Fundada por Gene Yurre en 1968 en Donostia. En 1980 Xabier Arregi y Pako Sexmilo toman el relevo en la dirección. Desde junio de 1993 Faustino Aranzabal es nombrado director artístico de KDT. En el año 2000 Idoia Ibarzabal se incorpora como maestra de danza e intendente adjunta a la dirección. Realizan un teatro de danza original versátil, dirigido a un público tanto adulto como infantil, con en el que generan la construcción de un nuevo patrimonio coréutico vasco. Destacan los espectáculos: Maskarada (1972), Ioiak (1983), Hostoak (1996), Soka (1998), Bestaberri (2000), Marixe (2002), Sehaska (2006), Buba eta Bubu (2011), Oteizaren kaxa beltza (2014), Rodchenko (2016) o Zeruko (2017).Son invitados a participar en Bienales y en programaciones de danza de: Francia, Bélgica, Grecia, Monaco, Luxemburgo, Austria, Reino Unido, Alemania, Holanda, Suiza, Dinamarca, España, Portugal, Finlandia, Suecia, Polonia, Chequia, Hungria, Turquia o Rusia. Por su labor, han sido reconocidos y premiados en los festivales de: Aviñón, Lyon, Leipzig, Kassel, Wuppertal, Copenhague, Holstebro, Lausanne, Zurich, Lugano, Linz, Zagreb, Sheffield, York, Middelburg, Róterdam, Venecia o Verona. Conectan la danza tradicional vasca con el estilo internacional europeo de danza histórica. Crean piezas por encargo a propuesta de diversos proyectos artísticos para: Musee Lascaux, Orquesta de Euskadi, Museo Oteiza, Quincena Musical, Chillida Leku, Národni Divadio Marionet, Henry Moore Foundation, Ensembles Barrocos o Museum Schloss Moyland Joseph Beuys. Además, imparten cursos monográficos para bailarines y dirigen talleres de sensibilización de la danza en el ámbito social y educativo. Los 3 actos finales de la conmemoración de este aniversario de Kresala Dantza Taldea consisten en: 1.- La publicación de un libro-catálogo ("Pausoz pauso. Hegaldi isila, hegada luzea", traducido "Paso a paso. De vuelo silencioso y aleteo largo", que se presentó el pasado martes. 2.- Exposición de fotografías escénicas, "Crisálida en el refugio de la noche", Casa de Cultura Okendo de Donostia-San Sebastián, 14 diciembre-26 enero. 3.- Jornada de reflexión sobre la danza, "Ispilu-erronkak" (Retos frente al espejo). Museo San Telmo de Donostia-San Sebastián, 15 diciembre. La periodista Iratxe de Arantzibia participa en el catálogo con un texto que es un análisis de la cobertura mediática de Kresala (traducido salitre), a través de tres estrenos emblemáticos (década 70, década 80 y año 2017) con un texto titulado "Danzas de salitre y oro: de la linotipia al tweet". Y será una de las ponentes en la jornada en la que realizará una radiografía de la situación de la danza en Euskadi, sustentada en cinco pilares: -Formación. -Sector de la danza. -Programación de danza. -Público y cultura de danza. -Los medios de comunicación. + INFORMACIÓN

Danzan las aulas es una película documental que explora desde una perspectiva íntima las conexiones entre un grupo de docentes, profesionales de danza y estudiantes de educación secundaria que convivieron durante el año 2014 en el proyecto pedagógico del mismo nombre de la Universidad Carlos III de Madrid. El proyecto educativo "Danzan las Aulas se plantea como una posibilidad educativa para los adolescentes de Leganés, creando un espacio en la Universidad como alternativa cultural y artística que impulsa y proyecta la académica en la que ya se encuentran." La película comparte el mismo aire con la aventura pedagógica que fue filmada. Una obra donde la imagen es danza y el ritmo es fotograma, donde sus protagonistas no hablan a cámara, sino que son parte de ella. Un ejercicio que no pretende solamente documentar unos hechos acontecidos en Leganés durante los meses de enero a junio de 2014, sino revelar los ritmos colectivos de un proyecto intergeneracional comunitario donde la danza es la principal protagonista. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La presentación del nuevo espectáculo del Ballet Nacional ha sido algo muy especial. Tal vez porque sea la última producción con la que culminan los seis años como director de Antonio Najarro, y había un cierto sabor a despedida aunque  alejada de la tristeza. Antonio estaba acompañado por los bailarines principales de la compañía: Sergio Bernal, Eduardo Martínez, Inmaculada Salomón, Esther Jurado, Francisco Velasco y Aloña Alonso.  Están muy orgullosos de presentar este espectáculo con el que se conmemoran los 40 años del Ballet Nacional de España. Fue más que emotiva la presentación que hizo Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela, que felicitó efusivamente a Antonio Najarro por la gestión y defensa de la danza española, manifestando que el Ballet Nacional de España siempre tendrá abiertas las puertas del Teatro de la Zarzuela para lo que quiera. Antonio Najarro expuso que este espectáculo conmemorativo lo ha orientado como un homenaje a todos los directores y bailarines del BNE. No ha sido una selección fácil y la ha realizado tratando de que sean piezas representativas de cada período de las sucesivas direcciones, así como de los 4 estilos que conforman la Danza Española: bolera o clásico español, folklore, flamenco y danza estilizada. Todas las coreografías escogidas las considera unas joyas imprescindibles para el repertorio de la compañía. Además, nos cuenta, antes de que se abra el telón al público le aguardan sorpresas, tanto con proyección de fotografías como con el desfile de modelos de vestuario histórico. Desde los míticos Eritaña, Puerta de Tierra o Zapateado de Sarasate de Antonio Ruiz Soler, hasta el emblemático ballet Ritmos firmado por Alberto Lorca, pasando por la Danza IX de Betty, Concierto de Aranjuez de Pilar López, Soleá (La Leyenda) de José Antonio, Galicia (Romance) del gran Juanjo Linares, Fuenteovejuna del primer director de la compañía Antonio Gades, y obras de nueva creación como El Baile del ballet Sorolla, creación de Antonio Najarro y de Manuel Liñán o el estreno de la pieza Ícaro, coreografiada por Antonio Najarro para el Primer Bailarín de la compañía Sergio Bernal. El estreno de este espectáculo será el sábado 8 de diciembre de 2018, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, y será acompañado por la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) dirigida por los maestros Manuel Coves y Álvaro Albiach, así como los músicos flamencos del BNE y grandes artistas y músicos invitados como Dorantes, José María Gallardo del Rey, Eliseo Parra, Rafael de Utrera, Alberto Skuratov, Coni Lechner, Yolanda Criado, Isabel Martín.   Xavi Lozano, Sergio Di Finizio y la cantaora María Mezcle. Se representarán un total de 12 funciones hasta el 23 de diciembre de 2018. El Ballet Nacional de España, continuando con su labor de divulgación y conocimiento de la Danza Española a los más jóvenes, volverá a realizar dos funciones familiares de una hora de duración los sábados 15 y 22 de junio a las 17:00 horas. El programa estará integrado por Ritmos, Zapateado de Sarasate, Fuenteovejuna (extracto) y El Baile de Sorolla y está pensada para que las familias puedan asistir con los más pequeños y así poder disfrutar y conocer la Danza Española y su repertorio más emblemático. Era imprescindible preguntar a Antonio Najarro, si le hubiera gustado continuar dirigiendo la compañía nacional, y contesta que eso es algo imposible, por lo que no se lo plantea, pero sí que desearía que el próximo director siguiera teniendo en cuenta el legado cosechado durante estos seis años. PROGRAMA Primera Parte Eritaña Coreografía: Antonio Ruíz Soler Música: Isaac Albéniz/ Álvaro Albiach Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Figurines: Vicente Viudes Adaptación escenográfica: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario segunda producción: Sastrería González, Milagros González e Iñaki Cobos Calzado: Sansha Estreno absoluto el 28 de abril de 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona. Estreno el 28 de octubre de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. La Suite Iberia, que Isaac Albéniz compuso entre 1905 y 1909, año de su muerte, es una de las páginas fundamentales de la historia de la música española. Escrita inicialmente para piano, fue orquestada por Enrique Fernández Arbós y Carlos Surinach. Sobre esta monumental pieza compuso Antonio un ballet que se estrenó en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el 28 de abril de 1960. Dos décadas más tarde el Ballet Nacional lo incorporaba a su repertorio. Eritaña es la última pieza del cuarto cuaderno de la suite. Se trata de unas sevillanas que sirvieron a Antonio para dibujar una coreografía de escuela bolera, de virtuosismo técnico muy exigente, una encantadora y preciosista miniatura que evoca la luminosa Sevilla, donde se encontraba la famosa venta de la que toma su nombre esta obra. Concierto de Aranjuez (2º movimiento) Coreografía: Pilar López Música: Joaquín Rodrigo Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Artista invitado: José María Gallardo del Rey (guitarra) Diseño de Iluminación: Freddy Gerlache Diseño de Escenografía: Pedro Moreno basado en los diseños originales de 1952 de su maestro Víctor María Cortezo. Realización de Escenografía: Odeón Diseño de Vestuario: Pedro Moreno basado en los diseños originales de 1952 de su maestro Víctor María Cortezo. Realización de Vestuario: Ana Lacoma y Sastrería González. Calzado: ArteFyl y Gallardo Cesión de derechos: José Manuel Presa Estreno absoluto el 12 de abril de 1952 por la Compañía Ballet Español, en el Teatro Barcelona. Estreno el 13 de junio de 1979 por el Ballet Nacional de España en el Teatro Principal, Valencia. Joaquín Rodrigo, uno de los nombres imprescindibles de la música española del siglo XX, compuso la que es sin duda su obra más popular en 1939, en París, y la estrenó en Barcelona un año más tarde. Se trata de un evocador e inspirado concierto para guitarra y orquesta. La unánimemente respetada Pilar López no pudo reprimir su deseo de transformar esta pieza en una coreografía, y lo hizo en 1952, con su propia compañía. Antonio Gades, primer director del Ballet Nacional Español y devoto absoluto de Pilar López, a quien siempre se refirió como “su maestra”, lo incorporó inmediatamente. Se trata de una pieza de puro baile clásico español, siempre elegante y garboso, y que nos lleva a tiempos pasados. Para este aniversario, el Ballet Nacional de España ha querido recuperar el segundo movimiento, el archiconocido ''Adagio'', que Pilar López lo imaginó nocturno y en el que, dijo la propia coreógrafa, “cuatro galanes se ven atraídos, en los maravillosos jardines de Aranjuez, por la noches simbolizada por una mujer; la noche desaparece, saliendo cuatro doncellas sin poderlos conquistar. Ellos marchan en busca de la noche”. Puerta de Tierra Coreografía: Antonio Ruíz Soler Música: Isaac Albéniz Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Figurines: Carlos Viudes Diseño de Iluminación: Ginés Caballero (AAI) Diseño de Escenografía: José Antonio Diseño de Vestuario: Carlos Viudes Realización de Vestuario de mujer: Milagros González, J. M. Dobble-T S.L. Y vestuario de hombre: Sastrería Gonzalez y Milagros González. Estreno absoluto en 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona. Estreno el 16 de agosto 1980 por el Ballet Nacional de España, en el Entoldado plaza mayor de Gijón. Regreso a Antonio Ruiz Soler, a Isaac Albéniz y a la Escuela Bolera. “Puerta de tierra” –un bolero cuyo título hace referencia a uno de los más significativos monumentos de la ciudad de Cádiz– es una de las piezas que integran los “Recuerdos de viaje” del compositor gerundense. Antonio Ruiz Soler lo incluyó en su programa homenaje al músico y con su coreografía quiso rendir homenaje a “la tacita de plata”. Es un dúo de escuela bolera a la vez vibrante, como lo es la música, y elegante, de máxima exigencia técnica para los bailarines, pero que les permite mostrar su virtuosismo y desplegar sus facultades. Fuenteovejuna (Lavanderas, paso a dos y pelea) Coreografía e iluminación: Antonio Gades Adaptación: J. M. Caballero Bonald y Antonio Gades Música: Antonio Solera, Antonio Gades, Antón García Abril, Modest Mussorgsky, Faustino Nuñez Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Realización de escenografía: Pinto Realización de vestuario: Ana Lacoma, González Ambientación y vestuario: Pedro Moreno Zapatería: ArteFyL Grabación: Tito Saavedra, Studio Red Led (Madrid) Cesión de derechos: Fundación Antonio Gades Estreno absoluto el 20 de diciembre de 1994 por la Compañía de Antonio Gades, en el Teatro Carlo Felice de Génova. Estreno el 15 noviembre 2001 por el Ballet Nacional de España en el Teatro de la Maestranza, Sevilla. La magnífica obra de Lope de Vega fue el punto de partida para la que fue la última creación de Antonio Gades, sin duda el gran renovador de la danza española de la segunda mitad del siglo XX, y una de los coreógrafos contemporáneos con mayor capacidad dramática -al igual que, en la danza contemporánea, lo fue Maurice Béjart-. Gades quiso contar esta historia de solidaridad a través del folclore español y convertirla en una obra que sabe fundir el folclore más añejo y abrazado a la raíz con las formas teatrales más avanzadas, en una obra que eleva a la categoría de arte danzas y cantares enterrados en la tradición. El Ballet Nacional, que la incorporó a su repertorio en el año 2001, presenta varios fragmentos. En uno de ellos, Las lavanderas -sirva de anécdota- supo Gades que debía dejar de bailar. “En este momento -recordaba-, yo me acercaba a Laurencia, que estaba lavando en el río, para ayudarla, y yo pensaba: 'Pero niña, si yo tengo edad ya de comprarte una lavadora'”. La leyenda (Soleá) Idea original y coreografía: José Antonio Música: José Antonio Rodríguez Artista invitado: Rafael de Utrera Cantaora invitada: María Mezcle Músico invitado: Sergio Di Finizio, bajo Diseño de iluminación: Juan Gómez Cornejo (AAI) y Paloma Contreras Diseño de vestuario: Pedro Moreno Diseño de escenografía: José Antonio Realización de vestuario: Sastrería González Realización de escenografía: Mambo decorados Calzado: Arte y Fyl Estreno absoluto el 15 de septiembre 2002 por el CAD en el Teatro de la Maestranza. Estreno el 17 de marzo de 2005 por el Ballet Nacional de España en el Grand Theatre de Hong Kong Cultural Centre. Carmen Amaya es una de las grandes leyendas de nuestro baile. No es extraño que José Antonio titulara así esta coreografía, que rinde homenaje a una mujer que significó un antes y un después en el flamenco. Nacida en Barcelona el 2 de noviembre de 1918 y fallecida en Bagur (Girona) el 19 de noviembre de 1963, su baile, al decir de quienes la vieron y de las escasas imágenes que nos han quedado de ella, era potente, temperamental: el rayo y el trueno de una tormenta en un menudo cuerpo de apenas metro y medio de estatura. Nacía el baile de las entrañas de una mujer que tuvo que sobreponerse en muchas ocasiones al dolor físico y cuya personalidad le permitió llevar a su compañía de flamenco por todo el mundo. Con La leyenda, José Antonio quiso rendir homenaje a La Capitana –el sobrenombre por el que se conoció a la gitana del Somorrostro–. La Soleá que se presenta en este programa, y que interpretan tres bailarines, es un fragmento de esta coreografía en la que se refleja esa fuerza telúrica de una bailaora tan mítica como única. Zapateado de Sarasate Coreografía: Antonio Ruíz Soler Música: Pablo Sarasate Músicos invitados: Albert Skuratov, violín y Coni Lechner, piano. Vestuario: José Antonio Arroyo Calzado: Gallardo Iluminación: Ginés Caballero (AAI) Estreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México. Estreno el 14 de junio de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Las crónicas hablan de Pablo Sarasate como uno de los mayores virtuosos de la historia del violín. Para este instrumento son su medio centenar de composiciones, la mayoría de ellas de marcada inspiración popular, como este Zapateado, que Antonio llevó a escena en el año 1964, como un solo masculino en el que demostrar –lo creó para él mismo– sus facultades y su virtuosismo. Es una pieza que permite el lucimiento del bailarín y que combina la bravura con la delicadeza, en la que los pies, le dijo a Cristina Marinero “hablan, no dan patadas”. Romance (Galicia) Coreografía: Juanjo Linares Música: Eliseo Parra Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Artista invitado: Eliseo Parra, voz, arpa de boca y pandero Músicos invitados: Yolanda Criado e Isabel Martín, voces, Xavi Lozano, gaita Escenografía: Manuel Mora Figurines: Juanjo Linares modificados por Nicolas Vaudelet para la producción Sorolla Iluminación: Carlos Guerrero, Rafael Yunta Realización de vestuario: Peris Realización de decorados: Enrique López Calzado: Gallardo Estreno por el Ballet Nacional de España el 18 de septiembre de 1996, Teatro de La Zarzuela, Madrid. La recordada Mariemma dividió la danza española en cuatro categorías: escuela bolera, danza estilizada, flamenco y folclore. De las cuatro, ésta última es actualmente la más olvidada, en parte por ese prurito “modernista” que asocia equivocadamente a nuestro folclore con el régimen franquista, con sus Coros y Danzas y su Sección Femenina. Pero el folclore español, riquísimo y variadísimo, no solo es el corazón de nuestra música clásica y nuestra danza, sino una expresión artística de primer nivel cuando se cuida. Y en Romance Juanjo Linares, uno de los mayores custodios del folclore español de las últimas décadas; y Paco Azorín, el máximo exponente del baile de la jota, vistieron de gala esta rama de nuestra danza. El Ballet Nacional presenta Galicia, un poderoso dúo al que acompaña el cuerpo de baile, en el que se estiliza el baile de esta región noroccidental. Segunda Parte Ritmos Coreografía: Alberto Lorca  Música: José Nieto Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Diseño de Iluminación: Freddy Gerlache (AAI) Diseño de Figurines: Pin Morales, Román Arango Realización de Figurines: Juanita Muro, González Calzado: Gallardo, Artefyl Estreno absoluto en el Teatro de La Zarzuela el 13 de julio de 1984, por el Ballet Nacional de España. En la danza española puede hablarse de un antes y un después del 13 de julio de 1984. Aquel día el Ballet Nacional de España presentaba en la Zarzuela un programa que, más de tres décadas después, permanece indeleble en la memoria de quienes lo vieron. Una de las piezas que se presentaron allí es Ritmos, una obra que Alberto Lorca dedicó a uno de los mitos de la danza española, Encarnación López “La Argentinita”. Lorca hizo con esta coreografía lo mismo que George Balanchine hizo, respecto a la danza clásica, con piezas como Tema y variaciones. La música de José Nieto –una partitura tan “heterodoxa” como fascinante– sirve de marco a unos movimientos de danza clásico-española pura, a un catálogo de pasos en un trabajo dominado por la abstracción y lleno de magnético dinamismo. Danza IX Coreografía: Victoria Eugenia Música: Enrique Granados y Ernesto Halffter Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Diseño de Iluminación: Freddy Gerlache (AAI) Realización de Vestuario: Milagros González Calzado: Gallardo Estreno absoluto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 13 de diciembre de 1985, por el Ballet Nacional. Una emblemática pieza de Enrique Granados (con orquestación de Ernesto Halffter), procedente de sus Doce danzas españolas, es la base para este solo creado por Victoria Eugenia, “Betty”, una de las más entrañables figuras de nuestro baile, que conoce, ama y sabe cómo transmitir. Danza IX –la partitura se denomina “Mazurca” o “Romántica”– es una obra clásica, llena de elegancia, de finura, de gracia; una pieza destinada al lucimiento de una bailarina garbosa y musical, y en la que los palillos tienen un papel destacado. Ícaro Coreografía: Antonio Najarro Música: Dorantes Artista invitado: Dorantes, piano Iluminación: Juan Gómez Cornejo (AAI) Vestuario: Yaiza Pinillos Realización de vestuario: Gabriel Besa Calzado: Gallardo Estreno absoluto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 8 de diciembre de 2018, por el Ballet Nacional de España. Se trata de una pieza creada especialmente por Antonio Najarro, actual director del Ballet Nacional de España, para celebrar el 40º aniversario de la compañía. Un solo que cuenta con música de Dorantes, una de las grandes figuras del piano flamenco. El mito griego de Ícaro, el hombre que escapó de Creta junto a su padre, Dédalo, gracias a unas alas de cera construidas por ellos mismos, es el punto de partida de esta coreografía. La suerte de los dos fue dispar, ya que Ícaro quiso volar demasiado alto, a pesar de las advertencias de Dédalo, y el sol derritió sus alas, cayendo al mar mientras su padre arribaba felizmente a Sicilia. Sorolla (El baile) Idea Original: Antonio Najarro Director de escena: Franco Dragone Coreografía: Manuel Liñán y Antonio Najarro Música: Juan José Colomer, Enrique Bermúdez y música popular Dirección Musical: Manuel Coves (8 y 9 diciembre) y Álvaro Albiach (resto de actuaciones) Orquesta: Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Cantaora invitada: María Mezcle Asistente del Director de escena: Pascal Jacob Diseño de Figurines: Nicolas Vaudelet Diseño de Iluminación: Felipe Ramos y Ginés Caballero (AAI) Diseño de Escenografía: Vincent Lemaire Realización de Vestuario: Milagros González y fondos del BNE Calzado : Gallardo Estreno absoluto en Las Naves del Español, Matadero de Madrid, el 12 de junio de 2013 por el Ballet Nacional de España. La recuperación del folclore es el motor de esta coreografía, en la que Antonio Najarro quiso dar un paso adelante dentro del modo de hacer de la danza española. La dirección es de Franco Dragone, uno de los creadores del Cirque du Soleil, y el vestuario del prestigioso diseñador francés -pero vinculado a España- Nicolás Vaudelet. La colección de cuadros “Visión de España”, creados por Joaquín Sorolla en 1911 por encargo de la Hispanic Society de Nueva York, al igual que la coreografía, hace un recorrido por distintas regiones españolas, como Castilla, Aragón. Navarra, Gipuzkoa, Sevilla, Galicia, Cataluña, Valencia, Extremadura, Elche y Ayamonte, y lo hace a través de los cuatro estilos de nuestra danza: baile clásico-español, escuela bolera, flamenco y folclore, que constituye la columna vertebral de esta obra. En esta gala de aniversario se presentan los fragmentos que cierran la coreografía, y que recrean, con flamenco, el cuadro quizás más popular de la serie: “El baile”. PAOLA PANIZZA

El coreógrafo Ángel Rodríguez acaba de regresar a Madrid después del montaje de su ballet "Black to say Silence" por el Györi Ballet de Hungría, una obra en dos actos para 17 bailarines, que fue creada en 2012 para Tanz Company de Innsbruck-Austria. La obra ha sido revisada para la compañía húngara y estrenada como Tributo al Centenario del final de la Primera Guerra Mundial. Ángel se inspiró en la Guerra Civil Española, y trata de la huella que deja el paso triste de una guerra en el ser humano, un drama que lamentablemente no para de suceder, y por eso podríamos trasladar su historia y mensaje a cualquier guerra. Y escribe estos pensamientos que están impresos en el programa: "Con la fragilidad de una gota de agua en medio de la lluvia, el ser humano se diluye como papel mojado desapareciendo en las manos de un terrible extraño. La felicidad se rompe bajo el deseo y afán de poder, sacrificando todo alrededor suyo para sentirse fuerte y dominante. El silencio se convierte en oscuridad y nos ciega destruyendo nuestros sentidos. Recordando un pasado en la historia que no se debería olvidar, a pesar de no quererlo recordar. Intentando superar el sufrimiento de la destrucción construimos esperanza abriéndonos a mundo mejor" P-¿Qué tal ha ido todo por Hungría? -Fenomenal. Ha sido muy intenso. Muchas emociones... P-¿Cómo es este ballet? -La obra para mí, es un poema, donde se habla del amor y de la vida, y que se desarrolla en una horrible circunstancia como es una guerra. Todo el proceso de trabajo ha sido precioso y muy enriquecedor. Los bailarines en la compañía han sido generosos y han trabajado muchísimo. P-¿En cuánto tiempo habéis montando la obra? -Imagínate que lo hemos hecho solo en un mes y medio, y en ese tiempo hay que hacerlo todo, desde la audición para seleccionar a los bailarines, que lo hicimos nada menos que en dos días y al tercero ya comenzábamos los ensayos... P-¿Cómo es el Györi Ballet? -Es una compañía de cerca de 30 bailarines, entre los que escogí pues únicamente necesitaba con 8 mujeres y 9 hombres, el resto aprenderían segundos elencos. Györ es la ciudad más importante del noroeste de Hungría, capital de condado Györ-Moson-Sopron. Está situada a medio camino entre Budapest y Viena. P-¿Aprendieron rápido los bailarines? -Los primeros días de ensayos fueron duros, porque aunque los bailarines son de base clásica, mi lenguaje era muy distinto al que ellos están acostumbrados. Esa primera semana de trabajo hasta se resentían a nivel muscular, teniendo dolores en algunos músculos que ni pensaban que podrían tener... P-Me imagino lo complicado que resulta llegar a un lugar y tener que montar algo de la nada, porque también la escenografía y el vestuario necesitan su proceso de confección... -Al mismo tiempo que empezábamos a ensayar, se iba trabajando con la escenografía, realizada por Andrea Kuprian, escenógrafa austriaca. P-¿Cómo es la escenografía? -Es un muro móvil de grandes dimensiones, dividido en 2 partes y que los propios bailarines mueven durante la obra, creando diferentes espacios y separando mundos. Este muro era muy importante tenerlo en el estudio para que los bailarines lo pudieran hacer suyo, lo tuvieran siempre presente como elemento importante de la obra y les ayudara también a entender mejor lo que pasaba en cada momento. Cada día se tenía que montar y desmontar para poderlo usar en el estudio, pues al ser de una tamaño considerable, no podía estar dentro del estudio siempre ya que quitaba mucho espacio para la clase diaria. P-Habréis trabajado muy duro. -Sí, pero así como en un principio te enfrentas a tantas dificultades, poco a poco, día a día, semana tras semana, las cosas evolucionan encontrando su forma. Los bailarines iban cogiendo más confianza e iban haciendo más suyo el movimiento, y los dolores iban desapareciendo. Después de unas semana de duro trabajo, terminamos de enseñar la obra completa. P-¿Es gratificante ese momento en que los bailarines ya se saben los pasos de tu coreografía? -Mucho, porque en ese momento en que lo hemos conseguido es cuando empezamos a profundizar en el significado de cada escena, de contar la historia, de entender cada momento y los porqués de ellos. P-¿Es un ballet que cuenta una historia? -Sí, por ello existe una pareja principal, que lleva el peso narrativo. Todo tenía que estar muy claro para que el público entendiera cada paso, y se pudiera dejar llevar entrando desde el principio hasta el final en lo que estaba sucediendo en escena. P-¿Lograste que el público lo comprendiera?¿Cómo puedes saberlo? -Es algo que se siente, y también hay personas que te lo cuentan, como un señor del público que me dijo que "todo el mundo tenía que ver esto, los niños y los mayores, estamos todos muy sensibilizados, por lo que la guerra hizo en este país y no se podía encontrar mejor forma para hablar de lo que pasó como tú lo has hecho, lo que hemos visto ha sido algo mágico". P-¿Lo veremos en España algún día? -El día 21 de Noviembre la compañía estrena en Budapest. Espero que se pueda ver algún día en España, la compañía está en ello. P-Pues me encantaría que fuera así, recuerdo cuando me mostraste tus propios dibujos de los figurines ¿Los haces tú mismo? -Me gusta hacerlos, en mi caso te confieso que ese proceso de concebirlos y dibujarlos me ayuda a visualizar mejor el resultado final. Tuvimos que hacerlos también durante el tiempo de los ensayos. P-¿Cómo es la música de "Black to say Silence"? -Es una composición de Fernando Lázaro, un músico español nacido en Albacete, que ha sido el creador de la partitura. Una música con muchísima sensibilidad, llena de matices, y que ayuda a soportar el guión. Trabajé mucho con él, fue un proceso muy bonito, creativo, de búsqueda y cuyo resultado ha aportado muchas de las cosas que buscaba decir en cada momento. P-Se nota que estás muy contento con este ballet. -He vivido momentos muy gratificantes porque cuando estrenas te das cuenta todo los que lo vivimos lo mucho que hemos aprendido mutuamente. Es muy gratificante ver crecer la pieza, y sentirles felices. Todo eso te hace crecer como profesional y como ser humano. Te hace afianzar cada vez más tu forma de trabajo. P-¿Hay muchos nervios el día del estreno? -Cuando llega ese anhelado día, lo que me parecía mentira es que se hubiera pasado todo tan rápido. Es fascinante sentir cómo pasa el tiempo cuando disfrutas lo que haces. Parecía que hacía 2 días que conociste a todos los bailarines y ya estabas deseando toi toi toi a todos, y abrazando a cada uno de ellos poniendo plena confianza en lo que habían conseguido durante esas semanas. El estreno fue increíble, todo el mundo feliz y transmitiendo alegría por lo que se había visto en el escenario. Todos los bailarines me daban las gracias y yo no podía hacer otra cosa que ser quien les agradeciera a ellos de todo corazón su esfuerzo. P-¿Estás agradecido? -Muy agradecido a todos, especialmente al director de la compañía, Kiss Janos, por su invitación y confianza en mi trabajo en todo momento, y a todo el equipo que ha hecho posible que salga adelante "Black to Say Silence". También quiero dar las gracias a Andrea, mi asistente, que a pesar de accidentadas circunstancias, ha estado ahí, a mi lado, entregándose al máximo. Gracias bailarines porque sois nuestro pincel y nuestros colores, no existiría el cuadro sin todos vosotros. Mercedes Albi Fotografías Oros Sandor

Durante los pasados días 16, 17 y 18 de noviembre se ha celebrado en la ciudad de Sevilla, el V Congreso Nacional y II Internacional “La Investigación en Danza”. Ha sido organizado por la Asociación Española D más I Danza e Investigación conjuntamente con el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS). En dicho congreso se han congregado más de 140 profesionales para debatir sobre la danza. Los organizadores pretenden que el congreso se convierta en un referente para los estudiosos, investigadores y todos los profesionales que estén relacionados con la danza. El congreso se ha desarrollado en tres sedes: El espacio Turina, la Facultad de Bellas Artes y el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS). Mi intervención la realicé el día 17 de noviembre a las 12:00 horas, en la Facultad de Bellas Artes. La comunicación que presenté fue producto de la investigación conjunta de la investigadora Carolina Valenzuela Vásquez (especialista en metodología Montessori), y yo, Doctora en Artes Escénicas por la URJC, y especialista en Danza tradicional. El tema elegido para este congreso ha sido “La metodología Montessori y el uso de la danza tradicional como herramienta principal en el desarrollo del aprendizaje participativo y colaborativo en el niño”. En la investigación realizada utilizamos una estrategia didáctica integradora en la que integramos en un sólo proceso los objetivos del método Montessori y el método de enseñanza de la danza tradicional, realizada en Alarcón (2015), investigación sobre el análisis y estudio de tratados y manuscritos de danza desde los siglos XV hasta el siglo XX con el propósito de darle una base científica a la creación de un método de enseñanza de la danza tradicional. Nuestra experiencia ha sido muy satisfactoria, la organización ha sido muy cuidada y con rigor. Las actas presentadas durante los días en los que ha tenido la celebración del Congreso, han sido publicadas en un libro titulado: “La investigación en Danza, Sevilla 2018”, ha sido editado por Mahali ediciones, y puede ser adquirido en librerías. ESTELA ALARCÓN

ESTRENO ABSOLUTO, tres únicas funciones del 16 al 18 de noviembre en la Sala Negra Una interacción que busca crear sinergias entre los bailarines, que servirán como herramienta artística, y los jóvenes creadores Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de JEUX Nijinski /Русскиебалеты y Los hijos más bellos, coreografías de Kor’sia y La Phármaco respectivamente interpretadas por los bailarines del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Con entradas agotadas, este espectáculo producido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid estará en tres únicas funciones los días 16, 17 y 18 de noviembre. El Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, residente en Teatros del Canal, establece sinergias con el Centro Danza Canal, estrenando un programa doble que ha permitido a los directores de Kor’sia y La Phármaco, compañías jóvenes que han desarrollado sus trabajos recientes en las residencias del CDC, disponer del numeroso elenco y recursos de la compañía de la Comunidad de Madrid. Una alianza entre la veterana agrupación y artistas emergentes imprescindibles que ha posibilitado el estreno de dos nuevas producciones con los potentes bailarines de Ullate: JEUX Nijinski y Los hijos más bellos. En JEUX Nijinski, los directores de Kor’sia evocan una de las obras menos conocidas de las pocas que creó para los Ballets Rusos el genio de Nijinski. No se trata de una reproducción ni una adaptación de este título estrenado en 1913, sino más bien de una reflexión alrededor del momento y el contexto que rodeó la creación de este trabajo que, como todos los suyos, fue una coreografía visionaria y adelantada a su tiempo. La inspiración le vino una noche en la que, estando en Beldford Square, en Londres, vio jugar al tenis a tres miembros del llamado Grupo de Bloombsbury, una élite intelectual liberal, a la que pertenecían artistas como Virginia Woolf o E. M. Forster, que luchaban en contra de la moral victoriana y avalaban un pensamiento moderno y adelantado acerca del feminismo, el pacifismo y la sexualidad. En otra órbita de la creación se ubica el trabajo realizado por Luz Arcas para su compañía La Phármaco. Dueña de una obra introspectiva y reflexiva, preocupada por costumbres ancestrales como los rituales, las ataduras telúricas o la herencia del folclore, se vuelca ahora en un cuestionamiento de la noción de belleza en Los hijos más bellos. Desde luego no se trata de una reproducción de los estereotipos de belleza conocidos. Es más bien una reflexión acerca de la vinculación no siempre evidente entre la belleza y asuntos como el poder, la muerte o el sacrificio, tema este que ha sido una obsesión de su trabajo. Pascal Quignard y su propuesta El origen de la danzasuponen un punto de partida para Luz Arcas, que encontró mucha verdad y autenticidad en esta frase inspiradora: “Toda nación adora sacrificar a sus hijos más jóvenes, los más bellos, cuando llegan a la edad de la adolescencia. Toda nación adorna esas muertes con cantos. La Madre Patria venera a las jóvenes víctimas muertas en sus monumentos, en sus esculturas, en sus arcos de triunfo. Las acompaña en las marchas militares, las honra en las fiestas nacionales, las nombra en los días feriados con danzas, cortejos y ceremonias, con fuegos militares, con desfiles solemnes”. Después de 30 años, el maestro cede el testigo de la dirección artística, que durante 20 años estuvo en manos de Eduardo Lao, a su alumna más brillante, la bailarina vasca Lucía Lacarra, que tras años de esplendor en Alemania como intérprete, regresa a sus orígenes en Madrid, donde seguirá bailando y llevará desde ahora las riendas artísticas de la agrupación de la Comunidad de Madrid. Estreno absoluto País: España Duración: 1 hora (con intermedio) KOR´SIA JEUX Nijinski / Русскиебалеты Intérpretes: Min Kyung Lee, Kana Nishiiue, Keiko Oishi, Óscar Comesaña, Jordan Kindell, Alejandro Moya Dirección: Mattia Russo y Antonio de Rosa Coreografía: Mattia Russo y Antonio de Rosa, en colaboración con los intérpretes Asistente de la coreografía: Gianluca Battaglia Dramaturgia: Giuseppe Dagostino Música: varios artistas Voz: Patricia Rezai Espacio sonoro: Luis Miguel Cobo Asesoría artística y texto: Agnés López Río Escenografía: Kor´sia Diseño de vestuario: Adrián Bernal Accesorios de vestuario: Betto García Realización de vestuario: Alejandro Larrea Iluminación: Luis Martínez Realización escenográfica: Francisco Padilla Producción: Gabriel Blanco (Spectare) Foto: María Alperi Vídeo: Jorge Cantos LA PHÁRMACO Los hijos más bellos Intérpretes: Martina Giuffrida, Manuela Medeiros, Ana Noya, Kozue Tashiro, José Becerra, Mariano Cardano, Charly de Groote, Matthieu Quincy, Avery Reiners Dirección y dramaturgia: Luz Arcas y Abraham Gragera Coreografía: Luz Arcas en colaboración con los intérpretes Composición musical: Hugo Gómez-Chao Porta Voz: David Azurza Violoncello: Aurora Martínez Piqué Diseño de iluminación: Jorge Colomer Diseño de vestuario: Heridadegato Fotografía y vídeo: Virginia Rota Ayudante de coreografía: Paula Montoya Asistencia de coreografía workshop: Elena González-Aurioles, Begoña Quiñones, Paula Montoya Diseño web: María Peinado Producción ejecutiva: Gabriel Blanco, Marta López Caballero, Laura Ortega (Spectare) Coproducción: Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid

En el Ateneo de Madrid se está preparando una actividad muy especial, dentro del ciclo de conciertos Manuel de Falla, su director, José Manuel Henández Blanco ha confiado en la maestra y bailarina Malena Mexía la dirección artística del espectáculo “La Escuela Bolera: tradición y creación propia”. Es un exquisito concierto de cámara en el que danza y música van de la mano y que anhela recuperar aquella tradición de los recitales de danza bolera, casi inexistentes en la actualidad; así los bailarines, Mario García, Cristina Cazorla y Soujung, y la propia Malena, bailarán la música interpretada al piano por Noelia Cofreces, con el violín de Víctor Ambroa y Jorge Gil al violonchelo. Malena y José Manuel vienen a ultimar los detalles del espacio donde se celebrará dicho evento el próximo 25 de noviembre, el Salón de Actos, un lugar emblemático para la historia cultural de nuestro país. Así pues, se trata de homenajear al pasado desde este presente y poder proyectarnos hacia el futuro con las sólidas raíces del arte español. -Pregunta.- ¿Cómo tienes la idea de organizar este ciclo de conciertos? -José Manuel.-La primera vez que escuché en mi casa, en mi adolescencia, un CD de “El Sombrero de Tres Picos” de Manuel de Falla, sentí algo muy especial, era una música que me atrapaba ya que, de alguna manera, estaba muy apegada al flamenco que tanto escuché, vi y disfruté desde niño. Poco a poco fui descubriendo un músico, y una música, con los que me sentía plenamente identificado. Según iba escuchando, estudiando o analizando sus obras, me fui dando cuenta de que Falla no era un compositor más para mí, era alguien que se había convertido, sin duda alguna, en un referente. Esa devoción fue creciendo con “La Vida Breve” (y la maravillosa Victoria de los Ángeles), las “Noches en los Jardines de España” (de la irrepetible Alicia de Larrocha), ”El Amor Brujo” (con la gran Rocío Jurado) o el magistral “Retablo de Maese Pedro”. Por ello he decidido volcar mis conocimientos, mis gustos y mis afinidades hacia este ciclo, como un merecido homenaje al que yo considero el mejor compositor español de todos los tiempos, exceptuando los renacentistas. P.-¿Cómo es el espectáculo que has diseñado? Malena.- Este espectáculo busca recuperar parte de las danzas españolas de la Escuela Bolera del siglo XVIII y XIX y, por otro lado, poner en escena nuevas creaciones. La calidad de los bailarines actuales permite realizar danzas nuevas acordes a un actual modo de sentir y de moverse, sin olvidar la tradición y el respeto por lo antiguo. Así como poner en valor y recuperar el recital de piano y castañuelas. El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" ha querido dedicar un concierto en exclusiva a la danza de zapatilla y castañuelas, de una inmensa belleza, que en parte se está perdiendo. P.-¿Por qué escogisteis el Ateneo para la exhibición del ciclo? José Manuel.- La razón principal es que se trata de una institución muy relacionada con Manuel de Falla. Fue en el Ateneo, el 15 de enero de 1915, en un homenaje conjunto que se hizo a Manuel de Falla y a Joaquín Turina, donde se estrenaron las "7 Canciones Populares Españolas" con el mismo Falla al piano. Aquí ya celebramos dos conciertos en el 2017. Este es el cuarto que llevamos a cabo en el Ateneo en el 2018, dentro del Ciclo Manuel de Falla, Aunque la idea la concebí cuando estaba en New York. P.-¿Por qué en New York? José Manuel.-Viví allí 5 años y cuando estaba allí en 1996, se conmemoraba el 50 aniversario de la muerte de Manuel de Falla (1946) y se hicieron un montón de eventos en su memoria tanto en España como fuera. Esa idea quedó latente en mi cabeza y, en el año 2012, configuré un ambiciosísimo "macroproyecto" titulado "Alrededor de Manuel de Falla", en el que se recorría toda la vida del compositor a lo largo de 10 conciertos, tanto de música de cámara como de flamenco, y 5 actividades paralelas, entre las que había conferencias, conferencias ilustradas y una exposición. Pero, debido a la crisis y a lo ambicioso del proyecto no se pudo llevar a cabo. Finalmente, a través de Antonio Vaquero, el entonces vicepresidente de la Casa de Granada en Madrid, la temporada 2014-2015 surgió la idea de organizar un ciclo de conciertos en la misma Casa de Granada, bajo el nombre de Manuel de Falla, con motivo del centenario del estreno de la obra "El Amor Brujo" que se produjo en el Teatro Lara de Madrid en 1915. Se empezaron a alternar recitales de música de cámara y de flamenco, ya que pensamos que "El Amor Brujo" es la obra de la historia de la música en la que mejor se entrecruzan la música clásica y el flamenco. En otoño de 2014 hicimos 2 conciertos introductorios, y esas navidades conseguimos la autorización de los herederos de Manuel de Falla y del Archivo Manuel de Falla de Granada, y por eso el ciclo lleva ahora su nombre. P.-¿Qué piensas sobre la unión de música y danza? José Manuel.-A mí me parece un binomio bellísimo, cuando está tratado con elegancia. Y algo me hace pensar que a Falla le ocurría lo mismo. La obra de Manuel de Falla está llena de música escrita para la danza: La ópera "La Vida Breve", tiene 2 danzas sinfónicas que se han bailado en multitud de ocasiones. "El Sombrero de Tres Picos" es un ballet completo. "El Amor Brujo" se compuso expresamente para Pastora Imperio (1915), que por encima de todo, era bailaora. Posteriormente, cuando "El Amor Brujo" se convirtió en un ballet (1925), la gran protagonista fue Antonia Mercé "La Argentina". Malena.-Poder dedicar un día en exclusivo del ciclo Manuel de Falla a La Escuela Bolera, de alguna manera es también un reconocimiento a tantos grandes nombres de la danza española, Antonia Mercé, Mariemma, Antonio Ruiz Soler, etc... que han intentado cuidar esta danza lo máximo posible. Es muy importante darle difusión a nuestro arte porque está en peligro de extinción. P-Se te ve muy ilusionada, Maleni. -Malena.-Y lo estoy, tengo mucho que agradecer. No quiero olvidarme de dar las gracias al Conservatorio Profesional de Danza Mariemma por todo el apoyo. Y también hay algo que quiero contar: en el programa hay 2 piezas de coreografía antiguas. P-¿Cuáles? Malena-El Bolero Puerta de Tierra es la coreografía de Antonio El Bailarín, pues me ha autorizado para ello expresamente su albacea, Ramón Ariño; además, hay una coreografía de Mariemma, Castilla, de Albéniz. P-¿Es el vestuario de los bailarines de inspiración clásica? Malena-Los vestidos que vamos a utilizar son preciosos, una gran parte nos los han prestado pues pertenecen a los fondos del Real Conservatorio de Danza Mariemma, tenemos algunos que son joyas con una historia detrás, hay dos vestidos de Mariemma, y pertenecientes a la compañía de Ballet Español de Alberto Portillo luciremos dos vestidos de mujer y una chaquetilla bolera. P-Seguro que va a ser un recital inolvidable y tendréis un gran éxito, pues merece la pena recuperar los conciertos de cámara boleros, algo tan escaso en nuestros días. Os agradezco que escogierais hacerlo el Ateneo de Madrid. Leer + ACCESO COMPRA ENTRADAS

El V Congreso Nacional y II Internacional La Investigación en Danza que organiza la Asociación Española D más I: Danza e Investigación conjuntamente con el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS), tendrá lugar en Sevilla del 16 al 18 de noviembre de 2018. Desde su constitución, por deseo expreso de sus socias fundadoras, la principal actividad de la Asociación Española D más I: Danza e Investigación ha sido la preparación y celebración de un congreso nacional bianual dedicado a la investigación de la Danza, una empresa compleja que permite aunar y desarrollar al mismo tiempo varios de los objetivos recogidos en sus estatutos. Se trata de un ambicioso proyecto, con continuidad y visión de futuro, del que ya se han realizado cuatro ediciones, y que pretende llegar a convertirse en un referente para estudiosos, investigadores y profesionales de la Danza. Edición I: El I Congreso Nacional La Investigación en Danza en España tuvo lugar en 2010 en Murcia, en la Facultad de Letras del Campus de La Merced. Las entidades organizadoras fueron la Asociación Española D más I: Danza e Investigación y la Universidad de Murcia. Fue el primer paso de un camino que continuó dos años más tarde en Barcelona. Edición II: El II Congreso Nacional La Investigación en Danza en España se celebró en 2012 en Barcelona, en dos sedes distintas: El Graner-Espacio de Creación y la Facultad de Psicología, Ciencias de la Educación y del Deporte Blanquerna. En esta ocasión la organización se coordinó con la Universitat Ramon Llull. Edición III: Fieles al espíritu abierto y multiterritorial que respira la asociación, el III Congreso Nacional La Investigación en Danza en España se celebró en Bilbao en 2014; esta vez organizado en colaboración con la Universidad del País Vasco/EHU. Esperamos que haya sido un eslabón más de la larga cadena de encuentros que la Asociación Española D más I: Danza e Investigaciónanhela ofrecer poco a poco, hasta lograr que dos facetas de la Danza, la artística y la investigadora, se conviertan en prácticas estrechamente relacionadas entre sí. Edición IV: Celebrado en Valencia en 2016, el IV Congreso Nacional y I Internacional La Investigación en Danza, organizado por la Asociación Española D más I: Danza e Investigación conjuntamente con la Universitat Politècnica de València, fue el primero de carácter internacional y, además de incluir ponencias, comunicaciones orales y pósteres científicos, abrió las puertas a la presentación de dos nuevas modalidades: comunicaciones de obras audiovisuales y comunicaciones de obras escénicas, promoviendo así la investigación performativa en Danza. En este 2018 el V Congreso Nacional y II Internacional La investigación en Danza tendrá lugar los siguientes días en las sedes: Viernes 16 de noviembre de 2018: Espacio Turina y Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Sábado 17 y domingo 18 de noviembre de 2018: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS). ACCEDA AL PROGRAMA COMPLETO Inscripciones en danzamasinvestigacion.com La dirección de este congreso está a cargo de Marta Carrasco Benítez (Asociación Española DmásI: Danza e Investigación / Periodista y Crítica de Danza), Luis Méndez Rodríguez (Director del Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla – CICUS) y Rocío Plaza Orellana (Profesora de la Universidad de Sevilla / Investigadora y escritora). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El próximo domingo 25 de noviembre de 2018, a las 12:30 de la mañana, tendrá lugar en el salón de actos del Ateneo de Madrid, y dentro del ciclo de conciertos "Manuel de Falla", el espectáculo “LA ESCUELA BOLERA: TRADICIÓN Y CREACIÓN PROPIA”. PROGRAMA -Folia, A. Corelli Intérpretes: Bailarines, V. Ambroa, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Malena Mexía (1653-1713) -Fandango en re menor (extracto) (Arreglos: C. Galán, A. Gorrachategui) Padre A. Soler Intérpretes: M. García, V. Ambroa, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Malena Mexía (1729-1783) -Sonata en fa menor, K. 239 D. Scarlatti Intérpretes: Bailarinas, N. Cofreces. Coreografía: Malena Mexía (1685-1757) -Seguidillas manchegas (Arreglos: A. Martín) F. A. Barbieri Intérpretes: Bailarines, V. Ambroa, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Popular (1823-1894) -Bolero Real A. Martín Intérpretes: Bailarines, V. Ambroa, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Malena Mexía (1980) -Sonata en Mi Mayor. K. 380 D. Scarlatti Intérpretes: N. Cofreces (piano), Malena Mexía (castañuelas) -Seguidillas Morenas / Sevillanas Boleras A. Martín Intérpretes: Bailarines, V. Ambroa, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Popular, Malena Mexía (Seguidillas) -Requiebros G. Cassadó Intérpretes: C. Cazorla, J. Gil, N. Cofreces. Coreografía: Malena Mexía (1897-1966) -Castilla (Seguidillas) (de Suite Española Op. 47) I. Albéniz Intérpretes: S. Youn, N. Cofreces. Coreografía: Mariemma (1860-1909) -Puerta de Tierra (Bolero) (de Recuerdos de Viaje Op. 71) I. Albéniz Intérpretes: C. Cazorla, M. García, V. Ambroa, J. Gil y N. Cofreces Coreografía: Antonio Ruíz Soler -La Vida Breve (1ª danza) (Arreglos: F. Kreisler) M. de Falla Intérpretes: V. Ambroa, N. Cofreces, Malena Mexía (castañuelas) (1876-1946) -Jota (de 7 Canciones Populares Españolas) (Arreglos: A. Martín) M. de Falla Intérpretes: Bailarines, V. Ambroa, J. Gil y N. Cofreces Coreografía: Malena Mexía. Todas las piezas. Cristina Cazorla “LA ESCUELA BOLERA: TRADICIÓN Y CREACIÓN PROPIA” En pleno Romanticismo y sobre todo a finales del s. XIX-principios del XX, comenzó a surgir, principalmente en Occidente, un Nacionalismo Musical del que formaron parte multitud de compositores de muy distintos países. Malena Mexía Este nacionalismo se extendió en España también a la danza. Tomando como base principal los bailes populares españoles y bebiendo del ballet clásico y las danzas cortesanas europeas, fue creándose de manera progresiva, principalmente en Andalucía, lo que hoy conocemos como Escuela Bolera. Mario García Pérez Son muy diversos los bailes que conforman esta disciplina: unos más a ras del suelo, otros más elevados, unos con más gracia y donaire, otros más serios; danzas como los panaderos, la cachucha, los boleros, los fandangos, las sevillanas, las seguidillas y un largo etc., fueron alcanzando una sofisticada estilización que dio lugar a un género no sólo de una enorme belleza, sino también de una gran dificultad. Grandes de la danza española, desde la familia Pericet, Pilar López, Antonio Ruiz Soler, Marienma, Aída Gómez o el Ballet Nacional de España, entre muchos otros, han cuidado todo lo que han podido este tesoro cultural que, por desgracia, va siendo cada vez más minoritario en las programaciones. Hoy en día, la Escuela Bolera aparece con formas muy estilizadas y actuales gracias a la mejora de la capacidad técnica de los bailarines y a la aportación de los coreógrafos que, producto de su profundo conocimiento, le imprimen un estilo propio y personal. Este espectáculo busca recuperar parte de las danzas españolas de la Escuela Bolera del siglo XVIII y XIX y, por otro lado, poner en escena nuevas creaciones. La calidad de los bailarines actuales permite realizar danzas nuevas acordes a un actual modo de sentir y de moverse, sin olvidar la tradición y el respeto por lo antiguo. Así como poner en valor y recuperar el recital de piano y castañuelas. El Ciclo de conciertos "Manuel de Falla", bajo la dirección de Malena Mexía, ha querido dedicar un concierto en exclusiva a esta danza de zapatillas y castañuelas, de una inmensa belleza, que poco a poco va cayendo en el olvido. (ACCESO A COMPRA ENTRADAS) Fotografías de Jesus Vallinas. En la foto de cabecera la bailarina Souyung Youn &&&&&&&&&&&&&&&

Siempre es un placer recibir a un artista como Igor Yebra, y nos es muy grato disfrutar de su "tránsito", pues si ha sido un maravilloso bailarín, ahora lo vemos muy acertado y adaptado en su nuevo papel de director de compañía, y reconocemos que sabe potenciar el Ballet del Sodre sucediendo en su labor a Julio Bocca, para quien además hoy ha tenido palabras de elogio en la rueda de prensa. Ese aire nuevo y necesario para el ballet latino que ocupa la compañía de Ballet del Sodre de Uruguay, nos muestra un triple programa muy variado y ameno: Theme and Variations, de Balanchine, Chacona, de Goyo Montero y Encuentros, de Marina Sánchez. También habló Igor Yebra de sus planes futuros, en los que no se plantea coreografiar sino seleccionar entre los muchos coreógrafos y resto de artistas quien se adecua más a la programación. Y sí nos adelantó una novedad de lo que serán las producciones del Ballet del Sodre para la próxima temporada: Cármina Burana donde se plantea explorar la interacción del ballet con el coro y la música; y una grata sorpresa, "El Sombrero de Tres Picos". La razón para poner en escena una nueva coreografía de "El Sombrero de Tres Picos" con ballet de puntas, es para hacerlo coincidir en las fechas de su futuro estreno con una exposición sobre Picasso que tendrá lugar en Montevideo. El Ballet del Sodre estará en la Sala Roja de los Teatros del Canal en 5 únicas funciones del 7 al 11 de noviembre. FICHA ARTÍSTICA THEME AND VARIATIONS George Balanchine © The George Balanchine Trust Música: Piotr I. Chaikovsky Diseño de escenografía y vestuario: Hugo Millán / Diseño de iluminación: Claudia Sánchez / Adaptación de iluminación: Pablo Pulido / Maestra repositora: Elyse Borne / Realización: Talleres Auditorio Nacional Sodre / Producción general: BNS | Auditorio Nacional del Sodre Estreno mundial: 26 de noviembre de 1947, ABT, City Center 55 street Theatre, Nueva York / Estreno nueva producción: BNS: 27 de julio 2017, Auditorio Nacional Sodre, Montevideo, Uruguay Bailarines Principales: Paula Penachio, Damián Torío (1ª función, 4ª función, 5ª función) • Mel Oliveira, Gustavo Carvalho (2ª función, 3ª función, 5ª función) Solistas: Milagros Niveyro, Joyce Alves / Mel Oliveira, Ariele Gomes, Lara Delfino, Guillermo González, Filippe Moraes, Ciro Mansilla, Damián Torío (1ª función, 4ª función, 5ª función) y Gustavo Carvalho (2ª función, 3ª función, 5ª función) Cuerpo de baile: Careliz Povea, Marta Beiersdorff, Rocío Bazerque, Paula Acosta, Mel Oliveira, Jennifer Ulloa, Tatiana Pérez, Yasmi Lomondo. Archie Sullivan, Guillermo González, Sergio Muzzio, Fabián Sosa, Nelson López / Luiz Santiago, Walter Lateulade, Kauan Soares, Óscar Escudero CHACONA Goyo Montero Música: Chacona de la Partita nº2 BWV 1004 para violín solo, de Johann S. Bach Diseño de escenografía: Goyo Montero / Diseño de vestuario: Goyo Montero / Inés Berdaguer / Diseño de iluminación: Goyo Montero / Claudia Sánchez / Adaptación de iluminación: Pablo Pulido Realización: Talleres Auditorio Nacional Sodre / Producción general: BNS | Auditorio Nacional del Sodre / Organización y producción: Carlos Iturrioz - Mediart Producciones SL Estreno mundial / BNS: 27 de julio 2017, Auditorio Nacional del Sodre, Montevideo, Uruguay Bailarines: Jennifer Ulloa, Paula Penachio, Lara Delfino, Vanessa Fleita, Ariele Gomes, Joyce Alves, Yasmin Lomondo, Careliz Povea, Sergio Muzzio, Walter Lateulade, Óscar Escudero, Ciro Mansilla, Guillermo González, Nelson López, Damián Torío, Fabián Sosa ENCUENTROS Marina Sánchez Música: Prologue. Tango apasionada / Astor Piazzolla Chiquilín de Bachín / Astor Piazzolla La Cumparsita / Gerardo Matos Rodríguez Los mareados / Juan Carlos Cobián Jeanne y Paul / Astor Piazzolla Oblivion / Astor Piazzolla Los sueños / Astor Piazzolla Tanguera / Mariano Mores Dirección y arreglos musicales: Raúl Jaurena Intérpretes: Raúl Jaurena (bandoneón), Alejandra Moreira (volín), Javier Toledo (piano), Carlos Weiske (contrabajo) / Diseño de escenografía: Astrid Sánchez / Pablo Ligrone ( Proyecciones y dibujos: Pablo Ligrone / Diseño de vestuario: Astrid Sánchez / Diseño de iluminación: Claudia Sánchez / Adaptación de iluminación: Pablo Pulido / Asistente de coreografía: Sebastián Arias / Realización: Talleres Auditorio Nacional Sodre / Producción general: BNS | Auditorio Nacional del Sodre Estreno mundial / BNS: 27 de julio 2017, Auditorio Nacional del Sodre, Montevideo, Uruguay Bailarines • Prólogo: todos • Chiquilín: Fabián Sosa • La Cumparsita: Viajero: Damián Torío / Kauan Soares Anfitrión: Ciro Mansilla -THEME AND VARIATIONS Catalogada como una obra de mucha grandeza, Theme and Variations rinde homenaje al ballet clásico de la majestuosa Rusia imperial. Según Balanchine, la obra está pensada para evocar ese gran período de la danza clásica, cuando el ballet ruso floreció con ayuda de la música de Chaikovsky. Basada en el movimiento final de la Suite Nº 3, la partitura consta de un tema y 12 variaciones, la cual culmina en una polonesa estilo imperial. Es el mismo Chaikovsky quien comienza la tradición de jugar con este movimiento final como una pieza separada. Balanchine crea esta pieza en 1947 para los bailarines Alicia Alonso e Igor Youskevitch en el Ballet Theatre, hoy en día el American Ballet Theatre. En 1960, la obra entra en el repertorio del New York City Ballet. En 1970 Balanchine utiliza la Suite orquestal completa para crear Tchaikovsky Suite Nº 3, donde Theme and Variations es el cuarto y último movimiento del ballet. -CHACONA Chacona parte originalmente de una obra llamada Vasos comunicantes, creada por Goyo Montero en 2003 por encargo del Ministerio de Cultura español, inspirada en la obra de André Breton y también en el principio físico, ambos con el mismo nombre. Con la música de Bach, en este caso una selección de las Partitas y Sonatas para violín solo en su versión original, y también en transcripciones para guitarra y piano, se crean los espacios y las fluctuaciones de la pieza que culmina en la Chacona de la Partita nº2 BWV 1004 para violín solo. En Chacona busca plantear el discurso de los tres instrumentos como nexo de unión entre las distintas personalidades de los 16 bailarines que, como en una mónada, son una unidad formada de piezas cada una con su identidad propia. Para esta nueva versión para el BNS, Montero se propone acercarse a esta música y a esta pieza que conoce en profundidad, pero con una nueva mirada. ENCUENTROS Encuentros sucede en un bar cualquiera donde se entrelazan las historias: un niño pobre entra a vender flores; un viajero rico se las compra todas; una mujer riega su despecho con alcohol... Estas y otras historias son la excusa para explorar el lugar que los encuentros ocupan en nuestra vida, como hitos que nos ayudan a definir quiénes somos y qué queremos, como generadores de recuerdos imborrables, o como simples anécdotas que dan color a la existencia. Este también es un encuentro con la música del tango, despojado de los textos con que se hicieron famosos, dándole lugar a la danza para que esta hable donde las palabras callan. La coreógrafa lo considera un reencuentro personal con la música de su niñez, cuando oía a su padre, sin entenderlo del todo, pregonar que el tango expresa la verdad acerca de la vida. PAOLA PANIZZA Fotografías ballet Carlos Villamayor

Un total de 20 espectáculos podrán verse en 6 espacios de la Comunidad: Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared, el Teatro Real Coliseo de Carlos III, el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte, el Centro Cultural Paco Rabal y el Museo Nacional del Prado Vanguardia y tradición se dan la mano en un cartel abierto a todos los géneros dancísticos (contemporáneo, flamenco, danza española, ballet clásico, danza-teatro…) y comprometido con divulgar las artes del movimiento en todas sus expresiones y variedades En la programación destacan nombres como el Ballet British Columbia, Hervé Koubi, ImPerfect Dancers Company, Joaquín Grilo, Fabrice Edelmann, Resodancer Company, LaMov, Eduardo Guerrero, Kukai Dantza o The Great Gatsby Ballet, con Edward Clug y Denis Matvienko Madrid en Danza 2018 homenajeará al gran Marius Petipa, considerado el coreógrafo más importante de la historia de la danza, con una gala rusa a cargo de primeros bailarines y solistas de los Teatros Bolshoi de Moscú y Mariinski de San Petersburgo. Goyescas, foto Paco Ruiz El Festival Internacional Madrid en Danza regresa a los escenarios para convertir un año más a la Comunidad de Madrid en la capital de la DANZA con mayúsculas. La cita celebra su 33ª edición del 5 al 30 de diciembre de 2018. En su cartel, que esta mañana ha sido presentado en el Museo del Prado por el consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Jaime de los Santos, destacan nombres como el Ballet Nacional de China, Ballet British Columbia, Hervé Koubi, ImPerfect Dancers Company, Joaquín Grilo, Fabrice Edelmann, LaMov, Eduardo Guerrero o The Great Gatsby Ballet. La coreógrafa y bailarina Aída Gómez repite por cuarto año consecutivo como directora artística de Madrid en Danza. En esta 33ª edición, ha programado 20 espectáculos de 9 nacionalidades que podrán verse en 6 espacios de la Comunidad: Teatros del Canal, Cuarta Pared, Teatro Real Coliseo de Carlos III, CC de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte, CC Paco Rabal y Museo del Prado. Vanguardia y tradición se dan la mano en un cartel abierto a todos los géneros dancísticos (contemporáneo, flamenco, danza española, ballet clásico, danza-teatro…) y comprometido con divulgar las artes del movimiento en todas sus expresiones y variedades. De la mano de Madrid en Danza 2018, el Ballet Nacional de China visitará por primera vez España con una de sus creaciones más emblemáticas, El destacamento rojo de mujeres. El festival homenajeará al gran Marius Petipa, considerado como el coreógrafo más importante de la historia de la danza, con una gala rusa a cargo de primeros bailarines y solistas de los reputados Teatros Bolshoi de Moscú y Mariinski de San Petersburgo. Por su parte, el acento internacional lo pondrán formaciones y artistas de China, Ucrania, Canadá, Rusia, Albania, Suiza, Francia e Italia, con figuras de la talla del Ballet British Columbia, The Great Gatsby Ballet -con el coreógrafo Edward Clug y el bailarín Denis Matvienko-, Resodancer Company, ImPerfect Dancers Company o Hervé Koubi. El encuentro pondrá su foco también en algunos de los creadores y compañías con más proyección de nuestra escena, como Joaquín Grilo, Eduardo Guerrero, LaMov Compañía de Danza, Kukai Dantza y Maros Morau, Marco Flores, Proyecto Larrua, Compañía Danza Mobile -con Incubo Teatro- y Cristian Martín. Como novedad, el Museo del Prado se suma a la programación de Madrid en Danza para acoger cuatro piezas cortas, de acceso gratuito con la entrada del museo, a cargo de Kor’sia, FM Art Collective, Fabrice Edelmann y tres bailarinas acompañadas por cuerdas que harán una versión de Goyescas de Granados con coreografía de Aída Gómez. Además, en esta 33ª edición, el Festival Madrid en Danza acogerá una Gala de danza española a cargo de la Academia para la Difusión de la Danza Española, cuyo principal propósito es obtener la denominación de la Danza Española como un bien patrimonial y público de gran importancia. Para reforzar y respaldar esta idea, esta gala especial reunirá piezas de repertorio, desde la Escuela Bolera hasta la Danza Estilizada y el Clásico Español, con el aporte de nuestros mejores coreógrafos y bailarines tanto históricos como actuales. UN MES DE DANZA CON MAYÚSCULAS. El programa 2018 de Madrid en Danza acerca a nuestros escenarios una cuidada selección de espectáculos, algunos de ellos concebidos especialmente para la ocasión. El cartel pretende ser una apuesta sólida, compacta y amena, que sea una respuesta acorde a la fidelidad que ha demostrado el público del festival en todos estos años. Del Ballet Nacional de China a Hervé Koubi y sus Noches bárbaras, de Kukai Dantza a ImPerfect Dancers Company. A esas prestigiosas compañías de éxito se suman apuestas que parten de individualidades de gran magnetismo, como son The Great Gatsby Ballet con Denis Matvienko, una de las más dinámicas estrellas internacionales del ballet de hoy. Lo mismo sucederá con la danza española y el flamenco, con nombres señeros que encabezan el cartel -Eduardo Guerrero y Joaquín Grilo- y con la presencia de jóvenes pujantes que buscan su sitio desplegando su talento, como Marco Flores y Cristian Martín Cano. Otras aportaciones destacadas son el Ballet British Columbia, que dirige Emily Molnar y que trae, entre otras obras, una de Cayetano Soto y otra de Crystal Pite, la gran revelación como coreógrafa de la actualidad mundial; la compañía Danza Mobile con El festín de los cuerpos; la agrupación Resodancer con un programa mixto de coreografías de Shi Pratt, Guy Shonroni y Yaniv Abraham; el Proyecto Larrua, liderado por Jordi Villaseca, e ImPerfect Dancers, que ofrecerán una revisión propia de Lady Macbeth, con la dirección coreográfica de Walter Matteini e Ina Broeckx. Se completa la participación española con LaMov, de Zaragoza, que fundó y dirige el coreógrafo y bailarín Víctor Jiménez desde 2008, que acerca al festival la creación Terrenal, con música de Mozart y Jorge Sarnago. Este 2018 se celebra en todo el mundo el 200 aniversario del nacimiento de Marius Petipa, el coreógrafo más grande todos los tiempos y eje estético de la mejor herencia del ballet universal. Su prodigiosa creatividad siguen presentes y vivas hoy. Madrid en Danza contribuye a la efeméride con una gala de artistas rusos, primeros bailarines de las principales compañías de aquel país, donde Petipa desarrolló su madurez y su carrera artística y donde murió a los 92 años, después de haber legado obras maestras que se siguen bailando hoy, como La bella durmiente, La Bayadera o El lago de los cisnes. +ACCESO A PROGRAMACIÓN

El 26 Festival Internacional de Ballet de La Habana ha conformado una programación especial este año para «honrar el pasado, celebrar el presente y reflexionar sobre el futuro». Tan hermoso y retador concepto fue desgranado por Heriberto Cabezas, coordinador general del Festival y jefe del departamento de relaciones públicas del Ballet Nacional de Cuba (BNC) en entrevista para nuestra publicación. — Una convocatoria que da nuevo color al encuentro… — Este año tenemos aniversarios que celebrar y esto ha condicionado un poco el Festival. En primer lugar un aniversario que no es el más publicitado y sin embargo, para nosotros, es el más importante. Es como el big bang, a partir de ahí surgió todo, los 75 años del debut de Alicia Alonso en Giselle. Si no hubiera ocurrido, Alicia no se hubiera convertido en una estrella y no hubiera fundado, en 1948, la compañía que primero llevó su nombre y hoy es el Ballet Nacional de Cuba. — ¿Cómo está organizado el Festival? — Desde el punto de vista de la organización es curioso porque cada año nosotros tenemos que enfrentarnos a un desafío, el escritor se enfrenta a la página en blanco y nosotros a la programación en blanco, y decimos ¿qué vamos a hacer? y con los recursos que tenemos, porque tampoco podemos soñar como otros directores de festivales que pasan tiempo entre uno y otro viajando por el mundo, escogiendo lo que quieren para su festival. Lógicamente nosotros no tenemos esa capacidad financiera de elección. A la hora de enfrentar la coordinación tenemos que partir de un concepto que nos ayude a echar andar el motor de la búsqueda de artistas, porque además no aceptamos todo el que quiera venir. Hay que tener en cuenta que es mayormente un festival de ballet clásico y debemos mantenernos en esa cuerda en un gran por ciento, aunque incluimos otras formas de danza, folklóricas, contemporáneas, modernas. — Háblenos de las invitaciones… — Antes era más fácil, me refiero a los presupuestos. Hay que recordar que el Festival nunca se dejó de hacer, ni en los momentos más cruentos económicamente de los 90, por una voluntad de Alicia Alonso y la voluntad del país de apoyarlo. La titánica tarea de organizar y asegurar esas necesidades fue en esos momentos muy duro y aún lo es. En todos los festivales del mundo a los artistas se les pagan los gastos, transporte, alojamiento, dieta y por su trabajo. En nuestro Festival no se paga a los artistas por las actuaciones. Uno puede pensar que es sencillo, pero hay que tener en cuenta que los que vienen están dejando de ganar y los artistas viven de eso. Realmente hacen un esfuerzo grande. Vienen a regalarle al público su arte. — Y tantos quieren venir a La Habana… — En esa tarea de invitar y convencer tengo dos grandes ayudas: la primera Alicia Alonso, y citando a Miguel Cabrera, historiador del BNC, por su «don aglutinador» que es real, lo tuvo y lo sigue teniendo, su nombre abre puertas, y en segundo lugar, el público cubano. La mayor recompensa que tienen los artistas que vienen a trabajar al Festival es el aplauso de un público que conoce de ballet. En otros lugares ¿quiénes van a ver ballet? Las personas que tienen el dinero para pagar las carísimas entradas. Aquí gracias a una política de la Revolución de poner la cultura al alcance de todos, sabemos que hay una gran masa de público conocedor del arte del ballet y ese es el mayor premio que reciben los artistas. — Volvamos al concepto para este Festival… — Este año en específico nos propusimos honrar el pasado, celebrar el presente y reflexionar sobre el futuro, porque 70 años es una edad importante, en la que hay una historia que honrar, en la figura de Alicia, que tenemos la suerte y todavía está con nosotros, y celebrar este presente y ver a dónde nos ha llevado esa historia y la reflexión sobre el futuro, hacia donde vamos y a dónde vamos a llegar. Contrariamente a lo que algunos creen en otros lugares del mundo, sobre todo los que estiman que el ballet no va a prosperar en una pequeña isla como Cuba es todo lo contrario, el ballet está enraizado, casi en el ADN de los cubanos, y eso no va a cambiar y tenemos las escuelas de ballet y por lo tanto tenemos garantizado el futuro de la compañía también. — ¿Cómo se aprecia esto en la programación? — Para honrar el pasado tenemos todas las galas, sobre todo la del 2 de noviembre, que hemos preparado especialmente, una Giselle singular, con muchas sorpresas, dentro de una temporada hecha lógicamente en homenaje a Alicia Alonso. El día 2, el de la efeméride, es para ella, para reverenciar ese momento primigenio. «En la temporada tenemos grandes nombres de la escena internacional como los primer bailarines del American Ballet Theatre (ABT), Hee Seo y Cory Stearns, e Isabella Boylston, y Aram Bell; Maria Kochetkova, que ahora está en el Ballet Nacional de Noruega, junto a Joaquín de Luz, que termina su vida artística con el New York City Ballet (NYCB) unos días antes y viene a bailar esta Giselle, es un gran atractivo verlo, más cuando en el NYCB no se baila este clásico; Xander Parish, inglés que baila en el Marinski de San Petersburgo, será el partenaire en la Giselle de la primera bailarina del BNC Viengsay Valdés. Del Ballet Estable del Teatro Colón, de Buenos Aires llegarán Camila Bocca, Juan Pablo Ledo, Macarena Giménez y Maximiliano Iglesias; vuelve la estrella internacional Rasta Thomas; Rainer Krenstetter, del Miami City Ballet; Marian Walter, del Munich Ballet; el cubano Javier Torres con Julie Charles, del Northern Ballet de Inglaterra, y el también cubano Jorge Vega con Valeria Alavés, de México. «Por supuesto los primeros bailarines del BNC estarán muy presentes, y por ejemplo Sadaise Arencibia va a compartir en Giselle con Rolando Sarabia, uno de los nombres más importantes de la diáspora del ballet cubano. Es uno de los principales invitados que tenemos para reconciliarnos con bailarines que en algún momento estuvieron en la compañía y ya no están, pero que han vuelto para honrar estos aniversarios. Otra bailarina que regresa a hacer Gisellees Hayna Gutiérrez, quien estará acompaña por el primer bailarín del BNC Dani Hernández. Las galas en las que van a participar las estrellas estarán como siempre en el Gran Teatro de La Habana». — Una novedad la presencia tantos bailarines cubanos que están en otras compañías… — El BNC es una familia que se reencuentra en esta edición del Festival. Por eso tenemos algunos bailarines que se fueron por algunas razones, sin discernir cuáles, y el BNC los acoge por igual junto a sus primeros bailarines. Hablo de los que van a bailar, entre ellos Yanela Piñera, Camilo Ramos, Taras Domitro, Carlos Quenedith, porque hay otra oportunidad del rencuentro en las Jornadas Pedagógicas Alicia Alonso, clases magistrales y un coloquio a realizarse en la Escuela Nacional de Ballet. Fueron primeros bailarines y vienen a dar clases, a transmitir el conocimiento que aquí obtuvieron más el que acumularon, me refiero en este caso a una generación más joven: Lorna Feijoo, Nelson Madrigal, Lienz Chang y Víctor Gilí. — ¿Las compañías? — Estamos invitando este año al Ballet del Teatro Nacional de Praga; a Stars of American Ballet, que son bailarines básicamente del NYCB, pero hay de todos los Estados Unidos, entre ellos Daniel Ulbricht, Teresa Reichlen, Ask la Cour, Sterling Hyltin, Adrian Danchig Waring, Joseph Gatti, Danielle Diniz, Indiana Woodward, Antonina Skobina, Denys Drozdyuk y Gonzalo García; al Danish Dance Theatre, que es contemporánea y dirige un coreógrafo que ha trabajado otras veces en el Festival, Pontus Lindberg, y al Ballet del Gran Teatro de Ginebra que trae una magnífica versión de Carmina Burana . Las compañías internacionales estarán en el Teatro Mella y la Sala Covarrubias del Teatro Nacional. — Siempre hay un fuerte componente de lo español. ¿Es así en esta ocasión también? — Efectivamente, tendremos a la compañía flamenca de Rafael Amargo; un espectáculo de la Fundación Antonio Gades, que no podía faltar en este aniversario por las relaciones que tuvo Gades con el BNC y con Alicia, y vuelve la bailaora flamenca María Juncal. Todo lo español lo hemos concentrado en el Teatro Martí, que por primera vez se añade como subsede. — ¿Cómo aprecia todo ese gran trabajo de coordinación? — Es un reto, pero tengo la historia detrás de mi. Tener la lista conformada es una satisfacción. Yo me formé en la escuela de Alicia Alonso, es decir en la escuela del trabajo. El listón de Alicia siempre es muy alto, y es lo que uno trata de seguir haciendo. Cuando emprendo un trabajo pienso en ella y tengo que hacerlo al máximo del nivel, no por una remuneración, sino porque el trabajo bien hecho, además de un placer, tiene que ser un principio indiscutible. Para Heriberto Cabezas, coordinador del Festival «si Alicia no hubiera existido, no existiría el BNC, ni la versión de Giselle; ni existirían todos esos bailarines cubanos, ni el público conocería de ballet, todo lo que ocurra en el Festival es consecuencia de lo que Alicia creó» Fuente: texto de Mireya Castañeda | internet@granma.cu