Me reuno con Japoco Godani, que amblemente hace un paréntesis en pleno ensayo para poder atenderme, pues al día siguiente estrena su coreografía “Echoes from a restless soul” con la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela. Jacopo es uno de los coreógrafos más demandados por compañías de danza en todo el mundo. Y aquí está, frente a mí, tan abierto y simpático. Sus creaciones se han exhibido en los teatros más importantes, como Royal Ballet Covent Garden (Aeon´s run) , Royal Danish Ballet ( Uncontaminated y Digital Secrets) , Royal Ballet Flandes ( Simulations y FALL OUTS ), Ballet de Zurich ( Rituals of Another When), CND ( Prototype Hero y Cult Race ), Het National Ballet (Subliminal Instant), Cuerpo de baile de la Scala de Milán ( Controporete ), y conocidos trabajos para la Nederlands Dans Theater, y un largo etcétera que no se puede contener en estas breves líneas. Quedamos para tomar un té en un restaurante japonés, junto a la entrada de artistas. Nacido en Spezia (Italia) una población situada cerca de Génova, lo primero que te sorprende de él es su dominio de los idiomas. En la rueda de prensa expuso sus tesis artísticas en perfecto español, pero es que entra al japonés y comienza a dirigirse al camarero oriental en este idioma con total fluidez. -¿Hablas japonés? -Es que me encantan los idiomas. El español lo aprendí gracias a mis compañeros bailarines españoles con los que me relacioné siendo muy joven. - Me quedé sorprendida por tu dominio del español durante la rueda de prensa. -Sí, mi problema es que, como éramos muy jóvenes, aprendí un español muy macarra (bromea y expresa términos divertidos de nuestro argot) Y es que él es así, como genovés tiene alma de navegante, un espíritu totalmente inquieto como indica el título de la coreografía que vamos a ver mañana. Es muy consciente de que con sus trabajos ha emprendido una especie de cruzada individual contra la simplicidad vacía hacia la que considera se dirigen muchos de los lenguajes coreográficos contemporáneos, que están empobreciendo el estilo -Tenemos la gran responsabilidad de transmitir a los jóvenes todo aquello que vivimos, pues mi generación de bailarines fue la depositaria de una enorme riqueza que supuso cosechar los frutos de una gran evolución que comenzó a principios del siglo XX- me cuenta. -¿Puedes resumirme esa evolución? -Claro, fue un siglo trascendental desde el punto de vista creativo en todas las artes, y se ve muy claramente en la danza. Los rígidos ballets que marcaban una estética formal y preciosista heredados del siglo XIX van cambiando; la forma se rompe en la búsqueda de otros caminos. Lo encorsetado se quiebra y nos dirigimos hacia una nueva búsqueda. Somos responsables de transmitir ese legado a las nuevas generaciones, que en muchos casos, lamentablemente, lo ignoran. Bailarines Shani Peretz, Alessandro Riga. Fotografía Alba Muriel -¿Podrías contarme cómo te hiciste bailarín? -Cuando yo era niño era muy creativo, buscaba en varios campos artísticos que me atraían, por ejemplo dibujaba muy bien, y estaba muy relacionado con el mundo de la moda. Mi familia se dedicaba a ello. Sin embargo, yo sentía que lo que más me gustaba era algo estético pero relacionado con la carga física. Imagínate que me puse a hacer artes marciales y me encantaba. Pero un día por casualidad conocí la danza. -¿Cómo fue? -Yo no empecé de niño sino que ya tenía unos 15 años, me apunté a un cursillo. Nada más entrar al estudio de danza sentí una emoción enorme. Había encontrado mi camino. -¿Y cómo lo dirigiste para haberte formado como bailarín en las compañías más emblemáticas de Europa como la Escuela Mudra del Ballet de Bejart y posteriormente, entre otras, trabajaste durante diez años en el Ballet de Frankfurt, dirigido por William Forsythe? -Siempre seguí mi instinto creativo. Me siento en ese aspecto muy afortunado, y cuando era bailarín también pude crear coreografías, que era lo que a mi me gustaba. Entonces buscaba lo que me producía satisfacción. William Forsythe siempre tuvo en cuenta mis ideas y mis obras las empleó mucho desde los años que estuve allí, entre el año 90 y el 2000. -Y de todas tus creaciones, dime ¿Cuál es la que te produce mayor satisfacción? (Se queda pensando) - He hecho muchas, pero si te confieso la verdad, la que aparece en mi mente es la que estoy montando ahora, “Echoes from a restless soul” porque además la he modificado, no es la misma que yo estrené en la Dresden Frankfurt Dance Company en 2016. -Vamos, que eres de los que se quedan prendidos de su último amor. -Totalmente, a mi me inspira lo que hago y lo que voy a hacer, aunque me sienta contento con lo que hice, mi mente queda poblada mucho más por el proceso de creación que por los recuerdos. Bailarines Cristina Casa, Gaizka Morales. Fotografía Ximena y Sergio -¿Qué has modificado en el “Echoes from a restless soul” que vamos a ver en el Teatro de la Zarzuela? -Muchas cosas, por ejemplo, la música. -Es música de piano, el “Gaspard de la nuit” de Maurice Ravel. -Si pero en la anterior versión no empleé el tercer movimiento, que sí he incorporado ahora, y además el número de parejas que bailan lo he aumentado. Bueno, es diferente. Bailarines Erez Erez Ilan, Roberto Lua. Fotografía Alba Muriel -En el momento de componer una coreografía ¿Te basas en la música? -No, jamás. Parto de una arquitectura de movimientos. Creo que inspirarse partiendo de una música es un error. -¿Por qué? -Porque condiciona. Por ejemplo, la música clásica quieras o no te conduce a un ambiente. Si escuchas una música que tiene lugar en un baile en palacio tu inconsciente te marca una imágenes determinadas, un gusto estético una atmósfera. En realidad, me cuesta mucho encontrar una música. Hace poco me han encargado en el Mariinsky que cree con una música clásica pero que además sea… como lo diría, “cañera”, pues aun estoy buscando. (Le llaman por teléfono. El en ensayo general va a comenzar. Nos despedimos, le doy las gracias) Ensayos. Bailarinas: Pauline Perraut, Shani Peretz, Emma Cámara. Fotografía Alba Muriel MERCEDES ALBI

Ensayos "Serenade". Bailarina Hamin Park. Fotografía Alba Muriel El título de este programa, NumEros, es un portmanteau, una combinación de dos términos, numen y eros, en cierto sentido opuestos pero que conforman dos elementos centrales en la creación en danza: Numen como presencia intangible, inspiración poética o espiritualidad inmanente que trasciende la voluntad del artista; y Eros como fuerza deseante, como impulso vital y creativo encarnado en el cuerpo. Cuando se encuentran, nace NumEros, que evoca el número como principio de orden, patrón subyacente, lógica que da forma al movimiento. Así, NumEros propone articular espiritualidad, deseo y estructura matemática en la danza Siguiendo este concepto, este programa r eúne el trabajo de tres coreógrafos de referencia, Georges Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani, que han desarrollado un pensamiento coreográfico formal y numérico. NumEros dialoga con la tradición coreográfica a través de los creadores George Balanchine ( Serenade ), William Forsythe ( Playlist (Track 1, 2 )) y Jacopo Godani ( Echoes from a Restless Soul ), cada uno de los cuales ha abordado, desde distintas estéticas, la relación entre estructura matemática y energía corporal. "Serenade". Bailarina Sofía Sancho. Fotografía Antonio Benito "Serenade" La CND vuelve a interpretar este significativo ejemplo del personalísimo estilo Balanchine 42 años después. Un ballet con escenas de puro romanticismo y belleza sobre la Serenata para cuerdas en Do mayor, Op. 48 de Tchaikovsky Serenade fue el primer ballet que creó Balanchine en Norteamérica y lo hizo para la Escuela del American Ballet. Creado con la música de Serenata para cuerdas en do ma yor de Tchaikovsky, si bien el tercer y cuarto movimiento de la partitura están cambiados de orden, constituye un significativo ejemplo del personalísimo estilo del creador ruso-norteamericano.   Las representaciones de Serenade, un ballet de Balanchine ®, son presentadas y coordinadas por The George Balanchine Trust y han sido producidas en conformidad con los estándares de Balanchine Style ® y Balanchine Technique ®, estipulados y proporcionados por LA FUNDACIÓN. Estreno absoluto: por la Escuela del American Ballet en el Adelphi Theatre de Nueva York (EE.UU.), el 1 de marzo de 1935 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: (Ballet Nacional de España Clásico) en el Teatre Principal de Palma, Palma (España), el 15 de diciembre de 1983 No existe argumento, en palabras del propio Balanchine “el ballet cuenta su historia de manera musical y coreográfica, sin recurrir a ninguna narración ajena”. Quizás, en lo que a significado se refiere, podría apuntar a un pensamiento de Balanchine: “cada hombre va con el destino a sus espaldas; se encuentra a una mujer, la ama, pero el destino ya tiene otros planes”.Serenade expresa el ritmo, dinamismo y las tonalidades de la música.Una sencilla escenografía de tonos azules sirve de marco a los movimientos rítmicos, precisos y solo aparentemente narrativos de los cinco solistas y veinte bailarines del cuerpo de baile que Balanchine pone en escena. Sus encuentros y desencuentros, su interacción, cruzada o simétrica, componen una serie sucesiva e ininterrumpida de escenas en las que se percibe un romanticismo puro, muy sutil y plenamente acorde con el carácter neoclásico del estilo Balanchine. Para este estreno de 2025, la puesta en escena de esta coreografía es de Colleen Neary, considerada una de las más relevantes stagers de la obra de Balanchine en el mundo. Coreografía: George Balanchine © The George Balanchine Trust Puesta en escena: Colleen Neary Música: Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). Serenata para para cuerdas en do mayor, op. 48 Interpretación musical: Orquesta de la Comunidad de Madrid ORCAM Director musical: Manuel Coves Diseño de vestuario : Karinska Realización de vestuario: Estudio Tania Bakunova Duración: 32 minutos Elenco estreno CND: Montserrat García, Carmen Molina, Sofía Sancho, Jorge Christoff, Raúl Tino (solistas); Mireia Bombardó, Mabel Cabrera, Marina Donderis, Mª José Europa, Gemma Gallardo, Rosanna López, Mar Llorente, Alicia Pérez, Elisa Morris, María Osende, Mª Paz Puigdellivol, Marta Ramallo, Mª Luisa Ramos, Susana Ruiz, Ivana Saldaña, Alba Zamora, Antonio Fernández, Santiago de la Quintana, José Antonio Quiroga, Hans Tin "Echoes from a Restless Soul. Bailarines". Cristina Casa, Gaizka Morales. Fotografía: Ximena y Sergio Echoes from a Restless Soul En una atmósfera inquietantemente extraña y a través de intrincadas combinaciones, Godani nos ofrece todo un panorama de virtuosismo artístico Ecos de un alma inquieta está ambientada en el tríptico Gaspard de la Nuit , una composición para piano solo escrita por Maurice Ravel en 1908. Estreno absoluto : por la Dresden Frankfurt Dance Company en la Bockenheimer Depot de Frankfurt, (Alemania) el 16 de noviembre de 2016 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España) el 11 de diciembre de 2025 La base de esta obra maestra es un poema francés anterior de Aloysius Bertrand. En una creación de increíble virtuosismo, Ravel da vida a los poemas de Bertrand, empleando una innovadora técnica pianística dentro de una forma clásica. Los elementos coreográficos de Ecos forman un hilo conductor, fundiéndose en una atmósfera que trasciende el tiempo y el espacio. En esta inquietante extrañeza, Godani ofrece una serie de pas de deux y cuartetos que describen un panorama de virtuosismo artístico. A través de ellos, se presentan intrincadas e infinitas combinaciones de una relación formal: el pas de deux. Godani realza el movimiento con zapatillas de punta, a la vez que crea una notable libertad dentro de ciertos parámetros estéticos, propios de un enfoque más clásico. La partitura de Ravel es interpretada en vivo por Gustavo Díaz-Jerez. "Echoes from a Restless Soul". Bailarinas Pauline Perraut, Shani Peretz, Enma Cámara. Fotografía Alba Muriel Coreografía: Jacopo Godani Música: Maurice Ravel. Gaspard de la nuit Pianista: Gustavo Díaz-Jerez Diseño de iluminación y vestuario : Jacopo Godani Asistentes coreográficos: Vincenzo de Rosa, Zoe Lenzi Duración: 26' Elenco estreno CND: Shani Peretz, Alessandro Riga; Ion Agirretxe, Elisabet Biosca, Emma Cámara, Elisa Ghisalberti, Erez Ilan, Roberto Lua, Álvaro Madrigal, Pauline Perraut, Alejandro Polo, Samantha Votari; Cristina Casa, Gaizka Morales Playlist (Track 1, 2) Bailarines: Anthony Pina, Yanier Gómez Noda, Juan José Carazo, Daniel Lozano, Shlomi Shlomo Miara, Erez Ilan, Niccoló Balossini, Alessandro Riga, Álvaro Madrigal, Mario Galindo, Tomás Sanza, Roberto Lua, Gianmarco Moschino Fotografía: Ximena y Sergio Playlist (Track 1, 2) Creada para 12 bailarines del English National Ballet, la obra se basa en la idea de una "lista de reproducción", donde Forsythe utiliza diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso que fusiona elementos de la danza clásica y la danza contemporánea Creada especialmente para doce bailarines del English National Ballet, Playlist (Track 1, 2) fue la primera creación de William Forsythe para una compañía de ballet del Reino Unido en más de 20 años. Con música neo-soul y house, Playlist (Track 1, 2) se estrenó como parte del proyecto Voices of America en 2018. Estreno absoluto: por The English National Ballet, en el Sadler’s Wells, Londres (Reino Unido), el 12 de abril de 2018 Estreno por la Compañía Nacional de Danza: en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España), el 11 de diciembre de 2025 William Forsythe, conocido por su innovador enfoque en la danza contemporánea y su capacidad para desafiar las convenciones del ballet clásico, estrenó en 2018 esta coreografía basada en la idea de una «lista de reproducción» en la que se utilizan diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso. Playlist destaca por su fusión de elementos de la danza clásica y la danza contemporánea, mostrando la versatilidad y el rango técnico de los bailarines. Forsythe es famoso por su habilidad para jugar con el espacio y la estructura, y Playlist no es una excepción; la obra presenta una rica interacción entre el movimiento y el entorno, así como una exploración del tiempo y el ritmo. Además, en Playlist, Forsythe incorpora elementos de improvisación, lo que permite a los bailarines expresar su individualidad dentro de la coreografía. Esto crea una experiencia única en cada representación, manteniendo al público intrigado y comprometido. La música juega un papel crucial en esta obra, ya que se seleccionan piezas que complementan y contrastan con los movimientos de los bailarines, creando un diálogo entre sonido y cuerpo. Playlist (Track 1, 2)Coreografía: William ForsytheBailarín: Alessandro Riga Fotografía: Ximena y Sergio

"Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares El Ballet Español de la Comunidad de Madrid estrena Viaje al Amor Brujo , del 4 de diciembre al 4 de enero Teatros de Canal, con 21 bailarines y 35 músicos El espectáculo abre el Año Falla y llevará al Ballet en su primera gira internacional en 2026 "Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares El Ballet Español de la Comunidad de Madrid emprende la aventura de montar su propia interpretación del Amor Brujo, de Manuel de Falla y María de la O Lejarraga García, clásico y flamenco, tradicional y contemporáneo, traído a nuestros días; de manera que las nuevas generaciones se vean reflejadas y sean partícipes de esta historia de amor y muerte. Será parte de un viaje más amplio, para comprender las raíces del baile, la música y el cante que llevaron a Falla a componer la obra más alta de la música española en varios siglos. Y que, con un pie en esa historia, la música, la danza y la interpretación encuentren nuevos caminos. "Siete canciones populares" Ballet Español de la Comunidad de Madrid. Fotografía Gabriel G. Olivares Partimos de las Siete Canciones Populares de Falla, según las entendió Ernesto Halfter; de ahí, al Homenaje a Debussy, para desembocar en el Amor Brujo. En cada estación de este viaje, nos esperará la música de Dani de Morón. El Amor Brujo es inseparable del Madrid de la Edad de Plata: en su partitura Manuel de Falla y en su libreto María de la O Lejárraga reunieron lo mejor de cada rincón de España e Hispanoamérica, de la mano del arte siempre viejo y nuevo de los gitanos. El estreno del Viaje al Amor Brujo del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, en diciembre en los Teatros del Canal, será el primer gran evento de las celebraciones del Año Falla, en 2026, el 150 aniversario del nacimiento del maestro. Y con este espectáculo se presentará el BECM en su primera gira mundial. "Amor brujo". Danza de Fuego. Ballet Español Comunidad de Madrid. Fotografía de Gabriel M. Olivares DANZA ESPAÑOLA Y MÚSICA EN DIRECTO Sala Roja de los Teatros del Canal, Madrid. Estreno 4 de diciembre 2025 DURACIÓN 75 minutos, sin descanso ELENCO DEL BECM Bailarines Natalia González Eva Jiménez Raquel Lara Borja Lebrón Candela Molina José Molina Andrea Pérez Lucía Ramírez Carmen Alonso Carmen Segura Aarón Beltrán Andrea Antó Fermín Astrain Lucía Cardeñoso Ainara Cardoso Alejandro Cerdá Borja Cortés Raffaele di Noia Nuria Díez Joan Fenollar Jesús Bergel Jan Gálvez Rodrigo García MÚSICOS David Cerreduela (guitarra) Iván Losada (guitarra) Lucky Losada (percusión) Chelo Pantoja (cante) Carmen Ruiz (cante) COREÓGRAFOS INVITADOS OLGA PERICET Creadora internacional, la bailaora y coreógrafa Olga Pericet comparte su vibrante arte con el público de los principales festivales y teatros del mundo. Bebe de la tradición y se lanza al abismo de lo nunca visto con espectáculos en los que late un flamenco de opuestos: oscuro y luminoso, femenino y masculino, inquietante y bello. De ella han escrito que es “una de las grandes figuras contemporáneas del flamenco” (Paris Art), “una presencia mercurial y experimentadora intrépida” (The New Yorker), poseedora de una “energía feroz encerrada en una técnica sofisticada” (The Guardian). En 2018 recibe el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación por "su capacidad de aunar las distintas disciplinas de la danza española, actualizándolas en un lenguaje interpretativo con sello propio” y por “su versatilidad escénica y su valiosa capacidad de transmisión”. Gran renovadora del flamenco, muchos otros galardones reconocen su dominio técnico, la armonía y el preciosismo de su trabajo. Entre los más recientes, el Premio MAX a la Mejor Intérprete de Danza por Un cuerpo infinito (2020), el Premio Extraordinario de Teatro ACE Awards 2016 (Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York); el Premio MAX de las Artes Escénicas a la Mejor Bailarina Principal por Pisadas (2015) o el galardón de El Ojo Crítico de RNE (2014) “por su versatilidad como intérprete, su creatividad y su valentía al asumir riesgos artísticos”. Entre sus últimos espectáculos se encuentran La materia (2023), La leona (2022), Un cuerpo infinito (2019) y La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora (2017). Olga Pericet colabora habitualmente con otros artistas y creadores de la talla de Carlota Ferrer, Manuel Liñán, Marcos Flores, Irene Escolar, Silvia Abascal, Lucia Lacarra, Ygor Yebra, José Carlos Martínez y Boris Charmatz. ASISTENTE COREOGRÁFICO: IVÁN AMAYA RAFAEL ESTÉVEZ Y VALERIANO PAÑOS (ESTÉVEZ Y PAÑOS) El tándem artístico formado por Rafael Estévez y Valeriano Paños ha coreografiado y dirigido, desde 2003, a artistas como Lola Greco, María Vivó, Miguel Poveda, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Marco Flores, Rubén Olmo, Lucía “La Piñona”, Alfonso Losa, Concha Jareño, Ana Morales, Patricia Guerrero o la Compañía Antonio Ruz. Han coreografiado y bailado para la Gala de la Danza en el Teatro Real de Madrid (2004), la Gala Española de Danza en la EXPO Aichi (2005) y la Gala de la Danza en la EXPO Zaragoza (2008). De 2016 a 2018 dirigieron el Ballet Flamenco de Andalucía y han colaborado con directores como Carlos Saura, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola o Álvaro Morte. También han coreografiado la producción del Teatro Real La vida breve / Tejas verdes y han compartido escenario con Mats Ek, Ana Laguna, Israel Galván, Carmen Linares, Tamara Rojo, José Martínez, Ángel Corella, Nacho Duato o Eva Yerbabuena. Con Estévez / Paños y Compañía han recorrido los escenarios y festivales nacionales e internacionales más relevantes. En 2019 recibieron el Premio Nacional de Danza, en la modalidad de Creación, “por su labor de abrir nuevos lenguajes y por su investigación de la danza española, el flamenco y la danza contemporánea, desde la tradición hasta la vanguardia, logrando originales resultados en una danza de hoy”. DANI DE MORÓN: MÚSICA ORIGINAL Nacido en Sevilla en 1981 y criado en Morón de la Frontera, este guitarrista se formó en un entorno flamenco desde joven y se especializó acompañando al cante y al baile. Su gran impulso llegó en 2007 cuando Paco de Lucía lo eligió como segunda guitarra para su gira internacional, lo que lo posicionó entre los grandes del flamenco. Ha grabado varios discos en solitario como Cambio de Sentido, El sonido de mi libertad y 21, este último nominado a los Grammy Latinos. Reconocido con premios como el Giraldillo de la Bienal de Sevilla, destaca por combinar la tradición flamenca con una investigación musical avanzada. Actualmente alterna sus conciertos con la composición y dirección musical de espectáculos de danza flamenca y otros proyectos internacionales. Su cuarto álbum, Creer para ver, se lanzó en 2020. ALONDRA DE LA PARRA DIRECTORA DE LA ORQUESTA (ORCAM Y JORCAM) Directora de orquesta mexicana de renombre internacional que ha dirigido algunas de las orquestas más prestigiosas del mundo. En 2022 fue nombrada directora invitada principal de la Orchestra Sinfonica di Milano y fundó el festival PAAX GNP en México, reuniendo a grandes músicos internacionales. Es pionera en proyectos innovadores como The Silence of Sound y ha dirigido estrenos mundiales en la Royal Opera House de Londres, siendo la primera mexicana en dirigir allí. Ha grabado proyectos emblemáticos como Olé México y ha liderado ciclos sinfónicos como el de Brahms con la Münchner Symphoniker. Su carrera incluye colaboraciones con destacadas instituciones musicales globales y fue la primera mujer en dirigir una orquesta australiana al frente de la Queensland Symphony Orchestra. También es reconocida por su labor en formatos digitales con la serie Música Maestra y por impulsar el talento de jóvenes músicos a través de la Orquesta Filarmónica de las Américas, que fundó a los 23 años. CODIRECTOR DE LA ORQUESTA: DIEGO GARCÍA Diego García nace en Escarabote, Lampón, en el municipio de Boiro, provincia de La Coruña. Cursa sus estudios musicales en piano y música de cámara en el conservatorio de Santiago de Compostela para posteriormente trasladarse a Lausanne. Más tarde se inicia en el mundo de la dirección orquestal en el Hochschule der Künste, en Zürich, con Johannes Schlaefli. Ha trabajado con orquestas como la Real Filharmonía de Galicia o la Orquesta Vigo 430,[6] y dirigido en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid o el Teatro de la Ópera de Gdansk. PEDRO YAGÜE: ILUMINACIÓN Nacido en Murcia en 1972 y licenciado en Filología Hispánica, este profesional es uno de los más destacados diseñadores de iluminación escénica en España. Ha trabajado durante más de 25 años en teatro, ópera, danza y otros espectáculos, colaborando con los principales teatros e instituciones nacionales e internacionales. Fue jefe de iluminación y director técnico del Teatro de la Abadía, y desde 2005 es coordinador técnico del Festival de Almagro. Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios, entre ellos varios Premios Max y el Premio Talía, lo que lo posiciona como una figura de gran relevancia en el diseño de iluminación escénica. Entre sus proyectos recientes destacan producciones como Yerma, Memorias de Adriano y Blaubeeren. DIRECCIÓN ARTÍSTICA JUNTA DIRECTIVA DEL BECM El Ballet Español de la Comunidad de Madrid cuenta con una dirección colegiada compuesta por una especialista en danza española; otra, en flamenco; y un tercero, en artes escénicas. GALA VIVANCOS Nacida en Barcelona, es bailarina, coreógrafa y maestra. Ha pertenecido en su dilatada trayectoria a compañías como el Ballet Nacional de España o Teatro Español Rafael Aguilar entre otras. Invitada a diversas galas, junto a figuras como Lola Greco, Ángel Corella, Tamara Rojo, Nacho Duato, José Antonio o Blanca del Rey. Docente y coreógrafa en la especialidad de Danza Española. Ha creado distintas piezas y espectáculos y ha sido invitada como maestra, impartiendo cursos y clases magistrales tanto en el ámbito nacional como internacional. MÓNICA FERNÁNDEZ Nacida en Barcelona. Titulada por el Real Conservatorio de Sevilla, inicia su trayectoria profesional con La Chana. Durante 25 años, ha sido repetidora, ayudante de dirección e intérprete con roles de primera bailarina en multitud de producciones del Ballet Flamenco de Antonio Canales. Además, ha coreografiado para su propia compañía, y ha formado parte del Ballet Nacional de España como repetidora para la reposición de la obra Grito de Antonio Canales, y ha sido artista invitada para el espectáculo Generaciones. ANTONIO CASTILLO ALGARRA Nacido en Córdoba. Escritor, profesor, productor, director, diseñador, y actor de teatro. Funda la productora, academia y editorial For The Fun of It, junto a Ignacio Rodulfo Hazen, desde la que inauguran una forma propia de hacer teatro musical, que difunda el legado del Siglo de Oro y de la Edad de Plata de la cultura española e Hispanoamericana. Propone a la Presidenta de la Comunidad de Madrid la Fundación del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, y recibe el encargo de su puesta en marcha. ORGANIGRAMA BECM JUNTA DIRECTIVA Gala Vivancos, Mónica Fernández y Antonio Castillo Algarra SECRETARIO GENERAL Félix González García DIRECTOR TÉCNICO Raúl Alonso MAESTRA ESPECIALISTA Cristina Gómez Tornamira REPETIDOR Mariano Bernal AYUDANTE DE OFICINA TÉCNICA Antiel Jiménez AYUDANTE DE PRODUCCIÓN Juan Manuel Borraspardo PATRONATO DE LA FUNDACIÓN Consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Presidente rotatorio: Mariano de Paco Serrano Consejero de Educación, Ciencia y Universidades, Vicepresidente rotatorio: Emilio Viciana Duro Director General de Enseñanzas Artísticas: Miguel Olite Lumbreras Director General de Cultura e Industrias Creativas: Manuel Lagos Patrono miembro de la Junta Directiva: Antonio Castillo Algarra

“El Amor Brujo” nació cuando Pastora Imperio (1889-1979) le encarga a Manuel de Falla (1876-1946) una música para un libreto de Gregorio Martínez Sierra, en el que ella interpretaba a su protagonista . Lejos estaban todos de imaginar la trascendencia que alcanzaría la nueva composición, considerada una de las obras cumbre de la música española de todos los tiempos. La artista cantaba y bailaba con una gracia y un duende que hechizaban, y una técnica de brazos que marcó estilo. En el siguiente enlace podemos verla en el año 1935, donde hizo el papel de madre, en la películo María de la O, siendo la protagonista Carmen Amaya: Y el porte de su estampa aun puede admirar en esta filmación donde baila una solea en su edad madura: La Primera Guerra Mundial había estallado , y el numeroso grupo de artistas españoles residentes en París, que pertenecía a la flor y nata de la elite cultural española, se ve obligado a regresar a su país. “El Amor Brujo” significa para Manuel de Falla un reencuentro con sus más hondas raíces, tras terminar bruscamente su estancia de ocho años en Francia, donde era considerado uno de los integrantes de la modernidad musical europea. La vanguardia huye del conflicto y se refugia en España , dando lugar a una época que revolucionará las artes escénicas y actuará como una diáspora que difundirá el arte español por los teatros más importantes del mundo. ENTRE ZULOAGA Y NESTOR DE LA TORRE El diseño de la escenografía y del vestuario de la obra fue ofrecido inicialmente al pintor Ignacio de Zuloaga (1870-1945), gran amigo de Falla . No en vano, la guerra había impedido que los bocetos realizados para una representación de “La Vida Breve” de 1914 en la Ópera de París, vieran la luz. Pero Zuloaga pretexta un exceso de trabajo y rehúsa aceptar el encargo. En aquel momento, el pintor vivía un amor secreto y pasional con la bailarina Tórtola Valencia. ¿Sería demasiado aventurado pensar que podría existir una cierta rivalidad artística entre Pastora y Tórtola? El tiempo como en casi todo, nos confirma que sí, pues aconteció un gravísimo suceso instigado por Tórtola que provocó a Pastora un grave accidente que podía haberle costado la vida, un verdadero y cruento duelo de divas , que relataremos en otra ocasión. Ante la negativa de Zuloaga, Pastora Imperio propone la tarea al pintor grancanario Néstor Martín-Fernández de la Torre (1887-1939) , el cual queda entusiasmado con la idea, pues en París ha conocido la gran revolución que en materia escénica supuso la llegada de los Ballets Rusos de Diaghilev. La atracción de de Néstor hacia el mundo de las bambalinas es algo que le acompañará desde su infancia a lo largo de toda su vida. Basta contemplar dos aguafuertes de Néstor datados en 1910, “La Macarena” y “El Garrotín”, representando escenas de baile, para percibir la fuerza con que capta el movimiento y transmite la energía de la danza. Así mismo, se percibe en sus dibujos una clara influencia de León Bakst (1866-1924), lo que evidencia la relación de Néstor con los Ballets Russes de Diaghilev. Un hecho que corrobora de forma indidable esta relación con la mítica compañía, es la correspondencia que mantendría a lo largo de su vida con Adolph Bolm , que se conserva en el Museo Néstor de Gran Canaria. En este enlace podemos admirar la gran versatilidad del bailarín ruso junto con Ruth Page, protagonizando un film datado en 1922. Mucho queda por descubrir, mucho por investigar en materia de danza sobre este fascinante período de la Edad de Plata de nuestra cultura, cuando España se convierte en lugar de refugio de la vanguardia europea. Y es que “El Amor Brujo”, en su primer estreno, el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid , contenía todos los ingredientes que iban a convertirlo en el punto de partida de esta era de esplendor creativo. MERCEDES ALBI Acceso a la segunda parte

Manuel de Falla, en unas declaraciones hechas al diario La Patria el día anterior al estreno de “El Amor Brujo”, ya es consciente de su originalidad, y opina: “Hemos hecho una obra rara, nueva, que desconocemos el efecto que pueda producir en el público, pero que hemos sentido”. La expectación que se había suscitado en Madrid era enorme y no estaba exenta de críticas, ya que algunos pensaban que Falla se rebajaba al escribir una obra para “gitanos”. Pastora Imperio escuchó un comentario negativo, alusivo a que era como si Wagner hubiera permitido interpretar su “Parsifal” a unos cantantes de vodevil. -“Parsifal”, ¿Qué es eso?”- preguntó Pastora sorprendida, y tras recibir la explicación, con el buen humor y el gracejo que la caracterizaba, respondió desafiante: -“Pues…¡Viva Parsifalillo!”. A partir de entonces Manuel de Falla y su círculo de amigos llamaron al primer “Amor Brujo”, el “Parsifalillo” de Pastora. Falla había compuesto la música en apenas tres meses. Más aun, unas horas antes del estreno le solicitaron en el teatro que compusiera un intermedio para que diera tiempo a cambiar los decorados, y como el gran genio que era, entregó la partitura a tiempo de levantarse el telón . Es de sobra conocido que la obra fue modificada varias veces hasta la versión de 1925, estrenada en París por la compañía de Antonia Mercé, la Argentina. En el “Parsifalillo” existen estrechos lazos de familiaridad entre los intérpretes. Los artistas actuaron bajo la supervisión de la madre de Pastora, Rosario La Mejorana , que había mostrado a Falla algunas canciones, cuyos ritmos le sirvieron de inspiración. Pastora Imperio interpretaba a Candela, la protagonista, y su hermano, el guitarrista Víctor Rojas, hacía el papel de Carmelo. Esta fotografía nos muestra a ellos tres: Una de la gitanillas fue Perlita la Negra , el nombre artístico que algunos pensaron erróneramente que se trataba de Agustina Escudero , la famosa modelo de pintores, cuya belleza podemos admirar en este cuadro de Manuel Benedito: Perlita Negra no era Agustina, como ya desvelé en un artículo y gracias a unos apuntes recogidos por la eurdita de la danza Dolores de Pedroso. Pero con toda probabilidad la bella Agustina, participó activamente debida a su amistad con Pastora, y a que frecuentaba su casa, siendo incluso posible que Manuel de Falla se inspirase en alguna bulería interpretada por ella. Lo cierto es que con toda probabilidad la modelo accediese a participar en alguna representación movida por su amor de madre , pues la otra gitanilla del reparto era su jovencísima hija María, que había demostrado desde pequeña una gran vocación artística. Pastora Imperio la amadrinó en sus comienzos ofreciéndole su primera oportunidad escénica en "El amor brujo". La niña, que actuó bajo el nombre de María Imperio, adoptaría porteriormente el de "La Faraonica", hasta que Dighilev la descubrió y la contrató como miembro de los Ballets Rusos bautizándola como María del Albaicín . Fue la estrella del "Cuadro Flamenco -representado en París (1921)- y desarrolló una importante carrera en la danza y en el cine, truncada por su temprana muerte en 1931. De la otra artista que estuvo en el cartel, Rosa Cantó , interpretando el papel de una gitana vieja, no se conservan datos. Esta unión tan estrecha y familiar entre los interpretes del primer "Amor Brujo", entronca directamente la obra con los genuinos cuadros flamencos tradicionales y los conduce un paso más allá, pues al añadirles una dramaturgia, con música y escenografía, inspirada en el concepto europeo de la obra de "arte total", surge por vez primera un nuevo género que admirará al mundo: el Ballet Español. MERCEDES ALBI Acceso a la tercera y última parte

Si se congela el tiempo y se circunscribe a un momento, resulta apasionante leer este reportaje publicado en 1946, en la revista francesa Point de Vue, que ha sido seleccionado por Luis Antonio Valdivia Durán (Danza Libre). Vaslav Nijinky, quien fuera el bailarín más famoso del mundo, pasa sus días en compañía de su esposa Rómola. Les tomán estas fotos en un castillo de apariencia abandonada situado en una aldea del Tirol, cerca de Salzburgo. La Segunda Guerra Mundial ha asolado Europa. En esos años parece ser que en la prensa circularon rumores falsos sobre la muerte del bailarín, que fue hallado en un hotel de Viena cuando los aliados tomaron la capital. << Nijinsky que fue un loco genial , más que un enfermo sin memoria, y que vive olvidado en una aldea de Austria . Sin embargo... Fue el bailarín más grande del mundo y hoy no es más que un enfermo de mirada extrañamente vacía , en Mittersill, en el Tirol. Habita en un castillo situado en plena montaña, a algunos kilómetros de Salzburgo . Un castillo que ya tiene un pasado glorioso, pues en él vivieron el príncipe Bernhard de Lippe y la princesa Juliana, así como el duque y la duquesa de Windsor durante su viaje de bodas. También se alojaron allí la reina Guillermina de los Países Bajos y el rey Carlos de Rumania. Nijinsky hoy no es más que un enfermo de mirada extrañamente vacía Nijinsky vive allí en compañía de su esposa, la escritora Romola Nijinsky, y de un enfermero —antiguo oficial del ejército zarista — encargado de cuidarlo y vigilarlo. Durante los últimos años de la guerra circularon las informaciones más contradictorias acerca del destino del célebre bailarín. Los periódicos del mundo entero anunciaron dos veces su muerte : la primera, en un bombardeo en Budapest; la segunda, durante los combates sangrientos de Viena. En la prensa circularon informaciones contradictorias acerca del destino de Nijinky Luego afirmaron que se encontraba internado en una clínica psiquiátrica de esa ciudad , y que su estado era tan grave que los médicos habían perdido toda esperanza de curarlo. Todas estas informaciones eran falsas. Los corresponsales de prensa descubrieron a Nijinsky en un gran hotel de Viena , el día mismo de la ocupación de la capital austríaca por los cuatro ejércitos aliados. Gracias al apoyo de las autoridades estadounidenses, Nijinsky pudo ese invierno abandonar Viena —donde la vida se había vuelto muy difícil— y refugiarse en Mittersill , mientras esperaba la obtención de su visa de entrada a Francia. Esta acaba de serle concedida. Dentro de pocos días, Nijinsky llegará a París, donde no ha estado desde hace casi diez años. En unos días Nijinsky llegará a París donde los psiquiatras intentará curarlo Y será en París donde l os psiquiatras intentarán, por tercera y última vez, curarlo mediante un tratamiento con insulina . Se recuerda que los dos primeros tratamientos no habían dado resultado. Posteriormente, según su estado, el bailarín permanecerá en Francia o partirá hacia América. Los médicos que lo han examinado recientemente se muestran optimistas y piensan que este tratamiento con insulina será decisivo para el enfermo Los médicos que lo han examinado recientemente se muestran optimistas y piensan que este tratamiento con insulina será decisivo para el enfermo. El estado de Nijinsky, en efecto, ha mejorado mucho desde el final de la guerra, mientras que los bombardeos lo habían agravado seriamente. Hoy, nada en su aspecto deja suponer que Nijinsky sufre de locura . Su porte sigue siendo muy digno; su cuerpo se ha conservado extremadamente joven y flexible . Solo su rostro ha envejecido: profundas arrugas surcan su frente. Su enfermedad consiste en una especie de inconsciencia constante. Nijinsky vive como en un sueño, y su espíritu parece muerto. Habla muy poco y nunca responde a las preguntas que se le hacen . Pasa los días sentado en un amplio sillón, mirando fijamente el bosque que se extiende frente a él. Sus únicas distracciones consisten en observar los árboles y jugar con cubos de colores y de distintos tamaños. Nijinsky ya no baila. Sin embargo, a veces recuerda… y ejecuta algunos pasos junto a su esposa. Luego vuelve a caer en la nada. Solo su rostro ha envejecido: profundas arrugas surcan su frente Nacido en Kiev en 1889 , todo predestinaba a Nijinsky a convertirse en un gran artista. Primero, su familia: durante cuatrocientos años, los Nijinsky fueron bailarines de padre a hijo. Muy joven, él mismo frecuentó los bastidores del Gran Teatro Imperial de San Petersburgo y vivió siempre en ese ambiente de danza. A los nueve años era el mejor alumno de la Escuela Imperial de Ballets Rusos. A los trece ingresó como solista en la Ópera de San Petersburgo. En esa época, los rusos lo apodaron el “Mozart de la danza”. Su carrera solo duró seis años. De pronto, perdió la razón. Y de un día para otro, dejó de bailar Durante cinco años fue el primer bailarín de Rusia. Luego partió a la conquista de Europa y América. En 1909 vino de gira a Francia con los célebres Ballets Rusos . Una sola noche bastó para consagrar en París su talento genial. Entonces se abrió ante Nijinsky la carrera más prestigiosa de la danza moderna. Recorrió las capitales del mundo e hizo aplaudir sus grandes creaciones, entre ellas el ya clásico El espectro de la rosa. Pero su carrera de ídolo de la danza solo duró seis años. De pronto, Nijinsky perdió la razón. Y de un día para otro, dejó de bailar. "Point de vue", 24 de octubre de 1946 (Texto e imagenes seleccionadas por Luis Antonio Valdivia Durán de Danza libre)

-El fallo del jurado ha destacado a la compañía por "una visión que amplía los márgenes de la danza española y que busca equilibrar innovación y rigor en su obra" -Los Premios El Ojo Crítico reconocen desde hace XXXVI ediciones a los jóvenes talentos que destacan y abren camino en distintos ámbitos artísticos -Los directores e intérpretes de La Venidera, Irene Tena y Albert Hernández, forman un tándem creativo que ha entrado con fuerza en la escena, reivindicando una danza española y flamenca que evoluciona con el mundo que les rodea -Tras el estreno de su último espectáculo, NO , en el Centro Danza Matadero, La Venidera se encuentra inmersa en una extensa gira que les llevará a Córdoba, Barcelona, Montpellier (Francia), Valladolid, Umea (Suecia) y Donosti  La Venidera, liderada por los jóvenes coreógrafos y bailarin es Irene Tena y Albert Hernández, se ha alzado con el Premio "El Ojo Crítico" 2025 de Danza, otorgado por Radio Nacional de España . El fallo del jurado, que se hizo público ayer 13 de noviembre, ha destacado a la compañía por “una visión que amplía los márgenes de la danza española y que busca equilibrar innovación y rigor en su obra.” Esta compañía “es semilla y futuro de la creación dancística, que ofrece una mirada esperanzadora y abierta a nuevas formas de expresión del movimiento. Directores, coreógrafos e intérpretes, Irene Tena y Albert Hernández, buscan equilibrar innovación y rigor en su obra. Se distinguen por un imaginario propio que bebe de la contemporaneidad, evidenciando una creatividad singular y madura, siempre en constante evolución” Irene Tena y Albert Hernández, buscan equilibrar innovación y rigor en su obra. Se distinguen por un imaginario propio Han compuesto el jurado Martxel Rodríguez y Jon López (Led Silhouette), ganadores del premio en la edición anterior; la bailaora Ana Morales , Premio Nacional de Danza 2022; Helena Martín , coreógrafa y bailarina de danza española y Ángel Rojas , coreógrafo, bailaor y director general de artes escénicas de Móstoles. Junto a ellos, Laura Martínez Ruibal y Ángeles Caso , directoras y prentadoras de ‘El Ojo Crítico’ (voto conjunto); Olga Baeza , especialista en artes escénicas y directora de ‘A compás’ de Radio 5 y Beatriz Torío , jefa del área de Cultura de RNE. Los Premios El Ojo Crítico reconocen desde hace XXXVI ediciones a los jóvenes talentos que destacan y abren camino en distintos ámbitos artísticos.  Tras el estreno de su último espectáculo, NO , en el Centro Danza Matadero el pasado mes de octubre, La Venidera se encuentra inmersa en una extensa gira que les llevará al Centro de Creación Contemporánea-C3A de Córdoba ( Lo que ya fueron otros , 16 de noviembre de 2025), Festival de Nadal de Barcelona ( LOCA , 29 y 30 de diciembre de 2025), Théâtre Jean-Claude Garriere de Montpellier, Francia ( NO , 22, 23 y 24 de enero de 2026), LAVA de Valladolid ( NO , 31 de enero de 2026), Norrlandsoperan de Umeå, Suecia ( NO, pieza corta , 29 de abril de 2026), Teatro Victoria Eugenia de Donosti ( NO , 12 de junio de 2026) y Festival Les Ones Benidorm ( NO , pieza corta, 27 de junio de 2026).   La Venidera: mirada y movimiento de una generación Dirigida por Albert Hernández (Barcelona, 1997) e Irene Tena (Barcelona, 1998), La Venidera quiere ampliar los márgenes de la danza española y el flamenco, buscando los puntos de fricción entre las raíces y la contemporaneidad e incorporando una mirada actual, la de la generación nacida a finales de los noventa. Sus trabajos muestran un gusto por el detalle, el oficio y lo artesanal, reivindicando la pausa en tiempos de frenesí tecnológico. En sus piezas el movimiento responde a un concepto, una idea, una historia del presente. No a través de un lenguaje explícito, pero sí mediante un proceso creativo que bebe del contexto social y artístico que les rodea.  Albert Hernández e Irene Tena han desarrollado su carrera artística en el Ballet Nacional de España, donde han sido primer bailarín y bailarina solista bajo la dirección de Rubén Olmo . En la actualidad, ya fuera del ballet y al frente de su propia compañía, siguen colaborando con la institución como bailarines invitados en Afanador , la exitosa producción dirigida por Marcos Morau . El primer espectáculo de La Venidera, Hilo roto , sorprende en el Festival Internacional Madrid en Danza en 2019 y le vale a Irene Tena una nominación a los Premios Max 2020 a la Mejor Interpretación Femenina.  Loca , un extracto de Hilo roto , es reconocida con el Primer Premio de Coreografía en el Certamen Coreográfico de Madrid y con el Premio Fundación AISGE a la Bailarina Sobresaliente para Irene Tena.   NO, que se estrenó en octubre de 2025 en Centro Danza Matadero, es su último espectáculo y el primero tras su salida del Ballet Nacional de España.  En 2020, ambos son invitados como coreógrafos por el Ballet Nacional de España para crear Sevilla,  pieza que actualmente forma parte del repertorio del BNE. En 2021 estrenan sus dos primeros trabajos site-specific: Acompanyament a l’arquitectura,  dentro del ciclo de danza de “L’Herència” en Hospitalet de Llobregat y Paseantes, en el marco del ciclo “Vortex” del Goethe-Institut Madrid. En 2023 sus piezas Loca  y Paseantes  son seleccionadas en la Red Acieloabierto y recorren festivales de calle como Mas Danza, Trayectos, Lekuz Leku, Traslación, Cuadernos escénicos, etc. Ese mismo año Loca  es finalista en el Rotterdam International Duet Choreography Competition (RIDCC) y galardonada con el Premio Audience Award. Además, son invitados como coreógrafos en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma para el Taller Coreográfico “Larreal” y colaboran como coreógrafos en el espectáculo Recelo  de Rafa Ramírez y Pasaje  de Juan Carlos Avecilla . En 2024 coreografían y protagonizan un documental sobre Antonia Mercé "La Argentina” junto a la Fundación Juan March. Además, participan como coreógrafos invitados en Pineda , la nueva producción del Ballet Flamenco de Andalucía que se estrenó en los Teatros del Generalife. &&&&&&&&&&&&&&&&

 Concebida por Matthew Bourne e interpretada por su compañía, New Adventures, la intrépida coreografía revolucionó el mundo de la danza y se convirtió de inmediato en un espectáculo mítico.  En el Teatro Real se ofrecerán cinco funciones los días 19, 20 y 21 (todas a las 19.00 h.) y 22 (12.30 y 18.00 h.) de noviembre.  Desde su estreno en el Sadler's Wells de Londres, en 1995, el espectáculo no ha dejado de representarse y de celebrar el reconocimiento del público.  El lago de los cisnes: la nueva generación ha recibido más de treinta galardones internacionales, entre ellos el premio Olivier a la mejor nueva producción de danza y tres premios Tony: mejor director de musical, mejor coreografía y mejor diseño de vestuario. Los próximos 19, 20, 21 y 22 de noviembre el Teatro Real celebrará el 30º aniversario de uno de los estrenos más revolucionarios en el mundo de la danza: El lago de los cisnes: la nueva generación , coreografía de Matthew Bourne que reinterpreta el clásico de Chaikovski y lo convierte en un relato nuevo, rompedor y lleno de audacia, interpretado con maestría por la compañía británica New Adventures .   La pasada temporada, el Teatro Real presentó la renombrada versión de Helgi Tomasson de El lago de los cisnes , sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1985, a cargo del Ballet de San Francisco. Ahora llega la oportunidad de esta nueva versión, ya icónica, que desafía las normas del ballet clásico con audacia .   Con todos los cisnes masculinos, y las necesarias modificaciones en el discurso narrativo -desaparece la princesa encantada, sustituida por un atormentado príncipe- Bourne construye una historia tan bella como radical que muestra al protagonista con sus deseos y anhelos en un mundo de represión donde se siente asfixiado , frustrado y confuso, sentimientos que se acentúan, todos ellos, con la aparición del Cisne Blanco poderoso, fuerte y seductor. El drama se convierte en un análisis de la masculinidad en la sociedad actual, no exento de pinceladas de humor.   El lago de los cisnes: la nueva generación es un desafío transgresor que modifica uno de los grandes clásicos transformándolo en una obra desafiante, en la que tienen cabida las técnicas de la danza clásica, neoclásica y contemporánea en magistral convivencia . Es precisamente esta actualización del lenguaje coreográfico y narrativo el que ha conectado de forma rotunda con un público más joven, dentro y fuera del ámbito de la danza.   Nada cambia en la partitura, pero todo es diferente e hipnótico en el escenario, con su impactante decorado y un vestuario imaginativo, opulento y realmente bello, creado por el premiado Lez Brotherston, y una iluminación magistral de Paule Constable que pone en relieve lo obvio y lo subliminal de cada escena.   Desde su estreno -el 9 de noviembre en el Sadler's Wells de Londres en 1995- la producción ha sido reconocida con más de treinta galardones entre los que destacan el premio Olivier a la mejor producción (1996), Time Out de Danza (1996, 1997), premio del Círculo de Críticos de Teatro de Los Ángeles (1997), premio Astaire (1999) y tres premios Tony: mejor director de musical, mejor coreografía y mejor vestuario (1999).    La conmovedora y multipremiada película Billy Elliot , ópera prima del director de cine Stephen Daldry -protagonizada por Jamie Bell y estrenada en el 2000- incluía en su escena final un fragmento de esta creación de El lago de los cisnes con la aparición del bailarín británico Adam Cooper.   Fundada en 1987 por Matthew Bourne, New Adventures es una compañía de danza-teatro emblemática y revolucionaria, conocida por crear obras que han cambiado la percepción del público sobre lo que es posible cuando se trata de contar historias sin palabras. Las claves de su éxito son su enfoque único y la colaboración estrecha entre el equipo creativo y los bailarines, trabajando con la partitura y la narración a través del movimiento. Fotógrafo: © Johan Persson | New Adventures

La música, vocablo de  origen  griego que significa “el arte de las musas”, está en todos los sitios pero, esencialmente, vive en los teatros, en las catedrales del alma.  En ellos impera para deleite de los melómanos, da marco a las obras operísticas y guía los pasos de las glorias del ballet. En Buenos Aires a fines del siglo XIX habiéndose cerrado el antiguo teatro Colón que estuvo ubicado en el centro histórico de la ciudad, se planteó la construcción de uno nuevo .  La ciudad, por su jerarquía, merecía un nuevo teatro. En Buenos Aires a finales del siglo XIX se planteró la construcción de un nuevo teatro Así fue que en 1889 se llamó a concurso y se presentaron tres proyectos, el del italiano Ángel Ferrari ganó la licitación , con los planos confeccionados por su connacional Francisco Tamburini.   Se debatió mucho sobre su ubicación, en esa época había mucho espacio disponible, Argentina estaba en formación, y se optó por un amplio predio que había ocupado el Ferrocarril del Oeste, frente a la actual Plaza Lavalle.  Poco tiempo duró el gozo por tamaña empresa: en 1890 hubo crisis política y económica y el proyecto debió detenerse.  En el interín murió Tamburini y Victorio Meano se hizo cargo de la obra.  Ya en 1892 aparece la volumetría definitiva, en el exterior se combinaban aires italianos, franceses y germanos y en el interior, el “foyer” lucía dos escaleras con mucho protagonismo.  Entre idas y venidas las dos escaleras fueron eliminadas y tras la desaparición de Meano -otra muerte más - Julio Dormal se hizo cargo de la obra, la que llevó a buen puerto.  Él amaba la escuela francesa y admiraba el gran “foyer” de la Ópera de París , pero aquí fue necesario hacerlo más angosto para ajustarlo a la perspectiva de la plaza Lavalle que lo enfrentaba. Fue una obra muy compleja por su infraestructura, se usó la tecnología de punta del momento. El exterior es de tradición italiana, es una síntesis del Renacimiento y algo del Barroco.  El techo cubre a dos aguas la sala y el escenario.  El “foyer”, finalmente, es de doble altura , con columnas, ventanales y escaleras curvas de inspiración francesa. El Teatro Colón es un magnífico estuche donde convergen distintas corrientes, la mano de obra es italiana, los capiteles, jónicos, los apliques y las arañas, franceses.  Tiene muy poca piedra natural, el estuco está presente en muchos lugares.  El Salón Dorado tiene decoración francesa , con versallesco juego de espejos y vitrales en los laterales y en el Salón de los Bustos, donde están representados los grandes de la música. Ahora…adelante, por favor, pasemos a la sala.  La grandiosidad es su sello, tiene 75 m, en su tamaño reside la calidad insuperable del sonido.  Es excepcional, es simple y sofisticada a la vez, no solo por la acústica, también por los espacios.   Todo ello bajo el cielo protector de la cúpula decorada con los lienzos en gajos pintados por Raúl Soldi, una alegoría al arte:  bailarines, actores, instrumentos musicales, duendes.  El artista llamó a su obra “Alegoría a la música, al canto y a la danza”.  En 1966, en una función de gala, los personajes de la cúpula tomaron forma en el escenario. El artista llamó a su obra “Alegoría a la música, al canto y a la danza La araña sigue la forma de la cúpula, tiene un gran anillo que contribuye a la acústica , antiguamente allí se ubicaba el coro.  Hoy, además de los fantasmas -porque todo teatro tiene los suyos -se puede apreciar a 25 m de altura al nivel de la platea, las regias dimensiones del teatro. El Teatro Colón fue inaugurado el 25 de mayo de 1908 con la ópera “Aída” y el pasado mes de marzo de 2025 se representó una vez más para celebrar el centenario de los elencos estables del gran coliseo argentino.     NIEVES E. MORÁN Fuente: Curso de Historia y Geografía del Teatro Colón (2022-23)

Enrique Morente y Armin Janssen (Antonio Robledo) Rescatar una obra desde un aparente olvido tiene algo de resurrección, y eso fue lo que presenciamos en la Sala Roja de lo Teatros del Canal , dentro del XX Ciclo Suma Flamenca. Pero además hubo un estreno absoluto: el de "Soleares de concierto" de Antonio Robledo, y es que existen muchas partituras de tan interesante autor que no se han interpretado en público. Hubo un estreno absoluto: "Soleares de concierto" de Antonio Robledo El “Alegro Soleá” de Enrique Morente y Antonio Robledo , dormía desde hace casi treinta años  -estreno en 1990 en la Bienal Flamenca de Sevilla- hasta que unos grandes artistas, tal vez bajo la iniciativa del pianista Juan Carlos Garvayo , en el Festival de Granada 2022, la devolvió a una vida que nunca debería haberse extinguido. El piano de Juan Carlos Garvayo, en el Festival de Granada 2022, la devolvió a una vida que nunca debería haberse extinguido Si su creación original en 1990 fue una maravillosa conjunción de dos genios: uno flamenco, Enrique Morente, y otro clásico, el pianista y compositor alemán Armin Janssen (conocido bajo el seudónimo artístico de Antonio Robledo), el listón estaba abrumadoramente alto para ocupar su espacio. Y lo lograron. Así el cantaor Antonio, el Turry , hizo las veces de Enrique Morente, y Juan Carlos Garvayo fue Antonio Robledo. Antonio Robledo Los encuentros entre artistas siempre tienen un algo de azar. Lo es la historia de Armin Janssen, un joven nacido en Hannover en 1922 y que aspiraba a ser pianista de concierto, cuando irrumpieron en su vida el famoso duo de bailarines formado por Susana y José de Udaeta. Necesitaban un pianista y el joven músico se presentó. "Necesitas un frac", le dijo José, pero no tenía nada, y fueron alquilarle uno. Armín se enamoró del flamenco y de Susana, con la que se casaría unos años después. En Sevilla conocieron a Enrique Morente, cuando solo tenía 18 años, y allí surgió esa amistad que los uniría durante toda su vida artística. Antonio Robledo, Susana y Enrique Morente ¿Qué es “Alegro soleá”? Es una obra imposible de constreñir bajo los límites de una clasificación. Con el fin de ilustrar a los que no la hayan visto, me atrevería a definirla como una especie de lied flamenco con piano y orquesta de cuerda . Y es que no es cante, aunque sí lo es, pero la impronta del compositor alemán insufla un soplo, un aire distinto. "Alegro Soleá" es una especie de lied flamenco con piano y orquesta de cuerda Se sintió el eco de las palmas de José El Indio, y El Moreno , pero sin verse, porque quedaron situados detrás de las cuerdas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la acertada batuta de Manuel Busto . Así se subrayó la presencia de que hay un algo que siempre queda más allá de lo que nuestros ojos alcanzan . Hay un algo que siempre queda más allá de lo que nuestros ojos alcanzan Actualmente, cuando las programaciones de los auditorios y de las salas de conciertos se encuentran acartonados en los mismos repertorios, sin encontrar un camino de renovación, habiéndose quebrado la confianza del público hacia las nuevas “sonoridades”, una pieza como el “Alegro soleá”, debería darse más a conocer en el ámbito de las orquestas clásicas, sin circunscribirla únicamente al mundo flamenco . Antonio Robledo (Armin Janssen) compuso libre del peso de nuestra tradición, desde ella, con un conocimiento profundo, trazó renglones nuevos jamás prefijados . En su oasis particular entró Morente, y surgió la chispa. Lo inclasificable. Antonio Robledo y Enrique Morente   MERCEDES ALBI

Un bello relato escrito por Nieves Elena Morán, nos retrotrae a aquel momento, en que el niño Ángel Pericet Carmona, viaja a Sevilla desde Aguilar de la Frontera con su abuela. Será el germen de una saga de bailarines que arraiga, desde sus hermanos, a los hijos y nietos, y a los innumerables profesionales y alumnos que llevan su sello hasta nuestros días. EL VIAJE PRIMERO "La abuela miraba al niño navegando entre el orgullo y la extrañeza mientras lo arropaba durante la travesía desde Aguilar de la Frontera.  No podía sino pensar que ese pequeño de apenas cinco años, al decir en voz alta que deseaba aprender a bailar , no estaba más que haciendo real su propio sueño de bolera. -Yo te llevaré a Sevilla, mi niño –le dijo con resolución. No podía sino pensar que ese pequeño de apenas cinco años al decir en voz alta que deseaba aprender a bailar Habían llegado esa misma mañana y lo primero que hicieron fue detenerse  a los pies de la Giralda como en un altar , allí donde la Campanera había bailado en sus balcones.  A la abuela y al niño los envolvió el mismo sentimiento: este sería el comienzo de lo magnífico, de algo que ya no se detendría , que el hilo dorado que había comenzado a desovillarse esa mañana llegaría muy lejos. este sería el comienzo de lo magnífico, de algo que ya no se detendría Tomados de la mano caminaron hasta el número uno de la calle Tarifa.  Amparo Álvarez les abrió la puerta.   Amparo Álvarez es La Campanera El niño es Ángel Pericet Carmona Fuente: “Hacedores de Cultura” - Familia Pericet - Concepción Cuervo Pericet NIEVES ELENA MORÁN Imágenes facilitadas por Concepción Cuervo Pericet . Archivo familiar

Maribel Gallardo como "Medea". Fotografía Merche Burgos La última función de un espectáculo tiene siempre un sabor especial. Si los estrenos sacian, en cierta manera, la curiosidad del espectador y -cuando dan en el clavo- se asemejan a la vibración de un primer amor, ¿qué podemos decir de la función de cierre cuando se sabe de antemano que va a ser la última? Y es que Maribel Gallardo se despedía con "Medea" , y los allí reunidos nos sentimos invadidos por la hermosa fragilidad de lo efímero y compartimos con ella el torbellino de emociones que nos envolvía en su adiós. No sabemos si Eurípides, cuando estrenó su Medea, allá por el año 431 antes de Cristo, fue consciente de que era su mejor obra. Y es que para él, por encima de las cuestiones teológicas que preocupaban al resto de los dramaturgos, estaban las emociones humanas. Lo que sí es seguro es que la Medea del Ballet Nacional es una de las cumbres de la danza española. De las coreografías del maestro Granero es, sin duda, la que ha conservado mayor vigencia. Su acierto al trasladar al baile sentimiento y palabra es tan intemporal como el teatro del autor ático y por eso permanece y continúa emocionando al espectador. La historia pasa, pero las emociones quedan:  el amor, los celos, la venganza… hacen que  “Medea” nunca muera, sino que renazca a través de cada nueva Medea. Rubén Olmo ha puesto en escena a  tres generaciones de Medeas: Maribel Gallardo es el dominio de la expresión y el gesto; Eva Yerbabuena , la fuerza telúrica;  Inma Salomón , la dúctil elegancia. La música de Manolo Sanlúcar, dirigida por Manuel Coves con la sensibilidad a la que nos tiene acostumbrados, evoca los ritmos procesionales de la Semana Santa , nos cose en el alma la pasión de Medea, mujer, amante, madre y hechicera, conmoviéndonos hasta el tuétano. Eva Yerbabuena y Fran Velasco en Medea Queda claro que Rubén Olmo sabe escoger a sus bailarines, proporcionando a cada uno su lugar , pues los encaja sin constreñir, y el resultado  queda patente en ese puzzle perfecto de personajes que vimos ayer acompañando a Maribel Gallardo:  Currillo , un Creonte majestuoso de líneas flamencas puras; la Creusa de Estela Alonso , ingenua y expresiva; el Jasón de Fran Velasco , imponente y seductor… Es muy triste que Maribel se retire, a pesar de ser afortunada al poder gozar de una despedida con honores. Pero es que la danza es una diosa cruel, inmola a sus hijos antes de tiempo , los aniquila en plena madurez expresiva. Si Maribel fuera actriz de teatro estaría en su culmen y no en su final. Pero no solo fue la noche de Maribel Gallardo, también fue la de Eduardo Martínez que, -habiéndose alternado en la programación con "Segunda piel" de Miguel Ángel Gorbacho - bailó su  “Arrieiro”, una pieza de acentos profundos que marca el sello de su lenguaje, haciendo visible esa veta inagotable de nuestro folklore de la que hablaba Moiseiev cuando afirmaba que tan solo España podía igualar la variedad y riqueza del folklore ruso.  “Cuentos del Guadalquivir”, con música de Joaquín Turina, hizo brillar a una evanescente Débora Martínez , junto con Matías López. La danza es una diosa cruel, inmola a sus hijos antes de tiempo Y fue asimismo la noche del Ballet Nacional de España, una formación artística que ha alcanzado un altísimo nivel -como pudo comprobarse en la extraordinaria ejecución del "Bolero" de Ravel- y que promete seguir ofreciendo éxitos como los que ha brindado estos días en el Teatro Real ante un público totalmente entregado. Gabriel M. Olivares Vídeo: Gabriel M. Olivares