Alicia Amatriain, protagonista de un verdadero tour de force en su retorno a casa La premiada artista donostiarra interpretará seis piezas e incluirá el estreno mundial de «Egurra», con música de Juan Mari Beltrán. Foto Roman Novitzky Alicia Amatriain vuelve al Teatro Victoria Eugenia tras seis años de ausencia en los escenarios donostiarras y después de haber cuajado una excepcional temporada de reconocimientos y galardones, cuyo culmen fue la consecución del prestigioso Premio Benois de la Danse 2016 –considerado el “óscar” del mundo del ballet-, en el Teatro Bolshoi de Moscú, una de las grandes cunas del arte de Terpsícore. Alicia Amatriain en "A.Memory" con coreografía de Katarzyna Kozielska©Stuttgart Ballet Gala Alicia Amatriain, Donostia Bihotzean es un verdadero tour de force al alcance de pocas bailarinas, ya que la propia intérprete donostiarra ha decidido bailar seis piezas del espectáculo, siendo lo habitual que una estrella únicamente interprete entre 3 y 4 obras por gala, como máximo. [if gte vml 1]>

“El alma de Sorolla impregna este espectáculo”, fueron las palabras con las que Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, definió el Ballet Sorolla en su presentación a los medios esta mañana en el Teatro Real, donde compareció junto con el director de orquesta Manuel Coves y la dirección del teatro. El Ballet Sorolla  estará en cartel en los días 9, 11 (en sesión doble a las 17.00 y a las 20.30 horas) , 12 y 13 de noviembre. Antonio Najarro dijo encontrarse muy feliz, y resaltó el hecho de que el BNE no actuaba en el Teatro Real desde el 2008, y que aspiran a llenarlo con la danza española, pues si algo caracteriza al Ballet Sorolla es que esta se muestra en todas sus vertientes: folklore, bolera, flamenco y danza estilizada. El éxito ha acompañado a este ballet desde desde su estreno en 2013, con motivo del 150 aniversario del nacimiento del pintor. Antonio ha recordado a los artistas que colaboraron en su realización: los coreógrafos Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán, el vestuario de Nicolás Vaudelet, la puesta en escena de Franco Dragone. La música de Juan José Colomer será interpretada en directo por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Manuel Coves, que también estaba presente en la rueda de prensa. Y un hecho curioso, la música de este exitoso compositor valenciano va a ser programada dos veces en una misma temporada en el coliseo madrileño, pues próximamente se estrenará también su ópera Picasso. Además de las partes orquestales, el cuadro flamenco del BNE interprerarán piezas de Paco de Lucía (Zapateado) y  Enrique Bermúdez (La pesca del atún y El baile, bulería). Y este evento no se limita únicamente al ámbito escénico, sino que va a ir complementado con actividades paralelas, pues Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, ha anunciado la extensión del programa que denominan “enfoques” a la danza, algo que hasta ahora solo se limitaba a las óperas. Los enfoques de danza estarán organizados por Roger Salas. DETALLES DEL PROGRAMA ENFOQUES Coincidiendo con este estreno tendrán lugar dos interesantes exposiciones. La primera, titulada Bailando  Sorolla, recoge una selección de imágenes realizadas por el fotógrafo David Palacín en las que, a través de retratos de los bailarines de la compañía y de su director, se da a conocer en detalle los maravillosos trajes  diseñados por Nicolás Vaudelet. La muestra podrá verse en los salones de la segunda planta del Teatro Real mientras tengan lugar las representaciones del Ballet Nacional de España, con acceso libre para el público asistente a las funciones y a las visitas guiadas. Por otro lado, la Residencia de Estudiantes ha organizado la exposición Poetas del cuerpo. La danza de la Edad de Plata, con el objetivo de dar visibilidad a las redes creativas interdisciplinares que surgieron alrededor de la danza en las primeras décadas del siglo XX, a través de más de 300 piezas que incluyen fotografías, libros, maquetas, vestuario, documentos y una selección de obras plásticas. Entre otras curiosidades se muestra la historia del cuerpo de baile del Teatro Real, sus primeras figuras y las consecuencias de su desaparición, con el cierre del coliseo en 1925, con piezas como un recibo de pago al cuerpo de baile de la temporada 1884-1885, fotografías de primeras bailarinas como María Esparza y Teresina Boronat, o el contrato y el programa de mano del teatro con Anna Pavlova en su gira española de 1919, entre otros. También, por primera vez, el 7 de noviembre, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre, comenzará el ciclo  Enfoques dedicado a la danza, en el que el crítico y escritor Roger Salas presentará y moderará un coloquio previo a los estrenos del Teatro Real. En esta ocasión, bajo el título La pintura y la danza española: De Goya a Picasso, y acompañado por la coreógrafa y bailarina Aída Gómez, se analizará la influencia de los pintores en los compositores y en la redacción coréutica de la danza española del siglo XX. MERCEDES ALBI Fotografías Stanislav Belyaevski (escena) y Javier del Real

En colaboración con el Goethe Institut, Ediciones Cumbres presenta el libro del investigador y coreógrafo alemán Norbert Servos. La obra representa el primer monográfico en español sobre la recordada Pina Bausch, bailarina y directora alemana, fundadora de la danza-teatro. LA CITA TENDRÁ LUGAR EL PRÓXIMO 26 DE OCTUBRE. Matadero, Plaza de Legazpi, 8. Día 26, a las 12:00 horas. Pina Bausch y su Tanztheater Wuppertal han entusiasmado al público de todo el mundo. En su «teatro de la experiencia», la danza ha dejado su brillo y hermosura para preguntarse por fin qué mueve al cuerpo en danza y por qué se mueve. En esta monografía, Norbert Servos se acerca con una gran sensibilidad a la coreógrafa más influyente de nuestra época, describiendo los diferentes trabajos de Pina Bausch a lo largo de 38 retratos de sus obras, analizando la manera de trabajar y el conocimiento que tenía de sí misma la gran artista. Dentro de la completa parte gráfica del libro, el fotógrafo Maarten Vanden Abeele muestra de manera extraordinaria su punto de vista con respecto al Tanztheater Wuppertal, así como la fuerza emocional y la franqueza física de sus extraordinarios intérpretes. Philippina Bausch (Solingen, 27 de julio de 1940-Wuppertal, 30 de junio de 2009) se dio a conocer mundialmente como Pina Bausch. Bailarina, coreógrafa y directora alemana considerada pionera de la danza contemporánea. Bausch incorporó distintas expresiones a a la danza, logrando integrar movimientos que le permitieron ofrecer una dimensión vanguardista y rompedora. La artista supo unir la danza con emociones y sonidos. La propuesta de Bausch suma formas y conceptos, como si de una esponja se tratara. Por su aporte se le asume como pionera de la danza-teatro, hecho que en el presente confirman las nuevas generaciones que se influencian de su trabajo. Norbert Servos, en el prólogo del libro, señala que “Con razón siempre insistía Pina Bausch en que su trabajo no podía criticarse basándose únicamente en la calidad de las coreografías. Su danza-teatro no es técnica, sino que materializa una determinada actitud ante el mundo, que consigue mirar a las personas y sus comportamientos con una honestidad y una precisión incorruptibles, sin juzgarlos. Muestra a los seres humanos como son y no como deberían ser”. Y extraña la no existencia de un trabajo monográfico de la artista, al asegurar que “Han pasado casi cuarenta años desde que apareciera por primera vez un libro sobre Pina Bausch y el Tanztheater Wuppertal en la editorial especializada en ballet y teatro que cofundé por aquel entonces”. Ahora, en octubre de 2017, el sello Ediciones Cumbres publica, por primera vez en español, el libro Pina Bausch, danza-teatro, una obra que llega en el momento en que los amantes del género reclamaban un trabajo semejante en nuestro idioma. La editora Mayda Bustamante, en colaboración con el Ghoethe Institut, traen a España a Norbert Servos para una serie de presentaciones del esperado libro. Norbert Servos. Biografía. Nació cerca de Colonia; fue el confudador de la revista Ballet international y miembro de la redacción durante siete años, período en el que la publicación se convirtió en referente europea entre las revistas sobre danza. Desde 1983 trabaja de forma autónoma como coreógrafo y autor ha publicado numerosos libros sobre Pina Bausch y la evolución de la danza-teatro alemana,así como sobre poesía contemporánea. Ha coreografiado alrededor de 20 obras tanto en Alemania como en el extranjero (El cairo, Atenas y la Habana entre otros) que le han llevado a participar, además en varios festivales internacionales. Compagina su labor de coreógrafo con el trabajo como profesor de coreografía, y desde 1993 es el director artístico del DanceLab Berlín, compañía que desde el 2010 dirige junto al coreógrafo y bailarín, Jorge Morro, y para la que ha elaborado diversas obras entre las que se encuentra la premiada película Elements of Mine üara ARTE / MDR, así como la producción de daza-teatro Drink, Smoke - Made in Havana que se estrenó en la Casa de las Culturas del Mundo (Haus der Kulturen der Welt) de Berlín. Algunos de sus últimos libros son: Pina Bausch -Tanztheater, Schritte verfolgen - Die Tänzerin und Choreoraphin Susanne Linke y Solange man unterwegs ist - Die Tänzerin und Choreographin Reinhild Hoffmann. Fue También el organizador del festival internacional de danza Tanzwelten para el Staatstheater Braunschweig y el coautor, junto a Jorge Morro, de la obra Valbarena. En 2014 coreografío el solo Dressed to Kill para el español, que obtuvo una gran acogida en Berlín y en el festival Noorderzon en Groningen. Norbert Servos es considerado uno de los mayores especialistas de la danza-teatro a nivel internacional; sus libros se han publicado en numerosos países del mundo. Aparte de su trabajo como autor, Norbert Davos es coreógrafo y director artístico de DanceLAB Berlin, entre otras muchas colaboraciones y trabajos a sido artista "in residence" en el Centro Canal Danza en Madrid. Durante esta residencia surgió la El Círculo Eterno, de la que H.K-Quintett es la continuación. Ahora esta última producción está de gira por España: Gijón (11.10.2017), Málaga (22.10.2017), San Lorenzo del Escorial, Madrid (28.10.2017) y Toledo (03.11.2017). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

La 22ª Edición del Encuentro Provincial de Folklore de la Diputación de Valladolid se suma a los actos conmemorativos del Centenario del nacimiento de Mariemma al ser la bailarina iscariense una de las grandes valedoras de la Danza Española con su rico folklore. El presidente de la Diputación de Valladolid, Jesús Julio Carnero dedica unas palabras a la Villa de Íscar, al Ayuntamiento, a los participantes y asistentes a la 22ª Edición del Encuentro Provincial de Folclore, especialmente en este año tan señalado para la memoria de la Danza a través de la ilustre iscariense y vallisoletana, Mariemma. La apuesta que la Diputación de Valladolid hace por conservar y difundir el folclore tradicional a través del Encuentro Provincial de Folclore se ve respaldada de nuevo por la colaboración y la entrega de los grupos de danza y dulzaina de nuestra provincia, que este año se han volcado en su celebración, superando las 50 inscripciones. Todo ello en un año especial para la danza tradicional. Este 2017 se cumplen 100 años del nacimiento de la genial Mariemma, bailarina y coreógrafa que llevó la danza española a las más altas cotas de calidad, partiendo siempre de la tradición de nuestro folclore. Es por ello que, en recuerdo de su figura, este año la Diputación de Valladolid ha escogido a Íscar como sede del encuentro, localidad en la que Mariemma nació hace un siglo y que alberga su valioso legado artístico. El 22 de octubre sus calles de se llenarán de alegría, color y música con el desfile de los grupos de danza y de los diferentes grupos de dulzaina y tamboril, en una fiesta del folclore vallisoletano que no sería posible sin la colaboración prestada por el Ayuntamiento de Íscar, a quien quiero agradecer su acogida y su esfuerzo en la organización de la 22ª edición del Encuentro Provincial de Folclore. JESÚS JULIO CARNERO GARCÍA Presidente de la Diputación de Valladolid

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de La desnudez, dirigido y coreografiado por Daniel Abreu e interpretado por el mismo y Dácil González. Este espectáculo, coproducido por Teatros del Canal y Festival Danzatac, estará en la Sala Negra en cuatro únicas funciones, los días 19, 20, 21 y 22 de octubre. Este nuevo trabajo de Abreu forma parte de la nueva programación de Teatros del Canal, una nueva etapa enfocada a la creación contemporánea y que consolida una programación estable de danza. Sobre este espectáculo en el que trabaja mano a mano con Dácil González, Abreu comenta: “Dácil y yo llevamos unos 2 años pensando en este trabajo. Comenzamos sin nombre ni camino. En cada encuentro ahondábamos en viajes sin guía, con bailes cada vez más extraños, y sorpresas no clasificables como lo que se encuentra al final de los cajones que no se visitan hace tiempo. Dos años con la tierra en barbecho y en esto encontrando más belleza en las cosas, belleza que surge de cada lugar, de cada espacio, de cada pensamiento… por si sólo, sin contagios. Este trabajo podría titularse perfectamente “geografía”, porque trata de recomponer y revisitar lo que hay, ya sea una cuerpo material o un impulso. Lo hacemos desde la danza, y es que no por estar más mayores vamos a dejar de movernos, es más, casi el cuerpo de los cuarenta años pide moverse más, construír con los últimos alientos de la energía reproductiva. Y es que la danza yo ya no sé explicarla. El material coreográfico se mueve entre el amor y la muerte, con cambios rápidos de las dinámicas que hablan de muchos ojos mirando la misma cosa. Y es que este trabajo va de eso, de sugerir un paseo entre el amor y la muerte. Un hombre y una mujer se mueven y van tocando. Van construyendo algo líquido, muy acorde con la sociedad moderna. Habrá que empezar por desnudarse, pero no el cuerpo, habrá que desnudar las formas, y entender la geografía de donde se está”. La compañía afincada en Madrid y dirigida por Daniel Abreu surge en el año 2004 y hasta la fecha ha recorrido varios países en América del Norte y del Sur, Europa, Asia y el Norte de África. Su trabajo reconocido por el público y la prensa le han dado un lugar en el panorama de la danza contemporánea en el que se ha destacado el personal lenguaje, por el que a Daniel Abreu se le otorga el Premio Nacional de Danza en el año 2014 en la categoría de creación. Son muchos los bailarines españoles que han ido enriqueciendo el lenguaje de la compañía con sus interpretaciones en obras como Animal, Venere o Perro. Daniel Abreu, creador de estos trabajos, ha creado cerca de 60 obras en poco más de diez años de existencia de la compañía. Las obras se mueven desde lo más teatral a lo más bailado, teniendo siempre una gran fuerza la fotografía escénica. Daniel Abreu, bailarín y coreógrafo, nace en la isla de Tenerife donde comienza su curiosidad e interés por el movimiento físico y la expresión escénica. Además, durante su formación artística se licencia en Psicología, lo cual ha estado muy presente en sus trabajos coreográficos a través de una cuidada simbología poética. Como intérprete, ha desarrollado su trabajo en distintas compañías y colectivos de danza y teatro del panorama nacional y como creador, atesora una dilatada trayectoria creativa dibujada por más de cincuenta producciones, que han podido verse en muchos países, donde han sido reconocidas por crítica, público y diversos galardones, situándola en una de las más destacadas agrupaciones de la actualidad dancística desde hace años. Su proyecto de compañía surge casi imperceptiblemente en el año 2004, siendo el volumen de creaciones y de colaboraciones lo que dieron lugar al concepto de lo que hoy conocemos como Cía. Daniel Abreu. Como consecuencia de todo este trabajo creativo, Daniel Abreu ha sido invitado a impartir diferentes talleres y cursos, en los que comparte su visión creativa y de herramientas técnicas corporales y de expresión. Paralelamente continúa cercano a otras realidades creativas, como la de dirigir proyectos para otras agrupaciones y creadores como Fattoria Vittadini, Zagreb Dance Company, la Compañía Nómadas, Proyecto Titoyaya y el Teatre Tanca Zawirowania, entre otras. En el año 2011 entra a formar parte del prestigioso grupo de artistas que conforman el programa europeo Modul Dance. Dácil González, natural de Las Palmas de Gran Canaria, realiza los Estudios superiores de danza en la especialidad de coreografía y técnicas de interpretación de la danza. Desde 1998 ha trabajado para la Cía. 10 &10 Danza, el Staatstheater Darmstadt (Alemania), La Piel Danza (Madrid), la Compañía de Teatro Els Visitants (Castellón) y la Compañía Arrieritos (Madrid), entre otras. + información

Set Yun Kim y Ion Aguirre. Foto Hélène Despléchin El pasado sábado día 7 de Octubre La CND ofreció en espectáculo gratuito como parte de los actos organizados en conmemoración del 25 Aniversario del Museo Thyssen, en una Jornada de puertas abiertas. Se generó mucha expectación entre los visitantes del museo, que abarrotaban las salas y espacios donde se celebró. Los aficionados a la danza se mezclaban con otros que nunca habían disfrutado de este arte contado con la presencia de muchos niños. El programa estaba compuesto por varias piezas coreografiadas o improvisadas por los bailarines de la CND, que pudieron verse de una manera itinerante en los distintos espacios del museo. Set Yun Kim y Ion Aguirre. Foto Hélène Despléchin Este apasionante viaje por el mundo de la pintura y la danza comenzó en la segunda planta del Museo, entre las salas 5 y 10 donde pudimos ver “La Rose Malade” de Roland Petite, coreografía creada para Maya Plitseskaya, que se caracteriza por unos Port de bras hipnóticos al son del famoso Adagietto de la Quinta Sinfonía de Mahler. Así, vimos bailar a Seh Yun kim con Ion Aguirretxe y a Lucie barthèlèmy con Ivan Sánchez creando un ambiente mágico. En las salas contiguas bailarines de la CND improvisaban e interactuaban entre los cuadros. Continuando por la primera planta, nos trasladamos al París del Segundo Imperio, a la Opera Garnier y a la época de Degas y sus famosas bailarinas. Contemplando, interactuando y bailando con la maravillosa la pintura de “ La bailarina Basculante o bailarina Verde” de Degas, pudimos ver a Cristina Casa, acompañada de Irene Ureña, Shani Petrz, Giulia Paris y Ana Pérez Nievas. Cristina Casa. Foto Hélène Despléchin Cristina Casa apareció vestida como las bailarina del cuadro, era totalmente una bailarina Degas, vestida con una falda confeccionada por Monica Calderón que era una reproducción del cuadro. Se inició la danza tal y como aparece en el lienzo en el que un grupo de bailarinas acompañan a la principal que aparece de cuerpo entero... Después, las bailarinas acompañantes se distribuyeron en 4 salas contiguas para improvisar, mientras que Cristina Casa interpretaba sola El Cisne. Ya en la planta sótano Álvaro Madrigal Arenilla interpretó de nuevo la maravillosa y emocionante coreografía “El Cisne” de Ricardo Cué que se encontraba entre los espectadores. Nadie mejor que el mismo Ricardo Cué para definir el significado de esta obra inspirada por Maya Plitseskaya: “Es un baile en el que la majestuosidad del movimiento del cuerpo y el virtuosismo espiritual,nos lleva al plano superior que es el arte. Arte que convierte la muerte en belleza y emoción”. Daan Vervoort y Aleix Mañé. Foto Hélène Despléchin El duo “Hasta siempre?“, coreografía de Sharon Fridman construida con la técnica “contac” y creada especialmente para la CND, que fue interpretada por Daan Vervoort y Aleix Mañé en la Sala 46. Daan Vervoort y Aleix Mañé. Foto Hélène Despléchin Agnes Lopez del Río e Isaac Montllor improvisaron también en la sala 46 una personalisma coreografía. Mar Aguiló, Elisabet Biosca y Sara Lores bailaron creaciones propias en las diversas salas del Museo, provocando la admiración de un publico extasiado ante el poder de la belleza de la danza rodeada de magnificas obras de arte. La representación y nuestro viaje terminó con el público y bailarines bailando en el Hall del Museo Thyssen. La duración de este paseo entre la pintura y la danza fue de 1 hora y 30 minutos, y el publico se quedó con ganas de mucho más. Destacó la cercanía y el buen hacer de los bailarines, que a pesar las dificultad añadida de actuar tan cerca del publico y sobre un suelo de mármol, dieron lo mejor de si mismos generando una relación muy cercana y cómplice con la gente. !Enhorabuena y gracias a todos por este día inolvidable¡ PAOLA PANIZZA

MJH SUMMER CAMP SPAIN, S.L. propone un nuevo programa de CONVIVENCIA, CLASES MAGISTRALES Y TALLER COREOGRÁFICO para jóvenes artistas con muchas ganas de aprender y pasarlo bien, que tendrá lugar del 19 de agosto al 2 de septiembre de 2018. En su apuesta por la música y la danza, MJH SUMMER CAMP SPAIN S.L. organiza un curso y taller coreográfico con el objetivo de contribuir a la formación de estudiantes de danza y música y promover, al mismo tiempo, un acercamiento y encuentro con los Maestros: Antonio Canales, Daniel Doña, La Lupi, Mayte Antúnez y Raquel Gómez. Raquel Gómez Y los músicos: Maestros Javier Vicente Cano, violinista, Francisco Fernandez, pianista, Carlos Monteavaro, viola, Pablo de Diego, percusión y María Martín Blanco, cantante, que junto con los alumnos de música formarán la banda que acompañará a los bailarines en sus clases y actuaciones. El programa está dirigido y coordinado por María Herrera,Diplomada en Magisterio y Licenciada en Psicopedagogía. Fundadora de MJH SUMMER CAMP SPAIN, S.L., cuyo objeto es la organización de campamentos y colaboración con los mismos, para niños y jóvenes, donde se desarrollarán actividades formativas, culturales, deportivas y recreativas; María también ha fundado la asociación sin ánimo de lucro Diferencias Educativas, que persigue una finalidad social, altruista, humanitaria y artística, enfocada a la inclusión de las personas con discapacidad en nuestra sociedad, donde se incluye el proyecto Zarandeo, un espacio de formación y reflexión sobre las numerosas formas de expresión corporal y artística, como símbolos de educación e inclusión y de eliminación de muros. El encuentro artístico va dirigido a jóvenes artistas aspirantes a profesionales, alumnos de Música y de Danza Española y/o Flamenco de enseñanzas profesionales y superiores o que cursen estudios con un nivel correspondiente, así como a profesorado en activo de danza de cualquier especialidad y está abierto a la inclusión. ALUMNOS Y ALUMNAS La convivencia será, asimismo, un espacio para fomentar la internacionalización de la cultura española y para ayudar a los jóvenes a crear vínculos interpersonales de seguridad, aceptación y compañía, teniendo en cuenta la importancia de la interacción humana en la formación de la persona. GRUPOS Y NIVELES GRUPO 1 - NIVEL INICIACIÓN - MEDIO Clases de 9:30 a 12:30 Técnica y Coreografía de 12:30 a 14:00 horas Asistirán de oyentes al taller coreográfico de grupo avanzado. GRUPO 2 - NIVEL MEDIO - AVANZADO Clases de 9:30 a 14:00 horas Taller Coreográfico Las clases estarán dirigidas a alumnos RESIDENTES y EXTERNOS, bailarines y músicos aspirantes a profesionales, estudiantes y personas interesadas en el mundo de la danza y la música y están abiertas a la inclusión*. Los alumnos deberán recibir confirmación de admisión por parte de la Dirección antes de efectuar el pago de la matrícula. Para ello tendrán que solicitar la ficha de inscripción a través del email dedanzaymusica@gmail.com , remitirla debidamente cumplimentada y esperar a recibir el mensaje de validación. Todos los alumnos (residentes y externos) recibirán un diploma acreditativo de asistencia y aprovechamiento. El coste total del Encuentro con los Maestros 2018 es: RESIDENTES: 950€ EXTERNOS : 500€ ** Incluye: - Traslados ida y vuelta desde Madrid hasta el Albergue y a las diversas excursiones y actividades. - Alojamiento en régimen de pensión completa en el Albergue Juvenil “ElCantu”. - Convivencia con los Maestros, músicos y demás alumnos. - Atención de los monitores profesionales del equipo de “Devatur-El Cantu”. 3/4 horas diarias, durante 5 días cada semana, de: - Clases / Taller Coreográfico de danza española y flamenco. - Actuación Final (a criterio de los Maestros) - Ensayos diarios de Instrumentos (La banda de músicos se adaptará en sus ensayos a las necesidades de las creaciones coreográficas) - Actividades deportivas (paddle surf, descenso en canoas, etc.) - Excursiones culturales. - Seguro de Responsabilidad Civil y de Accidentes. - Material homologado (tabla de stand up paddle, remo, traje de neopreno, invento y licra de seguridad) - Instructores titulados con amplia experiencia en todas las actividades. Para mayor información, escribir al email dedanzaymusica@gmail.com o llamar al teléfono 649 508 623 (María Herrera). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ellos crean, y lo hacen libremente, en el sentido que el BNE en la actual dirección de Antonio Najarro, les da cada temporada la oportunidad de expresarse sin ataduras, de ser ellos mismos. Es una experiencia que siempre implica una relación distinta de la que se tiene desde el escenario. Aquí el artista emprende con el visitante-espectador una especia de cuerpo a cuerpo. No hay a penas medios técnicos, y por eso quizá se percibe una entrega más total. Alex Galán con “Entre las cuerdas” se fusionó con el chelo de la banda sonora de La “Piel que habito”. Fue dúctil y musical con aires de danza contemporánea, pues esta edición se caracterizó por la presencia de este estilo en varias de las piezas. Tania Martín con Maat sorprendió por su originalidad. Las piezas que elabora Tania siempre son muy visuales, y en esta ocasión su vestuario con una bata de cola y fluorescencias blancas, le permitió entablar un duelo expresivo, una búsqueda plástica que empieza como termina, dentro de sí. Ella se abre, muestra sus grandes dotes, sus emociones, se torna serpiente hasta volver de nuevo a encerrarse en el caparazón de su bata de cola. A continuación, un ensueño (Antaño mío). No puede ser de otra manera cuando Albert Hernández Lledó coreografía. Me afirmo en lo que sobre él escribí en mis comentarios a la anterior edición. Bailó un paso a dos con Irene Tena Mora, y el protagonismo en la danza fue de ella, él era un espíritu casi en la sombra, lo cual corresponde a la verdadera naturaleza del creador, que prefiere dejar a un lado el narcisismo escénico propio del bailarín. Hizo a Irene brillar. También el maquillaje y el vestuario de Carmen Granell contribuyeron la efecto de esta misteriosa historia que los convirtió en dos espíritus que narran una historia, como un pequeño cuento, como una resurrección. La intensidad continuaba creciendo cuando apareció Sara Arévalo en su Farruca con castañuelas. Sara, elegante, agil, escultórica con líneas puras inspiradas en Mario Maya, Tomás de Madrid y Antonio Gades, según ella misma afirma en el programa. Esas referencias en el arte de este palo tan masculino fue llevado de forma maravillosa al terreno femenino, sin perder un ápice de fuerza y ganando con la estética de una mujer bellísima. El tono tradicional se rompió con “El ángel caído” con coreografía de Vanesa Vento inspirado en la estátua del Retiro e interpretado por Antonio Jesús Jiménez, de forma muy expresiva con un abrigo muy original y llamativo, que cubrió al artista como un segunda piel. María Martín Criado que el pasado año nos encantó con sus arte bolero, en esta edición lo fue tal cual, con una gracia única, gran técnica y toque de castañuelas se marcó un pasodoble ataviada de rojo a la manera tradicional, a lo Niña Bonita del Fandango del Cándil (reitero que sería perfecta en ese rol, creo que está hecha para él). La gracia bolera prosiguió con el paso a dos de Daniel Ramos y Víctor Martín en “Aurora” (foto de cabecera): “la aurora no tiene historia, baile por derecho, tradicional, sencillo y puro”, escriben en el programa. Ambos sí lo son en el sentido de renacer pero sí tienen historia, la de una tradición de la que por su técnica son hijos nuevos, herederos sí pero con una visión nueva de un viento nuevo y libre. Y cerró la velada “Intrínseco” donde apareció un “desconocido” Pedro Ramírez Rey, porque mostró un estilo totalmente contemporáneo, muy diferente al que nos tiene acostumbrados en escena y surgió otro Pedro, lleno de nuevas posibilidades, entregado, en lucha con su imagen en un espejo, en tono poético y con poesía. Pedro fue todo expresión. En esta 5ª Edición, los medios escénicos y el vestuario ha sido más elaborados. Realmente, cada año se superan. Nunca dejan de entusiasmar. La intensidad logran transmitir al público invitado es indescriptible, y no miento si afirmo que a más de una persona del público se le saltaron las lágrimas. “¿Por qué lloras?”... ”Porque ellos son el futuro, gracias a ellos siento que la Danza Española no se muere...” MERCEDES ALBI FOTOGRAFÍAS JAVIER CAMPORBÍN

Carmen es una novela corta de Prosper Mérimée, escrita en 1845 y publicada en 1847 en la Revue des deux mondes. Sirvió de inspiración para el libreto de la ópera homónima de Georges Bizet. Esta última fue la que catapultó al personaje y lo convirtió en un mito universal. Un mito que ha viajado por todos los continentes. Una musa para ballets, óperas, obras de teatro y cinematográficas. Inspiración de pintores. [if !supportLineBreakNewLine] [endif] El autor de la obra aún siendo de origen francés debido a la buena amistad con Dña. Eugenia de Montijo visitó en numerosas ocasiones España. Dicen que el argumento de esta obra está basado en una historia real que le contó ella. Así se lo hizo saber: “Acabo de pasar ocho días encerrado escribiendo, pero no los hechos y milagros del difunto don Pedro, sino una anécdota que me contó usted hace quince años y que yo temo haber malogrado. Se trata de un jaque de Málaga que mató a su amante, la cual se dedicaba únicamente al público”. Como recoge Jean SENTAURENS : En París, el 21 de septiembre de 1845, Prosper Mérimée cerraba con estas palabras una carta dirigida a su amigo Ludovic Vitet: « Adiós, querido Presidente; dentro de poco, usted leerá un cuentecillo gracioso de un servidor, el cual se hubiera quedado sin publicar si el autor no fuera acosado por la necesidad de comprarse unos pantalones. » La compañía de “Sangre y Raza” basa su Carmen en “aquel cuentecillo”. Ser fiel a la literatura o que esta sirva de inspiración es una dualidad que siempre está presente en cualquier versión de “Carmen”. En este caso se logra la fidelidad a la de Merimée relatando párrafos exactos de la obra que sirven de hilo conductor al desarrollo escénico. No se me ocurre mejor forma de comenzar que introduciendo la frase con la que termina esta Carmen y que es fiel a las propias palabras del personaje en la obra: “Puesto que eres mi rom, tienes derecho a matar a tu romí, pero Carmen sería siempre libre. Nació calé, morirá calé”. Así muere “Carmen” de Mérimmé. Una mujer libre que arriesga pero gana. Gana la libertad que le nace desde su condición pero que le prohibe su raza. La bailarina Almudena Roca (Carmen) arrebata demostrando una caracterización del personaje fidelísima. Nos fue describiendo paso a paso a una mujer gitana rebelde, atrevida, valiente, descarada, provocativa y con un ansia de libertad sin límites. Vive constantemente al filo de la navaja con la que finalmente su libertad la mata. Por momentos asoman escenas de los cuadros realistas de la época acompasados por una iluminación muy bien cuidada y vestidos por un diseño documentado directamente en esas estampas. Esa fidelidad posee en sí misma una estética deslumbrante, pero a veces tratar de ser tan acordes con la narración de Merimé conlleva el riesgo de ser excesivamente descriptivo aportando elementos que distraen la atención del espectador de la esencia del drama. Es un equilibrio arriesgado, pues a veces para que la imaginación vuele “el menos es más”. El resto de personajes arquetipos de la España exótica de la sociedad del momento (cigarreras, bandoleros, gitanos y toreros) dignifican la otra España, bebiendo de sus raíces y despojada de connotaciones populistas y fieles al folclore andaluz universal. Los bailarines nos hicieron disfrutar con una danza plena en detalles interpretativos, algo que se echa mucho de menos en los tiempos que corren. Y es que bailar sin sentir, sin comunicar y sin emociones invita al olvido; lo contrario, hace sentir en el espectador la necesidad de volver a verlo. Y eso es lo que sentimos cuando cae el telón, un fuerte deseo de que se alce de nuevo. “El éxito depende del esfuerzo” (Sófocles) y mucho de lo último es el que requieren iniciativas como la de esta compañía. Cuando las ayudas externas te dan la espalda, la profesionalidad, el tesón, el ingenio y el trabajo son las únicas herramientas para seguir apostando por que la danza española no desaparezca. GEMMA ORTEGA

· Bajo la dirección artística de José Carlos Martínez, la CND ofrecerá un programa de interacciones e improvisaciones en las distintas salas del museo. · El espectáculo forma parte de las actividades organizadas por el museo para conmemorar su 25 aniversario, el sábado 7 de octubre, en una jornada de puertas abiertas. Tendrá lugar entre las 17:30h y las 19:00h. Para celebrar su 25 aniversario, el Museo Thyssen-Bornemisza abre sus puertas a la Compañía Nacional de Danza. La Compañía Nacional de Danza ofrecerá el próximo sábado 7 de octubre un espectáculo gratuito como parte de los actos organizados en conmemoración del 25 aniversario del Museo Thyssen Bornemisza, en una jornada de puertas abiertas. El programa estará compuesto por varias piezas coreografiadas o improvisadas por los bailarines de la Compañía Nacional de Danza que podrán verse de modo itinerante por los diferentes espacios del museo.Durante su paseo por el museo, el visitante se encontrará con una serie de performances basadas en interacciones directas o indirectas con las obras expuestas. &&&&&&&&&&&&&&&&

La IV Edición de la Gala Valencia Somos Arte se ha celebrado el pasado sábado en el Palau de les Arts Reina Sofía. Realmente, es un placer ver al público valenciano tan volcado en un evento que se ha consolidado como cita ineludible de la vida cultural de la capital levantina y aspira a alcanzar una posición de referencia en el mundo de la danza. La presente edición posee la misma estructura que la gala precedente. Así, en líneas generales se podría indicar que el peso de la celebración queda sustentado con la presencia de una figura estelar (el pasado año fue Lucía Lacarra y este año ha sido Joaquín de Luz) junto con bailarines de alguna compañía extranjera (antes fueron los del Ballet de Toulouse y esta ocasión provenían en su mayoría de la Scala de Milán). Es una fórmula que funciona, pues es difícil que una presencia escénica a la altura de estos dos iconos de la danza no arranque emocionados aplausos. El telón se abrió con el paso a dos de Esmeralda, lo cual entraña el riesgo de fijar de entrada un listón demasiado alto que impide fomentar en el espectador la sensación del “in crescendo”, máxime cuando lo bailan dos interpretes tan buenos como Anna Ol y YoungGyu Choi del Het National Ballet de Ámsterdam. Anna Ol se deshizo en alardes técnicos, mantuvo un portentoso equilibrio y mostró una gran elasticidad en el desarrollo de los developpés característicos del personaje. Se notaba su escuela rusa; y YoungGyu Choi encantó. Sus saltos poseen un ballon sorprendente, muy elegante, nada forzado, con la rara cualidad parecer quedar suspenso en el aire. Y es que YoungGyu es un bailarín de salto alado. A continuación, dos pasos a dos de danza contemporánea de gran lirismo: “L´altro Casanova” de Gianluca Schiavoni, con Marta Gerani y Antonino Sutera; y “Desde Otello” de Goyo Montero, con los bailarines valencianos Esther Pérez y Luis Tena. Y apareció Joaquín de Luz con YaeGee Park en el paso a dos de El Quijote, cerrando magníficamente la primera parte... ¿Qué se puede decir que no se haya dicho todavía del enorme artista que es Joaquín de Luz? Es algo muy complejo el tratar de reducir a palabras la emoción de admirar a un artísta inigualable. Y si reflexiono sobre qué es lo que hace a Joaquín tan excepcional, me decanto porque además de su incuestionable técnica posee la elegante bravura propia del que es un bailarín español de los pies a la cabeza. La segunda parte se abrió con Static Time, una coreogafía de Nacho Duato, muy intensa, de hondo dramatismo a cargo de Gentian Doda y Lucio Vidal. Y siguieron el paso a dos del Cascanueces, con Anna Ol y YoungGyu Choi, y el paso a dos de La Silfide, con YaeGee Park y Joaquín de Luz, para cerrar con la Suite de la Bella Durmiente danzada por solistas y cuerpo de baile de la Scala de Milán. El público entendido echó de menos que se hubiera programado alguna pieza de danza española. Es en mi opinión el defecto mayor de la excelsa gala. ¿Cómo es posible que en un evento de esta categoría no exista una muestra de nuestra danza? Pienso, por ejemplo, en Folía de Caballeros, que baila el mismo Joaquín de Luz con Sergio Bernal (que acaba de ser destacado por la Revista Forbes como uno de los jóvenes menores de 30 años con mayor proyección internacional), una coreografía con la que han triunfado hasta en Miami y que todavía no hemos podido ver sobre un escenario español. Solo apuntar que, ahora que los Ballets de la Generalitat han desaparecido, gracias a la loable labor de la Fundación Hortensia Herrero y a la Asociación de Danza y Arte del Mediterráneo (ADAM), organizadoras de la gala, se suple algo la enorme carencia que sobre el arte de la danza existe en Valencia. También sería muy positivo que se promulgase en España una Ley del Mecenazgo que favoreciera e impulsara las iniciativas culturales privadas como ésta, cuya recaudación se destina cada año a una labor humanitaria. Unir belleza y bondad... Y es que ayudar a crear entre todos un mundo mejor siempre será la meta de nuestros sueños. MERCEDES ALBI

Vittoria Valerio La cuarta edición de la GALA VALENCIA SOMOS ARTE contará con una nutrida representación de bailarines procedentes del ballet de La Scala de Milán. Lidera este grupo el bailarín principal Antonino Sutera, quien, además, interpretará el dúo L’Altro Casanova, junto a Marta Gerani, en la primera parte. La coreografía fue creada por Gianluca Schiavoni en 2011, sobre música de Antonio Vivaldi. “Quería destacar la esencia más profunda del personaje de Casanova. Entonces, decidí revivir a este hombre de vida extraordinaria, a través de una mujer y decidía acompañar la coreografía con música del siglo XVIII. Mi ‘Casanova’ fue la hermosa Polina Semionova”, en palabras del coreógrafo. Vittoria Valerio Pero el momento más estelar de la participación de los bailarines principales, solistas y miembros del cuerpo de baile de La Scala de Milán vendrá de la mano de la suite del clásico La Bella Durmiente (1890), que será el broche de oro con el que finalizará el espectáculo. Los roles principales estarán representados por Vittoria Valerio (princesa Aurora) y Claudio Coviello (príncipe Désiré). Además, el paso a dos conocido como el ‘Pájaro de Fuego’ será interpretado por Walter Madau y Denise Gazzo, mientras que la escena de las joyas contará con Martina Arduino como solista. Ballet del Teatro alla Scala La compañía de ballet puede presumir de un pasado glorioso cuyas raíces se remontan varios siglos, desde la inauguración en 1778 del teatro musical y de ópera más famosos del mundo. Ilustres coreógrafos como Jean-Georges Noverre –precursor del ballet moderno y en cuya fecha de nacimiento, el 29 de abril, se celebra el Día Internacional de la Danza-, Gasparo Angiolini, Salvatore Viganò, ejercerían gran influencia en la danza en Europa, incluso antes de la fundación de la Academia de Danza de La Scala, en 1813. De aquí Carlo Blasis, el ilustre bailarín, maestro y teórico orientó al ballet hacia el período romántico, contribuyendo a la innovación técnica de su estilo. En Rusia, Enrico Cecchetti, propagó la enseñanza de la técnica académica italiana y por medio de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev, a los que se unió, elevó su estatus en esta nueva era. La danza en La Scala entró en el siglo XX también con renombrados coreógrafos vinculados a los Ballets Rusos, como Michel Fokine y Léonide Massine. Tras la Segunda Guerra Mundial, Arturo Toscanini trabajó en la recomposición de la compañía de La Scala e invitó a ilustres creadores como George Balanchine. En los años cincuenta y sesenta, La Scala se convirtió en un escenario abierto a los mejores nombres del panorama artístico de entonces. Roland Petit hizo su debut en 1963, Maurice Béjart en los años setenta, y la lista se incrementó con muchas estrellas invitadas como Rudolf Nureyev, quien comenzó en 1965 una estrecha colaboración con el teatro milanés. En los últimos años, las estrellas más conocidas de La Scala han sido Roberto Bolle, Svetlana Zakharova y Massimo Murru. Tras la dirección de Makhar Vaziev (2009-2015), su sucesor, Mauro Bigonzetti, tuvo que retirarse por un problema de salud. Desde octubre de 2016, la dirección de la compañía de ballet ha recaído en Frédéric Olivieri. LOS DATOS Espectáculo: Gala Benéfica Valencia Danza/Somos Arte 2017. Organiza: Asociación de Arte y Danza del Mediterráneo (ADAM). Colaborador principal: Fundación Hortensia Herrero. Bailarines invitados: Joaquín de Luz (Bailarín Principal del New York City Ballet)/ YaeGee Park (Solista de la Compañía Nacional de Danza)/ Young Gyu Choi y Anna Ol (Bailarines Principales del Het Nationale Ballet de Ámsterdam)/ Gentian Doda y Lucio Vidal (Staatsballett Berlin)/ Esther Pérez y Luis Tena (Ballet de Nuremberg)/ Claudio Coviello y Antonino Sutera (Bailarines Principales del Teatro de La Scala de Milán), Vittoria Valerio (Solista del Teatro de La Scala de Milán), Martina Arduino, Denise Gazzo y Walter Madau (Cuerpo de Baile del Teatro de La Scala de Milán) y miembros del Cuerpo de Baile del Teatro de La Scala de Milán. Programa: 1ª Parte: La Esmeralda (paso a dos), L’Altro Casanova, Desde Otello, Don Quijote (paso a dos). 2ª Parte: Static Time, El Cascanueces (paso a dos), La Sylphide (paso a dos), y Suite de La Bella Durmiente. Lugar y fecha: Palau de Les Arts Reina Sofía, 30 de septiembre, a las 19,30 horas. Entradas: Agotadas. Marta Gerani Bailarines Principales, Solistas y miembros destacados del Cuerpo de baile de La Scala de Milán MARTINA ARDUINO Martina Arduino nació en Moncalieri (Italia) e inició sus estudios de danza en la escuela de Carla Perotti, directora del Teatro Nuevo de Turín. Terminó su formación en la Academia de La Scala de Milán, en la que se graduó en 2015. En mayo de dicho año, obtuvo su primer contrato profesional con La Scala de Milán, en cuyo cuerpo de baile permanece desde entonces. Martina Arduino se alzó con el premio Danza&Danza como ‘artista emergente’ de la temporada 2016 y este año, ha conseguido el premio al mérito de Europa in Danza por su interpretación del rol protagonista de Romeo y Julieta. CLAUDIO COVIELLO Natural de Potenza (Italia), Claudio Coviello se formó en la Academia del Ballet de la Ópera de Roma, donde se graduó en 2009. Accedió al cuerpo de baile de La Scala de Milán, en 2010. Tres años después, alcanzó la categoría de bailarín principal que actualmente ostenta. Su repertorio incluye principalmente roles en obras clásicas y neoclásicas. Entre los diversos galardones y reconocimientos, destacan el primer premio del Concurso de Spoleto, GD Award como ‘joven talento’, Premio Positano y la nominación al Benois de la Danse en 2014 –considerado el ‘óscar’ del ballet-. Ha sido invitado en compañías como el Staatsballett Berlin o el Ballet de la Ópera de Roma, y en diversas galas internacionales. Ha bailado como partenaire de bailarinas de la talla de Tamara Rojo, Natalia Osipova, Maria Eichwald y Sarah Lamb. DENISE GAZZO Natural de Vinceza (Italia), Denise Gazzo comenzó a estudiar danza a la edad de cuatro años en diversas escuelas del Véneto. Finalizó su formación en la Academia de La Scala de Milán, donde se graduó en 2011. Tras finalizar sus estudios, entró a formar parte del cuerpo de baile del Teatro de la Scala de Milán. Ha bailado roles solistas en obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas. MARTA GERANI Oriunda de la localidad italiana de Terni, Marta Gerani se graduó en la escuela del Teatro de la Ópera de Roma, en 2010. Siendo aún estudiante, la directora de la compañía, Carla Fracci, la escogió para bailar en los cuerpos de baile de diversas producciones. En julio de 2010, bailó en la gala de Spoleto con Claudio Coviello como partenaire y en enero de 2011, se incorporó al Ballet de la Ópera de Roma, dirigido por Micha van Hoecke. Tres meses después, accedió al cuerpo de baile de La Scala de Milán, donde permanece en la actualidad y donde también baila roles de solista en producciones clásicas y neoclásicas. En 2014, participó como invitada en el Festival dei due mondi de Spoleto, donde interpretó un paso a dos de L’Altro Casanova, con coreografía de Gianluca Schiavoni, con Claudio Coviello como partenaire. WALTER MADAU Walter Madau nació en Turín (Italia), donde inició sus estudios en la Escuela “Danza&Arte”, dirigida por Erica Maggio, a los once años. Posteriormente, se formó en la Academia de La Scala de Milán, dirigida por Frèdèric Olivieri. Graduado en 2011, accedió como meritorio del ballet del Teatro de la Scala de Milán, siendo elevado a miembro estable del cuerpo de ballet, dos años después. Su repertorio incluye papeles de solista en obras clásicas como El lago de los cisnes, Giselle, Romeo y Julieta, etcétera. ANTONINO SUTERA Oriundo de la localidad italiana de Cerami, Antonino Sutera se formó en la Academia de La Scala de Milán, en la que se graduó en 1999 como uno de los mejores bailarines de su promoción. Se unió al ballet del Teatro de la Scala de Milán ese mismo año en calidad de cuerpo de baile, donde fue ascendiendo hasta ser nombrado bailarín principal en 2010. Fue promovido al máximo rango tras una actuación de Romeo y Julieta, con la estrella Alina Cojocaru como partenaire. Siendo aún primer solista, recibió los galardones Danza&Danza y el Premio Positano como joven talento, en 2004. Su repertorio incluye los principales roles en obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas. Ha cosechado grandes éxitos en teatros internacionales como la Ópera de París, el Teatro Bolshoi de Moscú, la Royal Opera House de Londres, el Teatro Mariinsky de San Petersburgo y el Lincoln Center de Nueva York. Ha sido invitado en diversas compañías internacionales y también ha protagonizado varias producciones en DVD de La Scala de Milán. VITTORIA VALERIO Natural de Monreale (Italia), Vittoria Valerio se graduó en el Heinz-Bosl-Stiftung Ballet Academy de Múnich en 2005. Debutó como profesional en el Ballet de la Ópera de Múnich en la producción de La Bayadère. Fue miembro del Wiener Staatsoper (Austria) en la temporada 2005/06. Accedió como solista al ballet del Teatro de Dortmund (Alemania), donde permaneció durante tres años, antes de entrar a formar parte del Ballet de Zúrich (Suiza), bajo la dirección artística de Heinz Spoerli, en 2009. Debutó con La Scala de Milán en 2013. Desde su incorporación en la prestigiosa compañía italiana, Vittoria Valerio ha interpretado roles solistas y principales en obras clásicas y neoclásicas. Entre sus galardones, destaca el primer premio en los concursos internacionales de Roma y de Spoleto y el premio Danza&Danza como ‘artista emergente’ de la temporada 2014. Ese mismo año fue ascendida a la categoría de solista de La Scala de Milán. © Fotos de retrato de La Scala de Milán: Brescia e Amisano.