• La gira de El Quijote del Plata recorrerá cinco festivales de verano: el Festival Castell Peralada, Festival de Almagro, Festival de Verano Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial, Sagunt a Escena y el Festival Internacional de Santander • Se trata de un montaje con coreografía de Blanca Li, creado a partir de la obra de Cervantes • El ballet está inspirado en la unión de la figura universal de Don Quijote de la Mancha con la del célebre uruguayo Arturo E.Xalambrí • Una producción, con Igor Yebra al frente de la dirección del Ballet Nacional Sodre, en la que ficción y realidad se mezclan para rememorar el clima de ensueño de los grandes títulos del ballet clásico El Ballet Nacional Sodre/Uruguay, dirigido por Igor Yebra, presenta este verano en España El Quijote del Plata, un montaje con coreografía de Blanca Li creado a partir de la obra de Cervantes. El espectáculo recorrerá cinco festivales de verano entre los meses de julio y julio: Festival Castell Peralada, Festival de Almagro, Festival de Verano Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial, Sagunt a Escena y el Festival Internacional de Santander. El Quijote del Plata se inspira en la unión de la figura universal del hidalgo Don Quijote de la Mancha con la del uruguayo Arturo E. Xalambrí, un personaje apasionado y excéntrico, responsable de que en Montevideo se conserve una de las más grandes colecciones de libros de Cervantes de América Latina. La historia se desarrolla en la magistral biblioteca de Xalambrí, la cual alberga miles de ediciones de Don Quijote. A medida que transcurre cada escena, el lugar se va transformando en diferentes escenarios que acompañan el relato de cada aventura, inspiradas en las peripecias del Quijote que Cervantes escribió en su célebre novela. Este ballet, narrado por una asombrosa coreografía, se nutre de la música de grandes compositores, quienes basaron sus partituras en la obra cervantina: Georg Philipp Telemann, Charles Koe-chlin, Claude Debussy, Maurice Ravel, Mijaíl Glinka, Camille Saint-Saëns, Em-manuel Chabrier, Nikolái Rimsky-Kórsakov y Alexander Glazunov. Una mezcla de ficción y realidad, que rememora el clima de ensueño de los grandes títulos del repertorio del ballet clásico. El montaje, estrenado en Montevideo en octubre de 2018, cuenta con la dramaturgia de Santiago Sanguinetti y Blanca Li, el diseño de escenografía y vestuario de Hugo Millán y el diseño de iluminación de Sebastián Marrero. Historia del BNS Desde su fundación el 27 de agosto de 1935 el Cuerpo de Baile del SODRE ha sido el organismo artístico público encargado de desarrollar el ballet clásico profesional en Uruguay. A partir de junio de 2010, bajo la dirección artística del reconocido maestro Julio Bocca, la compañía experimenta la mayor transformación de toda su historia. Un nuevo equipo se hace cargo de la gestión, abriéndose una etapa que llega hasta nuestros días y en la que se reinicia una paulatina y segura incorporación de la compañía a un sendero de excelencia. A partir de febrero de 2018, el maestro Igor Yebra asume la dirección artística de la compañía, con el claro objetivo de continuar por esta senda en camino ascendente. Esa línea de excelencia se confirma con el primer estreno de Yebra como director del BNS, La bella durmiente: la obra batió un récord histórico de espectadores y venta de entradas. Con un público que supera los 100.000 espectadores anuales, el Ballet Nacional Sodre continúa posicionándose como referente nacional e internacional con espectáculos como El lago de los cisnes (2018), El cascanueces (2018), Carmina Burana(2019) o, su último estreno, La Sílfide (2019). Fechas de la gira española de El Quijote del Plata Festival Castell Peralada - 26 de julio Festival de Almagro - 28 de julio Festival de Verano Teatro Auditorio El Escorial - 30 de julio Sagunt a Escena - 6 de agosto Festival Internacional Santander - 8 de agosto Más información

"Cantiñas". Fotografía Sara Arévalo • En esta ocasión, presentarán en Buenos Aires y Santiago de Chile grandes propuestas de su repertorio: Cantiñas, Ser, Bolero y Suite Sevilla. • Con ellas, el director del BNE, Antonio Najarro, quiere ofrecer una propuesta marcada por importantes elementos del flamenco como el uso de la bata de cola en las Cantiñas de Mercedes Ruiz, una personal lectura del Bolero del coreógrafo Rafael Aguilar y una visión que da vida a una nueva creación a través de la Danza Estilizada y el Flamenco fusionadas con nuevas tendencias vanguardistas, Suite Sevilla y Ser, firmadas por el propio Najarro. "Bolero". Fotografía Yuki Omori El Ballet Nacional de España inicia su Gira Latinoamericana 2019, actuando en dos emblemáticos países para el BNE: Argentina y Chile. En esta ocasión, inicia su gira en Buenos Aires en su Teatro Coliseo donde actuará los días 11 y 16 de junio y en Santiago de Chile, en el Teatro de los Condes, del 20 al 23 del mismo mes. Antonio Najarro ha seleccionado para esta gira 4 grandes propuestas de su repertorio: Cantiñas, Ser, Bolero y Suite Sevilla, todas ellas capaces de transmitir desde la gran tradición, hasta una visión de Danza Clásico Española pero fusionada con nuevas tendencias vanguardistas. Para Najarro “Nos encanta a toda la compañía actuar en Latinoamérica. El BNE es altamente reconocido por su público y en cada ciudad somos acogidos de manera cálida. He querido en esta ocasión mostrar diferentes aspectos en los que hemos trabajado este último año y con ellos poder ofrecer tradición y vanguardia. Presentar diferentes estilos de baile, creados a partir de coreografías propias y de grandes personalidades. Cargadas de soberbias estéticas dancísticas con las que cautivar a públicos amplios. El BNE es un gran embajador de la cultura española en el mundo y un claro exponente de una de los mayores valores culturales de nuestro país, que triunfa allá donde se presente y que llega al corazón de los espectadores de todo el mundo, por su gran riqueza, belleza y virtuosismo, en su interpretación y, sobre todo, porque es un estilo que habla desde el corazón”. Cantíñas Las Cantiñas es una coreografía creada por Mercedes Ruiz en la que se pone en valor el juego entre el hombre y la mujer, a través del vocabulario coreográfico personal de la creadora. En este número es muy importante el uso de la bata de cola en la mujer, usada como accesorio que potencia su feminidad frente a la fuerza y energía del hombre. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 12 de junio de 2015, por el Ballet Nacional de España y su música fue creada por Jesus Torres, la dramaturgia se desarrolló de la mano de David Picazo, los figurines Yaiza Piñillos y la iluminación fue diseñada por Nicolas Fischtel. "Ser". Fotografía Javier Camporbín Ser Es una idea original con coreografía de Antonio Najarro en la es importante señalar el diseño del vestuario que corrió a cargo de Teresa Helbi, que se estrenó en junio del 2015 en el teatro de la Zarzuela de Madrid. En Ser, hay que destacar la enorme capacidad técnica y artística de la Primera Bailarina del BNE, Inmaculada Salomón. Así como, la coreografía inspirada en la Danza Estilizada pero con movimientos y formas muy personales que caracterizan un personal estilo en la forma de ver y sentir la Danza Española, inspirándola en la música de Fernando Egozcue. En este solo la bailarina luce en un principio una larga bata de cola blanca y se acompaña de un complejo toque de castañuelas, transformándose posteriormente en una mujer transgresora, fuerte y decisiva defendiendo una coreografía llena de matices y energía. Bolero Bajo coreografía de Rafael Aguilar y claro está música de Maurice Ravel , “esta obra aporta un lenguaje flamenco, con ritmos y estética que hace posible una nueva estética y lectura personal de esta grandiosa obra que se ha enriquecido con una atmosfera y sentimientos nacidos del alma española, de los cuales Ravel fue un profundo observador. En esta versión, se ha aprovechado la base rítmica del bolero, compuesto de tiempos y de percusión esencialmente flamencas, empleado como soporte, al que se vienen a añadir melodías plenas de sensualidad y de deseo, expresando la esencia de la obra en medio de una interpretación libre, extra-flamenca, totalmente regida por los movimientos de los instintos y del alma, en una alegoría al narcisismo”- señala- Rafael Aguilar. "Suite Sevilla". Fotografía Jesús Robisco Suite Sevilla En “Suite Sevilla”, Antonio Najarro da vida a una nueva creación coreográfica a través de la Danza Clásico Española fusionada con las nuevas tendencias vanguardistas, tanto musicales como dancísticas, de este arte con un lenguaje que caracteriza y rige su estilo personal como creador. La partitura de Rafael Riqueni plasma aromas, tradiciones, añoranza y nostalgia. En ella convergen las guitarras flamencas junto con el resto de instrumentos flamencos describiendo paisajes andaluces. Desde esta añoranza y la nostalgia fue concebida, ya que fue en Madrid donde se compuso. La coreografía “Suite Sevilla” ha sido galardonada, en el año 2012, con el Premio al Mejor Espectáculo de Danza de la Temporada en la XXI edición Premios Teatro De Rojas de Toledo, que otorga el público. Fue estrenada por la Compañía Antonio Najarro en el Teatro Mira (Pozuelo de Alarcón, Madrid) el 9 de febrero de 2011 y posteriormente por el BNE el Teatro de La Zarzuela de Madrid, el 22 de marzo de 2012 por el Ballet Nacional de España. &&&&&&&&&&&&&&&&&&

“La música tiene una gran función educativa, pero sobre todo, cultiva nuestro espíritu” “He observado que la gente que siente la música es más sensible frente a todas las manifestaciones de la vida” Joaquín Rodrigo El próximo sábado 8 de junio en el Teatro Colón de Coruña va a tener lugar el estreno de un nuevo ballet: "Maestro Rodrigo". Se basa en la emocionante historia del niño ciego que soñaba con ser músico y se convirtió en un gran compositor. Su vida fue un ejemplo de amor y coraje que nos cautiva, pues su trayectoria personal representa un ejemplo de superación para los jóvenes. Trata sobre la vida de un niño que logra superar una discapacidad física como la ceguera y alcanza el triunfo, convirtiéndose en uno de nuestros compositores más universales. Una narración ilustrada a través de la danza con numerosos fragmentos de las obras de Joaquín Rodrigo. La danza como lenguaje corporal A través de la danza contaremos esta historia sobre la vida y obra de Joaquín Rodrigo cuando se cumplen 20 años de su muerte. Nuestra intención es acercar al público a la obra de este compositor (Y a la música en general) y, por supuesto, bailar. Existe un gran vacío en el conocimiento entre la música y la danza, por eso queremos mostrar y narrar a través de otras formas de comunicación que no sean verbales, la grandeza que contiene esta historia. El ballet comienza en el dramático momento en que el niño Joaquín pierde la vista debido a una epidemia de difteria; desde ese momento escucha los sonidos de la naturaleza, las hojas de los árboles con el viento, el sonido de las aves, los niños jugando... Entonces descubre su pasión por la música y busca la forma de transferir estos sonidos al piano. Pasa su infancia en Sagunto, donde nació el 22 de noviembre de 1901, curiosamente, el día de Santa Cecilia, Patrona de la Música. Estudió en el Conservatorio de Valencia y más tarde, en 1927, se muda a París, como lo hicieron casi todos los artistas de su época. Allí conoció a su esposa, la pianista turca Victoria Kamhi, quien sería su más estrecha colaboradora. Regreso a España, una vez finalizada la guerra civil en 1939. El ballet consta de 3 partes: 1ª. Infancia en Sagunto, donde descubre su pasión por la música escuchando los sonidos de la naturaleza. El niño es interpretado por "Xurxo Pena", de 14 años un joven talento al que le aguarda una prometedora carrera de bailarín. 2ª. Viaje y estancia en París, donde conoce a su esposa, la pianista turca Victoria Kamhi. Con motivo del inicio de la Guerra Civil española pierde la beca para los estudios que disfruta. 3º. Regreso a España con el fin de la guerra civil y comenzó la Segunda Guerra Mundial. Ese año, compone el "Concierto de Aranjuez" que le daría renombre mundial y lo convertiría en uno de los compositores más reconocidos internacionalmente. FICHA ARTÍSTICA Música: Joaquín Rodrigo Coreografía: M. Suárez/ Kenneth Tindall Repetidora: Bárbara Monteagudo Diseño Vestuario: Diego Valeiras Diseño Luces: X.M.Rabón Sonido: Hugo Peñamaría Fotografía: Manuel Lemos Video: Antonio Cid Diseño cartel: Raúl Docasar Distribución: 8noallo producións (izel76@gmail.com) Elenco: J. Rodrigo: J. Miguel Hernández V. Kamhi: Julia Méndez J. Rodrigo niño: Xurxo Pena Bailarines: Silvana Sestelo, Cristina Amor. Natalia García. Paula Ripoll, Rosalía Vázquez. Dayron Rodríguez. Germán Flores, Gaël, Amanda e Luana Huiban Monteagudo. Paola K. Martínez Taibo. Ruth Amor Pan. ACCESO COMPRA ENTRADAS

Un total de 20 citas con 7 estrenos absolutos, 2 estrenos en España y 10 en la Madrid Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen 20 citas de la XIV edición del Festival Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid que se podrá disfrutar en las tres salas del 5 al 21 de junio. Madrid constituye un gran centro de irradiación del flamenco. En estas 14 ediciones, el Festival, además de dar cabida a los artistas más representativos y consagrados de este arte internacional, ha presentado a más de 200 artistas jóvenes de la guitarra, el cante y el baile, apadrinados por las grandes figuras del arte flamenco. Programación - CARRETE DE MÁLAGA y JULIÁN ESTRADA. 5 de junio de 2018, a las 20 h. Flamenco Atemporal. Flamenco. Cantaor: Julián Estrada. Bailaor: Carrete de Málaga. Guitarras: Manuel Silveria y Antonio Soto. Percusión: Miguel Santiago. Cantaores: Manuel Santiago y La Chelo. Bailaora: Carmen González . ESTRENO EN ESPAÑA. Sala Verde. Duración: 90 min COMPAÑÍA ANTONIO CANALES & JUANA AMAYA. Sevilla, a compás. 6 de junio de 2019, a las 20 h. Flamenco. Baile: Antonio Canales. Baile: Juana Amaya. Guitarra: Juan Campallo. Cante: David El Galli, Juan José Amador ‘El Perre’, Ismael de la Rosa ‘El Bola’. Percusión: Lucky Losada. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Verde. Duración: 90 min - DIEGO AMADOR. Diego Amador en concierto. 7 de junio de 2019, a las 20 h. Flamenco. Piano y cante: Diego Amador. Batería: Israel Varela. Percusión y coros: Diego Amador Jr. Bajo: Rafa Díaz. Palmas y coros: José Amador y Luis Amador. Baile: Nazareth Reyes. Sala Verde. Duración: 90 min - MARÍA TOLEDO. Corazonada. 8 de junio de 2019, a las 20h Flamenco. Voz y piano: María Toledo. Guitarra Flamenca: Jesús del Rosario. Batería: Isidro Suárez. Bajo eléctrico: Natanael Borja. Teclados: José María Cortina. Coros: Noemí Humanes. ESTRENO EN ESPAÑA. Sala Verde. Duración 80 min - ESPERANZA FERNÁNDEZ Y ANTONIO DECHENT. Poema del cante jondo, Federico García Lorca. 9 de junio de 2019, a las 19 h. Flamenco Cante: Esperanza Fernández. Narrador y Rapsoda: Antonio Dechent. Baile: Rosario Toledo. Piano: Chiqui Cienfuegos. Guitarra flamenca: Manuel de la Luz. Contrabajo: Pablo Baez. Batería y percusión: Lito Mánez. ESTRENO MADRID. Sala Verde. Duración: 80 min - REMEDIOS AMAYA Y MANUEL MORENO “ EL PELE”. Únicos. 11 de junio de 2019, a las 20.30 h. Flamenco Cantaor: Manuel Moreno “El Pele”. Guitarrista: Niño Seve. Percusión: José Maya. Cantaora: Remedios Amaya. Guitarrista : El Perla. Palmas y Coros: Carmen Amaya, Samara Amaya y Ana María González. Percusión: Isidro Vega. Violín Flamenco: Baldomero Parrilla. ESTRENO EN MADRID. Sala Roja. Duración: 90 min - MARÍA TERREMOTO. La huella de mi sentío. 11 de junio de 2019, a las 19 h. Flamenco. Voz: María Terremoto. Guitarra: Nono Jero. Percusión: Ané Carrasco. Coros y palmas: Ezequiel Montoya y El Pechuguita. Artista invitado (piano): Pedro R. Miño. ESTRENO EN MADRID. Sala Negra. Duración: 70 min - JESÚS CARMONA & CÍA . Amator. 11 de junio de 2019, a las 20 h. Flamenco. Idea original, dirección, coreografía y baile: Jesús Carmona. Cante: Juan José Amador, Jonathan Reyes, Jesús Corbacho. Guitarra: Juan Requena. Coreógrafos invitados: Marco Flores Nino de los Reyes. Dirección artística: Rafaela Carrasco y Jesús Carmona. Música: Juan Requena. ESTRENO EN MADRID. Sala Verde. Duración: 90 min - EVA YERBABUENA Ballet Flamenco. Cuentos de Azúcar. 12 de junio de 2019, a las 20.30 h Flamenco. Dirección y coreografía: Eva Yerbabuena. Dirección musical y guitarra: Paco Jarana. Colaboración especial: Anna Sato. Cante: Alfredo Tejada y Miguel Ortega. Batería y cajón: Antonio Coronel. Taiko: Kaoru Watanabe. Cajón y congas: Rafael Heredia. Baile: Fernando Jiménez. Letras de cante flamenco: Popular. Letras de cantos japoneses: Popular de Amami. Coreógrafo invitado (paso a dos): Mario Bermúdez Gil (Marcat Dance). ESTRENO EN MADRID. Sala Roja. Duración: 100 min - EMERGENTES. Emergentes. Flamenco. 12 de junio de 2019, a las 20 h. Cantaor: Ezequiel Benítez. Guitarrista: Paco León. Cantaor: El Boleco. Guitarrista: Antonio García. Cantaor: Juanfra Carrasco. Guitarrista: El Perla. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Verde. Duración: 120 min - MERCEDES RUIZ, EDUARDO GUERRERO, MARÍA MORENO. Gala Flamenca. 13 de junio de 2019, a las 20.30 h. Flamenco. Director artístico : Manuel Liñán. Baile: Mercedes Ruiz, Eduardo Guerrero, María Moreno. Artista invitada: María Terremoto. Cantaores: Ismael “El Bola” y Emilio Florido. Guitarras: Santiago Lara y Javier Ibáñez. Percusión: Paco Vega. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Roja. Duración: 90 min - JORGE PARDO. Jorge Pardo Trance. 13 de junio de 2019, a las 20h. Flamenco. Flauta y saxo: Jorge Pardo. Guitarra, bandolero y percusión: Niño Josele. Bajo eléctrico: Carles Benavent. Batería: Tino di Geraldo. Artistas invitados – Arpa: Edmar Castañeda (Colombia /EE.UU). Violín: Ambi Subramaniam ( India). ESTRENO ABSOLUTO. Sala Verde. Duración: 90 /100 min - DORANTES Y LA ORQUESTA BÉTICA DE CÁMARA. La Roda del Viento. 14 de junio de 2019, a las 20.30 h. Flamenco. Compositor, arreglos, director y piano: Dorantes. Obc Orquesta Bética de Cámara. Director de Orquesta: Michael Thomas. Coral Flamenca CfCh: Antonio Mena, Francisco Blanco, Cristina Paz Ragajo, Marta La Niña, Sebastián Vilches, Tomás García, Marcos Martínez, Lidia Montero, Ana Lorenzo, Ana María Gómez. Batería: Javi Ruibal. Percusiones: Isidro Muñoz. Coros y palmas: Pedrito Peña. Letras: Casto Márquez Ronchel. ESTRENO EN MADRID. Sala Roja. Duración: 80 min - DAVID CORIA. Anónimo. 14 de junio de 2019, a las 20 h Flamenco. Dirección, idea original y coreografía: David Coria. Colaboración coreográfica: Ana Morales, Pedro Córdoba y Fabián Thomé. Baile: David Coria, Eduardo Leal y Rafael Ramírez. Dirección musical: Jesús Torres. Colaboración especial al cante: Gema Caballero. Guitarra: Jesús Torres. Percusión: Rafael Heredia. Chelo: Sancho Almendral. ESTRENO EN MADRID. Sala Verde. Duración: 75 min - LUCKY LOSADA. De Madrid han venío. 15 de junio de 2018, a las 19 h. Flamenco. Percusión: Lucky Losada, Antonio Losada, Iván Losada Junior. Guitarra: Iván Losada. Violín: Fernando García Rico. Coros y Palmas: Eleazar Cerreduela y Nael Salazar. Baile y Palmas: Rubencito. Artista invitado – Cante: Miguel ‘El Rubio’. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Negra. Duración: 75 min - RICHARD BONA feat ANTONIO REY. Bona de la Frontera. 15 de junio de 2019, a las 20.30 h. Flamenco. Bajo: Richard Bona. Guitarra: Antonio Rey. Voz: Mara Rey. Percusión: Paco Vega. Violín: Thomas Potirón. Baile: Pedro Córdoba. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Roja. Duración: 70 min - COMPAÑÍA MANUELA CARPIO. Casta de una bailaora. 18 de junio de 2019, a las 19 h Flamenco. Baile: Manuela Carpio. Cante: Enrique “El extremeño”, Juan José Amador, Manué de Tañé. Guitarras: Juan Diego Mateos y Juan Requena. Baile y Palmas: Israel de Juanillorro y José Suárez “El Torombo”. Cante y Palmas: Iván de la Manuela. ESTRENO ABSOLUTO. Sala Negra. Duración: 60 min - RYCARDO MORENO. Mi esencia. 19 de junio de 2019, a las 19 h Flamenco. Dirección artística, guitarrista, compositor y arreglista: Rycardo Moreno. Cante: Juanfra Carrasco. Teclados: Tony Romero. Percusión: Manuel Moreno. Colaboración baile: Tomás Moreno. Colaboración cante y baile: Manuel Bujo “Feito”. Colaboración especial baile: José Maldonado. ESTRENO EN MADRID. Sala Negra. Duración: 80 min - ANTONIO SERRANO, JOSEMI CARMONA Y JAVIER COLINA. Sin etiquetas 20 de junio de 2019, a las 19 h Flamenco-Jazz. Armónica: Antonio Serrano. Guitarra: Josemi Carmona. Contrabajo: Javier Colina. Sala Negra. Duración: 75 min - ALONSO NÚÑEZ “RANCAPINO CHICO”. Por mi amor al arte. 21 de junio de 2019, a las 19 h Cante: Alonso Núñez “Rancapino chico”. Guitarras: Antonio Higuero, Paco León. Baile: Aitana de los Reyes. Arpa: Ana Crisman. Palmas: Manuel Cantarote y José Rubichi. ESTRENO EN MADRID. Sala Negra. Duración: 70 min + información

Las tres coreografías, Enemy in the Figure, Artifact Suite y The Vertiginous Thrill of Exactitude, son muy distintas entre sí y a la vez representativas del trabajo de Forsythe Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Una noche con Forsythe, de la Compañía Nacional de Danza. Con tres piezas del coreógrafo, Enemy in the Figure, Artifact Suite y The Vertiginous Thrill of Exactitude, este montaje estará en siete únicas funciones en la Sala Roja, del 1 al 9 de junio. No hay compañía de ballet relevante en el planeta que no atesore al menos una pieza del William Forsythe del Frankfurt Ballet en su repertorio. Seguramente cada noche, en algún lugar del mundo, se está bailando un Forsythe. La Compañía Nacional de Danza no ha sido ajena. No lo fue en los tiempos de Nacho Duato y no lo es ahora bajo la dirección de José Carlos Martínez, que ha organizado esta Noche Forsythe que tiene la virtud de reunir tres obras muy distintas pero representativas del talento del cotizado coreógrafo. Viejas emociones se reactivarán en el fanático. Sorpresa y fascinación deparará al que no le conozca. “Este programa tiene un componente histórico que muestra la amplitud de su trabajo”, asegura José Carlos Martínez. “A la gente que viene interesada por el mundo de la danza clásica los lleva hacia un concepto más contemporáneo y viceversa, a aquellos más fieles al contemporáneo los acerca al vocabulario académico. En The Vertiginous Thrill of Exactitude hace referencia a los ballets de Balanchine, a las formas del ballet clásico sin serlo. En la segunda, Artifact, explora la noción del cuerpo de baile en ballet, con todos esos bailarines iguales, esos telones que caen… y finalmente, Enemy in the Figure es un ballet muy estructurado pero totalmente basado en las improvisaciones, así que son los bailarines los que la van haciendo avanzar. Por tanto es un programa muy completo e ilustrativo del legado de Forsythe. Para nosotros ha sido un paso, hemos subido un escalón muy alto al poder llegar a hacer esto”. Porque fascinante es Enemy in the Figure (1990), una obra enigmática y eléctrica, donde la luz, manipulada directamente por los bailarines, se convierte en el gran elemento expresivo de una pieza extrañamente oscura, tecnológica y futurista. En cambio, la sincronización y las posibilidades de los bailarines como colectivo parece ser el centro de y eje de Artifact Suite (1984) que completa el programa junto a The Vertiginous Thrill of Exactitude (1996), una pequeña joya que parece divertirse rompiendo muy intencionadamente casi todas las reglas y convencionalismos que rigen el ballet académico. Y es que la concepción, noción y percepción del ballet cambió radicalmente en Europa entre 1983 hasta 2004, años en los que William Forsythe llevó la dirección artística del hoy extinto Frankfurt Ballet, convertido bajo su égida en un laboratorio de experimentación al servicio de la ruptura, la rebelión y la búsqueda. Forsythe deconstruyó y contaminó la técnica del ballet, quebró y fragmentó los cuerpos, suprimió todo vestigio de princesas o hadas, puso al academicismo en diálogo con la modernidad, introdujo textos, músicas desestabilizadoras y sobre todo, libertad creativa. Jugó con la improvisación y desacralizó lo que hasta entonces se daba por sagrado. Conectó al ballet con la sensibilidad de fin de siglo y lo más importante, fascinó a las grandes audiencias del mundo con sus propuestas. País: España Género: danza contemporánea PROGRAMA The Vertiginous Thrill of Exactitude Coreografía: William Forsythe Música: Franz Schubert: Finale de la Sinfonía nº 9 en do mayor Diseño de vestuario: Stephen Galloway Diseño de luces y escenografía: William Forsythe Repetidor / puesta en escena: Noah Gelber Estreno absoluto por el Ballet de Frankfurt el 20 de enero de 1996, en la Operahouse Frankfurt. Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 4 de marzo de 2016 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Duración: 13 minutos Artifact Suite Coreografía: William Forsythe Música: Parte I: Johann Sebastian Bach: Chacona de la Partita n.º 2 en do menor, BWV 1004, interpretada por Margot Kazimirska. Parte II: música de Eva Crossman-Hecht, interpretada por Margot Kazimirska Escenografía, diseño de luces y diseño de vestuario: William Forsythe Repetidores / puesta en escena: Agnès Noltenius, Maurice Causey Estrenado por el Scottish National Ballet el 15 de septiembre en 2004. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza el 22 de abril de 2017 en Palacio de Festivales de Cantabria, Santander. Duración: 45 minutos Intermedio Enemy in the Figure Coreografía: William Forsythe Música: Thom Willems Escenografía, diseño de luces y diseño de vestuario: William Forsythe Repetidora / puesta en escena: Ana Catalina Román Estrenado por el Frankfurt Ballet en Frankfurt, el 13 de mayo de 1989. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid, el 18 de mayo de 2001. Duración: 29 minutos Duración total: 1 hora y 50 minutos (con intermedio) ACTIVIDADES PARALELAS: - Gerald Siegmund propiciará la charla Seis ideas sobre el Ballet: el trabajo de William Forsythe con la tradición. 7 de junio – 19.00 h William Forsythe ha manifestado en diferentes ocasiones que cada uno de sus ballets es una hipótesis sobre el ballet y sus posibilidades. En su opinión, el ballet es «una buena idea» acerca de la organización del cuerpo y sus partes, sobre las proporciones del cuerpo y su relación con el espacio. Esta charla sugiere y detalla seis ideas básicas que resultan fundamentales en la obra de Forsythe. Con estas seis ideas sobre el ballet el objetivo es ofrecer una perspectiva general sobre el trabajo de Forsythe desde sus comienzos en el Ballet de Frankfurt en 1983. Se trata algunas de sus maneras de trabajar con la tradición del ballet y los métodos a la hora de crear coreografías. Gerald Siegmund es profesor de Estudios Teatrales Aplicados en la Justus-Liebig University de Giessen, Alemania. Estudió Teatro y Literatura Inglesa y Francesa en la Goethe-University, en Fráncfort del Meno. Entre sus temas de investigación destacan el teatro y la memoria, la estética, el baile, la actuación y el teatro desde principios del siglo XX. Fecha: viernes 7 de junio de 2019 Hora: 19:00 Duración:1 hora y 15 minutos Dirigida a: público interesado Lugar: Centro Danza Canal Entrada libre hasta completar aforo. - Talleres para personas inquietas: La danza de William Forsythe, impartido por la compañía Somosdanza. Dirigido a todos los públicos. 1 y 2 de junio – 11.00 h La compañía Somosdanza (Lucía Bernardo y Cristina Henríquez) propone un taller sobre la danza de William Forsythe, acompañando sus emblemáticas piezas Enemy in the Figure (1990), Artifact Suit(1984) y The Vertiginous Thrill of Exactitude (1996), que forman parte de la programación de Teatros del Canal. Combinando la teoría con la práctica y de un modo accesible, lúdico y experimental, nos adentraremos en las ideas innovadoras y rupturistas de este gran creador contemporáneo que deconstruyó la danza clásica. Fecha: sábado 1 y domingo 2 de junio de 2019 Hora: 11:00 a 12:30h Duración: 1 hora y 30 minutos Dirigido a: todos los públicos (niños a partir de 8 años. Menores de 12 años, acompañados por un adulto). Aforo máximo de 20 personas. Lugar: estudio de danza del Centro Danza Canal Precio: 3 euros la sesión y por persona. Entradas a la venta el martes 14 de mayo a las 14:30h. Inscripción: Una vez realizada la compra, es preciso rellenar formulario en la web Más información

"No es performance, no es danza, no es teatro, pero es todo a la vez" Será los próximos días 28, 29 y 30 en la Sala Cuarta Pared, dentro del Festival Surge Madrid. Se trata de la creación de un espacio físico y personal donde poder abarcar y desarrollar nuestros deseos y permitirnos hacer lo que hasta la fecha no hemos hecho o no nos han dejado hacer. Sueños frustrados, olvidados y recuperados para esta pieza. Cuando somos pequeños nos movemos por deseos que nos impulsan, incluso hacemos listas de todo lo que queremos realizar en un futuro; pero conforme crecemos estos deseos se adaptan a las demandas profesionales quedando pospuestos u olvidados. Por eso nos planteamos esta pieza como una investigación de esos resquicios, una co-creación en la que todos los integrantes aportarán sus inquietudes y veremos como lidiar con este reto, porque ¿hasta dónde podremos llevar en escena nuestros deseos individuales sin frustrar los deseos del otro? Lo que más nos interesa es diluir los límites de los oficios a través de los actantes, romper con la idea preestablecida de lo que un oficio abarca o excluye. Por este motivo, Elisa Sanz, (escenógrafa y figurinista) y Beatriz Francos (diseñadora de iluminación y bailarina) formarán parte junto a Mónica Runde, Inés Narváez y Gonzalo Simón de esta creación no sólo como apoyo, sino como dos creadoras más dentro de la totalidad de la pieza. Así la parte técnica no se adecúa a un encargo o a una pro - puesta preestablecida, sino que propone y compone en función de sus pulsiones, no focalizándolas únicamente en los intérpretes dancísticos y formando entre todos un híbrido imaginario. "5 cuerpos, 5 utopías, 5 deseos conectados en un hecho escénico" EQUIPO ESCÉNICO Autor, Gonzalo Simón Director,Gonzalo Simón Asitente dirección artística, Beatriz Francos y Elisa Sanz Intérpretes: Beatriz Francos, Elisa Sanz, Mónica Runde, Gonzalo Simón Diseño iluminación, Elisa Sanz Diseñador de escenografía, Elisa Sanz Diseñador de vestuario, Elisa Sanz, Diseñador de atrezzo, Elisa Sanz Creación audiovisual, Mónica Runde Espacio Sonoro , Mónica Runde Dramaturgia, Gonzalo Simón Coreografía, Gozalo Simón Fotografía Juan Carlos Toledo Diseño Gráfico Elisa Forcano &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Con todo el aforo vendido, Olga Pericet llega a la rueda de prensa en la que nos habla de como ha enfrentado en su espectáculo "Un cuerpo infinito" el mito de Carmen Amaya. "Un cuerpo infinito" es una obra de Olga Pericet coproducida por los Teatros del Canal, estará en la Sala Roja en dos únicas funciones los días 25 y 26 de mayo. En este montaje Olga vuelve a contar con Carlota Ferrrer en la dirección escénica. Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018, emprende un viaje de autoconocimiento físico y espiritual en torno a la legendaria figura de Carmen para entrar en su propio universo creativo. No se trata de recrear un determinado repertorio, o repetir ciertos discursos históricos, sino de abrir la recepción hacia una de las bailaoras más “reconocibles” de la historiografía tradicional. Carmen Amaya como material creativo, como posibilidad, no como pretexto ni esencia. Para este proyecto, una idea original de la propia Olga Pericet, la bailaora ha buscado el asesoramiento dramatúrgico de Roberto Fratini, el acompañamiento coreográfico de Marco Flores, Rafael Estévez y Valeriano Paños y la dirección escénica de Carlota Ferrer. Las dos ya colaboraron juntas en La espina que soñó con ser flor o la flor que soñó con ser bailaora (2018), una pieza innovadora desde el punto de vista teatral (por su inmersión en los códigos flamencos) y también desde el flamenco, por mostrar una cierta permeabilidad a la hora de trabajar desde el lenguaje escénico contemporáneo. En La espina… la mirada se dirigía a la vulnerabilidad. Aquí esa vulnerabilidad reaparece. Si en Pericet hay una aceptación y un reconocimiento a un determinado estado del cuerpo, en la lejanía suena un eco que lleva al espectador a una Carmen Amaya distinta a cómo se ha contado. Una Carmen en la que, como recalca Pericet, había dolor y sufrimiento, mucho más del que puede parecer. Hasta el final de su vida sufrió graves dolores: en las caderas, en las rodillas, llegando a padecer una insuficiencia renal que no le impidió, sin embargo, seguir bailando. El único límite fue la propia muerte. Olga Pericet la invoca en escena y cada una entra en el lenguaje de la otra. En los silencios, en la quietud, en los cimbreados de cadera, ahí está Carmen Amaya. Si la energía de Olga es centrífuga, la de Carmen es centrípeta, pero todos esos movimientos circulares son complementarios. En la escenografía vemos una constelación dibujada que refleja muy bien el movimiento de estos dos planetas que han decidido mirarse. En palabras del investigador y coreógrafo Fernando López, "Hay preguntas sobre las que la muerte no tiene la última palabra pero que solo pueden responderse en diálogo con aquéllos que han traspasado todos los umbrales. Olga Pericet crea un diálogo con el espectro de Carmen Amaya para recorrer el camino invisible de sus silencios. El silencio es el lugar del sonido donde todo comienza y donde todo finaliza, el muro contra el que se estrellan las palabras cuando su sentido resbala. En ese hueco se instala Pericet para hacer germinar la memoria descifrada de un cuerpo infinito". Un cuerpo infinito es un viaje de búsqueda que dialoga con el ingente legado de la artista universal. "Un viaje lleno de ecos, de vibraciones, de sonido, de refracciones, de estelas, de reflejos. Tal vez un proceso de autoconocimiento en busca de un mito en el que observarse: con la distancia, la serenidad y la madurez suficientes para componer un entramado artístico y creativo muy personal. A través de ahondar en lo embriagador y doloroso de un baile astral y ancestral, como es el flamenco, Pericet busca alcanzar un instante de libertad, belleza y verdad. Comenzó buscando a Carmen Amaya y acabó dándose de bruces con su propio reflejo en el espejo", continúa López. Tras su estreno en los Teatros del Canal, la pieza podrá verse en el Teatro Isabel La Católica de Granada (4 de julio), en el festival flamenco de Mont-de-Marsan (6 de julio) y en el Mercat de les Flors de Barcelona (1, 2 y 3 de noviembre). Estreno absoluto País: España Género: danza-flamenco contemporáneo Dirección artística, coreografía y baile: Olga Pericet Dirección escénica: Carlota Ferrer Asesor de dramaturgia: Roberto Fratini / Coreógrafos invitados: Marco Flores, Rafael Estévez y Valeriano Paños / Dirección musical: Olga Pericet y Marco Flores / Guitarra: Antonia Jiménez / Cante: Inma “La Carbonera” y Miguel Lavi / Trompeta: Jorge Vistel / Percusión: Paco Vega / Cuarteto coral: Elvia Sánchez, Elena Sánchez, Simón Drago y Mario Méndez / Dirección y arreglos corales: Nuria Fernández / Cuerpos: Conchi Espejo y Paula Ruiz / Diseño de espacio escénico: Carlota Ferrer y Gloria Montesinos / Diseño de escenografía: Silvia de Marta / Diseño de vestuario: Maggie Ruesga y Olga Pericet / Taller de confección: Maribel Rodríguez, Maggie Ruesga y L. B. Vestuarios / Zapatos: Antonio García Castañuelas del Sur / Diseño de iluminación: Gloria Montesinos A.a.i / Diseño de sonido y espacio sonoro en directo: Antonio Romero / Composición de espacio sonoro en off: Pablo Martin Jhones / Fotografía e imágenes: Paco Villalta / Comunicación: Cultproject / Management y producción ejecutiva: Ana Carrasco/Peineta Producciones / Ayudante de producción y tour manager: Elena Martín / Producción: Olga Pericet Con la colaboración de Teatros del Canal Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

El pasado día 12 de Mayo en el Teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la villa y en el marco del Festival Flamenco Madrid, asistimos a la presentación de la nueva producción de Kor’sia pieza creada en colaboración con el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, y cuya premier tuvo lugar el 18 de Abril en la Sala Resad. Antonio De Rosa y Mattia Russo, ambos Premio Positano 2016, junto a Giuseppe Dagostino forman Kor’sia, un colectivo que nace bajo la idea de la necesidad de comunicarse mediante el cuerpo, trascendiendo los límites de lo verbal. Kor’sia está avalado por una larga trayectoria ha estrenado ya 11 piezas con gran éxito de público y crítica. Esta es su primera incursión en el mundo del flamenco que supone un reto para ellos ya que los coreógrafos son italianos. “Spanish Suite” no es un espectáculo de flamenco al uso. Es original y novedoso, un coctel de colores emociones, que genera unas sensaciones e imágenes de gran belleza con toques de humor. Dura una hora y te engancha de principio a fin por sus cambios de ritmo y su intensidad dramática. Antonio De Rosa y Mattia Russo, los directores y coreógrafos, que además bailan en el espectáculo, son el alma de la obra, su coreografía es muy elaborada con un sin fin de movimientos y pasos, contorsiones, líneas, ángulos en los que encontramos desde el flamenco más tradicional al más vanguardista. Las escenas de grupo se configuran con movimientos contemporáneos aderezados con pasos de flamenco. Evolucionan desde el Flamenco más puro, interpretado por dos bailarines cedidos por el BNE Daniel Ramos López y Victor Martín Rueda, al más vanguardista. Participan 16 bailarines. 6 del colectivo kor’sia, 8 alumnos del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila y dos bailarines del BNE. Esta mezcla de bailarines aporta un brillo mayor al espectáculo, son muy expresivos, se mueven además con una gran sincronía y coordinación. Las escenas son todas muy impactantes, quizás la primera escena sea la más sorprendente de todas. Clarines y timbales suenan repetidamente en el escenario casi a oscuras aparecen un capote y un torero y un toro. El toro es Antonio De Rosa, maravilloso y versátil bailarín, su cuerpo en movimiento es un clamor; y el Torero es Alejandro Moya, estupendo bailarín también con mucha transmisión. Muy evocadora la escena donde Agnés López del Río en la penumbra, en bata de cola proporciona un efecto emocionante. Todo un gozo poder disfrutar de una diva flamenca vanguardista y apasionada. También quisiera destacar a Mattia Russo con mucha presencia escénica y sensibilidad baila un paso a tres muy divertido alegre y juguetón. Espectaculares los bailarines Daniel Ramos López y Víctor Martín Rueda cedidos por BNE con unos espectaculares e intensos zapateados. El cuidado de la plástica que podría considerarse una de las señas de intensidad de Kor’sia, alcanza un cenit en esta obra donde la iluminación y la escenografía se alían potenciando una atmósfera muy peculiar. Una mención especial a los alumnos del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila que estuvieron a la altura de la representación. ¡Bien por ellos! PAOLA PANIZZA

Forsythe en La Rochelle y Clermont Ferrand: William Forsythe es considerado uno de los más importantes coreógrafos de nuestros días. Su trabajo ha sido calificado como la reorientación en la práctica del ballet desde su identificación con el repertorio clásico hasta un arte dinámico de movimiento del siglo XXI. El universo William Forsythe es lo más parecido a un espacio teatral del que muestra sus entresijos (un telón que baja en medio de la pieza rompiendo el ritmo de la representación de Artifact Suite, o utilizando paneles u objetos móviles que separan el espacio escénico en Enemy in the Figure). También las luces juegan un rol importante en sus trabajos, delimitando diferentes espacios en el escenario, muy crudas para dar relieve a las siluetas de los bailarines u oscuras para hacerlos desaparecer en la penumbra. La Compañía Nacional de Danza es de las pocas formaciones capaces de presentar a nivel internacional un programa tan exigente a nivel artístico y técnico. La Fundación Forsythe ha renovado su confianza en la formación española, liderada por José Carlos Martínez, para presentar ahora Una Noche con Forsythe primero en La Rochelle los días 16 y 17 de mayo y luego en Clermont Ferrand el 26, 27 y 28 de mayo. A nuestro regreso, en Madrid, el público podrá volver a disfrutar del programa Forsythe en Teatros del Canal del 1 al 9 de junio. "Este programa tiene un componente histórico que muestra la amplitud del trabajo de William Forsythe", afirma José Carlos Martínez. The Vertiginous Thrill of Exactitude es un paso a cinco coreografiado sobre el movimiento final de la Sinfonía núm. 9 de Schubert. En él, se utiliza todo el arsenal del repertorio del ballet clásico haciendo referencia a los ballets de Balanchine a través de una demostración asombrosa de la técnica clásica: tutú, zapatillas de punta, virtuosismo y lirismo y una relación amistosa entre los bailarines del sexo opuesto. Es todo un reto para los bailarines interpretar esta pieza que supone toda una demostración de lo que el vocabulario clásico ofrece de pureza y brillantez. En Artifact Suite el coreógrafo explora el funcionamiento de los “códigos” de la danza académica sobre la música de Bach, y a la vez muestra los secretos de tres siglos de historia. Los bailarines ejecutan una serie de figuras y variaciones que descomponen la escena, revisando los pasos básicos del vocabulario académico hasta que los transforman en figuras mucho más complejas. Lucie Barthélémy y Toby William Mallitt. Foto Alba Muriel Con Enemy in the Figure llegamos a una fase donde la exploración del movimiento más complejo es el eje principal de la pieza. Se abandonan las zapatillas de punta y el movimiento juega con el espacio y todos los objetos que lo rodean. La coreografía se elabora gracias a una investigación constante del movimiento, utilizando la improvisación y es imposible que los bailarines se “acomoden o instalen” en el proceso. "Proliferación y desorden perfecto... se podría decir que estas dos propiedades han sido el punto de partida de muchas de mis creaciones.", piensa William Forsythe. Erez Ilan. Foto Alba Muriel Tras el reciente éxito cosechado en el Teatro Colón de Bogotá (Colombia), y entre las dos presentaciones del programa de Forsythe, la CND vuelve con Carmen de Johan Inger a la ciudad francesa de Merignac, los días 21 y 22 de mayo. La aproximación del coreógrafo sueco a este mito universal que nos sigue cautivando, aporta una mirada nueva, centrándose en el tema de la violencia y aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Partiendo de este enfoque, Inger crea un personaje, que propicia que seamos testigos de todo lo que pasa, a través de sus ojos inocentes, a la vez que contemplamos su propia transformación. Foto Carlos Quezada, "Carmen" (Sara Fernández López) Nos vemos a nuestra vuelta en los Teatros del Canal de Madrid los días 1 y 2 de junio y del 5 al 9 de junio con Una noche con Forsythe. ACCESO COMPRA ENTRADAS Foto Jesús Vallinas, "Artifact Suite" (Foto cabecera de Alba Muriel: ensayos Forsythe; bailarín: Ángel García Molinero)

Siempre que el Ciclo de Conciertos Manuel de Falla celebra en el Ateneo de Madrid una nueva "entrega" de la serie Música Popular de Tradición Oral, que ya se están convirtiendo en uno de los acontecimientos más destacados de los que se celebran en la docta casa, se sabe con antelación que al público le aguardan gratas e inolvidables sorpresas. Así fue este pasado domingo. Desde la presentación, a cargo del director artístico del ciclo, José Manuel Hernández Blanco, el interés iba en aumento a partir del momento inicial en que se podía admirar en la pantalla una fotografía inédita de Eloy y Amparo Pericet, enviada desde Argentina por cortesía de Concha Pericet. José Manuel hizo una breve semblanza ilustrada con imágenes de las sevillanas boleras, de las que los Pericet fueron los maestros indiscutibles y forjadores del estilo; las curiosísimas Sevillanas Marcheneras, que son siete y cuyos movimientos y pasos revelan claramente que era un baile que tenía lugar en el periodo de recogida de la aceituna. Cerrando como colofón una proyección de la película "Sevillanas" de Carlos Saura, con Merche Esmeralda y Carlos Vilán, que las aprendió siendo un niño en Buenos Aires directamente de su maestra Luisa Pericet. De esta forma, pudimos aplaudir y recordar el legado de la Escuela Pericet que siempre vive a través de sus discípulos. Y estas evocadoras imágenes y filmaciones introductorias transitaron hacia una realidad de puro arte con la cantaora Rocío Díaz, junto a la guitarra de Rafael Andújar y la colaboración especial de la bailarina Adriana Bilbao. Rocío Díaz hizo un exahustivo discurso sobre las sevillanas que fue entonando con su sentida voz, ejemplificando en su selección de canciones su evolución histórica y la riqueza de temáticas que contienen (corraleras, bíblicas, rocieras, litúrgicas, cofrades, históricas, de amor...), y también homenajeando a sus cantores, cuyos primeros solistas fueron los hermanos Toronjo en los años 50, ya que con anterioridad siempre se interpretaban como acompañamiento. El toque ágil y limpio de Rafael Andujar y el baile de Adriana Bilbao encandilaron a los presentes. Ella danzó sola, con palillos, con mantón, con bata de cola... Dominándolo todo, cambiando de vestido en cada una de las piezas en las que exhibió una elegancia producto de su depurada línea. El público aplaudía en pie, y no dejaba marchar a estos excelentes artistas. Adriana Bilbao, José Manuel Hernández y Rocío Díaz Hay mucho todavía por hacer para difundir el arte de la danza al público, y en la Agrupación de Danza del Ateneo de Madrid nos encanta colaborar con estas iniciativas que permiten admirar tan de cerca a los artistas, sin micrófonos ni artificios... Pues cada lugar exige e impone una forma de expresión diferente. Porque tal y como escribió la gran Santa Teresa:"No podemos hacer grandes cosas pero sí cosas pequeñas con mucho amor", y eso es algo que se siente. MERCEDES ALBI

Las “Leyendas cosacas” el espectáculo que nos visita estos días,- en dos funciones, la próxima y última será el próximo miércoles 15 de mayo- en el Teatro Philips Gran Vía, es para no perdérselo y aprovechar su visita en esta gira emprendida por toda España de la compañía del Teatro Estatal de Danza, dirigido por Leonid Milovanov que produce Tatiana Solovieva. Ningún espectador quedará indiferente porque las danzas son de un brío exultante que invade, transmitiendo una fuerza y un optimismo tanto en la guerra y como en la paz, pues las diferentes escenas se inspiran en diversas épocas históricas abarcando hasta la célebre “Katyuska”, que cierra la representación, siendo un baile de la época de la Segunda Guerra Mundial cuya coreografía se sustenta protagonizada por un chica que espera ansiosa el regreso de su novio. La pureza del riquísimo folklore cosaco se mantiene en todas las piezas, por tanto, admite una lectura mucho más profunda que posibilitaría el goce de los estudiosos de la historia. Así, se perciben claramente las influencias que recibe el mundo eslavo a través de las vicisitudes del tiempo. Llama la atención, por ejemplo, la pieza “Gitanos”, danza de los cosacos de Atamán Nekarasov, la influencia evidente de las danzas orientales en los movimientos de las bailarinas, pues esta etnia estuvo exiliada en Turquía durante dos siglos. La base de todo está en la danza de los pueblos, y no debemos olvidar que la impresionante técnica de los bailarines cosacos marca una evolución determinante para la recuperación del protagonismo de los bailarines masculinos en el ballet, ya que en el XIX las bailarinas en puntas fueron las reinas, relegando al hombre a un mero porteador, hasta que los rusos con Diaghilev "invadieron" París con las Danzas Cosacas del Príncipe Igor. Porque el folklore es como una carta de identidad de los pueblos,  se contiene en unas formas que acrisolan su esencia. Las danzas son un libro vivo. Hay por tanto que acudir a leerlo y os contarán muchas cosas fascinantes sobre una parte del alma rusa. MERCEDES ALBI

EL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA OFRECERÁ EL ESTRENO MUNDIAL DE ETERNA IBERIA EN MURCIA, UNA CREACIÓN DE ANTONIO NAJARRO INSPIRADA EN LA DANZA ESTILIZADA ESPAÑOLA El BNE ha decidido presentar esta obra de corte tradicional el proximo 18 de mayo, en el Teatro Auditorio Villegas de Murcia junto a la Orquesta Sínfonica de la Region de Murcia, Orquesta que grabó la versión de esta obra. Un sofisticado trabajo bajo la correografía de Antonio Najarro en el que ha trabajado un gran equipo que ha sido capaz de transmitir la forma estilística de nuestras raices y de nuestra esencia. El Ballet Nacional de España estrenará el próximo día 18 de mayo en el Teatro Auditorio de Murcia Víctor Villegas, junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, una obra que seguro se convertirá en algo inolvidable, Eterna Iberia. Un trabajo coreografiado por Antonio Najarro y en la que el director del Ballet Nacional de España ha logrado aunar bajo un mismo prisma, la mirada actual de nuestros orígenes, con formas dancísticas actuales. La elección de esta obra nace del feliz descubrimiento de la obra del maestro Moreno Buendía, Celtiberia, interpretada por la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, y compuesta por encargo de Antonio Ruiz Soler “El Bailarín” en el año 1963 para la creación de su ballet Eterna Castilla. En palabras del Director del Ballet Nacional de España, Antonio Najarro: “Al escuchar la partitura, llena de matices melódicos, rítmicos y con una fuerza arrolladora, sentí una inmensa inspiración para crear una coreografía de corte tradicional que plasmara mi visión personal de la Danza Española. Y más en concreto, de la Danza Estilizada, haciendo referencia a la forma, estética y sabor de la época en la que fue compuesta, recordando también a los grandes creadores y a sus discípulos más directos, maestros que me han transmitido los valores y formas de la Danza. Ha sido todo un reto lograr ofrecer una mirada interior hacia la forma estilística de nuestras raíces, de nuestra esencia, que se traduce en formas dancísticas más actuales”. El ballet Eterna Iberia fluye a través de 5 movimientos: Burlesca, Farruca, Danza festiva, El amor doliente de Ronda y Danza con brío, representados por números grupales, solos y pasos a dos donde el uso de la castañuela, la capa española y el sombrero cordobés, así como la técnica y la fuerza interpretativa tan característica de nuestra Danza Estilizada, se dan la mano. Este mensaje está apoyado por el diseño de vestuario de Yaiza Pinillos, quien ha querido imprimir a todo el vestuario esta mezcla de clasicismo y sofisticación representando la riqueza de nuestro territorio a través de 3 colores que hablan de 3 elementos: mar, oliva y vino, implantados a través de una innovadora técnica de tintado a prenda hecha, a base de mordientes y pigmentos. Las luces diseñadas por Nicolás Fischtel, sitúan en los ambientes idóneos cada uno de los movimientos de la obra, ensalzando su mensaje expresivo y estético. “En definitiva Eterna Iberia, claramente es una mirada actual de nuestros orígenes”- señala Najarro. Acerca de BNE El Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Antonio Najarro desde septiembre de 2011 y que el año pasado cumplió 40 años, es en la actualidad el mayor exponente de la danza española, mostrando todos los estilos del baile de nuestro país en los más destacados teatros del mundo a través de muy distintos espectáculos que abarcan tradición y vanguardia, la escuela bolera, la danza clásico española, el folclore y el flamenco en Suite Sevilla, Ángeles Caídos, Ritmos, Sorolla, Alento y Zaguán, Clásicos de la Danza Española, Bolero, etc. En la actualidad, el Ballet Nacional de España acaba de estrenar una nueva creación, Electra, una historia de fantasmas familiares, de viejas querellas, de ausencias ingobernables. Un mito que sigue deslumbrándonos por su fuerza y su universalidad. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&