ENTRE EL 30 DE ENERO Y EL 15 DE FEBRERO HAN PARTICIPADO CASI 3.200 ESTUDIANTES, PROFESORES Y PUBLICO EN GENERAL EN ESTOS 5 AÑOS LAS SUCESIVAS EDICIONES DE “UNA MAÑANA EN DANZA” ACUMULAN MAS DE 11.000 ESPECTADORES La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir sus objetivos es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Este Quinto Año de “Una Mañana en Danza” se cerró el pasado 15 de febrero un gran éxito de público y de satisfacción de los 35 colegios que han participado. La actividad, que de nuevo se ha celebrado en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección artística de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística de la Asociación Beta Publica, ha contado, en las 10 funciones realizadas, con las actuaciones de: Juan Leiba con sus trabajos “Garúa” y “CEIIINOSSSTTUV”. Elisabet Romagosa con su pieza “En tempo” Ana Erdozain con su adaptación de la pieza “Baila con Ella” de Pilar Villanueva. Arnau Perez con su coreografía “Young Blood”. La función abierta del sábado 2 de febrero, que llamamos “Una Tarde en Danza” incluyó como artistas invitados a Lucia Marote con su trabajo “RAG” y Marcat Danza /Mario Bermudez que presentaron el Estreno Mundial de su nueva pieza “GARIP”. Además, la Asociación organizó unas MasterClass el sábado 2 de febrero por la mañana con Lucia Marote y Mario Bermudez en la sede la Compañía Nacional de Danza y a las que asistieron 90 bailarines de la Comunidad de Madrid. Desde la primera edición de “Una Mañana en Danza” que se celebró en febrero de 2015, han asistido más de 11.000 espectadores, la gran mayoría alumnos y alumnas de Primaria, ESO y Bachillerato, a las casi 40 funciones que ya acumula esta actividad de “creación de audiencias” que impulsa la Asociación Beta Publica. UN POCO MAS DE INFORMACIÓN… La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES periódicas de su Muestra Coreográfica utilizando la Plataforma online proporcionada por TALENTS UNITED® para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa y portavoz de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin….) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza, junto con otros creadores, a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 16 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. CONTACTO: Txema Arnedo txemaarnedo@hotmail.com www.betapublica.com 609 199 700

Recibimos una gratísima sorpresa al encontrarnos con Ricardo Franco y su alumno Mario Galindo en el Teatro de la Resad, unos minutos antes de la apertura del telón. Asistimos a la XVI edición de las Jornadas de Formación de Nuevo Público organizadas por el Real Conservatorio Profesional Mariemma en donde ellos son destacados protagonistas. Mario, vestido para escena, está un poco nervioso; Ricardo, sabio y pausado, ejerce sobre el muchacho una “autoritas” tan cercana que no necesita de las palabras. Entre ellos se comunican con un simple gesto. Esa complicidad es fruto de los muchos años de formación y de los miles de momentos compartidos, que me hace percibirlos como si conformaran una unidad. Ambos constituyen un símbolo, el claro ejemplo de la valiosa transmisión del maestro al alumno, ese vínculo por el que el arte evoluciona y emprende el camino hacia lo que es eterno. -Mario, creo que acabas de regresar del concurso internacional de Ballet de Lausanne... Mario-Sí, ha sido una experiencia muy buena. Estoy muy agradecido a todas las personas del centro que han hecho que haya sido posible, y por supuesto a Ricardo. -Ricardo, ¿Qué me podrías contar sobre Mario? ¿Cuando comenzó a recibir vuestra formación? Ricardo-Mario es un madrileño de Vallecas que entró chiquitillo en elemental, hizo las pruebas de acceso en el conservatorio para los pequeños. Mario- Comencé a bailar en una escuela de mi barrio (Escuela de Vicky Cortés y Lidia Merayo) a los cuatro años, porque mi hermana bailaba y yo pedí a mis padres que me apuntaran. -¿Qué edad tenía Mario cuando llegó al conservatorio? R-Alrededor de nueve o diez años. Se entra a partir de los 8 años, pero recuerdo que él no entró en primero. -Parece que te acuerdas de los detalles de cada alumno. R-Pasamos juntos mucho tiempo, los ves crecer y formarse día a día. De Mario llamaba la atención que tenía un aire varonil tremendo, aunque fuera un chiquillo tenía una seriedad y un carácter propios de mayor. Cursó tercero y nos dimos cuenta que podía estar por encima del nivel. Por lo que le presentamos a la prueba de acceso al grado profesional, la pasó sin que hiciera falta que completase todos los cursos de elemental. -¿Cuándo pasa un alumno al grado profesional? R-Tenemos que comprobar el nivel de aptitud, condiciones, formación... -¿A qué edad? R-Se puede comenzar a los 12 años, coincide con la ESO de los colegios. Dura seis cursos, pero Mario ha hecho los 6 en 5 años debido a el año pasado volvimos a promocionarle para que pasara directamente a un curso más arriba. -¿Cuándo se presenta a un alumno a un concurso? R-Los concursos no se limitan al mero hecho de competir y punto, sino que exige una preparación concreta y más exigente previa a su celebración, un extra adicional de preparación. Le presentamos al concurso de Ribarroja del Turia y ganó; y luego dejamos que se formara más, que cogiera más técnica, que estuviera preparado para afrontar el nuevo reto. -¿El concurso de Lausanne? R-Sí. -¿Por qué al de Lausanne? R-En el conservatorio hemos ido en distintas ocasiones, a veces obtuvimos primeros premios y otras veces no… Pensamos que será interesante para él para poder abrirse su camino. En España, solo hay una compañía por eso no hay muchas salidas para los bailarines. -¿Qué tal fue la experiencia? M-El simple hecho de haber sido seleccionado para participar ya es muy gratificante. Allí ha sido un placer trabajar con diferentes maestros y repetidores, aunque no haya sido seleccionado para la final, la experiencia ha sido inolvidable. R-Ha salido bastante bien. La competición dura una semana; dan clases, les ven, les preparan las piezas del concurso, que son una pieza clásica y otra contemporánea. No tenemos permitido ensayar con ellos. -¿Qué pieza de ballet escogisteis? M-La variación de Basilio del 3er acto de El Quijote. -¿Y de contemporánea? M-“Abstract” de Jean Ch. Maillot. -¿Cuál fue el resultado? R-Mario compitió muy bien, pero en la semifinal no estuvo todo lo brillante que podía. Tuvo el inconveniente de que el escenario está inclinado, y él no tiene costumbre de bailar así. Se quedó en las semifinales, sin embargo, las impresiones sobre Mario han sido fantásticas y ha recibido un montón de ofertas de trabajo: Basilea, Amberes, compañías de América… -¿Por cuál te has decidido Mario? M-Voy a entrar en el San francisco Ballet. -¿Por qué  lo escogiste? M-Porque es una gran compañía y escuela, me gusta el repertorio y también la ciudad. Y me encantan las clases de Patrick Armand que es uno de los maestros y repetidores clásicos que fueron al concurso de Lausanne. Es el director de la escuela del San Francisco. -¿Te da pena despedirte de los alumnos, Ricardo? R-Me siento satisfecho de haberles ayudado a lograr sus metas. Y me siento muy orgulloso de lo que ha mostrado en el concurso porque ha quedado patente el gran nivel que impartimos en España. La preparación de Mario es totalmente equiparable a la de las mejores escuelas internacionales, incluso me atrevo a decir que en algunos aspectos es más aventajada. -Háblame de tu carrera como bailarín, Ricardo. R-Mi carrera se desarrolló principalmente en la Compañía Nacional de Danza. Estuve en ella desde su creación durante 17 años. -Ahora que la dirección de la compañía va a cambiar ¿Cómo te gustaría que fuese el nuevo director? R-Me gustaría que fuera una compañía abierta, que mantuviera un repertorio clásico, neo y de nueva creación. Mi ideal es un modelo con una línea de dirección como la que tienen actualmente el Ballet de la Ópera de París o el Royal Ballet. -Pero ellos tienen muchísimos más medios. R-Claro, pero como directriz pienso que debería ser así. Lo único que faltan son los medios económicos, porque los medios humanos los tenemos. En España hemos desarrollado una gran escuela desde la formación ecléctica, y tanto en los conservatorios como en las academias privadas existe un gran nivel. Estamos formando en lo académico con la vista puesta en la capacidad del movimiento neoclásico. Lo primero que tendría que haber es una firme directriz de compañía que se tendría que marcar desde el Ministerio de Cultura, independientemente de cual fuera el director. Y desde esa idea contratar a los profesionales para insertarlos en un todo organizado, como si fuera una gran orquesta cuyos músicos pueden interpretar obras de repertorio clásico y de nueva creación. Ricardo Franco en "Diana y Acteón" -¿Hay más bailarines que salidas tienen en España? R-Sí. Año tras año exportamos muchísimos bailarines. La calidad de danza que se produce en España daría para una compañía de primer nivel internacional si tuviéramos los medios económicos. -¿Quién piensas que será el nuevo director de la CND? R- Se sabe que se están presentando muchos proyectos para asumir la dirección. Espero que se tenga un buen criterio de selección, y que quien asuma la dirección tenga experiencia en ese terreno. -La CND es tu compañía. R-Sí, soy de los bailarines fundadores cuando se creó con Víctor Ullate. Audicionamos en el año 78 con Ullate y Béjart en el Teatro de la Zarzuela. Al principio, Febrero del 79, las clases las dábamos con Carmen Roche en un pequeño estudio que tenía Mariemma, después nos trasladamos a Atocha, al edificio donde ahora está el Museo Reina Sofía. -¿Has estado con casi todos los directores de la CND? R-Ha sido un privilegio vivir toda esa evolución pasando por varias direcciones hasta los tiempos de Nacho Duato. -¿Cuándo te retiraste como bailarín? R-A los 36 años mis rodillas decidieron que no podían seguir el ritmo de trabajo de la compañía. Ricardo Franco en "Las Sílfides" -Cuéntame un recuerdo de tu vida artística. R-Por ejemplo, cuando Maya Plisetkaya me eligió para ser su partenaire. -¿Qué bailaste con ella? R- En “Carmen” fuí José, y fui su pareja en los ballets “María Estuardo” y “La Willy”. -¿Cómo fue la experiencia? R-Maya era impresionante, poseía esa luz que solo tienen los grandes artistas. No olvidaré la sensación que tuve la primera vez que me miró a los ojos, fue en un ensayo de Carmen, su mirada me traspasó, y nos separaban más de 30 años! Era una artista inmensa. Cada función bailando con ella era mágica. Como bailarín, el descubrir los secretos de la gran técnica con Azari Plisetsky, que llegó seguramente en el momento en que mi cabeza y mi cuerpo estaban preparados para comprender definitivamente la esencia del trabajo clásico. Pero de lo que realmente estoy muy agradecido es de haber vivido toda la evolución de la compañía. Bailamos tantos coreógrafos de primer nivel como Béjart, Balanchine, Tetley, Tudor, luego a partir de Ray Barra los clásicos Petipa y Fokin, y mi última época con Duato, donde bailamos, además de las piezas de Nacho, Kylian, Forsythe, Mats Ek... Todo ese bagaje me ha servido mucho para poder enseñar. Todo lo que bailas de ese nivel es bueno y todo te aporta matices muy interesantes para la evolución de la técnica y para la forma de interpretar. Ricardo Franco en "Las Sílfides" -¿Cual es tu coreógrafo favorito? Se que es dificil decantarse, pero siempre habrá alguno que te haya complacido más al bailarlo... R-En mis tiempos, por los 80, todos queríamos hacer las piezas nuevas de Kylian, con su originalidad de movimiento y maravillosa musicalidad. Después, la teatralidad de Ek y la fisicalidad de Forsythe. Por suerte, todo ello llegó con Duato, además de sus propias coreografías que disfruté realmente. Lo cierto es que, si te gusta la danza y el movimiento, aprendes, evolucionas y disfrutas de todo lo bueno, sea del estilo que sea, y por suerte, en la CND tuvimos siempre piezas de mucha calidad. -¿Las preferencias evolucionan? R-Sí, claro. Por ejemplo, antes de esa etapa, como gusto personal yo era más de Robbins que de Balanchine, tenía algo más de historia, pero eso es hablando de matiz muy personal. Me encanta Balanchine, que nos cambió a todos la forma de proyectar en extensión nuestra técnica. En ningún caso puedes descartar a ninguno de los grandes creadores de la historia de la danza, aunque no todo te guste igual. -Imagino, Mario, que tienes mucha ilusión... M-Muchísima, porque al fin y al cabo estoy consiguiendo lo que quiero que es vivir del ballet. Nunca olvidaré a Ricardo y a todos los que me han ayudado a cumplir mi sueño. MERCEDES ALBI FOTOGRAFÍAS JESÚS VALLINAS (FOTOS ESCENA, COLECCIÓN DE RICARDO FRANCO)

La Academia de las Artes Escénicas de España inicia las presentaciones de su última publicación, que recorrerá diferentes ciudades españolas a lo largo del año en curso. El miércoles 27 de febrero de 2019 a las 18:30 horas en los Teatros del Canal de Madrid (sala de prensa, 2ª planta), la Academia de las Artes Escénicas de España presenta el segundo volumen de la colección Artes y oficios de la escena titulado Historia de la danza contemporánea en España y subtitulado De los últimos años de la dictadura hasta 1992. Un manual de estudio para la especialidad de danza que da comienzo a una trilogía sobre la historia de la danza en España a lo largo del siglo XX. El acto de presentación estará moderado por la vicepresidenta 2ª de la Academia y coordinadora de la publicación Rosángeles Valls, quien será la encargada de guiar las intervenciones de la mesa de ponentes formada por el presidente de la Academia Jesús Cimarro, el subdirector General de Música y Danza del INAEM Antonio Garde, y la académica, coordinadora y editora de la publicación Carmen Giménez Morte. A continuación, se abrirá un coloquio en el que partiparán los colaboradores de la publicación presentes en el acto y aquellos asistentes que lo deseen. Historia de la danza contemporánea en España: De los últimos años de la dictadura hasta 1992 realiza una cartografía por los caminos de entrada de las nuevas tendencias de la danza contemporánea, que tomaron recorridos muy diversos. Unos vienen de las instituciones públicas y privadas de enseñanza y de las políticas educativas y culturales de la recién estrenada democracia. En otras ocasiones quienes abrieron nuevas sendas fueron bailarines y bailarinas que trabajaron en compañías extranjeras a mediados del siglo XX y que volvieron a compartir sus conocimientos, o que marcharon a partir de la década de los setenta a formarse en otros países y volvieron a su tierra para formar las primeras compañías de danza contemporánea. En otras zonas geográficas, el germen de esta especialidad se produce por la llegada de profesores y bailarines extranjeros que se instalan en diversas ciudades españolas. Todos estos caminos de entrada han provocado una diversidad temporal y geográfica, donde la gran labor de los certámenes y festivales se suma al entusiasmo de la primera generación de compañías profesionales, que logran asentarse en el ámbito nacional e internacional a partir de los años ochenta gracias a las subvenciones públicas de apoyo a las artes escénicas en cada una de las comunidades autónomas. Datos de interés: Miércoles 27 de febrero. 18:30 horas. Teatros del Canal, sala de prensa, 2ª planta (ubicación). Acceso libre hasta completar aforo. Reserva tu ejemplar de Historia de la danza contemporánea en España (Vol.1) y recógelo en la presentación. Confirmaciones y reservas hasta el 26 de febrero en: comunicacion@academiaae.es.

Estreno en España, tres únicas funciones los días 20, 21 y 22 de febrero en la Sala Roja. Los Teatros del Canal presentan al Ballet de la Ópera de Lyon con coreografías de Lucinda Childs y Trisha Brown Este doble programa invita a reflexionar sobre los enormes logros y hallazgos del movimiento de la Judson Church Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España del Ballet de la Ópera de Lyon en un programa doble formado por dos coreografías Dance y Set and Reset / Reset, de Lucinda Childs y Trisha Brown respectivamente y con la dirección artística de Yorgos Loukos. Este espectáculo estará en tres únicas funciones los días 20, 21 y 22 de febrero en la Sala Roja. Dance y Set and Reset se gestaron en Estados Unidos durante el periodo posterior a la participación de las coreógrafas en la Judson Dance Theatre de Nueva York, un colectivo experimental que se mantuvo intensamente activo entre 1962 y 1964. En él participaron, además de Brown y Childs, coreógrafas como Yvonne Rainer, Simone Forti o Deborah Hay junto a artistas como Robert Rauschenberg, Carolee Schneemann y Robert Morris, definiendo los fundamentos de lo que hoy se conoce como la danza posmoderna. Dance (1979) se ha definido como la composición de danza minimalista por excelencia, debido al tratamiento de los gestos corporales, despojados del virtuosismo, bailados de un modo aparentemente casual, y sin embargo ejecutados con precisión y técnica por los bailarines. La voluntad de desligar a esta danza de las “destrezas” habituales de las composiciones clásicas favorece la aparición de unos cuerpos con los que podemos identificarnos, en los que los movimientos resultan más inherentes al cuerpo, menos re-significados, más cercanos al movimiento cotidiano aun sin serlo del todo. Dance supuso la primera colaboración de Lucinda Childs con el compositor Philip Glass, con quien había coincidido previamente durante el proceso de creación de Einstein on the Beach, de Bob Wilson y Philip Glass. Esta pieza es significativa en la carrera de Childs, porque fue su primera gran creación en escena. Previamente había creado pequeñas piezas, solos, experimentaciones cercanas a la performance y a la danza con objetos, que marcaron su paso por el mencionado contexto de la Judson Dance Theatre. Pero Dance es su primera ‘danza’ con mayúsculas, en el sentido de que en ella apuesta por establecer una suerte de vocabulario de los cuerpos en movimiento. Los movimientos de los bailarines y de las notas musicales fluyen en cadencias que se entrelazan, generando formas mentales abstractas y dinámicas, parecidas a geometrías en tres dimensiones, túneles, toboganes, pistas por las que resbalar y deslizarse sin poder desentrelazar sonido y movimiento coreográfico. Sobre esta composición entretejida por la musicalidad corporal y sonora se adhiere la proyección de una película creada originalmente por el artista Sol LeWitt, en la que vemos la misma escena repetida, doblada sobre sí misma. En esta versión del Ballet de la Ópera de Lyon, la película ha sido recreada por Marie-Hélène Rebois, siguiendo de manera fiel la estructura de LeWitt, pero con el nuevo elenco de bailarines. La película aparece como una multiplicación del espacio, se monta literalmente sobre la escena real, debido al efecto que genera la proyección de luz sobre una pantalla transparente. De este modo, las dimensiones sonora, visual y corpórea consiguen armar una filigrana más propia de una imagen mental o un reflejo del pensamiento mismo y sus derivas. Set and Reset (1983) fue fruto de la colaboración entre la coreógrafa Trisha Brown, el artista plástico Robert Rauschenberg y la compositora Laurie Anderson. La escenografía original de Rauschenberg es rediseñada al entrar la pieza a formar parte del repertorio del Ballet de la Ópera de Lyon. Desde ese año 2005, la pieza reconstruida se llama Set and Reset / Reset y sigue la idea original basada en una estricta composición que sin embargo mantiene la apariencia de ser improvisada. Basada en numerosas instrucciones y pautas, persigue una fluidez particular, propia de una época, la de su creación original, que mantenía una tensión entre la apuesta por la composición formal, y el fascinante reto de la confianza en la improvisación como estado corporal y creativo siempre anclado en un presente a la fuga. Esta pieza se sitúa en el intersticio de esta cuestión, generando un juego minuciosamente definido, donde los bailarines toman decisiones constantemente. Actividades paralelas: 1.Taller de danza para personas inquietas: La danza minimalista La compañía Somosdanza (Lucía Bernardo y Cristina Henríquez) propone un taller sobre la danza de Lucinda Childs y Trisha Brown, acompañando sus emblemáticas obras Dance y Set and Reset/ Reset que forman parte de la programación de Teatros del Canal. Combinando la teoría con la práctica, nos adentraremos en las ideas de estas creadoras posmodernas, de un modo accesible, lúdico y experimental. Fecha: sábado 16 y domingo 17 de febrero de 2019 Hora: 11:00 a 12:30h Duración: 1 hora y 30 minutos Dirigido a: todos los públicos (niños a partir de 8 años. Menores de 12 años acompañados por un adulto). Aforo máximo 20 personas. Lugar: estudio de danza del Centro Danza Canal Precio:3 euros la sesión y por persona Además de comprar la entrada es imprescindible rellenar y enviar este formulario de inscripción. 2. Charla de Lou Forster: Bailando minimalismo (1968-1986) Entre 1968 (punto álgido del movimiento social y estudiantil en todo el mundo) y 1986 (ataque neoconservador a los fondos públicos para el arte de la administración de Ronald Reagan), el panorama coreográfico de Nueva York experimentó un cambio sustancial. Durante esta década, las técnicas somáticas y la improvisación en la danza desarrollaron conexiones inesperadas; nacieron espacios alternativos en los que actuar, compartir prácticas y conocimientos en este ámbito, y los teatros adoptaron nuevas formas de producir y presentar sus trabajos. La denominada danza «minimalista» o «analítica», que tiene su máxima representación en el trabajo de Lucinda Childs, brota de esta efervescencia. ¿Cuál es la relación entre esta tendencia de la danza posmoderna y dichos cambios? ¿Cómo no tuvieron en cuenta la división histórica entre improvisación y escritura coreográfica, formalismo y compromiso, minimalismo y crítica institucional los retos estéticos y políticos de este periodo? Partiendo de un análisis del trabajo de Lucinda Childs, el conservador Lou Forster, que organizó la primera retrospectiva de la coreógrafa en 2016, analizará este conjunto de obras que transformaron radicalmente la danza en la década de 1970. Lou Forster (1988) es comisario y crítico de arte. Su trabajo actual explora las relaciones entre las artes gráficas, la danza y el arte visual. En 2016 y 2017 comisarió Lucinda Childs, Nothing personal (1963-1989), la primera retrospectiva dedicada a la coreógrafa estadounidense en el National center for dance (CN D) y en la Thaddaeus Ropac Gallery, Pantin durante el Festival d’Automne en París. El mismo año participó en Documenta 14 como conservador auxiliar. 
 Desde 2009 desarrolla junto con Lénio Kaklea un proyecto de coreografía y comisariado que explora el enlace entre la danza, la investigación y la teoría crítica. En la actualidad colabora con ella en el proyecto Practical encyclopedia, que se ha representado y se representará en Les laboratoires d’Aubervilliers, el Far° Festival des arts, Passerelle — Centre d’art de Brest, Pact Zollverein (Essen), Le Quartz y Biennale Traversée —Poitiers, entre otros. En 2017 publicaron Encyclopédie pratique, portrait d’Aubervilliers. Desde 2018 ocupa el puesto de investigador asociado del National Institute of Art History. Fecha: jueves 21 de febrero de 2019 Hora: 19:00 Duración: 1 hora y 15 minutos Dirigida a: público interesado Lugar: Centro Danza Canal Entrada libre hasta completar aforo. 3. Proyección de la película ‘La danza posmoderna’ En un deseo de reexaminar la danza, sus formas y su definición, la danza posmoderna rechaza todo lo que podría caracterizar la danza moderna de Martha Graham y Merce Cuninngham. Danza en lugares insólitos, ausencia total de virtuosismo, temporalidad plana y rechazo de lo espectacular. El intenso momento experimental de los coreógrafos que participan en este movimiento continuará desplegándose, bajo formas muy diversas en inesperados formatos (cine, ópera, ballet). Trabajos tan esenciales como los de Yvonne Rainer, Trisha Brown o Lucinda Childs. Selección de coreografías Anna Halprin : Extrait de Out of Boundaries, réalisation de Jacqueline Caux, 2004. Yvonne Rainer : Trio A, 1978, NB, muet, réalisation de Robert Alexander, chorégraphie de 1966 d’Yvonne Rainer, con Yvonne Rainer. Trisha Brown : Early Works de Trisha Brown con Jardins des Tuileries, 2008 : Group Primary Accumulation (1973), Spanish Dance (1973) y Floor of the Forest (1969-1971) Douglas Dunn : Extrait de Footrules, 1980, sonore, couleur, chorégraphie de Douglas Dunn. David Gordon : Extrait de An Audience With the Pope et de The Matter, 1980, sonore, couleur, chorégraphie de David Gordon. Steve Paxton et Deborah Hay : extraits de 9 Evenings : Theater and Engineering, documentaire de Barbro Schultz sur les performances de 1966. Lucinda Childs : Katema, chorégraphie de Lucinda Childs (1978), images de Renato Berta, production Eric Franck. Fecha: miércoles 20 de febrero de 2019 Hora: 19:15h Duración: 50 minutos Dirigido a: todos los públicos. Lugar: Estudio 5. Centro Danza Canal Entrada libre hasta completar aforo. En colaboración con CN D Centre national de la danse. 4. Taller de movimiento a cargo de Ruth Childs Ruth Childs propone un taller basado en las investigaciones coreográficas que Lucinda Childs desarrolló durante su periodo en la Judson Dance Theatre de Nueva York. Durante la década de los setenta fueron tres los elementos que aparecen como fundamentales en sus coreografías: la utilización de una partitura, una trayectoria en el espacio y un ritmo impuesto sin música. A Ruth le gustaría compartir y trabajar en torno a las partituras originales de Calico Mingling (1973) y Katema (1978). Ambas piezas se mostrarán filmadas en la sesión que tendrá lugar el 23 de febrero en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía. Nacida en 1984 en Londres, Ruth Childs se traslada a los Estados Unidos en 1986, donde comienza su formación en ballet a la edad de seis años. En el año 2002 regresa a Londres para estudiar danza en el London Studio Centre, y más tarde en Suiza donde se incorpora al Ballet Junior de Ginebra. En Suiza se forma con coreógrafos como Foofwa d’Imobilité y Joszef Trefeli. En 2010 comienza a trabajar con La Ribot en las piezas Laughing Hole y PARAdistinguidas, y en 2012 trabaja para Gilles Jobin en A+B=X y Quantum. En 2014 hereda los derechos de reproducción de los tres solos de Lucinda Childs que se presentan en este programa, e igualmente lo hace con la segunda serie de las Piezas Distinguidas de La Ribot, Más distinguidas (1997). Fecha: viernes 22 de febrero de 2019 Hora: 10h Duración: 5 horas Dirigido a: bailarines y coreógrafos residentes de la actual convocatoria. Lugar: Centro Danza Canal Inscripciones: inscripcionesdanzacanal@teatroscanal.com Estreno en España País: Francia Género: danza contemporánea Dance Coreografía: Lucinda Childs Música: Philip Glass ©1979 Dunvagen Music Publishers Inc. Vestuario: A. Christina Giannini Luces: Beverly Emmons Concepto original de la película: Sol LeWitt (rodada de forma idéntica a la película original con los bailarines del Ballet de l’Opéra de Lyon en enero de 2016 por Marie-Hélène Rebois) Pieza creada en 1979. Entra en el repertorio del Ballet de l’Opéra de Lyon el 13 de abril de 2016 Retomada por Jocelyne Mocogni y Pierre Advokatoff Duración: 55 min Dance 1 Jacqueline Bâby / Edi Blloshmi / Julia Carnicer / Tyler Galster / Marissa Parzei / Leoannis Pupo-Guillen / Chiara Paperini / Raúl Serrano Núňez Dance 2 Noëllie Conjeaud Dance 3 Kristina Bentz / Giacomo Luci / Zoé Charpentier / Ricardo Gomes / Coralie Levieux / Marco Merenda / Dorothée Delabie / Roylan Ramos Intermedio de 20 minutos Set and Reset / Reset Coreografía Set and Reset (1983): Trisha Brown A partir de una idea original de Robert Rauschenberg Música: Laurie Anderson Escenografía: Michael Meyers Vestuario: Adeline André Luces: Patrice Besombes Versión original de Set and Reset creada en 1983 por Trisha Brown Company Versión del Ballet de l’Opéra de Lyon (Set and Reset / Reset) Entra en el repertorio el 17 de mayo de 2005. Retomada por Amandine Roque de la Cruz Duración: 23 minutos 20 y 22 de febrero Dorothée Delabie Aurélie Gaillard Coralie Levieux Elsa Monguillot de Mirman Albert Nikolli Paul Vezin 21 de febrero Caelyn Knight Kristina Bentz Chiara Paperini Elsa Monguillot de Mirman Roylan Ramos Samuel Pereira Con el apoyo en gira con el Teatro Municipal Rivoli de Oporto. Con la colaboración de la Embajada de EE.UU en España y el Instituto Francés. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

"Homenaje a Antonio Ruiz Soler" Teatro Calderón Gira Valladolid, 15, 16 y 17 de febrero de 2019 Después de su paso por San Sebastián y Pozuelo de Alarcón el Ballet Nacional de España visitará los próximos días 15, 16 y 17 de febrero el Teatro Calderón de Valladolid. El Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Antonio Najarro, continúa con sus giras por España en 2019 visitando el Teatro Calderón de la ciudad vallisoletana. En esta ocasión han programado tres funciones durante el fin de semana para el viernes 15 y sábado 16, ambas a las 20:30 horas, y la última el domingo 17 de febrero a las 19:30 horas. Después de los éxitos de público y crítica en las dos primeras giras del año, los vallisoletanos podrán disfrutar del espectáculo “Homenaje a Antonio Ruiz Soler”, creado por Antonio Najarro en el año 2016 para homenajear a Antonio “el bailarín”, antiguo director del BNE en el 20 aniversario de su fallecimiento. Dentro del espectáculo se podrán ver un conjunto de coreografías de diversos estilos de la Danza Española, tales como Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La taberna del toro), Fantasía galaica y El sombrero de tres picos. En palabras del Director del Ballet Nacional de España, Antonio Najarro: “Es la primera vez que un programa se dedica por entero a Antonio, con lo que se podrá apreciar de forma global su maestría como coreógrafo en todos los estilos de nuestra danza”. “Por primera vez, además”, subraya Najarro, “se ha puesto especial interés en rescatar las escenografías originales de estas obras o, como el caso de Fantasía galaica, acercarse lo más posible al diseño con que fueron diseñadas”. Desde el estreno del espectáculo en 2016 el Homenaje a Antonio Ruiz Soler ha pasado ya por siete ciudades españolas con un total del 26 representaciones. Las entradas se pusieron a la venta el pasado día 2 de enero en las taquillas del teatro y por internet, estando agotadas la mayor parte de las localidades para los tres días que estará el Ballet Nacional de España en el teatro Calderón. ERITAÑA Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Isaac Albéniz Figurines: Vicente Viudes Escenografía original: Vicente Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario hombre segunda producción: Sastrería González Calzado: Sansha Estreno absoluto el 28 de abril de 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona. Estreno el 28 de octubre de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Isaac Albéniz compuso Suite Iberia en el final de su vida, entre 1905 y 1909. Eritaña forma parte del Cuaderno nº 4 y se estrenó el 9 de febrero de 1909, en París, tres meses antes de su fallecimiento. Su fuente de inspiración son las sevillanas y su nombre procede de la famosa venta que estuvo junto al Parque de María Luisa, en Sevilla. Incluido en el programa Homenaje a Albéniz, creado por Antonio en 1960 para el Teatro del Liceo de Barcelona, y dentro de la coreografía llamada Suite Iberia, Eritaña se nutre de los pasos de las sevillanas boleras y su forma de ejecución durante el XIX. Es imprescindible recordar las palabras que le dedicó Claude Debussy a la obra de Albéniz -«nunca la música ha alcanzado expresiones tan diversas; los ojos se cierran como fatigados de haber contemplado tantas imágenes»-, ya que puede extenderse a la coreografía diseñada por Antonio, donde la dificultad técnica de sus variaciones aporta todavía más brillantez a las notas del compositor. En ella encontramos todos los elementos necesarios para que su traducción al baile español sea absolutamente natural. Son pocos minutos, se hacen muy cortos, pero Eritaña es una de las obras imprescindibles para entender la danza española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica. TARANTO (DE LA TABERNA DEL TORO: ESTAMPA FLAMENCA) Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Popular Cantaor: Gabriel de la Tomasa Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Milagros (En Escena) Calzado: Gallardo Estreno absoluto el 29 de octubre de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro Palace de Londres. Estreno el 18 de junio de 2016 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En la mencionada película y, tras bailar Zapateado, Antonio es recogido por la pareja protagonista -ella es la bailarina clásica Ludmilla Tcherina- y les dice que pueden parar a desayunar en La taberna del toro. Allí, entre otros paisanos, hay una chiquilla pizpireta, interpretada por la primera bailarina de su compañía, Carmen Rojas. Tras interpretar el Tango de Juana Vargas La Macarrona durante unos instantes, Antonio le pregunta a la jovencita si sabe bailar el taranto “con los brazos bien arriba y bien cimbreado ese talle”, dice, colocándole el cuerpo. La taberna del toro se había estrenado dos años antes del rodaje de Luna de miel, en el Palace Theatre de Londres, donde actuaron durante ocho semanas y continuaron estrechando lazos con la capital inglesa, donde tanto lo apreciaron. Elsa Brunelleschi escribió, a propósito de ese nuevo estreno londinense, que, “si ya la había encontrado de gran calidad un año antes, la compañía de Antonio había mejorado ahora mucho más allá de cualquier reconocimiento”. ZAPATEADO SARASATE Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Pablo Sarasate Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: José Antonio Arroyo Calzado: Gallardo Estreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México. Estreno el 14 de junio de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Se cumplen setenta años desde que Antonio estrenara su versión de Zapateado, de Pablo Sarasate, su solo, sin duda, más emblemático. La partitura del compositor navarro es una delicia, pero la interpretación que hizo Antonio, dándole todos los matices que pide la partitura, elevó su prestigio más aún. “Era como una sinfonía de Beethoven, in crescendo, desde el piano hasta el fuerte”, escribieron de él, y Antonio explicaba en nuestra entrevista de 1989, que, bailándolo, “acariciaba el suelo; hay que hablar con los pies, no dar patadas”. Pueden admirar a nuestro protagonista interpretándolo en la película Luna de miel, donde se utiliza, además, como elemento narrativo haciendo avanzar la acción, realizándolo Antonio por una carretera, con el sonido, por supuesto, doblado. En las últimas décadas, lo han bailado primeros bailarines de las compañías que contaron con el arte de Antonio, pues es pieza de repertorio que va pasando de generación en generación, como debe ser con las obras clásicas. FANTASÍA GALAICA Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Ernesto Halffter Figurines: Carlos Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Encarnación, Perís y Sastrería González Calzado: Gallardo y ArteFyl Estreno absoluto el 30 de junio de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife. Estreno el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Juárez de Guanajuato, México. En el libro que Gyenes dedicó en 1964 a Antonio, se recogen las palabras de Ernesto Halffter, compositor de esta obra, sobre la coreografía de nuestro protagonista. “Nunca olvidaré lo que Antonio hizo con mi Fantasía Galaica, de tantas bellezas en el detalle y en su conjunto; con aciertos tan singulares como el paso a dos, armonioso y poético, con el sonar de las vieiras contrapunteando el trenzar de los pasos... Antonio sabe hacer plásticas las ideas musicales con entera servidumbre y autenticidad al espíritu y a la letra de cada pentagrama”. Y es que la coreografía creada por Antonio es un ejemplo de cómo estilizar nuestras danzas -en este caso, los bailes gallegos-, reinterpretando los pasos desde la sabiduría técnica, potenciando su estética teatral y haciendo casi visible la música. También encontramos aquí su pasión por el paso a dos, expresivo, acercándose a la tradición del ballet, ofreciéndolo despojado de etnicidad. Al final, eso sí, se vuelve esta creación vertiginosa en su alborada de cierre, recogiendo la dinámica propia de la muñeira, el baile más popular de Galicia. FANTASÍA GALAICA: Introducción y encuentro Canción y danza de los arrieros Muñeira de las aguadoras Maruxiña o teu refaixo Muñerira de los campesinos Presagio (Paso a dos) EL SOMBRERO DE TRES PICOS Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Manuel de Falla Escenografía: Pablo Picasso Figurines: Pablo Picasso Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato y Mambo Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Proyecciones: Emilio Valenzuela Vestuario hombres: Sastrería González; Mujeres: Peris; Molineras: Milagros (En Escena) Calzado: Gallardo Estreno absoluto el 24 de junio de 1958 por Antonio y su Ballet Español, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Estreno el 13 de mayo de 1981, por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. El estreno de su versión original, coreografiada por Leonide Massine, fue en el Teatro Alhambra de Londres, el 22 de julio de 1919, por los Ballets Russes de Serge Diaghilev. El histórico empresario, con su gran olfato para reconocer el talento, le encargó a Manuel de Falla que reescribiese su ballet-pantomima El corregidor y la molinera, de 1917, creado para orquesta de cámara. Diaghilev y su joven coreógrafo Leonide Massine asistieron a su estreno en Madrid, ya que durante la I Guerra Mundial, y gracias a la ayuda del Rey Alfonso XIII -a quien consideraban su “padrino”-, los Ballets Rusos pudieron actuar (y, por ello, sobrevivir) en la España neutral. Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga habían adaptado para el teatro la novela de Pedro Antonio de Alarcón, de 1874, basada en una leyenda popular. En 1915, el matrimonio había colaborado con el músico gaditano en El amor brujo, gitanería para Pastora Imperio que Antonia Mercé La Argentina estrenó ya como ballet en 1925. Falla compuso El sombrero de tres picos según las indicaciones de Massine, adaptando las escenas a su idea coreográfica, como cuando Tchaikovsky escribió sus famosos ballets siguiendo las necesidades del coreógrafo Marius Petipa. Este dato es muy importante si hablamos de autoría, ya que es el coreógrafo quien pide al músico la estructura, matices o ritmo que desea en la partitura; no es que encuentre una composición ya creada y realice después la coreografía. Durante sus giras por España, entre 1916 y 1918, Leonide Massine se había prendado del baile español. No sólo del flamenco, sino también de nuestros variados bailes y danzas. Tuvo a su lado a un artista autóctono contratado por Diaghilev para que se empapara de él, Félix Fernández, bailaor espectacular –cuentan- en sus intervenciones en solitario –la verdadera naturaleza del baile flamenco-, pero menos apto para integrarse en una pieza coreográfica para la que se necesite el rigor académico. Desgraciadamente, Félix Fernández pagaría cara su imposibilidad de adaptarse a la disciplina de una coreografía: tras ver que su nombre no aparecía como protagonista de El sombrero de tres picos en su estreno londinense de 1919, su mente sufrió una gran perturbación y pasaría el resto de su vida confinado en un sanatorio mental en Inglaterra, hasta su fallecimiento en 1941. Es el capítulo más triste de la gestación de El sombrero… En 2004, el Ballet Nacional estrenó El loco, ballet basado en la historia de Félix, con coreografía de Javier Latorre, guión de Francisco López y música de Mauricio Sotelo y Juan Manuel Cañizares. Con la versión de Antonio, El sombrero de tres picos triunfa como coreografía con el lenguaje de la danza española. Estrenado en 1958, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, como adelantábamos, es con la versión de Antonio con la que el ballet adquiere su verdadera naturaleza, ya que la partitura de Manuel de Falla es una obra maestra en la estilización de nuestros ritmos y melodías populares. La creación de Massine de 1919, en definitiva, no deja de ser una “fantasía” sobre nuestra danza –como hemos apuntado antes-, ya que, aunque el coreógrafo y bailarín ruso se empapara de “lo español” y aprendiera algunos pasos y formas de nuestra expresión dancística, no era un artista con formación completa de danza española y, por tanto, cayó en muchos momentos en lo que podríamos llamar “falso español”. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

“CANCIONES DE TODA UNA VIDA / EL ROMANCE” Domingo 17 de febrero a las 12.30 horas en el Ateneo de Madrid El Grupo de Coros y Danzas "Doña Urraca", en colaboración con la romancera sanabresa Victoria Gullón -especialista en romances de la Sierra de la Culebra-, serán los encargados de darnos a conocer parte de esta riqueza musical. El concierto hará un repaso por la música de tradición oral de la provincia de Zamora desde el punto de vista del ciclo anual, es decir, pasando por todas las fiestas y hechos especiales que tienen lugar en determinadas épocas del año en un orden cronológico. Se mostrarán piezas tanto de carácter ritual como festivo, interpretadas por los instrumentos típicos de la zona: dulzaina, gaita, flauta y tamboril, caja, pandereta y voz. Aunque la actuación mayoritariamente será realizada por los músicos del grupo, habrá asimismo interpretaciones coreográficas que representarán danzas y bailes de la zona. Es casi imposible realizar en España una serie de eventos de raíz popular (música, literatura...) sin que esté presente el Romance, pues es una composición lírica de origen español que ha perdurado, durante muchos siglos, hasta nuestros días. Al principio, estos poemas de versos octosílabos eran anónimos (nacidos del pueblo) y fueron transmitidos oralmente por los juglares. Posteriormente, aparecen los primeros romances escritos y desde el s. XVI hasta hoy, prácticamente todos los grandes de nuestra literatura (Cervantes, Lope de Vega, Quevedo......García Lorca, José Hierro), y de la literatura hispanoamericana, han hecho uso de él. Zamora tuvo una gran relevancia a partir del s. XI dentro de los reinos cristianos de la época. Los llamados cantares de gesta, que contaban fallecimientos, ascensos al trono de distintos monarcas o las épicas y leyendas medievales, dieron lugar a multitud de romances. Producto de la confluencia de Galicia, León y Portugal, Zamora se convierte a lo largo del tiempo, en un crisol de manifestaciones culturales que han perdurado durante siglos. Instrumentos como el redoblante o la gaita de fole, o bailes como las "habas verdes", los corridos o los charros, entre muchos otros, hacen que esta provincia ocupe un lugar muy relevante dentro del folklore nacional, debido a su enorme diversidad mantenida de forma muy pura. El concierto hará un repaso de la música de tradición oral de la provincia de Zamora desde el punto de vista del ciclo anual, es decir, pasando por todas las fiestas y hechos especiales que tienen lugar en determinadas épocas del año en un orden cronológico. Se mostrarán piezas tanto de carácter ritual como festivo, interpretadas por los instrumentos típicos de la zona: dulzaina, gaita, flauta y tamboril, caja, pandereta y voz. Aunque la actuación mayoritariamente será realizada por los músicos del grupo habrá alguna interpretación coreográfica para representar danzas y bailes, con el fin de hacer un espectáculo dinámico, divertido y al mismo tiempo educativo. También se contará con la colaboración de Victoria Gullón Diego, especialista en romances de la Sierra de la Culebra, que intervendrá en algunos momentos de la actuación. VICTORIA GULLÓN Nacida en Puebla de Sanabria (Zamora), transcurriendo su infancia entre la Sierra de la Culebra (Aliste), donde su abuela María fue pastora, y a la que tantas veces oyó contar y cantar historias y romances durante su infancia, y los Arribes del Duero (Sayago), zonas zamoranas con una gran riqueza de tradición oral. Entre los años 1972 y 1976, formó parte del grupo de teatro experimental Ramos Carrión, de Zamora, dirigido por Felipe de Castro, y ya, con poco más de 20 años, salió hacia Barcelona como funcionaria de Correos. En el año 1992 su vida dio un giro de 180 grados y aquello, tantos años olvidados, resurgió al poder ver y escuchar, a lo largo de los años, a personas de su tierra depositarias de tantos saberes, como Juliana Diego, Sabino García “El largo”, Juana Martín, Isabel Taboada, e igualmente a grupos reconocidos, como el zamorano de música tradicional “Habas Verdes”, a los que pudo ver en sus actuaciones por la provincia de Zamora en el verano del 94, y también a Argimiro Crespo , entrañable romancero, poeta y arriero. Paralelamente, hizo trabajo de campo para la recogida de cuentos, leyendas y romances, tanto en la provincia de Zamora como en la de Madrid, así como trabajo de investigación sobre literatura popular y Romancero en la Fundación Menéndez Pidal, de Madrid. Escuchando recitar su poesía a Isabel Escudero y a Agustín García Calvo en el café “La Manuela”, de Madrid, acompañados al piano, aprendió a unir el saber con los saberes, reafirmándolo con ellos en la tertulia política del Ateneo de Madrid. Durante diez años, formó parte del grupo de polifonía renacentista TACTUS, como soprano, con el que grabó su disco, y un segundo disco, en solitario, sobre el Romancero, titulado VITOR VITONGA. Los romances la han llevado actuando por toda España, así como Portugal, Francia, Marruecos y varios países allende los mares: Colombia, Costa Rica, Chile, Perú, Ecuador, Argentina y Uruguay. Últimamente ha retornado al teatro, formando parte del laboratorio teatral “COMO ME PONE LA LAVADORA” de Madrid, dirigido por Beatriz Santiago, así como el elenco en el espectáculo itinerante y mutante “LA SANTA JUANA DE LA CRUZ”, idea y dirección de Ana Contreras, para el Festival “Clásicos en Alcalá 2017”. Alcalá 2017”. ACCESO COMPRA ENTRADAS

Con motivo de su próxima actuación en el Ateneo de Madrid, el próximo domingo 17 de febrero a las 12.30, conversamos con Miguel Santos, director del Grupo de Coros y Danzas Doña Urraca. La formación ya ha superado los 60 años desde que fuera creada allá por el año 1955, en que se oficializó. El folklore de Zamora es riquísimo y muy variado debido a que la provincia es un crisol de las influencias provenientes de sus límites geográficos con Galicia, León y Portugal. Miguel Ángel Santos, especialista en Danza Tradicional por la Universidad Rey Juan Carlos, dirige además la escuela que nutre a la formación integrada por casi 300 alumnos, que estudian y difunden la rica tradición heredada. Ama lo que hace y llegó allí por puro instinto desde que siendo un niño comenzó a tocar la flauta y el tamboril y por su propia cuenta se matriculó en ella. Está muy contento de venir a actuar al Salón de Actos del Ateneo de Madrid, dentro del ciclo de conciertos Manuel de Falla. P-Cuéntame particularidades del folklore de Zamora. El folklore de la provincia de Zamora es el más disperso y variado de la comunidad de Castilla y León. Son doce las comarcas que tiene nuestra provincia y en cada una hay bailes y trajes muy diferentes. Así, según nos vayamos hacia al norte, en la comarca de Sanabria, encontramos corridos y brincaos interpretados con la gaita sanabresa; si vamos al sur, comarca de Sayago, encontramos bailes muy diferentes porque son pausados y se interpretan con flauta y tamboril; charros de aliste, jotas de la Tierra de Campos, bailes de la zona de Toro y la Guareña, y cómo no el Bolero de Algodre, uno de los bailes más importantes en la provincia de Zamora y de toda España. P-¿Cuál es el origen del Grupo de Coros y Danzas Doña Urraca? -Nació oficialmente en 1955, es el más antiguo de Zamora, y en su origen estuvo formado por jóvenes trabajadores. P-¿Quiénes lo forman ahora? -Actualmente lo componen estudiantes y se nutre exclusivamente de la Escuela de Danza de 280 alumnos, que el propio Grupo gestiona y coordina. Todo este trabajo de base, ha tenido sus frutos a lo largo de los años, y el resultado es la promoción y el conocimiento de la Danza y Música Tradicional de Zamora por parte de los jóvenes zamoranos, y no tan jóvenes, que han pasado por esta Escuela desde entonces, así como experiencias personales y colectivas impagables llevando el nombre de Zamora por todo el mundo. P-Cumplisteis los sesenta años el pasado 2015. ¿Cómo se ha evolucionado desde entonces? -El crecimiento ha sido incesante, pienso que ha desarrollando una trayectoria ascendente en su evolución artística y ha trabajado en múltiples facetas de la tradición popular de la provincia de Zamora, preocupándose año tras año de mejorar en todas ellas: repertorio, instrumentos musicales, indumentaria, etc.. siendo en la actualidad uno de los Grupos nacionales con mejor cartel, tanto por su vistoso, variado y colorista vestuario, como por la calidad de sus interpretaciones. P-¿Cuáles son las grabaciones musicales que habéis producido en los últimos años? -Doña Urraca ha grabado y producido dos trabajos discográficos "Al rebeque" (2003) y "Por ser tan Bella" (2015). También ha colaborado en la edición del DVD "Espíritus danzantes" de la Exma. Diputación de Zamora. P-¿Desempeñáis una gran actividad? No paramos. Hemos organizado en 2011, en 2013 y 2015 el Festival Internacional de Folklore de Zamora, y desde el 2013, organizamos anualmente dos festivales: el Festival Nacional de Folkore Infantil “Doña Urraca” -en el mes de mayo-, y el Festival Nacional de Folklore “Doña Urraca” -en el mes de octubre-. A nivel nacional, el Grupo de Coros y Danzas “Doña Urraca” es miembro fundador de la Federación Española de Agrupaciones de Folklore (FEAF) P-¿Tenéis muchas actuaciones? -Son incontables. Cada año el grupo se desplaza por los pueblos de toda la provincia y de fuera de la provincia, formando parte de sus programas de fiestas o festivales. Tras muchos años de existencia, el Grupo “Doña Urraca” sigue trabajando y, por ello, se sigue manteniendo dentro de la élite del folklore nacional e internacional. PROGRAMA 17 DE FEBRERO: “CANCIONES DE TODA UNA VIDA / EL ROMANCE” Es casi imposible realizar en España una serie de eventos de raíz popular (música, literatura...) sin que esté presente el Romance, pues es una composición lírica de origen español que ha perdurado, durante muchos siglos, hasta nuestros días. Al principio, estos poemas de versos octosílabos eran anónimos (nacidos del pueblo) y fueron transmitidos oralmente por los juglares. Posteriormente, aparecen los primeros romances escritos y desde el s. XVI hasta hoy, prácticamente todos los grandes de nuestra literatura (Cervantes, Lope de Vega, Quevedo......García Lorca, José Hierro), y de la literatura hispanoamericana, han hecho uso de él. Zamora tuvo una gran relevancia a partir del siglo XI dentro de los reinos cristianos de la época. Los llamados cantares de gesta, que contaban fallecimientos, ascensos al trono de distintos monarcas o las épicas y leyendas medievales, dieron lugar a multitud de romances. Producto de la confluencia de Galicia, León y Portugal, Zamora se convierte a lo largo del tiempo, en un crisol de manifestaciones culturales que han perdurado durante siglos. Instrumentos como el redoblante o la gaita de fole, o bailes como las "habas verdes", los corridos o los charros, entre muchos otros, hacen que esta provincia ocupe un lugar muy relevante dentro del folklore nacional, debido a su enorme diversidad mantenida de forma muy pura. El Grupo de Coros y Danzas "Doña Urraca", en colaboración con la romancera sanabresa Victoria Gullón -especialista en romances de la Sierra de la Culebra-, serán los encargados de darnos a conocer parte de esta riqueza musical. El concierto hará un repaso por la música de tradición oral de la provincia de Zamora desde el punto de vista del ciclo anual, es decir, pasando por todas las fiestas y hechos especiales que tienen lugar en determinadas épocas del año en un orden cronológico. Se mostrarán piezas tanto de carácter ritual como festivo, interpretadas por los instrumentos típicos de la zona: dulzaina, gaita, flauta y tamboril, caja, pandereta y voz. Aunque la actuación mayoritariamente será realizada por los músicos del grupo, habrá asimismo interpretaciones coreográficas que representarán danzas y bailes de la zona. ACCESO A COMPRA DE ENTRADAS

El espectáculo de la veterana compañía donostiarra también recordará a las personas «imprescindibles» en su trayectoria Discapacitado, persona con discapacidad, persona con necesidades especiales, persona con capacidades diversas o persona con diversidad funcional son algunos de los términos empleados a lo largo de los últimos veinticinco años para referirse al fenómeno de la discapacidad. Como una hormiguita, Verdini Dantza Taldea ha creado multitud de espectáculos y ha llevado a cabo colaboraciones, actividades, eventos y actos durante un cuarto de siglo, para poner en valor a este colectivo y desterrar prejuicios. Hoy es un día de celebración y también de recuerdo para quienes apoyaron desde los inicios y continúan apoyándonos en este proyecto, con la intención de compartir con la sociedad nuestra alegría de vivir desde la diversidad. «Quién iba a decir que Verdini Dantza Taldea estaría aquí en 2019. Estamos, seguimos y seguiremos. Queremos disfrutar de esta celebración y también agradecer al público fiel que nos ha acompañado en este trayecto de 25 años», asegura Isabel Verdini, coreógrafa y directora de la compañía donostiarra. Programa. Como aspecto novedoso, Nire, zure, gure Verdini: 25 urte ha surgido del diálogo constante entre la coreógrafa, Isabel Verdini, y los bailarines de la compañía, quienes han seleccionado aquellos fragmentos con los que más han disfrutado bailando. De esta manera, se recuperan coreografías y músicas de Nahi nuena (2002), Ilunpetik (2006), Argira (2007), Zu zeu (2013), Gaitasunen iraultza (2016) y de diversos talleres. Con una duración aproximada de una hora, Nire, zure, gure Verdini: 25 urte se compone de diecinueve cuadros escénicos. Además, el espectáculo contará con la colaboración especial de Aintzane Gamiz en las labores de presentación. Recuerdo. El espectáculo Nire, zure, gure Verdini: 25 urte aúna el espíritu festivo de la celebración con el homenaje a todos aquellos que han puesto su granito de arena para que esté proyecto siga en pie. Además, se recordará muy especialmente a tres personas vinculadas al proyecto como Charo Carranza, el escultor Tomás Murua (Premio Verdini 2015) y el técnico de iluminación Carlos Salaberri (Premio Verdini 2018). De iz. a dcha.: Jesús Murua (presidente y ayudante de dirección de Verdini) Jon Insausti (concejal delegado de Donostia Kultura), Isabel Verdini (directora y coreógrafa de Verdini), Aitor Manterola (bailarín), Norka Chiapusso (director prog. Teatro y Danza) «Éste es un día muy especial para todos nosotros: es un día de celebración y por eso más que nunca, nos queremos acordar de personas que han sido muy importantes en nuestro camino, personas que nos han apoyado desde los comienzos de Verdini y que, hoy, ya no se encuentran con nosotros. Cada vez que subimos a un escenario, sentimos que Charo Carranza, Tomás Murua y Carlos Salaberri están iluminando todas nuestras actuaciones. Por eso, ellos van a compartir escenario con nosotros, a través de sus fotografías», añade Isabel Verdini. El proyecto Verdini Dantza Taldea. Fundado en 1992, el proyecto Verdini Dantza Taldea nace impulsado por el interés de la bailarina y coreógrafa Isabel Verdini por desarrollar un trabajo físico y artístico con las personas con diversidad funcional. En 2000, fue la primera vez que Verdini Dantza Taldea subió a un escenario, en una actuación en el Auditorio del Kursaal. A partir de entonces, Verdini ha estrenado como espectáculos propios las obras Gure indarra (2000), Nahi nuena (2002), Bihotzetik (2004), Bihotzetik II (2006), Ilunpetik (2006), Argira (2007), Dantzaria naiz (2010), Zu zeu (2013), Método Verdini Metodoa (2014) y Gaitasunen iraultza (2016). Además, la compañía ha llevado a cabo tres coproducciones –Hala ere (2013), Oteizaren kaxa beltza (2014) y Gernika, ilunetik argi (2017)-, ha participado en seis ediciones de Olatu Talka, y ha ido alternando sus producciones con la participación y organización de multitud de eventos a nivel local, nacional e internacional. Su labor ha sido distinguida con el Premio a la Solidaridad de la ONCE (2006) y con la Medalla al Mérito Ciudadano de San Sebastián (2008). Verdini Dantza Taldea conmemoró en 2013, su vigésimo aniversario con una gala especial que cosechó un gran éxito en el Teatro Victoria Eugenia. Ese mismo año, promovió un evento para la celebración conjunta de los Días Internacionales de la Discapacidad y del Euskera, que coinciden en la fecha del 3 de diciembre. En 2014, instituyó el Premio Verdini para distinguir la labor y el compromiso de personas que trabajen en el ámbito de la cultura a favor del euskera y de la discapacidad. DATOS DE INTERÉS Espectáculo: Nire, zure, gure Verdini: 25 urte. Compañía: Verdini Dantza Taldea. Coreografía y dirección: Isabel Verdini. Ayudantes de dirección: Jesus Murua y Agurtzane Verdini. Iluminación: Javier Candela. Intérpretes: Jon Alonso, Ana Álvarez, Nerea Astarbe, Ainhoa Bakaikoa, Miriam Corrionero, Olaia Goikoetxea, María Isasti, Idoia Machimbarrena, Aitor Manterola, Ohiane Mateos, Aizpea Múgica, Nekane Prieto, Maialen Sánchez, Álex Santesteban, Haizea Sendón, Haizea Telletxea, Isabel Verdini y Leire Zabala. Lugar: Teatro Victoria Eugenia. Fecha y hora: 10 Febrero, a las 19.30 horas. Entradas: 7,00 a 12,00 €. Iratxe de Arantzibia

El pasado sábado asistimos a la valiosa propuesta de Pilar Villanueva, directora artística de Beta Publica, que año a año prosigue una milagrosa cruzada guiada por el afán de difusión de la danza contemporánea. Nos sorprende lo que ha logrado pues las actividades que organiza son interesantísimas y con gran nivel artístico. Es un día completo que posibilita vivir con la danza, tal y como Pilar Villanueva nos cuenta: “Beta Pública es una asociación sin animo de lucro creada en marzo de 2014. Una de las principales actividades de la asociación es el programa “Una mañana en Danza” y su espectáculo gemelo “Una tarde en danza”, cuya finalidad es acercar a los niños y jóvenes a la danza contemporánea, proporcionándoles una primera oportunidad de conocer y amar esta forma artística. Foto de Alba Muriel Melendez La Tarde de Danza, tuvo su germen por la mañana con las clases magistrales celebradas en la sede de la CND -inscritas en el marco de las celebraciones de su 40 aniversario- a cargo de Lucía Marote y Mario Bermúdez Gil. La mañana La sede de la CND era un torbellino de gente. La convocatoria de estas clases ha sido un gran éxito. Más de cien personas, muy ilusionadas y expectantes, y con gran nivel en los participantes ya que muchos venían de los conservatorios, otros eran profesionales, coreógrafos, bailarines… Lucia Marote impartió la primera clase. Fue una experiencia muy enérgica donde el espacio, el vacío, los silencios, los cambios de velocidad y el suelo adquirieron protagonismo. Comenzó diciendo “preparar vuestro cuerpo y entrar en contacto con él de la forma que queráis”, seguidamente los participantes se situaron en un circulo donde comienzan a calentar. Caminan por todo el espacio, intercambian palabras; se dividen en dos grupos y se inicia la secuencia coreográfica. Consiste en moverse a través del espacio llevados por su instintiva intuición. Empiezan a levantar los brazos para coger el espacio desde arriba, van bajando se sientan y se tumban en el el suelo en posición fetal y girar a derecha e izquierda, lo hacen muy rápido y lo van ralentizando finalizando la clase con esta secuencia interpretada muy lentamente. Mario Bermúdez, bailarín y coreógrafo, que fue miembro de la Batsheva Dance Company de Ohad Naharin, es actualmente el director del de la compañía Marcat Dance, fue el artífice de la segunda clase basada en el método gagá. Los bailarines, comentó, deben aportar siempre su personalidad a la coreografía. Sus instrucciones que acompañaban los movimientos de los bailarines era poéticas: “mover las manos como si fueran olas”, “expresar emoción, sentirlo dentro”, “ser vosotros mismos”... -Animaba a los alumnos- “poner todo el cuerpo en movimiento”, “bajar y subir al suelo como si fuerais una figura geométrica”, “mostrad el alma en todo lo que hacéis”... La Tarde “Una Tarde en Danza” tuvo lugar en el Centro Cultural Paco Rabal. El espectáculo fue presentado por Pilar Villanueva, directora de Beta Publica y artífice de toda esta jornada. Pudimos ver una estupenda selección coreográfica muy variada, abarcando, como la misma Pilar Villanueva dice: “ todos los colores del Arco Iris de la danza contemporánea”. Juan Lieba interpretó dos de sus coreografías: “Garua”, pieza aérea muy poética inspirada en Santiago de Compostela en un día de lluvia, y “ Ceiiinosssttuv” también aérea, muy física y espectacular. La fuerza es proporcional a la extensión. “En el tiempo”, coreografiada e interpretada por Elisabet Romagosa Xufré se fusionó flamenco y contemporáneo. “Baila con ella” de Pilar Villanueva, con adaptación coreográfica de Ana Erdozain. Bajo la idea estética y filosófica de que no hay Luz sin sombras; no necesitamos ser perfectos si no completos, un dueto muy emocionante danzado por Alba González y Ana Erdozain. “Young Blood” de Arnau Perez de la Fuente, sobre qué significa ser joven: energía, creatividad e implicación para crear nuevos caminos... Muy colorista y con influencia de la danza urbana, fue interpretado por los bailarines: Maddi Ruiz De Loizaga, Francisco Pérez, y Arnau Pérez. También incluida en la programación dos estrenos: -“Rag” de Lucía Marote, un viaje apasionante del conflicto hacia la integración. Una coreografía muy enérgica donde Marrote interactúa con un abrigo y con el publico, inspirándose en el uso que hacían de esta prenda Charles Chaplin y Buster Keaton. -El estreno mundial de “Garip” de Mario Bermúdez, interpretado por Marcat Dance. Una personalísima coreografía con un tríos salvajes cuyos bailarines simbolizan personajes convertidos en sombras acosadoras. Basados en el estilo Gaga pero adaptados a las personalidad de cada bailarín, muy expresivos con una música muy oriental y un cierto toque flamenco. Bailarines: Catherine Coury, Violeta Wulff Mena y Mario Bermudez Gil. La velada finalizo con un coloquio entre todos los artistas participantes y el público asistente. Felicitamos a Pilar Villanueva por una jornada dedicada a la danza muy interesante como variada. La próxima cita que será la gala del Festival Beta Pública tendrá lugar en el Centro Cultural Paco Raval, el 2 y 3 de junio. PAOLA PANIZZA (Fotografía de cabecera Paola Panizza con Mario foto de Catherine Coury) Fotografías de Alba Muriel Melendez

Hay días que contienen una emoción tan especial que en su transcurso ya eres consciente de que son inolvidables porque están llenos de lo mejor de nosotros. Así fue el pasado martes en el homenaje a la maestra Mariló Uguet en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma. El salón de actos estaba abarrotado, alumnos, compañeros, amigos, familiares… Unas doscientas personas que congregadas allí guardábamos silencio porque Mariló, recién retirada de la docencia, no podía darse cuenta de la sorpresa que la aguardaba. Cuando abrió la puerta y nos vio y todos comenzamos a aplaudirla su rostro, que en ese instante había reflejado una expresión de incrédula sorpresa, se bañó en lágrimas. Fue difícil para sus compañeros articular las palabras de los discursos; no es fácil poder resumir y expresar lo que significa en sus vidas alguien que les ha dado tanto sin que se les quiebre la voz, pero aquellas palabras, los gestos de afecto, la música y, por supuesto, la danza salieron del corazón. P-Me gustaron mucho las palabras que nos has dicho en el salón de actos ¿Podrías resumirlas para los lectores? -Me salió así. Expresé lo que sentí en el momento. Me inspiró un reportaje que había visto en televisión donde definían a los artistas como “seres tocados por el dedo de Dios”, y pensé que era cierto. P-¿Sois seres tocados por el dedo de Dios? -Todo artista tiene un don, un soplo de algo habita en su interior, pero hay que sacarlo a fuera y solo se puede sacar a base de disciplina y trabajo. Eso fue lo que dije. Hay gente que tiene mucho talento, unos brillan más que otros; los hay que nacen estrellita, otros estrella y algunos “estrellaza”… P-Brillan por sí mismos unos más y otros me nos, pero ¿Puede una estrellita convertirse en “estrellaza” a base de esfuerzo? -No te quepa la menor duda, todo se basa en el esfuerzo y en el trabajo, hay cosas dentro de ti que nunca descubrías si no las trabajas. Lo he comprobado. El artista va encontrando en si mismo cualidades que no sabía ni que tenía. Por eso la docencia es tan fascinante, acompañas al alumno a través de su propio descubrimiento. Con cuerda y más, quinteto español P- Y el caso contrario, ¿Has visto artistas con muchísimo brillo que ha sido fugaz, sin consolidación? -He visto artistas talentosísimos que se apagaron muy pronto. No había una constancia en el trabajo. A veces ser excesivamente brillante no es bueno porque uno puede llegar a pensar que lo tiene todo, incluso hay quien se cree mejor que nadie y eso es muy malo. El trabajo debe ser incesante aunque tus cualidades provengan de un enorme don natural. P-¿Se aprende también de los alumnos? -Sí, es algo mutuo. Hay algunos a quienes admiro como verdaderos héroes. P-¿Quiénes son los héroes? -Para mí son niños héroes por lo que demuestran cada día y a pesar que saben que hay poco futuro para la danza, pero los mueve hacia ella un amor muy grande. Los veo llegar a sus clases a las 9 y estar trabajando a tope con un esfuerzo físico grandísimo hasta más allá de las 2; después van al colegio, salen y a estudiar, y haciendo todo bien, incluso sacando buenas notas… ¿No son héroes? Claro que lo son. Héroes rebosantes de arte. P-¿Les compensa tanto esfuerzo? -Los chicos que salen de nuestro conservatorio los quieren en todas las compañías. P-¿Ha cambiado la forma de aprender la danza española? -Se aprendía en el conservatorio, y luego teníamos la oportunidad de formarnos en las mismas compañías; entrabas en cuerpo de baile jovencísimo, en la compañía Antonio el Bailarín, y tantas otras, o yo como hice en la compañía de Mariemma. Gracias a Dios pudimos conservar su legado. Hemos preservado la formación adquirida en las grandes compañías y la transmitimos en las escuelas. P-¿Hay estrellas de la danza hoy día? -Ese fenómeno de las estrellas por supuesto que existen pero no es lo mismo en la actualidad, especialmente de cara al reconocimiento público. Es más evidente este fenómeno en el cine. Las estrellas míticas del Hollywood de los años 50 tenían como un halo de eternidad que ya se les da a los nuevos talentos. En la danza pasa igual. P-¿A qué crees que es debido? -A la fugacidad. Hay tantas formas de comunicación que todo pasa más deprisa, es como si nada perdurara. P-¿Cómo conociste a Mariemma? -La conocí en el conservatorio que estaba en Ópera, se llamaba Escuela Superior Profesional de Danza de Madrid y era el único que existía. P-¿Eres de Madrid? -No, nací en Tafalla (Navarra) pero tengo una vida muy cambiante porque mi padre que era médico murió al poco de nacer yo, y de allí nos fuimos a Ceuta; mi madre se volvió a casar y vinimos a vivir a Madrid. P-¿Dónde empezaste a bailar? -Con Clara Eugenia en Ceuta. Era una mujer que tenía muy buen gusto, y no se si era mala, buena o regular, pero es la que metió el gusanillo de la danza. Vine a Madrid a los diez años y me llevaron a la escuela de Valentina Kashuba. Mi madre no podía pagar ese dinero, entre unas cosas y otras lo dejé, aunque adquirí una buena base clásica. Me matricularon en el conservatorio, no podía dejar de bailar, era lo que más me importaba en la vida y entonces conocí a Mariemma. P-¿Qué recuerdas sobre ella como artista? -Lo que más me gustaba de Mariemma era lo musical que era, su danza era pura música en movimiento. Era muy perfeccionista y a la vez muy cariñosa. Nos daba un poco de miedo porque era muy exigente, pero yo me quedé tan prendada que nunca me separé de ella. A los 2 años en el conservatorio me dejó entrar en su compañía. Éramos un montón de bailarinas jóvenes (Rosa Ruiz, Elvira Andrés, Sonia Cámara, Mari Paz Somaza) éramos las pequeñajas… Había otras más pequeñas todavía como Cristina Catoya, y muchas otras, no te he dicho todas. No te puedo dar los nombres de todos los que éramos. Nos pasábamos todo el día junto con los grandes profesionales de la compañía. Un gran lujo… No soy capaz de resumirte mi vida con Mariemma, han sido tantas cosas, he estado con ella hasta que murió sería un relato demasiado largo. P-Bueno, hagamos un esfuerzo de imaginación. Piensa que por un breve momento resucitase frente a ti por unos minutos ¿Qué le dirías? -Volverla a ver… La primera palabra que me sale es cuanto te quiero, y la segunda es gracias. P-¿Gracias por qué? -Porque ha entregado su vida por la danza. Era una persona autentica muy musical y muy artista. Su sistema de enseñanza nos dio la oportunidad de impartirla con un método, pero lo que más admiro de ella era su forma de ser artista, tan culta, con tan buen gusto. P- ¿Y su fama de fuerte temperamento? -Era una persona que nunca se casaba con nadie, decía lo que tenía que decir, sin medias tintas, siempre iba con la verdad por delante. Mariemma nunca ha jugado con el arte, el arte es el arte y siempre ha sido con él tremendamente respetuosa. Tienes que venirte otro día con más calma al conservatorio, vas a venir y vas a alucinar, aquí hay tesoros y me gustaría enseñártelos. P-¿Qué tesoros? -Hay que verlos para hablar de ellos. Hice una exposición sobre Mariemma y verás lo que hay… P- Muchas gracias, por supuesto que acepto tan tentadora invitación. -Te cuento.. Al igual que los músicos hicieron una estilización de la música foklorica en sus composiciones, fue Antonia Mercé, la Argentina quien llevó esta idea de estilizar a la danza española. Creó la danza estilizada la cual puede provenir tanto del folklore como del flamenco o de las danzas boleras. Y también se enamoró de las castañuelas e inventó la castañuela de concierto. Mariemma de niña la vio actuar en París y se convirtió en su referente. P-¿Crees que prosiguió la labor de Antonia Mercé? -Sí, ella tuvo una gran visión de futuro y junto con un gran pianista Enrique Luzuriraga, que la acompaño a lo largo de su vida, abrió un enorme campo de colaboración entre disciplinas. Mariemma al ir con un gran concertista logró que las sociedades musicales se abrieran a la danza. Significó una expansión enorme. La colaboración entre artistas de diferentes ámbitos hace que el resultado sea más bello. Hay que abrirse. Ellos fueron de gira durante 15 años y solo después aquel trabajo infatigable, en 1955 empezó a tener su compañía. Los mejores productores del mundo eran los que contrataban a Mariemma. Ella creó gracias a su método una racionalización de la enseñanza de la danza española. Así el alumno se podía formas en todas las disciplinas de danza española sin tener que ir de un sitio para otro, que además era carísimo. El trabajo tan enorme que hizo no se ni como lo aguantó, siempre bailando, de giras interminables por América por todas partes del mundo… Y pasó dos guerras, la española y la mundial. P-Cuéntame alguna anécdota sobre concreta sobre esas dificultades por las que pasó. Pues me contaba que después que todo había quedado arrasado en España, cierran las fronteras con Europa. La contratan para la Ópera de París y no podía pasar. Pero no dejó de ir y se las arregló para viajar a Bélgica y desde allí poder marcharse a París. Era un homenaje a Carmen en lo que iban a actuar. Pero además resultó que los trabajadores de la Ópera, como venía de España también se portaron muy mal con ella y boicotearon sus ensayos, no pudo ni ensayar... Sin embargo, hizo acopio de valor, salió a escena y se dejó llevar por la intuición. Entonces, el público se volvió loco con ella y logró el mayor éxito de la noche. P-Pero en esa época tú todavía no la conocías. No, claro, pero ella me lo ha contado. Fue a partir de 1985, cuando ella dejó el conservatorio, que yo empecé a trabajar mucho con ella hasta el día de su muerte. Una vez me preguntó un alumno mío cómo era Mariemma, entonces pensé “voy a escribir”. Y tengo un librito, una especie de cuadernillo publicado sobre Mariemma, te lo voy a regalar: “Conociendo a Mariemma", y luego en la portada contiene la frase de "Conocer a Mariemma es igual a amar la danza”. P- Eres verdaderamente una persona encantadora. Yo ahora acabo de escribir un libro sobre danza española y espero que vengas a la presentación el 25 de abril. ¿Sobre qué es? P- Se titula “Dolores de Pedroso y La Quica, dos mujeres unidas por la danza”. Es un homenaje a los artistas que difundieron la danza española en los años 50 y que lamentablemente, hay muy poco escrito sobre ellos. La escuela de La Quica decía Mariemma que era la mejor maestra bolera. Eso decía, “la mejor escuela es la de La Quica” por eso Mariemma también hablaba mucho con su hija Mercedes y su marido Albano. P-Pero bueno, la entrevistada eres tú, hoy es tu día ¿Qué has sentido en tu homenaje? Todavía estoy como flotando. No me lo podía creer. Escuchaba esa maravillosa música que interpretó el quinteto Con Cuerda y más y pensaba “¿Es esto cierto? ¿Estoy soñando?”… Y, ¿Has visto a mi hija Cristina, que está en el Ballet Nacional, bailando con Eduardo Martínez. Han bailado la pieza que yo bailaba con Joaquín Cortés. Mi hija que ahora está de baja por maternidad y, de repente, me la veo aquí bailando… Yo no tenía ni idea de que esto iba a pasar. Y Jesús Ramírez que ha bailado con mi mantón, ha venido desde Sevilla. Cuando abrazaba mi mantón sentía que era como si él me abrazase a mí. Es un chico maravilloso y muy creativo. Te hablé al principio de mis alumnos héroes, pues Jesús es uno de ellos. MERCEDES ALBI Fotografías de archivo del Museo Mariemma de Iscar

Un año más El Encuentro con los Maestros (de danza y música) regresa a la villa indiana de Colombres, la capital del concejo asturiano de Ribadedeva. En esta tercera edición, El Encuentro con los Maestros estará dedicado a la emigración española a Peru, lugar que conmemora, asimismo, la Feria de Indianos de Colombres. La convivencia artística será liderada, de nuevo, por el artista Antonio Canales, que, en esta ocasión, estará acompañado por los Maestros, bailarines y coreógrafos, Rubén Olmo, Ángel Rojas, La Lupi, Maribel Gallardo y Arancha Carmona. Un gran elenco de Maestros para el grupo de bailarines, profesionales y alumnos de danza española y flamenco, que mostrarán El Espectaculo creado en los jardines del Archivo de Indianos - Museo de la Emigración,gracias, asimismo, a la colaboración del Ayuntamiento de Ribadedeva y su Casa de la Cultura. Las canciones que acompañan el baile serán interpretadas por el grupo musical nacido en Colombres La Quinta Indiana, que contará, de nuevo, con el apoyo del guitarrista flamenco Curro de María. +Infomación ACCESO AL DOSSIER

Poder disfrutar de la visita que nos hacen por segunda vez en estas recientes temporadas el Ballet de la Ópera de París, la compañía más antigua y emblemática de la historia, genera una gran expectativa entre los aficionados. Si bien es cierto que no se trata de una gran producción y que el elenco es reducido, lo cual siembra cierta prevención frente al esplendor que imaginamos, y recordamos en los grandes ballets icónicos de su repertorio, el público supera de inmediato esa duda inicial y degusta una velada maravillosa que contiene la esencia de un caro perfume, todo el sabor, elegancia y delicadeza del ballet de la escuela francesa. “París con mirada americana” tiene la estructura de una gala porque se compone de una serie de piezas que, aunque unidas por el hilo temático común de ser coreografías estadounidenses, son varios pasos a dos y un solo, cerrándose con los “Rubís” de las Joyas de Balanchine. De Jerome Robbins disfrutamos de su histórica coreografía Afternoon of a Faun – estrenada por el New York City Ballet en 1953- encargada de abrir el programa. Es en realidad el sueño de amor de un joven bailarín, lo que queda evidenciado por el decorado de la sala de ensayos donde se desarrolla, con sus barras y una puerta por donde aparece la bailarina. La música en directo de la orquesta dirigida por Maxime Pascal interpretando el Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy, envuelve a los bailarines, Hugo Marchand y Armandine Albisson, que crearon un atmósfera poética perfecta. “Sonatine” un pas de deux que estrenó Balanchine en la primavera de 1975 para conmemorar el centenario del nacimiento de Maurice Ravel, de cuya obra, Sonatine para piano en fa mayor –tocada por la pianista Elena Bonnay- toma su nombre. Fue danzado por Léonore Baulac y Germnain Louvet, combinando la gracia de ella con la elegancia de él. Hugo Marchand en A Suite of Dances También de Jerome Robbins se representó "A suite of Dances", donde el violoncelista Aurélien Sabouret interpreta sobre el escenario las fragmentos de la Suite para violonchelo solo de Johan Sebastian Bach, mientras el bailarín expresa con su solo de danza aquello que la música le inspira. Esta pieza -creada para Mihail Barysnikov en 1994- bailada por Hugo Marchand supo transmitir esa encandilante frescura de una coreografía que conlleva la gran dificultad de tratar de parecer improvisada. Punto y aparte fueron las “Trois Gnossiennes” del coreógrafo Hans Van Manen, llamada así por la partitura de Erik Satie, es la más reciente de las coreografías que componen el programa. Estrenada en 1982, se incorporó al repertorio del ballet parisino en 2017, con la llegada de Aurélie Dupont a la dirección. Se trata de la creación más moderna de la noche pero ante todo, la pieza tuvo un nombre, el de la étoile argentina Ludmilla Pagliero -con Florian Magener como partenaire-. Nada más apareció sobre el escenario imprimió una personalidad a su danza, un carácter, una firmeza absoluta en su ejecución que hizo parecer fáciles unos pasos casi imposibles. Ludmilla es una diosa en el sentido de que es todopoderosa. Y brilló en su absoluto esplendor gracias a la austeridad escénica que no la disfrazó con ningún rol, sino que nos mostró su danza en su perfecta pureza. Fuimos testigos de una actuación inolvidable, y lo fue tanto que sentimos que, cualquier cosa que nos mostrasen después sobre la escena quedaría eclipsada por ella; y hasta los rubíes del final palidecieron. MERCEDES ALBI Fotografías Javier del Real (Foto cabecera: Ludmilla Pagliero y Florian Magner en 3 Gnossiennes)