El pasado sábado se presentó en la sede de Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad de Madrid, ”Historia de la Danza Volumen II. El Siglo XX” de la editorial Mahali. La aparición de este segundo volumen del interesante proyecto de colección sobre la historia de la danza, ha suscitado mucho interés entre la gente del sector, pues como el tomo precedente, se trata de una obra coral en la que cada autor escribe un capítulo centrado sobre un tema que domina dentro de la línea general sobre la que versa cada tomo. Así, participaron en la presentación Carmen Giménez Morte, directora de editorial que también ha sido coautora del libro, junto con Begoña Olibarria Smith, Ana Isabel Elvira Esteban y Margarita Muñoz Zielinski. La danza del siglo XX se disgrega en una infinidad de tendencias estéticas e ideológicas que se suceden rápidamente solapándose entre sí, con un carácter claramente innovador e interdisciplinar. La ruptura con la tradición heredada, las danzas vernáculas, las nuevas técnicas de danza moderna y contemporánea, provocan un nuevo concepto de cuerpo. Al mismo tiempo, las organizaciones sociales se transforman en entidades más libres y democráticas y se facilitan un cambio en las relaciones con el público, donde se abre el campo de la improvisación. Los conceptos de composición y autoría de la obra cambian a lo largo del siglo hacia la danza comunitaria. Este libro trata de explicar esta diversidad de tendencias y ofrecer una pequeña guía que permita al lector orientarse en este intrincado camino. Si con el volumen I, "Historia de la danza: De la Prehistoria al siglo XIX", las diferentes autoras de cada capítulo exploraban los territorios del pasado de la danza desde posicionamientos temporales, tratando de alejarse de los grandes relatos de la historia, en el volumen II, "El siglo XX", los territorios a recorrer son más cercanos en el tiempo aunque se permiten algunos desbordamientos. La pluralidad de puntos de vista, de estilos de escritura y de formación de las autoras y autores, constituyen un panorama enriquecedor al ampliar las interpretaciones artísticas de un arte inmaterial como es la danza. Además de las autoras citadas participan en el libro, Sally R.Sommer, Nelida Monés Mestre, Ana Abad Carles , Ester vendrell Sales, Georgina Cayuela Vera , Esther Vendrell Sales, Santiago Fuentes frutos, Marta Carrasco y Alberto García Reyes. Es un libro muy bien documentado, una edición exquisita, con citas, textos e imágenes que invitan al lector a sumergirse en el fascinante mundo de la danza del siglo XX. No podemos dejar de reseñar los capítulos, que son la más clara muestra del interés de la obra. CAPITULOS 1. La danza vernácula americana. La contribución afroamericana, de 1700 a 1940. Glosario de términos y bailes de la danza vernácula americana.. Sally R. Sommer. 2. La danza moderna temprana. Las revolucionarias descalzas. Obra fundamental: "Marcha eslava", 1917 (Begoña Olabarria Smith) 3. Los Ballets Rusos de Diaghilev. 1909-1929. Obra fundamental: "Parade", 1917. Margarita Muñoz Zielinsky 4. La efímera aventura de los Ballets Suecos. 1920-1925. Obra fundamental, "Relâche", 1924. Margarita Muñoz Zielinsky. 5. La danza expresionista y la danza-teatro. La Europa de entreguerras, motor de la danza. Obra fundamental: "Hexentanz", 1914 y 1926. Nélida Monés Mestre. 6. Bailar en tiempos de guerra. La consolidación del ballet en Inglaterra. Obra fundamental: "Symphonic Variations", 1946. Ana Abad Carles. 7. La danza moderna americana. La danza como expresión de vida. Obra fundamental: "Revelations", 1960. Ester Vendrell Sales. 8. Panorama de la danza académica después de la II Guerra Mundial. Hacia una nueva estética. Obra fundamental: "Le jeune homme et la mort", 1946. Georgina Cayuela Vera. 9. Ballet y danza académica en Estados Unidos. De los márgenes al protagonismo. Obra fundamental: "Violin Concerto", 1972. Ana Isabel Elvira Esteban. 10. La danza en Europa en la segunda mitad del siglo XX. Creación contemporánea desde la tradición. Obra fundamental: "Petite mort", 1991. Ester Vendrell Sales. 11. Una aproximación a la estética de la danza posmoderna y contemporánea. La improvisación como estrategia creativa. Obra fundamental: "Set and reset", 1983. Carmen Giménez Morte 12. La danza desde los años ochenta. Bailar hoy en día. Obra fundamental: "Véronique Doisneau", 2004. Santiago de la Fuente Frutos . 13. Historia y orígenes del flamenco. Obra fundamental: "Medea", 1984 (Marta Carrasco Benítez y Alberto García Reyes) &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Conservatorio Profesional de Danza José Antonio Ruiz de Albacete organiza la Gala “Diez años en Danza” con el objetivo de celebrar y mostrar el resultado de diez años de trabajo, durante los cuales los estudiantes de este Conservatorio han trabajado duramente junto a sus maestros para abrirse un hueco en el panorama artístico de nuestro país, así como a nivel internacional, pues muchos de ellos forman o han formado parte de importantes escuelas y compañías nacionales y extranjeras: Centro Andaluz de Danza, English National Ballet School, Real Conservatorio de La Haya, Ballet Teatro de Lucerna, Ballet Joven de La Toscana, Ballet Nacional de Eslovenia, Real Ballet de Nueva Zelanda, y otros han completado su formación convirtiéndose en pedagogos y coreógrafos en distintas especialidades de Danza. En ese proceso de aprendizaje artístico y personal tienen mucho que ver también los artistas invitados a esta Gala, pues de una u otra manera han estado relacionados con este Conservatorio a través de cursillos o Master Classes, en los que los alumnos han establecido un contacto más directo con la profesión y con maestros de alto nivel. Estamos hablando de Miguel Ángel Corbacho y Elena Algado, antiguos bailarines principales del Ballet Nacional de Españay fundadores de Entredos Ballet Español; Pilar Arteseros, bailarina del Ballet Nacional de España; y Carmina Ocaña y Pablo Savoye, directores de una de las escuelas de Ballet Clásico más importantes de nuestro país que participa con su Joven Ballet Impulsa, plataforma de lanzamiento de jóvenes y talentosos alumnos a las puertas de la profesionalización. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Olga crea, y lo hace con cada gesto, con cada paso que da sobre el escenario, porque baila como siente, tal y como es ella: un ser lleno de gracia y pasión. No necesita artificios para brillar, su duende destacaría bajo cualquier circunstancia. Pero es justo reconocer que la dramaturgia diseñada por Carlota Ferrer le va como añillo al dedo, así como las líneas coreográficas de Marco Flores. Nunca hay que dejarse engañar por la aparente sucesión de escenas que discurren sin complicación… No existe la improvisación, solo una “apariencia de improvisación”. Y esto es lo complicado, lograr que fluya una corriente inmediata entre el espectáculo y el espectador de principio a fin. Para atrapar al público en ese juego maravilloso se necesita pensar y trabajar mucho. En “La Espina que Quiso Ser Flor” se logra desde el comienzo. Se inicia con Olga bailando magníficamente unos pasos boleros (haciendo honor a su ilustre apellido) mientras se busca a sí misma. Es la introducción, la “obertura”. Con esa escena se posibilita la entrada del espectador en la intimidad de sus pensamientos, de sus ideas, incluso de sus disparates, pues Olga está sola en el camerino de sus sueños. Se rebela frente al hecho de convertirse en un autómata, en una simple muñeca que ejecuta los pasos que le dictan, y muere. Aparecen sus compañeros y la resucitan. Juntos se disponen a emprender un nuevo viaje. Son el bailaor Jesús Fernández, dos cantaores –Miguel Ortega y Miguel Lavi- y dos guitarristas -Antonia Jiménez y Pino Losada-. La simbiosis, los engranajes invisibles que compenetran a unos con otros también son mágicos. Jesús, el de los pies ligeros, es un bailaor de vibrante taconeo lleno de gracilidad, y es ahí donde se encuentra el punto de conexión con Olga, juntos bailan como si estuvieran hechos el uno para el otro. El cante de Miguel Ortega es extraordinario y su tono grave se complementa con el de Miguel Lavi desde la pureza de estilo que ambos comparten. Así como es un placer disfrutar del virtuoso tañer del guitarrista Pino Losada junto con la sensibilidad de Antonia Jiménez. Olga transita entre estos grandes artistas, dialoga con su propio corazón a través de la danza, sin desdibujar la tradición en la ejecución de los palos clásicos, desde las alegrías con bata de cola, la soleá, o los panaderos que rescató de “La Flor de la Maravilla”. Es maravilloso verla bailar, disfrutar de esa versatilidad que posee gracias a su gran técnica. Olga puede hacerlo todo. Toca sus castañuelas y parece que el sonido le salga del alma. Es una bailarina tan completa que hubiera acometido con éxito cualquier camino. Escogió el flamenco y lo hizo con consciencia y libertad. Ella se mueve como nadie entre la ingenuidad y la pasión, entre su fuego interior y la quietud de su pose escultórica. Siempre es ella misma, la interprete que revelándonos su mundo crea otro. MERCEDES ALBI

La Asociación de Amigos de la Danza de Murcia, presidida por Margarita Muñoz-Zielinski, ha organizado una MASTER CLASS con IGOR YEBRA, ex estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos, coreógrafo y maestro. Esta actividad tendrá lugar el día 20 de junio, en el Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia. La Master Class está orientada a alumnos de ballet de nivel medio/avanzado (aproximadamente a partir de 15 años). Igor Yebra impartirá una clase magistral de danza clásica, con una duración de 120 minutos (de 9.30 a 11.30 horas). El precio de la Master Class es de 45,00 euros y las plazas son limitadas. El grupo tendrá un aforo máximo de 25 participantes. La inscripción se realizará mediante llamada al número de teléfono 617 97 36 14. El pago de la matrícula se hará mediante transferencia bancaria en un número de cuenta que se les facilitará en la confirmación de la inscripción. Además, el precio de la Master Class incluye una entrada para la V Gala de Bailarines Murcianos (21 de junio) y otra para el IX Premio Tiempo de Danza (22 de junio), que tendrán lugar en el mismo Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia, y sobre los que se informará detalladamente en próximas fechas. IGOR YEBRA, Primer Bailarín Internacional, coreógrafo y maestro Nacido en Bilbao, Igor Yebra se formó en la escuela de Víctor Ullate, en Madrid. Debutó como profesional en el Ballet de Víctor Ullate (1988-1996), y posteriormente emprendió su carrera en solitario en el Australian Ballet (1997-1999), primera de las muchas compañías internacionales de los cinco continentes con las que ha colaborado a lo largo de su trayectoria. Su carrera internacional como freelance se ha nutrido de tres fuentes principales: la escuela francesa gracias a Charles Jude, la escuela italiana de la mano de Carla Fracci y la escuela rusa a través de Yuri Grigorovich. Entre sus hitos profesionales, se encuentra su rol protagonista en Iván el Terrible, en el Palacio de Congresos del Kremlin en 2004, convirtiéndose Yebra en el primer bailarín no ruso que interpretó este papel. Entre sus galardones destacan el Gran Premio de Eurovisión para jóvenes bailarines (1989), el Premio ‘Danza & Danza’ al ‘mejor bailarín del año’ en Italia (1996), el segundo premio en el concurso Maya Plitseskaya (1998) y el Premio Leonidas Massine en Italia (2003), entre otros. Igor Yebra ha sido Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de Burdeos (2006-2016) y Primer Bailarín invitado del Ballet de la Ópera de Roma (2002-2012). Consciente de la importancia de una enseñanza de calidad, Igor Yebra fundó su propia escuela de danza en Bilbao en 2006. Actualmente, compatibiliza las facetas de bailarín, coreógrafo y maestro, continuando su carrera internacional como estrella de forma freelance. LOS DATOS Actividad: Master Class con Igor Yebra. Organiza: Asociación de Amigos de la Danza de Murcia. Imparte: Igor Yebra. Nivel: Medio/avanzado. Lugar: Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia. Fecha: martes 20 Junio. Horario: 9.30 horas a 11.30 horas. Precio: 45 € (Precio único que incluye entradas para la V Gala de Bailarines Murcianos y al IX Premio Tiempo de Danza). &&&&&&&&&&&&&&&&

El 29 de abril, día de nacimiento del coreógrafo Jean-Georges Noverre (1727-1810), considerado el precursor del baile moderno, fue la fecha elegida en 1982 por la UNESCO para la conmemoración del Día Internacional de la Danza. Esta organización ampara oficialmente todas las formas de danza en todos los países del mundo, a través del Consejo Internacional de la Danza. Desde 1996, la Asociación de Profesionales de Danza de Gipuzkoa (APDG), en colaboración con Donostia Kultura, ha organizado diversos actos conmemorativos de dicha festividad siendo ésta la vigésimo segunda ocasión en la que se confecciona un programa de actividades, destinado a homenajear esta profesión. XIX MUESTRA DE ESCUELAS EN ANDOAIN.- El sábado 25 de marzo, se presentará en el Centro Cultural Bastero de Andoain la exhibición de danza ofrecida por 190 alumnos y alumnas de la Asociación. La muestra se iniciará a las 12,00 horas, y ofrecerá una exhaustiva exhibición de danza, donde las academias guipuzcoanas presentarán lo mejor de su cosecha anual. Un total de 18 piezas creadas por los profesores y profesoras de la asociación que representan a 13 escuelas, componen un variado programa donde tienen cabida desde el ballet más clásico y el flamenco, hasta las tendencias más modernas de la danza actual. [if gte vml 1]>

La espina que quiso ser flor y la flor que quiso ser bailaora muestra una galería de juegos dramáticos donde la mujer aparece siempre poderosa. La bailaora y coreógrafa cordobesa estrena en Madrid La espina que quiso ser flor y la flor que quiso ser bailaora, el día 23 de marzo en el marco del Festival Ellas Crean, una cita con la cultura hecha por mujeres. Olga Pericet regresa a los escenarios acompañada en esta ocasión de otra grande y renovadora de la escena, Carlota Ferrer. El espectáculo es un viaje personal donde la fuerza del baile se arrastra por los recovecos de una memoria llena de besos y cicatrices. Una galería de juegos dramáticos donde la mujer aparece siempre poderosa en una miscelánea de imágenes escultóricas y transformaciones, donde se transita entre lo bello y lo feo, la alegría y la amargura, la reclusión y la lascivia, la juventud y la decrepitud. Aquí, el flamenco de Olga Pericet late entre opuestos: lo femenino y masculino se confunden y devoran, la oscuridad relaja, la belleza inquieta. La música lo enmarca todo en un puro devenir de cante, ritmos y palos. Pericet se está haciendo imprescindible en los escenarios del mundo porque funde, experimenta, ama la tradición y se lanza al abismo de lo nunca visto. Sorprende y hechiza al público veterano y al recién llegado. En su reciente paso por el Festival Flamenco de Miami y la Gala Flamenca de Nueva York, la bailaora ha obtenido una gran acogida por parte del público y la crítica. Gran renovadora del género, numerosos galardones reconocen su talento. Los más recientes son el Premio Extraordinario de Teatro ACE Awards 2016 (Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York); el MAX de Artes Escénicas a la Mejor Bailarina Principal por Pisadas (2015) y el galardón de El Ojo Crítico de RNE (2014) por su creatividad y valentía al asumir riesgos artístico. Entre sus obras destacan FLAMENCO (Untitled) (2015); Pisadas, fin y principio de mujer (2014); De una pieza (2012); Rosa Metal Ceniza (2011) o Bailes alegres para personas tristes (2010). Olga Pericet se encarga de la dirección artística, coreografía, baile, codirección musical y producción de La espina. La dirección escénica y dramaturgia corren a cargo de la actriz, directora y coreógrafa Carlota Ferrer, que ha plasmado su creatividad en escenarios consolidados como el Teatro de La Abadía o el Español, y en apuestas más innovadoras, como Draft.inn o la Bienal de Venecia. Es además Premio El Ojo Crítico de las artes escénicas 2015 de RNE y Premio Max al Espectáculo Revelación del mismo año por Los nadadores nocturnos. Miguel Ortega y Miguel Lavi protagonizan el cante; a la guitarra, la maestría de Antonia Jiménez y Pino Losada; el espectáculo cuenta con la colaboración especial en el baile y las palmas de Jesús Fernández. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

VECINOS es uno de los espectáculos de Flamenco Contemporáneo que más éxito está cosechando en los númerosos festivales en los que ha participado durante todo el 2016. Llega de mano de la compañía MALUCOS DANZA con Carlos Chamorro y Mariana Collado. SINOPSIS Siempre que me cruzo con mi vecina, parece que es primavera... Mi vecino me recuerda a Robert Redford en Dos hombres y un destino… ¡qué guapo! ¿Alguna vez has tenido la tentación, de llamar a la puerta de tu vecino al escuchar tu canción favorita? Habitualmente, no nos paramos a pensar en la cercanía que tenemos con las personas que habitan a nuestro lado. Como en una frontera invisible, vivimos aislados en nuestras moradas sin ser conscientes de las vivencias de los otros. Delimitamos momentos y emociones, que podríamos compartir con el ocupante de la casa de al lado. ¿Llamarías a su puerta y lo invitarías a bailar? La compañía “Malucos danza” ha destacado de forma sobresaliente en: - Festival Flamenco San Petersburgo (Rusia), 2016 - XV International Festival Flamenco Moscú (Rusia) 2016 - 9º Festival Flamenco Casa del Lago (Ciudad de México) 2016 - Festival Flamenco de Stuttgart (Alemania) 2016 - Festival Flamenco Madrid 2016 (estreno en Madrid capital) - Teatro Jacinto Benavente de Galapagar (preestreno como Compañía Residente) Llega ahora al Gran Teatro Bankia Príncipe Pío para celebrar la feria de abril en el centro de Madrid. Dirección, Idea original y coreografía: Carlos Chamorro y Mariana Collado Dirección producción y coordinación: Lidia Lechado Bailarines: Mariana Collado, Carlos Chamorro Compositores música original: Guitarras: Jaime González, José Almarcha y Yeray Cortés Cante: Loreto de Diego y Juan Debel Piano: Pablo Suarez Violín: Víctor Guadiana Percusión: Karo Sampela Arreglos musicales: Víctor Guadiana Palmas, jaleos y voz en off Lucía de Miguel &&&&&&&&&&&&&

El coreógrafo ha sido ganador de cinco premios Olivier y dos premios Tony como mejor coreógrafo y director musical. Un programa triple con Watch With Mother, Town and Country y The Infernal Galop. Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Early Adventures, un espectáculo de danza teatro del coreógrafo inglés Mathew Bourne con su compañía New Adventures. Este espectáculo estará en cuatro únicas funciones en la Sala Roja los días 15, 16, 17 y 18 de marzo. “Me gusta hacer grandes espectáculos para grandes audiencias”, dice Matthew Bourne, cinco veces ganador del premio Olivier y único director británico que ha conseguido alzarse con el premio Tony al mejor coreógrafo y al mejor director de musical. Calificado por la crítica como un virtuoso de la narración a través del movimiento y la imagen, Bourne y su compañía se presentan por primera vez en España, con un espectáculo que incluye las piezas icónicas que lanzaron la carrera del “coreógrafo favorito de Reino Unido”. Una muestra brillante y condensada de su particular estilo: auténtico, irreverente, ingenioso y “maravillosamente divertido”, para decirlo con el diario The Guardian. El diseñador Lez Brotheston (Premio Olivier, Premio del Círculo de la Crítica de Los Angeles, Premio Tony, entre otros), estrecho colaborador de Bourne, firma el vestuario y la escenografía. Early Adventures celebra el 30 aniversario de la compañía con un programa triple compuesto por Town and Country, una pieza hilarante y conmovedora que explora el carácter inglés desde una época pasada y a través de la evocadora música de Edward Elgar, Noël Coward y Percy Grainger; The Infernal Galop, una visión de Francia desde la conservadora imaginación británica, un glorioso desfile de clichés tradicionales que culminan con el cancán de Offenbach; y Watch with Mother, una vuelta de tuerca a los juegos infantiles que se sube a escena por primera vez en 25 años. Matthew Bourne, aclamado como uno de los más exitosos coreógrafos del Reino Unido, ha creado y dirigido espectáculos de danza durante los últimos treinta años para musicales, ópera, teatro y cine, así como para sus multipremiadas compañías: Adventures in Motion Pictures, que dirigió de 1987 a 2002 y New Adventures, fundada en 2002. Artífice de la producción de ballet que más tiempo ha permanecido en cartel en el mundo –su popular versión de Swan Lake. &&&&&&&&&&&&&&&&

Prevenir, concienciar y sensibilizar sobre los trastornos de conducta alimentaria (TCA) y favorecer la autoestima e integración social de quienes la padecen es el objetivo de Princesas o comerse la vida. Un espectáculo de Extremus Danza, dirigido por la coreógrafa y bailarina, discípula de Antonio Gades, Eva Moreno, que llega el próximo 31 de marzo al Auditorio de Torrente. "Princesas o comerse la vida" da título a una coreografía en el que flamenco más trasgresor y rupturista se fusiona con la danza española y la contemporánea para articular un sugerente montaje que nos atrapa en el mundo de las “Princesas”, nombre con el que se autodenominan las chicas anoréxicas o bulímicas. Y todo ello dentro de un contexto social en el que los trastornos de conducta alimentaria constituyen hoy la 3ª enfermedad entre las adolescentes occidentales. Una enfermedad en la que profesiones como la danza presentan un elevado porcentaje de casos. Tres jóvenes interpretadas por Mireia Fuster, Sandra Ruíz y Vicente Ferragud, considerado el mejor bailarín de Escuela Bolera y Danza Estilizada de la Comunidad Valenciana, nos arrastran con su fuerza y confusión a los vaivenes de la adolescencia. Tres princesas que nos dejan ver retazos de su existencia y sus obsesiones: abdominales extenuantes, compras compulsivas, fiestas extenuantes. Un incesante y agotador afán por cumplir el prototipo de belleza, una amarga lucha con lo que son, con lo que no aceptan frente al espejo, que termina en la autodestrucción silenciosa y secreta. La danza al servicio de una realidad social El espectáculo surge como un proyecto social y cultural que pretende poner la danza al servicio de una realidad social. Arte para disfrutar y para trasmitir valores que nos ayuden a luchar contra los estereotipos sesgados que radican en el ideal de belleza que gira en torno a la delgadez y el aspecto físico. De ahí que después de la representación se realice un coloquio entre el público, los artistas y especialistas en la materia de la Asociación Valenciana de Familiares de Enfermos con Trastornos Alimentarios: Anorexia y Bulimia (AVALCAB). “Princesas nace para hacernos preguntas de hacia dónde vamos como sociedad, educadores y padres, y pretende ser un punto de partida para un trabajo, debate en familia o en el aula sobre la relación que tenemos con nuestra imagen y con los estándares de belleza actuales”, explica Eva Moreno. Un montaje que busca “acercar los TCA al público en general y a la población más vulnerable a esta enfermedad: los adolescentes”. De ahí que el espectáculo contemple, de forma paralela a la representación para todos los públicos, dos funciones específicas dirigidas al público más joven, el alumnado de institutos, que tendrá lugar los días 30 y 31 de marzo por la mañana. Espectadores con los que se trabajará después de la representación para abordar la anorexia y bulimia con especialistas de la materia y en el aula con los profesores a través de una guía didáctica diseñada por la compañía. Fotografía de Jesús Vallinas Colaboradora de Antonio Gades durante más de una década y afincada desde hace años en Valencia, la madrileña Eva Moreno, coreógrafa, bailarina, directora de escena y dramaturga, utiliza de forma vanguardista el lenguaje de la Danza Española y el Flamenco para contar historias de cada día. Su trabajo como coreógrafa no se entiende sin su compromiso social. Entre sus propuestas escénicas destaca Pared con Pared, en la que abordó la violencia machista; el proyecto de inclusión social ¡A Quelar!, que utilizó el baile flamenco como elemento de integración con los jóvenes de la comunidad gitana; o Lakata, espectáculo flamenco para espacios no convencionales en el que la compañía investiga un nuevo formato de intimidad con el espectador. Princesas o comerse la vida Día: Viernes 31 de marzo Hora: 20:30h Lugar: Auditorio de Torrente.

Escribir la danza: narraciones y narrativas en la danza es un seminario que consta de dos charlas en las que reflexionar sobre cómo escribir la danza, cómo contar su historia. Y si, como dijo Serge Lifar, “la danza empieza donde acaba la palabra”, ¿Puede la danza contar historias? Contenidos y estructura 1. Las narraciones de la danza: En esta primera charla se tratarán los problemas de la escritura de la danza. Desde sus métodos de notación a su narración histórica a lo largo del último siglo. Se verán las dificultades que la danza presenta para su conservación escénica, así como las construcciones, deconstrucciones y reconstrucciones de sus discursos históricos. El seminario es de especial interés para estudiantes e investigadores de danza y artes escénicas.. 2. La narración en la danza: Desde la colaboración de Teóphile Gautier en su libreto para Giselle hasta el estreno reciente de The Winter’s Tale de Christopher Wheeldon basado en la obra de Shakespeare, la danza ha abordado multitud de temas teatrales y literarios en su producción coreográfica. ¿Puede la danza contar historias? Y de ser así, ¿cómo se traslada la palabra a un arte de movimiento? Lugar Librería nclave de Libros, C/Relatores, 16, 28012 – Madrid Horario Viernes 10 de marzo de 19 a 20.30h Sábado 11 de marzo de 18.30 a 20h. Precio La asistencia al seminario completo (dos charlas) tiene un precio de 25€. Reserva de plazas por teléfono 91 369 46 49 o por mail enclavedelibros@hotmail.com

El proyecto BOSQUE DE LA DANZA, que nació en el año 2009 e impulsado por la Casa de la Danza de Logroño, siempre me ha parecido un bonito y necesario símbolo de la profesión de la danza nacional e internacional en compromiso con el medio ambiente. Un gesto que da visibilidad a un sector tan necesitado de iniciativas como esta. Por lo que he podido informarme, desde hace 17 meses son ya 50 árboles los que han desaparecido del Bosque de la Danza y a día de hoy, a pesar de haberse aprobado una cantidad de dinero para restaurarlo, sigue sin haber sido restaurado, lo cual me preocupa mucho y me ha empujado a escribirles este e-mail pidiéndoles que, por favor, hagan lo necesario para que el Bosque de la Danza sea restaurado en la mayor brevedad posible y nos siga representando a tantos artistas que amamos, representamos y somos impulsores del progreso y evolución de la danza dentro y fuera de nuestras fronteras. Desde la Casa de la Danza de Logroño, pedimos vuestra colaboración para restituir plenamente el Bosque de la Danza. Se trata de enviar, en un correo conjunto, esta carta para los tres concejales del Ayuntamiento de Logroño que son responsables de áreas que pueden tener algo que ver con el tema. Ya se están moviendo las cartas por las redes y puedo deciros que ya van recibiendo más de 100 cartas en muy pocos días. Una pequeña ayuda en moral nos viene bien y, sobre todo, les hará pensar que hay muchos implicados en danza y que no se pueden tomar decisiones a la ligera.Un Bosque como éste de la Danza es patrimonio de todos.Gracias por vuestra colaboración en forma de envío-queja. TEXTO E-MAIL: Estimados Concejal de Medio Ambiente, Concejala de Cultura y Concejal Responsable de la alcaldía de la ciudad de Logroño.Mi nombre es ……………….. y mi profesión (si se estima oportuno) ……………………, con D.N.I. nº…………... Direcciones para envío: Concejal de Medio Ambiente.- jruizt@logro-o.org Concejala de Cultura.- pmontes@logro-o.org Concejal de ALCALDÍA.- jmerino@logro-o.org Casa de la Danza.- casadanza@casadeladanza.com Perfecto Uriel Director Casa-Museo de la Danza de Logroño

Cuando alguien tiene el placer de encontrase con Carmen Rojas queda sorprendido. Es difícil creer que estás ante una de la parejas de baile favoritas del gran Antonio el Bailarín. Y es que el tiempo más que doblegarla la ha acariciado. Su conversación es muy amena. Carmen es de esa clase de personas que parece que las conoces de toda la vida aunque te las acaben de presentar. La vivacidad de su mente es contagiosa. Y es que Carmen es como su danza, auténtica, generosa, graciosa, elegante y apasionada... Es su fuego interior el que ha vencido al paso de los años. Emprender con ella este viaje por sus recuerdos es como abrir una página de momentos gloriosos en la historia de la Danza Española. P.-¿Cómo te hiciste bailarina? -He sentido la danza desde que tuve uso de razón, desde muy pequeña... Recuerdo que en Ceuta, cuando en mi casa las visitas esperaban a mis padres yo les decía, pues antes de que vengan mis padres les bailo un poco... ¡Ja, ja! Y me ponía a bailar. Me iba a la feria, me ponía el traje y bailaba. En el Teatro Cervantes de Ceuta fue mi primera actuación. Bailé el pasodoble Manolete con el traje de comunión de mi hermano que me arregló mi madre... Fue en una gala benéfica que se hizo para recaudar fondos para los damnificados de Cádiz. P.-¿Qué edad tenías? -8 o 9 años. P.-¿No fuiste a alguna escuela de baile? -Ni a alguna ni a ninguna... Nunca fui. Bailaba porque lo sentía, y lo hacía como fuera y donde fuera por una especie de necesidad. Hasta que nos fuimos a Madrid. P.-¿Cuándo vinisteis a Madrid? -Yo tenía 15 años y ahí sí estuve aprendiendo unos meses en la academia María de Román. Gracias a esto tuve la primera experiencia profesional Rafael de Córdoba vivía en esa casa, y entonces él tenía un contrato para Barcelona, y la maestra nos dijo a mí y a otras 3 niñas que si queríamos ir con él para adornar su espectáculo. Ese fue mi debut como artista. Luego corrió la noticia de que Antonio Ruiz Soler estaba formando compañía (1952) y convocó audiciones. Yo estaba como loca de contenta. A la audición me acompañó mi padre. Recuerdo que fue en un piso del barrio de Salamanca. Era la casa de Ana de Pombo, que era muy amiga de Antonio, una mujer muy carismática que había trabajado con Coco Chanel en París y era quien le confeccionaba los trajes a Eva Perón. P-¿Cómo fue la audición? -Yo no tenía ningún baile montado. Antonio me preguntó “¿Qué trae preparado?”... Nada le dije. También estaba Betty, que llevaba un montón de bailes del conservatorio, y yo nada, nada de nada. Sin embargo, Antonio me permitió improvisar y me contrató. Entonces, mi padre se quiso hacer el interesante negociando las condiciones del contrato, pero no le dejé, yo estaba loca de contenta. Para mí bailar en la compañía de Antonio era un sueño, y no me importaba nada más... P-¿Era la primera vez que te encontraste con Antonio? -No, una vez él estaba actuando en el Teatro Fontalba de Madrid con Rosario. Fue la última actuación en la que bailaron juntos en Madrid. Y mi madre me dijo “te tengo que llevar para que te conozca”. Ni corta ni perezosa me llevó al teatro, entró conmigo en los camerinos, se dirigió a Antonio y le dijo: “Yo le traigo a la niña para que me diga si vale, y así pues para que siga, o si no... “. Antonio pidió a un guitarrista que tocara, me hizo las palmas y yo bailé. Quiso recomendarme para los Chavalitos Sevillanos. Más tarde, muchas veces me lo recordó. Se acordaba de la anécdota. Nadie podía entonces imaginar que íbamos a bailar tantos años juntos. P- Y este encuentro se reprodujo en el cine. En la escena de la película “Luna de miel” en la que una madre le dice a Antonio que vea bailar a su hija y termináis bailando juntos. -(Ríe). Es verdad, en la película que rodamos con Michael Powell, el director de las “Zapatillas Rojas”. https://www.youtube.com/watch?v=ZDeYigl_XlI P-¿Cuántas bailarinas formasteis parte de la primera compañía de Antonio? -Al principio éramos 13 bailarinas. Debutamos en el Festival de Granada del año 1953. Yo estaba entusiasmada. Además de cuerpo de baile me puso algunas cosas para solista como las danzas vascas. P.-¿Cuándo te convertiste en primera bailarina? -Él bailaba flamenco con otra bailaora, pero se marchó de la compañía y él vino a hablar conmigo, y me preguntó: "¿Te atreves a bailar conmigo?". Dije que sí, y no dudé. Yo en aquel momento me atrevía a todo. Entonces, me puso a aprender las seguidillas con su hermana. Curiosamente, a Antonio no le gustaba ensayar el flamenco, a diferencia de sus ballets, que los ensayaba muchísimo. P.-¿Por qué crees que no le gustaba a Antonio ensayar el flamenco? -Porque se dejaba llevar por lo que sentía, por un sentimiento muy profundo, e improvisaba muchísimo. Además, no se iba a poner a ensayar conmigo que era una cría que acababa de llegar. La primera vez que actuamos fue en el Castillo de Perelada. Y, no me olvidaré nunca, pasó una pequeña catástrofe en nuestra segunda actuación. P.-¿Qué pasó? -Fue nada menos que en Jerez de la Frontera. Salimos a bailar las seguidillas. Yo tenía que dar una vuelta para la izquierda y el tenía que dar una patada y caer de rodillas. Pues me equivoqué y di la vuelta para el otro lado y le tiré al suelo con la bata de cola. Yo, asustada perdida, pensé que había llegado el final de mi carrera, que me echaba sin remedio. La angustia se apoderó de mi. Pero en el corro final del espectáculo teníamos que bailar unos tanguillos. Entonces le vi que venía hacia mí con las cejas levantadas (que era el gesto que hacía cuando estaba enfadado), y nos pusimos a bailar. El público se puso a aplaudir de tal manera que tuvimos que hacer 2 o 3 bises. (ríe) El público me salvó. Y pensé, “bueno, al final de esto, no me echa”. Solo me reprendió levemente, “sabes que tienes que ensayar la patada de la bata de cola hacia la izquierda”, dijo. P.-¿Qué papeles has interpretado con él? -He hecho muchísimos, incluso la Molinera del Sombrero de Tres Picos y el Paso a Cuatro. P.-¿Qué papel era el que más te gustaba bailar con Antonio? -Mi preferido, "El zorongo gitano" de García Lorca. También he disfrutado mucho con el Taranto que me puso en el 56. Esta pieza es la que he tenido el inmenso placer de montar para el Ballet Nacional de España. Sentí una alegría inmensa cuando Antonio Najarro me llamó. Es un amor de persona y está dirigiendo muy bien el Ballet Nacional de España. Y se la monté a Esther Jurado, he disfrutado mucho con ella y hemos hecho muy buenas migas. Nos solemos ver con frecuencia. P.-¿Qué has sentido con el Homenaje a Antonio Ruiz Soler del BNE? -Imagínate. Ha sido uno de esos regalos inesperados que te ofrece la vida. Ha sido una ilusión grandísima rememorar a Antonio El Bailarín. Quiero aprovechar esta entrevista para darle las gracias a dos personas: a Antonio Najarro por haber concebido la idea del homenaje a Antonio Ruiz Soler, algo que nadie le había hecho hasta ahora; Y también, a Emilio Martí por una exposición preciosa en Cádiz en el Conservatorio de Maribel Gallardo. Me regaló un vídeo precioso. Me emocionó muchísimo. P.-¿Cuántos años has bailado con Antonio Ruiz Soler? -Del 53 al 62 sin parar. Y tuve que parar porque me rompí el menisco y los ligamentos cruzados. Una pena. Me lo rompí en Tenerife, bailando con Paco Ruiz la Jota de Albéniz. El público no lo notó pues fue en la zapateta final, bajó el telón y entonces, me fui al suelo. P.-¿Cuantos bailarines de la primera etapa del ballet de Antonio quedan? -Del 52 quedan Betty, Teresa, Laura Toledo, Paco Ruiz... De los demás, si viven no tengo noticias. P.-¿Te repusiste de la lesión? -Un año entero de operaciones, muletas... No había los medios de ahora en que una rotura de menisco se arregla muy pronto. Luego cuando regresé ya no pude bailar la Molinera del Sombrero que estaba bailando antes de la lesión. Pasado un año de convalecencia (1963) Antonio me llamó y me preguntó: ¿Quieres venirte a bailar para Kennedy? Y allá que nos fuimos... P.-¿Tienes alguna foto con Kennedy? -No, no dejaban hacerlas. Tengo con otros artistas muy famosos que conocí en aquel viaje. Se conmemoraba el 2º aniversario de su presidencia. Y actuamos con los bailarines NY City Ballet, con Gene Kelly... Con esos sí tengo fotos. Antonio bailaba el Sarasate, luego las chicas y chicos hacían unas soleares, y terminábamos Antonio y yo con unos tanguillos. Tuvimos muchísimo éxito. Después de la actuación me esperaba una sorpresa. Yo creía que iba a cenar con Antonio porque invitaron a las primeras figuras de la gala. Unos motoristas nos abrían el paso y llegamos nada menos que a la mansión del vicepresidente Johnson. Allí estaba Kennedy y su mujer, Jackie. Él vino a hablar conmigo. Y hasta recibí una carta suya. Aquí la tengo. Era muy atractivo, más que guapo era interesante y con muy buen tipo. Estuvo hablando conmigo y me mostró gran interés por nuestra danza... Fue una experiencia inolvidable. Aquí tengo fotos en los ensayos. Ésta con Kirk Douglas nos la tomaron mientras esperábamos los coches que nos llevaron a la cena. En esta otra estoy con Yves Montand. Esta es la tarta con la que se obsequió a Kennedy, estoy con Teresa Maizal, la esposa de Paco Ruiz. P.-¿Cuándo empezaste tu propio camino sin Antonio? -He bailado de forma independiente por todo el mundo. Hice muchísimas giras difundiendo la imagen de España en las Expotours del Ministerio de Información y Turismo. Luego en el 66 volví otra vez con Antonio para una gira por América y para rodar la Taberna del Toro. El tiempo que he estado con Antonio han sido unos 16 años, aunque de forma intermitente. También tuve un grupo con Paco Ruiz. P.-¡Qué bien te lo has pasado! Muy bien, sí es verdad. Aquí estoy en el Radio City de NY. Los boys me subian encima de una bandeja, y yo movía los brazos como una odalisca hasta que me bajaban (ríe). He tenido una vida maravillosa, y he conocido muchísima gente con la que he compartido con ellos momentos inolvidables. P.-¿Te han dado muchos premios? -Tengo la Medalla al Mérito Turístico, el Premio Viotti con Paco Ruiz, me dieron el individual y el de parejas, el Premio Nacional de Coreografía (1957), la medalla de la Ciudad de Ceuta y hasta pusieron mi nombre a una calle. P.-¿Cómo ves la situación actual de la danza española? -Pues pienso que después de un tiempo en que estaba todo muy dormido comienza a despertar nuevamente. Yo veo que ahora hay mucha afición, muchos conservatorios, hubo una temporada muy parada, pero creo que va superando ese bache. P.-¿Qué aconsejarías a los que quieran dedicarse a bailar profesionalmente? -Lo primero que tienen que tener es afición a bailar. Se tiene que bailar porque se siente, desde adentro. No puede uno ponerse a bailar como modo de obtener dinero o para viajar... Eso es algo secundario. No se debe nunca anteponer el dinero al arte. Por supuesto que tienen que ganar dinero, porque hay que vivir de ésto, pero que no piensen en ello como una meta. Se baila con el cuerpo y con el alma. MERCEDES ALBI