José Carlos Martínez, director de la CND, presentó ayer la nueva temporada de “Carmen” en los Teatros del Canal, junto a Johan Inger corógrafo de la pieza y Manuel Coves Director Musical de la Orquesta Sinfonica de Verum. El estreno será el 15 de Junio y permanecerá en cartel hasta el día 25. José Carlos comentó que “Carmen” había cosechado un enorme éxito por todos los lugares en los que se había representado. Y ha girado mucho por España y por Europa. Los bailarines la interpretan cada vez mejor: “Carmen es como el buen vino que con el tiempo va mejorando”, comentó satisfecho. Y no solo ha girado sino que “Carmen” ha sido galardonada con el premio Benois Dance 2017. Hizo hincapié en que todas las representaciones estarán dedicadas como homenaje al diseñador David Delfin, recientemente fallecido, que realizó el vestuario. La idea era lograr unos trajes con un toque español pero alejados del estereotipo flamenco. El resultado está a la vista en unos con un estilo trajes modernos casi urbano. Carmen será interpretada por tres elencos distintos a los que los bailarines gozan de la libertad de imprimirles su toque personal a cada personaje. Johan Inger les ha dado esta licencia. El mismo, Johan Inger confiesa tener mucha curiosidad por ver esta “Carmen” interpretada con música en directo. Comentó Inger que su Carmen es una Carmen concebida por un sueco bajo una óptica diferente, alejada de tópicos. La novedad está en la supresión del personaje de Micaela y creación de un nuevo personaje, el de un niño y la temática que aborda el tema de la violencia de genero. Manuel Coves, director de orquesta reiteró el placer que para él significa dirigir por segunda vez la “Carmen” de Inger. La dificultad de su interpretación musical le supone siempre un aliciente, y destacó la calidad de la partitura de música contemporánea compuesta por Mark Alvarez que se acopla perfectamente a la parte sinfónica. Se ha creado una especial complicidad entre la Orquesta de Verun, que es la orquesta de los Teatros del Canal, el mismo y los bailarines. Carmen tiene programadas giras en Estados Unidos, Suiza, Israel y Francia para el año que viene ¡¡¡Muchos éxitos!!! PAOLA PANIZZA

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Carmen, con coreografía de Johan Inger e interpretado por la Compañía Nacional de Danza bajo la dirección artística de Jose Carlos Martínez. Con la música en directo interpretada por la Orquesta Sinfónica Verum con la dirección musical de Manuel Coves, este espectáculo se podrá disfrutar en la Sala Roja del 15 al 25 de junio. Cuando Johan Inger recibió el encargo de la Compañía Nacional de Danza de montar una nueva versión de Carmen, siendo él sueco y Carmen una obra con un marcado carácter español, se encontró ante un enorme reto, pero también una gran oportunidad. Su aproximación a este mito universal tendría que aportar algo nuevo. Para ello, Inger decidió centrarse en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada…la del niño. Partiendo de ese enfoque, Inger crea un personaje, que propicia que seamos testigos de todo lo que pasa, a través de sus ojos inocentes, a la vez que contemplamos su propia transformación. En palabras del coreógrafo, “hay en este personaje un cierto miesterio, podría ser un niño cualquiera, podría ser el Don José de niño, podría ser la joven Michaela, o el hijo nonato de Carmen y José. Incluso podríamos ser nosotros, con nuestra primitiva bondad herida por una experiencia con la violencia que , aunque breve, hubiera influido negativamente en nuesrtas vidas y en nuestra capacidad de relacionarnos con los demás para siempre”. Johan Inger ha sido galardonado con el Benois de la Danse 2016 por su coreografía Carmen. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Carlotta Grissi, Marie Taglioni, Lucile Grahn, Fanny Cerrito. Pas de Quatre. Litografía A. E. Chalon Las Galas de Estrellas del Ballet son una constante en la programación anual de muchos teatros a lo largo y ancho del mundo. Con un espíritu y filosofía especiales, con bailarines de diverso rango o procedencia, con una tendencia hacia el clasicismo o la modernidad, este tipo de espectáculos busca ser un pequeño abanico de estilos y una demostración de virtuosismo, algo así como una degustación de pequeños bocados delicatessen de danza. Remontándose en la historia, puede considerarse el ‘Pas de Quatre’ como la 1ª Gala de Estrellas de Ballet, cuyo estreno tuvo lugar el 26 de junio de 1845, en el Her Majesty’s Theatre de Londres . La idea original fue de director del coliseo londinese, Benjamin Lumley: reunir a las estrellas del ballet más influyentes de la época: Marie Taglioni (1804-1884), Fanny Cerrito (1817-1909), Carlotta Grisi (1819-1899) y Lucile Grahn (1819-1907). La quinta gran bailarina romántica de la época, Fanny Elssler (1810-1884), declinó la invitación. Alicia Alonso, Alicia Markova, Nora Kaye y Janet Reed. Coreografía de Anton Dolin, 1941 El ‘Pas de Quatre’ es un ballet-divertissement con coreografía de Jules Perrot y música de Cesare Pugni. Se trata de una obra sin argumento, para completo lucimiento de cada una de las intérpretes, una especie de tour de force entre ellas para demostrar quién sobresalía más y cargado de ceremoniosas reverencias. Estando todas en escena, cada intérprete realiza una variación, mientras las otras contemplan quietas: variación de Grahn, varición de Grisi, vals de Cerrito y solo de Taglioni. Al final, todas bailan un paso a cuatro, inmortalizado en la litografía de A. Chalon. En un verdadero alarde de diplomacia, el orden de interpretación fue asignado en función de edad (de joven a mayor), cerrando así la veterana Taglioni, quien recibió una corona de rosas blancas de Cerrito, durante la ovación del público. Esa lucha de egos y divismos queda perfecta e hilarantemente recogida en la cómica obra homónima de Les Ballets Trockadero de Monte-Carlo. Cuatro fueron las funciones que se programaron de dicho espectáculo, siendo presidida la tercera de ellas (12 de julio 1845) por la reina Victoria y el príncipe Alberto. Casi cien años después, el coreógrafo Anton Dolin remontó la obra, en el Majestic Theatre de Nueva York (18 de febrero 1941). Nathalie Krassovska interpretó a Lucile Grahn, Mia Slavenska a Carlotta Grisi, Alexandra Danilova a Fanny Cerrito y Alicia Markova a Marie Taglioni. IRATXE DE ARANTZIBIA/ SAUTDEBASQUE

La Martha Graham Dance Company visita por primera vez el Teatro Real y cierra una exitosa temporada, en la que se deja sentir el acertado camino emprendido por Joan Matabosch, quien acompañaba en la rueda de prensa a Janet Eilber, directora artística de la emblemática compañía norteamericana. Actualmente, la Martha Graham Dance Company está plénamente consolida como formación dancística de referencia. Hace ahora 25 años de la muerte de su fundadora y del torbellino que se desataron sus herederos disputándole a la compañía los derechos de sus obras. Afortunadamente, los tribunales dieron la razón a la compañía aunque los gravísimos problemas suscitados casi provocan su desaparición. Janet Eilber entró en la compañía cuando solo contaba 21 años de edad, y fue una de las musas de Martha Graham que creó varios papeles para ella. Con Rudolf Nureyev bailó dos de estas coreografías: "La letra escarlata" y "Lucifer". Estos días el público podrá disfrutar de un doble programa. El primero de ellos tiene que ver con España. Comienza con una proyección sobre el Guernica y "Deep song" (1937), una obra que Martha creó inspirada por los acontecimientos de la Guerra Civil Española. Y partiendo de esta denuncia antibelicista se configura la selección de las piezas que prosiguen con "Crónica" (1936), una protesta de Martha contra el auge de los movimientos facistas en Europa. "Ruts" de Nacho Duato y "Mosaic" de Sidi Larbi Cherkaoui, así como "Ektasis"(1933), coreografía de la propia Martha, rescatada recientemente del olvido gracias a las imágenes y anotaciones de la artista que se conservaban, siendo el compositor español Ramón Humet quien le puso su nueva música. "Diversion of angels" cerrará el programa A como una especie de canto al amor. El programa B gira en torno a los temas de la Grecia clásica. La atracción por estos personajes que sentía Martha Graham está motivada, según Jante Eilber, porque los héroes de la tragedia le permitían materializar emociones puras. Y es que en las obras de Martha Graham todo gira en torno a la emoción y su conexión con el significado profundo del movimiento. PROGRAMA A Guernica Vídeo de Antonio Giacomin Deep Song Música de Henry Cowell Coreografía y figurines: Martha Graham Iluminación: David Finley Chronicle Música de Wallingford Riegger Coreografía y figurines: Martha Graham Iluminador de Steps in the Street: David Finley Iluminador de Spectre-1914 y Prelude to Action: Steven L. Shelley Rust Música de Arvo Pärt -De Profundis- y Pedro Alcalde Coreografía y figurines: Nacho Duato Asistente del coréografo: Kevin Irving Iluminación: Brad Fields DESCANSO Mosaic Música de Felix Buxton Coreografía: Sidi larbi Cherkaoui Asistentes del coréografo: Jason Kittelberger y Jennifer White Figurines: Karen Young Iluminación: Nick Hung Ekstasis Música original de Lehman Engel, música para Ekstasis recreada por Ramon Humet Coreografía: Martha Graham, Diversion of Angels Música de Norman Dello JoioCoreografía y figurines: Martha Graham 8 de junio, 20.00 horas; 10 de junio, 17.00 horas. Sala principal. PROGRAMA B Clytemnestra Acto 2 Música de Halim El-DabhCoreografía: Martha GrahamEscenografía: Isamu NoguchiFigurines: Martha Graham y Helen McGeheeIluminación: Jean Rosenthal, adaptada por Beverly EmmonsWoodlandMúsica de Irving Fine -Nocturno para cuerda y arpa- Coreografía: Pontus LidbergFigurines: Reid Bartelme y Harriet JungMáscaras: Wintercroft DesignsIluminación: Nick Hung DESCANSO Cave of the Heart Música de Samuel BarberCoreografía y figurines: Martha GrahamEscenografía: Isamu NoguchiIluminación: Jean Rosenthal, adaptada por Beverly EmmonsMaple Leaf RagMúsica de Scott JoplinCoreografía: Martha GrahamFigurines: Calvin KleinIluminación: David Finley 10 de junio, 21.30 horas; 11 de junio, 18.00 horas. Sala Principal &&&&&&&&&&&&&& MERCEDES ALBI

Argentina, Eva Yerbabuena y Capullo de Jerez en el festival Suma Flamenca en los Teatros del Canal Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen 12 espectáculos de la XII Festival de Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid. De esta programación, que cuenta con la dirección artística de Aída Gómez, podrá disfrutar el público del 6 al 18 de junio en las salas Roja y Verde. El festival comienza en los Teatros del Canal el martes 6 de junio con la presentación del nuevo disco de Argentina, La vida del artista. El miércoles 7 de junio el público podrá disfrutar de la Gala flamenca, dirigida por el bailaor y coreógrafo Manuel Liñán, que ha sorprendido a medio mundo con su destreza a la bata de cola. Reúne a cinco grandes artistas que dan muestra de la amplitud y la creatividad en el flamenco. Un espectáculo único en el que el público puede disfrutar del baile clásico y racial de Juana Amaya o la virtuosa e impecable danza de Jesús Carmona, el nuevo camino hacia la excelencia de la bailaora Patricia Guerrero y la prodigiosa voz de una inquieta creadora como Rocío Márquez. La artista Eva Yerbabuena presenta en Madrid su trabajo Carne y hueso. El jueves 8 de junio cinco bailaores, cante, percusión, guitarra y voz acompañan a la bailaora Eva Yerbabuena, en un "enseñar su vulnerabilidad", que es el viaje posible hacia la intimidad generosa con el público, que es el que tiene la última palabra. El viernes 9 es el turno del cantaor David de Jacoba que se presenta por primera vez en Madrid. El sábado 10 Mercedes Ruiz presenta Déjame que te baile, que se centra en la necesidad que siente Mercedes de reinterpretar su baile. El domingo 11 Capullo de Jerez, Antonio Reyes y Duquende presentan De bronce y oro, la magia del cante flamenco con tres gargantas llenas de contrastes. La segunda semana del Festival Suma Flamenca en los Teatros del Canal comienza el martes 13 de junio con el espectáculo de baile flamenco El encuentro, de David Coria, una conversación entre personas donde se sueltan historias al aire, entrelazadas entre sí, relevantes para el "grupo". El miércoles 14 el estreno absoluto de Flamencos legendarios, de Aurora Vargas y Pansequito, donde abren para el público el tarro de sus esencias. Dorantes & Taksim Trío presentan el estreno en Madrid de Gitanos del Mediterráneo, donde los melismas de Dorantes y los componentes del Trío Taksim volvieron a encontrarse para confirmar que los diferentes grados de la longitud terráquea y los diversos procesos históricos territoriales son papel mojado a la hora de analizar las conjunciones y medir la emoción. El viernes 16 de junio La familia Carmona – Habichuela presenta por primera vez al público suReconocimiento a Juan Habichuela, donde, a través de la voz o de la guitarra, cada uno se acuerda de Granada y de Juan, maestro y patriarca de la saga, con su música, a su manera. El sábado 17 la bailaora Manuela Carrasco se presenta desnudando su alma, mostrándonos sus heridas, desde la raíz, desde la esencia, dejándonos su aliento en cada desplante de su vida entera en cada remate, con unas formas totalmente ortodoxas y representando el más importante eslabón de la cadena del baile por derecho. Cierra el Festival Suma Flamenca en los Teatros del Canal con la presentación del nuevo disco Parque de María Luisa de Rafael Riqueni, un concierto que muestra todas las facetas del cantaor, e igualmente su futuro y su pasado. &&&&&&&&&&&&&&&

La Comunidad de Madrid celebra la XII edición del festival Suma Flamenca, que se desarrollará del 6 al 25 de junio convirtiendo a la región madrileña en el centro europeo del flamenco, con una programación que romperá con lo convencional y ofrecerá al público las novedades del cante, la música y el baile con mayor proyección internacional. En esta segunda semana del festival se podrá continuar disfrutando de grandes artistas como los Carmona, Dorantes, Rafael Riqueni, Pansequito, Manuela Carrasco o David Coria en los Teatros del Canal (Sala Verde). Por otro lado, en el Centro Comarcal de Humanidades (Cardenal Gonzaga Sierra Norte) tendrá lugar la actuación de Enrique Heredia ‘Negri’, mientras que en el Centro Cultural Paco Rabal se podrá escuchar a Diego Guerrero y en el Café Berlín, un año más, a La Noche Canalla. Asimismo, se ha programado un ciclo de improvisaciones y clases magistrales -impartidas por Mercedes Ruiz, Javier Barón, Juana Amaya y Olga Pericet- , además de una conferencia dialogada e ilustrada titulada ‘Cómo Nueva York le mangó a París la idea moderna del flamenco’. Próximas actuaciones – Semana del 12 al 18 de junio: David Coria 13 de junio a las 20:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal Aurora Vargas y Pansequito 14 de junio a las 20:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal Dorantes & Taksim Trio 15 de junio a las 20:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal Familia Carmona – Habichuela 16 de junio a las 20:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal Manuela Carrasco (en la fotografía de cabecera) 17 de junio a las 20:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal Enrique Heredia ‘Negri’ 17 de junio a las 21h en el Centro Comarcal de Humanidades (Cardenal Gonzaga Sierra Norte) Diego Guerrero 17 de junio a las 20h en el Centro Cultural Paco Rabal Noche Canalla en Berlín 17 de junio a las 23h en el Café Berlín Rafael Riqueni 18 de junio a las 19:30h en la Sala Verde de los Teatros del Canal &&&&&&&&&&&&&

Solea del Mantón, fotografía María Alperi El Ballet Nacional de España, dirigido por Antonio Najarro, presenta en Serbia y en Bulgaria una muestra de la Danza Española con un programa muy variado compuesto por las coreografías de repertorio y de nueva creación: Ritmos, Soleá del Mantón, Bolero y Alento. La gira comienza en Serbia el 4 de junio en el Teatro Sava Centar de Belgrado, el 7 de junio la Compañía actuará en Bulgaria en el National Palace of Culture de Sofía, el 10 de junio en el Bulstrad Arena de Ruse y termina esta gira en el Palace of Culture and Sports de Varna el 14 de junio. Ritmos, fotografía de Jesús Vallinas “Ritmos” es una de las piezas más emblemáticas del repertorio del Ballet Nacional de España, que fue coreografiada por Alberto Lorca bajo la dirección de María de Ávila. Se trata de un baile sin argumento, recreación visual en una pura abstracción de la danza. Un espectáculo donde la simetría se convierte en arte con el devenir de sus cinco movimientos, el taconeo rítmico, las vibrantes piruetas y el carácter de las castañuelas crean toda una muestra de sonido y movimiento. Blanca del Rey es una de las grandes damas del flamenco español. Con “Soleá del Mantón” lega su más preciado legado artístico: su personal y emblemática, una joya exquisita que ha querido ceder al Ballet Nacional de España. Bolero, fotografía Yuki Omor Con el lenguaje flamenco, sus ritmos y su estética, el Ballet Nacional ha dado una nueva lectura a “Bolero”. En palabras de su coreógrafo, Rafael Aguilar, “a pesar de toda la belleza y la profundidad alcanzada por la versión de Maurice Bejar la obra se caracteriza por tener una visión más personal, enriquecida de una atmósfera y de unos sentimientos nacidos del alma española. [endif]-- Aprovechando la base rítmica del bolero, compuesto de tiempos y de percusión esencialmente flamencas, se añaden melodías plenas de sensualidad y de deseo, expresando la esencia de la obra en medio de una interpretación libre, extra-flamenca, totalmente regida por los movimientos de los instintos y del alma”. Alento, fotografía María Alperi Por último, “Alento” es una propuesta personal del director del Ballet Nacional de España, Antonio Najarro, en la que se muestra un nuevo giro estético y estilístico. En palabras del propio Antonio Najarro, “Alento es un vivo reflejo de mi estilo como creador, así como de mi visión personal de la Danza Clásico Española. Un recuerdo de mi bagaje coreográfico, inspirado en la partitura del genial compositor, guitarrista y compañero de viaje Fernando Egozcue, el cual ha creado una música muy rítmica y llena de sensibilidad”. El Ballet Nacional de España, dirigido por Antonio Najarro desde septiembre de 2011, es en la actualidad uno de los mayores exponentes de la danza española, mostrando todos los estilos del baile de nuestro país en los más destacados teatros del mundo. Fechas y teatros 4 de junio. Teatro Sava Centar. Belgrado, Serbia 7 de junio. National Palace of Culture. Sofía, Bulgaria 10 de junio. Bulstrad Arena. Ruse, Bulgaria 14 de junio. Palace of Culture and Sports. Varna, Bulgaria &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En medio de la crisis cultural que afecta tanto a nuestros jóvenes emprendedores, hace ya cinco años que surgió una iniciativa de la mano de Mónica Hamill (directora del Festival Talent) y Albert Boadella ( director artístico de los Teatros del Canal). En su ánimo estaba dar cobertura y servir de escaparate a los "talentos" emergentes de distintas disciplinas artísticas, como la danza, el teatro y el circo. La evolución de dicho festival por parte tanto de artistas, como de público, funcionó tan bien que ya han clausurado la V edición. El pasado año el galardonado con el primer premio fue "Emilio Ochando y compañía" circunstancia por la cual ha sido elegido para cerrar esta edición con su espectáculo "Siroco" . Hace ya un año también que ganó el primer premio del Certamen de Coreografía de Flamenco y Danza Española en el festival Flamenco Madrid 2016 con su creación "Tinevo" como prolegómeno de lo que acabaría siendo su creación completa. En el escenario cuatro bailarines (José Alarcón, Juan Berlanga, Ángel Capel y el mismo Emilio Ochando) y tres músicos (Daniel Jurado a la guitarra y los Makarines en la percusión, guitarra y voces). Entre el público un buen puñado de artistas arropaban a Emilio. Desde Jesús Carmona (que aún está disfrutando del éxito obtenido con "Impetu's en Flamenco Madrid) o Carmen La Talegona (con éxito de público y crítica en el mismo festival) entres otros. Más allá de la muestra de pasos y técnica y el desfile de elementos como abanicos, mantones o batas de cola se esconde un bailarín con mucha sensibilidad que cuando se deja llevar por el susurro del viento de las voces del dúo sevillano "Makarines" desnuda su alma por pellizcos. Ese quizá sea su camino, "dejarse llevar". En el escenario y para muestras muchos botones, hay que sentir. Al menos eso reclama el público. Son muchos los que están pero muy pocos lo que son y los que llegan. Pasará el tiempo y "Siroco" formará parte de un currículum. El encuentro con uno mismo, desnudando las emociones y entregándolas sin más concesión que la de compartir, SIEMPRE ( y pongo el siempre en mayúsculas), hace de lo sentido algo inolvidable para el artista y para quién le engrandece que no es otro que el público. Difícil tarea que son muy pocos los que lo consiguen pero que es en manos de ellos donde reside la durabilidad en el tiempo. Recuerdo haber leído alguna crítica cuando se estrenó este espectáculo abundando en los elementos mencionados. A día de hoy algunos que se hacen llamar amantes de nuestra danza, continúan exponiendo opiniones tan simplistas como si un hombre debe o no vestir una bata de cola o acompañarse de un abanico. Al fin y a la postre hay que mirar más allá. En la evolución, eso sí, respetando desde donde se viene (y eso lo hace muy bien Emilio) es donde se encuentran los caminos del crecimiento. Cuando uno se sienta en una butaca solo quiere que le inviten a viajar. Los puristas analizarán cada salto, cada pirueta, cada zapateado. Es momento de recordar que muchos de los que llegaron y se hicieron inmortales, no lo fueron precisamente por su virtuosismo. Desde sus escenarios y en las épocas que les tocaron vivir entregaron parte de ellos y eso les permitió dar el gran salto. Sus obras quedaron en sus "curriculums" (que ya es mucho) pero sus nombres forman parte de la Historia de nuestra danza. Esta tarea no es fácil pero desde el convencimiento de lo que hace sentir Emilio cuando se recoge y encoge al son de unas voces con mucho alma, es donde reside el futuro de un bailarín-coreógrafo que aún tiene mucho que contar. Como bien decía el crítico Roger Ebert " Tu inteligencia puede ser confusa, pero tus sentimientos nunca te van a mentir". GEMMA ORTEGA

Roseta Mauri en “La danseuse sur scène” Edgar Degas Muchos balletómanos admiramos toda la serie de bailarinas que pintó Edgar Degas (1834-1917), pero quizás no tantos conocen el dato de que la bailarina Roseta Mauri (Palma de Mallorca, 1849-París, 1923) es la protagonista de algunos de los lienzos más conocidos. Hija del maestro de ballet y coreógrafo de Reus, Pere Mauri, y de Carmen Amada Segura, de origen mallorquín, Isabel Amanda Rosa Mauri Segura nació en Palma de Mallorca, el 15 de septiembre de 1849, aunque siempre se sintió y ejerció de reusense. Bajo la tutela de su padre, inicio su carrera, completando su formación de la mano del coreógrafo y bailarín belga Henri Dervine. Debutó en Mallorca en 1865 y, un año después, accedió al Teatro Principal de Barcelona, contando como partenaires con Vicente Moreno y Manuel Panadero. Roseta Mauri con su padre Su carrera fue creciendo hasta convertirse en Primera Bailarina en baile español en el Teatro Principal de Barcelona en 1871 y en Primera Bailarina del Liceo de Barcelona en 1873. Tras algunas actuaciones en el extranjero como en el Teatro Imperial de Berlín donde le felicitó el emperador Guillermo I de Alemania en 1875, Teatro Comunale de Trieste, Teatro Imperial de Roma y Teatro Regio de Turín, su carrera eclosionó gracias a una actuación en La Scala de Milán en 1877, debido a la que el compositor Charles Gounod recomendó que la contrataran en el Ballet de la Ópera de París. Se convirtió en étoile de la prestigiosa compañía parisina un año después, consiguiendo el favor del público que la apodó la ‘Patti del ballet’, en alusión a la soprano Adelina Patti. Roseta Mauri en “Le Cid” En la Ópera de París, creó papeles en los ballets “La farandole”, “La Tempête” o “Sylvia”, este último con música de Léo Delibes, obra en la que estableció el canon de interpretación. Su papel más recordado fue “La Korrigane”, con coreografía de Louis Mérante sobre música de Charles-Marie Widor, estrenado en 1880 y que realizó más de cien representaciones en la Ópera de París. Jules Massenet en su ópera “El Cid” (1885), creó el ballet especialmente para ella. Se retiró de escena en 1898 con la interpretación de “L’Étoile” de Andrée Wornmeser, aunque siguió vinculada a la casa francesa de ballet como maestra de ballet y mentora de gran parte de las bailarinas parisinas de comienzo del siglo XX. (De iz. a dcha): Acuarela de Anders Zorn, boceto de Renoir, retrato de Léon-François Comorre, retrato de Édouard Manet y cuadro de autor desconocido Su carácter y personalidad inspiró a numerosos artistas que la inmortalizaron como los pintores Edgar Degas, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Anders Zorn, Léon-François Comerre, los escultores Denys Puech, Laurent-Honoré Marqueste, Eusebi Arnau y el fotógrafo Nadar. Muy conocidas en el mundo del ballet son las pinturas de Degas “Fin d’arabesque” (1877),”Danseuse sur scène” (1878) o “Ballet vu d’une loge à l’Opéra” (1885). También inspiró a literatos como a Stephane Mallarmé, quien tras verla actuar en “Le deux pigeons” escribió que estaba impresionado por “sa divination melee d’animalite” (su divina animalidad). Roseta Mauri durante su etapa como estrella de la Ópera de París Entre los hechos anecdóticos de su biografía, se cuenta que se negó a comer caviar porque el zar se había vuelto a hablar con una acompañante durante su actuación. Otro rumor asegura que Antonin Proust, que había sido Ministro de las Artes (1881-1882) y amante de Mauri, se suicidó dos días después de una virulenta pelea con ella durante una cena. Roseta Mauri falleció en su casa de París (rue Scribe 19), el 3 de diciembre de 1923 y fue enterrada en el cementerio Montparnasse en la tumba familiar donde descansan sus padres y sus hermanos. A partir de 2002, su amado Reus convoca el Premio Internacional de Danza Roseta Mauri. Roseta Mauri en “Fin d´arabesque”, Edgar Degas IRATXE DE ARANTZIBIA

La nueva cita con los libros de danza tendrá lugar el próximo jueves 25 de mayo a las 19 horas, en la librería Central del Museo Reina Sofía. La obra bajo editada bajo el título de "El pensamiento filosófico en el arte coreográfico contemporáneo" de Isabel Arance es un ensayo del cual se emprende un viaje a lo largo del S.XX, vinculando a los pensadores más influyentes del siglo pasado con los principales referentes de la Danza Moderna. Acompañarán a la autora en la presentación, la escritora Marifé Santiago Bolaños, y la directora de la Editorial Cumbres, Mayda Bustamante. Danza Moderna o Danza Contemporánea que, de un modo general, ha sido la voz de una época, de un tiempo, de unas circunstancias muy concretas que buscaban en ella ese lenguaje capaz de dar cuenta de todo un universo abierto en la incertidumbre como modo de estar en el mundo, ese modo característico de quienes lo habitaban. Hombres y mujeres que se rebelaron contra el culto a lo tradicional, contra los ballets románticos, o contra las tendencias artísticas más clásicas. Hombres y mujeres que acabarían descubriendo, gracias a tal escenario, su auténtica capacidad creadora, originando así el inmenso despliegue de lenguajes, técnicas, registros y estilos en los que, finalmente, ha derivado la danza de nuestros días. Comprender cómo se baila hoy y por qué, descubrir la estrecha vinculación de la danza con el pensamiento, así como generar bibliografía, todavía inexistente, se plantean, en estas líneas, como retos insoslayables que parecen ser alcanzados. Isabel Arance comienza su trayectoria como bailarina profesional para el teatro y la televisión en 1990, viajando a Gran Bretaña y USA, donde trabajará como primer elenco de la Compañía del London Studio para coreógrafos de la talla de Patrick Delcroix (NDT) o Robert North. Entre 1995 y 2006, continuará su carrera como bailarina de Teatro Musical y televisión, completándola como coreógrafa de diversos programas de T.V y eventos para España y Portugal. Hace cine, video y publicidad. Es Doctora en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, y titulada en danza clásica y contemporánea por el Real Conservatorio Superior. Actualmente continúa coreografiando espectáculos e impartiendo clases en diversas escuelas superiores de Artes Escénicas y Danza de Madrid. Permanece en la investigación de procesos creativos aplicados a la Danza, así como de la Teoría Estética aplicada a la Creatividad Artística y Coreográfica. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El próximo día 28 de Mayo a las 20:00h en la sala verde, de los teatros del canal, Emilio Ochando y Compañía estrenan la ultima producción SIROCO, un espectáculo de danza española y flamenco. Con este espectáculo quiere expresar y mostrar cuatro elementos que gracias al viento cobran celeridad, como son el mantón, el abanico, la bata de cola y las castañuelas. Estos elementos cobran vida gracias a esa cálida y fresca brisa que deja el viento cuando el movimiento fluye solo. Son elementos que caracterizan a la figura femenina a la hora de expresarse en el baile. Por ello, este entramado se compone de figuras masculinas formadas por 4 bailarines y 3 músicos, donde muestra la necesidad de dejar a un lado los tabúes; donde el hombre y la mujer pueden mostrarse tal y cómo son sin necesidad de etiquetas. En la parte musical se utiliza la guitarra de ¨Daniel Jurado¨, la percusión y el cante de los ¨Makarines¨, todo ello en directo y dejando soplar ese aire que marca el tiempo. Este espectáculo está enfocado a la danza española y, por eso se da un aliento, un viento un SIROCO a respirar el aire que te lleva a disfrutar. &&&&&&&&&&&&&&&&

Quedamos con Eva Neyra en el Café Gijón, pues ha querido mostrarnos el libro que ha escrito junto con Almudena Hernández sobre danza española. Eva, sin ayuda de nadie, ha creado su propia editorial, Ediciones Andanzas, movida por el único deseo de compartir y difundir su profundo amor por la danza. Ella es una persona constante, reflexiva e inteligente. Buscó la foma de complementar su labor docente -que ha desarrollado como profesora en el Real Escuela Profesional de Danza Mariemma, en la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León (Valladolid), y, actualmente, en el Conservatorio Profesional Fortea, así como en diferentes centros de danza- con la publicación de libros. Este es el primero de ellos. El libro es precioso. Nada más abrirlo entra por los ojos. Se nota el afecto que se ha puesto en él y la intención eminentemente didáctica que se desprende de la forma sintética y precisa con que sus autora exponen los temas. P-¿Quienes fueron los maestros que te hicieron dedicarte a la danza? -Mi primera profesora fue África Morris y después he continué mi formación con Carmina Ocaña y Carmen Roche hasta que me gradué. Siempre he tratado de aprender y me siento muy afortunada por tantos maestros que encontré en mi camino como Rosa Naranjo, Virginia Valero, Ana Baselga, Aurora Bosch, Julia Estévez, Azari Plisetski, entre otros muchos. Espero no olvidar ningún nombre. P-¿Cuando te convertiste en profesional de la danza? -Hace ya tantos años... Fue en 1988 cuando obtuve el título en Danza Clásica por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid. Pero nunca he dejado de estudiar e investigar. Y cursé el título superior en la especialidad de pedagogía en el Cosnervatorio Superior de Danza «María de Ávila», donde tuve el honor de lograr el Premio Extraordinario de Fin de Carrera por un trabajo de investigación. También hice el master de Artes Escénicas en el Instituto Superior de Danza Alicia Alonso. P-¿Sobre qué trataba el trabajo por el que te dieron el premio extraordinario de fin de carrera? -El título es “Los Ballets Rusos en Madrid y los Artistas plásticos Españoles”, fue dirigido por el profesor Germán Lizondo. P-Es curioso, tu no provienes ni has escrito sobre danza española ¿Por qué escribes este libro? -La idea surgió al ver que nuestros alumnos no sabían nada de la danza española, de cada una de las diferentes formas que tiene. En danza clásica teníamos la herramienta de los libros de danza clásica, casi todos ingleses, donde los alumnos se veían reflejados en los niños fotografiados y donde podíamos ver en imágenes y apoyándonos en ellas, pasos y posiciones, hablarles de la historia de la danza clásica, conocer sus ballets más importantes, los bailarines más conocidos. Así que pensamos que era un material que faltaba y era necesario. Otra herramienta para el profesor. P-¿Qué fue lo más complicado de escribirlo? -Lo más complicado ha sido sin duda, sintetizar la información. El proceso, una vez elaborado un guión sobre lo que pensábamos que había que tratar, fue el de desarrollar los recorridos históricos y los contenidos metodológicos, y extraer aquello que nos parecía fundamental que el lector supiera. También ha sido importante utilizar un lenguaje cercano al lector al cual va enfocado el libro. Por otro lado, fue complejo decidir de qué bailarines/as hacer las biografías, escoger entre tantos artistas, de manera que nos fuimos a los indiscutibles. P-¿Cómo os dividisteis el trabajo entre Almudena y tú? -Hemos trabajado ambas los resúmenes de los recorridos históricos y luego lo hemos puesto en común para que fuera lo más completo posible y luego sintetizarlo. Almudena se ha ocupado de los aspectos técnicos y metodológicos de la danza española, puesto que es la especialista y yo he realizado el archivo fotográfico. Pero ambas hemos compartido todo el proceso de selección, redacción, distribución de la información. Hemos trabajado muy intensamente. Fíjate en los vestidos que lucen los modelos en las fotografías, nos los cedieron de la colección del Museo Mariemma de Iscar. P-¿A qué edades y público al que va dirigido? -Pensamos que los niños a partir de 9 años hasta 13-14. Dependiendo de las partes del libro y del nivel de lectura del niño/a. P-¿Cual es vuestro objetivo? -Con Mi primer libro de danza española, esperamos acercar la danza española a todos los públicos aficionados o no, porque forma parte de nuestra cultura y pensamos que debería estar más presente. Hay grandes figuras de la danza que nada tienen que envidiar a sus contemporáneos de otras artes y que a veces, son más valorados y conocidos fuera de España que dentro. Así nuestra intención es divulgar… MERCEDES ALBI