Esta mañana hemos asistido a la presentación de un novedoso proyecto tecnológico del Ballet Nacional de España, se trata del primer vídeo-juego inspirado en la danza española. Se podrá descargar de forma gratuita para Ipone y Android. Tiene una duración aproximada de una hora, y posibilitará a los jugadores un valioso acceso al conocimiento de los 4 estilos que conforman la danza española. Antonio Najarro, director artístico del BNE, estaba acompañado de los artífices de esta obra: Ann Kreis, mecenas del BNE; Borja Manero, doctor adscrito a la Facultad de Informática de la Universidad Complutense; Santiago Herrero, director de programación AC/E, y María Martínez Iturriaga, directora de la Shool of Music de Berklee. También fueron los protagonistas del acto los niños que asistieron en gran número. Eran estudiantes de danza del conservatorio y también de los colegios que han participado en las visitas pedagógicas organizadas por BNE. Ellos fueron los encargados de probar el videojuego al finalizar la presentación. Antonio Najarro explicó que considera imprescindible adaptarse a las nuevas tecnologías para seducir y captar nuevos bailarines y aficionados a la danza, una forma novedosa de inculcar los valores de la danza española a los niños, una bonita manera de celebrar los 40 años del ballet Nacional. También contó el director que la idea original del proyecto partió de Belén Moreno, quien le propuso crear un vídeo-juego basado en el libro de Azucena Huidobro “Bailando un Tesoro”. El videojuego contiene mucha información sobre danza y técnica. Hay queir siguiendo los pasos que nos indican las pantallas y avanzar poco a poco hasta llegar al final… Y el que lo consiga tiene una recompensa, anunció el director: “el que termine el vídeo-juego siguiendo todos sus pasos le invito a ver un espectáculo del Ballet Nacional”. Borja Manero Iglesias, director del desarrollo del juego, contó que el BNE le llamó por teléfono cuando se encontraba Universidad de Harvard. La idea le pareció fascinante… Hacer algo que no se había hecho nunca, crear el primer videojuego de danza española… Este doctor en Informática e investigador de la Universidad complutense aceptó la propuesta sin dudarlo. Confiesa que ha aprendido mucho pues ni él ni nadie de su equipo habían bailado nunca, ni siquiera habían asistido a un espectáculo de danza. Hasta ahora que han asistido con enorme placer a multitud de ensayos y espectáculos del BNE, una verdadera inmersión en la danza española que se han contagiado la pasión por el baile. Los pasos y los movimientos de este vídeo-juego han sido interpretados por Antonio Najarro, a quien se le puso un traje con sensor de movimientos para poder captarlos directamente en el video-juego con toda su técnica y pureza. María Martínez Iturriaga, directora de la Shool of Music de Berklee, se mostró feliz de haber participado en el proyecto, así como Alicia Morte ex alumna de esta escuela es la compositora de banda sonora del vídeo-juego. Todo este trabajo se une la colaboración e implicación de Acción cultural española AC/E y el mecenazgo de Ann Kreis, creando unas becas especiales han hecho posible que este proyecto viera la luz. Muchísimas gracias Ann Kreis por gran generosidad e inestimable apoyo. Al finalizar la presentación tenemos ocasión de conversar con Antonio Najarro que se muestra muy feliz recién llegado de la exitosa gira China del BNE, y nos cuenta que en unos 15 días les aguarda una nueva gira por Japón. Muchos éxitos para el BNE, el mejor embajador de la cultura española. PAOLA PANIZZA

El cuadro, obra de Anselmo Miguel Nieto, nos presenta a una joven Antonia Mercé La Argentina que cuenta con 22 años de edad. Ataviada a la moda de la época, luce un vestido blanco con amplio babero de encaje sobre el que destaca una rosa prendida en el pecho. Sus famosos ojos verdes miran al espectador, mostrando su amplia sonrisa mientras que el rostro se enmarca con un desaliñado moño, lo que ofrece al conjunto un aspecto casual de instante congelado por los pinceles del artista, a lo que hay que sumar el efecto de inacabado o abocetado de la técnica. Son destacables las firmas que se acumulan en el lateral derecho de la obra, doce en total, entre las que destacan las de Luis Bello o Jacinto Benavente. Este retrato se realizó cuando la bailarina volvió de su primera gira en el extranjero -a su vuelta de Portugal y antes de comenzar el viaje a Francia- como un homenaje a su éxito y reconocimiento. Por su técnica podemos pensar que se ejecutó en alguna de las dependencias del Ateneo de Madrid, aprovechando una de las numerosas visitas que La Argentina realizaba a esa docta casa, donde posaría para el pintor y donde, posteriormente, rubricarían sus admiradores. La técnica empleada –gouache, óleo y clarión sobre papel- así como la palpable rapidez en las pinceladas y la construcción de la figura, avalan esta teoría. La obra acompañó a La Argentina toda su vida, en sus viajes y diferentes domicilios y debía guardar un especial cariño hacia la misma. El mal estado de conservación que presentaba antes de su restauración –realizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con motivo de su exhibición en la exposición La Noche Española. Flamenco, vanguardia y cultura popular. 1865-1939.- demostraba que la obra había sufrido avatares diversos. Su enmarcación responde al gusto francés, con un marco de madera y escayola sobredorada, dentro de los realizados a finales del siglo XIX en Francia, donde posiblemente se procedió a dotarla de marco. Tenemos que destacar que Manuel Azaña fue presidente del Ateneo y gran amigo de Antonia, a la que condecoró. El cuñado de Don Manuel, Cipriano Rivas Cherif escribía los libretos de los ballets de La Argentina. Antonía Mercé y el Ateneo (notas facilitadas por el bibliotecario) (...) Antonia Mercé se decantó por moverse dentro del mundo de los intelectuales, cosa que la llevó a frecuentar el Ateneo de Madrid, donde bailó para ellos y lugar donde, según palabras suyas, se consagró como bailarina. Este hecho la vinculó al Ateneo de por vida y, sin lugar a dudas, hizo de ella la artista preferida de los intelectuales, proporcionándole un carisma diferente entre sus compañeras. [endif]--(...) En 1925 la capital francesa y la crítica en pleno aclaman su forma de interpretar El Amor Brujo de Falla. Antonia se ha consagrado como artista internacional y, a partir de ahora, recorrerá los cinco continentes siendo aclamada en cada una de sus representaciones. Francia la considera suya, Coco Chanel la viste, Picasso interviene en sus puestas en escena y la vanguardia parisina le rinde culto. Pero La Argentina no olvida España, volviendo a menudo y visitando el Ateneo cada vez que está en Madrid. Sin lugar a dudas a ella debemos la exposición que Cartier Bresson realizó en 1932 en la Sala de Exposiciones de la docta casa, la cual quedó amenizada por su baile la misma tarde de la inauguración, hecho que el fotógrafo recordará en su memoria. (...) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&& ![endif]--

"Un movimiento que se resiste a ser fijado: Kazuo Ohno y La Argentina" es título de la exposición que se va a inaugurar el próximo 10 de octubre de 2018 en el Museo Reina Sofía. Va a ser la exposición sobre danza de la temporada y se podrá visitar hasta el día 15 de febrero. Además se anuncián una serie de actividades paralelas muy interesantes entre las que destaca la representación de la pieza "About Kazuo Ohno" por Takao Kawaguchi, cuya entrada será gratuita los días martes 9 de y miércoles 10 de octubre. El artista define así su inspiración: “Nunca vi bailar en directo a Kazuo Ohno, sino solamente a través de fotografías y en vídeos. Y me parece hermoso, no puedo explicarlo bien, pero siento cierta afinidad hacia los giros y las ondulaciones de sus movimientos. Me resulta incluso sensual. ¿Será que guardo en mí una cualidad similar a la suya?” Partiendo de esta pregunta, Takao Kawaguchi (1962) comienza en 2013 a explorar las posibilidades que implica copiar los movimientos del célebre coreógrafo Kazuo Ohno (1906-2010) como modo de acceso a las cualidades intrínsecas y aparentemente intransferibles de esta figura central, no solo de la danza japonesa de posguerra sino de la historia universal de la disciplina en el siglo XX. Junto con Tatsumi Hijikata, con quien se encuentra a finales de los cincuenta, Ohno es considerado el creador de los principios de la conocida danza butoh, inicialmente llamada “Ankoku Butoh”, un nuevo y revolucionario lenguaje sustentado en movimientos espasmódicos que surgen del subconsciente. En About Kazuo Ohno, Takao Kawaguchi recupera algunas piezas del maestro a partir de una metodología que en cierto modo es contraria a sus elementos esenciales. El procedimiento de Kawaguchi no parte, como cabría esperar, de la técnica de improvisación del butoh, sino que consiste en copiar literalmente los movimientos del bailarín que han quedado registrados en filmaciones y documentos fotográficos. Para ello recurre a los archivos de los estrenos de sus primeras piezas –entre otras, Admirando a La Argentina (1977), My Mother (1981) y Dead Sea, Ghost, Wienerwaltz (1985)–, creadas junto con Hijikata en un intenso periodo de colaboración que terminó con el fallecimiento de este último en 1986. About Kazuo Ohno es en cierto modo una dualidad entre la réplica fiel de Kawaguchi y la imagen ilusoria de un Kazuo Ohno convertido por la historia en icono y representación de sí mismo. También las danzas de Ohno que Kawaguchi retoma son realizadas a dúo, pues es Hijikata quien sostiene el cuerpo de Ohno y lo anima. La pieza resulta sugerente tanto para aquellos espectadores que conocen la danza de Kazuo Ohno como para quienes nunca la han visto. Los primeros resucitarán los movimientos del maestro en los de Kawaguchi, mientras que los segundos recurrirán a la imaginación para seguir la escena. El encuentro entre el recuerdo de una figura del pasado y la manifestación de su movimiento en el ahora provoca una multiplicidad de imágenes donde lo que ya no existe aparece constantemente mientras que lo que vemos se desvanece sin cesar. Y es en estas contracciones del tiempo donde reside precisamente el interés de esta pieza: nos parece estar, no ante un pasado que vuelve, sino ante un presente que se despliega en capas discontinuas, sin poder ser capturado en una imagen fija. En torno a la presentación de About Kazuo Ohno en el Museo Reina Sofía, que se organiza en colaboración con los Teatros del Canal de Madrid, tendrán lugar varias actividades: una conversación pública con Takao Kawaguchi patrocinada por la Fundación Japón en el Aula de Danza de la Universidad Carlos III de Madrid (27 de septiembre a las 19:00 h); un taller con el coreógrafo en el Centro de Danza Canal, organizado en el marco de la colaboración del Museo Reina Sofía con los Teatros del Canal (11 de octubre); y la muestra Un movimiento que se resiste a ser fijado: Kazuo Ohno y La Argentina (del 10 de octubre de 2018 al 15 de febrero de 2019) en el Espacio D de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía, en la que distintos materiales como fotografías, dibujos y películas, nos guían por un recorrido afectivo, que toma como eje central la fotografía de una escena concreta del conocido solo Admirando a La Argentina, creado en 1977 por Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno en un intento por recuperar los movimientos de la artista española Antonia Mercé y Luque, La Argentina (1890-1936). Takao Kawaguchi Takao Kawaguchi (1962) es coreógrafo, intérprete y artista. Después de bailar para la compañía de danza ATA DANCE con Atsuko Yoshifuku, formó parte del colectivo Dumb Type entre 1996 y 2008, a la vez que colaboraba con artistas visuales en propuestas en torno a la luz, el sonido y el vídeo. Desde 2008 trabaja en solitario en una serie de performances site-specific bajo el título general de A perfect life until today, entre ellas, From Okinawa to Tokyo, presentada en 2013 en el Yebisu International Festival for Art and Alternative Visions del Photographic Art Museum de Tokio. En los últimos años ha creado piezas relacionadas con la danza butoh como The Ailing Dance Mistress (2012), basada en escritos de Tatsumi Hijikata, y About Kazuo Ohno-Reliving the Butoh Divaʼs Masterpieces (2013). Kawaguchi ha participado en numerosos proyectos de investigación y creación artística como True (2007) y Node-The Old Man of the Desert (2013) junto al miembro de Dumb Type Takayuki Fujimoto y a Tsuyoshi Shirai; o Tri-K(2010) con Dick Wong y Koichi Imaizumi. Además, ha sido director del Festival Internacional de cine Gay y Lésbico de Tokio entre 1996 y 1999; ha traducido al japonés el libro Chroma (2003, Uplink), del cineasta experimental Derek Jarman; y participado en Kingyo, de Edmund Yeo, cortometraje invitado al Festival de Cine de Venecia 2009. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

-El espectáculo, estrenado el pasado mes de julio en el Festival d’Avignon, es una reflexión sobre el deseo de ser madre -Tras su paso por Madrid, la pieza podrá verse en el Théâtre National de Chaillot, en París, donde Molina es artista asociada Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en la Comunidad de Madrid de Grito pelao, último espectáculo de Rocío Molina. Una de las bailaoras y coreógrafas con más proyección internacional, une en esta ocasión su talento al de la cantante catalana Sílvia Pérez Cruz para llevar a escena una pieza a la vez personal y política que podrá verse en la Sala Verde del 26 al 28 de septiembre. "Una mujer sin pareja y lesbiana quiere tener un hijo. Esa mujer quiere implantarse un óvulo propio inseminado in vitro. Esa mujer es bailaora y quiere hacer una obra que hable del anhelo de tener un hijo. En escena Lola Cruz, Rocío Molina Cruz y Sílvia Pérez Cruz. Lola es madre de Rocío, Sílvia es madre y Rocío lo desea ser". Así se presenta esta obra, que se estrenó en el Festival d’Avignon el pasado mes de julio y llega por primera vez a Madrid en tres únicas funciones con todas las entradas agotadas. Rocío Molina, que bailará embarazada de seis meses, explica así cómo surgió la idea para Grito pelao: “Siempre detesté la idea de ser madre. Pero hace unos años, en un momento en que estaba estresada y triste, empecé a sentir otro tipo de amor, un deseo. Era una época de crisis y lo único que me hacía seguir ensayando era hablar a ese hijo que todavía no tengo, bailarle a él. Se abrió en mí otro tipo de amor. Llevaba tiempo pensando en frenar y dedicarle tiempo a poder ser madre. Haré la pieza si puede ser embarazada o al menos queriendo estarlo”. En esta reflexión sobre la maternidad, la artífice de obras como Cuando las piedras vuelen, Bosque Ardora y Caída del cielo, sube a escena junto a Silvia Pérez Cruz y junto a su propia madre, Lola Cruz, tercer vértice de un triángulo femenino e intergeneracional, en el que el público es invitado a entrar en la órbita más íntima, comprometida y visceral de la artista. Rocío Molina Nacida en Málaga en 1984, Rocío Molina ha acuñado un lenguaje propio en coreografías que se nutren de ideas y formas culturales que abarcan desde el cine a la literatura, pasando por la filosofía y la pintura. En sus piezas, entre las que se encuentran títulos como Cuando las piedras vuelen (2009), Afectos (2012), Bosque Ardora (2014) y Caída del Cielo (2016, se alían virtuosismo técnico, investigación contemporánea y riesgo conceptual. Una de las artistas españolas con mayor proyección internacional, es desde el año 2014 artista asociada al Teatro Nacional de Chaillot en París. Su búsqueda artística ha sido reconocida con el Premio Nacional de Danza, el Premio Mejor Bailaora de la Bienal de Sevilla, la Medalla de Oro de Málaga, el Premio Especial de los Dance National British Awards 2016 y el Premio Max 2017 a la Mejor Intérprete de Danza y a la Mejor Coreografía por Caída del Cielo, así como el Premio Max 2015 a la Mejor Coreografía por Bosque Ardora. Sílvia Pérez Cruz Nació en Palafrugell (Girona) en 1983. Una de las voces más versátiles del panorama musical actual, ha colaborado con artistas como Eliseo Parra, Lluís Llach, Gino Paoli, Stefano Bollani, Jorge Drexler, Hamilton de Holanda y Joan Manuel Serrat, entre otros. También ha cantado en la Orquesta Nacional de España, dirigida por Josep Pons. Debutó como compositora y solista con 11 de novembre (Universal, 2012), que le valió un disco de oro. Fue la voz de la película Blancanieves de Pablo Berger, ganadora de 10 Premios Goya en 2013, entre ellos el de Mejor Canción Original. Ha protagonizado y participado en la composición de la banda sonora de la película Cerca de tu casa, de Eduard Cortés. Este proceso cristaliza en la edición de Domus (Universal Music, 2016) con el que cosecha la Biznaga de Plata a la Mejor Música Original en el Festival de Cine de Málaga y el Premio Goya a la Mejor Canción Original por “Ai, ai, ai”, entre otros galardones. Su último trabajo discográfico es Vestida de nit (Universal Music, 2017) con el que ha girado por Argentina, Chile, Uruguay, Portugal, Turquía, Francia y España. Idea original: Rocío Molina Dirección artística: Carlos Marquerie, Rocío Molina y Silvia Pérez Cruz Dramaturgia: Carlos Marquerie Coreografía: Rocío Molina Cruz Concepto musical, composición musical y letras: Silvia Pérez Cruz Intérpretes: Rocío Molina Cruz (baile), Silvia Pérez Cruz (voz), Lola Cruz (danza), Eduardo Trasierra (guitarra), Carlos Montfort (violín), José Manuel Ramos “Orouco” (compás), Carlos Gárate (electrónica) Coproducción: Chaillot, Théâtre national de la Danse, París; Grec 2018 Festival de Barcelona - Instituto de Cultura, Ayuntamiento de Barcelona; Festival d’Avignon; Théâtre de Nîmes - scène conventionnée d’intérêt national - danse contemporaine - art et création; Bienal de Flamenco de Sevilla / Con la colaboración de: Festival Temporada Alta - Girona; Teatros del Canal - Madrid / Rocío Molina es artista asociada de Chaillot - Théâtre National de la Danse de París / Con el apoyo del Ministerio de Cultura y Deportes - INAEM +INFORMACIÓN

Hong Kong, 22 de septiembre de 2018.- El Ballet Nacional de España (BNE) coincidiendo con su 40 aniversario inició ayer su gira asiática, donde a lo largo de un mes actuará en tres de las más importantes ciudades de este continente: Hong Kong, Shanghai y Tokio . Su primera parada ha sido en el Auditorio Sha Tin Town Hall, de Hong Kong, famoso por sus excelentes instalaciones, en las que ya se han agotado las entradas de las tres representaciones que realizarán en este teatro. Es en este entorno y hasta el día 23 de septiembre donde el BNE ha presentado grandes obras referentes de su trabajo actual: Zaguán y Alento. El público asistente en la primera función se ha conmovido ante estas dos grandes obras, una propuesta personal del director de la compañía, Antonio Najarro, en la que se ha mostrado un nuevo giro estético y estilístico en la Compañía. Para Antonio Najarro, Director del Ballet Nacional de España “la importancia de la gira asiática en este 40 Aniversario del Ballet Nacional de España es enorme. Desde que comencé a dirigir el BNE en el año 2011, he tenido un gran interés en recuperar nuestras giras por los países asiáticos ya que son grandes amantes de nuestra cultura dancística y grandes conocedores de nuestro arte. Ha sido una gira muy cuidada y hemos elegido grandes teatros y auditorios como el Sha Tin Town Hall en el que hemos actuado hoy y donde cada espectador ha podido apreciar nuestro trabajo sin restricciones visuales y bajo un ambiente cálido y cercano, muy necesario para conocer nuestro trabajo”. El objetivo del Ballet Nacional de España en este año clave, es conseguir acercarse a todos los públicos nacionales e internacionales. La Danza Española es un claro exponente de una de las mayores riquezas culturales de España y triunfa allí donde se presenta. Sin lugar a dudas llega al corazón de los espectadores de todo el mundo, por su gran riqueza, belleza y virtuosismo en su interpretación y, sobre todo, porque es un estilo de danza que habla desde el corazón. Zaguan y Alento o un nuevo giro estético y estilístico del BNE Con estas dos obras el Ballet Nacional de España pretende adentrar al público en una propuesta personal del director de la Compañía, Antonio Najarro, en la que se muestra un nuevo giro estético y estilístico del BNE. “Zaguán”, como lugar de transición donde confluyen diferentes estancias, es un ballet flamenco donde varios de los jóvenes artistas del panorama actual, Mercedes Ruiz, La Lupi y Marco Flores, mostrarán su vocabulario, su estilo y su sello personal como creadores. Asimismo, Blanca del Rey, una de las grandes damas del flamenco, ha dejado a este Ballet y al repertorio del BNE su emblemática coreografía “ Soleá del Mantón”. La música de “Zaguán” ha sido compuesta por el guitarrista flamenco Jesús Torres, la dramaturgia la ha realizado David Picazo, la diseñadora Yaiza Pinillos, ha creado un elaborado vestuario de la época, de corte tradicional, con un complejo tratado de tejidos. La iluminación corresponde a Nicolás Fischtel excepto la “Soleá del Mantón”, que corresponde a Freddy Gerlache. La escenografía ha sido diseñada por Emilio Valenzuela. En cuanto “Alento”. Es un vivo reflejo del estilo de Najarro como creador, así como su visión personal de la danza clásico española. Un recuerdo de su bagaje coreográfico, inspirado en la partitura del genial compositor, guitarrista y compañero de viaje Fernando Egozcue, el cual ha creado una música muy rítmica y llena de sensibilidad. “Alento” cuenta con los exquisitos diseños de Teresa Helbig (ACME) y ha sido iluminado por Nicolás Fischtel. Un Ballet único La originalidad, riqueza y diversidad de la Danza Española son únicas en el mundo y justifican el éxito continuado del Ballet Nacional de España en los últimos 40 años, en los que se ha situado como el máximo embajador y principal exponente de la Danza Española en el mundo. Además de este éxito global, la influencia del Ballet Nacional de España ha sido decisiva en la evolución de la Danza Española en el último cuarto de siglo XX y primeros años del siglo XXI, así como en la permanencia de técnicas de baile y formas estilísticas que probablemente se habrían perdido o quedado relegadas de los escenarios, si no hubiese existido la compañía estatal. A lo largo de sus 40 años de existencia, el Ballet Nacional de España ha puesto en escena las grandes obras maestras de nuestro patrimonio coreográfico, algunas de ellas preexistentes y recuperadas para el repertorio de la compañía y otras, la mayoría, nuevas creaciones de sus directores artísticos o de encargos a otros coreógrafos. Su suma ha engrandecido el patrimonio de la danza de nuestro país, creando una trayectoria de éxitos y un claro compromiso de futuro. El sueño de una creación artística El 16 de octubre de 1978 comenzaba su andadura el BNE. Antonio Gades, su primer director, seleccionó a varios de los más prestigiosos maestros del momento y a 36 bailarines, escogidos en base a sus currículums vitae y a una exigente audición en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Comenzaba así un sueño largamente perseguido: la creación de una Compañía Nacional de Danza Española. Poco a poco el baile español triunfó en España y en el mundo, sorprendiendo y seduciendo a propios y extraños, impulsado por la pasión e ilusión de un equipo en el que estaban los mejores y que llevó nuestra danza por el mundo entero con unos espectáculos que unen literatura y coreografía, donde la palabra interactúa con la danza. El Ballet Nacional de España sintetiza los mejor de los bailes populares, las danzas regionales el baile flamenco y la Escuela Bolera, una variante de la danza española que bebe de la fuente de la danza clásica. 40 años después, el Ballet Nacional de España sigue impulsando la Danza Española, a través de nuevas actividades y consolidando las ya comenzadas, colaborando con otras expresiones artísticas como la pintura, fotografía, escultura, moda… en definitiva, acercando más la danza a la sociedad. Acerca del BNE El Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Antonio Najarro desde septiembre de 2011, es en la actualidad el mayor exponente de la danza española, mostrando todos los estilos del baile de nuestro país en los más destacados teatros del mundo a través de muy distintos espectáculos que abarcan tradición y vanguardia, la escuela bolera, la danza clásico española, el folclore y el flamenco en Suite Sevilla, Ángeles Caídos, Ritmos, Sorolla, Alento y Zaguán, Clásicos de la Danza Española, Bolero, etc. En la actualidad, el Ballet Nacional de España acaba de estrenar una nueva creación, Electra, una historia de fantasmas familiares, de viejas querellas, de ausencias ingobernables. Un mito que sigue deslumbrándonos por su fuerza y su universalidad. Fotografías: María Alperi (Portada) Jesús Vallinas (Texto)

Este 2018, el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid regresa a su formato original -nueve años después de su cambio de estación y temporalidad- y se celebrará del 15 de noviembre al 2 de diciembre. En su cartel, que apuesta por la sorpresa y el descubrimiento de nuevas miradas, brillarán tótems de la escena internacional como Simon Stone, Jöel Pommerat, Sergio Blanco y Krystian Lupa. Tampoco faltarán a la cita artistas y colectivos tan imprescindibles como Teatro La-resentida, Forced Entertainment, Łukasz Twarkowski, Pablo Fidalgo, Bertrand Lesca y Nasi Voutsas, Nassim Soleimpour, El Pont Flotant, Stopgag Dance Company o Elena Córdoba. El 36 Festival de Otoño contará con una gran diversidad de géneros y formatos (performance, teatro de texto, teatro físico, instalación performativa, danza y circo contemporáneos…) y ofrecerá un completo programa de actividades paralelas, con residencias, talleres, encuentros y conversaciones con artistas, etc. Su cartel estará compuesto por un total de 21 espectáculos y 5 laboratorios de creación de artistas y compañías procedentes de 15 nacionalidades (Chile, Portugal, España, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Uruguay, Irán, lituania, Bolivia, Brasil, Italia, Argentina, Grecia y Polonia). En esta 36 edición, nuevas casas se suman a la familia del festival y las representaciones y actividades tendrán lugar en 9 espacios escénicos de referencia de la Comunidad de Madrid: los Teatros del Canal, el Teatro de La Abadía, la Sala Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, El Pavón Teatro Kamikaze, La Casa Encendida, el Museo Reina Sofía, la Casa de América y el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. En el cartel del 36 Festival de Otoño resuenan nombres tan imprescindibles como los de Simon Stone, Joël Pommerat, Sergio Blanco, Krystian Lupa o Forced Entertainment. Su programa ha querido visibilizar el trabajo de jóvenes artistas madrileños y españoles (Alberto Cortés, Titzina, Pablo Fidalgo, Julia de Castro y María Folguera); rescatar a creadores insólitos y relevantes a nivel nacional (Elena Córdoba, Cuqui Jerez y Adolfo Simón); otorgarle una presencia estable de Latinoamérica, como referente imprescindible de nuestra cultura (Sergio Blanco y Marcos Layera con su Teatro La re-sentida); y acercar a Madrid el trabajo de grandes figuras europeas aquí desconocidas (Łukasz Twarkowski, Nassim Soleimanpour, Bertrand Lesca y Nasi Voutsas). Encontraremos también piezas para público familiar (Il n’est pas encore minuit… y Le Petit Chaperon Rouge); teatro accesible (con Stopgag Dance Company y El Pont Flotant); y guiños a la mejor literatura universal (Medea, de Eurípides; Ante la jubilación, de Thomas Bernhard; y fragmentos de textos de Santa Teresa de Jesús). El consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, Jaime de los Santos, y el director artístico del Festival de Otoño, Carlos Aladro, han presentado esta mañana en los Teatros del Canal el cartel del festival. De los Santos destacó que “volver al otoño es darle de nuevo la identidad, el lugar y el reconocimiento de un encuentro único”. Y añadió: “el Festival de Otoño mantiene su voluntad de seguir acercando el festival a todos los gustos y edades, de contar con las novedades y realidades ocultas del teatro internacional, y de apoyar la creación escénica madrileña y española”. Jaime de los Santos continuó su intervención recordando que el Festival de Otoño “quiere ser un ágora de encuentro para artistas y espectadores”. En este sentido, destacó que se ha llevado a cabo “una cuidada selección de espectáculos de todas las disciplinas artísticas, con maestros de reconocida trayectoria y nuevas figuras por descubrir”. Por su parte, el director artístico Carlos Aladro, explicó que el 36 Festival de Otoño “será una cita que suma exhibición, investigación, formación y diálogo activo, con un completo programa expandido que propone talleres, conversaciones entre creadores, residencias artísticas, clases magistrales, presentaciones y encuentros”. Asimismo, Aladro concluyó: “será todo un reto crear en el espectador la ilusión, la adrenalina y la emoción que se viven en las grandes citas escénicas internacionales”. El nacimiento de la bailarina vieja © Fernando Alves NUEVAS MIRADAS Y UNA APUESTA POR EL DESCUBRIMIENTO. Fiel a su vocación de programar a grandes artistas y de ser, además, motor del descubrimiento de nuevos creadores y compañías, el Festival de Otoño se presenta en esta 36 edición como un gran espacio heterogéneo y sinestésico, abierto y crítico. A partir de formatos muy diferentes, con visiones y lenguajes escénicos diversos, el 36 Festival de Otoño busca ser una invitación a la sorpresa, la diversión, la conmoción y la inquietud. La troupe latinoamericana del momento, Teatro La Re-sentida, bautizada como “los punks del teatro chileno”, abrirá el festival con su espectáculo Tratando de hacer una obra que cambie el mundo. Le seguirá Anarquismos (Por el medio de la habitación corre un río más claro), una pieza de Pablo Fidalgo sobre la ausencia, los sueños, el miedo y el silencio. Simon Stone, uno de los directores europeos más cotizados de la escena internacional, acercará el mito griego de Eurípides Medea a nuestros días bajo un prima contemporáneo junto al prestigioso Internationaal Theater Amsterdam. El tándem de artistas emergentes británicos formado por Bertrand Lesca y Nasi Voutsas visitará por primera vez Madrid con sus creaciones EUROHOUSE y PALMYRA, celebradas por la crítica internacional como “teatro sutil y subversivo, relevante y poderoso, brillante y lleno de ingenio”. Con Masacre en Nebraska, el dramaturgo, director y performer Alberto Cortés convertirá el escenario en un lugar para pensar junto al espectador una macropieza colectiva creada a partir de recuerdos. Una instalación performática, dos piezas breves de teatro de objetos y conversaciones con creadores conforman 25 años + 1 día. Un cuarto de siglo de teatro alternativo, un proyecto de Adolfo Simón que es la reflexión, sin nostalgia, sobre un viaje de creación acontecido en el último cuarto de siglo. Il n’est pas encore minuit…, a cargo de la Compagnie XY, ofrecerá una experiencia acrobática excepcional. Se trata de una obra fugaz y estimulante que juega con nuestra percepción del tiempo y la realidad. Por su parte, la coreógrafa y performer Cuqui Jerez explorará posibles mecanismos para la producción de tensión con Las ultracosas. Laboratorio escénico. Su trabajo consiste en crear un espacio poético que transita lo inquietante, lo incompleto y lo alterado para producir nuevas realidades. Y Cecilia Bengolea acercará a nuestros escenarios Insect Train, una experimentación colectiva sobre las conexiones que existen entre la naturaleza y el cuerpo humano. El celebrado colectivo británico Forced Entertainment regresará a nuestros escenarios con Real Magic, una pieza estimulante y humana que traslada el absurdo de Beckett a los tiempos de la telebasura. Coniderado como uno de los grandes dramaturgos del momento en España gracias a sus dos pasadas creaciones, Ostia y Tebas Land, Sergio Blanco visitará por primera vez el Festival de Otoño con su última creación, El bramido de Düsseldorf, una pieza de autoficción con la que hilvana interesantes reflexiones sobre Dios, la representación de la sexualidad o los límites del arte. Julia de Castro y María Folguera presentarán una indagación en clave performativa en torno al personaje de Teresa de Jesús, mujer del siglo XVI convertida en icono literario, histórico y religioso. Por su parte, El nacimiento de la bailarina vieja es una ficción anatómica de Elena Córdoba que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de los cuerpos. Mientras, Titzina estrenará en Madrid La zanja, un relato ágil e imaginativo fruto de un exhaustivo trabajo de creación y de periodismo antropológico; una reflexión en clave tragicómica sobre el particular choque de civilizaciones entre Europa y América. Ante la jubilación supondrá un toda una lección de teatro de la mano de uno de los grandes maestros escénicos europeos Krystian Lupa, quien regresa al Festival de Otoño con un texto de Thomas Bernhard que aborda el nazismo como si fuera un virus. Paralelamente, siguiendo su línea de trabajo relacional con la comunidad, El Pont Flotant abordará la diversidad funcional con el proyecto Otras InCapacidades. Laboratorio escénico. Joël Pommerat, una de las figuras más sólidas de la dramaturgia francesa contemporánea, visitará por primera vez Madrid con Le Petit Chaperon Rouge, un versión contemporánea de Caperucita Roja que ha revolucionado el denominado “teatro para niños”. Otro de los platos fuertes será NASSIM, un ejercicio autobiográfico conmovedor y plagado de humor, que explora la libertad y la limitación del lenguaje bajo la batuta del aclamado dramaturgo y director iraní Nassim Soleimanpour. Combinando de forma excepcional y evocadora teatro físico, teatro de texto y danza contemporánea, Stopgag Dance Company explorará de forma cruda e íntima el dolor y la pérdida con The Enormous Room. La pieza encargada de clausurar el festival, Lokis, es un thriller psicológico que se mueve en el límite del teatro y el cine, para explorar verdades, significados y eventos a través de la imagen de la mano del nuevo enfant terrible del teatro europeo Łukasz Twarkowski. CONSULTA PROGRAMACIÓN

La Quinta Indiana y la compañía de danza surgida en el Encuentro con los Maestros celebrado este verano en Ribadedeva - Asturias, actúan el último fin de semana de septiembre en Madrid. De Dos Orillas, el montaje coreografico creado este verano en Colombres - Asturias, durante la segunda edición del Encuentro Con Los Maestros Antonio Canales, Susana Lupiañez “La Lupi” , Daniel Doña y Cristian Martín, se mostrará en el Festival ACTUA Madrid de la Cadena Ser. De Dos Orillas es un espectáculo de danza y música cargado de homenajes al emigrante y a la especial vinculación que nuestro país mantiene con Hispanoamerica, la otra orilla a la que algunos de nuestros jóvenes tuvieron que marchar un día en busca de una vida mejor. En su versión íntegra, el espectáculo incluye la actuación del bailaor y coreógrafo Antonio Canales junto al elenco de bailarines surgido en el Encuentro. En el festival ACTUA se mostrarán sólo dos de las coreografías que incluye el espectáculo, Dos Gardenias, del maestro Canales y Vuelvo, el trabajo conjunto del coreógrafo Daniel Doña y el bailarín Cristian Martín, aunque está pendiente de confirmar la próxima programación de todo el espectáculo en un teatro de Madrid, donde se incluirá también la actuación de Antonio Canales. La música será interpretada en directo por el grupo La Quinta Indiana, nacido en Colombres y sonará, como siempre, de maravilla. &&&&&&&&&&&&&&&&&&

VALENCIA SOMOS ARTE cuenta con Elisa Badenes, la mejor bailarina clásica valenciana en la actualidad. Se trata de la segunda ocasión que la Bailarina Principal del Stuttgarter Ballett participe en el espectáculo, tras su intervención en la gala de 2015 CAMBIO DE ÚLTIMA HORA→ La organización lamenta anunciar que Vadim Muntagirov es baja por lesión y será reemplazado por Alexander Jones. Antiguo cartel CND, con Elisa Badenes, fotografía Jesus Vallinas Bailarina Principal del Stuttgarter Ballett desde la temporada 2012/2013, Elisa Badenes (Valencia, 1991) es la mejor bailarina clásica valenciana en la actualidad. Por eso, la Asociación de Arte y Danza del Mediterráneo (ADAM) y la Fundación Hortensia Herrero, en su afán por apoyar el talento local, se complacen con contar con la participación de Elisa Badenes, en la quinta edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE, que tendrá lugar el sábado 22 de septiembre, a las 19.30 horas, en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. Además, nos llena de satisfacción haber colgado ya el cartel de ‘no hay entradas’ para la quinta GALA VALENCIA SOMOS ARTE, sobre todo, porque la recaudación está destinada a una causa benéfica, este año en concreto, a la Asociación Española Contra el Cáncer. Elisa Badenes y su partenaire, Friedemann Vogel, Bailarín Principal del Stuttgarter Ballett, serán los responsables de abrir el espectáculo con el paso a dos del balcón de Romeo y Julieta (1962), una obra maestra del coreógrafo John Cranko, que fue estrenada por Marcia Haydée en el rol de Julieta y Ray Barra como Romeo. Para su segunda intervención, el dúo Badenes-Vogel ha escogido el paso a dos Legende (1972), creación también de Cranko para la pareja formada por Marcia Haydée y Richard Cragun, que fue estrenada en Múnich. Sobre la música de Legend for Violin and Orchestra de Henri Wieniawski, la leyenda dice que el coreógrafo sudafricano se inspiró en un vestido que regaló la Prima Ballerina Assoluta Galina Ulanova a Marcia Haydée. Con su participación en la quinta GALA VALENCIA SOMOS ARTE, será la segunda ocasión en la que baile en el espectáculo, tras haberlo hecho en la gala de 2015. En aquella ocasión, contó con Constantine Allen como partenaire, y ambos interpretaron el Grand Pas Classique de Victor Gsovsky y Limelight, de Katarzyna Kozielska. Muntagirov, baja por lesión. Por otra parte, la organización de la gala lamenta comunicar que Vadim Muntagirov, Bailarín Principal de The Royal Ballet, es baja por lesión y será sustituido por Alexander Jones, Bailarín Principal del Ballett Zürich. De esta manera, el paso a dos final de la quinta GALA VALENCIA SOMOS ARTE, El Corsario, será protagonizado por Marianela Núñez, Bailarina Principal de The Royal Ballet, y Alexander Jones. LOS DATOS Espectáculo: Gala Benéfica Valencia Danza/Somos Arte 2018. Organiza: Asociación de Arte y Danza del Mediterráneo (ADAM). Colaborador principal: Fundación Hortensia Herrero. Bailarines invitados: Marianela Núñez (Bailarina Principal en The Royal Ballet, Londres) y Alexander Jones (Bailarín Principal en Ballett Zürich)/ Elisa Badenes y Friedemann Vogel (Bailarines Principales del Stuttgarter Ballett)/ Maia Makhateli y Artur Shesterikov (Bailarines Principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam)/ Marlen Fuerte (Ballet Nice Méditerranée)/ Alejandro Parente (Primer Bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, Argentina)/ Jon Vallejo (Bailarín Principal del Dresden Semperoper Ballet, Alemania) y Zarina Stahnke (Demisolista del Dresden Semperoper Ballet, Alemania)/ Kristina Ryumshina, Mikhail Kirshin, Azamat Ishkin, Luke Hayward y Vilhelm Bjerser (Theatre Ballet Moscow). Música en directo: Salvador Bolón (violoncello) y Luisa Domingo (arpa). PROGRAMA 1ª Parte: Romeo y Julieta (paso a dos), Samsara, The Four Seasons, Cisne Negro (paso a dos) y Kicho. 2ª Parte: Transcription of color, Legende, Replay, La muerte del cisne, Come again y El Corsario (paso a dos). Lugar y fecha: Palau de Les Arts Reina Sofía, 22 de septiembre, a las 19,30 horas. Entradas: AGOTADAS. Breve biografía ELISA BADENES Elisa Badenes nació en Valencia, donde se formó en el Conservatorio Profesional, graduándose en The Royal Ballet School, en 2008. Debutó como profesional en el Stuttgarter Ballett en 2009 y fue ascendiendo hasta convertirse en bailarina principal, en la temporada 2012/13. Durante su etapa de estudiante, ganó una beca en el Prix de Lausanne para formarse en The Royal Ballet School, obtuvo la medalla de oro y fue distinguida como la mejor bailarina europea, en el Youth American Grand Prix, y en el Erik Bruhn Prize en Toronto (Canadá) consiguió junto a Daniel Camargo, el premio del público. Como profesional, se alzó con el German Dance Prize Future en la temporada 2017/18. Iratxe de Arantzbia

VALENCIA SOMOS ARTE celebra su quinto aniversario con lo mejor del ballet y de la danza en una gala a beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer → Conocida por su técnica estándar de oro, la bailarina principal de The Royal Ballet Marianela Núñez es la imagen del cartel anunciador del espectáculo → Valenciana y bailarina principal en el Stuttgarter Ballett, Elisa Badenes abre la gala con el célebre paso a dos de “Romeo y Julieta”, de John Cranko → La velada contará con un lujoso plantel de primeros bailarines de prestigiosas compañías como el Het Nationale Ballet de Ámsterdam, el Ballet Estable del Teatro Colón de Argentina, el Dresden Semperoper Ballett y el Ballet Nice Méditerranée Marianela Núñez. Foto Carlos Villamayor La Asociación de Danza y Arte del Mediterráneo (ADAM), en colaboración con la Fundación Hortensia Herrero (FHH), se complacen en anunciar la celebración de la quinta edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE, que tendrá lugar el sábado 22 de septiembre, a las 19.30 horas, en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. Como en ocasiones precedentes, la gala tendrá carácter benéfico y la recaudación íntegra de taquilla se destinará este año a la Asociación Española Contra el Cáncer, habiéndose habilitado también la fila cero con un número de cuenta desde el que pueden participar aquellos que no puedan asistir. La quinta edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE quiere subrayar su apuesta por la excelencia del ballet y la danza. Por ello, esta velada cuenta con un plantel de bailarines principales de grandes compañías internacionales, que aglutina lo mejor del ballet y de la danza en la actualidad. Bajo la dirección artística de Gema Casino Penalba y con José Carlos Blanco y Fabrice Edelmann en la coordinación artística, el espectáculo consta de once piezas de estilo predominantemente clásico y neoclásico, y tendrá una duración aproximada de dos horas. Encabeza el cartel Marianela Núñez, Principal en The Royal Ballet, conocida por su técnica estándar de oro y que se encuentra en un gran momento profesional tras celebrar dos décadas en la formación británica, considerada una de las cinco mejores compañías del mundo. La bailarina argentina cerrará la primera parte con una creación especial sobre el tango Kicho de Astor Piazzolla, en la que contará con Alejandro Parente, Primer Bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón de Argentina. Además, pondrá el broche de oro al espectáculo con el paso a dos del clásico El Corsario, junto a Vadim Muntagirov, Principal en The Royal Ballet, como partenaire. Friedemann Vogel Especialmente emocionante es el reencuentro de la valenciana Elisa Badenes, Principal en Stuttgarter Ballett, con su público. Ella será la encargada de abrir el espectáculo con el célebre paso a dos de Romeo y Julieta, de John Cranko, quien también firma su segundo paso a dos, Legende. En ambas actuaciones, contará con Friedemann Vogel, también Bailarín Principal en Stuttgarter Ballett. Por motivos ajenos a la organización, no podremos contar con la participación anteriormente anunciada de Jurgita Dronina, Principal de The National Ballet of Canada. En su lugar, bailarán Maia Makhateli y Artur Shesterikov, Principales del Het Nacionale Ballet de Ámsterdam, quienes interpretarán el paso a dos de El lago de los cisnes (Acto III), conocido popularmente como Cisne Negro, y en la segunda parte, ofrecerán el dúo de Replay, con coreografía de Ted Brandsen, director de la formación neerlandesa. Procedentes del Dresden Semperoper Ballett (Alemania), el Bailarín Principal Jon Vallejo y la Demisolista Zarina Stahnke ofrecerán el paso a dos Four Seasons de David Dawson. El intérprete donostiarra repite actuación con el solo Come Again, de Goyo Montero. Bailarina Principal en el Ballet Nice Méditerranée, Marlen Fuerte presenta un extracto de la coreografía Samsara, de Víctor Ullate, y una nueva versión de la mítica pieza La muerte del cisne, para la que contará con música en directo, gracias a la colaboración especial de Salvador Bolón en el violoncello y Luisa Domingo, al arpa. Para redondear el programa, un pequeño elenco del Theater Ballet Moscow - Kristina Ryumshina, Mikhail Kirshin, Azamat Ishkin, Luke Hayward y Vilhelm Bjerser- ofrecerá la pieza Transcription of color, del creador murciano Juanjo Arqués. Esta quinta GALA VALENCIA SOMOS ARTE no sería posible sin la colaboración desinteresada de la Fundación Hortensia Herrero, la Generalitat Valenciana y el Palau de Les Arts Reina Sofía, a quienes aprovechamos para agradecer su aportación. Las entradas para la Gala Valencia Somos Arte están a la venta en la web www.lesarts.com , en las taquillas del Palau de Les Arts Reina Sofía o llamando al 902 202 383. Los precios de las entradas van desde 8,00 € hasta 40,00 €. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Del 19 al 23 de septiembre Sueca se convierte en el escenario más grande del teatro gestual La Mostra Internacional de Mim a Sueca (MIM), patrocinada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Sueca, la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, y la Fundación Bancaja, ha presentado hoy en rueda de prensa la programación y las novedades de su 29ª edición que, bajo el lema El movimiento que habla, tendrá lugar del 19 al 23 de septiembre. En ella han intervenido Albert Girona, Secretario Autonómico de Cultura y Deporte; la alcaldesa y el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Sueca, Raquel Tamarit y Vicent Baldoví; Rafael Alcón, presidente de la Fundación Bancaja; y Joan Santacreu, director del MIM. No ha faltado tampoco a esta cita Abel Guarinos, director del Institut Valencià de Cultura, o el diputado Joan Baldoví, entre otros muchos asistentes. El Colectivo Glovo ha ofrecido por su parte un aperitivo escénico de su espectáculo Mapa, que se presentará en esta nueva edición del MIM. Raquel Tamarit ha resaltado que “Sueca es referencia dentro y fuera de nuestro territorio por pequeñas grandes cosas como la Mostra Internacional de Mim, festival que reúne el talento nacional e internacional consolidado y emergente del teatro gestual, la fidelidad de un público cada vez más numeroso y el saber hacer y la perseverancia de un gran equipo”. Una cita, ha añadido Vicent Baldoví, que esta edición recoge “29 años de trabajo, constancia, alegrías y sufrimientos, pero sobre todo de éxitos y de reconocimientos como el de ser uno de los festivales más importantes de Europa en su especialidad”. Albert Girona ha mostrado esta mañana su “satisfacción y alegría” por formar parte y apoyar desde la Generalitat Valenciana “al buque escénico del MIM, un proyecto avalado por la crítica, el público y la calidad de su programación, que tiene mucho futuro y recorrido por delante”. Rafael Alcón ha explicado, por su parte, que la colaboración de la institución con el MIM responde “a la confluencia de objetivos como son lograr la máxima repercusión social de la cultura con unas propuestas que atraen a miles de visitantes cada año, apoyar a las compañías valencianas en el marco de una programación de referencia en el teatro gestual, además de incorporar siempre una perspectiva social dando visibilidad a colectivos desfavorecidos en nuestra sociedad”. El director del MIM, Joan Santacreu ha agradecido el soporte y aportaciones económicas de las instituciones, “vitales para mantener el festival”, pero ha matizado que, al ser un proyecto ambicioso con ganas de seguir creciendo, “las ayudas están muy limitadas y hay que hacer mucho “tetris” para hacer todo aquello que queremos con el presupuesto con el que contamos”. A lo que ha añadido que “esperamos con ilusión tener algún día un presupuesto a la altura del que se merece el festival”. El movimiento que habla es el leitmotiv que recorrerá este año la programación del MIM a través de 25 espectáculos para todo tipo de públicos, que mezclan distintas disciplinas en busca de nuevas formas de expresión gestual y corporal. “Este año hacemos una apuesta contundente por la danza que llenará de emociones a los espectadores”, ha destacado Santacreu tras explicar que “a veces atribuimos el gesto o el mimo a la expresión de la cara y en esta edición queremos mostrar cómo los cuerpos se ponen en movimiento para contarnos diferentes historias, trasladarnos a universos desconocidos e inéditos, próximos o cercanos”. Cuerpos que liberarán su arte y talento tanto en el teatro como en las calles u otros espacios inesperados para hacernos “reír, llorar y hasta volar jugando con el equilibrio, el silencio y los gestos”. Y para adentrarnos en la gramática del cuerpo, ha concluido, “inauguraremos el MIM con una clase magistral de Yves Marc, fundador de la cía Théâtre du Mouvement y referente europeo del mimo contemporáneo. Propuestas que glorifican el cuerpo y denuncian sus tabús El compromiso escénico y el valor del gesto se pondrán de manifiesto en la 29ª edición con propuestas que glorifican el cuerpo, denunciando sus obstáculos y tabús. Trabajos que abordan temas de nuestra actualidad más candente, como el de los refugiados y las fronteras, que el Colectivo Glovo volcará en Mapas; el papel del patriarcado en nuestra sociedad, en el que ahondará Escandall Teatral en XX; la explotación laboral, temática del espectáculo musical de circo contemporáneo Lurrak, de la compañía vasca con el mismo nombre; o el amor entre personas del mismo sexo, hilo conductor de Poyo Rojo, de la compañía argentina con el mismo nombre, una impactante fusión de danza, acrobacias y clown. La compañía vasca Ertza plantea en Meeting Point -Premio MAX 2018 al Mejor Espectáculo de Calle- cuestiones sobre las contradicciones humanas y sociales que invitan al público, de una forma lúdica, a tomar una posición activa frente a lo que está viendo. Las complejas relaciones humanas articulan también el montaje de sorprendentes malabarismos de la prestigiosa compañía inglesa Gandini Juggling: Smashed. La galardonada Maduixa Teatre -tres Premios MAX- presenta su Look at me, working progress que invita a nueve espectadores a mirarse a los ojos unos a los otros y adentrarse en el interior de la otra persona más allá de su aspecto físico. Y una reflexión en clave de danza sobre el ego y el adoctrinamiento social es lo que baila Mou Dansa en La siesta. La solidaridad y tolerancia son los valores que Comediants La Baldufa realza en Cirque déjà vu. Arte, participación social e inserción laboral definen a los sevillanos Danza Mobile -Premio Max de Carácter Social- que llegan al MIM con su último montaje, En vano, reconocido con el Premio LORCA al Mejor Espectáculo, Mejor Bailarín y Mejor Coreografía. Y otra de las propuestas, entre otras muchas, que ponen su foco de atención en temas de la actualidad, como por ejemplo las libertades individuales, es Alba, que la compañía Théâtre du mouvement estrenará en el MIM. Una adaptación libre de la obra La casa de Bernarda Alba de Lorca hecha de cuerpos, gestos y movimientos. Programación completa

Se acabó la segunda edición del Encuentro con los Maestros, la convivencia de danza y música organizada por Maria Herrera, bajo la dirección artística de Antonio Canales, Susana Lupiañez “La Lupi”, Daniel Doña y Cristian Martin, que durante los últimos quince días se ha venido celebrando en la villa indiana de Colombres (Asturias). Después de la actuación ofrecida el pasado sábado 25 de agosto por Antonio Canales, en los jardines del Archivo de Indianos, en homenaje al emigrante y como muestra del trabajo realizado con el alumnado durante la primera semana del Encuentro; el día 1 de septiembre, pudimos disfrutar del espectáculo VUELVO creado para la ocasión por el coreógrafo Daniel Doña junto al bailarín Cristian Martin, en el que también sonaron melodías de canciones hispanoamericanas y cantes de ida y vuelta interpretadas por la banda de músicos en el Encuentro LA QUINTA INDIANA en recuerdo a las tierras que un día acogieron a la emigración asturiana. Asimismo, la compañía de danza Daniel Doña junto al artista invitado Cristian Martín, llevaron a cabo su actuación A PIE DE CALLE, mostrando el carácter de vanguardia que les caracteriza, comparable al que un día supuso la construcción de la Quinta Guadalupe, cuya construcción supuso una auténtica revolución en la zona. A partir de mañana lunes se iniciarán los trámites para la organización del tercer Encuentro con los Maestros que se llevará a cabo en Colombres del 18 de agosto al 1 de septiembre de 2019. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El II Encuentro con los Maestros, el curso intensivo de danza española y flamenco, comienza hoy, por segundo año consecutivo, en la villa indiana de Colombres (Asturias). Y para dar inicio al curso ya están en el pueblo ejemplar el bailaor y coreógrafo Antonio Canales, que repite como maestro en la primera semana del encuentro, y la artista malagueña Susana Lupiañez "La Lupi", que se incorpora como gran novedad de la segunda edición. A partir del lunes 27 de agosto tomará el relevo el coreógrafo de danza española Daniel Doña, premio MAX de las artes escénicas y El Ojo Critico de RNE, que recibirá el apoyo del bailarín de su compañía Cristian Martín durante la segunda semana del Encuentro. Maestros, músicos y alumnos convivirán las dos semanas que dura el curso, compartiendo también otras actividades culturales y deportivas que desarrollará para ellos la empresa de turismo activo DEVATUR. Asimismo, está previsto que el próximo miércoles realicen una actividad de voluntariado, pasando la tarde en compañía de los ancianos que viven en la residencia de mayores Fundación Ulpiano Cuervo de Colombres. Además, los días 25 de agosto y 1 de septiembre están programadas las actuaciones de Antonio Canales y la compañía de danza de Daniel Doña, respectivamente, en dos espectáculos que también mostrarán las coreografías de los maestros que bailarán las alumnas en el Encuentro. Ambos espectáculos se llevarán a cabo en el Archivo de Indianos - Museo de la Emigracion y comenzarán a las 19:00 horas. Las entradas (10 euros) se podrán adquirir en la Oficina de Turismo de Colombres a partir del miércoles 22 de agosto. Para terminar, los Músicos del Encuentro ofrecerán también dos conciertos. El primero será en “El Patio” de Unquera el viernes 24 de agosto a las 22:00 horas y el segundo en el café bar El Capri, de Colombres, el viernes 31 de agosto a la misma hora. La entrada es gratuita y el público podrá disfrutar de las mejores versiones de música folk, jazz y flamenco fusión. Colombres, el Pueblo Ejemplar Asturiano 2015 sigue apostando por la cultura, esta vez a través de la música y la danza. &&&&&&&&&&&&&&&&&&