El Ballet Nacional de España lleva la cumbre del talento de Antonio Ruiz Soler al Teatro Real de Madrid El BNE ofrecerá cuatro funciones de ‘Centenario Antonio Ruiz Soler’ del 13 al 16 de octubre El programa está formado por coreografías de flamenco estilizado, folclore y escuela bolera de Antonio, y obras de Rubén Olmo, Miguel Ángel Corbacho y Carlos Vilán inspiradas en su estilo. Hay vidas errantes en busca de un destino y destinos que están marcados desde el comienzo de la vida. En el caso de Antonio Ruiz Soler, su destino le encontró con solo cuatro años en las calles de Sevilla al ritmo de la música de un organillero y se convirtió desde entonces en Antonio el Bailarín. Triunfó en toda América con tan solo 20 años junto a Rosario y, a su vuelta a España, derramó su talento como bailarín, coreógrafo y director en decenas de coreografías y películas hasta su retirada de los escenarios en 1979. En 1981 sustituyó a Antonio Gades al frente del joven Ballet Nacional de España, con el que puso en escena una quincena de coreografías propias. Hasta su fallecimiento en 1996, sacó partido de su talento innato, haciendo crecer la danza española como pocos lo han logrado, regalándonos increíbles interpretaciones y coreografías a la altura de su destino. Para celebrar el aniversario de su nacimiento, el director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, ha diseñado el programa Centenario Antonio Ruiz Soler, que reúne montajes fieles al original de piezas clave de su trayectoria, así como creaciones inspiradas en su estilo firmadas por el director, Miguel Ángel Corbacho y Carlos Vilán. Estrenado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla el pasado 15 de abril, el Ballet Nacional de España ofrecerá cuatro funciones de este programa en el Teatro Real de Madrid del 13 al 16 de octubre. Estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Madrid, dirigida por Manuel Coves, y contará con la participación como artistas invitados de la soprano Carmen Solís y el cantaor Juan José Amador ‘El Perre’. El 5 de octubre, el Teatro Real pondrá a la venta las entradas bloqueadas hasta completar el 100% del aforo tras el cambio de la normativa en la Comunidad de Madrid. “Antonio renovó la forma de bailar y engrandeció aún más la danza española, además de ser el bailarín, coreógrafo y director más completo de la historia”, asegura Rubén Olmo. “Dominaba todas las disciplinas y creó montajes de folclore, danza estilizada, escuela bolera y flamenco maravillosos. Interpretó y coreografió películas tanto en España como en Hollywood. Era un genio y una de las figuras de la danza en España dotadas con un carisma especial. Antonio era único”, añade. Las coreografías de Antonio el Bailarín seleccionadas para el programa son Sonatas, Zapateado y Fantasía galaica. Las tres representan la cumbre de su talento dentro de tres estilos distintos: la escuela bolera, la estilización del flamenco y el folclore estilizado. La primera de ellas, Sonatas, refleja la influencia de la técnica de la danza clásica en el estilo de Antonio, que creó para esta suite una estructura de ballet clásico para una coreografía de estilo bolero que ambientó en la corte real del siglo XVIII, época del compositor de la música, el Padre Soler. La versión completa de esta obra no había vuelto a los escenarios desde su estreno en el Teatro de la Zarzuela en 1982 y la posterior gira. “Me parecía que era una obra muy rica como para que siguiera en el baúl”, señala Rubén Olmo. “Tampoco podíamos dejar de incluir el Zapateado de Sarasate. Es el solo de flamenco estilizado que quizás le dio más éxito a Antonio Ruiz Soler, así como a muchos intérpretes de danza española que después lo han interpretado. Era su sello”, continúa el director del Ballet Nacional de España. Fantasía galaica, con música de Ernesto Halffter, es la pieza coral que cierra el programa Centenario Antonio Ruiz Soler. “Es una de mis obras preferidas de Antonio, porque creo que es redonda. Todavía no se ha vuelto a crear una obra así”, concluye Rubén Olmo. Antonio Ruiz Soler estilizó en esta coreografía los bailes gallegos, reinterpretando técnicamente los pasos y potenciando la estética teatral, combinando un paso a dos casi de ballet con una alborada final que evoca una muñeira tradicional. Rosario, la artista que acompañó a Antonio desde sus primeros pasos en la academia de Realito en Sevilla hasta que creó su compañía en 1953, también está presente en este recorrido por la carrera de Antonio Ruiz Soler. Rubén Olmo ha recuperado en Vito de gracia el número que la pareja bailó en la película Hollywood Canteen en 1944. El Ballet Nacional de España ha intentado ser fiel en todo lo posible a la primera versión que estrenó Antonio de estas obras, para lo que se ha estudiado el archivo audiovisual y se ha recuperado y adaptado el vestuario original de su montaje en los años 80. Asimismo se han reutilizado elementos escenográficos de otros montajes. Los arcos que representan el escenario palaciego en el que Antonio situó las Sonatas son un préstamo del Teatro Real. Corresponden a la escenografía diseñada por Daniel Bianco para la producción Las bodas de Fígaro. Otras coreografías El programa Centenario Antonio Ruiz Soler se diferencia de otros homenajes anteriores en que presenta, bajo el título de Estampas flamencas, coreografías creadas expresamente por Rubén Olmo y Miguel Ángel Corbacho siguiendo el estilo y la estética de los montajes flamencos que Antonio representó en los años 50, 60 y 70. “Hemos querido presentar un Martinete, Zorongo, Taranto y Caracoles que lleven al espectador a recordar su figura”, explica Rubén Olmo. En este sentido, el vestuario de las bailarinas de Caracoles responden a esa arquetípica imagen flamenca asociada al boom turístico de España: batas de cola de lunares, flores en el pelo, caracoles en la mejilla y mantones de colores. Por su parte, el Martinete, palo flamenco reservado solo al cante que bailó Antonio por primera vez, pone el acento en la sobriedad del baile masculino en el flamenco tradicional. Las camisas con mangas de vuelo atadas a la cintura diseñadas por López de Santos copian la estética de Antonio al comienzo de su carrera en los años 30 y 40. Contrasta con la escenografía que se proyecta sobre el escenario de piezas audiovisuales, realizadas por José Maldonado, inspiradas por cada palo flamenco. Completa el repaso a la carrera artística de Antonio el solo Leyenda, coreografía creada por Carlos Vilán para la composición Asturias, de Isaac Albéniz, otra de las piezas imprescindibles de los espectáculos de Antonio Ruiz Soler. Colaborador del maestro en los últimos años de su carrera, concibió Leyenda en 2016 especialmente para Esther Jurado, bailarina principal invitada del Ballet Nacional de España, que lo incluye ahora en su repertorio. PROGRAMA CENTENARIO ANTONIO RUIZ SOLER SONATAS Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Antonio Soler Dirección musical: Manuel Coves Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Orquestación: Juan José Solana (Orquestación a partir de la versión de Ángel Currás sobre el original de Antonio Soler) Escenografía original: Carlos Viudes Escenografía arcos: Daniel Bianco (Escenografía del Teatro Real de Madrid) Escenografía suelo: Basado en la escenografía original de Carlos Viudes Iluminación: Felipe Ramos Proyecciones telones: José Maldonado Vestuario: José Caballero y Vicente Viudes. Zapatillas y Calzado: Sansha y Danzes-Vous Lanzas alabarderos: María Díaz Reposición: Maribel Gallardo Estreno absoluto el 20 de julio de 1953 por Antonio y su Ballet Español, en el II Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife. Estreno absoluto el 11 de junio de 1982 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Partes: Introducción. Sonata núm. 2, en Mi bemol mayor 1. Sonata núm. 85, en Fa sostenido menor 2. Sonata núm. 84, en Re mayor 3. Sonata núm. 86, en Re mayor 4. Sonata núm. 88, en Re bemol mayor 5. Sonata núm. 90, en Fa sostenido mayor 6. Sonata núm. 2, en Mi bemol mayor 7. Sonata núm. 87, en Sol menor 8. Sonata núm. 38, en Sol menor 9. Sonata núm. 89, en Fa mayor Saludos finales. Sonata núm. 90 en Fa sostenido mayor En 1952, el director Edgar Neville le pidió a Antonio que preparara algún baile original para la película Duende y misterio del flamenco. Además del primer martinete bailado, incluyó una primera versión, más reducida, de las Sonatas, con música del Padre Soler, una de sus obras de más éxito de su repertorio posterior. Esta primera versión ya dejaba apreciar que su estilo de escuela bolera no seguía los postulados de la escuela tradicional ni en los pasos de baile, ni en el braceo, los toques de palillo ni en la estética goyesca. La escuela bolera que presentó Antonio en una escenografía palaciega, con infantas, cortesanos y alabarderos, es una mezcla de bolera con danza clásica de gran complejidad técnica. Un año después, el primer programa de su compañía Antonio Ballet Español incluyó la suite completa de ocho sonatas, interpretada por toda la compañía de 35 bailarines en distintos cuadros. El estreno tuvo lugar dentro del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, celebrado en los Jardines del Generalife. VITO DE GRACIA Coreografía: Rosario y Antonio Música: Popular Dirección musical: Manuel Coves Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Orquestación: Manuel Coves Iluminación: Felipe Ramos Vestuario: Mujer: Pedro Moreno y realización Justo Robles ‘Salao’. Hombre: realización sastrería González, fondo de vestuario del Ballet Nacional de España Calzado: Gallado. Reposición: Maribel Gallardo, Miriam Mendoza y Rubén Olmo Estreno el 15 de abril de 2021 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Durante los años en los que el dúo de Rosario y Antonio vivió y actuó en Estados Unidos en la década de 1940, la pareja también participó en diversas películas musicales rodadas en Hollywood. Una de ellas fue Hollywood Canteen (1944), un espectáculo coral realizado para animar a los soldados que luchaban en la Segunda Guerra Mundial. El número para versión orquestal de la música tradicional andaluza conocida como El vito que se incluyó en esta película permite vislumbrar cómo eran los espectáculos con los que la pareja recorrió toda América: un rápido entrelazar de giros y zapateados en el que predominaba la espectacularidad sobre la técnica. Rubén Olmo ha elegido este baile como un guiño a la faceta cinematográfica de Antonio Ruiz Soler, que después continuaría en España ya como actor protagonista y no solo bailarín. ESTAMPAS FLAMENCAS Coreografía: Rubén Olmo (Taranto y Caracoles), Miguel Ángel Corbacho (Martinete y Zorongo). Música: Martinete: popular. Zorongo: Enrique Bermúdez, Taranto: Diego Losada, Caracoles: Víctor Márquez Textos: Federico García Lorca y letras populares Escenografía y audiovisuales: José Maldonado Iluminación: Felipe Ramos Vestuario: Martinete: Camisa Lopez de Santos, pantalones González; Zorongo: Fondos BNE, realización bata de cola Lina. Hombres: realización González; Taranto: Realización José Antonio Arroyo; Caracoles: Batas de cola Justo Robles ‘Salao’. Calzado: Gallardo Martinete Zorongo Taranto Caracoles Estreno absoluto el 15 de abril de 2021 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Rubén Olmo y Miguel Ángel Corbacho han creado cuatro piezas inspiradas en el estilo, la estética y el carácter de Antonio Ruiz Soler. Estas coreografías recorren el flamenco tradicional desde sus orígenes, tanto de vestuario como musicalmente. Este repaso del cante, el baile y el toque primigenios transita por los palos flamencos habituales en los trabajos de Antonio: el zorongo, el martinete, el taranto y los caracoles. Sigue la estela de la puesta en escena que utilizaba en sus montajes de flamenco, con una coreografía más actual. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&& LEYENDA “ASTURIAS” Coreografía: Carlos Vilán Música: Isaac Albéniz Dirección musical: Manuel Coves Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Orquestación: Albert Guinovart Iluminación: Felipe Ramos Realización de vestuario: Lopez de Santos Calzado: Gallardo Edición musical: Tritó Edicions Estreno absoluto el 16 de octubre de 2016 en la Ópera Nacional de Bucarest. Estreno el 15 de abril de 2021 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Cuando Esther Jurado, bailarina principal invitada del Ballet Nacional de España, pidió a Carlos Vilán que creara para ella una coreografía de clásico español, el bailarín y coreógrafo argentino la imaginó bailando con una bata de cola la partitura Asturias de Albéniz desconociendo que su madre era asturiana. Esta coreografía, que tituló Leyenda, se estrenó en la Gala de Estrellas de la Ópera de Bucarest en 1998. Rubén Olmo ha querido incluirla en este programa porque la composición de Albéniz era habitual en el repertorio del Ballet de Antonio, aunque en su caso lo interpretaba un bailarín masculino. Para el director del Ballet Nacional de España, esta creación de Carlos Vilán encajaba con el espíritu de este programa porque el coreógrafo conocía muy bien el estilo del maestro. Carlos Vilán trabajó estrechamente con Antonio como repetidor de El Rocío, obra que María Rosa encargó a Antonio para su compañía. ZAPATEADO Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Pablo Sarasate Dirección musical: Manuel Coves Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Orquestación: Manuel Coves Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Realización de vestuario: Primer elenco: Taller González. Segundo Elenco: José Antonio Arroyo Calzado: Gallardo Estreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México. Estreno el 14 de junio de 1982 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. La interpretación que Antonio Ruiz Soler realizó de la música de Pablo Sarasate elevó su prestigio como bailarín y coreógrafo y se convirtió en una de las joyas de su repertorio desde su estreno en 1946 en el Teatro Bellas Artes de Buenos Aires. La influencia del claqué que se aprecia en la técnica de este zapateado lo convierte en una virtuosa muestra de flamenco estilizado. En 1959, Antonio interpretó una versión de este solo andando por una carretera rural en la película Luna de miel, una coproducción hispano-británica dirigida por Michael Powell, que visualmente remite al Gene Kelly de Un americano en París. Con los años lo han bailado innumerables primeros bailarines de diversas compañías, todos ellos intentando seguir la máxima de Antonio: “Bailarlo es acariciar el suelo; hay que hablar con el suelo, no dar patadas”. FANTASÍA GALAICA Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Ernesto Halffter Dirección musical: Manuel Coves Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Soprano: Carmen Solís Escenografía original: Carlos Viudes Figurines: Carlos Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Encarnación, Perís y Sastrería González Calzado: Gallardo y ArteFyl Edición musical: Monge y Boceta Reposición: Cristina Visús Estreno absoluto el 30 de junio de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife. Estreno el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Juárez de Guanajuato, México. Esta coreografía sublima la estilización de las danzas populares en la que Antonio Ruiz Soler fue un maestro. En este caso, Antonio reinterpretó la muñeira gallega a través de la técnica clásica, combinando el baile coral y el paso a dos. Sin perder referencias como las vieiras y los arcos florales, trasladó el baile más popular de Galicia de la plaza de un pueblo al teatro de cualquier ciudad del mundo, haciendo visibles la armonía y la poesía de las notas de Ernesto Halffter sobre la leyenda de la Santa Compaña. VESTUARIO Los fondos de vestuario del Ballet Nacional de España están integrados por más de 5.000 piezas, incluidos los trajes de la compañía de Antonio que se compraron en los años 80 para la reposición de Sonatas y Fantasía galaica. Gracias a ello, se ha podido recuperar el vestuario original de estas obras, que ahora se ha restaurado y adaptado para este programa. Se han adquirido además elementos que faltaban, como las lanzas de los alabarderos, réplicas de las que utilizaban estos guardias reales. La mayoría de las coreografías de este programa se ha surtido asimismo de los fondos. El departamento de Regiduría de Vestuario ha buceado entre las anteriores producciones del Ballet Nacional de España hasta hallar los trajes que remitieran a la estética vigente en las distintas etapas de la vida profesional de Antonio Ruiz Soler. Las bailarinas de Caracoles responden a esa arquetípica imagen flamenca asociada al boom turístico de España: batas de cola de lunares, flores en el pelo, caracoles en la mejilla y mantones de colores. Mientras que el vestuario femenino de El vito se inspira en el que utilizaba Carmen Amaya, con chaquetilla corta y falda capa que recuerda a un capote de torero. En el caso de Leyenda (Asturias) y Martinete se han realizado ex profeso los trajes que lucen los bailarines. Para Esther Jurado se ha diseñado una bata de cola de encaje negro, que se asemeja a un traje de noche, mientras que Rubén Olmo viste un chaleco con medallas a modo de botones y una chaquetilla con caireles en las mangas, prendas similares a las que solía lucir Antonio en sus actuaciones. Para Martinete se ha copiado la estética de Antonio al comienzo de su carrera en los años 30 y 40, con prendas ajustadas al cuerpo: chaleco entallado, pantalón flamenco y camisa con mangas de vuelo atadas a la cintura. ESCENOGRAFÍA Los criterios para la realización de la escenografía de este programa han sido la reutilización de elementos y la reproducción audiovisual de los diseños utilizados originalmente por Antonio Ruiz Soler en sus montajes. Los arcos utilizados para representar el escenario palaciego en el que Antonio situó las Sonatas son un préstamo del Teatro Real. Corresponden a la escenografía diseñada por Daniel Bianco para la producción Las bodas de Fígaro. Mientras que el telón pintado con el escudo idealizado de los alabarderos se ha sustituido por una proyección creada por José Maldonado. El también bailaor y coreógrafo ha diseñado además otras piezas audiovisuales para Estampas flamencas. En este caso, al tratarse de unas coreografías nuevas, ha contado con mayor libertad creativa. El hilo conductor de todas ellas es el palo flamenco que se baila. En Taranto, la escenografía recuerda la textura de una cueva minera, en referencia al lugar donde surgió este palo. En el caso de Caracoles, al ser un palo cercano a las alegrías, la proyección está llena de colores, y para Zorongo, un palo popular en las tabernas, las imágenes evocan un cielo estrellado. La inspiración del dibujo de José Maldonado para el Martinete ha sido la amistad entre Antonio y Picasso, por lo que se trata de un diseño más abstracto de líneas geométricas.

“A mi manera” es como se ha movido Estela Alonso sobre el escenario de la Sala Verde de los Teatros del Canal, dentro del Festival Suma Flamenca Joven, lo que ha sido un verdadero acierto su selección porque ella nos ha demostrado (aunque ya lo sabíamos) que es una gran promesa. El espectáculo tiene una puesta en escena sobria pero equilibrada, y un vestuario elegantísimo en rojo y negro. Todo de muy buen gusto. Sus músicos la enmarcan en estrecha conjunción. Estela no se detiene casi ni un instante en un vertiginoso alarde de virtuosismo, con una colocación de cuerpo tan perfecta que denota su base de ballet clásico. En danza española parece que nada se resiste a la agilidad de sus pies que giran y saltan con destreza única, ni sus castañuelas que evolucionan a buen ritmo. Estela en esta ocasión nos ha transmitido sensación de libertad, de la suya propia que no queda constreñida formando parte de un cuerpo de baile, ni en el reducido espacio de un tablao. La bailarina ha roto esos límites para ser ella y transmitirnos su propio lenguaje de trazos veloces, de palos flamencos bailados con enérgica zapatilla y ofrecernos todo de lo que es capaz, haciendo que el público quedase boquiabierto. MERCEDES ALBI

Quedan pocos días para Estela Alonso presente su primer espectáculo en solitario el próximo sábado, 25 de septiembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal, dentro del ciclo Suma Flamenca Joven. Ensaya por la tarde en sede del Ballet Nacional de España una vez terminada la jornada de trabajo, que compatibiliza con su recién emprendida trayectoria en solitario. Antes de ingresar en el Ballet Nacional de España en 2015, bajo la dirección de Antonio Najarro, trabajó en las compañías Daniel Doña, Emilio Ochando, Nuevo Ballet Español, Antonio Márquez y Enclave Español. También colabora asiduamente como artista invitada de escuela bolera en los tablaos Villa Rosa y Corral de la Morería de Madrid, así como en las obras Camino, de Jesús Carmona y la ópera flamenca Bailando con Carmen. Estela es la gracia bolera, el garbo de antaño que regresa porque es eterno y que ha paseado por los tablaos madrileños, siendo imposible olvidarla a los que la han visto bailar. -¿Cómo estás? -Ahora me pillas justo en esos días previos a un estreno en los que parece que el tiempo se te echa encima… Este mismo sábado estaré en la Sala Verde de los Teatros del Canal, dentro del festival Suma Flamenca Joven. -Pero te veo muy feliz. -La verdad es que me encuentro en un momento profesional muy bueno, con muchas ganas de bailar, sobre todo si tenemos en cuenta la época que estamos viviendo en la que los bailarines, como el resto de artistas, luchamos por salir del parón que supuso la pandemia y que las cosas vuelvan a su curso anterior. -¿Por qué te has decidido a bailar en solitario? - Sentí que había llegado el momento, soy una persona con muchas inquietudes y Suma Flamenca Joven me ofreció la ocasión. -¿En qué consiste la versión “Joven” del Suma Flamenca? -Este año es la primera edición, una novedad para un festival tan consolidado y su objetivo es dar visibilidad a jóvenes promesas del flamenco. Se celebra cuatro días consecutivos y en cada espectáculo se reúnen guitarrista, cantaor y bailaor todos menores de 30 años. Es un espectáculo compartido. Quiero hacer una puntualización. -Claro, dime. -Yo no formo parte de ese mundo tan flamenco, soy bailarina, no bailaora. Tengo muchísima ilusión estar programada de un festival de tanto prestigio representar la danza española, la escuela bolera de manera individual. -Entonces, ¿Cómo es que te han seleccionado para participar en un festival flamenco? -Han querido darme la oportunidad a raíz de las Alegrías de Escuela Bolera que presenté en 2013 en el Certamen Coreográfico. Las bailé a mi manera dentro de lo que son los palos flamencos, y han tenido mucho éxito, las he podido representar varias veces. Son el germen de algo que a través de estos años ha ido creciendo y cobrando forma dentro de mi cabeza. -¿Estás nerviosa? -Ningún artista puede negar que tenga nervios antes de salir al escenario, pero la ilusión puede con todo. Siento un gran respeto por el público y más ahora que es la primera vez que me enfrento a un proyecto en solitario, pero como te he dicho lo llevo varios años evolucionándolo mentalmente. Me lanzo porque llegó el momento. -¿Un paso más? Ahora bailaré media hora, es decir, un extracto de lo que será mi primer espectáculo en solitario. Se llamará “A mi manera 2.0”. Hasta ahora mis solos eran participaciones en galas o tablaos con otros bailarines. -Bueno, pues ya nos contarás más detalles cuando los tengas sobre “A mi manera 2.0”. ¿Qué estilo de danza vamos a ver el próximo sábado? -Habrá escuela bolera luego introduciré algo de zapato, y una pincelada coreográfica con una seguiriya contemporánea que me ha hecho Jesús Carmona. Me he adaptado al montaje y composición musical de mis compañeros. Ya lo verás. -¿Bailas distintas danzas? -En realidad, se podría diferenciarse en os partes: en la primera hay seguiriya contemporánea, seguiriya instrumental, bata de cola con seguidilla…; en la otra parte, aprovecho la percusión para hacer una zapatilla más fuerte y un poquito más salvaje. Y para terminar haré un baile tradicional por alegrías, que son con las que inicié esta andadura, esta búsqueda personal. Todas las danzas van unidas por una transición que confiere coherencia al espectáculo. -¿Quiénes son tus compañeros de escenario? -Voy acompañada a la guitarra por Víctor Márquez, el Tomate, con el que he trabajado bastante pues ahora forma parte del elenco del Ballet Nacional. Le conocí la primera vez que actué en un tablao, el Villa Rosa. Bailé el vito. Nos entendemos muy bien, me hace muy fácil el trabajo. Le considero un gran guitarrista y también me encantan sus composiciones. Con Roberto Lorente, que es el cantaor, había coincidido en el Corral de la Morería. Ante todo me gustaba mucho la calidez de su voz. Su cante tiene mucha personalidad y encaja mucho con el tipo de baile más sutil con zapatilla que yo hago. A Víctor Guadiana, sin embargo, es la primera vez que trabajamos juntos. Quise contar con él cuando pensé que me encantaría poder introducir violín en el espectáculo y le llamé. Es un músico maravilloso. Y a las palmas acompaña Cristian García, que es mi pareja y me ayuda mucho en la composición musical. Él conoce perfectamente mi baile y mis movimientos por lo que ayuda mucho a unificar entre coreografía, baile y música para que todo salga a una. -Seguro que será un éxito. -Esperamos que así sea, y por ello ponemos todo de nuestra parte para que el público disfrute y sienta el arte que nos emociona. MERCEDES ALBI Fotografías Carlos Sánchez

Todo un acontecimiento se ha presentado esta mañana en los Teatros del Canal que recibe el legado de la dama de la danza Pina Bausch, fallecida en 2009, en un intercambio de la fundación alemana que lleva su nombre con el centro École des Sables, dedicado a la danza contemporánea y tradicional africana, y Sadler's Wells, emblemática organización británica de danza. Es la primera colaboración entre las tres instituciones. El programa doble de esta cita coreográfica, de estreno mundial, lo componen The Rite of Spring (La consagración de la primavera) una de las famosas coreografías de Bausch, creada en 1975, y common ground[s], coreografiada por Germaine Acogny y Malou Airaudo. La representación, coproducida por Teatros del Canal, que se ha presentado esta mañana en rueda de prensa con la participación de la directora artística de Teatros del Canal, Blanca Li, y los responsables de la producción, podrá admirarse durante cuatro días en la Sala Roja, del jueves 23 al domingo 26 de septiembre. Las funciones, de una hora y media de duración, comenzarán a las 20.30, excepto el domingo, que lo hará a las 19.30. 38 bailarines de 14 países africanos interpretan The Rite of Spring, la coreografía que Bausch estrenó en diciembre en 1975 en la Opera House Wuppertal de Alemania, y que ahora ha recuperado la fundación bajo la dirección artística de Josephine Ann Endicott, Jorge Puerta Armenta y Clémentine Deluy Fiel a la composición original de Igor Stravinsky (La consagración de la primavera), esta obra fundamental examina rituales inflexibles con el sacrificio del "elegido" que cambia la estación de invierno a primavera. La fundadora de École des Sables, Germaine Acogny, la denominada madre de la danza africana contemporánea, se une en la segunda pieza de esta colaboración a Malou Airaudo, antigua miembro del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch que ha interpretado personajes principales en muchas de las obras de Bausch. Ambas coreógrafas son profesoras y madres y en common ground[s] reflejan sus historias, experiencias emocionales y un territorio común. El origen del proyecto Germaine Acogny recuerda cuando vio por primera vez The Rite of Spring, bailada por el Ballet de la Ópera de París. "Me quedé muy impresionada con la forma en que los bailarines interpretaron la coreografía tan profundamente arraigada en la tierra, a pesar de su formación clásica. Reconocí mi propia cultura dentro de ella". Entonces pensó en acercar esta obra a espectadores africanos. Esta es la primera vez que The Rite of Spring se hace con bailarines reunidos a propósito para esta pieza, señala Salomon Bausch, director ejecutivo de la Fundación Pina Bausch, que destaca la importancia del proyecto, cuyas raíces se encuentran en las conversaciones que mantuvo en torno a 2008 el director artístico y ejecutivo de Sadler's Wells, Alistair Spalding, con la coreógrafa alemana. Entonces hablaron sobre la posibilidad de un trabajo conjunto entre École des Sables y Sadler's Wells. "Organizamos un viaje a Senegal en otoño de 2008, pero la salud de Pina comenzó a deteriorarse y el viaje no se produjo", cuenta Spalding. Cuando después de la muerte de Bausch, Salomon Bausch le propuso a Spalding coproducir The Rite of Spring con École des Sables, de alguna manera venía a cerrar, cuenta Spalding, un "hermoso círculo de acontecimientos fortuitos, lo que está muy en armonía con el espíritu de Pina". El proyecto cuenta con la ayuda de la Fundación Cultural Federal Alemana, el Ministerio de Cultura y Ciencia del Estado Alemán de Renania del Norte-Westfalia, y el Fondo de Coproducción Internacional del Goethe-Institut, y el Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Credits Imagery: Concept/Dancer: Mohamed Y. Shika Photographer: Abdoul Mujyambere © Abdoul Mujyambere

Los nuevos talentos se expresan en Suma Flamenca Joven del jueves al domingo en Teatros del Canal Doce artistas actúan del 23 al 26 de septiembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal Cuatro recitales, cada uno de ellos dedicado al cante, el baile y la guitarra en concierto, acogerán a valores de menos de 30 años Macarena Ramírez, Yerai Cortés, El Purili, Lela Soto Sordera, Ángeles Toledano o El Yiyo son algunos de los participantes Los nuevos valores del flamenco salen a la escena de la primera edición de Suma Flamenca Joven, el preludio de Suma Flamenca, en un ciclo de 12 actuaciones organizado por la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid, que se celebrará en la Sala Verde de Teatros del Canal del 23 al 26 de septiembre. En su voluntad de dar cabida a artistas de menores de 30 años, pero ya con una trayectoria exitosa y fructífera en los escenarios flamencos, Suma Flamenca Joven apuesta por los nuevos talentos, que siguen necesitando de apoyo y visibilidad. En estos jóvenes, señala Antonio Benamargo, director artístico de Suma Flamenca y de este ciclo, “encontramos la frescura y la ambición, la valentía y la determinación de contar la vida a través del arte. Son momentos de una gran energía artística y creativa con una intensidad y una verdad, de difícil comparación en otras etapas de su carrera y que en Suma Flamenca Joven queremos visibilizar y apoyar”. El ciclo se configura en cuatro sesiones, y en cada una de ellas actuará un concertista de guitarra, un cantaor o cantaora y un bailaor o bailaora. En la primera sesión del jueves 23 intervendrán, a partir de las 19.45, la guitarrista mexicana Andrea Salcedo, primera mujer concertista de guitarra flamenca de su país; el cantaor de Chipiona Samuel Serrano, gran esperanza de la cantera flamenca chipionera, y el bailaor barcelonés El Yiyo, con apenas veintitrés años y casi quince de trayectoria profesional. El viernes, a las 19.45, será el turno del guitarrista madrileño Ángel Flores, quien ha obtenido distintos premios de revelación artística; la cantaora jienense Ángeles Toledano, que posee una voz con belleza y afinación, y la expresiva y multidisciplinar bailaora madrileña Rebeca Ortega. En la sesión del sábado participarán, a las 19.45, Yerai Cortés, guitarrista de Alicante enamorado de la sonanta, que compone y produce con destacados artistas nacionales; El Purili, cantaor de La Línea, un artista que atesora la difícil virtud de cantar y bailar al mismo tiempo con compás y enjundia, y Estela Alonso danzaora de Madrid, que forma parte del elenco del Ballet Nacional de España. El cierre de Suma Joven lo pondrán el domingo, a las 18.30, el guitarrista granadino Álvaro Martinete, la cantaora madrileña Lela Soto “Sordera”, una de las voces jóvenes con mayor proyección del panorama actual y Macarena Ramírez, destacada bailaora de Cádiz. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Ballet Nacional de España dirigido por Rubén Olmo avanzará esta temporada 2021/2022 en la recuperación de la actividad habitual con la representación de tres diferentes programas en diversas ciudades de España. “Todos en el Ballet Nacional de España vamos a trabajar para que en la temporada 2021/2022 que ahora comienza recuperemos el ritmo de actuaciones que hemos perdido en las dos anteriores temporadas debido a la crisis sanitaria originada por la covid-19”, anuncia Rubén Olmo. “Los tres programas que hemos estrenado hasta el momento bajo mi dirección, Invocación, Centenario Antonio Ruiz Soler y La Bella Otero, cuya vida en la carretera comienza ahora, están disponibles para que teatros, festivales y auditorios elijan el que prefieran, argumental o solo de danza, para llevarlo a su ciudad o país”, añade. Las primeras giras se celebrarán en octubre en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia (7 de octubre) y el Teatro Real de Madrid (13-16 de octubre). El programa Centenario Antonio Ruiz Soler recuerda la figura del que fue el bailarín y coreógrafo más versátil de la danza española cuando se cumplen 100 años de su nacimiento y 25 de su fallecimiento, es uno de los tres con los que la compañía pública de danza española viajará por España y otros países. Además de recuperar coreografías del maestro que representan la cumbre de su talento dentro de tres estilos distintos: la escuela bolera, el folclore estilizado y la estilización del flamenco, incluye nuevos trabajos fieles a su estilo y estética. Un mes después, Invocación, el primero de los programas que diseñó Rubén Olmo, estrenado en 2020, llegará al público del Dance Open Festival de San Petersburgo (Rusia) los días 8 y 9 de noviembre. Este programa, con coreografías de Rubén Olmo, Antonio Najarro y Mario Maya, se representará más adelante en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (10-22 diciembre), la Casa Colón de Huelva (5 de marzo de 2022); y el Palau de les Arts de Valencia (21-24 de abril de 2022). Mientras que La Bella Otero, la última producción estrenada por el Ballet Nacional de España el pasado julio, podrá verse los días 26 y 27 de mayo de 2022 en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Estas son las fechas que se pueden anunciar hasta el momento, aunque la previsión es que se añadan a este calendario más giras hasta julio de 2022. La intención del equipo directivo es reanudar las giras en otros países tan pronto como sea posible. Aunque, de momento la única actuación internacional confirmada es la participación en el Festival Dance Open de San Petersburgo en noviembre, se va abriendo el camino para recuperar las giras en otros países, a pesar de que los requisitos sanitarios aun lo hacen complicado. “Estamos estudiando las posibilidades de llevar los montajes a varios países y tenemos propuestas muy interesantes”, afirma Rubén Olmo. Talleres coreográficos en streaming Por otra parte, el Ballet Nacional de España continuará esta temporada con las retransmisiones en directo de talleres coreográficos impartidos por diferentes coreógrafos a los bailarines en la sede. Esta iniciativa, titulada #BNEenMovimientoPerpetuo, comenzó en 2020 con la participación de Marco Flores, Belén López y Marcos Morau (La Veronal). En esta segunda edición, Rubén Olmo ha querido dar más visibilidad al folclore de diversos orígenes y estilos y ha invitado a colaborar con el BNE a Manuel Segovia, codirector de Ibérica de Danza y Premio Nacional de Danza a la creación 2001; Miguel Ángel Berna, director de Danza Viva; y Jon Maya, fundador de Kukai Dantza, Premio Nacional de Danza 2017. La jota aragonesa, el folclore castellano y la fusión de danza vasca y vanguardia serán las temáticas que trabajarán durante tres días con los bailarines y cuyo resultado podrá verse en directo en redes sociales los días 5, 19 y 26 de noviembre. El primero de los talleres, el impartido por Manuel Segovia, ofrecerá una visión contemporánea de la danza española y, especialmente, del folclore estilizado. El bailarín y coreógrafo trabajará con los bailarines la jota aragonesa y la castañuela de dedo corazón, instrumento utilizado en el folclore y que presenta diferencias de tamaño y manejo frente a la castañuela que tocan cuando bailan flamenco o escuela bolera. La visión del folclore castellano de Miguel Ángel Berna es asimismo muy ecléctica, debido a la influencia de la amplia variedad de disciplinas que domina, desde la danza clásica a la contemporánea y el flamenco. Jon Maya será el encargado de cerrar estos talleres coreográficos con su apuesta de factura contemporánea a partir de la interacción de la danza tradicional vasca con otras disciplinas artísticas y estilos de danza. Estará acompañado del artista sonoro Xabier Erkizia y el dramaturgo Ximun Fuchs. Además de las giras y las retransmisiones en directo, la compañía recuperará durante esta temporada alguna de las obras del repertorio del Ballet Nacional de España y comenzará a preparar el nuevo espectáculo que estrenará en diciembre de 2022 en el Teatro de la Zarzuela.

El 39º Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid muestra la riqueza y diversidad de la creación contemporánea nacional e internacional con una treintena de propuestas El encuentro cultural, que inaugurará la compañía belga Peeping Tom, se desarrollará del 11 al 28 de noviembre en 19 espacios escénicos, once en la capital y ocho en siete municipios de la región Angélica Liddell, Dimitris Papaioannou, Mal Pelo, Romeo Castellucci, Guy Cassiers o Pablo Messiez son algunos de los nombres destacados de esta edición La creación híbrida, el teatro físico, el teatro de objetos y la danza se alternarán en una muestra con grupos de España, Bélgica, Grecia, Argentina, Italia, Líbano, Chile, Francia y Reino Unido La riqueza y la diversidad de la creación contemporánea internacional descuellan en el 39º Festival de Otoño, el ambicioso encuentro con la creación híbrida, el teatro físico, el teatro de objetos y la danza, que, organizado por la Comunidad de Madrid, se desarrolla entre el 11 y el 28 de noviembre en espacios de la capital y del resto de la región. Marta Rivera de la Cruz, consejera de Cultura, Turismo y Deporte, ha asistido hoy a la presentación del festival, en compañía de Alberto Conejero, director artístico del mismo. La enorme bandada de pájaros sobre un cielo gris que recoge la fotografía de Javier Campano elegida para ilustrar el cartel del festival expresa, según el director del festival, Alberto Conejero, la idea de estar unidos en torno al teatro que mostró la pasada edición, “emocionante e inolvidable”, marcada por la pandemia. Ese Festival de Otoño fue un ”ejemplo de la voluntad conjunta -la de la ciudadanía y los creadores- por permanecer juntos, por proteger, aun en las circunstancias más adversas, un arte tan frágil y poderoso como es el teatro”. Este año y con esta 39ª edición, en una situación como la actual aún marcada por la pandemia, el teatro volverá a estar “para acompañarnos”, subraya Conejero. Y lo hará con una amplia muestra de diversas manifestaciones escénicas que presentarán 29 compañías, 21 de ellas de España y 8 internacionales, de Bélgica, Grecia, Argentina, Italia, Líbano, Chile, Francia y Reino Unido. Diecinueve escenarios dentro y fuera de Madrid capital Respondiendo a la voluntad de la Comunidad de Madrid de ahondar en la descentralización del festival, sus propuestas se expanden por la capital y a siete municipios de la región, en un total de 19 espacios. Once en la capital: Teatros del Canal, el Teatro de la Abadía, la Sala Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, Réplika Teatro, la Sala Mirador, Teatro del Barrio, la Nave 73, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, la Casa Encendida y el Centro Cultural Paco Rabal. En el resto de la región, los espacios escénicos serán el Corral de Comedias de Alcalá de Henares, el Teatro Carlos III de Aranjuez, el Teatro Municipal de Coslada, el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera, el Teatro Mira de Pozuelo de Alarcón, el Teatro Jaime Salom de Parla y el Teatro Auditorio y el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial. En su segundo año al frente del Festival de Otoño, Alberto Conejero pretende además afirmar la presencia de espectáculos internacionales (especialmente latinoamericanos) y la atención a la última escena nacional con cuatro estrenos absolutos, siete estrenos en Madrid, un estreno en Europa y cuatro coproducciones del festival. De la indagación que plantean creadores y compañías de esta edición se suscita, destaca Conejero, una pregunta sobre “cómo y desde dónde vamos a construir” un porvenir compartido. “En otras palabras, quiénes somos y quiénes podemos llegar a ser al poner de nuevo unos cuerpos junto a otros”. Así, el cuerpo, “como signo central de la existencia”, es la materia de una parte de los espectáculos de esta edición, que desde el teatro físico, la danza o la performance, exploran sus posibilidades poéticas, filosóficas y estéticas, como en Tríptico de Peeping Tom, realizada en colaboración con los Teatros del Canal; Higlands de Mal Pelo (coproducción de Festival); Larcen C. de Christos Papadópulos; Cuerpo de baile de Pablo Messiez, Piano Works Debussy de Lisbeth Gruwez y Claire Chevalier; After all spring ville de Miet Warlop en colaboración con La Casa Encendida; El hermoso misterio que nos une (coproducción del Festival) de Jesús Rubio Gamo; Pinocchio de Babilonia Teatri, Criaturas del desorden de Elena Córdoba o en Los inescapables Alpes de La Chachi. Otra de las cuestiones que se desprenden de esta programación es la de la “importancia de la herencia y del vínculo. Nos preguntamos qué es lo que debemos salvar a cada instante del incendio al que llamamos tiempo”, afirma el director del Festival de Otoño. Así, del diálogo entre la contemporaneidad y la tradición se presentan obras como Transverse Orientation de Dimitris Papaioannou (coproducción del Festival), Terebrante de Angélica Liddell, Antigone in Molenbeek y Tiresias de Guy Cassiers, Imprenteros de Lorena Vega o Fedeli d´amor de Teatro delle Albe. El festival ahonda también en las amenazas y retos del mañana pospandémico —crisis climática, precariedad laboral, ascenso de los totalitarismos, etc.—, de lo que emerge una pregunta inevitable: ¿quiénes seremos allí donde nos dirigimos? De este interrogante nacen propuestas como Bros de Romeo Castellucci, Paraguay de Lucía Marciel y Paula Grinszpan, Fairfly de La Calórica, Tú amarás de Bonobo, ¿Cómo hemos llegado hasta aquí? de Andrea Jiménez y Jinete último reino de María Salgado y Fran Cabeza de Vaca. Vínculos con otros festivales De nuevo en esta edición ha habido un trabajo de diálogo permanente con otros Festivales e instituciones, de modo que se presenta en colaboración con el Teatro de la Abadía lo mejor de los diez años del Be Festival: creaciones de Claudia Catarzi, Hannah de Meyer y Bertrand Lesca y Nasi Voutsas; y en colaboración con el programa Ágora de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales llegan a Madrid algunos de los más sobresalientes ejemplos de la creación contemporánea andaluza: trabajos de Alberto Cortés y Laura Morales. Esta edición cuenta además con dos espectáculos de teatro de objetos para todos los públicos y especialmente el público familiar: Geólogie d´une fable del Colectivo Kahraba (Líbano) —a partir de seis años—, que utiliza el material de arcilla para contar el origen de las fábulas, y Ma biche et mon lapin de Aïe Aïe Aïe Collectif (Francia), -—a partir de los nueve años—, que narra historias de amor a ritmo de vodevil. Y más allá de lo escénico, el Festival de Otoño, que está dedicado a la memoria de Ariel Goldenberg, su director durante quince años, recupera, en el apartado Otras experiencias, Pictura Fulgens, un encuentro de poesía, pintura y cuerpo en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que reúne a los jóvenes poetas Berta García Faet, Raquel Vázquez, Juan Gallego Benot, Mario Obrero, Cristian Alcaraz y Carla Nyman.

Suma Flamenca despliega su potencia artística en Madrid con 37 espectáculos y más de 200 artistas del 19 de octubre al 7 de noviembre Veinte estrenos absolutos subrayan la importancia de la edición decimosexta de esta cumbre flamenca, organizada por la Comunidad de Madrid, que se celebrará en quince escenarios de la capital y de la región Bajo el lema Al Sur del Sur, José Mercé, Marco Flores, Israel Galván, Serranito, Macanita, Israel Fernández, Vicente Soto “Sordera”, María Terremoto o Pansequito, entre otras figuras, muestran la convivencia de antiguas y nuevas voces El programa lo componen 17 recitales de cante, 11 espectáculos de baile y tres conciertos de guitarra, cuatro de otros instrumentos más dos espectáculos infantiles El flamenco pasa en Madrid y pasa por Madrid, como atestigua Suma Flamenca, que despliega su potencia artística en su decimosexta edición entre el 19 de octubre y el 7 de noviembre con un ambicioso programa de 37 espectáculos en los que participarán más de 200 artistas. El festival promovido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, con los Teatros del Canal como referencia, difundirá un amplio panorama del flamenco del presente, en el que conviven nuevos y asentados valores, como Israel Fernández, Marco Flores, David Palomar, Macanita o Antonio Reyes, y artistas de antigua raigambre, en el apogeo de su sabiduría, como José Mercé, Serranito, Vicente Soto o Pansequito. Marta Rivera de la Cruz, consejera de Cultura, Turismo y Deporte, ha presentado hoy en los Teatros del Canal la programación, en compañía del director artístico del festival, Antonio Benamargo. Al Sur del Sur Suma Flamenca invoca este año a un espacio geográfico definido en el lema de esta edición: Al Sur del Sur, el de Cádiz, Jerez de la Frontera, Los Puertos y el Campo de Gibraltar. Veinte artistas gaditanos figuran como cabezas de cartel, cuya ilustración es obra de Studio Patten, y otros incorporan a sus repertorios referencias a los cantes de Cádiz. La condición exclusiva y relevante del festival la determinan sus estrenos absolutos, veinte, especialmente en el campo de la danza, concebidos ex profeso para Suma Flamenca. Otros once también son estrenos en Madrid. Aunque el grueso de la programación se desarrolla en la ciudad de Madrid, la voluntad descentralizadora del festival lo extiende también a tres municipios de la comunidad: San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III), donde se han programado cuatro conciertos, La Cabrera (dos, en el Centro Comarcal de Humanidades) y Rascafría (uno, en el Real Monasterio de El Paular). Dentro de este programa, la Red de Teatros de la Comunidad ofrecerá seis conciertos: Antonio Lizana actuará en el Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas; Arcángel, en el Auditorio Teresa Berganza de Villaviciosa de Odón; Ingueta Rubio, en el Teatro Auditorio Federico García Lorca de San Fernando de Henares; Noé Barroso y Paco del Pozo, en el Auditorio Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes, y Antonio Canales, en Mira Teatro de Pozuelo de Alarcón. En total, Suma Flamenca ocupa quince escenarios: los ocho citados fuera de Madrid, más tres en Teatros del Canal (Sala Verde, Sala Negra y Sala Roja), el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes, la Sala Cuarta Pared, el Centro Cultural Pilar Miró y el Centro Cultural Francisco Rabal. Los diecisiete recitales de cante, cuatro de ellos a dúo (Pansequito y Aurora Vargas, Jesús Méndez y Rancapino Chico, Ángel Gabarre y Juañares, Canelas y Pañeros) subrayan el predominio de esta especialidad flamenca, a la que concurren jóvenes y veteranos: Israel Fernández, José Valencia, Ezequiel Benítez, Antonia Contreras, La Macanita, David Palomar, María Toledo, Vicente Soto “Sordera”, Guadiana, Las Mónicas, Antonio Reyes, José Mercé y María Terremoto. Estrenos absolutos Entre los estrenos absolutos, Israel Fernández, con Diego Morao a la guitarra, evoca la época dorada del flamenco en Ópera flamenca; David Palomar, con Universo Cádiz, proyecta con su voz el legado de ese santuario del flamenco; Antonio Reyes, en Esencia, canta a la ortodoxia en un homenaje a los grandes cantaores de la historia y María Terremoto, en Terremoto, un siglo de cante, recorre la memoria de sus ancestros. En Virtud flamenca, otros de los estrenos absolutos en el cante de Suma Flamenca, Pansequito y Aurora Vargas, ofrecen una obra de personalidad gaditana y poderío sevillano. Por su parte, José Mercé hará en Por derecho un recital variado y profundo y Ezequiel Benítez trasladará al público de El sur al cielo al tiempo en que artistas del pasado triunfaron en Madrid y en su arte. Más estrenos absolutos los protagonizan Guadiana con Plaza de las canastas, de cante tradicional y de cante gaditano; Las Mónicas, con Cádiz, tú ya me entiendes, una celebración festera y humorística; María Toledo con Encuentro, en el que lleva al piano el diseño melódico y las estructuras rítmicas del flamenco, y Ángel Gabarre y Juañares con Madrid-Jerez-Madrid, que alude a los artistas flamencos de Madrid y a los que viajaron a Madrid y aprendieron de ellos o encontraron acogida en la ciudad. El baile El baile es otra de las grandes especialidades de Suma Flamenca, con once espectáculos que exhiben el trabajo de investigación y depuración en la raíz y en la vanguardia de sus creadores. Por el festival pasarán Manuel Reyes, Marco Flores, Rapico, Alfonso Losa, Sara Calero, El Choro, Manuel Liñán, Farruquito, María Moreno, Joaquín Grilo e Israel Galván. En este territorio del baile, Marco Flores estrena Sota caballo y reina, un ejercicio, como afirma, de “jondismo actual”, que rememora los cien años del celebrado Concurso del cante jondo de Granada de 1922; Manuel Liñán establece un duelo con la tradición desde el inconformismo en Pie de hierro; Rapico, en Tabernero, vuelve la mirada a un pasado de tabernas y cafés cantantes en un espectáculo de flamenco tradicional “atrapado en la época actual”, y Alfonso Losa concibe en Flamenco: espacio creativo, un encuentro de formas clásicas y modernas de los maestros del baile flamenco. De la guitarra al arpa La especialidad de guitarra en concierto la plasman tres artistas: Serranito, que se encuentra de retirada tras una carrera fulgurante, Gerardo Núñez, con su jondura de vanguardia y tradición, y Niño Josele, con un homenaje a Paco de Lucía, Morente y Chick Corea. Otros instrumentos de uso no muy habitual en el flamenco cobran protagonismo en el festival, mostrando la versatilidad de los artistas ejecutantes: David Virelles y María Toledo (piano), Pablo Martín Caminero (contrabajo), Antonio Lizana (saxo) y Ana Crismán (arpa). Ello da lugar, en el caso de Lizana, Caminero o Virelles, a un encuentro con otras músicas que hallan su espacio propio en el escenario abierto, como de club grande, de la Sala Negra. Y el festival presta también su atención a los niños y dedica a ellos y al público familiar los espectáculos Pulpitarrita y Flamenco Kids, que tratan de enseñar a los menores, con humor y juego, los estilos del género. Suma Flamenca es testigo de un momento privilegiado, de convivencia del pasado y presente de un arte que se mantiene en cambio constante. “Muchas voces han desaparecido, otras las están relevando, de una manera diferente a cómo vivieron aquellas su educación flamenca. De la transmisión oral se está pasando a la virtual, al estudio académico, especialmente en el Baile y la Guitarra, pero también en el Cante”, resume Antonio Benamargo.

El baile flamenco de María Pagés en Paraíso de los negros y la música barroca española de Rediscovering Spain, en el último fin de semana del Festival Internacional de Verano de El Escorial La bailaora andaluza concibe un espectáculo sobre la libertad, la autoridad, el racismo y el deseo, que se representa el sábado 11 en el Teatro Auditorio. La Accademia del Piacere, conjunto creado por el violagambista Fahmi Alqhai, recorre la aportación de músicos españoles del Siglo de Oro en su concierto del domingo en el Real Coliseo Carlos III A la tensión entre libertad y autoridad, al racismo y al deseo recurre la bailaora flamenca María Pagés en Paraíso de los negros, el espectáculo que presenta el próximo sábado 11 de septiembre, a las 20.30, en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, en el marco del Festival Internacional de Verano de El Escorial. Un día después, Rediscovering Spain, que reivindica la música propiamente española del Siglo de Oro, cierra la programación de este encuentro cultural, a falta de una colaboración al aire libre con el Teatro Real el día 24. Única bailaora en escena, María Pagés da forma en los movimientos de Paraíso de los negros a una serie de ideas procedentes de Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca (la tensión entre libertad y autoridad), del escritor y fotógrafo estadounidense Carl van Vechten (cuya novela El paraíso de los negros aborda el racismo y los conflictos en la comunidad afroamericana), el escritor senegalés Leopold Sedar Senghor (con su filosofía telúrica de la negritud) y la cantante Nina Simone (y su reivindicación del deseo). En diez escenas, que se acogen al título de una obra literaria o musical de autores como Pessoa, Vallejo, Baudelaire o Flaubert, Pagés baila a lo largo de 70 minutos rodeada de una escenografía que evoca un espacio cerrado como una prisión o una jaula. A la artista la acompañan Ana Ramón y Sara Corea (cante), y Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz y Chema Uriarte (música). Utilizando los códigos del lenguaje flamenco e investigando dentro y fuera del mismo, Pagés demuestra en sus montajes, como en este de El paraíso de los negros, ser una pionera en el entendimiento del flamenco como un arte contemporáneo y vivo. La artista está convencida de que el diálogo y el intercambio enriquecen el arte y favorecen una mayor comprensión entre los seres humanos. Una época de creación española Rediscovering Spain (12 de septiembre en el Real Coliseo de Carlos III, 20.30) es un espectáculo musical y de baile flamenco que presenta la Accademia del Piacere sobre la música española creada en torno a los siglos XVI y XVII (periodo conocido como Siglo de Oro), una época creativa paradójica, pues en un país cerrado al exterior para evitar influencias extranjerizantes, los músicos españoles que vivieron en aquel tiempo, según escribe en el programa del concierto el violagambista Juan Ramón Lara, se vieron forzados a crear una música singular y original, influida por la música popular vernácula y también por formas y estilos procedentes de las colonias de la corona hispana. Entre esta música profana e instrumental, sus danzas acabaron por dominar la música de la corte de Versalles o alcanzar la pluma de grandes compositores como Bach o Scarlatti, en cuyas manos chaconas, fandangos, folías y canarios alcanzaron una dimensión histórica; pero antes habían dejado un rastro indeleble en la música popular española, de la que el baile y la guitarra flamenca son testimonio vivo, con sus rasgueos, sus zapateados y la característica polirritmia que hoy se sabe africana. El programa del concierto incluye obras de autores como Antonio de Cabezón, Diego Ortiz, Santiago de Murcia o Gaspar Sanz, interpretadas por un conjunto musical compuesto por Fahmi Alqhai, Johanna Rose y Rami Alqhai (viola da gamba), Javier Núñez (clave), Miguel Rincón (guitarra barroca) y Agustín Diassera (percusión). A este conjunto se suma la bailaora de flamenco Patricia Guerrero. El espectáculo ha sido creado y dirigido por el violagambista Fahmi Alqhai, nacido en Sevilla de padre sirio y madre palestina. Fundó en 2002 Accademia del Piacere y ha hecho incursiones en el flamenco. Con la cantaora Rocío Márquez ganó en 2016 un giraldillo de la Bienal de Sevilla a la innovación por el espectáculo Diálogos. Entre los discos que ha grabado se encuentra justamente Rediscovering Spain, que contiene temas interpretados en el espectáculo que presenta en San Lorenzo de El Escorial. Programación del fin de semana PARAÍSO DE LOS NEGROS Compañía María Pagés Danza. Flamenco Sábado 11 de septiembre, 20.30 Duración: 70 minutos Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial REDISCOVERING SPAIN Academia del Piacere, Fahmi Alqhai y Patricia Guerrero Música barroca y danza flamenca Domingo 12 de septiembre, 20.30 Duración: 65 minutos Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial

El bailaor y coreógrafo Paco Mora ha tenido la amabilidad de responder a nuestro Cuestionario Proust, del que dicen contiene las 30 preguntas breves que mejor definen a una persona. Lo cierto es que Paco tiene muchas cualidades, pero escogiendo una me quedo con lo que en él más admiro: el poder de reinventarse. Yo lo comparo con una caja de sorpresas que siempre que la abres encuentras algo nuevo y diferente, porque es inmensamente rico como artista y como ser humano. En realidad las dos facetas no están separadas, Paco baila con pasión y autenticidad contagiosas porque ningún bailaor puede ofrecer sobre el escenario una cualidad que no posea como persona. Realmente, el amor ha sido y es el motor de su existir, y cuando las circunstancias cambiaron porque su madre, Carmen, enfermó de Alzheimer, supo hacer de la necesidad virtud, logrando que a los 86 años cumpliese su sueño de ser bailaora, recorriendo junto a ella los teatros de España con el espectáculo "Flamenco para recordar". Se ha hecho tan conocido en su lucha contra el Alzeimer, descubriendo un método de ayuda al deterior cognitivo del enfermo tocando la fibra de su emocionalidad a través de la danza y las canciones, que su faceta de cuidador no debe hacernos olvidar lo gran artista que es. Pues tal y como lo definió el director de cine, Carlos Saura cuando lo escogió para el papel de Herodes en su "Salomé": Paco Mora es todo un descubrimiento. Hay que ir a verle bailar y me alegra saber que pronto podremos hacerlo en el Teatro La Latina de Madrid, el 21 de septiembre, donde inicia su gira con el preestreno de la película "En mis zapatos". CUESTIONARIO PROUST: las 30 preguntas breves que mejor sirven para conocer a un personaje -¿Principal rasgo de tu carácter? -Imprevisibilidad -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -La honestidad -¿Y en una mujer? -Idem. Somos iguales ¿ no? -¿Qué esperas de tus amigos? -Lealtad -¿Tu principal defecto? -Impaciencia -¿Tu ocupación favorita? -Mi casa -¿Tu ideal de felicidad? -Una playa al despertar vista desde la ventana. Y en mi cama mi amor. Algún día...la playa en la ventana. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -No ser autónomo (como dependencia no como trabajo, como trabajo ser autónomo es una desgracia) -¿Qué te gustaría ser? -Respetado, justo y padre -¿En qué país desearías vivir? -De aquí no me movería, si lo tuviera que hacer, México. -¿Tu color favorito? -Negro -¿La flor que más te gusta? -La Biznaga -¿El pájaro que prefieres? -Para comer el pollo, para tener en una jaula ninguno, para admirar el pavo real -¿Tus autores favoritos en prosa? -No tanto prosa, prosa poética como la de Lorca ninguna. Y me enamoré de Unamuno hace años. -¿Tus poetas? -Lorca y Manuel Benítez Carrasco -¿Un héroe de ficción? -Spiderman -¿Una heroína? -Mi madre -¿Tu compositor favorito? -Manolo Sanlúcar y si puedo dos Carlos Piñana y si puedo tres Falla -¿Tu pintor preferido? -Sin duda Botero. Hizo de mi lucha arte y hermosura. (Siempre luché contra mi cuerpo... Y sigo -¿Tu héroe de la vida real? -Cualquier artista que crea en su talento y no le dejen llenar estadios. -¿Tu nombre favorito? -Carmen -¿Qué hábito ajeno no soportas? -Ir con prisas. La vida se va y la perdemos corriendo. -¿Qué es lo que más detestas? -La mentira y la injusticia. Omitir verdad no es mentir. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Cualquiera que abusara del poder, prometiera y no cumpliera y cualquiera que teniendo su culo salvado no le importe el de los que le pusieron el culo a salvo. -¿Un hecho de armas que te admire? -No entiendo bien la pregunta...pero llevar armas... Ninguno -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -La mímesis -¿Cómo te gustaría morir? -Sabiendo que nadie me recordará como mala persona, tranquilo y sin dolores. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -Hoja de sierra -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -Ser cotilla si me cuenta el secreto -¿Tienes un lema? -NO TE OLVIDES DEL ALZHEIMER MERCEDES ALBI

Alexander Gorsky, considerado hoy en Rusia como un pionero del realismo de orientación dramática en el ballet, y un reformador tan grande como Michel Fokine, nació en San Petersburgo el 6 de agosto de 1871. Cuando Alejandro tenía ocho años, su madre lo llevó a él y a su hermana a San Petersburgo con la intención de inscribir al primero en una escuela de comercio y colocar a la niña en la Escuela Imperial de Ballet. Ambos niños fueron aceptados en la Escuela de Ballet. Un año después, Gorsky ingresó a la escuela como estudiante remunerado y fue colocado en la clase junior impartida por Platon Karsavin, el padre de la bailarina Tamara Karsavina. Con una beca un año después, Gorsky también estudió con N.I. Volkov y Marius Petipa antes de graduarse en 1889 y unirse al cuerpo de ballet. Seis años después se convirtió en solista y bailó una amplia gama de roles, incluidos los papeles principales en La Fille Mal Gardee y La flauta mágica, Aguilon en El despertar de Flora, y papeles de carácter como el Satiro en la ópera Tannhauser y Danse Chinoise. en Casse-Noisette. En 1896, Gorsky fue nombrado instructor asistente de la Escuela de Ballet de Pável Gerdt. Un año después, cuando murió Vladimir Stepanov, bailarín y profesor que había inventado un sistema de notación de danza, Gorsky decidió continuar con su trabajo y fue el responsable de establecer el sistema de notación en el plan de estudios de la escuela. En este momento, el director de los Teatros Imperiales decidió elevar la posición del Ballet de Moscú y eligió poner en escena La Bella Durmiente, que aún no había sido vista por el público de Moscú. Gorsky fue seleccionado y su llegada en diciembre de 1898 coincidió con la fundación del Teatro de Arte de Moscú. El estreno del ballet tuvo lugar el 17 de enero de 1899 y el programa decía que el ballet se escenificó "de acuerdo con notaciones de danza basadas en el sistema de Vladimir Ivanovich Stepanov". Satisfecho de que un ballet pudiera reproducirse a partir de la notación de danza, Gorsky ahora quería demostrar que un nuevo ballet también se podía representar de esta manera. Al regresar a San Petersburgo, decidió coreografiar un ballet de un acto "en papel". El resultado fue Clorinda, la reina de las hadas de la montaña, que se presentó el 11 de abril de 1899 en una representación de una escuela de ballet. La nota del programa explicaba que era “el primer intento de componer un ballet ... en papel utilizando el alfabeto del movimiento inventado por VI Stepanov. Los papeles se ensayaron a partir de partes escritas, similares a las utilizadas en la ópera durante el año escolar actual ”. El 1 de septiembre de 1900, Gorsky fue ascendido al rango de primer bailarín del Ballet de San Petersburgo, pero ocho días después fue transferido al Teatro Bolshoi de Moscú como regisseur. Aunque consideraba que este movimiento era temporal, debía permanecer allí. En Moscú se estaba produciendo un gran renacimiento de las artes durante este período en todas las áreas menos en el ballet. El Ballet de Moscú estaba en pésimas condiciones. No había ningún coreógrafo de distinción (tan pronto como se desarrollara un coreógrafo prometedor, sería trasladado a San Petersburgo); el repertorio era deficiente y, a menudo, el teatro solo se llenaba hasta un tercio de su capacidad; y la lista de la compañía incluía solo 70 bailarines. Solo la escuela estaba en una condición más positiva debido al talento de los instructores I.D. Nikitin y Vassily Tikhomirov. Pero se necesitaba liderazgo. El debut en toda regla de Gorsky como coreógrafo se produjo con su siguiente producción, Don Quijote, que puso en escena de manera bastante diferente a la versión de Petipa, aunque conservó ciertas secciones. Completado en 18 meses, Gorsky consideró el ballet como un paso importante hacia el logro de una unidad de concepción artística. Del trabajo dijo: “La distinción de mi producción es que hay un movimiento continuo de grupos en el escenario; las escenas se basan en un plan nuevo y original conmigo; No reconozco ninguna regla de simetría ". Para esta producción, Gorsky encargó a los pintores Korovin y Golovin que diseñaran los escenarios y el vestuario. El ballet se estrenó el 6 de diciembre de 1900. Aunque la prensa tuvo una reacción mixta, la asistencia de la audiencia comenzó a crecer. En enero de 1911, Gorsky volvió a escenificar El lago de los cisnes, que no se había representado en Moscú desde 1877, cuando Julius Reisinger realizó la producción original y fallida. Gorky trabajó desde la versión Petipa-Ivanov, revisando el primer y tercer acto, donde eliminó la simetría de los grupos de danza, introdujo una serie de danzas de personajes fuertes para crear un contraste con las escenas líricas, creó una dirección definida en el desarrollo de la trama, y ​​aumentó la expresividad de los bailes clásicos. A fines de 1904, Gorsky enseñaba regularmente en la escuela (su enseñanza estaba diseñada para desarrollar la creatividad individual) y se le considera responsable de sustituir el piano por el violín tradicional como acompañamiento de clase. Además de las actividades coreográficas de Gorsky, se desempeñó en varias organizaciones administrativas asociadas con el ballet y trabajó para mejorar la calidad del entrenamiento del ballet, así como para desarrollar la creatividad. Era un hombre bien educado y era competente en pintura, escritura, actuación y música. Alexander Gorsky murió en septiembre de 1924. Fuentes: 1. The Dance Encyclopedia. Compilado y editado por Anatole Chujoy y PW Manchester, Simon y Schuster, Nueva York, 1967. 2. The Concise Oxford Dictionary of Ballet , Horst Koegler, Oxford University Press, Londres, 1977. 3. The Ballet Called Swan Lake. Cyril Beaumont, 1952. Investigado y compilado por Fran Michelman. Texto seleccionado por José Antonio Valdivia Durán de Danza Libre

Eduardo Leal es un bailarín flamenco que tiene un sentido del ritmo y una capacidad interpretativa que son como él mismo, auténtico y pasional. Llegó a la danza de forma instintiva, una llamada que sintió desde niño en su Almería natal. Le hemos admirado como el Torero de La "Carmen" en las compañía de Aída Gómez y Rafael Aguilar; como Ignacio Sánchez Mejías en "Llanto" de Rubén Olmo en colaboración con Antonio Canales; como Teseo en "La Muerte de un Minotauro"... Después del paréntesis que ha supuesto la pandemia, tiempo de reflexión para su actividad creativa, se encuentra ahora ultimando los detalles de su coreografía "Cara B", una obra que trata sobre la violencia de género, con 12 bailarinas -encargo de la Asociación Entre Flamencos en colaboración con el Ayuntamiento de Almería-. Después le aguarda una residencia de creación con Esther Tablas en los Teatros del Canal, su participación en una gala organizada por Javier Latorre, y otros proyectos que todavía no se pueden desvelar, y quedamos a la espera de poder informar sobre ellos. Si dicen que las preguntas del Cuestionario Proust sirven para desvelar cómo son las personas, conozcamos un poco más a través de sus respuestas a la gran persona y artista que es Eduardo Leal. -¿Principal rasgo de tu carácter? -La sinceridad, algo que no me gusta demasiado en mí e intento corregirlo día a día, porque la sinceridad es a veces dolorosa. -¿Qué cualidad aprecias más en un hombre? -Que sea soñador y tenga capacidad de adaptación. -¿Y en una mujer? -Lo mismo. -¿Qué esperas de tus amigos? -Que sepan escucharme como yo los escucho a ellos. -¿Tu principal defecto? -Soy de mecha corta y me sale el mal carácter. -¿Tu ocupación favorita? -Todo lo relacionado con la danza, la naturaleza, los animales y las artes plásticas. -¿Tu ideal de felicidad? -Vivir con mi marido y mis perros en plena naturaleza. -¿Cuál sería tu mayor desgracia? -No sentir amor. -¿Qué te gustaría ser? -No lo se aún. -¿En qué país desearías vivir? -En España, concretamente en Andalucía y más concretamente en Almería. -¿Tu color favorito? -El negro. -¿La flor que más te gusta? -El jazmín, su olor me hace estar con mi Yaya. -¿El pájaro que prefieres? -Cualquiera que vuele en libertad. -¿Tus autores favoritos en prosa? -Carmen de Burgos, Colombine. -¿Tus poetas? -Lorca. -¿Un héroe de ficción? -Pipi Calzas Largas. -¿Una heroína? -Cualquier persona que luche por sus sueños sin hacer daño a nadie. -¿Tu compositor favorito? -Uff, tengo muchísimos, pero si tengo que escoger alguno, me decanto por uno de mi profesión: Manolo Sanlúcar. -¿Tu pintor preferido? -¡Muchos! Picasso, Mark Rothko, Lita Cabellut... -¿Tu héroe de la vida real? -Mi marido, Rubén Olmo. -¿Tu nombre favorito? -Mamá. -¿Qué hábito ajeno no soportas? -Que decidan por mi. -¿Qué es lo que más detestas? -El peloteo, el maltrato, la violencia, las dictaduras... Ahora mismo no me puedo quitar de la cabeza a esas mujeres encerradas en sus burkas, a las que de repente se les derrumba todo. No se debería permitir que suceda. -¿Una figura histórica que te ponga mal cuerpo? -Hitler. -¿Un hecho de armas que te admire? -La lucha de cada uno día a día con sus propias armas, aunque no aparezca en los libros de historia. -¿Qué don de la naturaleza desearías poseer? -El de dar vida. -¿Cómo te gustaría morir? -No me gustaría morir. -¿Cuál es el estado más típico de tu ánimo? -El de una tranquilidad intranquila. -¿Qué defectos te inspiran más indulgencia? -El estar mal, me explico, a veces se reprocha que una persona o un artista no esté bien, pero todos tenemos momentos mejores y peores. -¿Tienes un lema? -Vive y deja vivir. Ponte en el lugar del otro. MERCEDES ALBI