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Acudimos hoy a la rueda de prensa de los Teatros del Canal, donde Julio Bocca, junto con el director de orquesta Manuel Coves, han presentado "El Mesías". El Ballet Sodre de Uruguay bailará la célebre partitura de Haendel con el gran aliciente de hacerlo por primera vez utilizando música en directo. La Orquesta y Coro Verum, con cuatro solistas excepcionales -la soprano Sonia de Munck, la mezzosoprano María Infante, el tenor Víctor Sordo y el barítono Francisco Crespo- acompañarán desde el foso esta coreografía de Mauricio Wainrot. Conversamos con Julio Bocca al final del evento. Resulta difícil hacerse a la idea de que este joven cordial y sencillo, que me habla con dulce acento argentino, es el mismo gran artista que hasta hace poco nos deleitaba bailando en el American Ballet. Porque Julio, como bailarín, es inolvidable. Acude a mi mente su Romeo en la escena del balcón... Sí, está aquí, frente a mí, y se muestra encantador, tranquilo, satisfecho con la calurosa acogida que le está brindando el público en España. -¿Cuándo comenzaste a concebir la idea de ser director de compañía? -Fue algo que sentí en mi interior, un deseo... Me gustaba, deseaba probar lo que suponía dirigir una compañía a nivel estatal. -¿Ya notabas ese deseo cuando eras bailarín principal del American Ballet? -No, yo mientras bailaba, me entregaba totalmente a mi labor de intérprete y estaba plenamente satisfecho. -Entonces, ¿Cómo surge tu conversión de bailarín a director? -Al despedirme de los escenarios, necesité un período de reflexión. Y al dejar el American Ballet estuve año y medio sin hacer nada. -¿Un período de reflexión? -Sí, yo quise parar, era una necesidad absoluta. Yo quería vivir como la gente normal. Conocí a mi pareja. Nunca había vivido un año entero en una casa. Me había pasado la vida viajando, actuando de aquí para allá. No te puedes imaginar lo que significaba para mí hacer las cosas que a los demás les resultan cotidianas. A mí se me planteaban como todo un desafío porque nunca hasta entonces había podido hacerlas. -¿Buscaste dentro de ti lo que querías ser y hacer con tu vida? -Sí, era una reconversión interior necesaria, y entonces sentí que deseaba dirigir, embarcarme en esta maravillosa labor de hacer del Ballet Sodre de Uruguay una compañía de referencia a nivel internacional. -¿Por qué escogiste esta obra? -Me interesa mucho la labor coreográfica de Mauricio Wainrot, y como ya habíamos hecho en el Ballet de Uruguay otra obra suya, “Un tranvía llamado deseo”, me pareció muy interesante ampliar el repertorio con otra totalmente diferente, como es su "Mesias". -¿Cómo te sientes en España? -Muy bien. Me encanta y vengo mucho. Me siento como uno más. El Mesías se podrá ver en el Teatro del Canal los días 6, 7 y 8 de noviembre. Según el coreógrafo Mauricio Wainrot, entrar en el universo musical de El Mesias de Haendel fue sumergirse en una obra que está en consonancia con sus más profundas inquietudes, con su fuerte espiritualidad y con la necesidad de retornar a escuchar sus más íntimos sonidos y silencios. MERCEDES ALBI

La XXIX edición del Festival Internacional Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid arranca el próximo jueves 6 de noviembre estrenando en la región el último trabajo de la bailaora Rocío Molina “Bosque Ardora”. Otros 4 espectáculos tendrán lugar durante esta primera semana. · El estreno de "Episodios" la obra conmemorativa de los 25 años de carrera de Mónica Runde. · Además, se podrá ver One-hit Wonders, montaje con el que la artista Sol Picó celebra sus 20 años de trayectoria . Y "¡Valgo?" de Nicolás Rambau Así como "Tres caminos" de la compañía caraBdanza. · Durante el fin de semana comenzarán las actividades paralelas, con un taller para profesionales a cargo de una coreógrafa de excepción, la alemana Susanne Linke. Toda la programación de la XXIX edición del Festival Internacional Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid, que se desarrollará del 6 al 30 de noviembre de 2014, está disponible en el siguiente enlace (Fotógrafos, por orden de posición: Alain Scherer; Jesús Robisco, rojobarcelona, Vanessa Cárdenas y Miguel Ángel)

Una mente tan inquieta, tan despierta y tan genial, necesita romper barreras; ansia medios y conocimientos que le permitan exteriorizar sus sensaciones. Para subsanar parte de esas carencias decide en primer lugar adentrarse en el "Sacromonte" (barrio de la ciudad de Granada) cuna del flamenco más puro. Su primera intención es perfeccionar todo aquello que había aprendido de manera intuitiva en su infancia. Allí no se siente extraño, forma parte de ellos. Al tiempo y sin dejar a un lado su claro objetivo, necesita sobrevivir a su propio empeño. Para ello, baila en pequeños cafés donde los guitarristas al uso, no son capaces de acompañarle en sus formas de expresión. Aquello motiva, que algunos empresarios de la época, rehuyeran contratarle. Le acusaban de no "estar enterao", pero sin dudarlo esa era su mejor cualidad. Huyendo de cumplir con el servicio militar, emprende una nueva aventura en Portugal. Después de unas primeras andanzas en las que no obtuvo los éxitos esperados, encarga una chaquetilla "larga" justificándole al sastre que el no necesita enseñar sus caderas para bailar por derecho.; contrata a un guitarrista capaz de interpretar sus libertades y se marcha a París. Sus primeras impresiones allí quedan resumidas con estas palabras: "Veía que todos bailaban igual, como cortados por un mismo patrón, con un estilo uniforme, aprendido en las mismas fábricas de baile. Y aunque algunos realizaban su trabajo con una precisión y un virtuosismo admirables, no me interesaba imitarles». Corría el año 1920 cuando gana el Concurso Internacional de Danza que organiza el teatro de la Comedia de París. Recorre los escenarios más emblemáticos y distinguidos de la "Corte" . Fue pionero y con la valentía y el descaro que le caracterizaban, en la época en que los ballets rusos más exquisitos exponían sus mejores obras, el se presenta con una muestra del folclore español. Empieza un largo periplo que va desde el Teatro Olympia, hasta la Sala Gaveu. Sus formas anárquicas sorprenden al público más exquisito y por fin triunfa "el chalao" en la corte de los "enteraos" del momento. Su capacidad genial de innovación atraviesa las retinas y remueve sentimientos. Eleva a los mejores escenarios las raíces de su cultura. "Para bailar no necesito imitaros a vosotros; yo uso para mis bailes la arquitectura, y según el motivo que interpreto escojo el estilo gótico, románico, egipcio o griego". GEMMA ORTEGA

Olga Pericet rebosa encanto. Aparece en el Centro de Arte Flamenco, Amor de Dios, como si fuera deprisa, cargando su mochila al hombro como una estudiante más. Pero hoy es un día especial. La casualidad quiso que hubiéramos concertado la cita antes de conocerse la noticia de que había sido galardonada con el Premio Ojo Crítico. El jurado ha valorado para su concesión: su versatilidad como intérprete y su creatividad a la hora de entender la danza española y el flamenco; su trayectoria, que transciende lenguajes coreográficos, y su valentía para asumir riesgos artísticos. Los bailarines la abordan por los pasillos, la besan para felicitarla. Y es que el aire que se respira en Amor de Dios es especial. Las fotografías antiguas de los grandes maestros del flamenco contemplan la ilusión de los jóvenes artistas. Hay un bullicio constante donde se entremezclan sus charlas con los ecos de guitarra, castañuelas y un vibrante taconeo. El pasado y el futuro se funden como si fueran un único cuerpo vivo. Buscamos un rincón para conversar. Olga es menuda y perfecta como una preciosa muñeca de cabello ensortijado. Ella cautiva con una mirada que sabe ser dulce y vivaz a un mismo tiempo. Mira como baila. -¿Cómo sentiste que dentro de ti habitaba el duende de la danza? -Yo no lo sabía. Eso no se sabe. Es algo que te dicen los demás pero tu no sabes que lo tienes. Es algo que se siente. No recuerdo ni mi primera función. Sí se una anécdota sobre una actuación escolar. Yo tenía 5 años. Durante los aplausos finales me negué a bajarme del escenario, y el público aplaudía y yo seguía saludando y saludando, sin quererme bajar de allí. En mis sueños nunca pensé en ser otra cosa que artista. -Pero tu apellido es uno de los que tienen una mayor tradición en la danza española, ¿Qué parentesco te une a la familia Pericet? -Mi familia tiene varias ramas que se expanden por Córdoba, Aguilar... Ellos son primos hermanos de mi abuelo, que siendo un gran aficionado al baile flamenco nunca se ha dedicado. Pero sí aprendí y me eduqué en el estilo Pericet porque mi profesora de Córdoba, Maica Moyano, impartía esta escuela bolera. Cuando yo, de niña, soñaba con ser artista, todavía no los conocía. Sabía de su existencia, pero los consideraba como que estaban lejos, muy lejos... Allá por Argentina. Y...¡Zas! Un día, de casualidad, nos encontramos... -¿Dónde os encontrasteis? -Fue toda una sorpresa. Sucedió en Sevilla. adonde acudí para un certamen, y Carmelita y Ángel estaban en el jurado. Era como si la vida me los tuviera que cruzar. Enseguida quisieron conocerme. Y fue tan emocionante. Recuerdo la gran alegría que tuvieron cuando se reencontraron con mi abuelo. A partir de ese momento he tenido mucha relación con ellos, sobre todo con Eloy que es quien reside en Madrid. -Entonces, tú buscas un camino artístico por decisión propia, sin que te hubiera condicionado la tradición de tu apellido. -Desde que mi madre me apuntó en una academia local sabía que eso era lo que yo quería. Si me preguntaba qué quería ser, contestaba sin vacilación alguna: artista. Pienso que yo no lo he elegido, eso es algo que te elige a ti. -¿Estudias danza en Córdoba? -Sí, allí termino la carrera. Y quiero significar lo mucho que Maica Moyano ha hecho por la danza en este país. Luego, me marcho a Sevilla, y amplio estudios con Manuel Marín, La Toná, Matilde Coral... Quería marcharme a Madrid, pero mi familia no tenía medios para costearme la estancia, y me marché a trabajar al extranjero para ahorrar. -¿Bailabas? -Sí, fui a Japón, y también después estuve bailando en Canarias, hasta que tuve dinero para lanzarme a la aventura de irme a Madrid. -¿Cómo te fue? -Muy duro, los comienzos son durísimos. Me presentaba a las audiciones y no cuadraba en ningún sitio. Por mi físico y mi forma de bailar no encajaba en un cuerpo de baile. El dinero se me acababa... Imagínate como te sientes. -¿Llegaste a arrepentirte de tu decisión? -Jamás. Mi deseo de bailar era tan grande que siempre tiré hacia adelante. Ha habido momentos difíciles, complicados, pero nunca he caído en el desaliento. Mi vida es la danza. Entonces, recuerdo que Cristobal Reyes me invitó a sus clases. -¿Cuál es el momento en que comienzas a sentir que tus pasos te conducen hacia el éxito? -Poco a poco comienzan a conocerte. Te van viendo bailar, y te llaman. Fue decisiva mi actuación en el Teatro Bellas Artes, donde se reunía el círculo de artistas profesionales. Una vez tuve esa oportunidad, empecé a ascender en mi carrera. -Cuéntame algún momento muy especial de esa época. -Fue en el Teatro Lope de Vega. Yo interpretaba la bailarina de una caja de música en el ballet “Poeta en Nueva York·. En el estreno había artistas de todas las disciplinas -Almodovar, Marisa Paredes, Paz Vega...-. La pieza duraba poco, pero al terminar de danzarla, el publico se puso de pie aplaudiendo. Fue un momento que nunca olvidaré. Creo que ese fue el momento de mi gran salto. Incluso ahora me llena de emoción, cuando conversando con gente joven de otra generación, recuerdan haberme visto como “la bailarina de la caja de música”. -¿Cómo definirías tu estilo de baile? -Mi estilo es bastante personal. Pienso que no está cerrado a algo en concreto sino que es la suma multidisciplinar de los conocimientos y experiencias que he recibido. Yo he tenido grandes grandes maestros -José Granero, Manolete, Matilde...-. He tenido la fortuna de poder absorber los conocimientos de una generación que ahora se está yendo. Vivo en la contemporaneidad pero con esas raíces fuertemente aprendidas. -¿Cuándo das el salto a la coreografía? -Fue una necesidad que sentí como una evolución de mi crecimiento personal. Ya había estado y compartido con muchas compañías nacionales, cuando decidí salirme de todo y empezar mi propio trabajo. Me presenté al Certamen Coreográfico, y a partir de ahí no he parado de coreografiar y hacer espectáculos producidos por mí y con mucho esfuerzo. -¿Cuántos espectáculos has hecho? -Llevo ya unos 15 espectáculos creados; unos codirigidos y otros en solitario, como estos 3 últimos. -¿Por qué tus trabajos de colaboración son más numerosos que los que has coreografiado en solitario? -He prescindido de mi ego, vivir encerrado en uno mismo me aburre. Me ha motivado mucho más el colaborar con los demás; y lo he hecho con compañías contemporáneas, de folklore, etc.. Para descubrir nuevas experiencias. Esto me ha incentivado mucho más que dedicarme a luchar por mi propia “marca”. Siempre mi carrera se ha basado en compartir con grandes -Belén Maya, Rafaela Carraso, Miguel A. Berna, Teresa Nieto, el BNE, creaciones con Manuel Liñán, Marcos Flores, Daniel Doña, compartir escenario con Ana Laguna.... Rocío Molina-. Nunca se termina de aprender. No tuve ninguna prisa en ponerme a coreografiar en solitario. Y empecé relativamente hace poco, en el 2010, y creé mis 3 espectáculos: “Rosa, Metal, Ceniza”, “De una pieza”, “Pisadas”. -Has actuado en el City Center de Nueva York... -Fue un lleno total, una experiencia maravillosa Hay algo que me gustaría decir. -Adelante. -Hay mucho talento, mucha creación que no tiene salida, y siento una gran pena. La razón de esto es que los programadores no se arriesgan, casi siempre programan a compañías gubernamentales, o nombres conocidos. Hay pocos programadores en España, y el trabajo se filtra a través de ellos. Cuando yo fui al City Center corrieron un riesgo y... ¡Se agotaron las localidades los 15 días programados! -¿Por qué crees que se puede obtener un éxito programando de forma más innovadora? -Hoy en día, con las nuevas tecnologías, tu trabajo se ve por todo el mundo. El público accede a internet, y mira y sabe lo que va a ver. Te siguen, ven tu trabajo... La gente de fuera no es tonta y conoce el flamenco de hoy, y además están deseando descubrir nuevos artistas. Hay mucho talento, mucha creación que no tiene salida porque hay pocos programadores, y en su mayoría sólo les interesa ir a un mercado seguro, y no se arriesgan por un trabajo que, sin embargo, sí está demandado fuera. Esto estrangula la cultura y no se da salida al flamenco y a la danza española. Incluso no llega al publico español, no llega... Hay un total desconocimiento. Y que conste que no lo digo por mí, sino en nombre de muchísimos compañeros que no pueden mostrar su grandísimo talento sobre un escenario. Siempre se programa lo mismo y en diferentes lugares. Están muy bien los grandes nombres, pero arriesga, abre, innova. Casi no se ve la danza española actual, lo que se está creando... -Ahora que te han concedido el Premio Ojo Crítico, dime lo que significa para ti esta distinción. -Lo que más me gusta de este premio es que el jurado ha estado formado por gente especializada en cultura y danza; y también me hace mucha ilusión que una de las razones de su concesión es por el valor que asumo en mis creaciones. -¿Estás feliz? -Sí, mucho. Este premio lo necesitaba porque salgo de un parón físico por una lesión de menisco que me obligó a descansar. También por mi cabeza, porque estaba inmersa en una bola de trabajo, tenía que terminar con este estres, vaciar el disco duro. Ahora lo retomo llena de fuerza e ilusión. -¿Qué planes tienes? -Para el año que viene sigo promocionando “Pisadas”. Haré gira. Y tengo un estreno en 2015. Mi nuevo trabajo se llamará “Flamenco (Untitled)"·, lo presento durante un mes en Nueva York. Mi carrera ha sido a base de luchar, ahorrar y producir; no me quejo, aunque la he labrado muy a pulso. Por eso valoro muchísimo las cosas, la importancia que tiene el poner tus ideas sobre un escenario. Sé lo que cuesta. Me molesta la gente que se dedica a criticar a los demás. Valoro el talento y todo lo humano que encuentro en esta profesión. Texto: MERCEDES ALBI Fotografia: EUGENIA SARTORIUS

"Yo no anduve nunca a gatas porque nací derecho y con los brazos en alto" (Vicente Escudero) En el humilde barrio de San Juan (Valladolid) en el año 1888, nació Vicente Escudero, el maestro de maestros de la danza española. Fue hijo de un modesto artesano, y en aquellos tiempos en que jugar en la calle era el único divertimento que había, se juntó en sus correrías con los gitanillos del barrio. Ellos le contagiaron su amor por el flamenco. Vicente Escudero en su libro “Mi vida”, escribe: <> Inquieto y con una insaciable necesidad de aprender, sus ambiciones no le permiten quedarse parado. Cualquier cosa que estuviera a su alcance era motivo de estudio. Las bocas de riego de las calles de su barrio se convirtieron en su primer instrumento a explorar. Sobre ellas fue practicando sus zapateados. Saltaba de una en otra descubriendo los cambios de sonido. Y zapateaba con tal fuerza que muchas veces las rompía, como el mismo cuenta: <> Entonces se puso a practicar sobre el tronco de un árbol caído sobre el río Esgueva, que sus paisanos utilizaban para cruzarlo. El árbol se giraba, y entonces se caía al río, pero con esta práctica fomentó de forma intuitiva el sentido de la estabilidad que fue una de las caracteristicas fundamentales de su estilo de baile. No tenía música, pero los sonidos del viento o el chasquido de su propia lengua eran su único acompañamiento. En este lugar y con estas "condiciones" se comienza a gestar el espíritu de un genio. Su padre tratando de alejarle de sus "locuras" le coloca a trabajar de aprendiz en una imprenta. Allí movido una vez más por su imparable inconformismo, utiliza todo aquello que encuentra a su alcance para crear intuitivamente elementos que le den sentido a su pasión. El ruido de las máquinas consigue alimentar su abstracción alejándose de cumplir con sus obligaciones laborables al mismo tiempo que distrae a sus compañeros. Y es despedido de todas las imprentas de la ciudad. Desde los diez años había comenzado sus primeras pasos actuando por las plazas de los pueblos con dos claros objetivos: dar rienda suelta a su amor por el baile y conseguir algunas monedas que le vayan permitiendo subsistir. Sus constantes viajes en tren, cual el mejor de los polizones, le llevaron a idear una coreografía que supuso su primer éxito "El Tren". El público quedaba ensimismado cuando realizaba sus zapateados simulando el ruido de las ruedas del tren sobre las vías. Aquellas grandes dosis de improvisación forjarían más tarde el secreto de su estilo, que sintetizó en los principios de su célebre decálogo: 1-Bailar en hombre. 2-Sobriedad 3-Girar la muñeca de dentro a fuera, con los dedos juntos. 4-Las caderas quietas. 5-Bailar asentao y pastueño. 6-Armonía de pies, brazos y cabeza. 7-Estética y plástica sin mistificaciones. 8-Estilo y Acento. 9-Bailar con indumentaria tradicional. 10-Lograr variedad de sonidos con el corazón, sin chapas en los zapatos, sin escenarios postizos y sin otros accesorios. GEMMA ORTEGA

Esther Tablas, bailarina, coreógrafa y directora de Rajatabla Danza, no deja de sorprendernos. Esta misma mañana hemos acudido al Centro de Danza Canal a la presentación de su nueva producción. La concepción de la obra es un despliegue de imaginación, y cuando una idea es buena, a veces encuentra ayuda privada. La compañía Edarling ha aceptado el patrocinio de la obra. El tema es el amor, la soledad, los encuentros y desencuentros en las relaciones que surgen a través de las nuevas tecnologías. Una forma de contacto que posibilita interactuar en el mundo de hoy. Esther Tablas ha concebido el espectáculo mezclando y simultaneando la Danza Española con Vídeo Danza, en alusión también a esa modernidad técnica que propicia los encuentros. #am@r narra la historia de dos amigos de toda la vida que se comunican principalmente a través del chat telefónico. Él acaba de romper con su novia y ella lleva tiempo sola. Sin contárselo el uno al otro, ambos deciden inscribirse con un nombre falso en eDarling con la intención de encontrar allí a su pareja ideal. Esta circunstancia da lugar a una serie de enredos, donde lo que los personajes viven en el mundo real nada tiene que ver con lo que lo que se dicen en el mundo virtual. Al término de la presentación hemos hablado con Esther, que acompañada de Javier Sánchez, su pareja en la obra, nos ha comentado que se siente muy ilusionada con este proyecto pues es una coreografía muy alegre, con tintes de comedia de enredo, que se aleja de la temática más dramática y profunda de sus anteriores creaciones. El próximo 27 de noviembre será estrenada en el Centro Paco Rabal de Madrid. PAOLA PANIZZA

Felicitamos a Daniel Abreu por su Premio, en estos momentos se encuentra en Gijón -participando en el Festival Gijón en Danza-, y le preguntamos cómo recibió la noticia: Daniel-Estaba en casa concentrado haciendo un trabajo, y oía que sonaba el teléfono, pero no lo cogía. Cuando devolví la llamada y me di cuenta que era del Ministerio pensaba que se trataban de algún trámite administrativo. Pero… ¡Vaya sorpresa! Albidanza-¿Cómo reaccionaste? D- Mi cabeza no escuchó, fue mi cuerpo que empezó a darme como una taquicardia, antes que mi cerebro procesase racionalmente la información. La llamada terminó y me quedé dando vueltas sobre mí mismo, paseando de arriba a bajo. A- ¿Te sientes desbordado? D- De repente te encuentras sumergido en una vorágine, un poco desbordado. Yo siempre me he movido en un plano íntimo. He sido muy hormiguita y mis promociones fueron todas muy poco a poco, paso a paso... A- ¿Cómo comenzaste con tu compañía? D- Empecé a bailar con la compañía hace 10 años, al principio haciendo solos, cosas muy pequeñas. En los inicios mi público se reducía a mis amigos. He ido subiendo la escalera peldaño a peldaño, y se fue suscitando el interés por mi trabajo, a recibir premios, teatros que quería ver lo que hacíamos… Ahora, de repente, esta tormenta. A -¿Te cambia la perspectiva? D - Hay que mantener la distancia debida para no desequilibrare con este aluvión de interés, y pensar que realmente no cambia nada, no debe alterarse mi camino, mi ruta creativa. Me da la posibilidad de llegar a más gente. También siento el peso de la responsabilidad, incluso un poco de miedo. Yo no me siento alguien de masas, no he estado haciendo danza al uso. Y me alegra mucho que no se me da el premio por un espectáculo concreto, sino por una trayectoria. A - ¿Cuántas coreografías has hecho? D - He hecho 42 creaciones, y además las últimas no son las mejores. La crisis que vivimos afecta y cuando nos enfrentamos al mundo nos enfrentamos con ese dolor. No es igual lo que hago ahora que lo que hacía hace 8 años... A - ¿Cómo es tu evolución? D – Es constante. Cada creación ha sido un peldaño para escalar al siguiente. Mi búsqueda de lenguajes es continua, mentalmente muy inquieta. Me paso el tiempo dandole vueltas cabeza, encontrado formas diversas sobre la realidad que vivo. Cambio, evoluciono como artista, no como persona pues siempre trato de ser yo mismo. No puedo inventarme nada. No podía hacer espectáculos con grades medios. Las ayudas que he recibido se han destinado a pagar a los bailarines. Siempre he trabajado desde lo humano, desde el cuerpo que es la única herramienta que tengo. A - ¿Dónde vais a actuar próximamente? Ayer participamos en Gijon en Danza; mañana me voy a Vitoria a un espectáculo de improvisación con Ignacio Monterubio y Luis Tabuenca; más tarde empezamos gira por El Cairo, Praga, Brasilia, Varsovia, Bilbao, Tenerife, y Madrid. A - ¿Dónde estaréis en Madrid? D – Celebramos los 10 años de la compañía y, ahora también el premio, en la Cuarta Pared. Allí estaremos. Felicidades, Daniel, a ti y a toda tu compañía desde Albidanza. Texto: MERCEDES ALBI (Fotografías, por orden de colocación: Antonio Barajas Rodríguez, Yassiek y Piti Prieto)

(anterior) <> (Charles Chaplin) Si grande fue la impresión de Chaplín al ver bailar a Nijinsky por vez primera, también lo fue para el bailarín saber que el famoso Charlot se encontraba en el patio de butacas como uno más entre el público. En el entreacto le fueron a buscar para llevarlo al camerino. Nijinsky reclamaba su presencia. Chaplín todavía conmovido por la actuación que acababa de presenciar, no pudo ni articular palabra. <> Cuando sonó el timbre de aviso para salir a escena, Chaplin le dijo que se volvía a su butaca, pero Nijinky no quería que se marchara, no deseaba separarse de él. La orquesta comenzo a tocar los compases de la obertura, pero Nijinsky seguía sin hacer caso. Chaplin estaba desconcertado. Llamaron a la puerta y le advirtieron con precipitación: -Sr. Nijinsky, la obertura ha terminado. -Está bien- respondió- que toquen otra obertura. El público aplaudía y Nijinsky seguía sin inmutarse, haciéndole a Chaplin preguntas triviales. <> Pero ver a Nijinsky en el Fauno será algo que nunca olvidará: <> Durante aquellos tensos momentos en el camerino, Chaplin siente haber sido testigo del momento en que una mente sensible se alejaba de “un mundo brutal, destrozado por la guerra, para entrar en el otro mundo de sus sueños”. Pronto Nijinsky se sumergiría en los abismos de su locura. Pero en aquel momento, nadie puede presagiar que su final sería tan inminente. Chaplin sigue fascinado, anonadado por el personaje de Nijinsky, hasta el punto de proponerle ser el protagonista de su próxima película. Rómola no considera la proposición de Chaplin, y cuenta en sus memorias: <> Nijnsky prosigue en su agotadora gira, gobernado por los deseos de Rómola, rodeado de conflictos que no comprende, pues jamás pudo ser el director de la gran compañía que su esposa ambicionaba. Hace apenas un par de años, en la biblioteca de Bolonia, se descubrió un manuscrito de Chaplin. Era el boceto de un guión que había escrito para Nijinsky. Una película que, si se hubiera llegado a rodar, sería una verdadera obra maestra. El protagonista de la trama se llama “Najinski”. “El tema de la obra es que una brillante carrera profesional no conlleva la satisfacción de los deseos del hombre, sino que es un simple camino que le conduce hacia su destino” Al bailarín Najinsky lo describe como alguien muy callado, sensible y tímido, que sólo puede transmitir su gran pasión e imaginación a través de la danza. Lo que hubiera podido ser de esas tristes cuartillas ocultas entre los archivos de la bibioteca, si Chaplin y Nijinky les hubieran dado vida en la pantalla, es algo que quizás hubiera resultado tan sublime que escapa a nuestra imaginación. El cine le uniría muchos años después a un personaje con el que guarda cierto paralelismo; el otro icono de su mismo tiempo: Rodolfo Valentino. No se puede comprobar, pues no existen testimonios, si en algún momento se conocieron. Sin embargo, si pensamos que Valentino fue bailarín antes que actor, sería lógico suponer que acudiese al teatro a ver los Ballets Rusos e incluso felicitase a Nijinsky. Y el cine sí les ha visto bailar. No son ellos, sino Nureyev y Anthony Dowell interpretando sus personajes, en este tango soberbio de la película de Ken Russel "Valentino"; Nijinsky , Valentino y Nureyev... Un destino de belleza y tragedia los une para siempre. MERCEDES ALBI

La gala fue una auténtica fiesta de la danza. El esfuerzo realizado por José Carlos Martínez y por todos los miembros de la Compañía Nacional de Danza se dejó sentir, y se tradujo en una especie de catársis de felicidad que recorrió el patio de butacas. Se abría el telón y cada pieza -dentro de la línea versatil y ecléctica de la CND- suponía una nueva aventura estética, musical, plena. Un ejemplo vivo de lo que el gran Diaghilev daba como único consejo a los artistas: “sorpréndeme”. Y fuimos sorprendidos. Las cuatro horas que duró la gala pasaron sin sentir, destacando el gran mérito que tuvo el lograr unir en un mismo espectáculo tres grandes compañías, pues el Ballet Víctor Ullate y el Ballet Nacional de España participaban en tan especial homenaje. Hubo momentos sublimes, como el pas de deux de “El Corsario”, donde el esclavo, Alessandro Riga, nos hizo contener el aliento; el solo de “Raymonda Divertimento” -coreografía de José Carlos Martínez- y “El Cisne” de Ricardo Cue, interpretado por Esteban Berlanga, una pieza de pura poesía donde belleza y muerte quedan indisolublemente unidas por la música de Saint Saëns. Los nuevos creadores, entendiendo este matiz de “novedad” no en la malinterpretada acepción que restringe el término a “jóvenes de menos de 25 años”, sino refiriéndose a los profesionales que tras una larga y consolidada carrera dancística, se sienten maduros para emprender la coreográfica. Ellos fueron el gran descubrimiento de la noche. Así, especialmente sutil, sensible, conmovedora, fue “Aimless” bailada magistralmente por Tamako Akiyama y su creador, Dimo Kirilov Milev. También nacida de la misma entraña de la CND, la Compañía Imposible Danza, interpretó "Seis Minutos de Vida”, de Amaury Lebrun, una pieza intensa, bañada de una melancolía contenida, donde la soledad de los protagonistas queda unida por el hilo de la ausencia. También hubo un lugar para el recuerdo. Y los bailarines de la CND hicieron regresar a la vida a Tony Fabré, transformándose en las notas de su partitura: “Violón d´Ingres”. “Bolero”, obra de Víctor Ullate -uno de los más destacados discípulos de María de Ávila- danzado por los bailarines de su compañía, puso el acento sofisticado y personal del gran maestro y coreógrafo. En un café de los años 20, la tensión sexual, la atracción del hombre y de la mujer van “in crescendo”, tal y como la famosa melodía de Ravel se va intensificando hasta alcanzar su climax. Después del segundo descanso, llegó el colofón. El Ballet Nacional de España subió al escenario “Ritmos” de Alberto Lorca, una obra estrenada en 1984 bajo la dirección de María de Ávila. Es un ejemplo de que las buenas coreografías perduran en el tiempo, y al volver a verlas siguen siendo tan actuales como hace treinta años. Pero la gran sorpresa de la noche la protagonizó Antonio Najarro, que volvió a las tablas de forma excepcional en tan señalada fecha, y demostró que con él, la danza ha perdido un gran intérprete, aunque ha ganado un gran director. Esta fiesta de la danza concluyó con el energético “Minus 16” de Ohad Naharin. Fue una verdadera explosión de emociones. Cuando los bailarines descendieron al patio de butacas y escogieron a varias personas del público para bailar, todo se transformó en una especie de locura, una locura en la que todos participamos. Y esa locura no es otra que la generada por la ilusión y el rebosante talento de nuestros artistas, que una vez más, contra viento y marea, se dejan la piel para entregarnos lo mejor de sí mismos. MERCEDES ALBI

Hoy se nos ha desvelado una maravillosa sorpresa: los detalles de la gala que servirá de cierre a los eventos conmemorativos del 35º Aniversario de la CND. El programa consta de tres partes, separadas por dos descansos. Así: PRIMERA PARTE La Compañía Imposible Danza, formada por exmiembros de la formación, estrenarán la pieza de Amaury Lebrun, 6 MINUTOS DE VIDA. Veremos bailar a Mar Ló pez, Eva López, Alicia Pérez, Alba Zamora, Daniel Alonso y Germán Cabrera. A continuación tres piezas clásicas: el "Festival de las Flores en Genzano" de August Bournonville; El paso a dos de "El corsario"y "Raymonda Divertimento", ambas piezas coreografiadas por José Carlos Martínez sobre las inspiradas en las precedentes de Bournonville, y Petipa-Nureyev, respectivamente. Iniciará la SEGUNDA PARTE, un solo lleno de lirismo, "El Cisne", coreografía de Ricardo Cue, danzado por Esteban Berlanga, al que podemos ver en esta escena del 2º acto del Lago de los Cisnes: Seguirá "Aimless", una coreografía de Dimo Kirilov Milev, y otra del homenajeado y tristemente desaparecido, Tony Fabré, que con su "Violon D´Ingres", se recupera la menoria del que fuera su cuarto trabajo para la Compañía Nacional de Danza 2. En ella Fabre utiliza música para cuerda de grandes compositores de los siglos XVII al XX y crea, con los bailarines, un divertido juego repleto de variedad y diversidad coreográfica donde los Solos, pasos a dos y pasos a tres se suceden sin concesión alguna al descanso. Un trabajo alegre y dinámico, acorde con la música y la joven compañía para la que fue creado. Y cierra la segunda parte "Bolero" de Víctor Ullate con el Ballet de la Comunidad de Madrid Bolero se estrenó por el Víctor Ullate Ballet en la Ópera de Vichy el 19 de julio de 2013. En esta nueva versión de Ullate se vuelve a la coreografía original, en la que una pareja era el eje central; la puesta en escena se basa en la dicotomía hombre-mujer, con un elenco que siempre hace su aparición en formación de parejas. En la TERCERA PARTE, se vuelve a poner en cartel por el Ballet Nacional de España. "Ritmos" de Alberto Lorca, y será una de las pocas ocasiones de ver bailar a su director, Antonio Najarro, que ha querido participar en tan señalado homenaje. La gala finalizará con la energía de "Minus 16" de Ohad Naharin, de la que ya pudimos disfrutar en el programa contemporáneo que se ha representado estos días. José Carlos Martínez ha definido la intención de esta gala, homenaje a María de Avila y Tony Fabré, como un "momento de recuperación y reconciliación con el pasado, de cara a construir un futuro sólido, y qué mejor manera de homenajear la trayectoria de la compañía que rememorar la figura de dos nombres que han marcado su historia" Será un día inolvidable!!! PAOLA PANIZZA

Salimos de ver la última creación de Chevi Muraday, “En el desierto”, y nos encontramos con él en el bar de El Matadero, donde se podrá ver hasta el próximo 26 de octubre. Nadie debería perderse la experiencia de transitar con Losdedae por una obra perfecta. Es como pasear por un sueño. Logran sumergir al espectador en un mundo onírico lleno de poesía y con múltiples significados. Tantos que “En el desierto” se impregna en la mente y sus imágenes, su mensaje, se repiten a modo de “flashes” durante los días siguientes a su visualización. Es como si una parte tuya se hubiera quedado sobre el escenario. Es mejor no escribir sobre ello, pues no hay palabras que reflejen esa conmoción esperanzada y a la vez aterradora que significa “En el desierto”. Hay que ir a verlo, sentirlo por uno mismo. Acodado en la barra me mira Chevi, le miro y no se qué decir. Él comprende mi gran impresión y me cuenta: -Es una obra de digestión lenta. Se necesita tiempo para procesarla. M – Es tan evocadora... Chevi – Verás, cuando nosotros generamos algo, lo generamos y punto. No somos conscienteS del impacto que puede tener en el público, por lo que me interesa mucho lo que me cuentan, me produce muchísima curiosidad. M - ¿Qué es lo que opinan? C – Pues sucede eso, que me llegan mensajes de facebook o whatsapp y me cuentan que no pueden olvidar la impresión que han recibido desde el escenario, que necesitan varios días para procesarlo. M – Es por la riqueza de la obra. Tiene un enfoque poético tan sugerente que estoy segura que cada uno que lo ve le ofrece un significado distinto, porque todos de una forma u otra pueden sentirse identificados. Así, los protagonistas podrían ser los palestinos de Gaza; los enfermos de ébola, y lo que es más aterrador, podría ser yo misma en este mundo occidental, en el que a veces nos sentimos también solos y sin esperanza. Y “En el desierto” te da una respuesta: resistir, y al final vemos la luz. Hasta imparte una filosofía... C – Yo he querido y he buscado esa pluralidad. Sentí que deseaba transitar, cruzar esa frontera que encasilla los géneros. Los bailarines hablan, los actores se mueven. Es un lugar en el que el movimiento y la palabra conviven. No me gusta cuando etiquetan que si es danza, que si es teatro... Derribemos las barreras que limitan la creatividad. También estoy cansado de que la danza contemporánea se reduzca siempre a unos mismos espacios. Hay que cruzar, ir más allá. Coseguir el Matadero un mes y con una compañía de danza de pequeño formato, ha sido y es una gran apuesta. Yo lucho por ello. M - ¿Cuál es el mensaje principal que desea trasmitir “En el desierto”? C – Es un mensaje esperanzador. Es lo mismo que deberíamos hacer en la vida: creando un grupo, podemos crear una resistencia. Hacer cosas juntos es lo que puede cambiar el mundo. MERCEDES ALBI

Hemos recibido la triste noticia del fallecimiento, el pasado 2 de octubre, de Antonio Robledo (1926-2014), uno de los artistas que más han contribuido a la difusión del arte español y del flamenco por el mundo. Y si España es ingrata con sus propios artistas, lo es mucho más hacia quienes no siendo españoles se convierten, por puro amor hacia su cultura, en uno de ellos. Es el caso de este compositor y pianista alemán, nacido en Hannover bajo el nombre de Armin Janssen, que un día se transformó en Antonio Robledo. Era el esposo de la bailarina suiza Susana Audeoud, que formó pareja artística con José de Udaeta durante 18 años; el famoso duo "Susana y José", que con las coreografías creadas por Susana, revolucionaron la danza española en la década de los 50. Antonio compuso la música de sus ballets y solía acompañarles al piano en sus actuaciones. Susana Audeoud y Antonio Robledo miraron nuestra cultura con ojos nuevos y supieron, desde su fascinación, abrir un campo vasto e inexplorado hasta entonces. Antonio, un compositor alemán que hacía música española; Susana una bailarina clásica cuyas coreografías revolucionaron la danza española, supieron crear numerosos ballets españoles, como “Pavana”, con trajes a la moda Felipe III; “La condenación de Don Juan” (1952), donde por vez primera se lleva este mito a la danza; “La Centaura” plagado de referencias a la cultura mediterránea; “La Celestina”… Y tantos otros, sin olvidar la última pieza que bailaron Susana y José de Udaeta titulada “No Hay Quien Nos Desate” (1963), basada en un grabado de Goya, y en la que, por vez primera, se mostraban dos bailarines atados por la cintura en clave de danza española. Pero sus descubrimientos no se limitaron al campo artístico, sino que en el terreno de lo humano también descubrieron el talento en los demás y lo hicieron brillar. Es el caso de Enrique Morente, a quien posibilitaron sus primeras giras por el extranjero cuando todavía era un joven cantaor desconocido, y tantos otros. También Carmen Linares actuaba con ellos. En 1984, Susana y Antonio protagonizaron un documental sobre una clase de flamenco para la National School of Canada (Toronto), titulado “Flamenco at 5:15”, que fue galardonado con el Oscar de Hollywood. Susana y Antonio, dejaron este mundo, pero en el continúa su legado, pues la compañía Flamencos en Route, fundada en 1984 bajo su dirección artística junto con su discípula Brigitta Luisa Merki, cumple este año su 30º Aniversario. El próximo 14 de octubre, le rinden a Antonio Robledo en Zurich un merecido homenaje. Las notas del programa contienen el poema de Rafael Alberti que el propio compositor escogió para su despedida: "Si mi voz muriera en tierra llevadla al nivel del mar y dejadla en la ribera" Descanse en paz, maestro. MERCEDES ALBI