Un evento especial en un entorno maravilloso es lo que hemos vivido con el estreno del corto “Cojo la manzana, la muerdo y la piso, y Olé!!!”, dirigido por Abel González (Abgonal) en Palacio Longoria, donde se ubica la sede de la Sociedad General de Autores. El alma mater del proyecto es María Herrera, una mujer dinámica, sorprendente, con un increíble impulso, que provoca que las ideas que concibe no se reduzcan a meras intenciones, sino que aunque tenga que mover cielo y tierra, se hagan realidad. Así ha sucedido con el “Encuentro Con Los Maestros”, una actividad más que consolidada que ya cumple su 7ª edición. Se trata de un evento dirigido a jóvenes artistas que se reúnen con los maestros en torno a la danza española. Desde 2017 se celebra en la Villa Indiana de Colombres (Asturias) que convierte a la capital del concejo asturiano de Ribadedeva en el centro de inspiración de coreógrafos, músicos y bailarines, que se reúnen, durante quince días, en una convivencia única. El pasado verano durante el Encuentro 2022 dieron un paso más allá y se lanzaron a producir cine de danza. Ahora vemos el resultado con “Cojo la manzana, la muerdo, la piso y Olé!!!”. Su director Abel González ha contado con el compositor Jorge Núñez Colell en colaboración con Cecilia González Alvárez para crear un sustrato sonoro embelesante, para un film estético y sugerente, que tiene como actores a la bailarina Natalia Thais, a lo maestros Maribel Gallardo y Currillo Franco, a los bailarines Rubén Rojo y Cristina González, acompañados de Almundena Erice. Conversamos con María Herrera que se siente feliz y parece no detenerse nunca. P-María, ¿Cómo te sientes en este momento en que hemos compartido el estreno de “Cojo la manzana, la muerdo, la piso y Olé!!!? -Muy muy contenta. Ya ves, para mí el proyecto del cortometraje ha rebasado todas las expectativas que me había creado cuando le encargué al joven bailarín Abel González (Abgonal) la realización de la película. Estoy encantada con la acogida que está teniendo el estreno con asistencia de tantos profesionales, no solo de la danza española y el flamenco, también de la producción audiovisual y de la comunicación. P-¿Se ha quedado gente sin sitio para asistir? -Sí, por eso este sábado 25 de febrero tenemos preparado un segundo pase en el Auditorio del Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid, porque se quedó mucha gente fuera. P.-¿Por qué habéis estrenado en el Palacio Longoria? -Después de ver el resultado del trabajo realizado por Abel y todo el equipo implicado, me di cuenta de que algo así exigía un lugar tan hermoso como este para que viera la luz y compartirlo con vosotros. Es muy emocionante lo que estamos viviendo. P-Ahora que acaba de fallecer Carlos Saura que fue un puntal para el cine de nuestra danza, es necesario impulsar para que las nuevas generaciones tomen el relevo ¿Cómo surge la idea de hacer esta filmación? -Fue en el contexto del Encuentro Con Los Maestros del pasado verano, donde reunimos durante quince días a un grupo de músicos y bailarines de danza española y flamenco con sus maestros en Ribadedeva, al oriente de Asturias, allí, en Colombres, capital del concejo, justo se lleva a cabo el Festival Nacional de Cortometrajes al Aire Libre Ribadedeva “En Corto” (también conocido como REC) y pensé en dar la oportunidad al talento de Abel encargándole que rodara un cortometraje con los recursos del Encuentro Con Los Maestros 2022 para presentar su trabajo en la siguiente edición del REC. Aunque también lo presentaremos en otros festivales. P-Los Encuentros que organizas ya son todo un evento consolidado que va por la séptima edición, me gustaría saber ¿Qué te condujo a realizarlos? -El Encuentro Con Los Maestros surge en 2017 como un proyecto pedagógico y artístico, inicialmente dedicado a la danza española y el flamenco al ser yo una gran aficionada a ese arte. P-¿Has sido bailarina? -Profesional no, pero sí he estudiado danza en mi tiempo libre como aprendiz en escuelas como la academia de danza de Carmen Senra, la escuela de flamenco Amor de Dios, La fundación Casa Patas… Además estudié psicopedagogía por lo que crear proyectos que aúnen mis especialidades y pasiones es lo que me vivifica. Conocí muchos maestros y fue decisiva Mayte Antúnez, bailarina, profesora de danza y doctora en arte, quien me apoyó en los comienzos del proyecto. De hecho, la idea surgió después de organizar un taller inclusivo de danza en la entonces Fundación Carmen Pardo Valcarce, dirigido por ella. Salió tan bien que me “vine arriba”. P-Y empezaste con los Encuentros... -Sí, hablé con Manolo Lamadrid, director del albergue El Cantu, y reuní en Colombres a un grupo de cinco músicos y doce bailarinas de algunos conservatorios de Madrid con los Maestros Antonio Canales, Daniel Doña y Mayte Antúnez, que, durante quince días, se juntaron en la Villa Indiana del oriente rural asturiano, para llevar a cabo una convivencia en la que tanto los músicos como las bailarinas fueron dirigidos/as por los grandes artistas que montaron las coreografías al son de la música hispanoamericana. P-¿Es debido a que en la zona ha habido mucha emigración? -Sí porque así nos involucrábamos en la historia e idiosincrasia del lugar que nos acoge, ya que mantiene una especial vinculación con los países a los que emigraron un gran número de jóvenes asturianos (y españoles) a finales del siglo XIX y principios del XX y que alberga un exuberante edificio, la Quinta Guadalupe, actualmente sede de la Fundación Archivo de Indianos -Museo de la Emigración-. Yo pedí a los Maestros que montaran sus coreografías con las canciones GUANTANAMERA, (que montó Antonio Canales); LOS HERMANOS, (que montó Mayte Antúnez) y Daniel Doña, que fué creando un tema musical "in situ" con los músicos, que titularon SAN ANTONIO. Los vecinos de Colombres, que en un principio me habían dicho que no eran muy aficionados al flamenco, quedaron encantados. P-¿Tienes muy buenos recuerdos? -La verdad es que nunca olvidaremos aquel primer Encuentro Con Los Maestros... Fue una experiencia maravillosa. Después vinieron más Encuentros y nuevos Maestros/as... como La Lupi, Rubén Olmo, Angel Rojas, Maribel Gallardo, Currillo Franco, Arantxa Carmona, Manuel Segovia, etc. y hasta un coreógrafo argentino, Mariano Luraschi, exdirector del Ballet Folclórico Nacional de Argentina... También conseguí que alguno de los Maestros se subieran al escenario con las nuevas generaciones, actuando Antonio Canales y Maribel Gallardo con ellos, lo que resultaba muy motivador para los jóvenes. Todos han dejado recuerdos imborrables en la convivencia, dedicando su trabajo a distintos países de Hispanoamérica, como Cuba, Perú, México y Argentina. P.- ¿Cómo será encuentro 2023? - Pues la verdad es que este año tengo más ilusión que el primer día, si cabe, porque voy a cerrar el círculo que empecé a dibujar en 2017. P-¿Por qué? En 2023 el Encuentro Con Los Maestros se dedicará a los EEUU, ya que allí también emigraron muchos asturianos en busca de una vida mejor... así que lo he titulado "El Sueño Americano". P-¿Qué maestros van a acudir? -Los coreógrafos invitados serán: José Galán, Carmen Vilches, Manuel Segovia, Maribel Gallardo y Patricia Guerrero. El que enfrentan es enorme, ya que el Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid ha presentado un proyecto para poner la música al espectáculo con una Jazz Band. Quince Jóvenes participarán con dos directores para adaptar algunas canciones de Gershwin, Bernstein y otros compositores americanos (también emigrantes europeos o descendientes de emigrantes europeos) a los ritmos de la danza española y el flamenco... Por supuesto, seguiremos organizando el concierto lírico que este año será interpretado, una vez más, por Mario Millán, que lo dedicará a la canción tradicional americana... y como novedad, se entrelazará la actuación de Maribel Gallardo con un concierto de castañuelas, acompañados los dos artistas por el pianista Luis Noain. También montaremos dos nuevas exposiciones de fotografías de danza y como novedad (y a esto me refería cuando te decía que cierro el circulo iniciado en 2017) vamos a invitar a actuar a la compañía profesional de danza de la Fundación de Psico Ballet Maite León (Fritsch Company), que van a presentar el espectáculo 1+1=3, una pieza que está interpretada y coreografiada por Ana Mencía y Adrián Sáez. Y los músicos participantes en el Encuentro ofrecerán dos conciertos de música pop en El Capri y el chiringuito Maripol de la playa de La Franca. Con todo esto, damos paso a la primera edición del Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza (FIBRED), que durará quince días, coincidiendo con el Encuentro Con Los Maestros y dará cobertura a los jóvenes artistas y a los maestros participantes en el campus, además de invitar a otros artistas para que lleven la música, la danza, el teatro, la fotografía, el cine, etc. y amplíen la oferta cultural en el rural asturiano de Ribadedeva. P-Madre mía ¡Cuantas cosas! -Pues esto es solo el futuro más inmediato.... porque mi sueño sería consolidar el FIBRED y entregar el testigo a algún gestor cultural joven que quiera dedicarse a continuar el proyecto. Muchísimas gracias por tu entrevista. Ha sido un placer hablarte del Encuentro Con Los Maestros. MERCEDES ALBI Fotografías Marta Menozzi

Esta Edición 2023 se celebrará los días 2, 3 y 4 de junio en la Sala Negra de los Teatros de Canal dentro del 38º Festival Madrid en Danza La convocatoria estará abierta hasta el 17 de marzo del 2023 a las 23:59 horas La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo. Cada aportación cuenta y, por eso, proponemos un encuentro continuo on y off-line donde crear, provocar, conectar, descubrir, probar, experimentar, compartir y apoyar. En esta X Edición de la Muestra BETA PUBLICA seguimos buscando que público, coreógrafos, bailarines, programadores culturales, medios, productores y demás participantes estén – física y virtualmente – presentes en los procesos creativos de las piezas seleccionadas dando lugar a nuevas reflexiones y acercando puntos de vista que contribuyan a enriquecer el proceso creativo. Esta X Edición se celebrará los días 2, 3 y 4 de junio en la Sala Negra de los Teatros de Canal dentro del 38º Festival Madrid en Danza donde se presentarán 8 creadores madrileños, nacionales e internacionales seleccionados por el Equipo Artístico de la Muestra. Cada día tendrá un programa distinto con 5 o 6 de las piezas. Como señala Pilar Villanueva, coreógrafa, directora artística y portavoz de la Muestra: “En la X Edición de la Muestra BETA PUBLICA queremos celebrar estos diez años compartiendo nuestro amor y apuesta por la creación y la danza contemporánea dentro del 38º Festival Madrid en Danza” y continua: “ Estamos preparando sorpresas y seguiremos impulsando Pro.BETA, nuestra iniciativa para que los creadores puedan probar propuestas más experimentales, y esperamos superar, en esta X Edición, la participación de creadores internacionales así como el éxito creativo y de público de años anteriores.” La propuesta de coreografías, de máximo 15 minutos de duración, se realiza mediante un formulario de inscripción que está disponible en la web de la Asociación y contará con un procedimiento de votación para que los seguidores de la cuenta de Instagram de la Asociación seleccionen uno de los Creadores que participarán en la Muestra. El resto de los creadores son seleccionados por el Equipo Artístico de la Asociación. Las propuestas de Pro.BETA, de 5 minutos máximo de duración, son seleccionadas directamente por el Equipo Artístico de la Asociación. Como en las ediciones anteriores, las redes sociales de la Asociación BETA PUBLICA y las de los creadores seleccionados serán el vehículo para conectar, compartir y ampliar los vínculos de los creadores con las audiencias. La convocatoria estará abierta hasta el 17 de marzo del 2023 a las 23:59 horas. La semana del 17 de abril se comunicarán los creadores y coreografías seleccionados. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014 por Pilar Villanueva L.A.N.1, es la promotora de la Muestra Coreográfica Internacional BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza anualmente la Muestra Coreográfica utilizando su web y redes sociales para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación realiza cada año un Programa de Actividades Extraescolares llamado “Una Mañana en Danza” (UMD) por el que ya han pasado más de 21.000 alumnos, de 12 a 16 años, y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid, con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. UMD incluye a creadores que han participado la Muestra Coreográfica Internacional. Dentro de UMD la Asociación ofrece, en colaboración con el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, una función abierta a todos los públicos bajo el nombre “Una Tarde en Danza” y MasterClass en colaboración con la Compañía Nacional de Danza.

El recién estrenado "Irreverente" de Alejandro Lara Dance Proyect comienza su andadura por los escenarios madrileños. Quise ir a ver esta segunda producción de la joven compañía y lo hice este fin de semana en el Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz. Es un espectáculo sin fisuras, muy meditado y con una estética inspirada por la elegancia. Alejandro es en realidad un mago "irreverente", él es quien domina al conjunto. Por ejemplo, hay un único paso a dos que danza con Alba Expósito. De forma nada usual alterna solos y escenas con todo el cuerpo de baile. Sus compañeros -Elena Palomares, Alba Expósito, Celia Ñacle, Candela López-Villaseñor, Marián Alquézar, Álvaro Brito, Izan Soriano, Rubén Rojo, Diego Olmier, Adrián Gómez- lo arropan excelentemente, ofreciendonos una muestra de buena danza española. Desde una ortodoxia clásica en "Irreverente" se van revelando unas notas coreográficas muy originales pero que no quiebran en ningún momento la armonía del conjunto. Evoluciona de forma muy variada, lo que atrapa al público desde el inicio. La música de Víctor Guadiana con matices sinfónicos va cambiando de estilo, remezcla temas conocidos y diversos, acoplándose en su tránsito perfectamente a los cambios de líneas creativas. Desde el solo con capa en el que Alejandro baila con excelentes giros, a las danzas de grupo que parten del clásico español hacia lo contemporáneo y terminando con un flamenco muy sentido, nada cae en la repetición o en la monotonía. El vestuario de Anthony Pina y el propio Alejandro es fantástico y se va reconvirtiendo sobre escena de tal manera que de un mismo vestido se hacen dos y hasta tres. También la iluminanción es muy acertada. Se nota la mano de los coreógrafos invitados: Ángel Manarre y Rubén Olmo, aunque "Irreverente" es puro Alejandro. Es su magia, la de su tensón, la del que lucha por unos sueños que muestran la realidad del gran artista que habita en él. MERCEDES ALBI Fotografía Alfonso Sastre

Me reúno con Carlos Pinillos y Filipa de Castro en una “Tarde de Danza”, organizada por la asociación Beta Pública, que está a punto de comenzar en el Centro Cultural Paco Rabal. Acaban de terminar el ensayo y están deseosos de que las puertas se abran al público y mostrar sus piezas. Carlos es extrovertido y expansivo, Filipa tiene un aire soñador. Ella es la brisa que aviva la llama del fuego. Están tan compenetrados que verles bailar juntos es toda una experiencia. La vida, el amor y la danza se hacen uno en ellos. Carlos Pinillos nace en Madrid. Con cinco años inicia su formación dancística y dos años más tarde consigue una beca e ingresa en la escuela del maestro Víctor Ullate, de cuya compañía formará parte a partir de 1995. En 1998 obtiene el Primer Premio del Concurso Internacional de Danza de Viena. Otros maestros que han sido significativos en su formación han sido Alain Baldini y Attilio Labis, ex bailarines de la Opera de París, y José Parés, Menia Martínez o Aurora Bosch del Ballet Nacional de Cuba. Su currículum como bailarín es impresionante, al punto de ser destacado por la revista Dance Europe como uno de los 10 bailarines del momento. Estaba interpretando "Giselle" con el Ballet Arena de Verona cuando es invitado por Mark Jonkers, en 2001, para integrar el elenco del Ballet Nacional de Portugal (Companhia Nacional de Bailado), donde aún hoy permanece en calidad de bailarín principal, bajo la dirección de Luisa Taveira, junto con su esposa la bailarina Filipa de Castro. Carlos nunca para, incluso suele ser bailarín invitado por otras compañías y participa en numerosas galas internacionales. También realiza talleres en diferentes países, y colabora en las funciones de maestro repetidor en la compañía a la que pertenece. Anne Kisselgoff, crítica de The New York Times, define a Carlos como una mezcla interesante de pura técnica e intenso contacto con el público. -Carlos, ¿Cómo te sientes bailando en Madrid? -Te puedes imaginar lo que es bailar en la ciudad que nací, en la que ha vivido durante veintitrés años, donde empecé mi carrera profesional, donde habitan mis raíces, tengo mis amigos, y sobre todo, y es bastante paradójico que viviendo tan cerca en Portugal, es uno de los lugares que menos piso para bailar. -Filipa y tú sois una de las parejas más consolidadas del mundo de la danza ¿Cuántos años hace que estáis juntos? -Llevamos 20 años juntos. -¿Cómo os conocisteis? -Estas cosas suceden cuando uno menos se lo espera. La encontré justamente en una época en la que no me apetecía conocer a nadie. Atravesaba un momento de crisis, incluso de desapego con la danza, y ni me apetecía salir de Madrid. Entonces aparece ella en mi vida y me obliga a seguir adelante. Siempre que quiero ir hacia atrás tengo a Filipa que tira de mí. Estoy a punto de cumplir 30 años de carrera. -¿Fue un flechazo a primera vista? -Nos habíamos visto bailar, sabíamos de la existencia del uno y del otro... En una ocasión, ella vino a bailar a Madrid desde Lisboa, cuando estaba en el compañía del Real Ballet de Flandes. Tuvimos la oportunidad de conocernos y nada más hablar, zas, surgió una chispa de efecto inmediato. Y aquí estamos. -¿Qué tal vuestra participación en Beta Pública? -Es la segunda vez que colaboramos con Beta Pública. Ya lo hicimos hace cinco años y siempre que podemos tratamos de ayudar a promover la danza. -¿Es complicado promover la danza en España? -Hay mucho por hacer en materia de difusión, incluso a veces, hay que luchar contra marea y continuar como sea para que sigan surgiendo nuevas generaciones de artistas y nuevas generaciones de público. -Háblame sobre lo que vais a bailar. -Son dos piezas que forman parte de nuestro espectáculo titulado "Nuestros nombres". -¿De qué trata? -Está inspirado y dedicado la figura del nóvel portugués José Saramago. El ballet "Nuestros nombres" gira en torno a la relación del escritor con su esposa, Pilar del Río, que al ser más joven que él estaba destinada a sobrevivirle. El tema del amor y la muerte tan presente en su literatura nos inspira. El primer paso a dos que bailaremos es más estilizado más clásico, se corresponde cuando Saramago decía que escribía sobre la escultura -tratando de significar que estaba muy influído por la belleza formal en su escritura-, y luego evoluciona a "escribir sobre la piedra" por lo que la segunda pieza, titulada "El hombre duplicado", corresponde a esa transición estilística en su obra. -¿El hombre duplicado qué significa? - Significa que para saber quien somos hay que salir de uno mismo, duplicarse. Es una pieza con música de Piazzola, ya no son líneas estilizadas sino que es un trabajo más introspectivo. -¿Os gustaría traer "Nuestros nombres" a los escenarios españoles? -Muchísimo. Te confieso que bailar solo dos piezas me sabe a poco, bailar en España me produce un cierto sinsabor. Reaviva en mí cosas que echo de menos, como esa forma que tiene el público de mostrar su satisfacción con esa calidez tan especial. Aunque somos muy felices en Portugal, ahora nos vamos a actuar en el norte del país, y seguidamente a Sintra. No paramos. -¿Cómo encajais vosotros, que provenís del mundo clásico, en un evento como Beta Pública que formenta la danza contemporánea? -Nos estimula compartir escenario con gente que viene del mundo del contemporáneo. Nosotros no hacemos la distinción entre clásico y contemporáneo. No queremos parcelar las cosas. Danza es danza, simplemente utilizamos distintas herramientas. Ninguno podemos apropiarnos de ella. Eso es lo que nos ha llevado a participar a compartir esta idea con el resto de bailarines. El ideario de Beta Pública es algo que compartimos plenamente. Siempre que nos sea posible lo apoyaremos con nuestra participación. MERCEDES ALBI Fotografías Alba Muriel

El Encuentro Con Los Maestros, el foro de formación y desarrollo de músicos y bailarines que se celebra en el rural asturiano de Ribadedeva desde 2017, descubre al joven bailarín Abel González (Abgonal) que ha demostrado un trabajo firme y prometedor en el séptimo arte. Se trata de una firme apuesta por el talento joven y emergente: en su incipiente carrera, Abgonal se distingue por una mirada singular sobre su mundo, el mundo de la danza española; y por un fuerte compromiso con la fotografía y ahora el cine, como expresión artística que sirve de ayuda para visibilizar la danza y a los bailarines. Tanto el cine como la danza significan una expresión que configura imágenes, unas aprehendidas en el soporte cinematográfico y las otras que se diluyen en la transición de formas proyectadas por el cuerpo humano, instrumento primordial de la expresión dancística que, en el cortometraje de Abgonal se personifica en las bailarinas y bailarines Natalia Thaïs, Maribel Gallardo, Rubén Rojo y Cristina González, acompañados de Currillo Franco y Almudena Erice. El cortometraje “Cojo la manzana, la como, la piso y ¡ole!” (2022) se estrenará el próximo día 17 de febrero en el Palacio de Longoria, sede de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). El filme es un proyecto de unión entre generaciones, al igual que el Encuentro Con Los Maestros. La historia de Ana (la bailarina Natalia Thaïs) inspira a una mujer en plena búsqueda personal de identidad mediante un diálogo interno que expresa al exterior a través del arte del movimiento. Supone un viaje a la madurez (la bailarina emérita y maestra repetidora del BNE Maribel Gallardo representa a Ana de mayor) un camino a veces ocioso y otras lleno de dificultades de las cuales hay que aprender. El uso masivo del plástico, el desperdicio del agua y el cambio climático son también personajes conceptuales de la obra. La música es obra de los jóvenes músicos Jorge Núñez Colell (VLR Estudios) y Celia González Álvarez (enclavedece), compuesta específicamente para acompañar y realzar las escenas del cortometraje y apoyar la narración cinematográfica. Un experimento dancístico audiovisual que sustituye la estructura narrativa tradicional de introducción, nudo y desenlace por cuatro actos, basándose en el título de la obra: “Cojo la manzana” (acto 1), “La cómo” (acto 2), “La piso” (acto 3), “Y ¡Olé!” (acto 4): Las exigencias sociales, la búsqueda de identidad y la nostalgia generacional y evolución hacia un mundo tecnológico completan estos actos. Bebiendo del surrealismo concreto y combinándolo con un costumbrismo conceptual, resulta una idea cargada de información en cada plano, que trata de ser consumida por un espectador crítico y sensible. El filme se produjo apoyado en los recursos del Encuentro Con Los Maestros 2022, el campus dirigido por María Herrera, que cuenta con el único apoyo del Ayuntamiento de Ribadedeva y el entusiasmo de un puñado de familiares y amigos que han apostado por la cultura. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El próximo domingo 29 de enero en el Salón de Actos del Ateneo de Madrid, se homenajeará al maestro Alberto Portillo, quien a sus 94 años es memoria viva de la danza española. Alberto ha sido todo en la danza: bailarín con un registro tan amplio que pudo compaginar la danza española con el ballet clásico, siendo un pionero esta materia y el primer español alumno en la escuela del Royal Ballet; bailarín invitado de los Ballets de Pilar López y otras destacadas compañías como la de Luisillo, los Ballets de Magriná etc.., y de su propia compañía. Autor de numerosos montajes de coreografías para teatro y televisión, realmente no se ha detenido nunca. El emotivo acto tendrá lugar a las 12 de la mañana dentro del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla, que celebrará un concierto sobre la Jota, baile con el que Alberto Portillo fue portada del ABC en 1950, junto con María Fernanda Montes, pues fueron los primeros que bailaron la jota sobre el escenario del Covent Garden de Londres en una exitoso ciclo de conferencias impartidas por Dolores de Pedroso y Sturdza. Como le ocurrió al flamenco hace 10 años, la Jota está en el camino para ser nombrada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" ha querido colaborar en este camino para tratar de visibilizar de nuevo esta maravillosa música popular de tradición oral, organizando un concierto a cargo del gran Nacho del Río, protagonista de la película Jota de Carlos Saura, acompañado por una rondalla aragonesa dirigida por Javier Badules Codesal. Aquí os dejo este estupendo vídeo ilustrativo. Además, comentaremos las ocasiones en las que Manuel de Falla bebió en esta música para sus composiciones, que son unas cuantas. Las entradas se pueden adquirir en este enlace, o en el mismo Ateneo de Madrid el día del concierto desde las 10:30 h de la mañana. Así mismo, al termino del acto se firmaran ejemplares de mi libro "Dolores de Pedroso y la Quica, dos mujeres unidas por la danza" Ed. Cumbres, siendo el maestro Alberto Portillo uno de sus protagonistas. MERCEDES ALBI

En el invierno de 1930, la mítica bailarina Anna Pavlova (San Petersburgo, 1881-La Haya, 1931) bailó por última vez en nuestro país. Fue en Barcelona durante los días en que se clausuraba la Exposición Internacional de 1929. Era la primera vez que visitaba la Ciudad Cóndal pues, anteriormente, con su compañía solo había actuando en el Teatro Real de Madrid durante la temporada de 1922 al regreso de una gira por América. Era una viajera aparentemente incansable, que llevó su baile por todos los confines del planeta. Sin embargo, y después de las once exitosas funciones que danzó en el Teatro del Liceo, nada hacía presagiar que moriría antes de un año, el 23 de enero, enfermando de neumonía mientras viajaba de París a actuar en La Haya. Pasada la medianoche ordenó a su doncella: "prepara mi vestido de cisne" y su corazón, agotado de tanto esfuerzo, dejó de latir. Tengo la suerte de poseer en mi colección de programas el correspondiente a la última actuación en España de la Compañía de Ballets de Anna Pavlova, que tuvo lugar en el Gran Teatro del Liceo el sábado, 25 de enero de 1930. En el programa, bajo el encabezamiento de la gran estrella y en letras más pequeñas, figura el nombre de quien sería su último parternaire, Pierre Vladimiroff (San Petersburgo 1993-Nueva York 1970). Fue también alumno de la Escuela Imperial y había danzado roles estelares como el Príncipe de la "Bella durmiente", en la lujosa producción estrenada en 1921 en Londres por los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. También se rumoreaba que había sido amante de la gran bailarina Matilda Kschessinska, razón por la que fue retado a duelo por su pareja y padre de su hijo, el Gran Duque Andrei Vladimirovich. Aquel sábado de la última función de las once que se habían representado a teatro lleno, se interpretaron tres ballets con gran éxito: "El hada de las muñecas", "Hojas de otoño" y "Bal costumé". En "El hada de las muñecas" Anna bailaba el papel estelar de la Muñeca encantada. La acción tenía lugar en una tienda de juguetes donde entra un comprador al que se le exhiben los muñecos, escogiendo a la encantada, que se despide del resto de sus compañeros con una gran danza final. Era un ballet del que -aunque estrenado en la Ópera de Viena a finales del XIX- hubo una producción datada en 1903 de los Ballets Imperiales en San Petersburgo, coreografiada por los hermanos Legat. Entonces, la joven Pavlova no bailaba el papel estelar sino el de Muñeca Española. Cuentan que lo hizo con tal gracia al tiempo que tocaba las castañuelas, que eclipsaba al resto del elenco. Lo cierto es que Anna Pavlova disfrutaba de la danza española. Su muerte dió al traste con una gira que iba a emprender por Estados Unidos con Vicente Escudero en 1932, tal y como él relata en su autobiografía "Mi baile". Anna Pavlova en las vivencias de Carlos Bosch El crítico musical Carlos Bosch tuvo el honor de tratarla personalmente y dejó escritas sus impresiones y recuerdos en su libro "Mnéme" (Ed. Espasa Calpe, 1942): <> MERCEDES ALBI

DEL 25 DE ENERO AL 9 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SABADO 28 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SABADO 28 DE FEBRERO OFRECEMOS MASTERCLASS CON GONÇALO REIS, FILIPA DE CASTRO Y CARLOS PINILLOS, ARTISTAS INVITADOS A UNA TARDE EN DANZA EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,00 A 13,30.La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2022 han asistido a las funciones de UMD más de 18.000 alumnos/as y docentes. A este Noveno Año de “Una Mañana en Danza” asistirán casi 3.000 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 25, 26, 27 y 31 de enero, 1, 2, 3, 8 y 9 de febrero. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías seleccionadas entre las que han participado en anteriores Ediciones de la Muestra Beta Pública, y termina con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos y los coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: • Indala de David Vento. • A place de la Rubinel Ortiz. • No hay hueco en el jardín de Elena Puchol. • Un día, otro día de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 28 de enero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados Filipa de Castro y Carlos Pinillos (Primeros Bailarines del Ballet Nacional de Portugal – CNB) y Gonçalo Reis/180Lab. Esta IX Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass, el sábado 28 de enero por la mañana, con Filipa de Castro y Carlos Pinillos (Primeros Bailarines del Ballet Nacional de Portugal – CNB) y Gonçalo Reis. La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” pueden adquirirse en entradas.com o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2022 han asistido a las funciones de UMD más de 18.000 alumnos/as y docentes. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa, Directora Artística y portavoz de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin….) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 19 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. CONTACTO Txema Arnedo administracion@betapublica.org www.betapublica.com 609 199 700

→ La faceta coreográfica del ‘oscarizado’ artista cartagenero estará presente en los pasos a dos de Giselle y Scarlatti → Primeros bailarines y solistas de las Óperas de Croacia y Bucarest participan como invitados en el espectáculo → Componentes del Ballet Nacional de España y de la Compañía Nacional de Danza bailarán algunas de sus propias creaciones Por primera vez Cartagena acoge la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, bajo la dirección artística de José Carlos Martínez, nuevo director de ballet de la Ópera Nacional de París, compañía de la que fue estrella. El espectáculo consta de once piezas que abarcan pasos a dos de conocidos ballets de repertorio junto a otras piezas de diversos estilos como la danza española o el lenguaje contemporáneo, que serán interpretadas por primeros bailarines y solistas españoles que triunfan en compañías nacionales e internacionales, acompañados por algunos invitados internacionales. La Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza tendrá lugar el 27 de diciembre en el Auditorio y Palacio de Congresos El Batel (Paseo Alfonso XII, S/N, Cartagena). Se trata de la cuarta edición de la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, que en ocasiones precedentes había recalado en Murcia capital y esta vez, se traslada a la ciudad natal de José Carlos Martínez, Cartagena. Además de la versión navideña, la Gran Gala de Estrellas de la Danza ha visitado las localidades de Alicante, Pamplona y Marbella, dando la oportunidad a muchos bailarines españoles de bailar en su tierra. La faceta de coreógrafo. La actual edición de la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza quiere poner el acento en la faceta coreográfica de varios de los participantes, en especial, del director artístico del espectáculo José Carlos Martínez, de quien se mostrarán dos pasos a dos. Cuando se cumplen dos décadas de su debut en la coreografía, el trabajo del artista cartagenero estará presente a través del paso a dos Scarlatti, extraído de la producción Les enfants du paradis (2008) con la que obtuvo el Premio Benois de la Danse –el ‘oscar del ballet’-. Este paso a dos dará inicio a la velada y será interpretado por Iván Delgado del Río y Aída Badía. Estrellas invitadas. Considerada la obra cumbre del Romanticismo del ballet, Giselle fue estrenada en la Ópera de París en 1841, con coreografía original de Jean Coralli y Jules Perrot. Como antigua estrella de la prestigiosa compañía parisina, Martínez no resistió la tentación de realizar su propia lectura del clásico, estrenada este 2022 en Zagreb. Extraído de aquella producción, el segundo paso a dos coreografiado por José Carlos Martínez que será interpretado en la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza es un fragmento del segundo acto de Giselle. Contará como intérpretes con los bailarines principales de la compañía croata Iva Vitić Gameiro, quien encarnará a la sufrida protagonista, y Guilherme Gameiro Alves, en la piel de Albrecht. En la segunda parte, la croata y el portugués interpretarán la pieza Near This del coreógrafo serbio Leo Mujić. Clásico de repertorio. Primera participación en la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza para la intérprete catalana Ada González, solista de la Ópera Nacional de Bucarest. Para la ocasión ha seleccionado dos clásicos de repertorio: El Corsario (1899) y el paso a dos del Acto II de El lago de los cisnes (1895), conocido popularmente como El Cisne Blanco. Tendrá como partenaire al también solista de la Ópera Nacional de Bucarest Ionuț Diniță. Basándose en el poema The Corsair de Lord Byron, Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges firmó el libreto original que desembocó en la primera versión del ballet coreografiada por Joseph Mazilier sobre la partitura original de Adolphe Adam. El estreno tuvo lugar en la Ópera de París, el 23 de junio de 1856. Esta obra se incorporó al repertorio internacional gracias a las cuatro versiones que realizó Marius Petipa para el Ballet Imperial Ruso, para las que añadió nuevos arreglos orquestales de Cesare Pugni, Léo Delibes y Riccardo Drigo (grand pas de deux classique para la Prima Ballerina Assoluta Pierina Legnani, estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, 13 de enero de 1899 y popularizado en el siglo XX por las parejas Margot Fonteyn-Rudolf Nureyev, Ekaterina Maximova-Vladimir Vassiliev, Gelsey Kirkland-Mikhail Baryshnikov). No fue hasta el cuarto intento cuando El lago de los cisnes se convirtió en el gran clásico de repertorio que es en la actualidad. La clave de su éxito fue la unión de la música de Piotr I. Tchaikovsky y de las coreografías de Marius Petipa y Lev Ivanov pusieron los cimientos de los ballets clásicos más icónicos como El lago de los cisnes, estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo el 15 de enero de 1895. El éxito de este trabajo fue tal que el rol dual de Odette/Odile es uno de los roles más añorados por toda bailarina, al haberse convertido en epítome del ballet. Voz propia. Después de haber dado inicio a la gala con el paso a dos de Scarlatti, Iván Delgado del Río, bailarín principal de las producciones de la antigua étoile de la Ópera de París Karl Paquette, pondrá de relieve su faceta de coreógrafo en Las coles, un solo sobre su amor a su ciudad natal, Sevilla, sobre música de Coetus. Bajo la dirección artística de José Carlos Martínez, Aída Badía y Aleix Mañé fueron promovidos a la categoría de solistas de la Compañía Nacional de Danza, donde aún permanece el intérprete y coreógrafo catalán. Y ahora se reencuentran en la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza, en la que ofrecerán dos piezas: SixBreatH y el estreno absoluto de NauJ, coreografías firmadas por el propio Mañé. La primera trata sobre el proceso psicológico y emocional de un enfermo terminal y representa de una forma bella y casi espirutal la fase de aceptación del inevitable desenlace. Por su parte, NauJ es un dúo poético sobre las grietas del alma. El acento español. La danza española es uno de los tesoros de nuestro país y se sustenta sobre cuatro pilares: la Escuela Bolera, la danza estilizada, el flamenco y el folclore. Por eso, la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza se enorgullece de haber invitado siempre a las mejores figuras del momento en este ámbito. El Ballet Nacional de España es el embajador oficial de la danza española, por ello, es un lujo poder contar con dos integrantes del mismo: Sara Arévalo y Carlos Sánchez, Cuerpo de Baile y solista respectivamente. Además, presentarán sus propias coreografías: La vida breve, un dúo que evoca la tradición más pura de la danza española con el uso de la castañuela como instrumento principal; y Benamor, una interpretación de un paso a dos sin argumento que utiliza recursos estilísticos propios de la danza española aunada con un movimiento y lenguaje más actual, pieza con la que finalizará la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza. Las entradas para la Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza están a la venta en la taquilla del Auditorio y Palacio de Congresos El Batel y en la web https://auditorioelbatel.es/calendario-de-eventos/espectaculos/. Los precios de las entradas van desde 24,00 € hasta 40,00 €. LOS DATOS Espectáculo: Gran Gala de Navidad-Estrellas de la Danza. Director artístico: José Carlos Martínez. Asistente a la dirección: Antonio Chamizo. Artistas invitados: Iva Vitić Gameiro y Guilherme Gameiro Alves | Ada González y Ionuț Diniță | Aída Badía, Aleix Mañé e Iván Delgado del Río | Sara Arévalo y Carlos Sánchez. Lugar y fecha: Auditorio y Palacio de Congresos El Batel, 27 de diciembre, a las 20,30 horas. Programa: Primera parte: Scarlatti (paso a dos), Puñal, La vida breve, Giselle (paso a dos), SixthBreatH, El Corsario (paso a dos). Segunda parte: Cisne Blanco (paso a dos), Near This, Las coles, Nauj, Benamor. Entradas: 24,00-40,00. Iratxe de Arantzibia

Rescatar el ballet "El loco", estrenado hace 18 años y "desempolvado" del baúl del tiempo, con el renovado estreno que tuvo lugar ayer en el Teatro de la Zarzuela, ha sido otro acierto de su actual director, Rubén Olmo. Y es que Rubén sabe dar en la diana. Esta vez, su flecha apuntó directamente al corazón. Si bien en nuestra memoria queda aquel maravilloso y exhuberante ballet de "La bella Otero", ahora "El loco" se nos muestra en clave subjetiva; si la de ella fue una vida hacia fuera, el drama de Félix es un proceso interior, construído con los fantasmas de su mente. Sin embargo, la profundidad de los conceptos mostrados, el paso del tiempo en La Bella, y la locura en el caso de Félix, alejan la danza de cualquier lectura superficial, sin necesidad de apoyarse en cartela alguna. La danza y el teatro son unos géneros nacidos juntos y de la misma madre: la escena. Se han ido definiendo a través de vehículos diferentes, el movimiento y la palabra. El primero, junto con la música, pertenece al campo de la abstracción y llega mudo y directo al sentimiento; el teatro, sin embargo, al apoyarse en la verbalidad, se dirige hacia el campo de la razón. El dramaturgo Paco López ha mostrado gran genialidad en la elaboración de la trama, sacando a la luz la historia del malogrado bailaor, que soñó con otros mundos que nunca pudo alcanzar, y su perfecta traslación al lenguaje de la danza. Otro de los sustratos fundamentales en los que se apoya la obra es la música de Mauricio Sotelo, con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, dirigida por Manuel Coves. La partitura que es un prodigio de orquestación, perfectamente adaptada a la acción, crece y se adelgaza entre la ensoñación y la realidad cuál las sístoles y diástoles del corazón humano. Los momentos flamencos y la composición de Juan Manuel Cañizares se combinan sin interrupción, el leitmotiv de la jota de Manuel de Falla de "El sombrero de tres picos", otorga cohesión a ese único cuerpo sonoro que habita en la cabeza del protagonista. El "elegido" Podemos imaginar lo que supuso la elección del protagonista dentro del elenco de bailarines masculinos del Ballet Nacional... Y al ser tres los seleccionados para encarnar al "loco", José Manuel Benítez (Nino), Eduardo Martínez y Albert Hernández, entre el público entendido se generó la gran duda de a cuál ver. Las especulaciones estaban servidas. Elegir entre los tres es muy difícil, unos se decantaban por ir a ver a Eduardo, técnico y perfecto; otros por Albert, contemporáneo e imaginativo... Los fans de Nino, escogido para el estreno, sin embargo, sabían que nunca defrauda, que se adapta a sus roles con precisión y exactitud milimétrica. El peso de todas las miradas recaía sobre él, situándose en el punto de mira de un "mundillo" en el que hay gustos y opiniones para todo. Ayer José Manuel Benítez nos desveló la incógnita de su elección. Cuando en la primera parte baila con Fran Velasco -el maestro de Félix en la ficción que le muestra los pasos- la elegancia que el primer bailarín despliega como un don, casi hace palidecer al protagonista y a cualquiera que se ponga a su lado. Sin embargo, a medida que el ballet avanza, el espectador va siendo consciente de que Nino encaja en el papel de Félix Fernández como anillo al dedo. Su interpretación del desvalido bailaor, conmueve hasta el punto de hacer que se nos salten las lágrimas. Miriam Mendóza fue una Karsávina de toque poético, grácil y delicada; Carlos Sánchez fue un Massine perfecto; Jesús Florencio bordó el papel de maestro de baile; Esther Jurado desató los aplausos del público con su baile de alegrías con bata de cola; Rubén Olmo como Diaghilev y Corregidor, también estuvo excelente... Demostrándose una vez más la solvencia del elenco del Ballet Nacional de España, capaz de asumir unos cambios de registro muy flexibles. La coreografía de Javier Latorre Javier Latorre ha creado una coreografía que es una simbiosis perfecta entre gestualidad y danza, en la que los diferentes estilos quedan marcados por la historia y los personajes de forma totalmente natural. El flamenco puro luce en las escenas del tablao de la primera parte (garrotín, alegrías, farruca); la danza estilizada se atisba en la recreación de ·"El sombrero de tres picos", y el estilo contemporáneo aparece en las escenas de conjunto del manicomio sin que existan barreras entre ellos, porque es la trama la que justifica ese todo integrado tan expresivo al que solo pueden dar forma los grandes artistas. Pero la coreografía sabe trascender el mero ámbito de la danza y sus pasos, queda claro para cualquier aficionado al arte que la escena final es una Pietà, directamente inspirada en la famosa escultura de Miguel Ángel. El mérito de como una obra basada en el contraste de dos mundos, la luz y la oscuridad, la ilusión y la realidad, quede tan unificada se debe también al buen hacer de la iluminación de Nicolás Fischel, sin olvidar el diseño de vestuario y la escenografía de Jesús Ruiz que supo dotar la escena de un aire antiguo e intemporal a la vez, bajo un cromatismo muy estético. "El loco" del Ballet Nacional de España, al revivir acumulando la experiencia del pasado sin haber envejecido, ha creado un clásico digno de ser exhibido con éxito en los mejores escenarios del mundo. MERCEDES ALBI

Desde el Teatro de la Zarzuela, a unos días del estreno del "nuevo" Loco, por el Ballet Nacional de España, me encuentro con sus artífices, el dramaturgo Paco López, autor de tan excelsa idea y de la trama del ballet; y Javier Latorre, su coreógrafo, al que le pregunto los detalles y diferencias con aquella primera versión estrenada en 2004, y la actual, que en unos días veremos en el Teatro de la Zarzuela, entre otras muchas cosas. La curiosidad sobre lo que pronto veremos, nos invade. El loco es un ballet inspirado en la peripecia artística y existencial del bailaor Félix Fernández “El loco” y su desgarro interior tras seguir hasta Londres a Diaghilev, Massine y los Ballets Russes para estrenar El sombrero de tres picos. Un espectáculo de danza sobre la danza que se convierte en una reflexión sobre el artista y sus demonios. A Javier se le nota que está atravesando un momento dichoso. Artista de temperamento apasionado, es para quien lo entrevista como quien abre un tesoro lleno de joyas. Siempre tiene cosas interesantes que expresar, y esta característica la tiene en la vida y también cuando baila sobre el escenario. Es abierto y comunicativo, muy honesto, sensible e inteligente a partes iguales. -¿Se necesita tener un punto de locura para ser bailarín? -Pues un poquito de locura sí que hay que tener. Siempre digo que en este país la cultura es la última prioridad, y dentro de la cultura, la danza es la Cenicienta, la hermana pobre. -¿Por qué piensas que sucede esto? -Tal vez sea porque en España hay tanto arte diseminado por aquí y por allí que a los responsables no les preocupa, ya que se reproduce por sí mismo. Pero en las actuales circunstancias y ante la falta de salidas, dedicarse a la danza no tiene lógica sino sentimiento. Tenemos que vivir el día a día, disfrutarlo y no pensar en el futuro. -¿Qué sentimientos te produce estar de nuevo en este Teatro de la Zarzuela? -Hay tres teatros muy especiales para mi: el primero, el Teatro de la Zarzuela; el segundo el Gran Teatro de Córdoba, mi casa, ciudad en la que vivo 34 años, donde estrené mis dos primeras obras, obtenido galardones como el del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, etc...; y el Villamarta de Jérez donde desde hace 27 años, desde el inicio del festival, ininterrumpídamente he presentado numerosas obras y también me siento como en casa. -¿Por qué citas en primer lugar el Teatro de la Zarzuela? -Cronológicamente fue el primero. Yo llegué a Madrid con 16 años despues de once años bailando encima de caminones, en salas de fiesta, en bodas bautizos y comuniones... Este fue mi primer teatro. Imagínate lo que sentí al bailar aquí. Yo era todavía un estudiante en la Escuela del Ballet Nacional cuando bailé con el Ballet del Teatro Lírico de la Zarzuela, con el gran Alberto Lorca y el gran Martín Vargas. También me afloran los recuerdos de las grandes noches artísticas vividas durante los diez años que estuve con el Ballet Nacional. Siempre que entro por la puerta de artistas, que es por donde me gusta a mi pasar, me invade una sensación como si nunca mue hubiera marchado de aquí y volviera a ser aquel joven lleno de ilusión. -Desde que en 2004 que se estrenó El Loco, hasta ahora que se rescata felizmente esta producción, dieciocho años después ¿Qué habéis cambiado del original? -Fundamentalmente, los que hemos cambiado hemos sido nosotros. Tanto Paco como yo durante estos años hemos madurado, acumulado experiencias, montado muchas obras cada uno por su lado y juntos también, por lo que nuestra visión en el día de hoy es muy diferente. Se han acortado escenas (dura unos 10 minutos menos), sustituido músicas, actualizado mucho el lenguaje dancístico; Paco, que es muy exhaustivo y perfeccionista ha pulido en la narrativa cualquier fleco que pudiera distraer de la acción principal, por lo tanto, vais a ver un Loco 2.0 bastante diferente del inicial pero manteniendo todas sus características. -Desde que se creó el ballet El Loco en 2004, se puso el foco en el personaje histórico olvidado que fue el bailaor, Félix Fernández, al que Diaghilev contrató para su compañía con un mal final para el joven artista que terminó sus días encerrado en un sanatorio mental inglés. Se ha especulado mucho sobre lo que en realidad pasó con él, ¿Cuál es tu opinión? -Pues yo creo que Diaghilev como buen productor sería un ser implacable, y todo lo que fuera en contra de su negocio y resultado artístico, quedaría a un lado. En ese sentido ante un hombre de estas características y además nacido en Perm, que es la ciudad donde nació mi mujer, pues no me atrevo a hablar mal de él (bromea)... Pero no lo sé realmente, ¿Quién fue Félix en realidad? Un gran artista seguramente que con las condiciones de redes de hoy en día, hasta hubiera sido famoso. -Seguro, porque era grandísimo bailaor. Diaghilev “consideraba a Félix el bailarín español más brillante de su tiempo”. Mi opinión es que si el empresario ruso hubiera buscado alguien para dar lecciones a la compañía, habría escogido a un maestro experimentado y no a alguien tan joven. Pienso que lo incorporó a su compañía como alguien que tenía algo valioso que ofrecer. -Lo cierto es que Félix fue extraído de su ámbito e ignoraba las pautas del "juego de las grandes ligas", por lo que se encontró ante un mundo implacable que no fue capaz de manejar. Sea como fuere, yo dejo atrás las conjeturas históricas y me quedo con el personaje recreado en el ballet: un Félix loco por la danza, un ser soñador que cayó aplastado por el peso del mundo que le rodeaba. -En el Loco que vamos a ver, hay tres bailarines distintos que lo interpretan: Nino, Eduardo Martínez y Albert Hernández, ¿Cuál te gusta más? -Los amo a los tres. Han construído tres locos completamente iguales y completamente distintos. Es una de las grandes magias que va a tener este espectáculo, porque ver a los tres locos en acción es muy interesante. Ten en cuenta que ese papel afecta al resto del reparto, se establece una relación diferente de los bailarines con cada uno de los tres locos. -¿Podrías señalar alguna característica diferenciadora de cada "loco"? -José Manuel Benítez hace un Loco más infantil, mas indefenso, más fantasioso; Eduardo crea un Loco avieso, interiorizado, tímido y muy a la defensiva; y Albert es directamente un psicópata, si se pudiera ver su expresión de cuando su cabeza hace crack en un plano corto, se transforma totalmente, asusta. -¿Y sobre las tres "Karsávinas"? -Miriam Mendoza es perfecta, técnicamente impecable; Inma Salomón es una presencia brutal además de su técnica, evidentemente, se come el escenario; y Dévora construye una Karsávina frágil, adorable e interpretativamente es muy muy buena. -También hay en 2 repartos en el papel de Massine. -Tanto Carlos Sánchez como Juan Berlanga desarrollan dos personajes distintos, dentro de ese papel de divo, de estrella del ballet clásico, y tecnicamente están los dos maravillosos. Y he tenido la suerte de tener un Fran Velasco en plenitud, que encaja fenomenal en el papel del maestro originario de Félix, que es el que le atormenta y se le aparece en el manicomio; y Jesús Florencio que hizo el mismo papel de maestro de ballet de los Ballets Rusos... -Es una trasposición con la realidad que Rubén Olmo, el director del Ballet Nacional de España. haga el papel de Diaghilev, ¿Cómo te parece que queda? -Queda fenomenal. Es un privilegio realmente tenerlo conmigo y ha sido él por quien se ha podido poner todo esto en pie. No tendré vida suficiente para agradecérselo. MERCEDES ALBI

Han transcurrido más de cien años del estreno de “El Maleficio de la mariposa”, la primera obra escénica de Federico García Lorca, inspirada por su madre, quien le había aconsejado en una carta que idease un argumento para un ballet y se lo ofreciera a Diaghilev. Es de sobra conocido que aquel debut fue un sonoro fracaso, que no pudo salvar ni el talento de su protagonista (Encarnación López, la Argentinita). Lo más meritorio es que aquel abucheo no impidió que Lorca continuara su trayectoria teatral. Ahora esta “mariposa” se reinventa y posará su vuelo en la Sala Roja de los Teatros del Canal, los próximos 10 y 11 de diciembre, con el Ballet Flamenco de Andalucía de la mano de su directora artística, Úrsula López. Conversamos con Úrsula, una artista abierta de carácter extrovertido, simpática, muy natural y alejada de poses, que lleva el timón de la compañía andaluza tratando de conservar las esencias y buscando nuevos caminos. El maleficio era un reto ambicioso y lo propuso a la Junta de Andalucía en su proyecto de dirección para el Ballet Flamenco de Andalucía. No es una reposición del espectáculo lorquiano, sino que va más allá. Mira hacia el tiempo en el que surgen los personajes que lo habitaron, en especial las mujeres bailarinas/coreógrafas que cambiaron el rumbo de la historia de la danza del siglo XX. Ellas fueron mariposas que batían las alas del arte entre penas y alegrías, entre la luz y lo efímero de su vuelo, sembrando las bases de un despertar que puso los cimientos de la danza actual. -¿Cómo nace este “Maleficio”? -Verás, yo entré en el Ballet Flamenco de Andalucía como maestra repetidora, entonces, cuando salió el concurso para la dirección, sentí que debía presentar un proyecto. Las bases establecían que el tema tenía que tratar sobre Federico García Lorca, así que me lancé y yo propuse mi sueño. -¿Quién te asesoró en tu búsqueda? -He tenido la suerte de contar con Pedro G. Romero, pues conoce tanto el flamenco, que no podía ocurrírseme colaborar con alguien mejor. Juntos ideamos este tablao de mujeres bailarinas ligadas a la vida de Lorca, que fuimos ampliando a otras figuras femeninas, incluso anteriores a esa época de la Edad de Plata en España y más allá, independientemente de que hubiera o no constancia de que conocieran a Federico, pero que guardaban algún tipo de conexión. Hay detrás de cada escena un trabajo enorme y precioso de documentación. -Leo en el programa que también aparece, por ejemplo, Carmen Amaya. Cuéntame cómo enfocas esta figura del flamenco. -Es la última escena del espectáculo. Te cuento: Ruth Page, una de las herederas de la modern dance de Martha Graham, hizo una coreografía para la Carmen de Bizet montada con el poema del “Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías”. Esta pieza enlaza con el Taranto de Carmen Amaya, que estrenó en New York en 1942 y hasta entonces no se había coreografiado este cante. Quise recuperar ese taranto que ella misma cantó y grabó con Sabicas bajo el nombre de rondeña. -¿Conoció Federico García Lorca a Carmen Amaya? -No se sabe, aunque es posible, Pero a Carmen Amaya la hemos tratado en nuestro “Maleficio de la mariposa” como un símbolo, pues tanto para Pedro como para mi, ella engloba todo el ideal lorquiano. Y me he arriesgado cerrando así, con una pieza que está completamente alejada del típico “fin de fiesta”. He optado por un final diferente, duro y trágico. A mí me ha encantado el resultado. Ya lo veréis. -Parece que tratas de muchas mujeres figuras de la danza de estilos diferentes… -Sí porque todas guardan una conexión entre ellas y con el mundo lorquiano. Las hay anteriores, como Fanny Elsser y posteriores a la muerte de Federico, pero que de alguna forma lo tuvieron presente. -¿Por qué Fanny Elsser? -Empezamos con el punto de partida de un proceso de internacionalización de "lo español", La Cachucha de Fanny Elsser marca el inicio. -¿Cuántas figuras femeninas aparecen en el maleficio? -Vamos desde Fanny Elsser hasta Carmen Amaya, pasando por Pastora Imperio, Antonia Mercé, la Argentina, Encarnación López, la Argentinita, María Albaicín, Pilar López; y en paralelo las mujeres pioneras de la danza contemporánea (modern dance y expresionismo alemán)como Martha Graham, Gret Palucca, etc.. Seguro que se me olvida alguna porque son tantas. -¿Qué vínculo se establece entre las célebres mujeres artistas? -Todas bebieron unas de otras. Estoy segura de que se veían y se influenciaban mutuamente. Te podré un ejemplo: Antonia Mercé, la Argentina, bailó mucho más fuera de España que aquí... En los movimientos que incorpora a sus danzas existen coincidencias. Si se ves y trabajas “Serenate” una coreografía interpretada por la alemana Gret Palucca con la música de Granada, de Albéniz, se observan las similitudes. Es una soleá. -¿Te has inspirado en aquellos ballets históricos? -Claro, no podemos dejar de hacer referencia a unos ballets que significaron hitos, porque una de las cuestiones que se genera en el espectáculo es la tensión entre la danza y el baile. Hay que recordar a aquella maravillosa María del Albaicín, que tuvo un papel muy relevante en los Ballets Rusos de Diaghilev, quien llevó a París el Cuadro Flamenco, u otros ballets como “Por las calles de Cádiz” con la Compañía de la Argentinita y argumento de Ignacio Sánchez Mejías con colaboración de Federico García Lorca. -Entonces, ¿Cuál es la duración de "El maleficio de la mariposa"? -Una hora y cincuenta minutos, más o menos. -Para terminar, ¿Podrías definirme cuál es la finalidad que persigues bajo tu dirección con el Ballet Flamenco de Andalucía? -Siempre tuve en mente que quería hacer un trabajo de recuperación y puesta en valor del flamenco, en todos los ámbitos, cante, guitarra y baile, el cual está un poco más olvidado que los otros dos, por lo que considero sustancial la puesta en valor de unas danzas y bailes que son patrimonio de la humanidad. Es mi objetivo. MERCEDES ALBI