y ensalzó la importancia de la cultura haciendo referencia a unas palabras del gran bailarín y director ruso Igor Moiseyev, que diferenciaba entre civilización y cultura: la primera es lo exterior, el progreso material que nos rodea; la segunda es algo interior, algo que está dentro de nosotros, es como un espíritu que inspira el alma de cada ser. Y el peligro que denuncia Moiseyev estriba en que si lo primero domina a lo segundo, si el progreso material no se produce paralelamente al desarrollo de la cultura, se provoca una enorme crisis de identidad en los pueblos. También nos anunció que pronto podremos disfrutar de esta emblemática compañía del Ballet de Igor Moiseyev, que actuará el 2 de diciembre en el Teatro Real, con 80 bailarines y orquesta en directo, para proseguir una gira por teatros de toda España. Los directores de la Compañía de Danza Española De Sangre y Raza, Carlos Fajardo y Juanma Prieto, subieron al escenario para recoger el galardón al Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla – La Mancha, por su “Carmen de Merimée”. Ellos hicieron suyas las palabras del gran Antonio Gades, que definen la danza como una mezcla de fuego y veneno, pues así es para estos dos valiosos y jóvenes artistas que luchan día a día contra las vicisitudes y las dificultades con que se enfrentan, superando nuevos retos para la danza española, de la que son germen, sustrato y futuro. Próximamente podremos disfrutar de su “Carmen de Merimée” el próximo mes de octubre en Villaviciosa de Odón. Los buenos momentos quedan siempre en la memoria de los que los vivimos. ¡¡¡ Enhorabuena y adelante!!! MERCEDES ALBI Fotografías gala Gabriel M. Olivares

Empezó sus estudios de ballet en la escuela de Víctor Ullate. En 1992 ingresó en la compañía de Ullate en la que permaneció tres años. Durante su estancia en ella, interpretó coreografías de Ullate, Eduardo Lao, Nils Christie, Hans van Manen, Maurice Bejart, Rudy van Dancing, Misha van Hoeke, y George Balanchine. En 1995 fue invitado por Fernando Bujones a bailar con el Ballet Mediterráneo.(leer +) "Regreso. Cambio. Ilusión. Raíces. Hogar. España. Amigos. Recuerdos. Mudar. Orgullo. Embajador. Esfuerzo. Trabajo. Proyectos. Retos. Ideas. Añoranza. Devolver. Aportar. Rigor. Calidad. Sueños. Ímpetu​. Emoción. Respeto. Responsabilidad. Ganas.​ Volver. A. CASA." Joaquín De Luz Comienza una nueva temporada con giras nacionales e internacionales La Compañía Nacional de Danza de España tiene previsto realizar un total de 47 actuaciones dentro del territorio español, asiático y europeo. Los ballets que se pondrán en escena durante esta temporada serán: Don Quijote de José Carlos Martínez, Cascanueces de José Carlos Martínez, Una noche con Forsythe, de William Forsythe, Por vos muero de Nacho Duato, Carmen de Johan Inger y L'après-midi d'un faune de Cayetano Soto. Al mismo tiempo, la nueva dirección artística preparará las nuevas producciones para estrenar esta temporada y la del 2020/21. Una semana intensa y emocionante para la CND Amaya de Miguel, directra general del INAEM recibiendo a Joaquín De Luz en la sede EQUIPO CND: De izquierda a derecha, Ema Jovanovich (asistente coreográfica), Luis Martín Oya (director de producción), Amaya de Miguel (directora general del INAEM), Joaquín De Luz (director de la CND), Sonia Sánchez (gerente), Luis Martínez (director técnico), Isaac Montllor (coordinador artístico), Maite Villanueva (directora de comunicación) y Carina Martín (coordinadora artística y proyecto educativo). Joaquín De Luz toma contacto con el estudio y sus bailarines para preparar las primeras giras de la temporada. En las fotos más abajo, Pino Alosa, Director Artístico Adjunto, trabaja con los bailarines la coreografía Don Quijote. Joaquín De Luz en uno de sus primeros actos como director de la CND en pro de la internacionalización de la formación: un encuentro artístico empresarial impulsado por la región de Guangdong en Madrid para fortalecer lazos culturales entre China y España. PRÓXIMAS ACTUACIONES DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA BIARRITZ, 15 de septiembre Gare du Midi - Carmen de Johan Inger PAMPLONA - 27 y 28 de septiembre Baluarte - Don Quijote de José Carlos Martínez CHINA ZHUHAI 11 y 12 de octubre SHANGHÁI 18, 19 y 20 de octubre Carmen de Johan Inger A CORUÑA , 22 y 23 de noviembre Palacio de la Ópera Carmen de Johan Inger MADRID 10 a 22 de diciembre Teatro de la Zarzuela El Cascanueces de José Carlos Martínez Fotos y vídeo Alba Muriel

La sexta gala de VALENCIA SOMOS ARTE reúne a las mejores estrellas del ballet y de la danza de la actualidad, en favor de la Asociación de Familiares de Alzheimer de Valencia → Reciente premio Positano y dos veces ganador del Benois de la Danse (oscar del ballet), el bailarín principal de The Royal Ballet Vadim Muntagirov es la imagen del cartel anunciador del espectáculo → Las grandes estrellas de la actualidad Polina Semionova (Staatsballett de Berlin, Mikhailovsky Theatre y Teatro alla Scala) y Marianela Núñez (The Royal Ballet) participan en la gala → La velada contará también con primeros bailarines y solistas del prestigioso Teatro alla Scala de Milán, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro Dell’Opera di Roma e Introdans Izda. Marianela Núñez. © Carlos Villamayor. La Asociación de Danza y Arte del Mediterráneo y la Fundación Hortensia Herrero se complacen en anunciar la celebración de la sexta edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE, que tendrá lugar el sábado 21 de septiembre, a las 19.30 horas, en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. Como en ocasiones precedentes, la gala tendrá carácter benéfico y la recaudación íntegra de taquilla se destinará este año a la Asociación de Familiares de Alzheimer de Valencia, habiéndose habilitado también la fila cero con un número de cuenta desde el que pueden participar aquellas personas que no puedan asistir. Polina Semionova © Maria-Helena Buckley Mostrar la excelencia del ballet y de la danza en una gala que reúne a los mejores bailarines de la actualidad, miembros además de grandes compañías internacionales, se ha convertido en la seña de identidad de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE. Con la intención de dotar de una mayor riqueza y calidad del espectáculo, esta sexta edición realiza una apuesta más decidida por la interpretación de las piezas de danza con música en directo, que estará presente en dos obras del programa. Los primeros bailarines del Teatro alla Scala Nicoletta Manni y Timofej Andrijashenko durante una actuación. © Brescia/Amisano ©Teatro alla Scala Bajo la dirección artística de Gema Casino Penalba y con José Carlos Blanco y Fabrice Edelmann en la coordinación artística, el espectáculo consta de diez piezas de estilo predominantemente clásico y neoclásico, y tendrá una duración aproximada de dos horas. El Bailarín principal en The Royal Ballet de Londres, Vadim Muntagirov protagoniza el cartel anunciador de la sexta edición del espectáculo, en una de sus temporadas más aclamadas al haber recibido su segundo premio Benois de la Danse –considerado el ‘oscar’ del ballet- y el premio Positano 2019. Muntagirov y su partenaire, la excepcional bailarina del Royal Ballet Marianela Núñez, serán los encargados de abrir el espectáculo con el paso a dos de La Bayadère y, a su vez, de ponerle el broche de oro final con el paso a dos de Don Quijote. Rivalizará por el aplauso y el favor del público otra de las grandes estrellas del ballet en la actualidad, Polina Semionova, quien contará como pareja con el brillante bailarín brasileño Daniel Camargo. Juntos se encargarán de cerrar el primer acto con el clásico paso a dos de Giselle e iniciarán la segunda parte poniendo el contrapunto contemporáneo de Without Words (extracto) del coreógrafo valenciano Nacho Duato y que se ofrecerá con música en directo. Procedentes del prestigioso Teatro alla Scala de Milán, los primeros bailarines Nicoletta Manni y Timofej Andrijashenko interpretarán un paso a dos de Carmen, en la versión de Roland Petit, y el dúo Step Addition de Sebastien Galtier. Desde el Teatro Dell’Opera di Roma, Susanna Salvi, y por la Compañía Nacional de Danza, Alessandro Riga, aúnan fuerzas para el dúo Consequence, firmado por el coreógrafo murciano Juanjo Arqués y que contará con música en directo. Para su segunda participación se han decantado por Les Flammes de Paris, de Vasili Vainonen. Además, el intérprete tarraconense Aleix Mañé presenta el solo Puñal, sobre la música de Amor de hombre y con coreografía de Eduardo Zúñiga, pieza galardonada con la medalla de oro en el Moscow Ballet Competition de 2017. Completa el cartel la pareja de bailarines de la compañía holandesa Introdans formada por Yulanne de Groot y Pascal Schut, quienes ofrecerán la pieza Andante, del creador neerlandés Hans Van Manen. Por motivos ajenos a la voluntad de la organización, finalmente no podremos contar con la participación de Alicia Amatriain y Martí Paixá, del Stuttgart Ballet, ni de Mar Aguiló, Sara Fernández y Daan Vervoort, de la Compañía Nacional de Danza, todos ellos artistas anteriormente anunciados. Esta sexta GALA VALENCIA SOMOS ARTE no sería posible sin la colaboración principal y desinteresada de la Fundación Hortensia Herrero, que apuesta por apoyar, desarrollar y fomentar el arte de la danza en Valencia. También habría que remarcar la colaboración de la Generalitat Valenciana y el Palau de Les Arts Reina Sofía. Aprovechamos para agradecer a todas estas entidades su inestimable aportación y apoyo. LOS DATOS Espectáculo: Gala Benéfica Valencia Danza/Somos Arte 2019. Organiza: Asociación de Arte y Danza del Mediterráneo (ADAM). Colaborador principal: Fundación Hortensia Herrero. Bailarines invitados: Polina Semionova y Daniel Camargo| Marianela Núñez y Vadim Muntagirov| Nicoletta Manni y Timofej Andrijashenko | Susanna Salvi y Alessandro Riga | Aleix Mañé | Yulanne de Groot y Pascal Schut. Programa:  1ª Parte: La Bayadère (Acto II, paso a dos), Andante, Consequence (extracto), Carmen (paso a dos) y Giselle (paso a dos).  2ª Parte: Without Words (extracto), Les Flammes de Paris (paso a dos), Step Addition, Puñal, y Don Quijote (paso a dos). Lugar y fecha: Palau de Les Arts Reina Sofía, 21 de septiembre, a las 19,30 horas. Acceso a compra entradas &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Paco Mora siempre sorprende. Le he visto a través de los años y admirado como bailaor y coreógrafo. Recuerdo la última vez que le entrevisté con motivo de aquella exitosa "Bodas de Sangre" que representaba su compañía en el Teatro Alcazar de Madrid, hace unos años. Paco se vió obligado a detener su actividad artística para cuidar a su madre, aquejada de Alzheimer. Pero no son los deseos los que conforman la realidad, sino que por el contrario es la realidad la que modela las ansias creativas. En Paco la vida ha hecho arte y a través de él ha sido capaz de nuevo de transmitirnos su poderoso mensaje. Queda patente su enorme capacidad de reconvertirse, de reiniciar el disco duro en una nueva etapa. Y nos demuestra como es capaz de nadar contra corriente en unos tiempos en los que solo se ensalza lo bello, la juventud, el placer.... ha conseguido despertar la ternura con unos vídeos que ya son virales y que tienen a su madre Carmen Mora, una mujer enferma de 86 años, como protagonista. Con ella ha construido su nuevo espectáculo, "Flamenco para recordar", con el que gira por los teatros de toda España. Paco Mora lleva el genio de la danza dentro de sí, y por ello su talento se manifiesta y surge venciendo las más complejas circunstancias. Nada ni nadie pueden ahogar el brillo de su mente, sus ideas y esa forma de contar las historias a través del baile que hacen de él un gran coreógrafo. Posee sin adulterar ese don que tantos ansían y solo tienen unos pocos, por eso es tan auténtico, tan pasional y a la vez tan lleno de ternura y generosidad. -¿Cómo tuviste la idea de hacer este espectáculo sobre el Alzheimer? -Todo surge muy en la intimidad de mi casa, mi madre va empeorando con la enfermedad y yo voy necesitando volver a mi vida... Ella se va aislando de la realidad y quiero luchar contra ello. De repente, me doy cuenta de que a través de la Copla y el Flamenco compartimos, tenemos cosas de que hablar, sus recuerdos y su mente reviven. -¿Y surge la historia de tu madre? Sí, en los vídeos que yo filmaba y colgaba en las redes, hubo uno en concreto donde ella se pone a llorar desconsoladamente y me cuenta la historia, que yo ya sabía, de que ella quería ser bailarina pero su padre la sacó de la Academia del maestro Rosén porque decía que él "no criaba hija pa puta". -¿Quién era el maestro Rosén? -Un conocido maestro de danzas de aquel tiempo y no justamente reconocido. Es el creador de la malagueña como baile regional que hoy conocemos como las malagueñas de fiesta, y se sigue respetando la coreografía del maestro Rosén. -¿Por qué crees que tu abuelo tenía tan mala opinión del baile? -Mi abuelo, que era muy juerguista y conocía bien el mercado artístico desde la perspectiva de espectador, cerraba el conocido Café de Chinitas y lo que allí pasaba era como en Las Vegas, se quedaba en el Chinitas... No quiso que su hija pudiera algún día frecuentar esos ambientes; mi abuela por el contrario la llevaba a escondidas a academia del maestro Rosén, pero murió cuando mi madre tenía 12 años. -Los recuerdos de tu madre en la Academia del maestro Rosén también son los recuerdos de un tiempo en que era feliz, porque imagino que quedarse huérfana de madre en la niñez marca mucho. -Ella siempre lo tuvo como un recuerdo imborrable: la danza, la academia del maestro, su madre... Quizás en mí se vio reflejada y por eso llevo su apellido como nombre artístico, y por ello creo que merecía que su sueño de ser bailarina se cumpliera. Eso me encendió la luz. Si yo había abandonado todo para atenderla a ella, ¿por qué no regresar a los escenarios para cumplir su sueño?. Y así fue, en una tarde me puse a escribir el guión y, salvo variaciones que han ido produciéndose, creé lo que que hoy es Flamenco Para Recordar...el Espectáculo. ¿Es posible que tú te hayas dedicado a la danza por una especie de componente genético? -No sé si genético, pero está claro que hoy soy el hijo de la Artista. Después de 30 años de carrera, cedérle a ella el protagonismo es un verdadero orgullo. No sé hasta qué punto la genética tiene importancia, pero lo que está claro que en mi casa siempre se escuchó Flamenco, con dos aficionados de estilos distintos: mi padre más Marchenero; mi madre más Caracol... y la primera vez que vi una clase, y fue de ballet, yo supe que quería hacer aquello, finalmente el Flamenco fue mi camino, pero la Danza es mi vida, por eso dejarla era perjudicial par los dos, volver de nuevo con ella de la mano, es volver pleno. -Y ¿Cómo fue que el hijo de la niña que no pudo bailar sí que consiguió ser bailaor? -Mi primer contacto con la danza, al margen de lo que podía ver en la televisión, fue una vecina del barrio, Ana Trujillo, que daba clases de Ballet y desde la ventana yo veía movimiento y me llamaba la atención. Un día a comienzos de curso vi una clase de Ballet en el colegio, me gustó, pero aquello era para niñas. Yo jugué al fútbol, incluso mi padre intentó que entrara en la cantera del Málaga, pero...no toqué la pelota, jugaba al Baloncesto y no me gustaba, jugué al balonmano y me partí un brazo...empezaron unas clases de guitarra y la profesora hizo de todo menos aficionarme. Así que un día, siendo mi madre muy conocida en el barrio, vi las clases de bailes regionales y le dije a la profesora, Marichu, que me quería apuntar. No quise decir nada en casa, pero me comprometí a pagarle lo que costaba, quinientas pesetas, en la siguiente clase. -¿Pagaste tú mismo las clases? ¿De dónde sacabas el dinero? -Como mi madre tenía negocio y de vez en cuando yo le vendía alguna bobina, algún recado que me mandaba, lo metía en caja y lo fui guardando y así fui pagando mis clases. Mi madre, de momento no se enteraba. -¿Cuándo se enteró? -La cosa iba complicándose porque para el fin de curso me tenía que hacer un traje con sombrero para bailar las verdiales. Y volví a la batalla de “mamá yo quiero apuntarme, además hay otros niños en las clases, están Pedro y Jose María (mentira, yo era el único niño, es verdad que José María empezó, pero luego no continuó)". La convencí: "Vale, dile a Marichu que yo le pago a final de mes"...las clases estaban ya pagadas, uff, menos mal pero... y el traje del fin de curso? Así que esperé un par de semanas y fui juntando algunas cosas. Pero el sombrero de Verdiales era complicado. Así que a las dos semanas, volví a la batalla: "Mamá tengo que hacerme los trajes de fin de curso", "¿Pero cómo vas a tener que hacerte ya los trajes?"... Me ofusqué y se ve que la convencí, así que le encargó a una vecina el sombrero de Verdiales, que, por algún lado debe estar guardado, en alguna caja. A partir d entonces ya fui libre. -¿Qué edad tenías? -Yo tendría unos 9 o 10 años. -¿Cómo pasas de los bailes regionales al flamenco? -Fue a los 12 años. Verás, nosotros veraneábamos en Mijas Costa y en los bares de la urbanización siempre había actuaciones de grupos flamencos, así que mientras mis amigos estaban jugando...yo en los bares viendo las actuaciones. Un día en la heladería "Larpe" donde había espectáculos, el bailaor (tocayo mío, Paco) se puso malo, así que las dos bailaoras que iban con él estaban desesperadas porque no sabían qué hacer con las coreografías. Y yo, que casi llegaba allí antes que ellas y me trataban de lujo y me sacaban de vez en cuando a bailar rumbas... les dije que me sabía las coreografías y que yo podía hacerlas. Hicimos 4 ensayos en media hora, jajajjaja, viendo lo que hacía Paco, no lo hice todo, sólo cuatro cosas imprescindibles, pero...cuando terminé le dije al dueño que me tenía que pagar. Se echó a reír y me preguntó que cuánto quería, le dije: "quinientas pesetas", y me las dió. El bailaor se tiró 15 días enfermo y yo cobrando quinientas pesetas por actuación, que eran muchas pesetas. -¿Y tu familia no sabía nada? -A mi madre cuando le decían que me veían bailando en la heladería, suponía que me sacaban y poco más. Hasta que un día mis padres fueron con mis tíos a dar un paseo y terminaron sentados en la heladería poco antes de empezar la actuación. Bailé, y cuando terminé me acerqué a la mesa. Me preguntó, que por qué no le había dicho nada a lo que contesté “¿Me hubieras dejado?”. “No”, respondió. "Ea, por eso no te lo dije".... -Vamos que te lanzaste al tablao sin pestañear... -Cuando aquellos quince días terminaron, un día me volvieron a pedir que sustituyese a Paco porque se iba a una gira por Marruecos, así que terminé todo el verano bailando en la heladería Larpe. -¿Te sentirías muy feliz? -Muchísimo, allí definí mi vocación. Y pasó algo increíble. En uno de los descansos (eran tres pases de media hora) las bailaoras se pusieron muy nerviosas. ¡Antonio Gades estaba allí e iba a vernos bailar! Yo no sabía ni quién era Antonio Gade. Sí había oído hablar de él, pero no como para tenerle miedo... Hicimos el último pase y nos acercamos a su mesa; estaba con la que era su esposa entonces y unas niñas, supongo que sus hijas. Recuerdo la sensación de cómo me cogió por la cintura y me preguntó "¿A tí te gusta bailar verdad?", y yo contesté, sí, mucho. "Pues estudia porque tienes madera". Fue mi final del verano. -Vaya historia Paco, de la heladería a Gades, me tienes intrigada ¿Qué sucedió a partir de entonces? -Empezó el curso y entré en Coros y Danzas de Málaga y me hice un altar con la Virgen de Archidona (una estampa que aún guardo por algún sitio). Le pedí tres deseos. -¿Qué deseos? -Dedicarme al baile, tener algún día mi compañía y que algún día pudiera trabajar cerca de Antonio Gades (ya sabía quién era y se convirtió en mi ídolo). Los tres deseos se cumplieron. -¿Has bailado en el Compañía de Antonio Gades? -No llegué a entrar en la compañía de Antonio pero sí me seleccionó en una audición que hubo en su estudio, no recuerdo el año pero sí el día, 3 de marzo, mi cumpleaños, los compañeros me compraron una tarta. Estuve ensayando Fuenteovejuna. -¿Recordaba Antonio Gades que tu eras el niño de la heladería? -Una vez en el estreno en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, me atreví a recordarle aquella anécdota. Y sí se acordaba “¿tú eres aquél niño gordito?”, no lo había olvidado. Yo era gordito, el peso ha sido siempre mi cruz hasta que Saura, cuando me contrató para hacer el Herodes en su película “Salomé”, me dijo que tenía que engordar para el papel. ¡Fue el mejor contrato de mi vida! -Y los otros dos deseos que pediste. -Llegué a montar mi compañía con 24 años, estaba trabajando con Rafael Aguilar, Mario Maya y ensayando con José Antonio "El Sombrero de Tres Picos"; también a veces trabajaba en Casa Patas, y me dieron la primera temporada de verano de Casa Patas, hice “Lorca Baila” con actores entre el público y aquello pegó el bombazo; al año siguiente lo estrené en el Teatro Alameda de Málaga y tres meses después hicimos temporada en el Nuevo Apolo de Madrid, el año 1998... a partir de ahí, ya es todo, me daría para contarte otro capítulo de historia. -¿Cuando podremos veros próximamente sobre los escenarios con Flamenco Para Recordar? Estaremos en el Gran Teatro de Cáceres el 20 de septiembre, el 21 y 22 de septiembre en el Teatro Tábora de Sevilla, y seguiremos por toda España (Jerez, Ciudad Real, Málaga, Almería, Mataró...) MERCEDES ALBI

Los Teatros del Canal inician la temporada con el ciclo de jóvenes coreógrafos ‘Abierto en Canal’ Del 5 al 28 de septiembre, los residentes del Centro Danza Canal mostrarán sus propuestas de creación coreográfica La programación abordará temas como el sonido de la danza, la incidencia de la cinematografía, el universo de los insectos o la situación de la mujer en la sociedad contemporánea La consejera de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, ha presentado hoy en los Teatros del Canal la tercera edición de ‘Abierto en Canal’, un ciclo en el que se mostrarán los espectáculos de los artistas residentes en el Centro Danza Canal, un espacio dependiente de la Comunidad y dedicado a la creación y difusión de la danza y las artes del movimiento. Se trata de una iniciativa que, del 5 al 28 de septiembre, dará visibilidad al trabajo de estos creadores, contribuyendo a fomentar el tejido de la danza en la Comunidad de Madrid, a consolidar la proyección de las nuevas generaciones de esta disciplina en nuestro territorio y a favorecer el crecimiento de nuevos públicos. Este ciclo muestra una panorámica de la creación coreográfica madrileña: diversa en géneros y estilos, pero con el nexo común de la calidad de las propuestas y el formidable talento de sus creadores. Marta Rivera de la Cruz, ha destacado la labor desarrollada en Centro Danza Canal, que culmina con las funciones que se representarán en la Sala Negra de los Teatros del Canal durante el ciclo “mostramos el trabajo de los creadores que fueron seleccionados por un jurado nacional e internacional para desarrollar sus proyectos en residencia y que descubrirán al público el enorme talento de la escena dancística de nuestra región”. LO MEJOR DE LA JOVEN CREACIÓN COREOGRÁFICA ‘Abierto en Canal’ comienza el 5 y 6 de septiembre con Sombra Efímera II, de Eduardo Guerrero, que supone el cierre de una trilogía que comenzó con A Solo Piece For A Flamenco Dancer y continuó con Sombra efímera. Para Sombra efímera II ha contado con dirección y concepto de Mateo Feijóo, proponiendo una inmersión escénica en la que conviven la tradición del flamenco y las artes contemporáneas del movimiento con las plásticas y visuales. También de aires muy contemporáneos es la propuesta de Metamorphosis Dance (Iratxe Ansa e Igor Bacovich) titulada Dog Talks, que podrá verse el 10 y 11 de septiembre. Esta nueva creación reflexiona sobre las conexiones que hay entre cine y danza, una exploración enfocada a trasladar el lenguaje cinematográfico y su dramaturgia a la danza y el teatro sin pasar por la utilización del medio audiovisual en escena. Por su parte, Amaranta Velarde explorará los días 14 y 15 de septiembre las posibles dimensiones coreográficas y plásticas del sonido en su montaje Apariciones sonoras. Paula Quintana presentará Las Alegrías (19 y 20 de septiembre), una pieza que no tiene que ver con el flamenco por alegrías ni hace referencia a la fiesta y al bullicio. Creada desde la dramaturgia con Javier Cuevas, la creadora ha fusionado los lenguajes del contemporáneo y el flamenco para crear una seña de identidad propia. Los días 24 y 25 de septiembre se podrá ver Insecto Primitivo, la fascinación de Elías Aguirre por los insectos. Este creador ya había expresado su interés por los microcosmos en piezas anteriores como Entomo, Longfade o Shy Blue, y ahora busca la belleza latente en los escenarios minúsculos de la naturaleza. El ciclo termina los días 28 y 29 de septiembre con la propuesta de Lucía Marote, cuyo título, Ella, juega a la ambigüedad. Se refiere por un lado a Ella Fitzgerald, icono del jazz, pero también a “ella” en su condición triple de mujer, negra y pobre en un tiempo de segregaciones raciales y de género. Ella también se refiere a “ella”, a la mujer de hoy que todavía busca el reconocimiento de la igualdad. Como actividad paralela a ‘Abierto en Canal’, se realizarán encuentros con el público al finalizar algunas de las funciones. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La coreógrafa y bailarina Luz Arcas (Premio Ojo Crítico de Danza 2015) ha presentado el 31 de agosto en el Museo Picasso de Málaga un recorrido coreográfico por las salas de la exposición Bruce Nauman. Estancias, cuerpos y palabras. Le acompañará el canto del compositor e intérprete David Azurza. Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) ha explorado la expresión artística del cuerpo, las relaciones que este establece con los objetos y el espacio que los rodea, y con quien los observa. Su obra -con abundantes referencias a la música, la danza, la literatura y la filosofía- genera en el espectador reacciones asociadas a la provocación, el conflicto, la tensión, la desorientación o la angustia, a través de la implacable repetición del lenguaje y la forma. La exposición Bruce Nauman. Estancias, cuerpos y palabras se clausurará el próximo domingo 1 de septiembre. Habitación con mi alma se ha celebrado con dos pases matinales, a las 11.00h y a las 13.00h. Además de un pase a las 20.30 h para un aforo máximo de 25 personas y a museo cerrado. LA PHÁRMACO La Phármaco es la compañía que dirigen Luz Arcas (Premio El Ojo Crítico de Danza 2015, Mejor Intérprete Femenina en Premios Lorca 2015, Finalista Mejor Intérprete Femenina en Premios Max 2017) y Abraham Gragera (Premio El Ojo Crítico 2013). Entre las creaciones de La Phármaco destacan El libro de los venenos (2009, Premio Injuve y Málaga Crea 2009), El monstruo de las dos espaldas (2010), Antes fue siempre fuego (2012), Sed erosiona (2012), Éxodo: primer día (2013, nominada a los Premios MAX y a los Premios del Teatro Andaluz al Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenina de Danza y seleccionada para el catálogo del AECID 2015), La voz de nunca (2014, coproducida por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y ganadora del Premio a la Mejor Intérprete Femenina de Danza en los Premios del Teatro Andaluz y Premio Ojo Crítico de Danza en 2015) Kaspar Hauser. El huérfano de Europa (Teatros del Canal, Festival Otoño a Primavera, 2016, Finalista Premios Max 2017), Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella (2017) y Una gran emoción política (2018). También exploran espacios no teatrales, como en Chacona (2015), pieza concebida para ser representada en museos (Centro Pompidou de Málaga) y otros contextos, dónde intérpretes y público tienen otro tipo de encuentro. En esta línea creativa se encuentra Embodying what was hidden (2016), estrenada en Nueva York en el King Juan Carlos Centre y representada en Berlín y Nueva Delhi. La Phármaco lleva a cabo otro tipo de proyectos artísticos y pedagógicos como el de Mundo y Lenguaje, en Malabo, Guinea Ecuatorial (AECID- FIIAPP), o el proyecto de creación Tú que tienes la luz, en la National Drama School de Nueva Delhi (Instituto Cervantes). Sus trabajos han recibido el apoyo del Centro de Danza Canal, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, el INAEM, Ministerio de Cultura, Educación y Deportes, SGAE, Comunidad de Madrid y la AECID y su repertorio continúa en gira dentro y fuera de España. MÁS INFORMACIÓN Fotografía Virginia Rota

Antonio Canales, Rubén Olmo y Ángel Rojas ya se encuentran en Asturias para empezar el montaje del espectáculo “Un Viaje de Ida y Vuelta” con una treintena de jóvenes bailarines, pertenecientes a las nuevas generaciones de artistas, a las que los coreógrafos apoyan en el Encuentro con los Maestros. “Una vez más pondremos todo de nuestra parte para que bajo la dirección de los representantes más ilustres de la danza española y el flamenco, nuestros estudiantes tengan nuevas oportunidades para su futuro profesional”, afirma Maria Herrera, organizadora del evento. La tercera edición del Encuentro con los Maestros empieza hoy, día 17 de agosto, con la llegada de Maestros y alumnos al albergue Devatur-El Cantu, situado en Colombres, donde ensayarán y convivirán todos juntos durante los quince días que dura el Encuentro. Este año, los Maestros otorgarán varias becas entre los alumnos que asistan al Encuentro. Junto al famoso bailaor Antonio Canales, se encuentra en Colombres Rubén Olmo, el nuevo Director del Ballet Nacional de España, en la que será su última estancia artística antes de tomar posesión de su cargo el día 1 de septiembre. Con ellos , el bailarín y coreógrafo Angel Rojas, fundador del festival Flamenco Madrid, forma el elenco de maestros durante la primera semana de esta III edición del Encuentro con los Maestros que se lleva a cabo en la capital del concejo de Ribadedeva del 17 de agosto al 1 de septiembre de 2019. Asimismo, el lunes 19, se incorporará al grupo la bailarina y maestra del Ballet Nacional de España, Maribel Gallardo, quien dirigirá la segunda parte del curso a partir del lunes 26 de agosto junto a la Directora Del Real Conservatorio de Danza, Arantxa Carmona, que llegará a la Villa Indiana el jueves 22 de agosto. El Encuentro ofrecerá dos galas (los días 23 y 31 de agosto a las 19:30 en la carpa de los jardines del archivo de indianos de Colombres) en las que se estrenará el espectáculo “Un Viaje de Ida y Vuelta” que permitirá disfrutar de la actuación de Antonio Canales, uno de los más grandes artistas del arte flamenco, junto a nuestras jóvenes promesas, en una forma nueva y original. Una gran noticia y un verdadero privilegio será también la participación en la actuación del día 31 de agosto de la artista Maribel Gallardo, bailarina y maestra del Ballet Nacional de España. La música en directo será interpretada por los jóvenes músicos que han formado el grupo “La Nueva Indiana” y que este año contarán con la colaboración especial de los guitarristas Manuel Montero y Chema Saiz (este último considerado una de las mejores guitarras de jazz del país), la soprano Rosi Palencia, el dúo Mestura y el coro de Ribadedeva. El Encuentro con los Maestros es una oportunidad única para las nuevas generaciones de aprender de los mejores maestros y artistas a nivel mundial de la danza española y el flamenco, (dos de nuestros más bellos valores artísticos y culturales) quienes transmitirán sus experiencias y unas enseñanzas únicas a un grupo de jóvenes entre los que surgirán (quién sabe) algunos de los mejores bailarines y futuros artistas de prestigio internacional. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

"El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha" surge, en principio, como una sátira hacia los Libros de Caballerías. Si bien contiene, como toda obra maestra, varios planos superpuestos de lectura, el propósito más inmediato de Cervantes fue el de divertir a sus lectores. No obstante, y sobre todo a partir de la segunda parte de la obra, el entretenimiento se va contaminando poco a poco de las fantasías de Don Quijote. Podría decirse que el tozudo realismo del escudero, la figura que se identifica con la visión terrenal del lector, va perdiendo fuerza para aproximarse cada vez más a las alucinaciones quiméricas de su amo. Esa dicotomía entre el mundo real y el imaginario que representan los dos protagonistas está siempre presente. Y como lectores, no podemos evitar que nuestra mirada coincida con la de Sancho Panza. Contemplamos a Don Quijote desde una óptica pegada al suelo. Sin embargo, en el "Don Quijote del Plata", la versión coreográfica y musical que nos ofrece el Ballet Nacional Sodre de Uruguay -en gira por España (Perelada, Almagro, Escorial, Sagunto...)-, se nos presenta otra forma de mirar la obra: a medida que se van sucediendo las escenas, perfectamente imbricadas en la música -o viceversa- se nos van abriendo los ojos al mundo feérico del hidalgo. La lucha con los molinos de viento, encarnados por unos bailarines cuyos movimientos y vestuario resultan absolutamente acertados, o el sueño de Don Quijote, con esas figuras veladas que evolucionan sinuosa e hipnóticamente para acentuar el sentido de lo onírico y lo maravilloso que tiñe el escenario. Ya la propia concepción del ballet, crear un Quijote que nada tenga que ver con el de Petipa-Minkus, es un feliz reto que huye del fácil y recurrente versionado del clásico, para abordarlo con una nueva inspiración. Igor Yebra la encontró en la figura de Arturo E. Xalambri, un gran erudito que llegó a reunir en Montevideo una de las mayores colecciones de libros de Cervantes del mundo; desde su lecho de muerte, el apasionado cervantino, a través de las lecturas de su hija, va reviviendo escenas del Quijote hasta llegar a compartir con el personaje su mismo destino. Blanca Li, coreógrafa de estilo contemporáneo, ha sabido mantener su sello personal en una creación de ballet neoclásico. La narrativa coreográfica es ágil, imaginativa, y presenta los toques lúdicos que la caracterizan. Resulta muy interesante el tratamiento escenográfico, compuesto por elementos sencillos pero a la vez muy definitorios de la trama, adornándola sin ostentación y con buen gusto. En cuanto a la música, la orquestación realizada por la Orquesta Sinfónica del Sodre sobre partituras de Telemann, Debussy, Koechlin, Ravel, Glinka, Saint-Saëns, Chabrier, Rimsky-Korsakov y Glazunov, todas de tema español, no solo resulta francamente acertada, sino que nos llama la atención sobre un hecho: el profundo interés que sobre los grandes compositores despertaron siempre España y nuestra música. Nos encontramos con una compañía de formato mediano en lo que se refiere al número de componentes, pero todos forman un equipo de solvencia técnica que en la escena de las bodas de Camacho queda sobradamente demostrada. Con la acertada dirección de Igor Yebra, el Ballet Nacional del Sodre se posiciona de forma ascendente con cada nueva producción que nos ofrece. Siempre hay algo nuevo que descubrir para el espectador, que acudirá fiel a la próxima cita. GABRIEL M. OLIVARES

Una emocionante gala benéfica clausuró la multitudinaria undécima edición de Valencia Endanza. La variedad de estilos (clásico, danza española, contemporáneo y jazz) sirvió para mostrar el completo trabajo desarrollado durante once días por los 180 participantes del curso Los bailarines principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam, Anna Tsygankova y Jozef Varga interpretaron de forma exquisita una pieza del coreógrafo Christopher Wheeldon Premio Max al mejor intérprete 2019, Daniel Doña mostró junto a Cristian Martín, los nuevos derroteros creativos de su trabajo coreográfico en la danza española. La undécima edición del curso intensivo Valencia Endanza se clausuró el pasado sábado con una emocionante gala benéfica en el Espai Rambleta. Después de once días de riguroso trabajo, los 180 participantes en el curso internacional ofrecieron una gala con el resultado de los talleres trabajados, que tuvo como colofón la participación de dos parejas de baiarines profesionales. Dividido en dos actos y con una duración de dos horas, el espectáculo satisfizo al numeroso público congregado en el teatro valenciano. Dado el carácter benéfico de la muestra, la recaudación de la gala fue destinada a Aspanion (Asociación de Padres de Niños con Cáncer de la Comunidad Valenciana). El elenco masculino de los niveles I, II y III de Clásico abrió el espectáculo con “Maritana”, trabajo desarrollado bajo la atenta mirada del maestro Wim Broeckx. Posteriormente, el conjunto de participantes de todos los niveles de Clásico, dio vida a una suite de “Coppélia”, trabajada al alimón por sus maestros Olga Melnikova, Samantha Raine, Irina Zaviolaova, Nicola Tranah y Wim Broeckx. El creciente auge de la danza española en Valencia Endanza se puso de manifiesto en las dos primeras actuaciones de los grupos de Español I y Español II, quienes interpretaron una “Malagueña” y un “Fandango”, creadas respectivamente por Daniel Doña (maestro de danza estilizada) y Cristian Martín (maestro de Escuela Bolera). La danza jazz estuvo presente, en primer lugar con “It’s the hard-knock life”, y tras un paréntesis protagonizado por las “Jácaras” de Español I –creadas por Cristian Martín-, cerró con brillo la primera parte con el “Medley Queen”, a ritmo de la música de la célebre banda británica, y siempre bajo la atenta supervisión de la maestra Fernanda Torresi. El segundo acto arrancó en clave de danza contemporánea con “Songs of stars”, creada por la maestra y coreógrafa Eva Bertomeu para el alumnado de Clásico II. El taller coreográfico centrado en el estilo de Goyo Montero e impartido por Carlos Lázaro exhibió un fragmento de “Dürer’s dog”, para dar paso al solo clásico “Satanella” –extraído de “El Carnaval de Venecia”-, por Momoka Kitayama (12 años), becada para nuestro curso en la Hatsukaichi International Competition de Japón. La imponente música de Manuel de Falla de “La vida breve” trajo a escena la segunda participación del grupo de Español II, en una depurada exhibición de danza estilizada. El broche de oro del espectáculo lo pusieron las dos parejas de bailarines profesionales que participaron en la gala. Los bailarines principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam, Anna Tsygankova y Jozef Varga protagonizaron una exquisita actuación, en la que conjugaron lirismo con fuerza y destreza técnica, en el paso a dos “Duet” del coreógrafo británico Christopher Wheeldon. Daniel Doña Compañía de Danza cerró la Gala Valencia Endanza 2019, con “Pulso”, un dúo de Daniel Doña –ganador del Max al mejor intérprete masculino de este año- y Cristian Martín, en el que demostraron que partiendo de la danza española, ésta encuentra nuevos caminos en su mestizaje con la danza contemporánea. Al finalizar el espectáculo se hizo entrega de las becas y estancias de Valencia Endanza 2019 que recayeron en Alba Belinchón (estancia en la Compañía Nacional de Danza), Rocío Vasco (estancia en el Ballet Nacional de España); Giulia Andreoli (estancia en Introdans); Vicent Muñoz y Alba Bonet (estancia en Nuremberg Ballet); Maya-Cristina Ciabota (estancia en The Royal Ballet School, Londres), Jesús Ramírez y Marta Caravaca (acceso directo al summer program, The Royal Ballet School, Londres), Olimpia Portela (Real Conservatorio de La Haya, Países Bajos), Joan Sempere (Conservatorio Profesional de Danza de Valencia), David Óscar (Valencia Dancing Forward); los Premios Endanza recayeron en Bettina Barragán (Clásico I), Jesús Ramírez (Clásico II), Anna Rodríguez (Clásico III), María Arranz (Español I) y Yoel Ferré (Español II). El Curso Internacional Valencia Endanza, cuya coordinación artística y dirección recae en Pilar Martí y Diego Brichese, quiere agradecer su dedicación y entrega a todos los participantes, al elenco de profesores y al equipo que han formado parte de esta experiencia. Tampoco quiere olvidarse de los colaboradores cuya aportación es indispensable para llevar a cabo Valencia Endanza: Culturarts, el Ayuntamiento de Valencia, AISGE, Pallardó, Pianos Clemente, Wear Moi y Arte Libera, a quienes aprovechamos para agradecer su apoyo. Después de esta multitudinaria undécima edición, ¡os esperamos en Valencia Endanza 2020! Iratxe de Arantzibia Fotografía participantes en danza clásica de Valencia Endanza 2019, al finalizar la gala. © Javier Gamboa

La Asociación Esencia Danza, responsable de la organización de VALENCIA ENDANZA, se complace en anunciar la celebración de la Gala de Clausura del curso, que tendrá lugar en el Espai Rambleta, el sábado 27 de Julio, y en la que se mostrarán los resultados de los talleres realizados. Un aspecto esencial a remarcar es que la Gala posee un carácter benéfico, ya que la recaudación de taquilla se destina a colaborar con la fantástica labor que realiza ASPANION, la Asociación de padres de niños con cáncer de la Comunidad Valenciana. Se trata de la sexta ocasión en la que Valencia Endanza colabora con Aspanion, algo que, desde Valencia Endanza, consideramos “uno de nuestros mayores orgullos y esperamos continuar con este apoyo para que sea lo más longevo posible”. Además, para todos aquellos que no puedan asistir, ponemos a su disposición una fila cero con una entrada simbólica para apoyar la labor de ASPANION. Bajo la dirección artística de Diego Brichese y Pilar Martí Murciano, la Gala concluirá con la participación especial de bailarines profesionales como Anna Tsygankova y Jozef Varga, ambos bailarines principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam, quienes interpretarán el dúo Duet, coreografiado por Christopher Wheeldon. Por otra parte, los espectadores también podrán disfrutar de Daniel Doña -quien recientemente ha obtenido el Premio Max como mejor intérprete masculino por Psique- y Cristian Martín, bailarines, coreógrafos y componentes de Daniel Doña Compañía de Danza. Asimismo, tras haber obtenido una beca para nuestro curso en la Hatsukaichi International Competition de Japón, Momoka Kitayama bailará en la Gala de Clausura de Valencia Endanza 2019. Para llevar a cabo la organización del curso Valencia Endanza 2019, así como de la presente gala, ha sido imprescindible la aportación de Culturarts, el Ayuntamiento de Valencia, AISGE, Pallardó, Pianos Clemente, Wear Moi y Arte Libera, a quienes aprovechamos para agradecer su apoyo. Las entradas para la Gala Benéfica Valencia Endanza 2019 están a la venta en la taquilla y en la web Notikumi (https://www.notikumi.com/channel/la-rambleta/2018/7/28/gala-valencia-endanza-2018-1) al precio único de 12 euros. LOS DATOS Espectáculo: Gala Benéfica Valencia Endanza 2019. Organiza: Asociación Esencia Danza. Bailarines invitados: Anna Tsygankova y Jozef Varga (Bailarines Principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam)/ Daniel Doña (Bailarín, coreógrafo y director de Daniel Doña Compañía de Danza) y Cristian Martín (Bailarín, coreógrafo y artista invitado de Daniel Doña Compañía de Danza), Momoka Kitayama. Lugar y fecha: Espai Rambleta, 27 de julio, a las 18,00 horas. Entradas: 12 euros. BREVE BIOGRAFÍA DE LOS BAILARINES INVITADOS ANNA TSYGANKOVA. Bailarina Principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam. Antes de establecerse en los Países Bajos en 2007, Anna Tsygankova (Novosibirsk, Rusia) había desarrollado ya una impresionante carrera como bailarina principal, bailando, entre otros, con el mítico Ballet Bolshoi de Moscú, el Ballet Nacional de Hungría -donde continúa como artista invitada-, y el Wiener Staatsballett. Formada en la academia de ballet de Novosibirsk y en la Académie de Danse Princesse Grace de Monte-Carlo, Tsygankova ha cosechado importantes premios internacionales como el Alexandra Radius Prize en 2008, un año después de unirse al Het Nationale Ballet, en Ámsterdam. Tras ello, fue nominada al ‘Zwaan’ por su interpretación del rol de Kitri en Don Quijote, en 2011. Junto a su partenaire habitual, Matthew Golding, Tsygankova participa habitualmente como artista invitada en multitud de galas internacionales, habiendo sido destacada en el top 100 mundial de mejores bailarines por la revista Dance Europe, en 2012. Un año después, estuvo nominada al prestigioso Premio Benois de la Danse por su interpretación de Cinderella de Christopher Wheeldon y en 2014, obtuvo el Grand Prix del Festival Dance Open de San Petersburgo, habiendo cosechado el galardón en la categoría de Mrs. Expressivity, dos años después. Se alzó con el premio 'Zwaan' por su asombrosa interpretación protagonista de la obra Mata Hari, del Het Nationale Ballet, en 2016. Un calendario después, fue destacada como 'Bailarina del año' y consiguió el 'Merit Award' del Dutch Dansersfonds '79. JOSEF VARGA. Bailarín Principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam. Tras su carrera en el Ballet Nacional Checo en Praga y el Ballet de Zúrich, Jozef Varga (Nové Zámky, Eslovaquia) se unió al Het Nationale Ballet de Ámsterdam en 2007, donde fue promovido rápidamente como bailarín principal. Formado en el Conservatorio de Danza en Bratislava y en la Académie de Danse Princesse Grace en Monte-Carlo, Varga ha obtenido numerosos premios en concursos internacionales y recibió el Alexandra Radius Prize en 2010. La revista Dance Europe ha incluido recientemente a Jozef Varga en el top 100 de mejores bailarines. Especializado en roles de repertorio clásico, Varga ha bailado con Anna Tsygankova en Concerto Concordiade Christopher Wheeldon y junto a ella, ha cosechado importantes éxitos en las galas internacionales en Turquía y en San Petersburgo (Rusia). DANIEL DOÑA. Bailarín, coreógrafo y director de Daniel Doña Compañía de Danza. Natural de Granada, Daniel Doña obtuvo su titulación en el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, en la especialidad de coreografía y técnicas de interpretación de la danza española. Formó parte del Ballet Nacional de España y ha sido solista en las compañías de Antonio Márquez, Rafaela Carrasco, Teresa Nieto en Compañía y Rojas y Rodríguez, entre otras. En 2013, creó su propia compañía, bajo la premisa de combinar la tradición y las nuevas tendencias y con la que ha estrenado diversos espectáculos como A Pie, A Pie de Calle, Black Box, No Pausa, Nada Personal, Hábitat, Cuerpo a Cuerpo, Psique. La crítica ha alabado el trabajo creativo de Doña y lo considera uno de los máximos exponentes de la danza española actual, traspasando las fronteras formales de la creación y aunando en sus trabajos la esencia artística de diversos lenguajes (flamenco, danza contemporánea). En su palmarés, destacan el Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de España y el Premio HEBE de Honor en la modalidad de artes escénicas (ambos en 2016), además del Premio Max a la mejor coreografía por De cabeza. Recientemente ha conseguido el Premio Max al mejor intérprete masculino por Psique. Ha colaborado como bailarín y coreógrafo con otros artistas como Olga Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores, Rafaela Carrasco o Teresa Nieto. Además, ha sido coreógrafo invitado en compañías como el Ballet Nacional de Cuba o Ibérica de Danza, entre otras, y de diferentes talleres coreográficos. Cofundador junto a Teresa Nieto del Certamen Coreográfico del distrito de Tetuán (Madrid), es miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España y dirige el espacio Aula de Flamenco en el programa A compás de Radio Nacional de España. CRISTIAN MARTÍN. Coreógrafo y bailarín invitado de Daniel Doña Compañía de Danza. Titulado por el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, Cristian Martín comenzó su andadura profesional de la mano del Maestro Granero y ha formado parte de relevantes compañías de danza contemporánea, española y flamenco, en calidad de solista. Entre otros, ha sido artista invitado en diferentes producciones de Teresa Nieto y de Manuel Liñán. Desde 2009, es colaborador habitual, repetidor y artista invitado de Daniel Doña Compañía de Danza, formación con la que ha participado en multitud de festivales nacionales e internacionales. En 2018, estrenó su primer espectáculo en solitario S E R, bajo la dirección de Daniel Doña. En su palmarés, Martín cuenta con el Premio Aisge al ‘Bailarín Sobresaliente’ del Certamen de Coreografía y Danza Española y Flamenco de Madrid (2009), el Primer Premio de coreografía de solos por Materia, en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid (2015), y ha sido finalista a los Premios Max como ‘Mejor Intérprete’ y ‘Mejor Elenco de Danza’ por Hábitat, de Daniel Doña Compañía de Danza. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Asistimos a la representación de “La Bella Durmiente” en el Teatro EDP Gran Vía, y sorprende la cantidad de público que asiste a disfrutar del ballet un día entre semana sobreponiéndose a las inclemencias del calor del mes de julio. Y es que cada verano, gracias la constancia de productora Tatiana Solovieva, ir a ver ballet clásico es una cita ineludible que ha adquirido la categoría de costumbre para los aficionados madrileños. Ella nos trae El Ballet Clásico de San Petersburgo durante todo el mes, una compañía fundada por el solista principal del Mariinsky Ballet Andrey Batalov (Director Artístico y Coreógrafo) y Andrey Scharaev (Director General). “El lago de los cisnes” ha dado paso a “La Bella Durmiente” y en ambas producciones se demuestra la solvencia y solidez de esta compañía. Casi me atrevería a afirmar que en la Bella la complejidad técnica de la obra exige un mayor número de excelsos bailarines, por la abundancia de solos que posee más allá de los papeles principales. Este ballet constituye una auténtica prueba de fuego que evidencia claramente el nivel del conjunto. El ballet La Bella Durmiente se estrenó el 15 de Enero en 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo con coreografía de Marius Petipa(1818-1910), música de Tchaikowsky y libreto del propio Petipa e Ivan Vsevolozhsky, basado en el cuento “La Bella Durmiente del Bosque” escrito por Charles Perrault en 1697 y Hermanos Grim en 1812. Fueron los interpretes principales Carlotta Brianza (Aurora) y Pavel Gerdt al( Príncipe Desiree) con Marie Petipa ( el Hada de las lilas) y Enrico Cecchetti (Carabos). El éxito fue el inicio del tándem creativo Petipa-Tchaicovsky, un hecho inolvidable en la historia del ballet ruso dejando forjada su auténtica carta de identidad. No podemos dejar de emocionarnos al recordar en la historia la versión que estrenó la compañía de Diaghilev con Nijinsky en el papel del Pájaro Azul, o aquella en que la española María Albaicín fue el Hada de las Lilas… Mucha es la historia y mucho es el arte que los bailarines rusos tienen el deber de mantener y preservar, como así ha sido. La trama del cuento, de sobra conocida, narra la historia de la princesa Aurora, hechizada por la malvada bruja Carabós que al no ser invitada por los reyes al bautizo real, predice que al cumplir los 16 años y tras pincharse un dedo con el huso de una rueca morirá. Gracias a la intervención del Hada Lila solo dormirá y podrá despertarse con el beso de amor de un príncipe. “La Bella Durmiente del Ballet de San Petesburgo” tiene una gran potencia narrativa, domina el arte de saber como trasportar al espectador al mundo de los cuentos. Y plásticamente nos encontramos ante una producción bella y preciosista. La coreografía es una adaptación de Segey Batalov respetando siempre la original de Petipa, pero añadiendo pasos que la dotan de mayor agilidad y suprimiendo algunas escenas del tercer acto. Los bailarines principales Ekaterina Bortiakova, como princesa Aurora y Nikolay Nazarkhevich, como Príncipe Desire, fueron los protagonistas logrando una pareja de gran compenetración: Ekaterina Bortiakova cautivó desde su triunfal entrada del dificilísimo Adaggio de la Rosa. Es etérea, grácil y expresiva con una gran técnica, su grand battement a la seconde llama poderosamente la atención de los entendidos por su facilidad de elongación; Nicolay Nazarkhevich, el Príncipe Désiré es un bailarín esbelta y bella figura, con un estilo preciso y muy elegante en sus saltos y giros de absoluto rigor académico. Sus dobles tour a l´air de la coda y variación del tercer acto son perfectos. Mención especial merece el personalísimo Sergey Illin por su interpretación de una Bruja Carabós convincente y con toques histriónicos, y el Hada de las Lilas, Alina Sharay, muy dulce y sincronizada, que nos mostraron las dos caras del mundo en la lucha entre el bien y el mal entablada durante los dos primeros actos. También destacan las danzas de los personajes fantásticos en la boda III acto, que fueron muy del agrado del público asistente (Gato con Botas, El Pájaro Azul y Caperucita Roja). Los bailarines del Ballet de San Petersburgo son todos en general muy expresivos, se nota la solidez de su trabajo y su patente teatralidad. A modo de curiosidad comentaré que en cuerpo de baile hay una bailarina española, Mónica Fernández. Los palaciegos decorados de Evgeniy Gurenko y la acertada iluminación de Alexander Soloviev junto con el cuidado vestuario preciosista, dotan a la obra de una atmósfera completamente acertada para el desarrollo de esta magistral fantasía. El Ballet de San Petersburgo consiguió una vez más embelesar al público y transportarlo al mágico mundo de los cuentos de hadas. Paola Panizza