En la Fundación Juan March se ha celebrado una conferencia-entrevista con José Carlos Martínez, director artístico de la CND. El público que llenaba la sala, se mostró muy interesado al compartir a modo de una charla entre amigos, anécdotas y curiosidades de su trayectoria vital. De un lado, Antonio San José, el entrevistador; del otro,  José Carlos, el entrevistado, fueron debatiendo con desenfado y amenidad  la brillantísima carrera artística del que fue calificado por la revista Japonesa  Shinshokan dance, como uno de los mejores bailarines del mundo, y que gracias a su tesón y capacidad de trabajo ha logrado cumplir su sueño y brillar en la historia de la danza. José Carlos Martínez (Cartagena 1969), inició sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina, donde aprendió la disciplina necesaria para poder bailar y fue esta maestra la que le descubrió su talento para la danza. José Carlos empieza a soñar en ser una estrella del ballet es muy joven tiene 14 años. Entre 1984  -1987 estudió en el Centre International de Danse Rosella Hightower. Una escuela en la que le enseñaron a bailar según sus posibilidades: “ Aprendí a bailar con mi cuerpo”, comenta. Allí tuvo como Maestro al español José  Ferrán. Y estando allí ganó el Prix de Lausanne, que consistía en una beca de un año de estudios en una Compañía de danza de su elección. Violette Verdy  miembro del Jurado y Directora de la Ópera de París en ese momento,  le aconsejó que por su estilo de bailar debía ir a la Ópera de París y esta fue su elección. Su entrada en la icónica compañía parisina fue un momento en el que sintió que entraba Historia de la danza. Comenzaba a bailar  los ballets que el había estudiado teóricamente en el Conservatorio y con Ferrán.  En 1988 fue elegido personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del cuerpo de baile.,, Estaba viviendo su sueño. La opera de Paris se abría ante él. Una gran Compañía de Ballet, cuna de la escuela francesa  y con una gran tradición dancística le ofrecía un sin fin de posibilidades de progresar  pero todavía le quedaba mucho camino, pues hay 6 categorías de bailarines hasta llegar a Bailarín Principal. Además comprobó que aquello era un no parar debido a la existencia de 2 teatros e innumerables espectáculos que se suceden unos a otros. Tras ganar la medalla de oro en el Concurso internacional de Varna (1992), empezó a interpretar los roles mas emblemáticos Basilio, Hilarión, del ballet clásico y contemporáneo. Fue nombrado Bailarín Estrella de la Opera de París en 1997, la máxima categoría de la Jerarquía del Ballet. Es importante destacar que José Carlos opina que un bailarín clásico es necesario que aprenda Escuela Bolera. Él la aprendió en el conservatorio de Murcia y luego, siguió en Francia con José Ferrán. Considera que estos conocimientos fueron muy importantes en su carrera de bailarín y le permitieron destacar en papeles como el Molinero en el “Sombrero de tres picos” con coreografía de Massine. Solo él pudo bailarlo cuando la Opera de Paris repuso la obra. En el ballet de la Opera de Paris trabajó con los coreógrafos más importantes del momento, Nureyev, Kylian, Forsythe, pero los que más le impresionaron han sido curiosamente dos coreógrafos contemporáneos: Mats Ek y Pina Baush. De Mats Ek aprendió a aportar su propia personalidad a las coreografías, y Pina Baush a olvidarse de todo lo que había aprendido de técnica y saber ser el mismo. Comenzó  a coreografiar en la Opera de París porque los coreógrafos le daban ciertas indicaciones que él pensaba que se podían  hacerse de otra manera. La motivación en sus coreografías siempre fue la música. En 2009 recibió el premio Benois Danse por su coreografía Les Enfants du Paradise. Un ballet de encargo del Ballet de la Opera con gran formato de 145 bailarines y en el que participó no solo en la dirección coreográfica sino incluso en la dramaturgia y los decorados. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos le hizo especial ilusión el Premio Nacional de Danza (1999),  ya había bailado casi en España y esto le dio la idea de valorar el regresar. En 2011 fué nombrado Director de la CND. Entre los momentos mas gratificantes de esta etapa comenta que además  del éxito de su versión de ballet Quijote, recuerda la celebración del Día Internacional de la danza en las Naves del Matadero impartiendo una clase en la que participaron sus bailares, público con personas discapacidad. Como colofón a la entrevista se proyectan escenas de sus roles más emblemáticos: “el apartamento” de Mats Ek ; “Paquita” de Pierre Lacotte. Entre sus coreografías se nos muestra fragmentos de “Mi favorita”, de “ Les Enfants du Paradise” y de  “ Don Quijote”. Continuamos con una serie de fotografías  personajes de ballets famosos interpretados por él, como basilio de Don Quijote, Hilarión en Giselle, El príncipe Sigfrido en el Lago de los Cisnes, etc… Para finalizar, Antonio San José, como siempre suele hacer con sus invitados a estos “Diálogos”,  le pregunta qué tres cosas cambiaría para que el mundo fuera mejor. José Carlos responde: 1) Las personas deben aprender a escuchar a los demás; 2) No dar importancia al ego de cada uno, ser más humildes; 3) Bailar mucho que es muy divertido. Y así, finalizó la velada entre aplausos. PAOLA PANIZZA

Dirigido a alumnos, alumnas y profesionales de danza española y flamenco, la asociación sin ánimo de lucro MJH Diferencias Educativas, con la colaboración de María Herrera, ha organizado varios cursos de Talleres Coreograficos con distintos maestros para esta Navidad en Madrid. - El día 26 de diciembre inaugurará el curso Paloma Gómez, quien fue durante años primera bailarina del Ballet Nacional de España y hoy dirige su propia compañía, impartiendo su taller de 10:00 a 14:00 h. - El 27 de diciembre y en el mismo horario, realizará su trabajo Eduardo Martínez, en la actualidad primer bailarín del Ballet Nacional de España. - Los días 28 y 29 de diciembre imparten su taller coreografico conjunto los bailarines y coreógrafos Daniel Doña y Cristian Martín. - El día 30 de diciembre hará un trabajo muy bonito el bailaor Emilio Rivas, quien acaba de reaparecer en los escenarios con la nueva compañía de Antonio Canales. Y para empezar el Año Nuevo - Los días 2, 3 y 4 de enero , el bailarín y coreógrafo Carlos Vilan impartirá un curso para “reivindicar nuestra música clásica y la comprensión de la misma a la hora de afrontar una coreografía”. Los Maestros son inmejorables y las plazas están limitadas, por eso os animamos a inscribiros y aprovechar esta oportunidad única de ampliar vuestra formación artística . Más información y registro a través del email: proyectozarandeo@gmail.com &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Bodegas Arbás dedica un vino al Centenario Mariemma, Jesús Arbás, eligió crear como lo hubiera hecho Mariemma, los mejores componentes y el mejor proceso para sacar un producto especial a la altura de nuestra gran bailarina…de su mejor viñedo, con sus mejores uvas y el meticuloso proceso de despalillado realizado por bailarines y amantes del mundo de la danza como, Antonio Canales, Rafael Amargo, Mar Mel, Paloma Gómez, José Merino, Pepa Sanz, Fernando Romero, Raúl Cardenes entre otros… Nace este vino único y dedicado a Mariemma: Rond de Jambe CENTENARIO MARIEMMA, está elaborado con uva procedente de viñedos centenarios, de variedad Tinta Fina, con una cuidada selección de uva en mesa y despalillado sin estrujado. La aportación especial ha sido la fermentacion y crianza con lias, en un depósito ovoide, donde comienza su proceso de elaboración natural del vino bajo principios Biodinámicos sin añadido de ningún tipo de levaduras, bacterias ni sulfitos. Este depósito es ideal para evitar la posible intoxicación de componentes perjudiciales para el vino, debido a un exceso de oxigeno. El proceso de elaboración es novedoso, remontados sin bomba y microxigenación controlada, que dan como resultado una mayor extracción de la fruta y de los componentes primarios de la uva. Rond de Jambe CENTENARIO MARIEMMA es un vino joven, añada 2016 con un vivo color violeta que expresa su juventud, en nariz toques de fruta roja, herváceos, pimiento verde y la típica nota a regaliz de la tempranillo. En boca es potente, graso… sin notas de madera, ya que no ha tenido crianza en barrica, ni contacto con taninos procedentes de ella. Sorprende en boca por su tanicidad natural sin astringencia. En esta novedosa creación, desconocemos su evolución en botella, la que solo da el paso del tiempo… aunque auguramos un sorprendente éxito. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El próximo sábado 2 de diciembre en el Teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa, tendrá lugar el espectáculo "En torno a Mariemma", una gala homenaje a la figura de esta bailarina en el centenario de su nacimiento. Raúl Cárdenes, es el director artístico y coordinador de la gala, que estuvo acompañado en la presentación por las directoras y coreógrafos de los Conservatorios Profesionales de Danza de Madrid: Eva López Crevillén, Rosa Ruíz y Antonio Pérez (CSDM”María de Ávila”), Mar Mel, Mariló Uguet y (RCPD“Mariemma”), Ángela Mendoza, Rocío Espada y Mar López (CPD“Carmen Amaya), Virginia Domínguez, (CPD“Fortea”); por los bailarines, músicos, cantaora, actriz y copatrocinadores, que participan en el evento, como son Rafael Amargo, Carmen “La Talegona”, Mayte Maya, Sara Vega, Mariano Cruceta, David Sánchez, Juan Manuel Prieto, Beatriz Morcillo, Paula García, Jesús Arbás o Carlos Fajardo, entre otros. Mariemma es un icono de la danza universal, Gran Dama de la Danza Española, su “danza estilizada”, creada por ella desde una estricta y rigurosa investigación de nuestro riquísimo Folklore, Escuela Bolera y el Flamenco; y, con una intachable y prolongada trayectoria como primera bailarina, coreógrafa, directora de su propia Compañía y Maestra, merecen este evento que le realiza el teatro Fernán Gómez como reconocimiento a la memoria que nos ha legado. Este programa-homenaje contará con piezas interpretadas por bailarinas y bailarines de nuestro país y de fuera de nuestras fronteras, procedentes de Compañías, incluyendo el Ballet Nacional de España y Conservatorios Profesionales. Paula García. Fotografía Jesús Vallinas Paula García, Premio extraordinario de danza de la Comunidad de Madrid 2016-17, Premio de grado-danza española en el CPD “Carmen Amaya”, Premio Interpretación en el Concurso Nacional de Castellón, ofreció una magnífica demostración de lo que será esta gala, una cita imprescindible para los amantes de la danza. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

«Emocionado y honrado por la confianza depositada en mí por la Ministra de Cultura de Uruguay y el Consejo Directivo del Sodre al ofrecerle su Ballet Nacional y por la gran figura de ballet Julio Bocca», Igor Yebra asume la dirección artística del Ballet Nacional Sodre de Uruguay, cargo al que se incorpora a finales del mes de enero del próximo año. Igor Yebra quiere reiterar su agradecimiento al Ministerio de Cultura de Uruguay, al Consejo Directivo del Sodre y muy especialmente, a Julio Bocca, por la firme apuesta por su candidatura. La relación de Igor Yebra y el Ballet Nacional Sodre viene de lejos, cuando la estrella bilbaína fue invitada a protagonizar el espectáculo La viuda alegre, en 2012. No obstante, fue a propuesta del propio Julio Bocca, director artístico del Ballet Nacional Sodre (2010-2017), cuando Igor Yebra fue invitado a presentar su proyecto para tomar el legado que la gran figura argentina deja en la compañía uruguaya, construido en ocho temporadas de incesante trabajo. Tal y como confirmó la Sra. Ministra Dª María Julia Muñoz el pasado 15 de septiembre, el Consejo Directivo del Sodre había decidido ofrecer la dirección artística al artista vasco. Finalmente, Igor Yebra se incorporará a la dirección artística del Ballet Nacional Sodre el 28 de enero de 2018, «con mucha ilusión y enorme sentido de la responsabilidad debido al gran trabajo realizado por Julio Bocca en estas últimas ocho temporadas bajo su dirección». Después de rubricar un enorme éxito el pasado viernes en la inauguración del evento global Fair Saturday con su actuación en Zorba, el Griego, que puso en pie a público de 5.000 personas y que supuso 5 bises, Yebra asumirá un nuevo reto con su participación en la obra teatral Esto no es la Casa de Bernarda Alba, bajo la dirección de Carlota Ferrer, que se estrena en los Teatros del Canal de Madrid, el próximo 14 de diciembre. IGOR YEBRA Nacido en Bilbao, Igor Yebra se formó en la escuela de Víctor Ullate, en Madrid. Debutó como profesional en el Ballet de Víctor Ullate (1988-1996), y posteriormente emprendió su carrera en solitario en el Australian Ballet (1997-1999), primera de las muchas compañías internacionales de los cinco continentes con las que ha colaborado a lo largo de su trayectoria. Su carrera internacional como freelance se ha nutrido de tres fuentes principales: la escuela francesa gracias a Charles Jude, la escuela italiana de la mano de Carla Fracci y la escuela rusa a través de Yuri Grigorovich. Entre sus hitos profesionales, se encuentra su rol protagonista en Iván el Terrible, en el Palacio de Congresos del Kremlin en 2004, convirtiéndose Yebra en el primer bailarín no ruso que interpretó este papel. Entre sus galardones destacan el Gran Premio de Eurovisión para jóvenes bailarines (1989), el Premio ‘Danza & Danza’ al ‘mejor bailarín del año’ en Italia (1996), el segundo premio en el concurso Maya Plitseskaya (1998) y el Premio Leonidas Massine en Italia (2003), entre otros. Igor Yebra ha sido Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos (2006-2016) y Primer Bailarín invitado del Ballet de la Ópera de Roma (2002-2012). Consciente de la importancia de una enseñanza de calidad, Igor Yebra fundó su propia escuela de danza en Bilbao en 2006. Actualmente, compatibiliza las facetas de bailarín, coreógrafo y maestro, continuando su carrera internacional como estrella de forma freelance. Además, es miembro del Consejo Internacional de la Danza de la Unesco. BALLET NACIONAL SODRE, URUGUAY Fundado en 1935, el Cuerpo de Baile del Sodre ha sido el organismo artístico público encargado de desarrollar el ballet clásico profesional en el Uruguay. Con el Mtro, Alberto Pouyanne como primer director artístico, la compañía nacía con la vocación de abordar el repertorio clásico y de fomentar la creación en danza contemporánea. El primer espectáculo del Cuerpo de Baile del Sodre fue Nocturno Nativo, sobre música de Vicente Ascone, e inspirado en elementos del folclore nativo, y se estrenó el 23 de noviembre de 1935. Rebautizado como BNS | BALLET NACIONAL SODRE, el Mtro. Julio Bocca asumió la dirección de la compañía en junio de 2010, llevando a cabo la mayor transformación de su historia. La incorporación del Mtro. Julio Bocca como Director Artístico provocó un profundo proceso de refundación del elenco nacional, abriendo sus puertas a la región y al mundo tanto en la integración de sus componentes como en la elección de los maestros, coreógrafos y bailarines invitados. De esta manera, la labor de Julio Bocca situó al BNS a unos niveles de excelencia internacional antes no conocidos por la compañía, gracias, entre otras cosas, a una gestión moderna y dinámica. Desde entonces se han estrenado en el Auditorio Nacional más de treinta obras, entre los grandes ballets clásicos, obras del mejor repertorio contemporáneo y moderno, y creaciones originales para la propia compañía. Durante esta nueva etapa, el BNS ha realizado numerosas giras nacionales e internacionales. Actualmente, el BNS es una compañía joven, renovada, con un amplio repertorio, con grandes producciones, con una creciente proyección internacional, con un público que supera los 100.000 espectadores anuales. Iratxe de Arantzbia

Estrellas y solistas del Ballet de la Ópera de París hacen escala este fin de semana en el XXXII Festival Internacional Madrid en Danza con toda la elegancia y la pureza de la tradición francesa. Su Gala de estrellas y solistas, que podrá verse la noche del sábado 25 de noviembre, a las 20.00h, en la Sala Verde de los Teatros del Canal, supondrá un viaje a través del extenso repertorio de la prestigiosa compañía. De este modo, el público podrá descubrir algunas de sus obras más originales, así como las últimas creaciones que forman parte del repertorio del gran teatro francés. Bajo la dirección artística de Alessio Carbone, coreógrafo y actual primer bailarín del Ballet de la Ópera de París, sobre el escenario se sucederán piezas como Don Quichotte o Le parc -con música de Mozart- y trabajos más recientes como Together Alone, bajo la sintonía del compositor estadounidense Philip Glass. Vídeo promocional "Atando cabos" de Mariano Bernal Por su parte, el ex primer bailarín del Ballet Nacional de España Mariano Bernal (en fotografía cabecera) presentará su primera creación en solitario. Atando cabos es un repaso y un homenaje a sus experiencias profesionales y a sus recuerdos familiares, que desemboca en la verdad del flamenco y en su capacidad para sacar conclusiones. El espectáculo, que se estrena en Madrid de la mano del Festival Madrid en Danza, podrá verse el sábado 25 de noviembre, a las 20.00 horas, en el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte de La Cabrera. Bailarín, maestro y coreógrafo, Mariano Bernal (Sevilla, 1978) comienza su trayectoria profesional a los 14 años de la mano de María Pagés y el Ballet Ciudad de Sevilla. Estudia flamenco, danza española y danza clásica en el Real Conservatorio de Sevilla, donde obtiene la máxima calificación. Farruco, Manolo Marín, Genesia K., Antonio Gades, Azorín, Pilar López, Javier Latorre y José Granero son solo algunos de los maestros con los que se ha formado, trayectoria que ha imprimido una gran versatilidad en su baile y en sus conocimientos de la danza. Su carrera está marcada de forma decisiva por el Ballet Nacional de España, donde pulió su estilo en las diferentes disciplinas, desempeñando la categoría de primer bailarín a una edad muy temprana. Como primer bailarín colabora también con Antonio Canales, Aída Gómez, Pilar Távora y Estrella Morente. Ha trabajado además en las compañías Metros, de Ramón Oller, Eva Yerbabuena, Úrsula López y el Ballet Flamenco de Andalucía (bajo la dirección de Cristina Hoyos). En 2010, fruto de los inicios de su andadura como maestro y coreógrafo, recibe el Premio Joven del Año. A lo largo de su trayectoria, cabe destacar su participación en piezas como Poeta, Oripandó, Semblanza, Carmen, Ritmos, Fuenteovejuna, Medea, Grito, Taranto, ni contigo ni sin ti, El Café de Chinitas, La leyenda o El loco. Actualmente, compagina la docencia en el Centro Andaluz de Danza con sus propios espectáculos. Finalmente, también este sábado 25, el Centro Cultural Paco Rabal acogerá la puesta en escena de 88 azucenas y un perro, de la compañía CienfuegosDanza, a las 20.00 horas. El público de Lorca, el dadaísmo y el surrealismo le han servido al coreógrafo Yoshua Cienfuegos como marco ideológico y poético para crear este espectáculo, que, a través de la danza contemporánea, trata de investigar sobre las circunstancias que más profundamente afectan a nuestro presente y a nuestro futuro. CienfuegosDanza es todo un referente de la creación contemporánea de nuestro país. Más allá de nuestras fronteras, su prolífica actividad ha podido verse en países como Italia, Francia, Dinamarca, Israel, China, Costa Rica, Venezuela, Brasil o Argentina, siempre con el fiel compromiso de acercar la danza más pura al gran público. &&&&&&&&&&&&&&

Se viven días trepidantes para el Ballet Nacional de España. Todavía no se apagaron los ecos de los aplausos del éxito obtenido con “Sorolla” en el Teatro Real, y ya se están ultimando los detalles de un nuevo estreno: “Electra”, que tendrá lugar el próximo 9 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela. Los aficionados a la danza están muy intrigados sobre cómo será este nuevo ballet. Nada mejor para saciar la curiosidad que conversar con su creador, el bailarín y coreógrafo Antonio Ruz. Nos reunimos con él en el Ateneo de Madrid. No parece nervioso, por el contrario, se muestra seguro del resultado. Tengo la sensación de que una de las características de la personalidad de Antonio es que sabe lo que quiere y además lo consigue. Su trayectoria profesional ha sido muy variada. Así, desde sus estudios de danza española en Córdoba, se pasa al clásico y forma parte de la Compañía de Danza de Víctor Ullate y el Ballet de la Ópera de Lyon, y cuando está en lo más alto de su carrera , nada menos que llegando a ser partenaire de Sylvie Gillem, una lesión le obliga a reinventarse en la danza contemporánea. Pero Antonio se crece ante la adversidad. Baila entonces con la CND y con Sasha Waltz & Guests, donde gracias al apoyo de la célebre coreógrafa alemana, empieza una colaboración en el terreno de la creación que no ha cesado. Este bagaje itinerante fructifica en otros estilos como sus colaboraciones con Rafa Estévez y Nani Paños, y la formación de su propia compañía. Y es que Antonio Ruz logró elaborar un lenguaje coreográfico propio, es una voz única pero enriquecida por las maravillosas influencias que cosechó y sigue cosechando en el camino. P-¿Qué tal van los preparativos? -Muy bien, en este momento cuando todo está listo y nos encontramos a las puertas del estreno, puedo decir que me siento muy satisfecho con el resultado del trabajo realizado. P-El estreno se acerca... -Sí, estamos en la recta final. Esta misma semana, el sábado 25 de noviembre, habrá un preestreno de la "Electra" en el Teatro Municipal de Coslada. P-¿Por qué en Coslada? -Las piezas, antes de llegar a las capitales, se suelen mostrar al público por primera vez. Así se comprueba todo sin la presión que siempre supone mostrar la obra en un gran teatro, como será en esta ocasión el Teatro de la Zarzuela, donde estrenamos el 9 de diciembre. P-¿Cuál piensas que es la razón por la que Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, confió en ti para que coreografiaras un nuevo ballet? -Mejor se lo podías preguntar a él (bromea). Según me contó Antonio, tenía en su mente que el Ballet Nacional de España enriqueciera su repertorio con un ballet de argumento de larga duración. El BNE sí tiene algún ballet de argumento como “Medea” o “El sombrero de tres picos”, pero se tienen que representar con otras piezas por su brevedad. P-¿Por qué escogisteis el mito de Electra? -Inicialmente se me planteó un tema sugerido por el Teatro de la Zarzuela. Era una propuesta de encargo de un ballet sobre una obra del teatro clásico español. Meditamos la cuestión. El problema surgía de cara a la difusión internacional de la obra, pues al ser un asunto desconocido en el extranjero se tiene mayor dificultad a la hora de que se programe en las giras... Entonces pensé en Electra, un mito universal. P-Es sorprendente, especialmente porque la trama de Electra es una historia muy enrevesada y, a priori, parece demasiado complicada para trasladarla al ballet. -Tuve muy claro este problema y también que hacía falta un dramaturgo que elaborase un guión apto para el lenguaje de la danza. Yo ya había colaborado en una Antígona con Miguel del Arco, y eso me hizo aproximarme al mundo clásico griego. P-¿Qué te atrae de los mitos griegos? -Su visceralidad, son personajes muy pasionales que conectan de cerca con la cultura española. La conexión es muy fuerte. Están en la raíz de nuestra cultura y compartimos con ellos muchas más cosas de las que podíamos imaginar. Es fascinante comprobar como historias escritas hace más de dos mil años todavía siguen impactando al espectador. P-Por eso son mitos. Exactamente, Electra, más que venir a mí, yo la busqué. Y la encontré. Entonces presenté el proyecto a dirección del ballet y lo aprobaron. P-Pero, insisto, en ballet, un argumento para que llegue al público tiene que ser mucho más extractado que en el teatro. La danza tiene un mensaje argumental mucho más simple y directo que el teatro. -Por eso pedí la asistencia de un dramaturgo que adaptase la trama y propuse a Alberto Conejero. Desde el principio sabía que él era imprescindible. Nada más le propuse el proyecto se entusiasmó... Alberto conoce como nadie los personajes de la tragedia griega, los ha estudiado con tal profundidad que incluso aprendió griego y puede leer los textos originales. No tuve ninguna duda de que era él indicado. Conectó perfectamente con la idea que yo deseaba transmitir, y también se mostró entusiasmado con la tarea de trasladar el mito de Electra a España. P-¿Es una Electra española? -Sí, hemos insertado el mito en la España rural. Eso fue lo que me atrajo de Electra que se podía trasladar. P-¿Encuentras puntos de contacto de Electra con lo español? -De entrada puede sonar lejano pero existen muchos elementos de conexión, muchos vínculos con la mediterraneidad del personaje. El ámbito rural griego no es tan diferente del que existe en España. Fue fundamental que la obra de Electra se desarrollara en el campo. P-¿A qué te refieres con Electra rural? -Escogí la Electra pero basada más en la obra de Eurípides que la de Sófocles, porque la trama de Eurípides tiene lugar en el mundo campesino. En la tragedia de Eurípides a Electra la han casado contra su voluntad con un labrador para humillarla y que de esta forma no tenga herederos que puedan vengarse. La acción discurre en la casa del labriego, y yo necesitaba una historia que pudiera desarrollarse en la España campesina del siglo XX para contarla en clave de danza española. P-¿Te fascina Electra? -Me enamoró el tema, y me tiene que enamorar si lo tengo que llevar a la danza. Luego, poco a poco van surgiendo todos los detalles. Fotografía James Rajottte P-He visto en las primeras fotos de la Electra que la estética es muy austera, unas mujeres con un manto oscuro... -Para el diseño estético me ha inspirado en las fotografías de Ortiz Echagüe. Tienen una fuerza increíble y han sido para mí un estímulo sobre el impacto visual que quería lograr. Fotografía Ortiz Echagüe P-Sí, son fotografías que, aunque se encajan dentro del marco tradicional, sus tipos tienen algo trascendente. -Cuando los vi me di cuenta de que son los prototipos de mis personajes, que encajaban perfectamente con mi idea. Tienen una fuerza enorme dentro de la sencillez de sus vestiduras. Ten en cuenta que esta atracción por el mundo campesino, no la siento por casualidad, sino que es el entorno en que yo nací. Mi familia es del campo. Vengo de allí. Fotografía Ortiz Echagüe P-¿Eres de Córdoba? -Sí, pero mis padres son de un pueblo que se llama Montalbán de Córdoba. P-Recuerdo que la primera vez que te entrevisté me contaste que habías empezado con la danza española. -Empecé con Concha Calero y en el Conservatorio De Córdoba. Luego decidí cambiar el español por el clásico. Y aunque si me propongo algo lo hago con todo mi empeño y sin mirar atrás, confieso que sentí mucha pena de no poder compaginar las dos disciplinas. Un bailarín clásico no puede además estar practicando con la bota y el palillo, cualquiera que decida dedicarse a una u otra rama lo tiene que hacer en cuerpo y alma. La danza requiere una entrega total. P-Crear una Electra para el Ballet Nacional, ¿Es una vuelta a tu origen? -Desde niño me fascina la tradición, el folklore… Y aquí estoy tratando de mostrarlas en versión actual, porque subirlas a un escenario con una óptica nueva tiene la labor de preservarlas, de transmitirlas. P-Tu trayectoria en la danza es muy variada, de bailarín clásico -incluso fuiste partenaire de Sylvie Guillem- terminas bailando contemporáneo en Alemania a la par que colaboras con Rafa Estévez y Nani Paños... Es como si no te desprendieras de nada y trataras de abarcarlo todo. Pero ¿Cómo te defines? -Siempre he hecho un trabajo ecléctico, y creo que por eso estoy aquí. Para mi no existen barreras y todos los estilos se complementan si se hacen bien. Tal vez por eso Antonio Najarro me escogió, por la diversidad de mi trayectoria... El año que viene tengo un encargo del Festival de Zúrich para dirigir un proyecto en la iglesia Fraumünster, sobre el universo pictórico Chagall con bailarines de universidad de danza, música en directo y texto. También estrenaré el próximo proyecto de mi compañía en los Teatros del Canal en octubre del 2018. P-¿Te han sido provechosas tus incursiones en la danza española con Rafa Estévez y Nani Paños, que ahora están dirigiendo el Ballet Flamenco de Andalucía? -Con Rafa y Nani he colaborado más de una década. Ha sido muy importante para mí y espero que también haya sido así para ellos, nos hemos enriquecido con influencias recíprocas. Nos hemos fraguado juntos. En este proyecto no han podido estar, pero están haciendo una labor muy buena con el Ballet Flamenco de Andalucia y el reciente estreno de su espectáculo “Aquel Silverio”. P-¿Cuál es el papel de Olga Pericet en la Electra? -Olga Pericet no baila en Electra, sino que ha colaborado conmigo como coreógrafa invitada. P-¿Por qué no baila? Hubiera sido una Electra maravillosa. -Olga claro que es maravillosa, siempre deseé trabajar con ella y mi deseo se ha cumplido. Pero no la necesitaba como intérprete porque bailarines en el BNE hay muchos y muy buenos, lo que me hacía falta era apoyo en español. Quiero decir y dejar claro que yo no he tenido carta blanca para hacer lo que yo quisiera con el BNE y la Electra. No es mi compañía sino que es una compañía de ámbito público. Es una institución bajo una dirección artística que se tiene que respetar. He tenido libertad pero siempre dentro de las líneas que me ha marcado Antonio Najarro. Y uno de esas “limitaciones” fue la colaboración con un coreógrafo de danza española y escogí a Olga. P-¿Te ha sido fácil o difícil compaginar tu trabajo con la dirección del BNE? -Para nada, a veces las limitaciones se convierten en libertad, o más que en libertad en enriquecimiento de las propia ideas. Y he congeniado muy bien con las directrices sugeridas por Antonio y con las ideas de Olga. Electra es una mujer y por eso Olga me ha sido imprescindible para que todo encaje y encuentre su sentido. También los bailarines han contribuido a dar forma a sus personajes. P-¿Qué te aportaron los bailarines? Mucho, porque he empleado la improvisación como herramienta creativa. Yo no tengo las coreografías montadas sino que uso las propuestas de ellos, en una creación que podría definir como colectiva. P-¿Y la música? Los compositores son Pablo Martín Caminero y Moises Sánchez, del ámbito de la música clásica y el jazz. Hay orquesta sinfónica, percusión y guitarras flamencas, y la cantaora: Sandra Carrasco. Su voz es imprescindible en la evolución de la trama, las frases del corifeo en la Electra de Eurípides se han transformado en cante flamenco, el cante de Sandra. El resultado ha sido una obra muy lorquiana, porque además el dramaturgo Alberto Conejero es un enamorado de Lorca y escribe letras para flamenco. El equipo con que he contado ha sido de ensueño. Son una parte de los creativos que me acompaña desde hace años en mi compañía; la bailarina y coreógrafa Lucia Bernardo como ayudante de dirección, Olga García en el diseño de iluminación y Daniela Presta en el atrezzo. Además, otros grandes forman en el equipo como Paco Azorín que diseña la escenografía y Rosa García Andujar, el vestuario. La composición musical de las partes flamencas corre a cargo de Diego Losada y el director musical es Manuel Coves con la ORCAM. Para mi es importante que no es solo una pieza de danza, es una dramaturgia dotada de música original y danza. P-¿Es una obra de danza? Lo definiría como una obra de danza pero muy interdisciplinar, no encasillada, ni limitada. Hemos complementado distintos géneros para que todo fluya y se complemente y enriquezca. Lo definiría como una obra de danza pero muy interdisciplinar, con diferentes no encasillada ni limitada. Hemos complementado distintos géneros para que todo fluya y se complemente y enriquezca. MERCEDES ALBI

"LA DANZA ESPAÑOLA, MI VIDA. LA ESCUELA BOLERA MI OBLIGACIÓN PARA MANTENERLA VIVA". (Eloy Pericet) El pasado 29 de Septiembre tuve el placer de asistir al homenaje a Eloy Pericet organizado por APDE (Asociación de Profesores de Danza Española, clásica, moderna y flamenco), al que le siguió otro emotivo homenaje esta misma semana en el Teatro Cervantes de Málaga. Como indica la RAE, un maestro es un adjetivo que se usa para calificar una persona u obra de mérito relevante entre las de su clase. En este caso ambas acepciones convergen en un sólo nombre. Es por ello que dicha convocatoria estuvo arropada por grandes maestros del hoy que bebieron del buen estar y hacer cuando fueron alumnos de Eloy Pericet. Eran muchas las generaciones que estaban allí presentes devolviendo al maestro una parte del legado que ellos les dejó. Querido MAESTRO: Tuve el privilegio de participar de un acto en el que seguramente tenias butaca preferente. Veo tus ojos empañados por las lágrimas al observar que tu esfuerzo mereció la pena. En todos y cada uno de los que estábamos allí has dejado una parte de ti. Aquellos que fueron tus alumnos continúan tu legado y ahora son maestros de nuevas generaciones que permiten que tu tesoro continúe vivo. Me reitero en el "tu" porque todo ello es gracias a ti. La tarea que te encomendaron tus predecesores era complicada pero por si alguna vez tuviste dudas de que había merecido la pena, ya viste la respuesta. Aquello que para ti era una "obligación" que pesaba demasiado, pasó a ser un capítulo imborrable para la Escuela Bolera. El recorrido en la presentación del acto recogía el pasado y el presente. El pasado de la mano de piezas como "Bolero del Requejo" interpretado por El Grupo de Coros y Danzas Francisco de Goya y el presente de la mano de "Barchiana" de Antonio Pérez o "Danzas Fantásticas" de Alejandro Lara. Evolucionar respetando los cánones permite que la danza no muera. En tu nombre me permito dar las gracias a todos los allí presentes, a Carmen Cubillo, a todos los conservatorios de Madrid (Conservatorio Profesional de Danza " Comandante Fortea", Conservatorio Profesional de Danza "Carmen Amaya", Real Conservatorio de Danza "Marienma" y al Conservatorio Superior de Danza Mª de Ávila " - mencionados por orden de aparición -), al Instituto Univesitario de Danza "Alicia Alonso", la Escuela de Danza Carmen Fernanda, a Ángel Manarre y a los ya mencionados con anterioridad. En último lugar he dejado a los alumnos de APDE que representaban el sentido que tenía este evento. Y aprovecho este momento para agradecerle a María José Guijarro (presidenta de la asociación APDE) y a Lola Moreno que pusieran en marcha un día inolvidable para todos. Maestro, descansa tranquilo. Son muchos los que bebieron de tus fuentes y que con ellas se enriquecieron, Carlos Vilán, Maribel Gallardo y Currillo Franco, María Rosa, Merche Esmeralda o Antonio Márquez por mencionar a algunos de los allí presentes y muchos profesores anónimos que luchan por sacar sus escuelas adelante en estos tiempos difíciles para nuestra cultura. Para todos ellos has sido fuente de inspiración. "Los discípulos son la biografía del maestro" (Domingo Faustino Sarmiento). La tuya se escribe con mayúsculas. Gemma Ortega

Con un lleno absoluto y las localidades agotadas para todas las funciones, el Ballet Nacional ha irrumpido en el escenario del Teato Real con fuerza extraordinaria. La agrupación dirigida por Antonio Najarro ha demostrado una vez más su solvencia poniendo a la danza española en el lugar que le corresponde, y como ya sucedió con su estreno en el Liceo, ha salido reforzada con la interpretación de la orquesta, en este caso la del Real, bajo la briosa batuta de Manuel Coves. Al aceptar el encargo de la Hispanic Society de Nueva York, Joaquín Sorolla se enfrentaba a una labor titánica: en primer lugar, por las enormes proporciones de los lienzos, y en segundo lugar, porque reflejar toda la variedad y la riqueza de nuestra cultura era un reto que solo un genio podía afrontar. Artistas como Picasso, Zuloaga, o el propio Sorolla, compositores como Albéniz, Granados, Manuel de Falla, Joaquín Rodrigo, Joaquín Turina... Sintieron una fascinación por lo español que inspiró sus mejores creaciones. Fascinación que fue compartida por músicos como Bizet, Glinka, Korsakov, Debussy o Ravel, y en el ámbito concreto del ballet por compositores como Tchaikovsky o Minkus y por figuras como Diaghilev, Massine o Lifar... En esta misma línea, "Sorolla" encuentra en  el folklore español  la  fuente de inspiración para crear algo nuevo. La música de Juan José Colomer estiliza la música tradicional para llevarla al ámbito de lo sinfónico, haciendo uso del "leitmotiv" para garantizar la cohesión de la partitura, y de una orquestación rebosante de matices: el lirismo de la introducción, el aliento ancestral de la Fiesta del Pan y del aurresku, la solemnidad de los penitentes, la vitalidad de los toreros o el frenesí de la enardecida "muñeira". Las composiciones de Paco de Lucía y de Enrique Bermúdez, ponen acentos flamencos en las voces bellamente entrelazadas de Saray  Muñoz y María Mezcle. Las coreografías, pese a ser de autores diversos, van fluyendo con transiciones casi poéticas. Al vigor exultante de las tres piezas de Miguel Fuente (“La Romería”, “Los Bolos” y “La Jota”), Arantxa Carmona añade su particular alma poética (“Extremadura”, “El Mercado”, “La Fiesta del Pan”, “El Pescado”, “Las Grupas” y “El Palmeral” -que Inma Salomón volvió a protagonizar sola, como en la primera pieza, danzando con gran elegancia-; Manuel Liñán irrumpe entre las coreografías poniendo su nota flamenca con “El Encierro”, que interpretaron con arte Eduardo Martínez y José Manuel Benítez. Eduardo bailó muchas piezas, tal vez fue el bailarín que participó en mayor número de danzas,  demostrando la amplitud de su registro y la solidez de su técnica, destacó también en el paso a dos de “El Pescado” que bailó con una Miriam Mendoza llena de gracia. Sergio Bernal brilló en su aparición como un dios, cuando salió al escenario portado sobre una plataforma a hombros de sus compañeros en “Los Bolos”. Antonio Najarro, director artístico del BNE, coreografíó algunas de las piezas con su genio versátil e imaginativo, que  arriesgó al límite en "Los Nazarenos" y regresó al clasicismo con “Los Toreros”, donde el elenco de bailarines supera con creces la prueba de fuego del virtuosismo bolero con la perfecta coordinación que exige la pieza. Y el gran talento de Antonio no se queda ahí sino que participa junto con Liñán en el cuadro final, “El Baile”, inspirado también en el cuadro de “La danza en el Café Novedades”, que tiene una reina: la bailarina principal, Esther Jurado. No puede dejarse de alabar el vestuario de Nicolás Vaudelet, pues a pesar de no ser español ha sabido profundizar en el significado y la variedad de nuestros trajes regionales. Los reinterpretó con gran acierto. Por una parte, logra simplificar los  vestidos sin que pierdan su esencia, y en ocasiones les confiere un halo etéreo, una preciosista paleta de colores que fluyen con la luz gracias al efecto de la estampación fluorescente sobre las telas. Menos afortunadas se desvelan  algunas de las proyecciones utilizadas como fondo, excesivamente oscuras -sorprende el empleo del negro y del rojo, los colores menos utilizados por Sorolla - a diferencia de la luminosidad característica de la obra del pintor. Lo cierto es que el ballet “Sorolla” cosecha éxitos allá por donde va. El público sale impresionado y aplaude con emoción.  Realmente, nos encontramos ante una obra que responde al concepto de "Gesamtkunstwerk", acuñado por Wagner para referirse a una obra de arte total, porque en él confluyen diversas disciplinas estéticas construyendo un edificio de danzas que es un verdadero mosaico único. Es la suma frente a la sustracción, la armonía frente al grito, el vínculo frente al rechazo. GABRIEL M. OLIVARES Fotografías: Stanislav  Belyaevski

Los archivos guardan tesoros que, entre el polvo y el olvido, es importante buscar, encontrar y rescatar. Cuando los descubres, empiezan a desvelarte historias dormidas y te invade un enorme deseo de compartirlas. No puedo describir la alegría que he sentido en la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo, cuando mi querida amiga Cecilia me facilitó las carpetas de Dolores de Pedroso que allí custodian junto con otros escritos sobre danza, programas y recuerdos de tantos bailarines. He preferido ir poco a poco, y comenzar a publicarlos para compartir mi deleite con los lectores que navegan por los inabarcables mundos de internet, en recuerdo Dolores de Pedroso, una gran mujer enamorada de la danza, cuyo retrato de niña se conserva en el Museo del Prado. Apuntes biográficos sobre Dolores de Pedroso (1907-1986) Dolores era hija Luis Pedroso y Madan, conde de San Esteban de Cañongo, diplomático y ministro plenipotenciario y de la princesa rumana María Sturdza. En el Museo del Prado podemos admirar su retrato de niña que fue pintado por Paul Emile Chabas sobre 1912. Sus hermanas fueron María de las Mercedes Dampierre y la poetisa Margarita de Pedroso, que fue la musa de Juan Ramón Jiménez. Dolores de Pedroso, según publica en un artículo el historiador Jorge Martín, realizó una importante labor de investigación y difusión de las danzas tradicionales del mundo y de España, así como diversas labores benéficas y culturales, siendo una de las primeras mujeres corresponsales de guerra. Y cita a modo de homenaje unas palabras que Dolores escribió en alusión a los poetas que a continuación reproducimos: “El poeta encuentra el camino de su verdad en sueños que traspasan el umbral de lo ignoto a lo visible, dándoles forma, belleza, realidad. […] aquellos que más allá de sí mismos buscan la imagen de Dios y acatan la infinita soledad de su ente; aquellos, en fin, cuyas aberraciones son substratos que no traban el vuelo de sus ideales…” La Malena (1872-1956) Según las notas manuscritas de Dolores Pedroso, la célebre bailaora Malena Sena "estuvo sentada con nosotras en nuestra casa de Sevilla el 30 de abril de 1951". Malena le cuenta que nació en Jérez, pero que vivió en La Carolina hasta los 17 años, edad en la que se traslada a Sevilla, y "armé una revolución". En el archivo hay 2 fotografías inéditas de la bailaora que reproducimos a continuación. Era el tiempo de los Cafés Cantantes, donde boleras y flamencas se disputaban los favores del público. Y Malena le disputó el trono a Juana Vargas La Macarrona, entablándose una mítica rivalidad solo comparable con la que suscitaron en los ruedos Joselito y Belmonte. Tal fue así que Malena cuenta a Dolores que a ella la llamaban Pepe (Joselito), y a La Macarrona, Belmonte. Estos símiles nos hacen intuir que, como en el caso de estos dos colosos de la tauromaquia, la Malena era una bailaora de porte más refinado que la visceral Macarrona, poseyendo ambas unos estilos muy diferentes y tan personales que marcaron un hito en el flamenco. <> (Arturo Pavón) La Malena con Juan Martínez y Pericón de Cádiz "El padre de Malena era pescadero. La madre se llamaba Josefa. La Malena se casó y no tuvo hijos. Tiene sobrinos y sobrino nietos. Todos viven más o menos a costa de ellos", sigue anotando Dolores Pedroso. Imposible no recordar a Antonio el Bailarín, que desde niño frecuentaba los tablaos y admiraba con fervor a La Malena. El niño Antonio con el cuadro flamenco del maestro Realito Relata Antonio en su libro de memorias que un día, paseando por la Alameda de Hércules, se encontró con una viejecita que vendía alpiste para las palomas. Casi no la reconoció. Era la Malena. "Ya ves... Antonio, lo que hace el Señor con sus criaturas", le dijo. La Malena, bailaora de braceo prodigioso, fue un eslabón en la evolución del flamenco clásico de escuela sevillana. Pronto iba a aparece otra artista que elevaría por primera vez los brazos por encima de la cabeza: Pastora Imperio, hija de La Mejorana, a la que dedicaremos el siguiente capítulo de estos recuerdos de Dolores de Pedroso. MERCEDES ALBI

El Teatro Nuevo Apolo de Madrid acogerá la entrega de los galardones correspondientes a la novena edición, el lunes 20 de noviembre La Fundación AISGE ha hecho público hoy que los Premios Actúa 2017 en la categoría de danza han recaído en los bailarines Maribel Gallardo e Igor Yebra, ambos aún en activo. El Jurado ha querido reconocer la “destacada carrera fuera de nuestro país” y el compromiso de “fundar su propia escuela en la ciudad de Bilbao” de Igor Yebra. Por su parte, la dilatada trayectoria en la danza española de Maribel Gallardo, Maestra Repetidora del Ballet Nacional de España en la actualidad, se ha visto recompensada con otra estatuilla acreditativa del galardón impulsado por la Fundación AISGE. Nada más conocerse la concesión de este galardón, el bailarín bilbaíno declaró: “todo un honor recibir este premio y más aún al lado de una bailaora/bailarina por mí admirada. ¡Gracias, AISGE!”. Igor Yebra en Icaro. Fotografía Sigrid Colomyès Asimismo, se han dado a conocer los Premios HazTuAcción, con los que la Fundación AISGE respalda decididamente la labor de entidades o personalidades admirables por su solidaridad y su empeño en la construcción de un mundo mejor, más justo y más humano. Las ONG AMREF Salud África y Payasos Sin Fronteras han recibido sendas distinciones, mientras que el HazTuAcción del apartado de Comunicación ha recaído en el programa Historia de nuestro cine, que se emite en La 2, por su labor en la difusión del trabajo de los intérpretes españoles. APUNTES BIOGRÁFICOS MARIBEL GALLARDO Maestra repetidora del Ballet Nacional de España Precoz en su formación, Maribel Gallardo inició sus estudios de danza con seis años. A los 14 se titulaba con matrícula de honor. Tras tener como primeros maestros a Jareño y Victoria Eugenia, estudia con María Magdalena, Ciro, Juana Taft, Pedro Azorín, Juanjo Linares, Aurora Pons, Ana Baselga, Aurora Bosch, Granero, Fernando Bujones, Rosella Hightower… Antes de su incorporación en 1981 al Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Antonio, ya estuvo presente en la creación del Ballet Folclórico Nacional bajo la dirección de Pilar López. Y demostró su talento en Los Goyescos, el Ballet Antología de Alberto Lorca, el Ballet Siluetas o en las compañías de María Rosa, Rafael de Córdova y Luisillo. En 1985 ascendió a primera bailarina del BNE con María de Ávila, como directora. A lo largo de su brillante trayectoria, ha interpretado los roles principales de las coreografías de repertorio e incluso ha estrenado varias obras creadas exclusivamente para ella, como Chacona y Goyescas, de Victoria Eugenia. En el Teatro Real de Madrid presentó su personaje de la Celestina para el montaje homónimo de Ramón Oller, con dirección escénica de Adolfo Marsillach. Con motivo del décimo aniversario de la creación del BNE, del que es Maestra Repetidora desde 2002, interpretó la mítica Bodas de sangre junto a Antonio Gades. El Conservatorio Profesional de Cádiz adoptó en 2007 el nombre de Maribel Gallardo como homenaje a su figura. IGOR YEBRA Primer Bailarín Internacional, coreógrafo y maestro Nacido en Bilbao, Igor Yebra se formó en la escuela de Víctor Ullate, en Madrid. Debutó como profesional en el Ballet de Víctor Ullate (1988-1996), y posteriormente emprendió su carrera en solitario en el Australian Ballet (1997-1999), primera de las muchas compañías internacionales de los cinco continentes con las que ha colaborado a lo largo de su trayectoria. Su carrera internacional como freelance se ha nutrido de tres fuentes principales: la escuela francesa gracias a Charles Jude, la escuela italiana de la mano de Carla Fracci y la escuela rusa a través de Yuri Grigorovich. Entre sus hitos profesionales, se encuentra su rol protagonista en Iván el Terrible, en el Palacio de Congresos del Kremlin en 2004, convirtiéndose Yebra en el primer bailarín no ruso que interpretó este papel. Entre sus galardones destacan el Gran Premio de Eurovisión para jóvenes bailarines (1989), el Premio ‘Danza & Danza’ al ‘mejor bailarín del año’ en Italia (1996), el segundo premio en el concurso Maya Plitseskaya (1998) y el Premio Leonidas Massine en Italia (2003), entre otros. Igor Yebra ha sido Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos (2006-2016) y Primer Bailarín invitado del Ballet de la Ópera de Roma (2002-2012). Consciente de la importancia de una enseñanza de calidad, Igor Yebra fundó su propia escuela de danza en Bilbao en 2006. Actualmente, compatibiliza las facetas de bailarín, coreógrafo y maestro, continuando su carrera internacional como estrella de forma freelance. Además, Igor Yebra es miembro del Consejo Internacional de la Danza, organismo de la UNESCO considerado las Naciones Unidas de la Danza. Iratxe de Arantzibia

Recientemente asistimos al Acto de apertura del curso académico 17/18 del Real Conservartorio Profesional de Danza Marienma. El acto estuvo presidido por el Excmo. Sr. D. Rafael Van Grieken como Consejero de Educación, Juventud y Deportes de la Comunidad de Madrid y un invitado de honor excepcional nombrado mentor artístico de este curso, Joaquín de Luz. La jornada estuvo acompañada de grandes encuentros con personalidades relevantes del mundo de la danza. La sorpresa vino de la mano de la coincidencia después de dos años, con Guillermo Torrijos al que realizamos una entrevista con motivo del cortometraje “Dueño de tu destino” realizado por Antonio Cabello. Esto motivó retomar el seguimiento a este bailarín y le propusimos volvernos a reunir para que nos contara su evolución. [if !supportLists]P- [endif]Para empezar darte las gracias por la disponibilidad que nos ofreces siempre que pretendemos ahondar un poquito en tu intimidad. Cuéntanos, ¿Cómo ha sido tu evolución desde la última vez que nos vimos? -Ese mismo año en el que nos reunimos con motivo de mi co-protagonismo junto a Emilia Rouanet en el cortometraje “Dueño de tus destino” me ofrecieron una estancia para “White lodge” (Cantera de The Royal Ballet School). Fue la continuación a un cursillo de verano con ellos. En ese momento lo sopeso y decido descartarlo porque desconocía el nivel y no me aseguraban futuro. A pesar de todo me conceden una beca para el siguiente verano. Vuelvo en el 2016 y me conceden un premio a los “diez mejores del cursillo”. (Mientras me cuenta este mérito se sonríe y me dice que es la primera vez que lo verbaliza). Justo antes del verano había realizado una audición para el English National Ballet. Pasada la primera fase me conceden una beca que llegó en un momento en el que quizá no estaba preparado para asumirla. Decido quedarme en el Real Conservatorio Profesional de Danza Marienma formándome. [if !supportLists]P- ¿En qué momento entonces das el gran salto y decides marcharte a seguir tu formación fuera? -Fue en Marzo del 2017 cuando me presento a la nueva audición de The Royal Ballet School y definitivamente me cogen. [if !supportLists]P- [endif]¿ Qué ha supuesto en tu vida personal y académica dar ese gran “salto al vacío”? A nivel personal he tenido que sacrificar muchas cosas. Alejarme de mi familia, de mis amigos en definitiva de mi entorno. Viajar sólo, autogestionarme en la vida diaria (ropa, comidas, etc…). Todo ello me ayudó a valorar lo que dejaba en casa. No obstante, no ha supuesto un esfuerzo sobrehumano porque entraba dentro de mis expectativas. Es el precio que hay que pagar. En general la experiencia está siendo muy positiva. A nivel académico el periodo de adaptación ha sido duro. Los horarios son muy largos. Entras a las 8:30 de la mañana y no sales hasta las 18:30. El nivel de enseñanza es muy alto y por lo tanto también lo es el nivel de exigencia. No cuentas con el apoyo “in situ” de tus amigos y familia, lo que en mi caso me llevó en un principio a encerrarme un poco en mi mismo. Es más te diré algo, cuando inicias tus estudios allí tienes que firmar un “contrato de enseñanza” que te exige trabajar al 100% para que el profesor trabaje contigo. Así que… imagínate. Por otro lado he descubierto que la escuela inglesa tiene un perfil muy diferente al que yo estaba acostumbrado. Por ello al principio me encontraba un poco perdido. La cabeza y los brazos por ponerte un ejemplo se trabajan de manera muy diferente. Y además y lo que más me costó fue trabajar sin espejo, eso si que me ha resultado muy duro. [if !supportLists]P- [endif]Cuéntame un poco como son tus nuevos compañeros... Pues mira, hay gente de todas las partes del mundo (británicos, americanos, australianos). Los hispanos somos los que estamos en desventaja. Sólo tengo otra compañera española y un cubano. Me sorprendió la enorme presencia de japonés en las audiciones. Se presentaron 250 de los cuales eligieron a una niña de 15 años y a un niño que desde los 9 era la estrella en su país. [if !supportLists]P- ¿[endif]Cuáles son tus expectativas a futuro? -Espero que me amplíen la beca y poder estar un año más. A su vez empiezo a plantearme audiciones para seguir formándome una vez que termine el curso y cuando hablo de audicionar me refiero a compañías de las grandes. Lo más importante es nunca cerrarme puertas sino todo lo contrario aprovechar todas las posibilidades a las que tenga opción. [if !supportLists]P- [endif]En la entrevista que nos regalaste en el año 2015 nos comentabas que tu máximo referente en el mundo del ballet era Mijaíl Baryshnikov. ¿Has cambiado de espejo donde mirarte? No he cambiado de referentes, he evolucionado y en este momento sigo especialmente a Serguéi Polunim y Vadim Muntagirov. P- Hoy hemos tenido la suerte y el privilegio de contar en este acto con la presencia de Joaquin de Luz. Le has visto bailar en alguna ocasión? -Tenia referencias de Joaquín Luz, conocía un poco de su vida. Incluso en una ocasión tuve el privilegio de que me impartiera un cursillo. Pero recientemente tuve la ocasión de verle en el Teatro de la Zarzuela en su papel de “Basilio” en “Don Quijote”. Pero donde me atrapó fue en el XXX Festival Madrid en Danza donde bailó dos pas de deux con Maria Kochetkova. En el ví lo más difícil y sacrificado del bailarín clásico. La exquisita técnica como partner que hacía que se luciera aún más si cabe María. P-Darte una vez más las gracias por tu predisposición. Nos vemos a la vuelta para que nos sigas contando tu evolución. Mucha suerte y adelante. GEMMA ORTEGA