Ø Ciudadano Ilustre de Montevideo y Medalla Delmira Agustini 2020, Yebra retorna a Uruguay donde triunfó en sus tres temporadas al frente del Ballet Nacional Sodre Ø Entre los próximos proyectos del polifacético artista bilbaíno, la vuelta a los escenarios como actor en El beso de la mujer araña, junto a Eusebio Poncela El polifacético artista bilbaíno Igor Yebra debuta como director escénico en la nueva producción de la ópera Dido & Eneas, que el Teatro Solís de Montevideo estrena el próximo jueves 19 de mayo y de la que ofrecerá tres únicas funciones hasta el lunes 23 de mayo. Dido & Eneas contará con la dirección musical de Cristina García Banegas al frente de la Orquesta Filarmónica de Montevideo y del Ensemble vocal De Profundis. La mezzosoprano Luciana Bueno y el barítono Juan Font asumen los roles protagonistas de la ópera de Henry Purcell (1689), mientras que la soprano Sofía Mara interpreta el personaje de Belinda y la contralto Evgenia Pirshina da vida a la Hechicera. En su retorno a Uruguay después de sus tres exitosas temporadas al frente del Ballet Nacional Sodre, Igor Yebra se reencuentra con parte del equipo con el que estrechamente colaboró durante su periplo uruguayo: el premiado Hugo Millán en la escenografía y Sebastián Marrero en la iluminación. Durante su etapa como director del BNS, cosechó grandes éxitos de público y crítica con la reposición de las principales obras de repertorio clásico y romántico –La Bella Durmiente, Cascanueces, El Lago de los Cisnes, El Corsario, La Sylphide-, y de obras de destacados coreógrafos el siglo XX como Serge Lifar (Suite en blanc), Léonide Massine (El sombrero de tres picos), John Cranko (Onegin), Kenneth MacMillan (Manon), Mauricio Wainrot (Carmina Burana y Un tranvía llamado deseo) o Ronald Hynd (La viuda alegre). También impulsó nuevas producciones como El Quijote del Plata (2018), basado en la pasión de Arturo E. Xalambrí por la novela cervantina, y La tregua, basada en la obra homónima de Mario Benedetti, creada con motivo del centenario del nacimiento del escritor uruguayo. En diciembre de 2020, al término de su etapa como director artístico del Ballet Nacional Sodre, Igor Yebra recibió el galardón más importante de Uruguay en el ámbito de la cultura, la Medalla Delmira Agustini y fue nombrado Ciudadano Ilustre de Montevideo. En esta nueva aventura en la dirección escénica, ha invitado a Ángel Amor para el diseño de vestuario. Maléfica, La Cenicienta o My Cousin Rachel han contado con este profesional de la moda bilbaína especializado en tocados, sombreros y creaciones para la cabeza. Los siguientes proyectos llevarán a Igor Yebra encima de los escenarios, pero en su faceta de actor. En septiembre, tendrá lugar en Madrid el estreno de El beso de la mujer araña, obra protagonizada por Eusebio Poncela y el polifacético artista bilbaíno. LOS DATOS Irt Ópera: Dido & Eneas. Dirección musical: Cristina García Banegas. Dirección escénica: Igor Yebra. Elenco: Luciana Bueno (Dido), Juan Font (Eneas), Sofía Mara (Belinda), Evgenia Pirshina (Hechicera)… | Ensemble vocal De Profundis. Escenografía: Hugo Millán. Iluminación: Sebastián Marrero. Vestuario: Ángel Amor. Lugar y fecha: Teatro Solís, 19-21-23 de mayo, a las 20,00 horas. IRARTXE DE ARANTZIBIA

Nos dirigimos a un encuentro muy especial, vamos a la Escuela de Carmina Ocaña y Pablo Savoye para conocer a Noah Gelber, quien ha sido, entre otras muchas cosas, el bailarín que ha trabajado durante treinta años para William Forsythe, siendo uno de los mayores conocedores de su estilo, que se caracteriza por la rapidez de movimientos y su precisión. Noah, que es amigo de Pablo Savoye, ha venido a impartir a los alumnos un curso intensivo y ha asumido el reto de montar a los estudiantes "The Vertiginous Thrill of Exactitude" una obra de William Forsythe que marcó un momento muy especial en su trayectoria de bailarín, pues tuvo un papel estelar en su estreno. Es mediodía. Da lo mismo que el reloj haya marcado la hora de terminar: la clase continúa. No es el tiempo lo que importa, lo que mueve tanto a Noah como a los chicos es un anhelo de lograr un más allá. Ello se configura a base de repetir una y otra vez la misma música, corrigiendo cualquier pequeño detalle, buscando ese ideal de perfección absoluta que domina al artista. Noah es como el viento, abarca mucho, pero sin desbocarse a la manera de un huracán. Es muy adaptable. Sus modales son armoniosos, su trato, enormemente sencillo. Habla sin esfuerzo en todos los idiomas, en seguida aprecio que me encuentro ante una persona sensible e inteligente. Por eso no va de nada, no le hace falta. Son casi las 4 de la tarde y se le pasó la hora de la comida. Vamos a tomar algo a una cafetería cercana. -¿Vienes mucho por España? -Aprovecho siempre que puedo la oportunidad de venir. Esta es la tercera vez que imparto un curso en la Escuela de Carmina y Pablo, pero he colaborado en numerosas ocasiones con la Compañía Nacional de Danza, cuando estaba bajo dirección de Nacho Duato, y varias veces cuando estaba José Carlos Martínez. -¿Cuándo fue la primera vez que estuviste en Madrid? -Hace muchos años. Me atrajo esta ciudad desde el primer momento en que la conocí. Recuerdo que debía tener unos 18 ó 19 años y, como vivía en Amberes, a la menor ocasión cogía un tren nocturno; al despertarte por la mañana te encontrabas en la Estación de Chamartín. Eran otros tiempos. -Proust decía "desde que existen los trenes, la necesidad de no perder el tren nos ha enseñado a tener en cuenta los minutos", pero esa fase ya está superada. -Es una pena que actualmente ya no se viaje así. La vida se ha acelerado mucho. -Justamente acabo de verte montando "Vertiginous", ¿Por qué has escogido una pieza que exige un nivel tan elevado para los alumnos? -Vengo de montarla en Budapest y me animé a asumir un nuevo reto porque es la primera vez que lo monto para estudiantes. Se trata de una obra difícil porque es muy densa, les exige gran intensidad. -¿Has notado mucho contraste al pasar de montarla para una compañía profesional a un grupo de alumnos? -No, pues nunca hay que comparar, siempre hay tantas excepciones... Cada vez que me enfrento a un nuevo trabajo lo hago como si fuera una página en blanco, me olvido de lo anterior y solo veo lo que tengo allí. -Naciste en Nueva York, sin embargo, decidiste desarrollar tu carrera profesional en Europa. Es raro porque suele ser al revés, aquí, desde el viejo continente los artistas miran hacia el nuevo. -Las personas siempre deseamos lo que no tenemos ¿No te parece? Yo soy muy europeo y lo soy de corazón. Desde niño sentí una irresistible atracción por el viejo mundo. -¿De dónde proviene ese deseo? -Tal vez me lo inculcó mi padre. Él es pintor y profesor de Historia del Arte. Por eso, tal vez involuntariamente, despertó en mí un anhelo estético hacia el arte europeo que me motivó para venirme aquí a la primera oportunidad. -¿Y cuándo surge esa primera oportunidad? -Vino el Ballet de Amberes a actuar en NY, me presenté al director. Ten en cuenta que en esa época no existía internet, tenías que moverte por ti mismo un poco a ciegas. Y justo entonces, un bailarín acababa de romperse el pie, por lo que tenía un puesto para mi ¿Sabes quien era el bailarín accidentado? Era Pablo Savoye, ¡Así conocí a Pablo! -Y de repente, ya no piensas más y dejas la que, en teoría, se supone que es la capital cultural del mundo. -Fue todo muy rápido, me incorporé al Ballet de Amberes de forma casi inmediata. Pero yo tenía un sueño. -¿Cuál? -Quería conocer a Bèjart. -¿Le conociste? -No, (ríe) y eso que incluso fui al festival de Lausanne, donde su compañía tenía la sede, solo para poder verle, pero precisamente ese año estaba fuera. -Lo que me parece es que tu trayectoria vital está marcada por tus deseos. -Puede que sí. Siempre supe de una forma demasiado temprana lo que quería. Mi madre y yo hemos hecho memoria muchas veces de cuál podía ser la razón por la que, con solo cinco años de edad, le expresé claramente la firme voluntad de convertirme en bailarín. Tal vez porque viera las clases de ballet de mi hermana... Lo tuve todo extrañamente claro. -¿Esa forma de seguir tus deseos es la que te ha guiado en tu trayectoria? -Los deseos unas veces se cumplen y otras no, pero si se quiere una cosa, la vida a veces te ofrece la oportunidad de encontrar tu camino, por eso siempre hay que intentarlo. -Y a Forsythe, ¿También lo querías conocer? Esta vez sí lo lograste. -Sí, claro, soñaba con ello. Yo siempre buscaba una especie de guías, quería aprender de los creadores que me han interesado, e intenté encontrar la manera de llegar a él. -¿Cómo lo hiciste? -En un viaje a París, donde iba a visitar a mi hermano, nada más apearme del tren en la Gare du Nord, veo un cartel anunciando al Ballet de Frankfurt en el Teatro Chatelet. Entonces, di media vuelta y regresé a Amberes: ¡No me había traído mi ropa de baile! Volví a por ella y me presenté en el teatro. -¿Fue fácil acceder a Forsyte? -Sí, me pareció una persona muy amable, de carácter abierto y simpático. Lo malo es que no me vio bailar. Pude incorporarme a las clases de la compañía pero Forsyte no pudo presenciarlas. Sin embargo, el último día cuando nos despedimos me comentó que le habían dicho que yo bailaba muy bien. -¿Te contrató? -Todavía no. Fue poco después. Yo estaba en Nueva York y de repente Forsyte acudió a montar una coreografía para el New York City Ballet. Para mi sorpresa, me telefoneó y me dijo: "tengo un descanso de una hora, quedamos, si te parece, en la cafetería del Lincoln Center". Y allí acudí lleno de ilusión, aunque luego casi consigue desesperarme. -¿Por qué? -Él solo tenía una hora y hablaba y me preguntaba sobre arte, curiosidades sobre mis puntos de vista, etc... Y yo veía que el tiempo se acababa y que no me había hecho la prueba de danza. Yo seguía siendo amable y disimulando mi "desesperación" interior, se esfumaba mi gran oportunidad. Entonces, cuando pensé que ya era demasiado tarde, me preguntó "¿Quieres que te enseñe algo?", y me mostró mi contrato para que lo firmara. -¿Sin saber cómo bailabas? -Lo hizo porque confiaba en el criterio de los maestros de su compañía que así le habían aconsejado. -Una bonita historia, ¿Cuánto tiempo has estado bailando para Forsythe? -Treinta años. -¿Cuál es el ballet de Forsythe que te trae más recuerdos? -Quizás "Vertiginous". Lo estrenamos en el 96. Además, cuando el San Francisco Ballet quiso estrenarlo, William me envió a mí para montarlo. -Y ahora, ¿Dónde vas a irte? -Me marcho a Berlín unos días de vacaciones y luego regreso a NY, que es donde vivo actualmente. -¿Eres freelance? -Sí, aunque a veces sí recibo encargos del mismo Forsythe para montar sus obras, soy independiente. He montado unos 12 ballets suyos para diferentes compañías. -Para terminar, ¿Qué consejo darías a los jóvenes bailarines que aspiran a desarrollar una carrera? -Les aconsejaría que hay que ser muy apasionado con lo que se quiere, y también que no se lo tomasen todo personalmente, es decir, que si acuden a una audición y no les seleccionan, que no se desmoralicen y piensen que es porque ellos no valen. Ahora que estoy en el lado de los que escogemos, me doy cuenta de que en muchas ocasiones buscamos un perfil concreto con una determinadas características físicas para un papel determinado, por lo que tienen que tratar de no decepcionarse y seguir. MERCEDES ALBI

El ballet fue protagonizado por Marianela Núñez y Vadim Muntaguirov -Dos veces ganador del ‘oscar del ballet’, el ruso debuta en el Teatro Costanzi junto a la argentina de la técnica estándar de oro -El primer italiano que alcanzó la categoría de principal en el mítico Bolshoi, Jacopo Tissi se estrena como invitado de la compañía dirigida por Eleonora Abbagnato -Restan seis funciones hasta el sábado que también contarán con la bailarina principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam Maia Makhateli Exitoso retorno de José Carlos Martínez a la Ópera de Roma donde anoche la reposición de El Corsario obtuvo una gran ovación. Premio Danza & Danza como mejor producción clásica de 2020, la versión del coreógrafo cartagenero sobre el ballet original inspirado en un poema de piratas de Lord Byron estuvo protagonizada en su vuelta por Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, estrellas en The Royal Ballet de Londres, considerada una de las cinco mejores compañías del mundo. El Teatro Costanzi volverá a recibir en la función vespertina de mañana día 12, a la pareja conformada por la argentina poseedora de la técnica estándar de oro y el ruso ganador de dos Benois de la Danse, el ‘oscar del ballet’. Una historia de piratas. Basándose en el poema The Corsair de Lord Byron, Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges firmó el libreto original que desembocó en la primera versión del ballet coreografiada por Joseph Mazilier sobre la partitura original de Adolphe Adam. El estreno tuvo lugar en la Ópera de París, el 23 de junio de 1856. Esta obra se incorporó al repertorio internacional gracias a las cuatro versiones que realizó Marius Petipa para el Ballet Imperial Ruso, para las que añadió nuevos arreglos orquestales de Cesare Pugni, Léo Delibes y Ricardo Drigo (grand pas de deux classique para la Prima Ballerina Assoluta Pierina Legnani, estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, 13 de enero de1899 y popularizado en el siglo XX por las parejas Margot Fonteyn-Rudolf Nureyev, Ekaterina Maximova-Vladimir Vassiliev, Gelsey Kirkland-Mikhail Baryshnikov). Martínez, patente de corso. «Cuando me planteé hacer un nuevo ‘Corsario’, para mí era importante preservar la tradición, pero al mismo tiempo quería hacer un ballet de nuestros días. Seleccioné diferentes fragmentos icónicos del ballet y en torno a ellos construí una nueva dramaturgia, porque la original era muy complicada y creo que el público actual necesita algo más dinámico y sencillo. Cuando coreografías un ballet con argumento es esencial que el público entienda la historia, así que todos los cambios que he hecho han sido para hacer el ballet más dinámico y para simplificar la trama», asegura quien fuera estrella de la Ópera de París y anterior director de la Compañía Nacional de Danza. El Romanticismo encumbró a la figura del pirata como icono de libertad y rebeldía. Así surgió el poema de Lord Byron que dio pie a este ballet cuya triada central eran el pirata Conrad, su amada Medora y el esclavo del primero, Ali. La principal innovación de Martínez es que prescinde del rol de este último, para reforzar el protagonismo de Conrad. «En la versión original, están los protagonistas, Conrad y Medora, y el esclavo Ali que es quien baila las variaciones solistas con toda su carga técnica. En mi versión, Conrad baila mucho más, tiene muchas más variaciones y pasos a dos, por lo que se convierte en el protagonista de la obra», explica el coreógrafo cartagenero. Estrenada el 1 de marzo de 2020 por el Teatro dell’Opera di Roma –cuyo ballet se halla bajo la dirección artística de Eleonora Abbagnato-, la versión de José Carlos Martínez se hizo con el Premio Danza & Danza como mejor producción clásica del año. De aquí hasta el sábado quedan aún seis funciones que contarán en los roles protagonistas con invitados de la talla de Maia Makhateli (bailarina principal del Het Nationale Ballet de Ámsterdam), quien se quitará la espina después de haber sido canceladas sus funciones en 2020 por la irrupción de la pandemia, y Jacopo Tissi (ex bailarín principal del Teatro Bolshoi de Moscú y bailarín principal invitado de La Scala de Milán), quien debuta como invitado del Teatro dell’Opera di Roma. Ellos se meterán en la piel de Medora y Conrad los días 11 y 13. Además, protagonizarán varias actuaciones diversas figuras de la Ópera de Roma como la pareja formada por la estrella Susanna Salvi y el primer bailarín Alessio Reza (días 12 matineé, 14 y 15), y la pareja formada por la solista Federica Maine y Simone Agrò (14, matineé). Marbella, próxima parada. Finalizadas las actuaciones de El Corsario con el Teatro dell’Opera di Roma, la estrella de la Ópera de París y anterior director de la Compañía Nacional de Danza José Carlos Martínez retorna a su país para presentar la Gran Gala de Estrellas de la Danza, que tendrá lugar el 15 de mayo, en el Teatro Ciudad de Marbella (Plaza Ramón Martínez, 3, Marbella). Iratxe de Arantzibia

“Querencia” el nuevo espectáculo que la Compañía de Antonio Najarro ha estrenado en el Teatro Mira de Pozuelo ha sido todo un acontecimiento. El simple hecho de que una compañía privada, en los tiempos que corren, asuma el resigo de poner en marcha una obra con 16 bailarines, ya es de por si algo muy meritorio. “No te puedes imaginar el dineral y el esfuerzo que me ha costado esta producción. Pero siento la responsabilidad de llevar la danza española como se merece a través de una compañía privada”, nos comentó Antonio Najarro. El estreno ha sido un éxito. “Querencia” atrapó al espectador en esa especial nube de felicidad que proporciona el placer de contemplar algo único. El artista es creador de universos, generador de mundos inexistentes hasta que estos cobran forma y se ofrecen a su público. Y eso fue lo que sucedió, sentimos que todos se habían entregado. Se nota que han dado todo. Los once cuadros que componen el ballet están unificados por la línea estética de corte elegante e innovador de Antonio Najarro. Los aderezos empleados fueron perfectos: el vestuario de Yaiza Pinillos se conjuntaba con la logradísima iluminación de Pua Fullana. En el cuadro V, por ejemplo, se apreciaba incluso la armonía de las luces de los focos con los colores de los mantones de las bailarinas, cual sutil arco iris; la partitura de Moisés Sánchez se acopló muy bien con las danzas, alternando algún momento de lirismo con la fuerza rítmica que exige el coreógrafo. Y es que “Querencia” es un mosaico. Cada una de sus once partes tiene una personalidad propia, siempre bajo la distinta inspiración de las ramas que conforman la danza española, unas piezas más boleras, otras más flamencas y otras, como el cuadro VIII, inspiradas en el folklore. Y ahí es donde surge la verdadera naturaleza de los intérpretes. “¡Qué bien han bailado!”, era el comentario unánime que a la salida se repetía entre los maestros invitados al pre-estreno. Destacaron los pasos a dos como el que Tania Martín y Carlos Romero que bordaron el cuadro II; o el de Cristina Cazorla y Daniel Ramos en el Cuadro IV con su exhibición de arte bolero; Lo solos de Carlos Romero (en el Cuadro Sexto, muy bien arropado por Álvaro Madrid, Izán Soriano, Alejandro Lara, y Álvaro Brito), Lidia Gómez (Cuadro VII) y el del penúltimo cuadro, donde Daniel Ramos hace todo un alarde de su gran personalidad. Las partes de conjunto, o los tríos como el cuadro IX (Tania Martín, Álvaro Madrid y Alejandro Lara)… Y es que nada se repetía, cada cuadro era diferente, contribuyendo a una amenidad de todo el conjunto que se unificaba por la línea estética del sello Najarro. Los que fuimos al Teatro Mira de Pozuelo tuvimos la sensación que asistíamos a la botadura de un mágico navío, que se dispone a surcar los mares del mundo enarbolando el estandarte de la danza española. Próximamente la nave arribará a los puertos de Corea y Francia. Y emprenderá rumbo de regreso a España donde participarán en Los Veranos de la Villa de Madrid con orquesta en directo (Patio Conde Duque), Festival de Jerez… Muchos éxitos y buen viaje. MERCEDES ALBI Fotografía: Roberto Sastre

El bailarín y coreógrafo argentino Mariano Luraschi viaja este verano al Encuentro Con Los Maestros que se celebra en Asturias. Hablamos del proyecto pedagógico y artístico impulsado por María Herrera, con el apoyo del Ayuntamiento de Ribadedeva, que acumula seis años de historia y por el que han pasado artistas tan relevantes como Antonio Canales, Daniel Doña, La Lupi, Maribel Gallardo, Ángel Rojas, Currillo Franco y otros maestros de la danza española y el flamenco. El proyecto vuelve a Colombres, la capital del concejo asturiano de Ribadedeva, del 21 de agosto al 4 de septiembre, para producir un nuevo espectáculo de danza española y música hispanoamericana. Este año, en homenaje a la emigración española a la Argentina: “El día que me quieras. Ser Gardel “. Mariano Luraschi es Profesor Nacional Superior de Danzas Nativas y Folklore y ha estado a cargo del Ballet Nacional Folclórico de Argentina hasta marzo de 2022. Asiste al Encuentro Con Los Maestros en su calidad de coreógrafo invitado y prescriptor internacional. Durante su estancia en Colombres coincidirá con artistas y profesionales del sector de la danza y la cultura españolas, destacando la presencia de Maribel Gallardo, Medalla de Oro a las Bellas Artes 2021; Manuel Segovia, Premio Nacional de Coreografía y miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas Española; y con jóvenes creadores y creadoras emergentes del ámbito de la música y la danza. Tiempo y espacio para el diálogo entre la danza y la música, española e hispanoamericana. La iniciativa ya ha dado mucho de sí, tanto como la creación y exhibición de varios espectáculos en homenaje a la emigración española a Cuba, México y Perú; la obra de danza teatro “De Vuelta a España” en defensa de la igualdad, la tolerancia y la no violencia a través de la música y la danza; dos álbumes de música con las grabaciones en directo de algunos de los espectáculos, que se pueden escuchar en las plataformas más importantes del panorama musical. Por Colombres han pasado ya más de cien jóvenes entre músicos, bailarines y bailarinas procedentes de distintas regiones españolas y del extranjero (Argentina y Japón). En su sexta edición, la formación musical en el Encuentro Con Los Maestros, La Nueva Indiana, estará compuesta por Celia Ortega (voz), Mario Millan (Voz) Celia González (Piano) Juanma de las Heras (percusión) Santi Galguera (instrumentos tradicionales) y Pedro García (guitarra), que cumplirán con el encargo de dar vida a un repertorio repleto de canciones argentinas que acompañarán a las danzas populares y regionales, folclórica, estilizada y el baile flamenco, dirigidas por los Maestros Maribel Gallardo, Manuel Segovia, Currillo Franco y Violeta Ruiz Del Valle, el musicólogo y danzarín tradicional asturiano Santiago Galguera y el argentino Mariano Luraschi, que podrá mostrar las mezclas entre las danzas argentinas con elementos culturales españoles e indígenas. Este año, además, se promoverá el rodaje del primer cortometraje del joven artista multidisciplinar Abel González (Abelgonal) que se presentará en 2023 en el festival de cortometrajes al aire libre Ribadedeva En Corto (REC), con el fin de abrir el proyecto a las artes visuales. Las funciones ante el público serán el viernes 2 y el sábado 3 de septiembre en la Fundación Archivo de Indianos-Museo de la Emigración de Colombres.

Una de las más gratas noticias sobre danza española acontecida estos días, ha sido la reciente aparición de una nueva publicación en tres volúmenes bajo título: “DANZA ESPAÑOLA Arte Coreográfico de Representación Escénica I, II y III” (Ed. Si bemol), escrito por Ángeles Arranz del Barrio, Doctora en Artes y Humanidades, Miembro del Consejo Internacional de la Danza CID UNESCO. Quedo con ella en el Café Comercial de Madrid. Nos rodean esas luces estilo art deco que no se apagan nunca y se mantienen encendidas aún en mediodía, ofreciéndonos, al igual que los escenarios, una sensación atemporal. Es el lugar adecuado para que paseemos juntas por los recuerdos de una vida dedicada plenamente a la danza. Ángeles tiene una cara muy española de facciones armoniosas y ojos risueños. Ella contiene una mezcla especial de dulzura y firmeza a partes iguales. Se emociona fácilmente, habla desde el corazón, mostrándose tal y como es. Por eso llevó a cabo aquello que amó, por eso ahora escribe... Sus tres libros dan muestra de ello. -¿Cómo fue que nació en ti el duende de la danza? -Lo mío fue totalmente vocacional, desde que tengo uso de razón, sin saber porqué, ya iba bailando por mi casa. Además tuve la suerte de tener en el colegio como profesora de ballet a Doña María Ibarz, de quien conservo un gran recuerdo. -¿No eres de familia de bailarines? -Para nada. Mi madre tenía una perfumería y dio la casualidad de que una de sus clientas era Mariemma. -¿Y te vio bailar? -Verás, lo que sucedió fue que mi madre habló con Mariemma sobre mi gran afición al baile y le pidió consejo sobre qué hacer conmigo. Yo tenía unos 10 años y gracias a ella entré en el conservatorio. -¿Si piensas en Mariemma qué te acude a la mente? -Era maravillosa y creo que me tenía mucho aprecio. Solía decirme que yo era muy expresiva. Te contaré una anécdota. Una vez me comparó con una artista antigua (prefiero omitir el nombre). -Bueno, si no quieres que lo escriba, pues no lo pongo. Respeto la modestia y la confidencialidad. -La cuestión fue que Mariemma me hizo aquel cumplido, sobre que yo era como tal bailarina antigua, pero que me faltaba técnica. Te confieso que al principio no lo entendí porque yo no sabía nada sobre la historia de la danza. Por eso a mis alumnos siempre les recalco la importancia del conocimiento. Y cuando conseguí enterarme de con quien me había comparado ¡Casi me paso una semana llorando! Yo quería tener técnica. -Entonces, terminas tu formación en el conservatorio, donde tienes como profesor de flamenco a Paco Fernández y de ballet a Aurora Pons, y sales al mundo... ¿Con quién trabajas? -Primero con la compañía de Teo Santelmo y Ricardo Mondrego, a continuación en la compañía de Rafael de Córdova, luego en la de María Rosa, de cuerpo de baile y posteriormente como solista; también bailé para la Compañía Lírica, donde estaba Alberto Lorca dirigiendo la parte de danza. Allí estaba como primer bailarín Martín Vargas... Y, entonces, me seleccionaron para entrar en la Escuela del Ballet Nacional de España bajo la dirección de Antonio Gades; cuando Antonio El Bailarín le sucedió en el cargo me incorporé al elenco del BNE. -A Antonio le sigue el periodo de dirección de María de Ávila... -Sí, pero a partir de ese cambio de dirección yo no continué. Eran años muy complicados en los que los bailarines luchábamos por el reconocimiento de nuestros derechos. Emprendí un nuevo rumbo. -¿En solitario? -No especialmente, aunque sí buscando mi libertad y tratando de explorar nuevas capacidades expresivas. Fue mi época parisina. Allí entré en el Teatro Arte Flamenco que dirigían Renato Moscatel y Carmen García. He hecho cosas muy locas (ríe). -¿Como cuáles? -La compañía de Renato y Carmen eran muy innovadores, imagínate que hicimos un Guernica flamenco. Mi época parisina la recuerdo como algo maravilloso. Me abrió la mente a la danza contemporánea. Había todo un mundo por descubrir ¡Y me vine arriba! No se cómo me atreví... -¿Te atreviste a qué? -Me presenté para representar a España en la modalidad de danza contemporánea en el Concurso de Danza de la Villa de París. Se celebraba cada dos años en la Opéra-comique. -¿Ganaste? -No, pero pasé todas las fases hasta la final, lo cual implica una gran temeridad por mi parte ¡Yo no era bailarina de danza contemporánea! Por cierto, ese año sí ganaron unos españoles en la sección de ballet clásico: Arantxa Argüelles y Antonio Castilla, que se presentaron por parejas y obtuvieron el primer galardón. Era el año 1986, mi pieza era una rondeña, baile libre de inspiración española que bailaba descalza con un vestido tipo camisón; después mi otro número lo interpretaba junto con un músico japonés, Moto. Él con su instrumento, el koto, iba al compás por alegrías, esa era la clave secreta entre nosotros... Ja, ja, me estás haciendo recordar. -Lo que me sorprende mucho de ti es tu capacidad para reinventarte. -Hice lo que sentía que debía hacer, si miro atrás casi me asusto de mi osadía. Lo cierto es que en aquel momento, el flamenco se abría a nuevas tendencias. Fue la línea que yo emprendí, y decidí regresar a España y montar mi propia compañía que se llamaba De Danza Española Conteporánea con el espectáculo de Danza Flamenco Contemporáneo, y llegué a contar con trece bailarines. -¿Qué años fueron los de tu compañía? -La tuve desde el 87 al 92, un tiempo de trabajo muy intenso, en el que me veía obligada a alternarla con mi baile en salas de fiestas, pues la compañía no me generaba ingresos suficientes para vivir solo de ella. -¿Hasta cuando has estado bailando en escena? -Lo hice hasta el momento en que comprendí que ya mi tiempo había pasado. -¿Cómo se da uno cuenta de ese momento? -Lo sentí en la sala Revólver al ver bailar a una joven. Entonces, me impresioné. Vi aquellos pies tan ágiles, aquella energía... Era Sara Baras. En aquél instante fui consciente de que mi momento de decir adiós había llegado. -Y emprendes un nuevo rumbo como maestra, ¿Cómo y por qué has llegado a publicar estos 3 libros? -Son fruto de la tesis doctoral que defendí en 2015, bajo la dirección de Eduardo Blázquez Mateos y codirección de Laura de Miguel. Desde el 2007 empecé como docente en el Instituto Alicia Alonso de la Universidad Rey Juan Carlos y escogí la asignatura de Metodología y Didáctica de la Danza. Poco a poco fui sintiendo la necesidad de dar forma a un marco teórico de la metodología de la danza española. Estos tres volúmenes son el resultado de mis vivencias e investigaciones. -La presentación de tus libros en la Sala Manuel de Falla en la sede de la SGAE ha sido todo un acontecimiento. -Me siento muy feliz. Fue una preciosidad de acto. Se llenó la sala. Asistieron estrellas de la danza que iluminan este universo tan mágico y único en el mundo. Todavía me dura la emoción asimilando todo el amor y cariño que he recibido de esta profesión. MERCEDES ALBI Fotografías: archivos de Ángeles Arranz

El próximo día 6 de Mayo, la Compañía Antonio Najarro ofrecerá un ensayo general para invitados V.I.P. de uno de sus espectáculos más ambiciosos. El ensayo general tendrá lugar a las 19:00h en el Mira Teatro de Pozuelo de Alarcón. Los días 7 y 8 de mayo, la Compañía Antonio Najarro estrenará su nuevo espectáculo ’Querencia’ en el Mira Teatro de Pozuelo de Alarcón. Antonio Najarro afronta su sexta producción a cargo de su compañía de danza, con el deseo de revisitar sus orígenes, y lo hace a lo grande. Un espectáculo compuesto por 11 cuadros y con 16 bailarines en escena y música original interpretada por orquesta sinfónica, convirtiendo a su compañía en la compañía de danza privada de Danza Española con mayor representatividad nacional e internacional de los valores, historia y contenido de toda la Danza Española. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Ballet Nacional de España presenta 'Invocación' en Valencia del 21 al 24 de abril · Ofrecerá cuatro funciones del 21 al 24 de abril, acompañada por la Orquestra de la Comunitat Valenciana dirigida por Manuel Busto · El programa está formado por dos coreografías de Rubén Olmo, una de Antonio Najarro y un homenaje al creador flamenco Mario Maya Los días 21 a 24 de abril, el Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Rubén Olmo, abrirá la temporada de danza del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia con una visión global de casi todos los estilos de la danza española. Invocación, programa cuádruple estrenado en 2020, está formado por coreografías de Rubén Olmo y Antonio Najarro, e incluye un homenaje a Mario Maya, uno de los pioneros del flamenco teatro en Andalucía. La Orquestra de la Comunitat Valenciana, dirigida por Manuel Busto, y los músicos y cantaores flamencos del BNE acompañarán en directo a los más de 40 bailarines de la formación. “Es un programa muy completo en el que se puede disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario, un ballet de la más pura danza estilizada y una de las escasas coreografías recientes de escuela bolera”, asegura el director del BNE. Invocación se abre con la coreografía de escuela bolera Invocación bolera.Este estilo es una de las disciplinas más difíciles de la danza española por la rapidez de sus pasos y saltos, y la utilización de pasos de ballet clásico junto a las castañuelas o palillos. Rubén Olmo actualiza en esta obra la esencia de la escuela bolera tradicional, además de rendir un homenaje a los grandes maestros que marcaron la línea a seguir de este estilo. La música de Invocación bolera es una composición contemporánea original encargada por el Ballet Nacional de España al joven compositor y director de orquesta sevillano Manuel Busto, que posteriormente ha participado también en la partitura colectiva de La Bella Otero. El vestuario fue diseñado por Pedro Moreno para la obra Fandango del Padre Soler, estrenada por el Ballet Nacional de España en 1988, y ha sido adaptado por el propio diseñador para esta obra. El mismo dúo creativo de Rubén Olmo y Manuel Busto es el responsable de Jauleña, un solo que entrelaza varios estilos de danza, con especial protagonismo del zapateado y la granaína. En Valencia se turnarán sobre el escenario como intérpretes Miguel Ángel Corbacho, asistente del director, y José Manuel Benítez, bailarín solista. Eterna Iberia, de Antonio Najarro, completa la primera parte del espectáculo. Se trata de una coreografía de danza estilizada, estrenada por el Ballet Nacional de España en 2019, que utiliza elementos tradicionales de la danza española como la capa y el sombrero cordobés. La música fue compuesta originalmente por Manuel Moreno Buendía para el ballet Eterna Castilla, de Antonio Ruiz Soler, y editada posteriormente en forma de suite con el título Celtiberia. El sofisticado vestuario de Yaiza Pinillos representa la riqueza de nuestro territorio con la utilización de los colores azul, verde y granate para representar tres de nuestras riquezas: el mar, los olivos y el vino. El flamenco toma el protagonismo en la segunda parte del programa Invocación con la inclusión por primera vez en el repertorio del Ballet Nacional de España de una coreografía de Mario Maya, un referente de la danza española por su genialidad y sensibilidad. Fallecido en 2008, fue un pionero del flamenco teatro, autor de montajes arriesgados e innovadores, y uno de los investigadores más incansables de nuestra época. Rubén Olmo ha seleccionado De lo flamenco porque, en su opinión, este montaje de Mario Maya, estrenado por la Compañía Andaluza de Danza en 1994, refrescó por su estilización y movimiento la forma de hacer y de sentir el flamenco en el escenario, sobre todo con una gran compañía de bailarines. ”Aun ahora sigue siendo innovador y totalmente diferente al resto”, asegura Rubén Olmo. El montaje de De lo flamenco que el Ballet Nacional de España difiere del original de Mario Maya, Milagros Menjíbar, A. Rueda ‘Toná’ y Manolo Marín en las dos coreografías nuevas firmadas por dos colaboradoras habituales de Mario Maya: Romance del emplazado, de Rafaela Carrasco; y Taranto, de Isabel Bayón. En esta reposición también han colaborado artistas que formaron parte del elenco original, desde el maestro repetidor Manuel Betanzos al músico Diego Carrasco, uno de los autores de las canciones, junto a Jesús Torres, Moraíto Chito y Los del Río. El vestuario es una réplica del original diseñado por Mario Maya y ha sido pintado a mano por Juan Andrés Amaya. Coincidiendo con la actuación del Ballet Nacional de España en Valencia, un grupo de 25 niños del programa de prevención y fortalecimiento familiar de Aldeas Infantiles SOS en Valencia asisten el 20 de abril al taller pedagógico en el Aula Magistral del Palau de les Arts y, posteriormente, al ensayo general del espectáculo. Esta actividad, incluida en el programa didáctico Les Arts és Educació del Palau de les Arts, la imparten el primer bailarín Sergio García, la maestra repetidora Maribel Gallardo y la responsable del Departamento de Actividades Pedagógicas, Belén Moreno. Los tres integrantes del Ballet Nacional de España descubren a los niños la danza española a través de sus elementos más característicos, como el mantón, las palmas, el calzado y las castañuelas. La actividad se apoya también en materiales didácticos interactivos editados por el Ballet Nacional de España, como un libro ilustrado, tres cuadernillos con realidad aumentada y un videojuego. Invocación Ballet Nacional de España Palau de Les Arts Reina Sofía Valencia 21-24 abril 2022, 20 h. (excepto domingo, 18 h.) Programa: Invocación bolera, de Rubén Olmo Jauleña, de Rubén Olmo Eterna Iberia, de Antonio Najarro De lo flamenco. Homenaje a Mario Maya, de Mario Maya, Milagros Menjíbar, A. Rueda ‘Toná’, Manolo Marín, Isabel Bayón y Rafaela Carrasco. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Casi no se habían apagado los aplausos con que el público ovacionó la Gala del XX Aniversario del Conservatorio Carmen Amaya, celebrada en el Auditorio de la Universidad Carlos III de Leganés, cuando visitamos en su sede a Marisa Mateo, su actual directora. El Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya es un edificio moderno y luminoso ubicado en una calle con nombre de presagio: avenida de la Felicidad. Nada más acercarnos una mezcla de sonidos nos da la bienvenida, en el aire convergen notas de piano con el golpeteo rítmico de las castañuelas marcando la clase de danza. Y es que la danza comparte sus instalaciones con el Conservatorio Profesional de Música Victoria de los Ángeles. Esta convergencia espacial entre la música y la danza contribuye a definir en cierta forma lo que allí se crea. No es pues mera casualidad el reto que Marisa decidió afrontar en la gala de Leganés, cuando se decidió como novedad bailar en directo acompañados por la Orquesta de la Universidad Carlos III de Madrid, dirigida por Jerónimo Marín. Nada más hablar con Marisa se nota que es una persona muy inteligente de las que saben ponderar los límites, sin que ello le impida llevarlos al máximo. Y es que su innata pasión queda moderada por su racionalidad, porque para ella la danza es un más difícil todavía que se realiza a base de constancia, sin escatimar esfuerzo alguno. -¿Cómo te sientes después del éxito obtenido en la celebración de la Gala del XX aniversario? -Muy bien. Ha sido la primera vez que actuamos con orquesta en directo. Todo un privilegio. -¿Pasasteis muchos nervios? -Lo más complicado fue actuar con la orquesta en directo. Ten en cuenta que solo ensayamos con ellos dos días antes. Nada más. En el primer ensayo casi nos pareció que iba a ser imposible. -Dicen que existe un duende del teatro que hace que aunque el ensayo general sea un fracaso, súbitamente hace que todo salga perfecto en el estreno. -No sé si será cosa del duende o de que tanto la orquesta como los alumnos se portaron brillantemente. Son excelentes, estoy muy orgullosa de ellos. El próximo 28 de abril celebraremos en ese mismo auditorio de Leganés Amalgama. -¿Qué es Amalgama? -Es una experiencia interdisciplinar en la que participan 140 de nuestros alumnos con 150 estudiantes de música del Conservatorio Victoria de los Ángeles con los que compartimos sede. Llevamos varios años haciéndolo. -¿Actúan todos a la vez? -No, hay 2 elencos que los dividimos en 2 funciones. Es un trabajo que implica muchísima coordinación entre músicos y bailarines que van saliendo a escena de forma encadenada. A diferencia con la gala, en Amalgama participan alumnos de todas edades. -¿Cuantos alumnos tenéis en el centro? -Unos 270 alumnos, desde el grado elemental a las tres especialidades de enseñanzas profesionales de danza: clásica, español y contemporáneo. -¿Cuál es tu rama? -Yo provengo de la danza clásica. Nací en Palma de Mallorca y me vine a Madrid a los 16 para formarme, aunque también hice danza española y tuve maestras tan destacadas como Betty y María Magdalena, terminé decantándome por el ballet. -Pero tu creo que has estado muy vinculada a la gimnasia rítmica ¿Has sido gimnasta? -No, verás, yo sentí muy pronto la vocación docente y, entonces, me ofrecieron ser parte del equipo técnico de la Selección Nacional de gimnasia rítmica como coreógrafa y profesora de ballet. Fue una experiencia maravillosa. Imagínate que obtuvimos la medalla de oro en las olimpiadas de Atlanta en la modalidad de conjunto en 1996. Era la primera vez que esta modalidad se consideró categoría olímpica y ¡Quedamos campeonas! Tengo muy buenos recuerdos de los cinco años que estuve con ellas. Después centré mi actividad en los conservatorios. -Ahora que recientemente asumiste las tareas de dirección en el Conservatorio Carmen Amaya ¿Consideras que ha sido un período especialmente dificultoso? -Sí, lo ha sido, porque empecé justo después del confinamiento y en aquel momento había mucha incertidumbre.... Pero hemos ido afrontando todas las dificultades que han surgido. Afortunadamente yo no partía de cero, pues mi experiencia en la jefatura de estudios durante seis años es lo que me ha posibilitado salir airosa de la situación. -De todas formas, pienso que aquel mundo de antes de la pandemia, no ha regresado todavía, ¿Qué opinas sobre esto? -Nos encontramos todavía en fase de recuperación, aun sufrimos las consecuencias de lo sucedido. -¿En qué notas que no se ha recuperado el pulso anterior? -Por ejemplo, bajaron mucho las matriculaciones de los más pequeños, sin embargo, no las de los mayores, porque estos tienen más claro lo que quieren. -Sí, yo todavía noto que aunque en general todo el mundo trata de que las cosas despierten, aun se siente que algo todavía está como apagado. -Existe un enorme deseo de que todo vuelva a ser como era antes de la pandemia. Esa es una de la razones por la que la gala del XX Aniversario fue tan emotiva: era la primera desde hacía dos años que nuestros bailarines podían salir a escena sin mascarilla. Y aunque el público no los pudo ver entre cajas lloraban de emoción, sí hubo un algo especial que se generó en el ambiente. -¿Cuándo pueden inscribirse los alumnos para el nuevo curso? -El período de inscripción para las pruebas de acceso se va abrir muy pronto. Será del 19 de abril al 4 de mayo. Si no se inscriben dentro de este margen de tiempo, luego no podrán hacer las pruebas de acceso en próximo mes de junio. En nuestra web viene toda la información. -¿Qué se busca para que un alumno supere las pruebas de acceso? -En los primeros cursos lo que se valora es que el niño tenga aptitudes (nivel físico, elasticidad, musicalidad, coordinación...); y en los mayores se necesita que hayan alcanzado un adecuado nivel técnico y de conocimientos correspondiente al curso que quieren acceder. -Lo cierto, es que no paráis. -Tratamos de hacer lo más que podemos para lograr que nuestros alumnos puedan seguir el camino profesional con el que sueñan, algo que se construye poco a poco y día a día. Detrás de cada bailarín siempre hay una vida de esfuerzo, formación y sacrificio. MERCEDES ALBI

Una de las cosas que dan aliciente a la vida son los "planes". ¿Qué son planes? Hay que hacer planes diferentes si se desea estimular el espíritu. A continuación sintetizo los consejos y características que a mi entender debe tener un buen plan: 1-Que sea novedoso, es decir, que nunca antes se haya realizado. 2-Que posea un elevado componente artístico. 3-No es necesario desplazarse a tierras lejanas, puede efectuarse en tu propia ciudad. 4-Para llevar a cabo un buen plan es mucho más importante la imaginación y la sensibilidad que el dinero. Se dice que hay dos tipos de "viajero" el de brújula y el de mapa. Para disfrutar de un itinerario artístico es mejor serlo de brújula, ya que es imprescindible dejase guiar por el instinto con la mente siempre abierta al placer de los sentidos. La inauguración esta semana de la exposición Antonio Gades, Tierra, mar y fuego, en la sala de Exposiciones del Teatro Fernán Gómez, nos brinda la posibilidad de vivir un "planazo" con inmersión total en el arte de la danza, a través de la figura de un gran genio cuyo espíritu sigue entre nosotros, gracias a la labor de la Fundación Antonio Gades -dirigida por Eugenia Eiriz y presidida por María Estévez- y a los bailarines de su compañía. Porque si el plan que propongo debe iniciarse con la visita a la exposición, lo ideal sería complementarlo acudiendo al Teatro Magno, donde se representa el espectáculo "Suite Gades". El Teatro Magno es un lujo en si mismo. Fue el antiguo Teatro Arniches, situado en un edificio cuya historia se remonta a 1906 y conserva ese encanto de los pequeños cabarets y teatros de variedades decimonónicos, en su mayoría desaparecidos. "Suite Gades" se representa en dos pases, de jueves a domingo con Stela Arauzo y solistas de la compañía Antonio Gades (María José López, Alvaro Madrid, Miguel Lara con Enrique Bermúdez, el Piculabe y Saúl Quirós, al cante, acompañados de la guitarra de Diego Franco y Jesús del Rosario). La exposición entra por los ojos. Desde su inicio llama la atención por su amplitud y el visitante, enseguida, queda atrapado por la atrayente estética de la muestra, que le hará penetrar en la vida de Antonio Gades con una distribución cronológica y por temas muy bien trazada. Las filmaciones y el vestuario aderezan el valioso contenido gráfico de la muestra. También las cartelas conteniendo frases del artista sobre anécdotas de su vida, pensamiento y búsqueda escénico-coreográfica, sintetizan muy bien su arrolladora personalidad. Por tanto, la exposición no solo es atractiva para el aficionado a la danza, sino que va dirigida a un público culto de amplio espectro. Cualquier persona interesada en la historia, la fotografía o el diseño podrá disfrutarla y enriquecerse con el legado de Antonio Gades. Porque tal y como cuenta Caballero Bonald, en un párrafo reproducido en la exposición: <> Y si a continuación, una vez imbuidos por el genio de Antonio Gades, se acude al Teatro Magno para ver como este sigue vivo en sus bailarines, la velada será algo inolvidable. MERCEDES ALBI https://www.teatrofernangomez.es/actividades/antonio-gades

La Compañía Nacional de Danza acoge a cinco bailarinas ucranianas para que puedan continuar sus trayectorias profesionales Las jóvenes formaban parte del Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania hasta que estalló la guerra Se han integrado en el programa de Talento Emergente de la compañía para poder seguir entrenando a nivel profesional y desarrollando su potencial artístico La Compañía Nacional de Danza (CND), unidad artística dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), acoge estos días a cinco bailarinas ucranianas para que puedan seguir desarrollando su actividad profesional tras ver interrumpidas sus carreras por la invasión rusa. Kateryna Chupina, Yelyzaveta Semenenko, Anastasiia Hurska, Aleksandra Berozkyna y Marina Lastovyna, que formaban parte del Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania, con sede en Kiev. Se han integrado en el programa de Talento Emergente de la CND para poder dar continuidad a su formación asistiendo diariamente a las clases de ballet que la compañía imparte en su sede del Matadero de Madrid y trabajando en un ambiente profesional. Las bailarinas acogidas contactaron con la CND exponiendo su complicada situación y cómo la guerra había interrumpido bruscamente sus trayectorias (entrenamientos, estrenos, funciones, etc.), por lo que necesitaban salir de su país para poder continuar Las bailarinas acogidas contactaron con la CND exponiendo su complicada situación y cómo la guerra había interrumpido bruscamente sus trayectorias (entrenamientos, estrenos, funciones, etc.), por lo que necesitaban salir de su país para poder continuar con sus carreras. Desde el 9 de marzo se han ido incorporando de forma paulatina a la Compañía Nacional, que también les proporcionó ropa de trabajo y zapatillas de ballet. La iniciativa se encuentra en la línea de otras medidas impulsadas por el Ministerio de Cultura y Deporte para paliar las consecuencias desfavorables de la guerra en Ucrania y brindar apoyo a artistas, empresas e instituciones afectadas por el conflicto. Debut con la CND en el Teatro Real Además, tres de las bailarinas ucranianas serán contratadas para las próximas actuaciones y debutarán con la CND en el Teatro Real. La compañía presentará allí su producción Giselle, con dirección de escena y coreografía de Joaquín De Luz, en cuatro funciones los días 18 (a las 19:30 horas), 20 (19:30), 21 (17:00) y 21 (21:00) de mayo. Anastasiia Hurska será bailarina principal e interpretará el rol de Myrtha en una de las jornadas y el paso a dos de Pas de Paysan en otras dos representaciones. Por su parte, Yelyzaveta Semenenko y Kateryna Chupina formarán parte del cuerpo de baile en el papel de wilis. La ucraniana Katjia Khanivkova será Giselle También de origen ucraniano es la bailarina principal Katjia Khanivkova, que actualmente forma parte de las filas del English National Ballet y que interpretará el rol de Giselle junto a Joaquín De Luz en la piel de Albrecht durante la función del 20 de mayo y junto al bailarín primera figura Alessandro Riga el día 21. más información

Del 7 de abril al 29 de mayo en la Sala de Exposiciones de este centro del Área de Cultura Exposición retrospectiva sobre Antonio Gades en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa • Antonio Gades. Tierra, mar y fuego es una importante exposición retrospectiva dedicada a una de las figuras claves de la danza y la cultura española • La muestra recorre su obra desde sus orígenes hasta su legado actual, y gira en torno a tres grandes conceptos que nutren su trayectoria: su arraigo en la tierra, su amor por el mar y su pasión representada como el fuego • Antonio Gades. Tierra, mar y fuego es una producción del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa en colaboración con La Fábrica, la Fundación Antonio Gades y el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y la Música (CDAEM) El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presenta Antonio Gades. Tierra, mar y fuego, una exposición retrospectiva dedicada a esta figura clave de la danza y cultura españolas del siglo XX. La muestra, que es una producción de este espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte en colaboración con La Fábrica, la Fundación Antonio Gades y el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y la Música, se podrá visitar del 7 de abril al 29 de mayo. Antonio Gades. Tierra, mar y fuego es una exposición que revisa y recorre su obra dancística desde sus orígenes hasta su legado actual, poniendo especial atención a tres grandes conceptos que nutren la trayectoria del artista y que se convierten en el hilo conductor del discurso expositivo: su arraigo en la tierra, su amor por el mar y su pasión representada como el fuego. A través de ellos, se propone un recorrido cronológico y temático que guiará al visitante por el universo coreográfico, escénico y fílmico de Antonio Gades. En la muestra podremos ver materiales comprendidos entre 1936 y 2005 que incluyen programas de mano, carteles, fotografías, obra gráfica original, recortes de prensa, valiosos manuscritos y audiovisuales y partituras, entre otros importantes legados recopilados por Gades. Se acompaña también de piezas de indumentaria escenográfica, que contiene tanto vestuario como algunos elementos utilizados en la representación de las distintas coreografías, y para lo que se ha contado con préstamos de la propia compañía Antonio Gades y del Ballet Nacional de España. Antonio Gades (1936-2004), es una leyenda del baile, una referencia esencial en el panorama dancístico y teatral europeo del siglo XX. Bailarín, coreógrafo e intelectual de la danza, buscó con su obra restituir la esencia de cada paso, de los que han sido definidos por la tradición, por el folclore, por el pueblo. Su obra puede ser vista como una tentativa de estudiar en profundidad la cultura española, culta y popular, y de glorificarla honrando sus raíces y sus fuentes. Siempre se mantuvo consciente, sobre todas las cosas, de que su trabajo estaba representando la herencia cultural de su pueblo, y que debía de tener cuidado para respetar su integridad, para o desnaturalizarla. Gades hablaba así de la danza, del baile: “La gente piensa que para bailar hay que ser joven, guapo, alto, delgado… Para nada es así. Bailar es expresar un sentimiento y lo puede hacer cualquiera. Probablemente una de las razones por las que nuestra compañía tiene tanto éxito es porque es verdaderamente humana. No es una compañía que danza, es un pueblo que danza”. Su encuentro en 1981 con el cineasta Carlos Saura será decisivo para la difusión de sus coreografías y juntos llevan a la pantalla el ballet Bodas de Sangre (1974). El filme obtiene un gran éxito en todo el mundo. Continuaron con la película Carmen, a la que le siguió un ballet del mismo nombre, después El amor brujo y el ballet Fuego que cerró este tándem que popularizó al flamenco. En 1994 llegó Fuenteovejuna considerada como una de las cumbres de la danza española y su última obra. Falleció en 2004. El cine se ha encargado de inmortalizar parte de la obra de este artista, pero ha sido el trabajo de la Fundación que lleva su nombre la que ha permitido traspasar su legado estilístico y coreográfico a las nuevas generaciones de bailarines, estudiantes y del público en general. Junto a esta labor, se ha podido reunir y proteger un importante archivo documental que hoy es tratado en el CDAEM gracias a un acuerdo entre la Fundación Antonio Gades y el INAEM. Este archivo refleja una época en el que la danza tomó una importancia monumental en la visión que de España se tuvo en el mundo tras la llegada de la democracia. Antonio Gades. Tierra, mar y fuego se podrá visitar del 7 de abril al 29 de mayo de 2022 en la Sala de Exposiciones en horario de martes a domingos de 10 a 19h. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&