El BNE presenta una programación que combina la nueva creación, con la preservación de la Danza Española y el repertorio de la compañía. Tradición y vanguardia. Siempre con el mismo objetivo, difundir y facilitar al público en general el acceso a nuestra Danza Española. La próxima semana El Ballet Nacional de España viaja de nuevo a Japón, dos años después de su última visita, en una gira por cinco de sus ciudades, en la que ofrecerá un total de trece representaciones (Alento y Zaguán, junto con piezas como Farruca, Viva Navarra, Bolero -en imagen de María Alperi- y Suite Sevilla). A esta gira le seguirá Alicante, donde se llevará los días 10 y 11 de diciembre al Teatro Principal la producción Alento y Zaguán. Al terminar la gira porAlicante, el Ballet Nacional de España, un año más, comenzará un recorrido por distintas ciudades francesas, parando en La Roche Sur Yon (Teatro Vendéespace), Cannes (Auditorio de Palacio de Festivales) y Blagnac (Teatro Odyssud). Se llevará un programa muy similar al de la gira a Japón: Ritmos, Viva Navarra, Bolero, Alento y Suite Sevilla. Una vez de vuelta de la gira francesa, el Ballet Nacional de España empezará entre los meses de febrero y marzo un recorrido por la geografía española pasando por Córdoba, Sevilla, Almería y Murcia. Llevando entre sus programas Alento, Zaguán y Sorolla. Entre el mes de abril y mayo estaremos de gira por China, después del éxito cosechado en nuestra última visita al país asiático, volvemos a tres de sus ciudades, con un total de 6 representaciones. Al igual que la gira a Japón, se presenta la última producción del Ballet Nacional de España: Alento y Zaguán. La temporada de giras terminará con las actuaciones en Coslada, donde el BNE inaugurará el Nuevo Teatro, y el 4 de junio en el Teatro Campoamor de Oviedo. En el mes de junio y con motivo del 20 aniversario del fallecimiento de una de las grandes figuras de la Danza Española, el Director del BNE, Antonio Najarro, ha diseñado un espectáculo-homenaje a Antonio Ruiz Soler “Antonio el Bailarín” en el que se repondrán varias de sus coreografías más emblemáticas. Una selección de coreografías, la mayoría del repertorio del BNE, en la que quedarán representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Fantasía Galaica, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos. El estreno de este espectáculo–homenaje sucederá en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el día 18 de junio de 2016, acompañados por la ORCAM, dirigida por el maestro Manuel Coves, así como por los músicos del BNE. Se representarán un total de 12 funciones hasta el día 3 de julio de 2016. Con este homenaje, y tras el gran éxito de la nueva creación Alento y Zaguán, Antonio Najarro continúa afianzando la labor defendida en su plan director de programar nuevas creaciones junto a reposiciones del repertorio de la Danza Española. PROGRAMACIÓN DE LA TEMPORADA: Gira Japón: Tokio Tokyo Bunka Kaikan 31de octubre y 1, 2, 3 de noviembre de 2015 Programa: Farruca, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla Nagoya Aichi Arts 5 de noviembre de 2015 Programa: Farruca, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla Osaka Festival Hall 7 de noviembre de 2015 Programa: Farruca, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla 8 de noviembre de 2015 Programa: Soleá del Mantón Bolero y Suite Sevilla Okayama Okayama Symphonie Hall 12 de noviembre de 2015 Programa: Farruca, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla Sendai Izumiti 15 de noviembre de 2015 Programa: Farruca, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla Tokio Orchard Hall 20, 21 y 22 de noviembre de 2015 Programa: Alento y Zaguán Gira Alicante: Alicante Teatro Principal 10 y 11 de diciembre 2015 Programa: Alento y Zaguán Gira Francia: La Roche Sur Yon Teatro Vendeespace 16 y 17 de diciembre 2015 Programa: Ritmos, Viva Navarra, Bolero y Alento Cannes Auditorio de Palacio de Festivales 31 diciembre y 1 de enero de 2016 Programa: Ritmos, Viva Navarra, Bolero y Alento Blagnac Teatro Odyssud Del 26 al 30 de enero de 2016 Programa: Ritmos, Viva Navarra, Bolero y Suite Sevilla Gira Córdoba: Córdoba 20 de febrero de 2016 Gran Teatro Programa: Alento y Zaguán Gira Sevilla: Sevilla 5 y 6 de marzo de 2016 Teatro de La Maestranza Programa: Sorolla Gira Almería: Almería 3 de abril de 2016 Teatro Maestro Padilla Programa: Alento y Zaguán Gira Murcia: Murcia 7 de abril de 2016 Auditorio Víctor Villegas Programa: Alento y Zaguán Orquesta en directo Gira China: Zuhai 22 y 23 de abril de 2016 Programa: Alento y Zaguán Pekin 26 y 27 de abril de 2016 Program: Alento y Zaguán Xiamen 1 y 2 mayo de 2016 Programa: Alento y Zaguán Gira Madrid: Coslada Inauguración Nuevo Teatro 14 y 15 de mayo de 2016 Programa: A determinar Gira Oviedo: Oviedo Teatro Campoamor 4 de junio de 2016 Programa: Farruca, Viva Navarra, Ritmos y Suite Sevilla Temporada Madrid. Teatro de la Zarzuela Madrid Teatro de la Zarzuela Homenaje a Antonio Ruiz Soler Del 18 de junio al 3 de julio de 2016 (de miércoles a domingo) Programa: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos &&&&&&&&&

​ ​ Antonia Mercé gracias al triunfo obtenido en 1925 con el estreno parisino de "El amor brujo", consolida su sueño de fundar una compañía de Ballets Españoles. Es una compañía inspirada en los Ballets de Diaghilev, aunque Antonia siempre fue consciente de las diferencias existentes. Ella lo explicaba así: “Los bailes rusos, es verdad que son grandiosos, son supremamente bellos, son eminentemente plásticos. Pues bien, nosotras las españolas pondríamos algo que les hace falta a los rusos: pondríamos alma, mucha alma y el éxito sería completo” (La crónica, Lima 24-12-1919). ¿Dónde se encuentra ese “alma” característica de los “Ballets Españoles”? Independientemente del estilo de danza, existe un claro matiz de diferenciación: los argumentos de las obras son historias de sentimientos, donde el amor y los celos juegan un papel predominante. Fue el compositor Joaquín Nin Castellanos quien le dio la idea de rescatar los antiguos "bailetes", un género de danza originario del siglo XVII, época de esplendor del teatro barroco español, consistente en pantomimas bailadas que solían representarse al final de los espectáculos teatrales. En la evolución de los Ballets Rusos, el elemento estético-artístico había terminado imponiéndose sobre la emotividad de los libretos. Sin embargo, en la compañía de Antonia Mercé, aunque lo más granado de la intelectualidad española participará en ella, el factor artístico nunca deja de lado la emoción que desea transmitir al espectador representando una historia. Un papel destacado fue el de Cipriano Rivas Cherif, cuñado de Manuel Azaña, fue un decidido impulsor de la idea de Antonia Mercé, el cual narra -en un artículo publicado en ABC (9-8-1928)- que La argentina había creado: <> La denominación de “bailetes”, explica, que no se refiere a una traducción española del vocablo francés “ballet”, sino que llamarles de ese modo se debe a una idea de Joaquín Nin evocadora de las danzas-pantomima, representadas en la corte española en la época de Calderón durante el Siglo de Oro. Su colaboración con el pintor Néstor de la Torre no tardaría mucho en iniciarse, pues ya en la temporada siguiente (1926), un nuevo ballet “El fandango del cándil”, con música del joven compositor Gustavo Durán, amigo íntimo de Néstor, convertiría sus escenografías y figurines en un referente internacional para las artes escénicas. El repertorio que exhiben “Los Ballets (bailetes) españoles” en la gira de 1927-28, además de “El fandango del candil”, estaba formado por “El amor brujo” de Falla; “El contrabandista” de Oscar Esplá; “Sonatina” de Ernesto Halffter; “La juerga” de Bautista; “Kinekombo” de Ponce; ”Divertimento” sobre músicas de Albéniz, Guerrero, Taberner y Valverde, y “En el corazón de Sevilla”, con música de cuadro flamenco. Danza, música, diseño, pintura... Lo mejor del arte español quedarán unidos bajo el genio vivaz de Antonia Mercé para asombro del mundo. Los Ballets Españoles han nacido. MERCEDES ALBI

Con Aires de Villa y Corte. en la nave 16 del Matadero de Madrid y acompañados por Seis Sonatas para la reina de España, da comienzo un desfile de treinta y cinco años de danza española. El Loco en su Laberinto, La gitanilla del Café de Chinitas al encuentro de Carmen que volvía de Sevilla del brazo del Toreador. Entre el público, a un lado de la pasarela, Albeniz y Falla, al otro Goya, Dalí y Picasso. En backstage y con la misma ilusión del primer estreno, Victoria Eugenia, Pilar López, Aída Gómez, Adoración Carpio, Antonio Ruiz Soler, José Antonio, José Granero, Javier Latorre y August Bournonville. Músicos, pintores, coreógrafos y diseñadores que escribieron paginas celebres de nuestra historia y que gracias a esta iniciativa de Antonio Najarro, y de la mano de Chus García, estuvieron presentes para hacer de este desfile histórico una noche inolvidable. El reto era muy atrevido. Lucir 200 trajes de entre las piezas históricas mas emblemáticas de nuestra danza, requería "a priori" de una estructura técnica acorde que permitiera "Sentir el vestuario del BNE". Y así fue, la sala estaba vestida con todos los elementos que permitían un buen lucimiento. Se rindió la pasarela porque sobre su moqueta los bailarines no caminaban cual modelos al uso, sino que interpretaban y daban sentido a las piezas que vestían. La música ayudaba a contextualizar los momentos. Y todo ello al unísono engrandecía aún más si cabe lo que se nos mostraba. Si además todo ello se realiza con sumo cuidado y gusto exquisito, acercando la cultura a todos los públicos, no sólo la pasarela se rinde ante la danza, sino que la cultura debería rendirse ante el Director del Ballet Nacional de España. Si la excusa es una pasarela donde se desempolve parte de la historia, se recree, se comparta y se disfrute, bienvenida sea esa pasarela de la que en próximos artículos publicaremos detallados reportajes. GEMMA ORTEGA (Fotografías de María Alperi)

Cuando Beatriz Barcelo de la Universidad Europea me llamó para que contactase con el Teatro Nacional Opera de Iasi, jamás habría imaginado cuantas satisfacciones que me esperaban en aquella ciudad. Era mi puesta coreográfica número 13 de la ópera Carmen, y estándo próxima una nueva producción para las temporadas de Milán y Corea, me sentía muy ilusionado. Si el duro camino de la vida artística está plagado de luces y sombras, sentí que está época avanzaba hacia nuevas metas y espacios. En este caso Iasi ha sido un teatro imponente, donde su cúpula parece que te abraza con una decoración Moldava en oros, carmines y verdes agua de elegancia extrema. El primer día que entré había un cartel dándome la bienvenida, intuí que ese teatro poseía una sensibilidad artística fuera de lo acostumbrado, donde saben cuidar hasta el último detalle y honrar a sus artistas. Tuve chofer en puerta las 24 horas, alojado en un hotel diseñado por Eiffel, como nuestro Ritz, y en la habitación una botella del más preciado vino de Moldavia, región a la que pertenece Iasi. En todo ello se esconde la mano de su Directora, Beatrice Rancea. Y aunque no hablábamos la misma lengua había algo en común que nos une. Beatriz había sido bailarina y actualmente es coreografa y directora de escena, por lo que la comunión artística fue nuestra mejor comunicadora. En ese teatro, la danza clásica, el bel canto y la dramaturgia comulgan conujntamente entre sus paredes. Sergueiv y Dorina son los directores del Ballet de la Ópera,una agrupación llena de talento en sus 60 componentes, con unos primeros bailarines y solistas de gran técnica sobre todo Vlad Marculescu, que siempre te quiere regalar la mayor cantidad de piruetas a lo Barishnikov, y Mónica Alisiev, un encanto de sensibilidad y línea excepcional, sin olvidar a la más flamenca de todos: Pamela Tanasa, bailarina súper completa que si bailase el Paso a Cuatro de Antonio nos dejaría con la boca abierta, seguramente. El trabajo ha sido arduo con un ballet no acostumbrado a los zapateados y menos a los contratiempos. En esta ocasión, la coreografía ha navegado más en la danza clásica, fusionándola a la académica española con algunos zapateados más orientados a su formación, sin perder jamás nuestro sabor flamenco, el cual agradecen, y obtiene un gran respuesta del público, que nada más ver a su ballet zapatear empieza a aplaudir con entusiasmo sin esperar ni a que termine la pieza. Los bailarines se sientieron emocionados ya que en las Óperas los ballets casi siempre son un adorno, pero que en esta ocasión se conviertieron en protagonistas conjuntamente con los excelentes solistas vocales. Lo más sorprendente fue cuando el director musical, Cristian Orosanu, me invitó a tocar las castañuelas en el foso junto con la Orquesta Nacional.. ¡Nuestro instrumento más español resonó en sus paredes! Muy emocionante y gratificante fue interpretar a Bizet como invitado especial. Esta producción contó con la dirección escénica de Karel Drgac (Viena), decorados de Octavian Neculai (Bucarest) y vestuario de Josef Jelinek (Praga), coro, orquesta y ballet de la Ópera siendo en conjunto una soberbia producción que alcanzó un elenco de 200 artistas. La Ópera me ha otorgado el título de "Valor de la Ópera" por el que tu nombre se distingue como en uno más del nutrido grupo de grandes artistas que por su historia han pasado; y el próximo 31 de Octubre en la Gala Awards, que se retransmite en directo en la TV a toda Rumania, que premia a lo más relevante del año, la coreografía de Carmen ha sido galardonada. Por todo ello, mi experiencia en Iasi, una ciudad que compite con Cluj y a Bucarest por ser reconocida como ciudad Cultural Europea, y que en lo que se refiere a excelencia en su programación les gana, siempre tendrá en mi corazón un sitio especial y con sumo placer me encantará regresar, y lo haré con un nuevo proyecto: Don Quixote de Minkus. Gracias, ÓPERA NATIONALA ROMANI DE IASI, Multumesc! La Danza Española os agradece tan maravillosa acogida. CARLOS VILAN

Después del éxito obtenido en la nueva edición de “LOS BAILARINES DEL BNE CREAN”, donde el público pudo conocer conocer de primera mano y de forma gratuita la labor coreográfica de los integrantes del BNE, se anuncia una nueva inciativa: La II edición del desfile "SIENTE EL VESTUARIO DEL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA". Es una propuesta de Antonio Najarro, que posibilita conocer la historia del BNE a través de su vestuario. Los bailarines serán los modelos de excepción que lucirán con su acostumbrado garbo y tronío, algunas de las ricas piezas que conforman los fondos de la compañía, desde la pasarela sita en las Naves del Matadeo, los días 15 y 16 de octubre. María Alperi, una de las fotógrafas especializadas en danza más interesantes, nos muestra de nuevo ese sello personal que sirve de recuerdo para los que presenciaron "Los bailarines del BNE crean", unas fotografías que son claro ejemplo de que el arte genera arte, una maravillosa cadena que nunca debe quebrarse. MERCEDES ALBI (Fotografías María Alperi)

La realidad del artista es tan compleja como cada una de las inspiraciones que le permiten seguir siendo artista. El artista: el personaje admirado, el centro de atención de las reuniones, el diferente, el que siempre tiene algo que contar ante la monotonía del resto de vidas. El artista. El artista no puede ser artista 24 horas al día, aunque 24 horas al día esté contagiando su arte. El artista siente, llora, sufre, ríe, mea, folla, caga, sonríe, come, sangra... el artista es otro más. El artista, cambia su vida continuamente, es un alma errante, con rumbo pero sin morada. El artista termina sólo en una reunión de mucha gente. El artista es objeto de deseo, de envidias, de admiración, de orgullos y de decepciones. El artista no tiene un horario fijo, no tiene una nómina fija, no tiene un compañero fijo. Es difícil conocer realmente al artista. El artista tiene que ser un conquistador continuamente, el artista tiene que enamorar en cada mirada. El artista se cansa, se agobia, se lamenta y nunca sabe qué pasará mañana. El artista llena un teatro, gana dinero, conoce gente, es perseguido, es criticado, es cuestionado, se arruina, fracasa, triunfa pero cuando todos duermen, el artista no. ¡Qué suerte! Viajarás mucho!! dicen muchos. Conocerás a muchos famosos dicen otros, y el artista que debe una sonrisa continua porque de esa continua conquista depende su futuro, se marcha sólo al hotel y en una habitación de lujo unos, en una habitación mediocre otros o en los asientos de un autobús, el artista duerme solo. Añora a sus amigos, añora una caricia, una conversación profunda, un cigarrillo compartido y una mirada más allá de los sentidos. Una almohada llena de lágrimas cobija las noches de los artistas. Un pasillo interminable de un hotel es el recorrido más triste del artista para al día siguiente volver a ser el artista. Por eso si conocéis a algún artista miradle a los ojos y veréis cuánto de persona desconocida hay en su mirada. PACO MORA

La tercera edición de "Los bailarines del BNE crean" -que ha tenido durante dos días consecutivos en la sede del Po. de la Chopera- ha sido como en sus pasadas ediciones, una experiencia única que posibilita al público el acercamiento directo con los bailarines. Ver, estar y sentir desde un mismo plano, frente a frente, sin camuflaje alguno, a estos excelentes intérpretes de danza española, genera una corriente de alto voltage artísitico, emocionante e irresistible. La libertad que ofrece al artista un escenario grande y vacío que tiene que llenar con su solo cuerpo, es un reto apto únicamente para seres de enorme talento. Así lo afrontaron Ángel Manarre en "Granada", y Tania Martín en "La mujer morena". Todo un regalo para los sentidos fue Ángel - vaticinamos en él grandes dotes coreográfica, es dúctil y sensible-; y Tania, maravillosa, dulce con arrebatos flamencos y gran estetismo compositivo, que acabó integrandose al final de su pieza con la morena del cuadro de Romero de Torres. La fuerza de "Pasajes de ayer" de Eduardo Martínez; el embeleso del "Contigo de ida y vuelta" de Estela Alonso -cuya manera y gracia harían de ella una interprete perfecta para el "Fandango del Cándil"-; la agilísima sintonía de "Amistad" de Vanesa Vento; el innovador "Uqui" con reminiscencias orientales, creado y bailado por Patricia Fernández y Aitor Hernández; el profundo "Lapso" de Pedro Ramírez que contemporaneizó la danza española con gran acierto; y de nuevo Ángel Manarre cuyo "Fandango" cerró el espectáculo con garra y equilibrada geometricidad. Ha sido una prueba más de lo poco que se necesita cuando el genio existe y sus chispas salen, escapan, se derraman y prenden por todas partes. Y es que estos jóvenes bailarines poseen la energía creadora de los volcanes. La lava, ese demonio de la danza que fluye en su interior, hace que sus cuerpos ardan mientras el sudor escapa a ráfagas por los poros de su piel. Nos han regalado lo mejor de ellos mismos, unos instantes en que fueron libres para poder mostrar algo de todo el potencial que llevan dentro, y que desarrollan en el BNE gracias al trabajo constante y buen hacer de su director Antonio Najarro. MERCEDES ALBI

El Bosque de la Danza estaba ubicado en el paseo del Prior en el campus universitario de Logroño. Era un espacio de unos 3.000 metros cuadrados que se había ido poblando de árboles bajo una idea muy especial de Perfecto Uriel, Director de la Casa de la Danza: una campaña dirigida a bailarines y coreógrafos denominada 'apadrina un árbol', por el que cada artista adquiría y plantaba un ejemplar con su nombre. Había 'ginkgo bilobas', madroños, cipreses, laureles, álamos, ciruelos y nogales... Había más de 60 ejemplares, el bosque comenzaba a crecer. Pero de repente, el bosque ya no está, los árboles han desaparecido. Le pregunto a Perfecto Uriel: -¿Qué es lo que ha sucedido? -Ha sido algo tan inesperado... Me pilló completamente por sorpresa. -¿Cómo te enteraste que los árboles ya no estaban? -Por pura casualidad. El padre de un bailarín me dijo que no encontraba el árbol de su hijo, Iker Murillo, que ya no estaba. Yo pensé y le dije que eso no podía ser que habría sido una equivocación. Y fuí al bosque... -Y ¿Viste que tenía razón? -Imagínate como me quedé cuando vi que no quedaba nada del bosque, que habían arrancado la mayoría de los árboles. -¿Cuantos quedan? -Sólo han dejado unos 10, que son los primeros que se plantaron, por lo que pensamos que no los quitaron al estar más crecidos. -¿Cuando empezastéis el bosque? -En 2009, llevamos 6 años haciendo bosque y zas, sin ningún aviso el Ayuntamiento lo quita. Esta es una foto del día en que lo inauguramos. (De iz. a dcha.: Mila Ruiz, Iratxe de Arantzibia, Concha Arribas, Perfecto Uriel, Juan Carlos Santamaría, Tomás Santos, Víctor M. Burell, Laura Hormigón, Óscar Torrado y Francesco Bucci) -Pero, ¿Por qué y quienes han destruido el bosque? -El problema es que no tienen ni idea de que trata el proyecto, ni los nombre de esos árboles, las personalidades de la danza que los plantaron. Y uno de los árboles que se arrancaron era el de Alicia Alonso, y estas cosas transpasan fronteras, el entorno de la gran bailarina cubana se ha mostrado muy indignado. -¿Os ha contestado el Ayuntamiento? -Todos los partidos de la oposición están reclamando que el Concejal de Medio Ambiente comparezca a dar una explicación. Pero se esconde, no da explicación alguna, no comparece, no existe... -Has emprendido una campaña de protesta contra la desaparición del Bosque de la Danza, ¿Cómo podemos ayudarte? He empezado una campaña captación de firmas en pro de la restutitución de los árboles. Y el 3 de octubre vamos ha celebrar una especie de funeral a modo de performance. Visitaremos las “tumbas” los huecos vacíos en la tierra que dejaron al ser arrancados. Antes había un árbol y luego, no hay nada. Después, la Casa de la Danza abrirá sus puertas a todo el que quiera venir a dar pésame. Vamos a proyectar más de 60 vídeos de bailarnes en la fachada de la Casa de la Danza, donde lamentan la desaparición de los árboles. -¿Podemos grabarte una filmación solidarizándonos con la defensa del Bosque? -Sí, cuantas más tengamos mejor, todo el que quiera ayudar que firme en el enlace de protesta, y si lo desea que nos envíe su filmación. Todos estáis invitados al "funeral". MERCEDES ALBI (Fotografías, archivo de la Casa de la Danza) Enlace para firma de protesta: https://www.change.org/p/sra-alcaldesa-ayuntamiento-de-logro%C3%B1o-restituci%C3%B3n-de-%C3%A1rboles-arrancados-en-el-bosque-de-la-danza?recruiter=384685964&utm_source=share_petition&utm_medium=copylink

Hablar de Danza siempre conlleva la sensación de movimiento continuo. A pesar de ello la Danza estática es otra forma de bailar otra forma de sentir. La madurez te enseña que el secreto de este arte no está en hacer mucho sino en hacer lo preciso y disfrutarlo. Si anteriormente hablé de las posibilidades y movimientos económicos que la Danza, desde una perspectiva profesional, consigue, en esta ocasión analizaré cuánta economía mueve el previo de la creación profesional. La Danza como amateur, la Danza como pasión sin búsqueda de supervivencia, sino que la Danza es lo que motiva a sobrevivir por mucho que la sociedad y mundo en el que vivimos intente quitarte a veces las ganas de luchar. Olvidar a esos bailarines, creadores, maestros y directores que hacen de la Danza una forma de vida, un aliciente, un camino que en el 100% de los casos causa gastos e inversión económica sin remisión, y sin que esto sea una apuesta de futuro sino de vida, de hacer de la Danza el aire fresco que regala sonrisas a la monotonía de vidas ocupadas y llenas de obligaciones. Las asociaciones, academias, bailarines, aprendices, aficionados son otro motor más, si no, el más importante de lo que luego hará una cantera y una razón para sentir de la Danza un futuro profesional, a pesar de todas las dificultades que esto conlleva. Esos maestros que enseñan en academias privadas, en asociaciones en grupos de aficionados, que luego cubren constantemente la programación cultural de muchísimos ayuntamientos, comunidades de vecinos e instituciones que siguen pensando que la gratuidad de oferta cultural es la mejor apuesta para que ésta tenga sentido. Cuando lo único que consiguen es cubrir sus espaldas a coste cero aprovechando la ilusión, el esfuerzo y el dinero por parte de los integrantes de cualquiera de dichas agrupaciones. Dichas agrupaciones motivan constantemente el amor a la Danza, la disciplina de un horario, la apuesta por el esfuerzo que, en muchas ocasiones, restan atención a otras obligaciones y relaciones por ese síndrome absoluto que causa la Danza en quien se atreve a sentirla. Las agrupaciones necesitan espacios para realizar las clases, los ensayos, y eso conlleva un pago por parte de los integrantes de dichas clases, estas agrupaciones consiguen mover economía, aunque en la mayoría de los casos sea economía sumergida. Esos errores que hacen que al tiempo te des cuenta que todo se mueve de otra forma. Esa no cotización de maestros, esa no declaración de ingresos realizada desde la más absoluta honestidad del amante a bailar. No es crítica, sino realidad, incluso positivo para esos inversores sin cara que continuamente están inyectando dinero por una simple ilusión, bailar. Las agrupaciones de bailes folklóricos, de asociaciones sin ánimo de lucro y demás necesitan, tras un año de esfuerzo y lucha una exposición de dicho trabajo. Dicho trabajo necesita vestirse, dicha vestimenta, a costa de los integrantes suele ser cara porque la ilusión no entiende de gastos sino de motivación. 60 alumnos de una asociación en la que tras un año de trabajo han realizado 2 trabajos demostrables, conllevan dos vestuarios mínimo por integrante, total….120 trajes realizados, esos 120 trajes necesitan unas telas para hacerse, un calzado, unos complementos que se mueven de manera particular y a beneficio cero salvo la ilusión del día de la actuación. No podemos olvidar que estas agrupaciones viajan y mucho, en ocasiones de manera privada, en ocasiones alquilando servicios de transporte, públicos o privados; cuyos gastos a veces sacados de la misma asociación, a veces sacados de la repartición proporcional entre los participantes de dicha actuación en el pueblo más escondido, en el entorno maravilloso de la fiesta popular, en condiciones muy cuestionables la mayoría de las veces. Ver un grupo de baile folklórico en una plaza de un pueblo en una fiesta local, es cuando menos alentador, te causa curiosidad y decora enormemente al ayuntamiento organizador. Cada uno de estos bailarines pone su dinero para poder estar ahí y la entidad organizadora se ahorra, económicamente hablando, la contratación profesional de cualquier otro tipo de agrupación o artista. Estos bailarines mueven la economía de bares en sus descansos, en sus desplazamientos. Mueven las tiendas de tejidos y complementos, mueven zapatería especializada, mueven compañías de transporte, mueven dinero del contribuyente gracias al ahorro que provocan a costa de sus propios costes. Cada una de estas asociaciones son la inversión de futuro de un profesional que con el tiempo moverá todo aquello que ya comentamos de cómo se mueve la economía a través de una creación coreográfica. Las academias de barrio, los concursos organizados donde cientos de participantes se dejan un sueldo, o dos o tantos como integrantes por participar de una manera totalmente voluntaria y repleta de ilusión. Donde el premio no está en la consecución de un puesto u otro sino en el simple hecho de la participación. Estas asociaciones, academias, agrupaciones son el verdadero motor impulsor de lo que luego profesionalmente es capaz de mover, en cuanto a economía se refiere, el mundo de la Danza. El Bailarín sufre la Danza, la Danza vive del Bailarín, el Bailarín ama a la Danza y la Danza entiende que sin ellos ella no es nada. Danza versus Bailarines...amor eterno, amor sufrido. Paco Mora (Fotograma del autor en la pelicula "Iberia" de Carlos Saura)

De Sangre y Raza la compañía que dirigen Juan Manuel Prieto y Carlos Fajardo, ha presentado su nueva producción ARAT en la Sala Negra de los Teatros del Canal. Para lo que no conozcan este espacio escénico, no es precisamente el lugar ideal para bailar y cuando menos una obra que requiere de tantos cambios de ambiente y escenografía. Se trata de una sala "fría" que supieron caldear con elementos de iluminación muy bien trabajados. Este viaje en el tiempo necesita precisamente de todos esos aspectos escenográficos que ubiquen al espectador en cada una de las épocas que recorre. ARAT comienza en el Arrabal del siglo XVII con toques árabes dando paso a una selección de los momentos flamencos más mediáticos y representativos de la historia. La obra podría resumirse en dos grandes bloques. Por un lado los espacios emblemáticos que fueron la cuna flamenca, tales como "Las Cuevas del Sacromonte", "El patio andaluz de finales del siglo XVIII" o "Los cafés cantantes" de la mano de Carmen Amaya o Juana la Macarrona. Y por otro lado el acercamiento del flamenco a los medios donde no podían faltar Antonio "El Bailarín" o Antonio Gades. Condensar todo ello en hora y media de espectáculo es tarea difícil. En ARAT no están todos los que fueron pero si fueron todos los que están. Los poetas de la mano de Antonio Machado, la música y sus voces con "La niña de los peines", Camarón, Paco de Lucia, entre otros, las voces y el cine de la mano de un homenaje a Lola Flores. Uno de los grandes logros de esta compañía ha sido conjugar la experiencia que aporta Carmen Granell vistiendo la escena con la frescura de jóvenes bailarines con muy poco o escaso bagaje profesional pero con muchas aptitudes y actitudes llenas de frescura, de absoluto respeto y de máxima responsabilidad. Solo les falta tiempo para afianzar y que comienzen a fluir sentimientos, esos que enganchan al público y que graban fotógramas en el espectador. Para ello es necesario que surjan nuevas oportunidades y nuevos espacios, que surgirán. ARAT acaba de nacer y se presenta al mundo con muchas ilusiones. Sus creadores, la han expuesto ante nuestros ojos. Ahora deben seguir cuidándola, puliéndola y rematando todos los engranajes para que se convierta en la mejor obra que jamás hubiesen imaginado. Con cada nueva obra se vuelve a nacer. Primero se le da vida y después hay que acompañarla en su crecimiento. El sentimiento que empuja al autor a crear se materializa en una realidad que hay que perfeccionar. Como bien decía Joan Miró: "Un cuadro no se acaba nunca, camina siempre sin descanso". GEMMA ORTEGA

En los tiempos que corren que económicamente es difícil sobrevivir, más difícil es aún hacerlo siendo bailarín. Cuando estamos en un país donde la cultura se considera un lujo, llámese desde la perspectiva de la formación así como desde la perspectiva del ocio. Una familia con dos hijos tiene muchas dificultades poder pagar 4 entradas, salir de casa, tomarte un refresco previo a la función, pagar dichas entradas y al salir tomar unas tapas y regresar a casa porque los gastos que suponen son casi el gasto necesario para llenar la nevera. Hacer de la danza una opción más, dentro de las posibles para disfrutar de una tarde noche, es complicado dada la formación que tenemos en este país de qué significa la danza y cuáles son sus beneficios, no sólo sociales sino también económicos. Si conociéramos cuánto es capaz de hacer la danza en pro de la infancia, del conocimiento de tu cuerpo, de tus limitaciones y la fuerza de integración para determinados grupos o personas que por una razón u otra tienen dificultades para una relación interpersonal, la Danza tomaría el primer lugar de las asignaturas obligatorias en cualquier plan de estudios relativamente responsable y contemporáneo. Conocidos los beneficios que la danza aporta en las relaciones personales y sociales pasemos a los beneficios económicos que genera a la par que influye en la economía de los propios bailarines y coreógrafos. Desde el momento en el que se empieza a generar una producción de danza, empieza a generarse trabajo: Director musical, Director Técnico, Iluminador, Técnico de Sonido, Regidor, Centros de ensayo, Producción de vestuario, Calzado, Bailarines, Repetidores, Directores, Coreógrafos, etc. En muchas ocasiones, un mismo creador hace si no casi todas las funciones, la mayoría de ellas. Si la producción es propia, la vida se centra en sus 24 horas en dicha creación, la danza te absorbe la vida porque la danza es tu vida. En los ensayos, aquellos que participan se toman algo en el bar más cercano o al final de la jornada de trabajo. Una vez la producción está terminada viene la promoción, video, publicidad, cuñas de radio, solicitud de prensa etc, etc, la danza sigue generando sin que ésta haya provocado aún el más mínimo ingreso. Llega el momento de la solicitud, si no se ha hecho previamente, de subvenciones de producción, giras y otras variantes que de lo que uno solicita a lo concedido hay un tramo. De cuando tú lo necesitas a cuando te hacen el pago hay otro tramo. Y llega el momento del estreno todos los integrantes nombrados tienen trabajo, más o menos remunerado pero con su consiguientes gastos de gestoría, seguridad social e impuestos varios. Seguimos generando economía. El teatro abre sus puertas, limpiadoras, taquilleros, acomodadores, técnicos del teatro pueden tener horas extras; el bar de al lado se llena gracias a los espectadores, los taxis no paran en la puerta del recinto, los parkings se llenan, los restaurantes tienen reservas para después de la función, la danza sigue moviendo dinero. Viene el momento de amortizar todo el esfuerzo y empezar a ganar aquellos que han hecho que otros lo hagan....Y viene la realidad, difícil mover la obra por la no programación por parte de los teatros. Difícil cerrar una gira, y las producciones de danza tienen el horrible futuro de quedarse en una simple función o cinco y con un poco de suerte 20 funciones... Hacemos cuentas y no hemos amortizado todo lo producido. Tras todo el esfuerzo, lucha, noches sin dormir, las relaciones familiares y afectivas con posibles afecciones por cómo la Danza te atrapa. La Danza sigue viva alimentándose de los bailarines, absorbiéndolos, quitándoles la sangre, la piel y el alma. Y la Danza sigue siendo la hermana pobre de las artes siendo la que más artes incluye en su creación. La Danza sigue sin programarse, los bailarines siguen sin bailar y las subvenciones siguen no llegando y sufriendo los impuestos que incultos, gerenciando la cultura se atreven a tener capacidad de criterio. Menos subvenciones y más teatros abiertos a programar. Cambiamos el cash por funciones programadas, ya la danza nos generará dichos ingresos. El Bailarín cobra el día que trabaja, la Danza cobra vida desde el minuto uno de la creación. El Bailarín sufre la Danza, la Danza vive del Bailarín, el Bailarín ama a la Danza y la Danza entiende que sin ellos... Ella no es nada. Danza versus Bailarines...amor eterno, amor sufrido. PACO MORA (Fotografía. Paco Mora en la Gala de Solistas Internacionales)

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan al Ballet Nacional de Cuba, que interpretará tres programas distintos, El lago de los cisnes, Carmen (junto a Las sílfides y Celeste) y El Quijote. Las funciones se sucederán durante tres semanas consecutivas en la Sala Roja, del 16 de septiembre al 4 de octubre. El lago de los cisnes, uno de los grandes títulos del repertorio universal, estrena la semana del 16 al 20 de septiembre con seis únicas funciones. En la versión creada por Alicia Alonso, la conocida estructura argumental, coreográfica y musical Petipa-Ivánov-Chaikovski se sintetiza en tres actos y un epílogo. De acuerdo con la estética del Romanticismo, su argumento relata una cándida historia que incluye prodigiosas transformaciones, encantamientos y monstruos malignos, pero surge el amor como una fuerza triunfante sobre los más terribles poderes. El programa triple de Carmen, Las sílfides y Celeste ocupará la Sala Roja del 23 al 27 de septiembre, con seis funciones. Carmen, con coreografía y libreto de Alberto Alonso sobre la novela de Prosper Mérimée y el libreto de Henry Meilhac, pretende revelar las contradicciones esenciales entre la personalidad rebelde de Carmen y las fuerzas de su época. Carmen se enfrenta a una sociedad que, de acuerdo con sus cánones, la niega y la enjuicia. Las sílfides, con coreografía de Alicia Alonso según la versión original de Mijaíl Fokín y música de Chopin, es un conocido ballet neorromántico, con el que su autor inició una renovación en el arte delballet a principios del siglo XX. Alicia Alonso, quien trabajó la obra directamente con Fokin, realizó este montaje de acuerdo con la versión definitiva revisada por el coreógrafo poco antes de su muerte. Con Celeste, de la coreógrafa Annabelle López Ochoa, la inspiración le llega a la coreógrafa tras escuchar el Concierto para violín y orquesta en re op. 35 de P. I. Chaikovski. Soñó con Celeste, una estrella que brilla moldeada en las frágiles siluetas de tres bailarinas que danzan en un cielo oscurecido por la noche, representado por las viriles figuras de diez bailarines. Para despedirse, el Ballet Nacional de Cuba interpretará seis funciones de El Quijote, del 30 de septiembre al 4 de octubre. La versión cubana se presentó por primera vez el 6 de julio de 1988, en el Gran Teatro de La Habana. Por tratarse de un ballet creado a partir de la obra de Cervantes, profundamente vinculado a la cultura nacional cubana, Alicia Alonso dirigió un cuidadoso trabajo alrededor de la legitimidad de las referencias folclóricas en el aspecto coreográfico. En todo momento, el Ballet Nacional de Cuba persigue la dignificación y el respeto al personaje de Don Quijote, un icono del idioma castellano y de la cultura de raíz hispánica. (N d P. Fotografías facilitadadas por el BNE)