Emilio Ochado nos recibe en esos momentos tan especiales previos a la apertura del telón. Estrena mañana su nuevo espectáculo “Clásica Tradición” en el Centro Cultural Paco Rabal, donde se encuentra ultimando los detalles. Hemos querido estar con él porque Emilio es todo un símbolo: el del artista libre que sigue su propio camino. “Clásica tradición” es la cuarta producción de su compañía, un espectáculo donde Emilio Ochando (director, coreógrafo y bailarín) se deja llevar por su interior más profundo, disfrutando de su visión de la danza española y el flamenco. Es un recorrido por las piezas de danza española y flamenco que han marcado su trayectoria: El Fandando de Doña Francisquita, El Vito, Seguiriyas, Alegrias, Maria de la O.. Un espectáculo dinámico, enriquecedor y lleno de vivencias. Emilio bailará solo pero acompañado de músicos en directo: Loreto De Diego (cante), Daniel Jurado (guitarra), Gonzalo Grau (piano, chelo y percusión), que han trazado sus propias versiones de estos clásicos. Emilio trasmite optimismo, ilusión y calma. No parece nervioso ante el estreno, ni preocupado por la complicada situación que vivimos. Es como un pez en su propia agua, en su oceánica pecera, en el propio universo por el concebido, sin que el exterior altere sus sueños y su capacidad de gozarlos y transmitirlos al público. Hay que ir mañana 5 de septiembre a verle. La emoción está asegurada. -¿Cómo es que estrenas ahora en unos momentos tan complicados? -Pues he llegado a la fecha prevista, parece mentira, pero el estreno ya lo acordamos en noviembre, y después de tantas vicisitudes vamos a estrenar. -Cuéntame sobre qué vamos a ver mañana sábado… -Se titula “Clásica tradición”, y el sustrato musical es muy importante, porque coreografía y bailo las piezas más emblématicas de mi trayectoria, las que conforman mi recorrido artístico-vital. -Primero creo que bailas el Fandango de Doña Francisquita. -Sí, porque es para mi el comienzo, fue la primera coreografía que bailé, con la que me presenté a muchos concursos. En “Clásica tradición” hay esencias y músicas de pasos tradicionales a los que les he dado un aire nuevo, que no es otro que mi propio aire. Las interpreto con mi sentir actual. -¿Cuándo bailaste el Fandango de Doña Francisquita? -Empecé a bailar a los 9 años, pero el Fandango lo bailé a los 12. Como te he contado, con esta música me presenté a un montón de concursos de niños de esa época, como el Veo Veo y otros programas que ya no existen. -¿Por qué te pusiste a bailar? -Fue por mi hermana. Mi familia, que es de Granada, siempre han sido muy aficionados al cante y al baile, y aunque al principio yo solo iba de acompañante de mi madre cuando iba a recoger a mi hermana a la academia, le dije: “Mamá yo también quiero hacer eso”. Y pensó que sería un pasatiempo, que yo me cansaría, pero no. Mira, aquí estoy. La danza es mi vida. -¿Bailabas danza española? -No, yo bailaba todos los estilos, flamenco, contemporáneo, clásico… de todo. Luego, hice solo, pero a la par, ballet y danza española, y me decanté por esta. Mi hermana, por desgracia, se lo tuvo que dejar por problemas con las rodillas. Y a los 16 años me vine a Madrid. -¿Lo tenías muy claro desde muy joven? -Totalmente, yo tenía en mi cabeza que tenía que irme lo antes que pudiese a Madrid. Era mi primer objetivo y así, poder seguir formándome y dedicarme profesionalmente a la danza. -¿En qué compañías estuviste? -Hice mi primera gira a Japón con 17 años con la compañía de Domingo Ortega. He bailado en muchas, en el Nuevo Ballet Español, Cia. De Aída Gómez, con la Cia. De Rafael Aguilar donde tuve la suerte de poder estrenarme como coreógrafo… -¿Te sientes más coreógrafo o bailarín? -Para mi he sentido ambas facetas en un mismo tiempo. La coreografía va unida a mi enorme deseo de bailar. Fue en 2013 cuando me decido a hacer mi primer espectáculo en formato grande, bajo el título 3DL. Luego tuve un parón de 2015 a 2016 porque me fui a vivir todo el año a Japón… -Vamos que no paras… -Disfruto mucho con la dirección escénica que es la parte que estoy ahora madurando con cada nuevo espectáculo. Es que me encanta lo que hago. -¿Qué hiciste en Japón? -Fui allí contratado por Universal Estudios, bailando en un espectáculo de flamenco fusión, con shows diarios durante todo los días del año. -¿Te gustó vivir en una cultura diferente? ¿Qué te llamó más la atención de su modo de ser ? -Son muy respetuosos con los artistas, te valoran mucho. Y es curioso como en su forma de pensar, solo cabe el sí o el no, pero no comprenden el “quizás”, “puede”, “ya veremos”… Son eficaces y cuadriculados. Aprendí mucho, también de los americanos, porque la empresa era de USA. Y además, tener que subirte al escenario los 365 día del año, da mucha seguridad, pierdes del miedo escénico. Pero yo bailaba y además maquinaba qué era lo que iba a hacer cuando regresara a España, y concebí Siroco, en el que 4 chicos, nos planteábamos el uso de la bata de cola, o los mantones de manila ¿Por qué no?... Me cuestionaba. Así surgió. -Fuiste muy galardonado con Siroco. -Gané el Talent Madrid, el Certamen Coreográfico y tuvo mucha repercusión. -Y ahora a las puertas del estreno de mañana, ¿Cómo te sientes? -Me siento tranquilo, hemos tenido una semana de residencia técnica y todo va fluyendo muy bien. -Sí, pareces muy tranquilo para ser mañana cuando estrenas. -Todos me lo dicen. Ayer el jefe técnico me dijo que le sorprendía la calma con que lo estoy llevando. Pero es cierto, y es que me siento muy confiado con el equipo que tengo. -¿Después de Doña Francisquita que más compone el programa? -Hago el fandango de Boccherini con castañuelas, El Café de Chinitas, el Vito; y luego me paso a la parte más flamenca, que hago seguidillas, zambra, verdiales, alegrías; y finalizo con la parte de las coplas, una música que guarda las reminiscencias de mi niñez, me recuerda cuando jugaba con mi hermana en Granada. Son coplas como María de la O, Pena penita pena, Francisco Alegre, Las cosas del querer… Son mis vivencias del pasado con la visión del presente. MERCEDES ALBI

La producción, coordinada artísticamente por Úrsula López, estará del 9 al 13 de septiembre de 2020 en la Sala Roja del teatro madrileño, como parte de Ecenario Clece La pieza muestra, de manera sincera y auténtica, la esencia de este arte Patrimonio de la Humanidad. Con la colaboración coreográfica de Rubén Olmo -exdirector del Ballet Flamenco de Andalucía, Premio Nacional de Danza y Director del Ballet Nacional de Danza desde 2019-, y la dirección artística de Úrsula López, la propuesta refleja también el proceso de formación continua de esta compañía pública. El Ballet Flamenco de Andalucía es el máximo representante institucional del arte jondo, y ejerce de embajador del flamenco desde su creación en 1994, hace 25 años. Como todos los espectáculos programados actualmente en los Teatros del Canal, Naturalmente flamenco se representa siguiendo un estricto protocolo para la protección de la salud pública. El Ballet Flamenco de Andalucía (BFA), anteriormente Compañía Andaluza de Danza, trae su espectáculo Naturalmente Flamenco a los Teatros del Canal de la Coumunidad de Madrid, del 9 al 13 de septiembre y dentro de escenario Clece. La pieza muestra, de manera sincera y auténtica, la esencia de este arte Patrimonio de la Humanidad. Con la colaboración coreográfica de Rubén Olmo -exdirector del Ballet Flamenco de Andalucía, Premio Nacional de Danza y Director del Ballet Nacional de Danza desde 2019-, y la dirección artística de Úrsula López, la propuesta refleja también el proceso de formación continua de esta compañía pública. Componen el repertorio del montaje, que se estrenó en el XXIII Festival de Jerez y es el número treinta y cinco en la trayectoria de la agrupación, Tuétano: Romances, bulería, jaleos; En soledad: Farruca; Piel y arena: Tientos; Raíz: Seguiriya; Dulce caña: Caña; Alegrías de Córdoba: Alegrías; y lo cierra Ayer y mañana: Folklor de Morón. El Ballet Flamenco de Andalucía es el máximo representante institucional del arte jondo, y ejerce de embajador del flamenco desde su creación en 1994, hace 25 años. En este cuarto de siglo, ha pasado por escenarios de todo el mundo, por países como Estados Unidos, Argentina, Cuba, Francia, Italia, Hungría, Suiza, México. Ha protagonizado citas internacionales como la Exposición Aichi en Japón y ha participado en grandes festivales como los de Nueva York o Londres. Y en escenarios andaluces, la compañía ha estado presente en siete temporadas del ciclo Lorca y Granada en los Jardines del Generalife, con varias producciones basadas en obras del poeta granadino que después han girado por espacios escénicos nacionales e internacionales. También ha recibido galardones como el Premio Nacional de Coreografía por El perro andaluz, que dirigió María Pagés. Asimismo, varias coreografías de Cristina Hoyos obtuvieron varios premios Max de Teatro, e Imágenes. 20 años del Ballet Flamenco de Andalucía fue galardonado con el Giraldillo al Mejor Espectáculo en la XVIII Bienal de Flamenco de Sevilla. Como todos los espectáculos programados actualmente en los Teatros del Canal, Naturalmente flamenco se representa siguiendo un estricto protocolo para la protección de la salud pública, con el fin de proteger tanto a los intérpretes como al público. FICHA ARTÍSTICA Coordinación artística: Úrsula López Coreografías: Úrsula López y Rubén Olmo Elenco Úrsula López – Directora Alejandro Molinero – Repetidor/Bailarín Julia Acosta – Bailaora Ana Almagro – Bailaora Gloria del Rosario – Bailaora Lidia Gómez – Bailaora Águeda Saavedra – Bailaora Antonio López – Bailaor Federico Núñez – Bailaor Iván Orellana – Bailaor Isaac Tovar – Bailaor Bailarines de refuerzo Andrea Antó Marta Gálvez Manuel Jiménez Alejandro Molina Músicos Juan Manuel Espinosa – Guitarra Pau Vallet – Guitarra Sebastián Cruz – Cantaor Vicente Gelo – Cantaor Raúl Domínguez – Percusión Música popular y folklore Música original: Juan Torres, Pau Vallet &&&&&&&&&&&&&&&

Hoy se han presentado en el Teatro del Canal el ciclo Canal Baila, que tendrá lugar desde el 1 de septiembre al 11 de octubre en la Sala Negra. Blanca Li, directora del Centro Coreográfico, mostró su entusiasmo pues expuso que nos encontramos ante un tiempo difícil, en el que el brusco parón fue muy duro y ahora el arranque ha sido también muy súbito, tanto que le parece casi mentira que lo hayan logrado. "Quiero que el centro sea reconocido como un espacio para la danza abierto a la diversidad y que permita la transmisión, al servicio de las obras durante el tiempo de la creación y cada una de sus etapas (gestación, ensayos, representaciones). Un lugar único que centraliza recursos al servicio de la danza", desea Blanca. Y es que se palpaba en el ambiente del Centro Coreográfico Canal que los artistas están deseosos de subirse al escenario. Así, las compañías de Ana Morales, Jesús Carmona, el colectivo Lamajara, Verónica Garzón y Begoña Quiñones, Cristian Martín, Mónica Runde, Metamorphosis Dance, Instituto Stocos, Fabian Thomé y Elías Aguirre pondrán en escena los proyectos que han ideado y a los que han dado forma desde sus cimientos, al amparo de la residencia en el Centro Coreográfico Canal durante este año 2020. Un ciclo ecléctico y de vanguardia Los creadores ponen cuerpo a propuestas con ritmos de flamenco, música clásica o contemporánea, dando forma a un ciclo ecléctico y vanguardista que aborda reflexiones sobre la identidad, las relaciones de poder o los orígenes biológicos del movimiento. La marcha comenzará con Ana Morales, multipremiada bailarina de formación flamenca que el 1 y el 2 de septiembre tendrá en cartel un extracto de su pieza. "En la cuerda floja", con la que nos invita a una reflexión sobre nuestros estados de ánimo, duraderos o temporales, y sobre lo que pasa a en nuestra mente cuando ésta busca el orden pero se siente cómoda en el caos. El 8 y el 9 de septiembre será el turno de Jesús Carmona, coreógrafo y que fue primer bailarín del Ballet Nacional de España durante muchos años, así como premio El Ojo Critico 2019, y que nos propone El Salto, un innovador espectáculo de flamenco fruto de tres residencias artísticas realizadas en Nueva York, Miami, Londres y Madrid, que se pregunta si el movimiento en el baile tiene género. El 16 y 17 de septiembre, el muy experimental colectivo Lamajara presenta Ígnea, una obra elaborada de forma colectiva -sello de la casa- y de gran formato, donde un elenco de cinco bailarines se interesa por entender el territorio volcánico desde una visión geológica, geográfica y antropológica, para terminar analizando lo que nos mueve, el origen, llegando a la matriz de las cosas. El 19 y el 20 de septiembre, Verónica Garzón y Begoña Quiñones bailarán PACTO, una pieza que juega con construcciones corporales basadas en la interacción humana para reivindicar la negociación como acto creativo, en toda su complejidad y ambigüedad en los contextos negociadores actuales. Cristian Martín, finalista de los Max en 2017 y Primer Premio en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid en 2015, presentará, el 23 y 24 de septiembre, Márgenes, consagrado a los cuerpos olvidados, aquellos que están en los puntos ciegos del universo, donde nadie mira y que nos hacen repensar el concepto de belleza. Por su parte, los días 26 y 27 de septiembre, la internacionalizada Mónica Runde, Premio Nacional de Danza, lidera el proyecto Dos de Gala, en el que sus creadoras -Mónica Runde, Inés Narváez Arróspide y Elisa Sanz- parten de una investigación en torno a la figura de Gala Elluard-Dali que ha llevado a este trío a hallar lugares comunes en los que conformar el trabajo. Ya el 30 de septiembre y el 1 de octubre, el movimiento correrá a cargo de Igor Bacovich e Iratxe Ansa, que con su formación Metamorphosis Dance han creado Elkarrizketa Ilunak, cuyo significado es “conversaciones a oscuras”, y que nace de un lenguaje coreográfico muy físico, heredero de los coreógrafos clásicos del siglo XX, y ahonda en las posibilidades artísticas que ofrece el uso de una técnica que deconstruye lo académico e incorpora elementos contemporáneos actuales. Conexiones con la música e insectos El 3 y el 4 de octubre estará en cartel The Hidden Resonances of Moving Bodies II, una colaboración entre Instituto Stocos, especialistas en incorporar a escena conceptos tomados de otras disciplinas como la inteligencia artificial, las matemáticas o la psicología experimental, y el reconocido grupo de percusionistas Neopercusión; es la segunda parte de una serie de obras que confrontan en la escena a bailarines con músicos clásicos-contemporáneos, para explorar los principios comunes de la danza y la música. En la última semana del ciclo, el 7 y 8 de octubre, Fabian Thomé presenta su premiado trabajo MOI-JE, sobre la conexión humana y que parte del estudio de cómo un dúo pasa a convertirse en una obra coral de cuatro intérpretes. El coreógrafo, bailarín y artista audiovisual Elías Aguirre cerrará el ciclo con su EMPUSA POEM / The exotic complexity, que estará en cartel el 10 y 11 de octubre, y es una original pieza cuyo exoesqueleto tiene estructura de Haiku, y establece un paralelismo entre la incapacidad para explicar ciertos aspectos de la etología de los insectos y el comportamiento humano. El Centro Coreográfico cuenta con nueve salas de ensayos en su espacio dependiente de la Comunidad de Madrid y que se integra en el complejo de los Teatros del Canal. El ciclo Canal Baila supondrá una oportunidad única para disfrutar de las creaciones y del talento de algunos de los mejores coreógrafos, bailarines y bailarinas. ACCESO COMPRA ENTRADAS

El verano toca a su fin, y a modo de despedida nos aguardaba una sorpresa, encontrarnos con Gonzalo Zaragoza en el pintoresco puerto de Malpica, pues ha venido a Coruña a impartir un curso de verano en la Escuela de Danza Druida. Gonzalo es Jefe de estudios del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, donde imparte la asignatura de Metodología y Didáctica para la enseñanza. Conversamos y no puedo dejar de sentir su preocupación por las circunstancias actuales, en las que lo inesperado se ha adueñado de todos. Estamos en un puerto después de la convulsión, como si fuésemos náufragos de un tsunami y hasta allí nos hubiera arrastrado la marea. Pero lo que se ha desubicado va tratando poco a poco de asentar su orden para afrontar un nuevo “curso” complicado. Gonzalo nos transmite esa férrea voluntad, asentada en la sensibilidad de su carácter, que le impulsa a seguir siempre adelante guiado por su lúcida inteligencia y su gran amor a la danza. Fotografía: Armando Rivas -¿Cómo fue la crisis del COVID en el conservatorio? -Nos cogió por sorpresa, como a todo el mundo, ya que a finales de febrero era como si no pasara nada y se quitaba importancia a la pandemia, y de repente, nos encontramos con el cierre de los centros. -¿Ha sido complicado? -Sí. Hemos tratado de evolucionar encontrando todo tipo de soluciones y hacer lo posible para suplir la carencia de enseñanza presencial, que reconozco es insustituible. Con el confinamiento la enseñanza de la danza se enfrentó a problemas adicionales respecto con otras disciplinas. Pero a pesar de todo, soy consciente de en el ámbito público somos unos privilegiados, lo cual no me exime de la gran preocupación que sentí y siento por todos, por las escuelas privadas, las compañías, los artistas, los jóvenes que empezaban sus carreras, el público... -¿Qué te preocupa? -Me preocupa la danza como tal. Yo soy una persona muy práctica y quizás por mi cargo trato de no cerrarme en mí o en mi asignatura y tiendo a mirar más allá. No somos un compartimento aislado sino que hay que considerar todo el círculo. -¿Qué círculo? -Verás, por ejemplo, piensa lo que conlleva el cierre de los teatros. Es un gravísimo problema que se añade a la mala situación que atraviesa la danza ya de por sí. Me refiero a que es un círculo que nos relaciona a todos, porque si no hay teatros el público desaparece, y de este y de la difusión surge el alumno, el futuro bailarín... Si se quiebra una parte, la rueda no gira y se para y deja de funcionar. -¿Qué solución propondrías? -Es necesaria la unión del sector, olvidar las rivalidades, luchar juntos porque lo fundamental es que los espectáculos sigan, aunque sea viéndolos desde casa pagando una entrada, tienen que continuar, es el engranaje que acciona la supervivencia de todos. -¿Las rivalidades lastran a la danza? -Me atrevo a hacer una crítica al sector y reconozco de entrada que soy yo quien el que primero debe aplicársela, pues es muy necesaria en este momento: miramos demasiado al de al lado, que si hace esto o aquello, que si tiene más nivel que yo o menos... y el enfrentamiento nos hace perder la fuerza. Estamos demasiado encerrados en cada uno de nosotros. Tenemos que mirar más allá. Si no somos conscientes de que formamos parte de una globalidad, la crisis se nos puede llevar a todos por delante. -¿En qué consiste la asignatura que impartes de Metodología de la Danza? -Tratamos de enseñarles a enseñar, que aprendan como se enseña la danza. La Metodología y Didáctica de Danza es como da al alumno un “libro de instrucciones” que luego ellos tendrán que poner en práctica con sus futuros alumnos. Es complejo y fascinante a la vez, porque se tiene que adaptar a las concretas circunstancias del grado de madurez del alumnado. Implica a su vez mucha reflexión, lo cual es muy positivo. Desde que Virginia Valero me propuso impartirla reconozco que profundizar en la metodología me ha hecho mejorar como profesor de técnica. -¿Está la danza por encima de la técnica o no? -Es la cuestión difícil, danza y técnica van unidas porque la danza es la unión de técnica/movimiento/expresión. El dominio técnico posibilita llegar a ser mejor intérprete, pero la Danza es mucho más que un ejercicio físico. Un exceso de técnica mal entendida nos puede llevar ser meros ejecutores de movimientos, sin transmisión, sin respiración, sin sensación, en definitiva sin expresión... -¿Cuándo y por qué empezaste a bailar? -Empecé a bailar... No me gusta mucho contarlo porque parece como de película, aunque fue así. Te lo cuento. Una noche en TVE2 vi a Margot Fonteyn con Nureyev bailando “Romeo y Julieta”, y les dije a mis padres: “eso es lo que quiero hacer”. Mi madre lo entendió, y mi padre, no entendió nada (ríe). -¿Dónde aprendiste? -Me llevaron al estudio de Luis Fuentes, que en ese momento iba y venía de Estados Unidos, y también estaba con él Africa Morris. Ese fue el comienzo. -Dame datos sobre tus compañeros de estudio para ubicarte temporalmente. -En ese momento que yo entré, de allí salían, por ejemplo, Raul Tino, Ricardo Franco, Felipe Alcoceba... que luego serían parte del primer elenco del primer Ballet Nacional que dirigió Víctor Ullate. Luego, me sigo formando con Carmen Roche, que es la que realmente me ha configurado en mi estilo junto con Lola de Ávila. Y hay una persona que me me ha enseñado mucho: Ana Baselga, que también provenía de la Escuela de María de Ávila. Digamos que he estado siempre con profesores del mismo ámbito. -¿Has bailado en escena? -Sí. Y muy joven. Solo tenía 17 años cuando entré en el Ballet de Montecarlo, tuve un bajón muy fuerte que me hizo parar 2 años, y luego entré en el London City Ballet. -¿Por qué detuviste tu carrera? -Yo era casi un niño cuando entré en el Ballet de Montecarlo. Y hay veces que el grado técnico no va parejo con la madurez anímica. Me encontré de repente lejos de mi entorno, en un mundo desconocido, en una compañía de 70 bailarines... Me sentí sobrepasado. Cogí una depresión que me hizo engordar once kilos novecientos gramos. -¿Te hundiste? -Sí, y remonté y entré en el London City Ballet, que era una compañía formada en su mayoría con excomponentes del Royal y del English. Yo ya era más consciente de la realidad y pude empezar a descubrir mi camino en la danza. Y me di cuenta de una cosa… -¿De qué? -De que yo disfrutaba mucho más en el ensayo que en el escenario. Me gustaban las clases, la repetición... Eran los momentos que me hacían más feliz. Un día Valentina Savina, que entonces era profesora del Ballet Lírico Nacional, me presagió: “Gonzalo, tu serás un buen profesor”. Tenía razón, en la enseñanza descubrí mi vocación. -¿Te consideras afortunado de haberte dedicado a la docencia? -Mucho. Me considero afortunado. Primero empecé a enseñar con Carmen Roche, y es un verdadero placer ser profesor en la misma escuela que te has formado, porque tienes la ventaja de que conocer el modo en que se imparte; más adelante, conocí el proyecto de Virginia Valero, quise ser parte y obtuve mi plaza en el conservatorio. Virginia fue para mí una especie de guía, he aprendido mucho de ella dentro y fuera del aula. Al principio me confió un grupo, estábamos entonces en la calle Soria. Luego, cuando la nombraron directora del Conservatorio Superior, me propuso formar parte de su equipo directivo del que formo parte desde el 2006. -¿Qué haces aquí en Galicia? -He venido a Coruña impartir un curso de verano en la Escuela Druida, porque desde hace varios años colaboro con Mercedes Suarez, que cuenta conmigo como profesor invitado, y me encanta ya que me lo paso bomba en las clases. -¿Por qué? -Date cuenta que en el Superior son alumnos adultos, y me estimula cambiar y enseñar a gente de otras edades. -¿Vislumbras el futuro con ellos? -Ahora vamos a atravesar un tiempo difícil, pero no me cabe duda de que la danza está en ellos y eso nunca puede desaparecer, debemos permanecer abiertos y flexibles para tratar de descubrir lo que haya de positivo en esta situación. MERCEDES ALBI Fotografías: Gabriel M. Olivares y Armando Rivas Fotografías Escuela Druida: M. Suárez

Alwin Nikolais (1910-1993), considerado el padre de la danza multimedia, es uno de los coreográfos más innovadores de la danza moderna. A partir de los años 40, este coreógrafo norteamericano empezó a crear obras abstractas que ofrecían una experiencia completamente teatral de la danza. En las obras de Nikolais el movimiento que expresan los bailarines tiene igual importancia que la escenografía, la utilería, el sonido y la iluminación. El resultado es una danza multimedia donde los bailarines están íntimamente integrados al ambiente. A diferencia de otros grandes bailarines y coreógrafos de la danza moderna, Alwin Nikolais no estaba interesado en la exploración del yo ni en contar historias. Sus obras enfatizaban el movimiento en sí, la forma, las imágenes, el espacio y el tiempo no lineal. Cuando era niño Nikolais aprendió a tocar el piano. En su juventud estudió composición musical, actuación, el arte de las marionetas y escenografía. Su primer trabajo artístico fue de organista en el cine mudo. Se interés por la danza se despertó cuando acudió a una presentación de Mary Wigman, la creadora de la danza expresionista alemana. Empezó a estudiar danza con Trude Kaschmann (que había sido estudiante de Wigman) en 1935. Después de servir en la Segunda Guerra Mundial, Nikolais estudió danza con Hanya Holm y se convirtió en su asistente. Nikolais también estudió danza en Bennington College con otros grandes maestros de la danza moderna, tales como Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman y Louis Horst. En 1948 Nikolais se asoció al Henry Street Settlement en la ciudad de Nueva York, donde fundó una escuela de danza y una compañia de danza-teatro, que eventualmente se lllamó la Nikolais Dance Theatre. Fue en este espacio que Nikolais empezó a desarrollar sus obras abstractas de danza multimedia. Su danza abstracta y visión artística La obra artística de Alwin Nikolais se distingue por la experimentación e investigación constante de la danza dentro de un contexto teatral. Nikolais no se basó en las técnicas y lenguajes que desarrollaron la primera y segunda generación de bailarines de la danza moderna. En vez, se enfocó en desarrollar su propio lenguaje de danza basado en el concepto de “descentralización”. La descentralización para Nikolais consistía en despersonalizar a los bailarines fundiéndoles con el ambiente entero de la obra. En sus obras los bailarines pierden su identidad invididual. Se convierten en un elemento teatral que, junto otros elementos teatrales como el vestuario, el diseño, la iluminación, el sonido, la escenografía y la utilería, comunican un significado abstracto. En sus obras Nikolais no enfatiza la expresión personal del bailarín, si no el efecto total de la obra. El punto de atención es la acción colectiva del cuerpo de bailarines. Los bailarines a menudo pierden su forma humana mediante movimientos que se deforman con el uso de vestuarios, diapositivas e iluminación. Nikolais no estaba interesado en contar historias ni en expresar emociones. Su interés era la investigación de las propiedades del espacio físico y de los principios del movimiento. Nikolais es un pionero en el uso de la música electrónica como elemento de la danza. En la mayoria de sus obras Nikolais componía la música, creando composiciones de sonido que no respondían a un compás. Nikolais también se distinguió en el mundo de la danza moderna por su genial uso de la luminotécnica. En sus obras Nikolas incorporaba luces y proyecciones de imágenes en todas las direcciones y niveles del escenario, creando nuevas formas, siluetas y espacios. El legado de Alwin Nikolais Nikolais pasó a la historia de la danza moderna como uno de los grandes genios de la danza multimedia o teatro multimedia. Es considerado un mago de las artes teatrales. Su obra alcanzó fama y reconocimiento alrededor del mundo, especialmente en Francia. De su larga colaboración con el coreógrafo y bailarín, Murray Louis, surgió una técnica de danza que hoy en día se estudia en universidades a nivel mundial. Actualmente existe una fundación que se encarga de conservar y divulgar las coreografías y la técnica de de Nikolais y Louis, llamada la Nikolais/Louis Foundation for Dance, Inc. Fuente: Nikolais/Louis Foundation for Dance, Inc. Selección de texto y fotografías por Luis Antonio Valdivia Durán

La IV edición del Encuentro Con Los Maestros comienza en Colombres para producir un espectáculo de música, danza española y flamenco, dedicado a la emigración Asturiana a México y que llevará por título: "Que Nos Vaya Bonito". El Encuentro atrae a la capital del concejo asturiano de Ribadedeva a maestros, coreógrafos y artistas de la talla de Antonio Canales, Ángel Rojas, Currillo Franco, Arantxa Carmona, Maribel Gallardo, Eduardo Martínez y el músico y danzarín llanisco Santiago Galguera, quienes convivirán, formando una unidad familiar, durante quince días con un elenco de 30 alumnos y alumnas profesionales de danza, procedentes de los conservatorios de distintas Comunidades Autónomas. Vuelve, un año más, el director teatral Alejandro Torregrosa y la banda de músicos La Nueva Indiana, que este año la formaran Francisco Fernández (piano), Carla Pérez (flauta), Juan Manuel de las Heras (percusión), Isabel Anaya (Chelo), Pedro García (guitarra) y Paula Zambrano (voz). Seis talentos emergentes que ofrecerán un Concierto Lírico “Al Aire Libre” el día 19 de agosto en la plaza de Manuel Ibañez de Colombres, donde podremos escuchar, apoyando a las nuevas generaciones, al barítono Isidro Anaya. Acceso reserva entradas La recaudación de este concierto se destinará a Cáritas de Ribadedeva, gracias al gesto de los músicos que ceden su caché para su donación. El lunes 24 de agosto, a las 21:30 en la plaza De la Iglesia de Santa María de Colombres, los Maestros en el Encuentro ofrecerán una conferencia al aire libre , bajo el título “Conversaciones. El arte y la cultura en tiempos del Covid” , en la que participarán el artista Antonio Canales, Maribel Gallardo (maestra repetidora del Ballet Nacional de España), Arantxa Carmona (Directora Del Real Conservatorio de danza Mariemma de Madrid), Manuela Herrera (Directora del Conservatorio Profesional de música Teresa Berganza, Premio Nacional de Educación), María Luisa Fernández (concejala de cultura del ayuntamiento de Ribadedeva) y Javier Sampedro (Director de la Casa de Cultura de Colombres). Los espectáculos de danza se podrán disfrutar los días 21 y 29 de agosto en la carpa del Archivo de Indianos-Museo de la Emigración de Colombres , donde Antonio Canales despedirá en el escenario esta IV edición del Encuentro Con Los Maestros, en los tiempos de la pandemia. Las entradas para el día 21 de agosto siguen a la venta en el siguiente enlace Para el día 29 de agosto ya se han agotado, pero todavía se pueden adquirir las butacas virtuales para su emisión online en directo, que se llevará a cabo a través de la plataforma ZOOM . Por último, será posible disfrutar de la presencia de todos los maestros en la Cena Solidaria a favor de la asociación de mujeres Ojalá7Dias que se celebrará el día 27 de agosto en la terraza del hotel restaurante El Junco (El Peral). Habrá que darse prisa para hacer la reserva, ya que este año el aforo esta muy limitado. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Bolm había sido el gran bailarín de carácter en la primera temporada de Diaghilev en París. Creó papeles protagónicos en El Principe Igor, Thamar, Sadko y Carnaval, y siguió a Nijinsky en Scherazade, El Pabellón de Armida y Petrouchka. En 1916 vino a los Estados Unidos con su troupe y cuando la compañía regresó a Europa, él se quedó y tomó a su cargo, primero el ballet del Metropolitan Opera House y luego el de la Opera de Chicago. Formó su "Ballet Intimo" y recorrió el país con la Barrère Little Symphony; más tarde realizó una extensa tournée por Sudamérica y los Estados Unidos con Ruth Page como principal bailarina. Años antes de que yo ingresara en su elenco, se estableció en Chicago, donde enseñaba y dirigía. Su tournée era un acontecimiento anual. Aquella en que yo participé fue la última que hizo. Era un gran bailarín, pero a mi juicio jamás había sido gran coreógrafo. La edad, las responsabilidades de familia y el terrible agotamiento propio de su profesión estaban hundiéndolo poco a poco. En la época en que yo lo conocí daba la impresión de ser incapaz de cumplir dignamente las funciones propias de un empresario. Y pese a toda su buena voluntad, a su bondad extraordinaria y al apoyo de su notable adiestramiento, se quedaba muy por debajo de sus sueños. Muchos grandes rusos han pasado por ese patético ciclo. Preparados y mimados en la enorme organización de su teatro, servidos por las mentes más privilegiadas de su generación, al libertarse los consternaba el comprobar cuanto se logra por la colaboración de otros y qué inútil se vuelve uno de pronto. Después de la muerte de Diaghilev, el Ballet Ruso se desplomó completamente y los ejecutantes malgastaron sus esfuerzos en dispersa confusión durante cinco años, hasta que Massine los reorganizó. El predicamento de las estrellas estaba compuesto por una natural altanería y un desprecio absoluto por toda otra forma de baile, lo cual es una característica de la Escuela Imperial Rusa de Ballet; no, quiero ser más precisa: de cualquier escuela europea de ballet. Esta altanería era, a mi juicio, un escudo contra su consternación y su anonadamiento. El había tenido todas las doradas oportunidades que los Estados Unidos podían ofrecer, y allí estaba, sin embargo, inexplicablemente, con un grupo de discípulos mal elegidos, en una tournée de segunda categoría. Su entusiasmo estaba desfalleciendo un poco. Era un hombre impulsivo, apasionado, que sentía verdadero afecto paternal por sus pupilos y pupilas. Estos lo amaban, pero no era ese motivo suficiente para convertirse en buenos bailarines. ¡Que espectáculo el verlo, de pie en la plataforma de la estación, mientras el cargador reunía los paquetes y cajas de su heterogénea compañía! Y los componentes de esa compañía, fatigados y locuaces detrás de él, se disputaban la distribución de camas. En Chicago, Des Moines, Louisville, Montgomery, Hollins, Macon y Pittsburgh vi a Bolm en la plataforma, suelta la bufanda, y el deforme sombrero de fieltro echado hacia atrás sobre la cabeza, con la frente bañada del sudor provocado por la prisa y la confusión, insistiendo en que nos reuniésemos y tratásemos de recordar las cosas que él, sin duda alguna, se habría olvidado. Nos contemplaba con una mezcla de cariño y decepción. Pensaba sin duda que aquello tendría que haber sido la compañía de Diaghilev, y la estación, la Gare du Nord. ¿Qué triste y decreciente sucesión de hechos había substituido a Karsavina, Nijinsky, Pavlova, Rubinstein y Lopokova por Hattie, Totti, Daisy y Bill? AGNES DE MILLE "Dance to the Piper"(1951) Cap. XIII,(La profesión). Págs 133,134 Texto y fotografías seleccionados por Luis Antonio Valdivia Durán

Me reúno con Asiya Lukmanova en los jardines del Centro San Juan en Alicante, donde se alojan los alumnos y profesionales del Russian Masters Ballet que ella organiza y dirige. La lucha frente al COVID continúa con un gran esfuerzo por parte de los profesionales de la danza, sin que podamos olvidar al mundo de la enseñanza y a los docentes, que como Asya Lukmanova luchan por continuar contra viento y marea. Por fin logró poner en marcha el Russian Masters Ballet en su séptima edición en Alicante. Ella goza de un currículum impecable, el que corresponde a su personalidad, es un tipo de mujer de las que consiguen lo que se proponen, con elegancia, inteligencia y firmeza de carácter. Asiya se graduó summa cum laude en la Academia Rudolf Nureiev de Ballet en 2002 y se convirtió en solista de ballet en el Teatro de Ballet de San Petersburgo de K.Tachkin. A los 17 años bailó su primer papel solista – Kitri en el ballet “Don Quijote”, a los 25 años de edad se convirtió en la promotora del festival Electromar, hoy en día uno de los más grandes festivales de música en España con más de 30.000 espectadores. En el 2009 se licenció como profesora de ballet clásico en la Academia Vaganova de Ballet que ha dado un nuevo giro a su carrera. Posteriormente, inicia una exitosa carrera al frente de Russian Masters Ballet, llevando lo mejor del ballet mundial por varios continentes. -¿Ha sido todo muy complicado este curso? -Este año no ha sido nada fácil pero, lamentablemente, no lo ha sido para nadie y el mundo del ballet ha quedado muy dañado. Hemos luchando hasta el último momento para poder organizar el Russian Masters Ballet de esta convocatoria. Nosotros comenzamos a organizar el curso hace 7 años y desde hace 4 como el oficial de la Academia Vaganova. -¿Dónde organizáis los cursos de la Academia Vaganova? -Como están orientados al alumnado procedente de todo el mundo lo celebramos en tres sedes: Alicante, San Petersburgo, en la sede de la propia Academia Vaganova en la que estamos encargados de organizar el curso internacional, y Estambul. Aunque en la presente edición solo lo hemos podido organizar aquí, y de forma muy mermada. -¿Ha modificado la pandemia vuestros planes? -Generalmente, reunimos en Alicante unos 300 alumnos aquí en este maravilloso Complejo San Juan, donde nos alojamos y disfrutamos de unas magníficas instalaciones; las clases se imparten por las mañanas en el Conservatorio de Novelda. Es como un selecto campamento donde nuestros alumnos aprenden, conviven y disfrutan de un merecido tiempo de ocio. La presente edición se ha logrado celebrar de forma extrema y todavía estamos ultimando si será posible hacer la gala de clausura. -¿Notas en los jóvenes bailarines las consecuencias del confinamiento? -Se nota mucho. Ha afectado a su forma física, porque no es lo mismo recibir clases online, que también impartimos, que poder hacerlo presencial y no en el reducido espacio de sus hogares. Y también lo noto en la ilusión que tienen, porque cuando les nombro algo sobre la gala final, que aun no está claro que podamos hacer, les brillan los ojos de ilusión, de tantas ganas que tienen de poder subir al escenario después de haber estado encerrados. -¿De qué países proceden los alumnos? - En todas las ediciones del curso de Alicante tenemos un cincuenta por cien de españoles y un cincuenta de extranjeros, y se matriculaban muchísimos, en torno a los 300 alumnos. Esta edición, a consecuencia de las estrictas restricciones de seguridad, nos hemos visto obligados a reducir el aforo a solo 54 plazas que están cubiertas con nacionales en su mayoría. -¿Qué va a pasar con la Gala de Clausura? -La Gala que celebramos con alumnos ya es todo un acontecimiento en Alicante, vienen a verlo en torno a mil personas a Novelda. Es un evento gratuito. Luego, se culmina con una Gala de Estrellas en la que bailan los profesores, estrellas de talla internacional, que han venido a impartir el curso. Se suspendió todo en mayo. Luego, en junio, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Novelda, nos acogimos a la posibilidad de celebrarlo con plazas limitadas, con un estricto cupo de alumnos a fin de adaptarnos a nivel sanitario para cumplir los requisitos de seguridad. Tampoco hemos podido traer a los treinta y pico profesores, solo han podido venir cuatro. -¿Cuál es la razón por la que Alicante es sede del curso Russian Masters Ballet? -Me instalé en la zona por motivos personales. Me casé con un español al que conocí durante una gira de mi compañía. Inicialmente, vivíamos en Murcia. Trate de encontrar un camino profesional en el que sentirme realizada. Como impartí cursos como profesora invitada en el Conservatorio de Alicante, comencé a planear lo que deseaba transmitir con un tipo de formación que en su mayor parte no era conocida en España. Así lo hice, contacté con mis propios profesores de San Petersburgo y poco a poco hemos llegado a ser un master de referencia internacional. -¿Qué edades tienen los alumnos? -A partir de 10 años y menores de 20. Se lo pasan muy bien. Tiene actividades de tiempo libre. Se crea comunidad muy bonita. No fomentamos la competición entre ellos sino la camaradería. Tratamos de crear una experiencia inolvidable y además, sirve para darlos a conocer desde el extranjero como trampolín internacional a sus futuras carreras. Hoy en día ya tenemos más de 45 alumnos y artistas colocados entre Academia Vaganova, Escuelas Estatales de capitales europeas, como Berlín y Zurich, diferentes teatros, entre ellos Teatro Mariinsky y teatro de Dortmundt. -¿Cómo ves a los alumnos bailarines españoles? -Hay bastantes alumnos con talento, aunque al recibir muchísimas solicitudes de España en su mayor parte, finalmente, no es alumnado profesional. Pero es así en todas partes. -¿De dónde eres? Nací en Kamchatka. Mi madre es de San Petersburgo y me mudé allí muy temprano. Mi sueño desde siempre era entrar en la Escuela Vaganova, pero no pasé la prueba porque me faltó un centímetro en mi complexión física. Entonces, entré en la Academia de Ufa, y logré graduarme muy temprano, dos cursos por delante de lo que correspondía a mi edad, porque siempre tuve un nivel técnico muy potente, y a los 17 años ya bailaba como profesional. Posteriormente, cursé el magisterio como profesora en la Academia Vaganova. -¿Qué requisitos se necesitan obtener la titulación de maestra de la Academia Vaganova? -Primero se necesita el título de bailarín, pero además un mínimo de tres años de experiencia escénica. Luego si te admiten en el curso, son cinco años de estudio. -¿Hay mucho intrusismo? -Sí, no me gusta hablar mal de nadie, pero sí lo hay. Obtener el título de maestro del método Vaganova es muy complicado y con unos requisitos muy estrictos. -¿Cuáles son las características del método Vaganova? Es muy preciso, muy puro en su forma; lo más importante es, no lo que se está haciendo, sino cómo lo estás haciendo. Lo importante es la forma, la coordinación del movimiento de brazos y tiene como eje la espalda. -¿Por qué crees que el método Vaganova se impuso históricamente? -Hay varias razones históricas que justifican la importancia del desarrollo del ballet en Rusia. En primer lugar, los rusos tienen unos cuerpos con mucho talento natural para la danza. Y luego, se abrieron al mundo, en el sentido de que se importaron los mejores bailarines de todas las nacionalidades que empezaron a impartir sus conocimientos a los alumnos rusos hasta que surgieron los grandes bailarines autóctonos que maravillarían internacionalmente. Pero en aquel momento de formación, Vaganova pudo ver como bailaban con los diferentes estilos. Los pies franceses, el virtuosismo italiano, la técnica danesa etc… Y entonces, pudo escoger su método entre todo lo que había admirado y seleccionado. Y lo que es más importante: lo sistematizó en 8 años de estudio, paso a paso y completamente reglado, por lo que ha funcionado y funciona de maravilla. Anna Ol -¿Vais a poder celebrar las galas de clausura? -Todavía no lo sabemos. Planeamos hacerla al aire libre en Novelda, pero luchamos para superar los obstáculos y celebrarla. Pero será solo una gala con los alumnos y no habrá gala de estrellas, aunque estas bailarán con ellos. Los cursos de San Petersburgo y Estambul los hemos cancelado. -¿Va a venir Polina Semionova? -No ha podido ser, pero viene Anna Ol, principal del Ballet de Holanda. Impartirá la master class con los chicos y bailará en la gala, esperamos.. La crisis del COVID ha golpeado muy duro al mundo del ballet, pero tenemos que superarlo y luchar con todo ánimo y fuerza. En ello estamos. MERCEDES ALBI (Fotografías del master 2020 facilitadas por la organización)

La Compañía Nacional de Danza inaugura los Veranos de la Villa 2020 La Compañía Nacional de Danza (CND) estrena en Madrid un programa especial dedicado a los sanitarios para abrir Veranos de la Villa 2020 este 29 de julio. El festival, organizado por el Ayuntamiento de Madrid, quiere poner este año en valor a la ciudad como escenario para el encuentro de creadores de todo el mundo. Y la CND es, sin duda, uno de esos espacios de encuentro y creación. Bajo la dirección de Joaquín De Luz, la CND presenta un programa con cuatro de sus trabajos: Festival de las flores en Genzano, pieza emblemática de Bournonville, gran renovador del ballet en su tiempo; Love Fear Loss, de Ricardo Amarante, inspirada en la vida y obra de Edith Piaf; A Suite of Dances, de Jerome Robbins, en lo que supone el regreso de Joaquín De Luz a los escenarios madrileños; y Arriaga, de Mar Aguiló, Pino Alosa y Joaquín De Luz, un trabajo coreográfico en torno a la música de Crisóstomo Arriaga (1806-1826), el joven compositor vasco de música clásica. El espectáculo de la Compañía Nacional de Danza cuenta con medidas de accesibilidad para personas con discapacidad auditiva y con audiodescripción y paseo escénico para personas con discapacidad visual. El 99% de la programación de Veranos de la Villa 2020 es accesible. Toda la información sobre las medidas de accesibilidad, la reserva de entradas, además de los horarios de los paseos escénicos y de la recogida de equipos de ayuda auditiva pueden consultarse en la pestaña de accesibilidad de la web. La Compañía Nacional de Danza ofrecerá cinco funciones, del 29 de julio al 2 de agosto, en el Patio Central de Conde Duque. Además, en colaboración con Telemadrid, se emitirá en diferido una función completa el 8 de agosto en torno a las 23:30 h por televisión e internet. PROGRAMA (1 h 20 min sin intermedio) Festival de las flores en Genzano/ August Bournonville Love Fear Loss/ Ricardo Amarante A Suite of Dances/ Jerome Robbins Arriaga/ Mar Aguiló, Pino Alosa, Joaquín De Luz Una producción de la Compañía Nacional de Danza / Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) / Ministerio de Cultura y Deporte VENTA DE ENTRADAS -desde 14.40€ a 18€ Fotografías Alba Muriel

No puede volver aquel que nunca se ha ido, porque Sergio Bernal siempre está entre nosotros. Las transformaciones en su itinerario vital, de su búsqueda artística, le han conducido a andar por libre de la mano de Ricardo Cue, dejando atrás su merecido lugar de primer bailarín del Ballet Nacional de España. El 3 de agosto sube al escenario del Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid con "Volver, del ballet clásico a lo último de la danza española" aúna ritmos flamencos y de bolero con coreografías del ballet clásico y la danza española. Sobre el escenario lo acompañarán nada menos que Joaquín de Luz, director de la Compañía Nacional de Danza, y la bailaora Lucía Campillo. La cita es ineludible para los aficionados a la danza. Esta mañana ha tenido lugar la presentación a la prensa en la Sala Negra de los Teatros del Canal, siendo admirable la elegancia y el estilo que Ricardo Cue confiere a sus coreografías, que evolucionan a través del tiempo y con diferentes intérpretes sin perder su poética intensidad. SERGIO BERNAL Madrileño de 29 años, Sergio Bernal ha viajado por todo el mundo bailando en las galas de estrellas internacionales como Maya Plisetskaya, Tamara Rojo o Sergei Polunin. En 2016, tras actuar en el London Coliseum Theater, la prensa británica lo calificó como "el príncipe de la danza española". Ha recibido premios como el Premio Positano-Leonide Massine en 2012 y el Premio Ballet 2000 en 2016. Fue nominado en la categoría “Mejor Actuación Clásica” para The Swan en los Premios Nacionales de Danza, Reino Unido en 2019. En ese mismo año fue nombrado Embajador de las Artes del Reino Unido por la Parliamentary Society of Arts, Fashion and Sports. Cuando en septiembre de 2019 dejó el Ballet Nacional de España después de ser su primer bailarín durante siete años, formó su propia compañía junto con Ricardo Cue. Programa, Auditorio Escorial 3 de agosto Orgía Música: Joaquín Turina Coreografía: Sergio Bernal La Farruca del Molinero Música: Manuel de Falla Coreografía: Antonio el Bailarín Danza de la Buenaventura Música: Simón Tapia-Colman Coreografía: Eduardo Martinez Folia Española Música: Anónimo Coreografía: Sergio Bernal y Joaquín de Luz Cinco Variaciones Música: J.S. Bach Coreografía: Daniel Hernández El Último Encuentro Música: Alberto iglesias Coreografía: Ricardo Cue El Cisne Música: Camille Saint Saëns Coreografía: Ricardo Cue Bolero Música: Maurice Ravel Coreografía: Sergio Bernal, Joaquín de Luz y Lucía Campillo &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&& Fotografías Gabriel M. Olivares

La Compañía Nacional de Danza regresa a los escenarios de la mano del Festival de Granada con un programa que supone la vuelta a las tablas de Joaquín De Luz, en A Suite of Dances de Jerome Robbins, e incluye un homenaje al músico bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, un estreno encargado a la CND por el Festival de Granada, que supone una coproducción entre ambas entidades. Este estreno absoluto aúna tres voces de tres coreógrafos ligados a la CND: Aguiló, Alosa y De Luz. Sobre las tablas, junto al elenco, el Cuarteto Óscar de Esplá de Asisa. TEATRO DEL GENERALIFE Festival de Granada 22 de julio, 2020 PROGRAMA Festival de las flores en Genzano/ August Bournonville Love Fear Loss/ Ricardo Amarante A Suite of Dances/ Jerome Robbins Arriaga/ Mar Aguiló, Pino Alosa, Joaquín De Luz El programa supone la vuelta a las tablas de Joaquín De Luz, en A Suite of Dances, e incluye un homenaje al músico bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, un estreno encargado a la CND por el Festival de Granada, que supone una coproducción entre ambas entidades. Compañía Nacional de Danza La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Clásico Nacional (Ballet Nacional Clásico) y tuvo como primer Director a Víctor Ullate. En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George Balanchine y Antony Tudor. Además, María de Ávila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de Director estable que desempeñó hasta diciembre de 1990. En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora Artística del Ballet, Maya Plisétskaya, extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad. En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año. En septiembre de 2011, José Carlos Martínez se incorpora como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza, al frente de la cual permanece ocho años. En la actualidad, Joaquín de Luz ha asumido recientemente la nueva dirección. PROGRAMA "Festival de las flores en Genzano" Coreografía: August Bournonville Música original: Matthias Strebinger Strebinger Adaptación música original *: Holger Simon Paulli Figurines: August Bournonville Duración: 11 minutos Estreno mundial por el Real Ballet de Dinamarca el 19 de diciembre de 1858. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en los Teatros del Canal, Madrid (España), el 18 de octubre de 2014. * Aalborg Symphony Orchestra. Violín solista: Lars Bjørnkjaer. Director: Peter Ernst Lassen. Realización de figurines: Anthony Pina "Love Fear Loss" Coreografía: Ricardo Amarante Música: Introducción La Vie en Rose, Edith Piaf; Hymne à l'Amour, Edith Piaf; Ne me Quitte pas, Jacques Brel; Mon Dieu, Charles Dumont Arreglos musicales: Nataliya Chepurenko Figurines: Ricardo Amarante Diseño de iluminación: Ricardo Amarante Pianista: Marcos Madrigal Duración: 16 minutos Estreno absoluto por el Royal Ballet de Flanders en 2013. Estreno en España por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Calderón de Valladolid el 28 de febrero de 2020. Un ballet inspirado en la vida y música de la gloriosa Edith Piaf. Cada paso a dos nos lleva a una experiencia de relación de pareja: amor, miedo y pérdida. Su música fue un fiel reflejo de su vida. En su juventud, sus canciones de amor conquistaron el mundo. Su Himno al amor reflejaba cómo ella o cualquier otra persona podían sentirse al comienzo de una relación amorosa. Después de su matrimonio, la lucha en las relaciones tomó protagonismo en la mayoría de sus canciones. Un buen ejemplo de ello es su fascinante interpretación de Ne me quitte pas, que claramente mostraba temor. Con la trágica pérdida de su marido, Mon Dieu fue una de las canciones que refleja mejor uno de los sentimientos más intensos que uno puede llegar a sentir: la pérdida de un ser amado. Una maravillosa artista con tantas canciones icónicas, que se convirtió en el espejo de la vida de mucha gente. “Yo creé tres pasos a dos sobre las relaciones en un estilo bailado para solos de piano. Las letras y la voz de Piaf son transportadas a través de los sentimientos y los movimientos de cada pareja.” Ricardo Amarante Ricardo Amarante Nacido en Brasil, realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba y en la escuela del English National Ballet. Ha trabajado como solista para el ballet de la Ópera de París, el Jeune Ballet de Francia y el Royal Ballet de Flanders. Tras crear numerosos ballets para el Royal Ballet de Flanders, participó en el New York Choreographic Institute. Su pieza Love Fear Loss recibió el galardón de la French Dance Foundation y ha sido representado en múltiples galas internacionales y compañías alrededor del mundo. Fue el coreógrafo del Genée International Ballet Competition de la Royal Academy of Dance celebrada en Amberes. Ha coreografiado, y vuelto a poner en escena, piezas para escuelas de ballet de gran prestigio europeo, así como para el Ballet Nacional de Cuba, el Atlanta Ballet, Idaho Ballet, Ballet Nacional de Ucrania, Dortmund Ballet, Abay State Opera y Ballet de Almaty. En 2014 creó In Flanders Fields para el Royal Ballet de Flanders (Bélgica), recibiendo el elogio de la crítica. Desde 2016, Amarante ha sido el coreógrafo residente y artista asociado del Astana Ballet en Kazajistán. Sus obras se han representado en los mejores teatros y festivales del mundo. Marcos Madrigal Marcos Madrigal nace en La Habana, Cuba. Se gradúa en el año 2007 con Diploma de Oro del Instituto Superior de Arte. Cursa estudios en la Universidad Musical del Conservatorio de Lugano y en la prestigiosa Academia Internacional de Piano “Lake Como”, donde recibe clases de prestigiosos maestros. Ha ofrecido recitales y, como solista, conciertos con orquesta en algunas de las más importantes salas del mundo, como el Teatro Colón de Buenos Aires, el Auditorio Parco della Musica de Roma, el Queen Elizabeth Hall de Londres, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, la Ópera Nacional de Bucarest, el Volkstheater de Viena, el Teatro Rossini de Pésaro, el Teatro delle Muse de Ancona, el Teatro Gentile da Fabriano de Fabriano, el Teatro Góngora de Córdoba y el Gran Teatro Qintai de China, colaborando con importantes directores como Claudio Abbado, Leo Brouwer, Paul Mann, Enrique Diemecke y Lorenzo Ramos. Además, ha colaborado en varios proyectos con el compositor Premio Óscar Nicola Piovani y, asimismo, con otros compositores vinculados al mundo del cine y del teatro. En 2015 debuta en los Estados Unidos con un concierto en la Finney Hall de Oberlin, Ohio. Desde 2017 es Director Artístico de Habana Clásica, un festival internacional de música clásica con sede en la capital cubana. Es ganador de los más prestigiosos concursos internacionales. Ha grabado en numerosas ocasiones, incluyendo conciertos en vivo y programas radiofónicos para renombradas emisoras en todo el mundo. "A Suite of Dances" Coreografía: Jerome Robbins Música: Johann Sebastian Bach - 6 suites para violonchello: Preludio y Gigue de la suite 1 en sol mayor, BMV 1007 Sarabanda de la suite V en do menor, BMV 1011 preludio VI en re mayor, BMV 1012 Figurines: Santo Loquasto Diseño de iluminación: Jennifer Tipton Chelista: Iris Azquinezer Bailarín: Joaquín De Luz Duración: 14’. Estreno absoluto: White Oak Project en el New York State Theater, Nueva York (EEUU), 3 de marzo de 1994. Estreno por la CND: Teatro del Generalife, Festival de Granada (España), el 22 de julio de 2020. Representada con el permiso de la Robbins Rights Trust Hacia el final de su vida, Jerome Robbins se inspiró especialmente en su admiración por la música de Bach y dedicó tres de sus últimos trabajos al genial compositor. A Suite of Dances está montada sobre la obra de Bach Six Suites para solo de Cello, compuesta cuando Bach sirvió como Maestro de Capilla en Cöthe. En los tempranos años 90, cuando Mikhail Baryshnikov expresó interés en trabajar de nuevo con Robbins el coreógrafo dijo haber dado con una “idea para una pequeña coreografía”. El resultado fue este ballet, encantador y fresco. En él, el bailarín y la chelista, en sus solos, actúan como si de pareja se tratara, jugando el uno con el otro, en una sutil y fluida camaradería. Joaquín De Luz vuelve a los escenarios por primera vez desde que es director de la Compañía Nacional de Danza con esta pieza. De Luz la bailó en numerosas ocasiones en el New York City Ballet, la que fue su casa artística durante años hasta su despedida en octubre de 2018. Jerome Robbins Nació en Nueva York y fue miembro del American Ballet Theatre bajo la tutela de coreógrafos como Mikhail Fokine, Antony Tudor y Agnes de Mille. Colaboró asimismo con George Balanchine, tanto en sus espectáculos en Broadway como en el New York City Ballet fundado por Balanchine, en su doble faceta de bailarín y coreógrafo innovador (The Guests, Age on Anxiety y The Cage). También creó coreografías para Broadway (The King and I, West Side Story). Con el American Theatre Lab exploró los límites de su arte con obras como Les Noces, Goldberg Variations, Glass Pieces, Dances at a Gathering e In the Night. La humanidad de su arte es el legado más valioso de Robbins. Falleció en 1998 "Arriaga" Coreografía: Mar Aguiló, Pino Alosa, Joaquín De Luz Música: Juan Crisóstomo Arriaga Asesoramiento estilístico: Andrea Pimentel Diseño de iluminación: Mar Aguiló, Pino Alosa, Joaquín De Luz (en colaboración con el equipo técnico de iluminación CND) Cuarteto Óscar Esplá de Asisa Duración: 30 minutos Estreno absoluto: Compañía Nacional de Danza en el Teatro del Generalife, Granada (España), el 22 de julio de 2020. En coproducción con el Festival de Granada. La Compañía Nacional de Danza estrena, en coproducción con el Festival de Granada, una coreografía con música del bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga, considerado máximo exponente ibérico del clasicismo musical tardío, homenajeando así su figura y su obra musical en su corta pero prolífera vida artística. El repertorio musical seleccionado para la creación de esta coreografía data de 1824, siendo sus tres cuartetos de cuerda, publicados por el editor Ph. Petit, sumamente apreciados por su maestro, Fétis, y por el público. Como se reflejó en la publicación Biographie universelle des musiciens et biographie générale de la Musique de Fétis (1834, reeditada en 1860), Arriaga poseía “el don de la invención y la más completa aptitud para todas las dificultades de la ciencia musical”, siendo “imposible imaginar nada más original, más elegante ni escrito con mayor pureza” que sus cuartetos. La instrumentación de las piezas seleccionadas son 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo y las piezas seleccionadas son: ​Cuarteto No. 1 D Minor: III. Menuetto: Allegro-Trio: Più moderato, Tema variado Op. 17: Andante, Variation 1, 2, 3, 4, 5, 6 y variation largo ​Cuarteto No. 1 D Minor: II. Adagio con espressione Cuarteto No. 1 D Minor: IV. Adagio-Allegretto Siendo el eje central de la coreografía, la repetición de una melodía a modo de leitmotiv en diversas formas, ritmos y tonalidades musicales, esta será el vehículo para que el movimiento vaya adoptando diversos estilos, partiendo de un lenguaje clásico y neoclásico para llegar a un lenguaje de movimiento contemporáneo. Con esta coreografía la CND quiere transmitir las emociones de volver a escuchar, vibrar y disfrutar de la música a través del movimiento. Tratamiento tejidos y tintes: María Calderón Mar Aguiló Nace en Palma de Mallorca donde comienza sus estudios de danza clásica y contemporánea. En 2005 ingresa en la escuela Ecole atelier Rudra Bejart del coreógrafo Maurice Béjart Lausanne, donde finaliza su periodo de formación. En 2007 ingresa en la CND2, bajo la dirección artística de Tony Fabre (incluida en la Compañía Nacional de Danza dirigida por Nacho Duato). Y en septiembre de 2010 ingresa en la Compañía Nacional de Danza. Desde su incorporación a la CND ha interpretado roles principales en obras como Cor Perdut y Arcángelo de Nacho Duato o Artifact de William Forsythe y ha trabajado con coreógrafos como Mats Ek, Ohad Naharin, Alexander Ekman, Marcos Morau, Johan Inger, Iván Pérez entre otros, tanto en creaciones como en repertorio. En 2018 se gradúa en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, presentando como trabajo final la creación de la pieza de danza contemporánea Océano Mujer. En estos últimos años ha empezado a desarrollar esta faceta como coreógrafa, para la propia Compañía Nacional de Danza en piezas como For now in a liquid days. Jóvenes creadores CND, estreno absoluto en el Museo Guggenheim de Bilbao, Francine, un solo como parte de la pieza Home, Hotel Room una pieza para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Afterlove para el Día europeo de la música. También ha colaborado como movement director, coreógrafa y bailarina con artistas de diferentes disciplinas como James Mounfourt, Cortana, Mana o la compañía de danza Korsia. Además de seguir formando parte de la CND, es directora creativa de ELAMOR, creando y colaborando en varios proyectos interdisciplinares entre los cuales destacan: Prólogo-Botánico, Equilibrio.Prado, un proyecto audiovisual para el Museo Nacional Del Prado con bailarines de la CND o E gira tutto intorno alla stannza, una colaboración con el artista Bernat Daviu para el CaixaForum de Madrid. Pino Alosa Pino Alosa comienza sus estudios de ballet en Roma, Italia. Posteriormente continúa su preparación con Víctor Litvinov, Margarita Trayanova, Tuccio Rigano (Teatro de la Ópera de Roma), Robert Strajner, Walter Venditti (La Scala de Milán), Ricardo Nuñez (Teatro San Carlo de Nápoles) así como en el Rossella Hightower’s Center de Cannes y con David Howard y Stanley Williams en New York. Como bailarín ha trabajado varias técnicas: moderno, contemporáneo y, especialmente, clásico. Ha actuado como Solista y Bailarín Principal con compañías italianas e internacionales como la Louis Falco Dance Company, Teatro Alla Scala de Milán, Grand Theatre de Geneve, Teatro La Fenice de Venecia, Teatro Verdi de Trieste, Teatro Petruzzelli de Bari, Aterballetto de Reggio Emilia, Compagnia Italiana del Balletto Classico, Compagnia Artedanza y Compagnia Italiana di Danza Contemporanea de Roma. Aparte del repertorio clásico de Petipa y numerosas piezas de Balanchine, Pino Alosa ha bailado trabajos de coreógrafos como Louis Falco, Glenn Tetley, Jirí Kylián, David Parson, Oscar Araiz, Daniel Ezralow, Jeffrey Cauley, Ronald Van Tigelen, Joseph Russillo, Hans Gruning, Amedeo Amodio, Vittorio Biagi, Tuccio Rigano, Bruno Telloli y Renato Greco. En diciembre de 1990 recibe el premio Fermo Immagine por su larga y versátil carrera en el mundo de la danza. Pino Alosa coreografía para compañías de danza moderna y clásica. Sus trabajos neoclásicos se distinguen por su inusual y brillante técnica. Su solo Rain Man ganó la Vignale Danza International Competition en 1992. Desde 1993 comienza a impartir clases como profesional en los principales estudios de danza de Roma y Milán e inmediatamente es considerado como uno de los principales maestros italianos. Sus clases técnicas y su trabajo de puntas son rápidamente demandadas por infinidad de compañías internacionales de ballet. En febrero de 1995 fue galardonado como mejor maestro joven del año en el Pesaro International Dance Day. En junio de 1995 es invitado por primera vez por la estrella de la Ópera de París, Charles Jude, para impartir clases en Bordeaux. Entre 1996 y 2001 formó parte de la Ópera de Bordeaux como maestro de baile invitado, participando en las producciones de Giselle, Romeo y Julieta, Coppelia, Les Sylphides, Le Spectre de la Rose, Swan Lake, Petrouchka, L’Apres midi d’un faune, Sleeping Beauty, Le Corsaire (Pas de Deux), Don Quixote, Napoli (Pas de Six), Paquita Divertissement y Raymonda (Pas de Dix). Ha trabajado como profesor invitado para otras compañías de ballet como el Bayerisches Staatsballet de Munich en Alemania, el Teatro de la Ópera de Roma, Teatro de la Arena de Verona, Aterballetto, Teatro Verdi de Trieste, Balletto del Teatro de Torino, el Teatro San Carlo de Nápoles, Balletto de Sicilia, Real Conservatorio Mariemma de Madrid, Asociación Cultural por la Danza de Madrid, el Conservatorio Profesional de Danza Espinillo de Madrid, Compañía Nacional de Danza bajo la dirección de Nacho Duato, Houston Ballet, París Ópera Ballet, Royal Swedish Ballet, Norwegian National Ballet, Basel Ballet, Royal Danish Ballet, Theatro Municipal de Río de Janeiro, Shanghai Ballet, Universal Ballet Korea, Royal Ballet de Londres. En la temporada 2002-03 fue maestro de baile principal y asistente del director artístico Florence Clerc en el Teatro Comunale de Florencia, donde se encarga de los papeles solistas de producciones como Carmen, Coppelia, Bayadere y Shéhérazade. En la temporada 2003-04, invitado por Gradimir Pankov, ingresa en Les Grands Ballets Canadiens de Montreal como maestro de baile, preparando a los bailarines para los programas Balanchine, Romeo y Julieta, de J.C. Maillot y Nutcraker. También en las siguientes temporadas para los programas Kylián y Mats Ek. Después pasa a ser asistente de Jean Yves Lormeau en el Teatro de la Ópera de Roma, remontando su versión de Nutcraker para Carla Fracci. En enero de 2007 es invitado por el Director Artístico del Boston Ballet, Mikko Nissinen, para formar parte del equipo artístico de la compañía. Entre sus funciones están la de impartir clases, montaje de trabajos, asistente de invitados, ensayo con bailarines principales y solistas y al mismo tiempo es responsable y asistente para los ballets de coreógrafos como Petipa, Fokine, Nijinski, Bournonville, Balanchine, Cranko, Kylián, Twila Tharp, J. Kudelka, Val Caniparoli y Helen Pickett. En 2010 ayuda a Florence Clerc como asistente coreográfico y es el maestro de baile principal en la supervisión del nuevo ballet de larga duración, La Bayadere. Para el Boston Ballet también ha coreografiado su versión de Paquita, la Gala Waltz Memories Viennoises y el desfile de la Compañía. Desde septiembre de 2011 hasta 2018, invitado por el anterior director artístico, José Carlos Martínez, fue maestro de baile y director artístico adjunto de la Compañía Nacional de Danza. En junio 2018, el director artístico Frederic Olivieri invita Pino Alosa a incorporarse en el staff artístico del Teatro Alla Scala de Milán como maestro de baile y repetidor donde se queda hasta la mitad de agosto del 2019. Con La Scala de Milán Pino Alosa se encargaba del trabajo diario de los bailarines principales, solistas y cuerpo de baile, además de ser responsable de los ensayos de producciones como Cascanueces (George Balanchine), Giselle (Yvette Chauviré), Don Quijote (R. Nureyev), La bella durmiente (R. Nureyev), Woolf Works (‎Wayne McGregor), El Corsario (Anne Marie Holmes). Al mismo tiempo fue maestro y regidor por la Gala Bolle and Friends con la estrella internacional Roberto Bolle y los bailarines principales y solistas de La Scala. En septiembre 2019 el nuevo director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín De Luz, le invita para que vuelva a formar parte del equipo artístico de la CND como director artístico adjunto y maestro de baile responsable de los ensayos. Pino Alosa frecuentemente es jurado en los procesos de audiciones de compañías, competiciones de danza y exámenes en escuelas. Al mismo tiempo continúa siendo maestro invitado por numerosas compañías internacionales. Andrea Pimentel. Asesoramiento estilístico Andrea Pimentel, Diseñadora de Moda Mexicana, entiende al poco tiempo de comenzar sus estudios que su interés desemboca siempre en lencería. Apasionada del erotismo e influenciada por las relaciones entre las artes, la naturaleza y el onirismo, da forma a sus creaciones. Cuarteto Óscar Esplá de Asisa​ Creado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en el año 2006, el Cuarteto Óscar Esplá de Asisa debutó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en marzo de 2007. Ha actuado en numerosos escenarios, como el Teatro Principal de Burgos, Casa de Salinas en Sevilla, Teatro Principal de Alicante, Casino Mercantil de Zaragoza, Auditorio de Barcelona, Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, Palacio de las Artes Reina Sofía de Valencia, Ciudad de las Comunicaciones de Telefónica, Teatro Calderón, Capilla de San Gregorio de Valladolid o Catedral de la Virgen de las Nieves en Ibiza, así como Auditorio Sony, Fundación Lázaro Galdiano, Teatro Real y Universidad Complutense en Madrid. En 2012, la agrupación grabó para Asisa un CD con obras de Dvořák, Brahms y Piazzola. El Cuarteto Óscar Esplá de Asisa está actualmente formado por Patricia Cordero y Raquel Areal (violines), Raquel de Benito (viola) y Montserrat Egea (violonchelo). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Los coreógrafos Belén López y Marcos Morau, director de La Veronal, completan el ciclo #BNEenMovimientoPerpetuo que comenzó Manuel Reyes el 9 de julio. Los talleres se difundirán en streaming en las redes sociales del BNE los días 24 y 31 de julio. Belén López La Covid-19 ha obligado al Ballet Nacional de España a aplazar hasta octubre algunas de las giras que tenía previstas. Como alternativa para seguir en contacto con el público, ha organizado el ciclo #BNEenMovimientoPerpetuo de talleres coreográficos en streaming. Este ciclo comenzó el día 9 de julio con la retransmisión en las redes sociales del BNE de una entrevista y el final del taller impartido por Manuel Reyes a los bailarines de la compañía pública de danza española. Manuel Reyes Los próximos talleres en directo, a cargo de Belén López y Marcos Morau, se celebrarán los días 24 y 31 de julio. El Ballet Nacional de España comparte así la actividad diaria del equipo artístico, como lo ha hecho con otras diversas iniciativas en internet. Estos talleres no están dirigidos especialmente a estudiantes de danza o bailarines profesionales, que quieran aprender con los maestros invitados nuevos movimientos y estilos. Es una iniciativa ideada para que todos los espectadores disfruten de la danza. Aunque solo se comparte el último día de los tres durante los que los bailarines del BNE están trabajando, permiten conocer un poco más el proceso del trabajo coreográfico, cómo los bailarines se enfrentan al estilo personal de cada coreógrafo, y lo hacen suyo, hasta lograr esa belleza que nace de la armonía de movimientos de todo un cuerpo de baile. Marcos Morau Este ciclo se engloba dentro de la línea de trabajo marcada por el director del BNE, Rubén Olmo, que busca el desarrollo constante y la evolución creativa de los bailarines, ofreciéndoles conocer otros lenguajes coreográficos, que los enriquezcan como intérpretes. La invitación a coreógrafos externos a colaborar con el BNE responde, además, al compromiso del director con la situación de crisis que sufre el sector privado de la danza tras el cese de actividad durante los pasados meses. El BNE continúa abriendo así sus puertas a destacados creadores de la danza en España. El primer coreógrafo que ha pasado por las salas de ensayo de la sede madrileña del Ballet Nacional de España ha sido el bailarín y músico Manuel Reyes. Profesor de flamenco en la madrileña escuela Amor de Dios, ha construido un estilo muy personal ha construido una forma propia de expresar temas existenciales a través del flamenco. Le seguirá Belén López, bailaora precoz que inició su carrera internacional tras ganar el concurso de la televisión italiana Bravo Bravissimo, y que ha paseado su fuerza bailando flamenco, y fusionándolo con otros ritmos, en tablaos y teatros. Cierra el ciclo de talleres #BNEenMovimientoPerpetuo el coreógrafo Marcos Morau. Como director de la compañía de danza La Veronal, representa a la vanguardia española de la danza-teatro, donde fusiona la danza contemporánea con la ópera y la dramaturgia. Los talleres podrán verse en directo, y después permanecerán publicados, en los canales de Facebook, Twitter y YouTube del Ballet Nacional de España. &&&&&&&&&&&&&&&&&&