• Un espectáculo en el que se alternarán obras de José Manuel Cañizares y Domenico Scarlatti • Un viaje a través de los siglos en el que se tocan presente, pasado y futuro de la música • Cañizares homenajea así a Scarlatti, al que muchos consideran el primer compositor de flamenco de la historia El Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta Cañizares. Scarlatti & Flamenco, un espectáculo de guitarra flamenca, baile y palmas en el que el guitarrista José Manuel Cañizares estará acompañado de los bailaores Charo Espino y Ángel Muñoz. La alternancia entre las composiciones de Cañizares y las del compositor napolitano Domenico Scarlatti acompañan al espectador en un maravilloso viaje a través de los siglos, viaje en el cual se tocan presente, pasado y futuro de la música. Scarlatti, que vivió una larga parte de su vida en España, reflejó su amor por la música popular de nuestro país en algunas de su maravillosas Sonatas para clave. Cañizares, enfrentándose al reto de una transcripción de algunas de ellas para guitarra, no rehúye el desafío y pone de manifiesto su convicción de que Scarlatti fue el primer compositor flamenco de la historia. Bajo sus dedos, se evidencian detalles armónicos, fragmentos melódicos, rítmicos, que unen de forma indisoluble el compositor italiano con el lenguaje universal del flamenco. Hablar de José Manuel Cañizares es hablar de guitarra flamenca y con ella ha conseguido llevar su arte a los mejores escenarios del mundo. Ha sido el primer y único guitarrista flamenco invitado por la Orquesta Filarmónica de Berlín y ha recibido tanto el Premio Nacional de Guitarra en 1982 como el Premio de la Música en 2008. Cañizares colaboró con Paco de Lucía durante 10 años y también ha compartido escenarios y grabaciones con grandes artistas como Enrique Morente, Camarón de la Isla, Serrat, Alejandro Sanz, Peter Gabriel, Mike Stern, Al Di Meola o The Chieftains entre muchos otros. En su faceta como compositor encontramos músicas para el Ballet Nacional de España y también diversas bandas sonoras de películas como La Lola se va a los puertos con Rocío Jurado y Paco Rabal o Flamenco de Carlos Saura. El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arrancó el 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, un espectacular homenaje a Víctor Ullate, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además el programa del Festival incluye 14 conciertos en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto. PROGRAMA: Scarlatti, Sonata K 208 J. M. Cañizares, Como Dos Niños (Colombiana) Scarlatti, Sonata K34 J. M. Cañizares, Mar Caribe (Guajira) Scarlatti, Sonata K9 J. M. Cañizares, El Abismo (Bulerías) Scarlatti, Sonata K 32 J. M. Cañizares, Se Alza la Luna (Zapateado) Scarlatti, Sonata K11 J. M. Cañizares, Palomas (Vals) Scarlatti, Sonata K291 J. M. Cañizares, Collar de Perlas (Alegrías) FICHA ARTÍSTICA: José Manuel Cañizares, guitarra flamenca Charo Espino, baile, castañuelas y palmas Ángel Muñoz, baile, cajón y palmas Música de Domenco Scarlatti y Cañizares. Arreglo musical de Cañizares. Coreografía de Charo Espino y Ángel Muñoz. &&&&&&&&&&&&&&&&&&

La acción del primer "Amor Brujo" se sitúa en casa de la gitana Candela, que espera en vano la llegada de su novio Carmelo, el cual no vuelve porque la ha abandonado. Entona la “Canción del Pescador”. Se echa las cartas y, ante su mal augurio, termina arrojándolas al fuego, para, a continuación, bailar la “Danza del Fuego”. Después del entreacto comienza la segunda escena, cuya acción se desarrolla en la cueva de una hechicera donde Candela acude a buscar a su amado. Los graznidos de los cuervos y los fuegos fatuos la persiguen, momento en que baila la “Danza de la Tarántula” a fin de conjurar a los malos espíritus. Aparece un rayo de luna como símbolo de que Candela ha vencido al mal. Su amante, embrujado por su danza, cae rendido en sus brazos mientras se escuchan las campanas de amanecer. El impacto escénico de los figurines y decorados de Néstor Es muy significativo el hecho de que, por primera vez España, en el cartel anunciador de una obra apareciera el nombre del escenógrafo al mismo tamaño que el de los principales protagonistas, y así figuraba: “Decorados de Néstor”. El trabajo de Néstor supuso una gran innovación, que fue “in crescendo” desde el primer cuadro –que conserva algo de tipismo- al segundo, en el cual la vanguardia se instala plenamente. Por su interés, y gracias a los estudios efectuados por el historiador Pedro Almeida Cabrera sobre Néstor, describiremos de forma pormenorizada algunos detalles escénicos. Del cuadro primero, que se desarrolla en casa de la protagonista, no se conserva el boceto de Néstor, aunque si referencias escritas sobre cómo debió ser: <> El traje que Pastora Imperio lleva en esta escena tampoco se conserva, pero sí una caricatura de la artista vistiéndolo, en la que se observa la originalidad del corte de su silueta que evoca los tiempos de la moda isabelina. Una descripción detallada de la prensa nos permite imaginar la vivacidad de los colores de las telas: <<…es un traje de amplísimo vuelo, inspirado en los cuadros de las damas de la corte de Isabel II (…), el color de la falda es de un azul intenso, como un jirón de cielo andaluz, y sobre ese azul grandes rosas de fuego; del mismo color rojo son todas las faldas interiores y las medias y los zapatos que calza la gentil Pastora>> Y si el vistoso colorido dominó en la primera escena, el segundo cuadro se despliega ante los ojos del espectador desde la oscuridad: <> La crítica aplaudió con unanimidad las escenografías, pero la polémica se desató respecto al vestuario, especialmente con el del segundo cuadro, en el que los bailarines visten unos trajes de un diseño que abandona cualquier referencia al tipismo. La crítica más tradicional llegó a calificarlos como una especie de “gitanos de París”. En el vestido de Pastora, el drapeado del cuerpo recoge sus elegantes pliegues desde los hombros a la cintura, y el corte recto de la falda queda rematado en una angulosa asimetría. Con este diseño Néstor abandona a Bakst para avanzar los planteamientos estéticos de Natalia Goncharova. También llamó mucho la atención el sombrero picudo del bailarín, que se adelanta en diez años al que luego vestirá Vicente Escudero en la versión posterior y definitiva, con supresión de las partes habladas, de “El Amor Brujo” representada por la compañía de Antonia Mercé, la Argentina. Una imagen renovada de la mujer española aparece en las pinturas de Néstor. Son españolas hermosas de poses seductoras, alejadas de la languidez, por el contrario se muestran seguras de sí mismas. En las modelos de Néstor se conjuga a la perfeción la modernidad con la tradición. Néstor colaborará estrechamente con María Koustnezova -artista rusa muy unida a los Ballets de Diaghilev- y Antonia Mercé realizando para ella numerosos figurines, con los que bailará por los teatros de todo el mundo, así como las escenografías íntegras de ballets como “El Fandango del Candil” o “Triana”. Conclusión “El Amor Brujo” es un hito en la historia de la danza en España, pues se crea fusionando los elementos de folklore con las corrientes artísticas de la vanguardia europea. Representa el inicio de la trascendente influencia que los Ballets Russes ejercerán sobre al arte escénico español, un año antes de que la compañía de Diaghilev desembarcara en Cádiz, el 6 de mayo de de 1916. MERCEDES ALBI

El Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta al Víctor Ullate Ballet Comunidad de Madrid con su espectáculo Samsara, que se podrá ver el próximo sábado 11 de julio. Samsara se estrenó en 2006 y es una abstracción de los sentidos que permite, a través de la conjunción del movimiento corporal y la música, trasladar al espectador a aquellos lugares de donde procede el diverso repertorio de música étnicas que conforma este ballet: Egipto, Irán, India, Nepal, China, Japón… Tal y como explicó el propio Víctor Ullate: “La danza me sirve de nexo entre culturas dispares para aportar pinceladas de ritmo, belleza y crítica social a la situación de este conjunto de países que he visitado a lo largo de tantos años y cuyo recuerdo e influencia han marcado mi vida. Una vez más decido continuar el círculo de la vida y la muerte a través de la danza, mi forma de expresión.Más que darle un significado a Samsara, sencillamente he tratado de interpretar lo que sentí en momentos delicados y cruciales de mi vida, en los que, postrado en una mesa de operaciones, creyendo que todo se acababa, mi ser se dirigió a Oriente.” Víctor Ullate (Zaragoza, 1947), considerado por Maurice Béjart como uno de los bailarines más completos de este siglo, ha sido el bailarín español con mayor proyección internacional de todos los tiempos. Su extraordinaria técnica clásica, inculcada por María de Ávila, y su gran amor a la danza, le dotaron de una vocación y una voluntad excepcionales que le hicieron destacar muy pronto como solista. Inició su carrera profesional en el Ballet Siglo XX, bajo la dirección de Maurice Béjart, en el que permaneció durante catorce años. Cabe destacar entre sus roles principales el interpretado en Gaîté Parisienne, creada para él por Béjart sobre su propia biografía, donde da vida al propio Béjart. El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arrancó el 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, un espectacular homenaje a Víctor Ullate, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además se podrá disfrutar del Ballet VíctorUllate de la Comunidad de Madrid así como de 14 conciertos en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto. FICHA ARTÍSTICA: Director: Víctor Ullate Director Adjunto: Eduardo Lao Bailarinas: Ksenia Abbazova, Leyre Castresana, Elena Diéguez, Marlen Fuerte, Martina Giuffrida, Charlotte Lanning, Kana Nishiue, Laura Rosillo, Alba Tapia. Bailarines: Lorenzo Agramonte, José Becerra, Alejandro Bretones, Mariano Cardano, Fernando Carratalá, Mikael Champs, Philippe Solano Cristian Oliveri y Josué Ullate. Asistente de dirección: Ana Noya Maestros de la compañía: Víctor Ullate, Ana Noya y Luca Vetere Asistente coreográfico: Luca Vetere Maestra invitada: Menia Martínez Pianista: Alexandre Khvedkevich Preparador físico: Carlos Flórez Fisioterapeuta: Juan Francisco Rodríguez Coreografía: Víctor Ullate Música: Varios Autores Escenografía: Paco Azorín Iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I) Diseño de vestuario: Anna Güel Maestro de Tai-chi: Pedro Valencia Construcción de escenografía: Taller de Escenografía Sant Cugat Se puede consultar más información de los espectáculos, sus fechas de representación y el precio de las entradas en: http://www.teatroauditorioescorial.es/espectaculo/samsara/ Fotografías: Jesús Vallinas (Cabecera y texto) y Stephane Bellocq (Cierre)

Una imagen siempre vale más que mil palabras, y en un aniversario tan especial, los momentos que en él vivimos con toda la emoción que se respiraba en el Teatro de la Zarzuela, quedan reflejados en las exquisitas fotografías de María Alperi. Ella juega con la realidad, incluso a veces sus imágenes tienen una dimensión fantasmagórica, fiel reflejo de que el patio de butacas estaba habitado, junto a los seres de carne y hueso, por el espíritu de muchos maestros y artistas que nos han dejado pero viven en sus enseñanzas, en cada paso de danza que gracias a ellos se ha transmitido. Una cadena interminable que une pasado, presente y futuro. Recuerdo, vida e ilusión, danzaron todos a un mismo tiempo, hacia la búsqueda de un camino que es un eslabón más en la cadena infinita de la trasmisión artística. “Peso Pluma”, Coreografía Pedro Berdayes. Interpretes: “Larreal": Angela Chavero, Adrián Díaz, Andreina Insausti, Cristina Manso, Ana Morales, Teresa Santos, Ángel Suárez , Hugo Torrijos, Pablo Badillo, Abraham Iglesias, María Redondo, Gabriela De Alteriis, Juan Pereira . “Buleria Bolera“, Coreografía y baile: Cristina Gómez “Kokoro” de Wim Mertens. Coreografía: Pedro Berdayes. Interprete: Eduardo Ramírez. “Bolero 1830”. Coreografía: Mariemma y bailada por quien fue su inspiración, Eduardo Martínez. La propia maestra le hizo esta a su alumno Eduardo, que ahora es principal de nuestro BNE. “La Caña “. Coreografía: Guadalupe Torres, Jonatan Miró Intérpretes : Guadalupe Torres y Jonatan Miró. “El Compromiso de Solor“. Coreografía: Ricardo Franco sobre el original de “ La Bayadera” de Marius Petipa. Interpretes: “ Larreal” Ana Pérez-Nievas, Carlos González. “El Compromiso de Solor“. Coreografía Ricardo Franco sobre el original de “ La Bayadera”; Interpretes “Larreal” : Ana Pérez – Nievas, Carlos González, Tamara Juárez, Carolina Rodríguez, Itziar Ducajù, Ahinoa Borrego, Irene Pinilla, Isabel Sanz, M Trinidad Fernández, Adriana Sánchez, Itxiar García , Isabel Medrano, Olga García, Mónica Álvarez, Juan José Almeida, Ángel García, Javier Rivet , Borja Bermúdez de Castro, Bryan Ramírez, David Castelló , Pablo Martínez, Aaron Venegas, Alex Cuadros. “Rassemblement“ (Extracto). Coreografía : Nacho Duato. Interprete : Marina Jiménez. “Rassemblement“ ( Extracto). Coreografía : Nacho Duato. Interpretes : Marina Jiménez y Aleix Mañé “La Farruca del Molinero”. Coreografía : Antonio Ruiz Soler. Montaje: Carlos Vilán. Inteérprete : Sergio Bernal “Lucha o Vuelo “. Coreografía: Elías Aguirre. Intérpretes: Ruth Muelas y Elías Aguirre. “El Corsario" (Extracto). Coreografía: Marius Petipa. Interprete : Esteban Berlanga. “El Corsario“ (Extracto). Coreografía: Marius Petipa: Interpretes : Erina Takahashi y Esteban Berlanga. “Por Derecho“. Coreografía: Antonio Pérez. Interpretes: "Larreal” Cristina Cazorla , Lucia Nicolás, Lorena Díaz, Marta García, Alba Dusmet, Lucia Cardeñoso, Noelia Romero, Marina Fernández, Jose Alarcón, Alejandro Cerda, Alejandro Muñoz, José Luis Torá , Pedro Sánchez, Daniel Cabezuelo, Daniel Arencibia, Francisco Linares, Cristian Escribano. Felicidades, artistas, los que bailasteis, los que no bailasteis, los que estaban, los que nos miraban desde el más allá... Todos estaban presentes. Había un cúmulo de emociones difícil de describir, del que estás imágenes son el más fiel testigo. ¡Feliz 75 Aniversario, Real Conservatorio Profesional Mariemma! Los 100 años nos esperan... EL EQUIPO DE ALBIDANZA

Siempre ir al Teatro de La Zarzuela es todo un acontecimiento y cuando se va a disfrutar en una noche tan importante, lo es muchísimo más. Y es que la de anoche no fue una noche mas, fue La Noche de La Danza representada en un amplísimo programa, donde brillaron aparte de bailarines y ex-bailarines del Real Conservatorio -muchos de ellos Primeros Bailarines actualmente-, la formación de los maestros que lo hicieron posible. Cuando la emoción embarga de orgullo ese torrente de buen hacer, es que el trabajo, el esfuerzo y hasta a veces lagrimas, han valido la pena. Nos habéis emocionado artistas, nos habéis hecho felices viéndoles bailar, nos habéis regalado una noche mágica de un teatro hasta la bandera gritando, pues ya nuestros aplausos eran poco para premiar tanta entrega. Nos hemos deleitado viendo coreografías de grandes creadores que sin vuestra entrega morirían y gracias a vosotros son eternas ¡No sabéis en verdad el significado que para nosotros tiene! Sois los responsables de hacerlas Inmortales y eso nos emociona mucho! Gracias a todos y a cada uno de vosotros que ya estáis algunos, escribiendo con Letras de Oro, vuestro paso por La Danza de España en el Mundo. Pero sabéis que sin esa gran labor de quienes os cuidan día a día, que os ven crecer a golpe de palillo, tacón y barra, nada de esto sería posible, por eso permitirme agradecer a vuestros maestros que hacen posible el Milagro de La Danza, pues ponen todo su amor y sabiduría en vosotros, Sinergia maravillosa que nos arrancan ese Grito de Ole, hilos conductores de Nuestra Cultura de Ayer, Hoy y Siempre. Esto es La Danza, un gran Puente de Plata por donde todos hemos pasado y que sacamos lustre con nuestro saber para que vuestras pisadas brillen hoy y sigan transitando ese camino de arte por generaciones. Os escribo estás líneas, simplemente para humildemente daros Las GRACIAS así, Con Mayúsculas dando Fe de haber asistido a esta emotiva Noche que el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma en su 75 aniversario nos ha regalado, y que la Excma. Sra de la Danza Mariemma instituyó, la cual seguramente, asistió orgullosa anoche a su Gran Gala. ¡Gracias Señora! Gracias compañeros, gracias Mar Mel por conducir este barco del cual nos nutrimos directores y coreógrafos de Toda España. Gracias plantel de maestros, equipo técnico y especialmente coreógrafos y bailarines, presente y futuro de Nuestra Danza y Nuestra Cultura. CARLOS VILÁN (Imágenes de la Gala de María Alpari. Fotos antiguas, archivo Museo Mariemma -1 Mariemma en sus clases; 2.Representación "La vida Breve" en la Scala de Milán; 3.Mariemma bailando Jota de Iscar)

Un hombre solo, llamado Manuel, es arropado en escena por tres grandes músicos: la guitarra de Víctor Márquez "El Tomate", y al cante Miguel Ortega y David Carpio. No hay nada más, ni nada menos. Nada es superfluo y todo es esencia, pura entraña de bailaor, corriente de arte que desde él se genera, porque sobre la escena baila aquel que todo domina, pero a cambio todo entrega. La complicidad con los músicos es absoluta, ellos están completamente integrados formando parte de la imaginativa puesta en escena, cuya desnudez es mera apariencia porque él hace que las cosas cobren vida. Las sillas, únicos elementos decorativos, abandonan su estatismo, y un simple cambio de ubicación les confiere nuevos y sugerentes significados: son sus compañeras, o las ausencias que miran como si el fantasma del recuerdo se sentase invisible sobre ellas... Hay muchas sugerencias, pues Manuel baila preso como de una energía superior, una fuerza poderosa y transformadora que lo hace transitar por los diferentes palos, bajo distintos estados de ánimo, porque "Sinergía" es vivir en compañía del arte y con los demás artistas en un cuerpo único. Es un juego que se lidia con la soledad, con la perpétua búsqueda, con el entusiasmo y con unos pies de vértigo que parece conducir al bailaor hacia el éxtasis. La corriente que genera es contagiosa, invasiva y el público queda abducido en el mundo de Liñán, ovacionando cada secuencia coreográfica. Todas enganchan, porque además contienen un fondo poético. Pero si me tuviera que quedar con alguna, escogería la emoción que se siente en aquella en que aparece vestido con un simple pantalón y camiseta sin mangas, y con la guitarra, bailando acompañando la luz que atraviesa el escenario. La iluminación es importantísima en "Sinergía", es la fuente primigenia de la que extraen la misteriosa fuerza que les domina. Otra escena muy poética es cuando Liñán se arrodilla ante el guitarrista, y la guitarra deja de sonar, como un corazón traspasado que ha dejado de latir, entonces es el propio bailaor quien se acerca y hace sonar las cuerdas devolviéndole la vida. Todos sus bailes están inflamados por la magia de su duende arrollador, que es pura fuerza que se le sale y le hace prescindir del purismo, porque la energía del movimiento es superior a la contención de la forma clásica, y se revela en sus personales giros de manos, o ruptura de la línea con movimientos de cadera. Liñán con música, sin música bailando al silencio, en la quietud de su pena, y en la pasión de su alegría, porque se convierte en una parte más de esa unión rítmica con sus intérpretes que es sinergía. El bailaor se vuelve música en el sentido filosófico de Shopenhauer, que si le hablase diría: Manuel, "en la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad". Tu haces música y haces mundo. Gracias por habernos llevado hasta él. PAOLA PANIZZA

En el festival Flamenco Madrid se ha despedido la danza con un ARTISTA, con mayúsculas, sobre el que la vanguardia y el buen hacer de antaño se dan la mano. "Siete Balcones", como las siete estrellas de la bandera de Madrid, han brillado más flamencas que nunca en el Fernán Gómez. Un catalán llenó de azahares andaluces, esos balcones inundando la sala de intensas fragancias, que ni los mejores perfumistas parisinos pudieran recrear... En cada estrella, una ciudad, y claro esta que en una de ellas, Madrid, fue un lucero, pues no se puede con tanto arte respetuoso, recitando después de una Soleá que ha quitado la respiración, hacer un homenaje tan profundo a ese chotis, dibujando sobre una baldosa el arte de la Gran Vía, y de los grandes de la Tauromaquia que por nuestro Coso pasaron. Hay bailarines que quieren ser flamencos con coreografías complicadas y zapateados interminables, ahora, cuando un Artista utiliza para nutrirse la danza académica, no olvidemos que Carmona bordó en el 30 aniversario del BNE la dificilísima Alborada del Gracioso de Bizet, con coreografía del Maestro José Granero, ni más, ni menos; toda esa sabiduría, esperando en su baile el tempo musical en un ¡relevè! que quita la respiración del entendido y del que no lo es. Y, si debemos agregar que todo el conjunto estuvo a su altura, cantaor y cantaoras de exquisita raigambre, que hasta en el final pusiera guinda, una sola guitarra, Una Sola...con arpegios que arañaban el alma, recorrieron por sus venas, sangre oxigenada RH Flamenca. Y su baile, el de un tío de los pies a la cabeza, que Gloria da verle bailar con exquisita masculinidad, OLE! De esos balcones, escuetamente dibujados a modo de preámbulo, Cádiz y sus Alegrías, en donde las olas mecen compases, tanta bravura aunque muy agradecida por el público, no puede convertir en tsunami ese rocío de las rompientes de la Bahía Gaditana, sino cuidarlas con arrullo por este palo de Cádiz, pero de mas esta decir que magistral fue el movimiento de Mantón arropando luego por Jerez a esa Bulería de Carmona, que durante todo el espectáculo hizo música y no sólo virtuosismo con sus pies, siendo total por derecho en ese baile por Soleá, que como lo señoritos de Córdoba, supo poner majestad y señorío con sombrero de ala ancha, como esta "mandao". No se puede rematar con más arte el cante excelso, ofreciendo cánones no solo de vanguardia con braceos de vértigo, sino también de buena cuadratura de riñón como los antiguos maestros, demostrando el mucho estudio que con gran facilidad ofrece, respetando y enalteciendo el arte flamenco. La luz acompañó cada paso y cada postura con exagerada exactitud lo cual es de agradecer, con el consabido poco tiempo de montaje, arropando con mimo una historia de Balcones muy bien entramada, que nos conduce con buenos aires mediterráneos en este Madrid sofocante. Mientras que los políticos no acaban de comprender la grandeza de nuestro arte, La Danza Española escribe y pisa con tacón y castañuela, aunado 7 ciudades con este arte universal de nuestra Cultura que por desgracia, siempre es mas allá de los océanos valorada. Ahí va el guante, y ole por los grandes Artistas, gracias Carmona, que empezando con la rumba catalana, esa que habrás escuchado de niño y que movió tus sentidos para ofrecernos con elegancia y sin aspavientos, emoción, esa que ni este YouTube, ni los vídeos ofrecen, y que ponen los pelos de punta en directo de esos que seguimos y apoyamos y seguimos apostando por este El Arte, NUESTRO Arte, La Danza Española. CARLOS VILÁN (Fotografías, Jesús Robisco -cabecera- y Emilio Tenorio, siguientes)

Los ojos nuevos encuentran siempre nuevas cosas, y tal vez los que tenemos la vista algo cansada hemos perdido esa inocencia del niño, de aquel que descubre la realidad alejado de ideas preconcebidas. El público se deja guiar mucho mejor por la grata impresión de un espectáculo sin plantearse como debería o no debería ser, y por eso son los espectadores los que conectan plenamente con la frescura de este nuevo “Alento”, que el director de nuestro Ballet Nacional de España, Antonio Najarro, ha querido transmitir. Lo cierto es que, gracias a la buena labor de Najarro, el Ballet Nacional se encuentra en unas condiciones óptimas, con un elenco que es una verdera joya, engarzada con las magníficas gemas que son sus bailarines. La coreografía de "Alento" les ha enfrentado al desafío de ampliar su rico registro dancístico incluyéndoles pasos que no son de danza española. Y es que el nuevo ballet tiene un toque "ginger", ligero, versátil, que los danzantes asumen, aunque estén formados para otros horizontes. Sus facultades quedan muy por encima de una coreografía de complicado aprendizaje, pero en la que no terminan de encontrar su adecuado lucimiento. "Alento" podría compararse, en cierta forma, al dueño de un Ferrari que se limitase a conducirlo en primera, aunque a medida que avanza el espectáculo, el conductor se va haciendo con el vehículo y aumenta su potencia. Antonio Najarro se ha arriesgado, ha querido ir más allá, obteniendo un resultado muy original que sería ideal para un compañía de autor, pero que no es apropiado para lo que debe significar un Ballet Nacional de España: un escaparate de la riqueza de nuestro arte -algo que sí se logró con "Sorolla"-. El BNE tiene un peso y una responsabilidad diferente, su obligación ineludible es la de trasmitir el importante legado de la cultura española al mundo. "Alento" poco tiene de España. La música parece extraída de una serie televisiva, el vestuario tampoco destacó, aunque la iluminación fue prodigiosa. La obra fue mejorando a medida que avanzaba hasta la escena final, que resultó impactante y muy plástica. El ballet "Zaguán", exhibido a continuación, busca su conexión con el pasado. Contiene varios temas que se podrían haber unificado en la historia de la "Carmecita", una desconocida bailarina, entre bolera y sicalíptica, que filmó Thomas Edison en la norteamérica de finales del XIX. La idea está solo contenida en los tangos de la Lupi -su trama es la despedida de Carmencita, que marcha al nuevo mundo-, pero por desgracia "Zaguán" carece de hilo conductor, y lo limita a ser un ballet irregular, aunque con muy buenos momentos. Se echa de menos una obra sólida, sin fragmentación, un trabajo único capaz de cohesionar, lo cual es imposible si un mismo ballet se encarga a cuatro coreógrafos diferentes. De Marcos Flores destacó su güajira, danzada por hombres; las alegrías con bata de cola de Mercedes Ruiz fue un paso a dos sustentado en la destreza de sus intérpretes, pues en él no parecía existir coreografía alguna; los tangos de La Lupi supieron a poco -hubiera sido posible crear un único ballet basado en esta reunión de bailaoras históricas-, y la "Soleá del Mantón" fue el momento cumbre, rematado con un emotivo final. El vestuario de Jaiza Pinillos es maravilloso, confeccionado con un barroquismo exquisito, cada traje es una pieza digna de ser admirada en las vitrinas de un museo. Los vestidos de Jaiza fueron la perfecta prolongación que todo arte necesita para salir, latir, surgir y emocionar. Sobre escena refulgía con la danza el vuelo de las telas, las texturas, la combinación de colores entre ténue y osada... Magnífico. Al terminar la representación uno siente ganas de volver a ver "Alento" y "Zaguán". Son obras que no se agotan en una sola "visita" porque rebosan talento. Resaltar aquellos elementos susceptibles de mejora forma parte del anhelo de perfección que al que debe aspirar toda disciplina artística, y el Ballet Nacional de España debe cumplir su misión fundamental que no es otra sino la de ser la obra de arte total de la cultura española. Pero más allá de los matices, de los posible defectos de enfoque que haya sufrido este espectáculo, permanece el éxito del BNE. Su triunfo se puede palpar y sentir en su verdadera dimensión, a través de la emoción del público. Esto es así gracias a la labor de su director, Antonio Najarro, y de los artistas que se dejan la piel para que el telón se alce una y otra vez entre ovaciones. Solo hace falta ajustar un poco las tuercas del motor para que el coche alcance la velocidad adecuada: la de la luz. No podemos contentarnos con menos. MERCEDES ALBI (Fotografía María Alperi)

Un entrañable encuentro tuvo lugar esta mañana el acto de presentación de la Gala conmemorativa del 75 aniversario del Real Conservatorio de Danza Mariemma. Los dos directores de nuestras compañías nacionales, Antonio Najarro (BNE) y José Carlos Martínez (CND), junto con destacados ex-alumnos del centro como Sergio Bernal quiseron apoyar el acto, que fue presentado por la directora del conservatorio, Mar Mel. Es muy dificil condensar 75 años de vivencias, pero Mar resumió la labor realizada desde los tiempos de Laura San Telmo, que creó la primera cátedra de bailes folklóricos a Mariemma y Rosa Ruíz, que codificaron las enseñanzas de danza española y ballet, respectivamente, y tantos y tantos nombres que han hecho que la labor del conservatorio sea conocida y reconocida a nivel nacional e internacional. "Esta historia ha sido posible gracias a todas las personas que en algún momento fueron parte de él; unos no están, otros se jubilaron y otros muchos continuamos estando trantando de renovar cada día el prestigio de esta gran herencia", dijo. José Carlos Martínez destacó la importancia de la docencia en materia de danza, "nuestra compañía no tiene aquí una escuela como puede ser la Ópera de París, donde yo me he formado, pero tenemos grandes escuelas de bailarines que son el sustento de nuestra labor". También Antonio Najarro se mostró muy orgulloso de haber recibido las enseñanzas del centro del que fue alumno durante la mitad de su aprendizaje, como muchos alumnos que hoy en día nutren las filas del Ballet Nacional de España, porque tienen una versatilidad especial y un hondo conocimiento de todos los registros de la danza española. La Gala del próximo 1 de julio será un acontecimiento muy especial que el Conservatorio celebrará por todo lo alto, como muestra el programa que a continuación reproducimos. Enhorabuena a todos, y esperamos poder estar todavía ahí para conmemorar el centenario!!! PAOLA PANIZZA Programa de la Gala del 75 Aniversario del Real Conservatorio Superior de Danza Mariemma “Peso Pluma" Música : Richard Wagner/ Tristán e Isolda Coreografía: Pedro Berdäyes Interpretes de “Larreal”: Ángela Chavero, Adrián Díaz, Andreina Insausti, Cristina Manso, Ana Morales, Teresa Santos, Ángel Suárez, Hugo Torrijos, Pablo Badillo, Abraham Iglesias. María Redondo, Gabriela De Alteriis, Juan Pereira. “Bulería bolera “ Música: Pedro Ricardo Miño Coreografía: Cristina Gómez Interprete: Cristina Gómez “Con la música a otra parte“ Música : “ St James Infirmary” Coreografía: Javier Rodríguez Interprete : Javier Rodríguez “Bolero 1830” Coreografa : Mariemma Interprete: Eduardo Martínez “Tengo la ambición de una hormiga “ Música: Extracto Tannhauser, ThePilgrim`sChorus. Richard Wagner Coreografìa: Melania Olcina Intérprete: Melania Olcina “La Caña” Coreografía: Guadalupe Torres Interpretes: Guadalupe Torres, Jonatan Miró “Aware” Música: Alva Noto y Ryuichi Sakamoto Coreografía: Javier Monzón Interprete: Javier Monzón “El Compromiso de Solor” Música: L. Minkus Coreografía : Ricardo franco, sobre original de “La Bayadera” de Marius Petipa Interpretes de “ Larreal”: Ana Pérez-Nievas, Carlos González, Tamara Juárez, Carolina Rodríguez, Itziar Ducajù, Ainhoa Borrego, Irene Pinilla, Isabel Sanz, M. Trinidad Fernández, Ariadna Sánchez, Itxiar García, Isabel Medrano, Olga García, Mónica Álvarez, Juan José Almeida, Ángel García, Javier Rivet, Borja Bermúdez de Castro, Bryan Ramírez, David Castelló, Pablo Martínez, Aaròn Venegas, Alex Cuadros. “Retrato" Música : Armand Amar Coreografía: Antonio Pérez Interprete: David Sánchez “Kokoro” Música: Wim Mertens Coreografía: Pedro Berdäyes Interprete: Eduardo Ramìrez “Rassemblement” Musica: Toto Bissainthe Coreografía: Nacho Duato Interpretes: Marina Jiménez y Aleix Mañé “Farruca del Molinero“ Música: Manuel de Falla Coreografía: Antonio Ruiz Soler; Montaje: Carlos Vilàn Interprete: Sergio Bernal “Lucha o vuelo” Música: Samuel Aguilar y collage E. A. Dirección y coreografía: Elías Aguirre Interpretes: Ruth Muelas y Elías Aguirre “El Corsario” Música: Ricardo Drigo Coreografía: Marius Petipa Interpretes: Erina Takahashi y Esteban Berlanga “Por Derecho” Música: Isaac Albèniz Suite Iberia (El puerto, Albaicín) Coreografía: Antonio Pérez Interpretes: “ Larreal”: Cristiana Cazorla, Lucia Nicolás, Lorena Díaz, Marta García, Alba dusmet, Lucia Cardeñoso, Noelia Romero, Marina Fernández, José Alarcón, Alejandro Cerda ,Alejandro Muñoz, José Luìs Torà, Pedro Sánchez, Daniel Cabezuelo, Daniel Arencibia, Francisco Linares, Cristian Escribano. &&&&&&&&&&&&&

En la Ballethaus de Dusseldorf, sede de la compañía del Ballet del Rhin, me reúno con su director, Martin Schläpfer, uno de los coreógrafos más prometedores del panorama creativo actual, reconocido con el Benois de la Danse (2007). La compañía Flamencos en Route se encuentra allí, ensayando una pieza de Brigitta L. Merki basada en un poema de Lorca. El edificio es un mundo vivo. Los sonidos musicales se mezclan con una especie de trasiego silente de bailarines que van y vienen presos de un intenso quehacer. Es sábado por la mañana, al día siguiente actúan en la Ópera de Dusseldorf. Ensayan las tres piezas programadas –"Symphonie G-Moll" de Martín Schläpfer, "A dónde vas Siguiriya? Carpicho flamenco" de Brigitta Luisa Merki y " Rättika" de Mats Ek-. Hay nervios, imprevistos de última hora, ilusión, concentración... Martín nos espera en su despacho. Es un habitáculo muy sencillo que dice mucho sobre él. Me llaman la atención los objetos de su escritorio, pues percibo por la combinación que ha hecho de forma inconsciente con los colores rojo y blanco, que me encuentro ante un esteta, un hombre muy ordenado con tendencia hacia la abstracción mental -al punto que necesita un cartel con la advertencia de que lo primero que hay que hacer antes de comenzar la jornada es leer la agenda- y gran sentido del humor. Hay una vaca de madera, recuerdo de su origen suizo; una imagen de Buda, signo de la espiritualidad inspiradora, en contraste con un frasco de colonia, el elemento terrenal que estimula los sentidos. Es un absoluto placer poder conversar con dos grandes artistas como Brigitta L. Merki y Martin Schläpfer. Martin, mientras habla, traza con sus manos círculos en el aire, es un alquimista del movimiento; Brigitta le mira complacida, interesada en sus palabras, reflexiva, inteligente y siempre creadora. Pregunta.- Martin, me gustaría conocer su opinión sobre el flamenco. Martin.- El ballet y el flamenco son dos fenómenos culturales europeos. Son dos estilos muy maduros que existen desde hace tantísimo tiempo... Ambos están tan consolidados que puede permanecer cada uno en sí mismo, uno no necesita al otro. No tienen porqué tener elementos comunes, sino que son dos formas de danza que han crecido y madurado, un maravilloso fruto del acerbo cultural europeo. P.- ¿Qué piensas de esta colaboración en la pieza de Brigitta de bailarines flamencos con los del Ballet del Rhin? Martin.- La base de todo es que bailan dos estilos totalmente independientes. No se trata de fusionarlos, ni de que los flamencos bailen vueltos del revés, alcanzar un estilo requiere mucho trabajo, mucho estudio, muchas horas, diría que casi toda una vida... Y una vez se alcanza ese dominio del arte, y nunca antes, es cuando debe surgir la curiosidad sobre qué tipo de dialogo puede establecerse entre ambos. Pero tiene que ser en un nivel super-profesional donde esta relación se produzca. Es precisamente esto lo que encontré en Brigitta. P.- ¿Cómo se logra que ambos estilos se conecten sin que se distorsionen? Martin.- Es por la esencia, hay algo más allá, son como dos seres que buscan lo mismo y ahí está su unión. Son trazados de arquitectura humana. Por supuesto que hay arquetipos en estos lenguajes, digamos que cada idioma usa unos términos diferentes, por eso lo interesante era adentrarse en una búsqueda de lo común. Y al final te das cuenta de que, en definitiva, todo arte expresa una parte intrínseca del ser humano. Brigitta.- Tienes que ver cosas de Martín, son coreografías con una sensibilidad tan especial... Martin.- Yo, cuando veo algo de Brigitta, pienso: “algo funciona...” En el fondo es el punto de vista artístico lo que nos une, pues en nuestras diferentes disciplinas partimos de un aprendizaje con un dominio técnico muy duro. P.- En este momento actual donde a veces se tiene la sensación de que en el arte ya está todo hecho, de que los lenguajes están agotados, ¿Hacia dónde crees que la danza debería evolucionar? Martin- El problema surge porque hay gente que se sube al escenario en base a una especie de “todo vale”. Eso es lo que hace daño y conduce a un punto muerto. P.- ¿No todo vale? Martin.- Por supuesto que no. Por ejemplo, cómo te diría, pondré un simil con la pintura. Rothko trazó unos rayos blancos, zas, zas (y Martin hace el ademán de dibujar sobre la pared unas líneas imaginadas). Rothko pudo hacer de unas simples líneas una obra de arte porque había llegado. Él tenía su camino y alcanzó un nivel en el que hizo ésto. Lo que no se puede hacer es partir de unos garabatos y querer hacer pensar al público que es una expresión profunda e instintiva. No, eso aburre, eso es un engaño. Cada arte necesita un saber, un aprendizaje, un nivel técnico. Si no se parte de ese punto no se puede crear un verdadero contexto artístico. P.- Bueno, pero partiendo de que el dominio técnico es necesario... ¿Se necesitará algo más? Martin.- Sí, porque esa técnica es lo que justamente permite tomar distancia, posibilita el estado de conciencia, que es cuando se logra ser plenamente consciente de tus posibilidades expresivas. Es entonces cuando se puede establecer el diálogo con el publico. Hay que dominar el idioma, y la danza es un idioma, si ésto no está claro no hay ni que empezar. P.- Brigitta, ¿Qué opinas tú sobre esto? Brigitta.- Estoy completamente de acuerdo con Martin. Él no cesa de formar a los bailarines de su compañía, sigue profundizando en el campo técnico, en el sentido evolutivo. También siento que él me comprende, se da cuenta de que yo no estoy en el pasado del flamenco sino que mi estilo forma parte de la evolución. Me hace mucha gracia que la crítica me llame “la coreógrafa flamenca más europea”, porque España es Europa, porque sigue cambiando con el mundo de hoy. El estilo español no se detiene y opino que hay otro concepto más allá del mero arquetipo tradicional, ya que la cultura española contiene muchísima riqueza. P.- Tú creas con elementos españoles pero desde fuera de España.. ¿Ello te da una dimensión diferente? Brigitta.- Sí, quizás yo lo veo todo desde otro angulo, recuerdo a Susana, mi maestra... Ella utilizaba una expresión refiriéndose al mundo del flamenco: “no estoy en la sopa” (ríe), y pienso que si “estás en la sopa” no puedes crear algo nuevo, te estereotipas. El camino no termina nunca, el camino es el camino. P.- Martin, ¿De dónde recibes la inspiración? Martin- De la música. P.- Brigitta, ¿Dónde la encuentras tú? -Yo me inspiro en el físico de los bailarines, en su personalidad, pues lógicamente, para mí el flamenco posee una conciencia, una esencia muy humana. Está muy conectado con el ser humano, es un idioma de la danza en el que llevamos zapatos, andamos sobre la tierra. El flamenco debe ir más allá. Tiene muchas posibilidades hacia donde explorar, porque es importante que nos demos cuenta de que no se agota en el individuo. No termina en lo pequeño. NO se debe hacer para un teatro grande lo mismo que se haría en un tablao. Yo creo fírmemente en el flamenco concebido para teatro grande, el problema es que hay demasiado show en el sentido del “yo”, es un yo estoy aquí. Hace falta trabajar. En el tablao está ese "aquí estoy yo y tú mírame", y es algo muy interesante de vez en cuando porque el "yo" es importante, pero no para un espectáculo entero... Aburre. Eso es un concepto que, a mi entender, tendría que evolucionar en la mentalidad flamenca, pues me he encontrado con el obstáculo de que muchas veces les es difícil sentir que son un conjunto. P.- Eso siempre ha sido así, ese problema ya se lo encontró Diaghuilev cuando vino a España, y fascinado por los bailaores españoles los contrató para los Ballets Rusos. Primero fue Félix el Loco, y luego una mujer excepcional, María del Albaicín. En las memorias de Shokolova, bailarina de carácter de la compañía, cuenta de ella que era una criatura encantadora, pero con mucha dificultad de ceñirse a los pasos... Y es que el flamenco es la danza más individual que existe, ¿No te parece? Brigitta.- Pero la coreografía es también una expresión, una dramaturgia, y mantener una visión estrecha del flamenco lo reduce. Yo he vivido en los 70 lo que era el flamenco puro de las pequeñas peñas. He sentido con ellos momentos extraordinarios, el bailaor, el guitarrista en su magnífica intimidad... Eran diálogos profundos y muy honestos. En el fondo parto desde esta experiencia en mis obras pero cambiando el angulo de mi enfoque, el entorno sin perder esta honestidad en el diálogo. Con esta consciencia se entra hacia una conexión más amplia con el resto del mundo. P.- ¿Cómo definirías tu estilo flamenco? Brigitta.- Yo desnudo el flamenco, exijo técnica y la respeto muchísimo, pero tambien nececito la expresión individual de cada uno. Y cambio su look de los 50, suprimo los signos folklóricos, el tipismo, y entonces es cuando ves lo que hay. El Flamenco no nececita riqueza en vestuario, para mi pierde la escencia, la expresion corporal tan fuerte con demasiado vestuario. Para mí puede llegar hasta un arte abstracto en ciertos momentos, considerando el mundo ritmico que conlleva. También te digo que los músicos están más avanzados, son más innovadores y tienen muchísimo más claro el camino hacia su evolución. En la música, sí se hace, *se está integrando elementos tradicionales en composiciones actuales y salen musicas innovadoras sin este aspecto de "retro" como lo hay en la danza. Martin.- Pienso que lo que denominamos contemporáneo está en la mente, es la mente la que utiliza los elementos, y aunque sean clásicos, los convierte en contemporáneos. Por eso el término "contemporáneo" me aburre, es algo superado, tendría que referirse a lo que se hace en la atualidad y no circunscribirlo a un estilo así o asá. Por ejemplo, yo utilizo en mis coreografías zapatillas de punta, y sin embargo, soy muy contemporáneo, no soy para nada un coreógrafo clásico. Yo tambien soy un outsider (ríe). P.- Cuéntame, Martín, sobre la situación actual del Ballet del Rhin, ¿Cuántos bailarines tienes? Actualmente son 46. Y ahora vivimos un momento muy gratificante de reconocimiento a nuestra labor. Lo mejor es que vamos a estrenar en septiembre una nueva sede, un maravilloso edificio de 3.000 metros. Brigitta- Ha sido gracias a Martin que se ha logrado esto. Su labor es muy reconocida y valorada en el ambiente artístico, ahora le dan un nuevo premio. P.- ¿Qué premio? Brigitta- El Premio de Música de la ciudad de Duisburg (Musikpreis der Stadt Duisburg 2015). Es uno de los premios de arte más importantes de Alemania. Los únicos coreógrafos que lo han recibido son Hans van Manen y Pina Bausch. Normalmente el premio se concede a musicos de gran categoría como Dietrich Fischer-Dieskau, por poner un ejemplo. P.- Felicitaciones. Martin.- Sí, por ello me siento doblemente afortunado porque se suele dar a artistas musicales y es un honor que sea para la danza. Cuando pienso en los grandes artistas a los que se les ha concedido este premio, casi estoy abrumado... Reconozco que atravieso una buena etapa de mi vida. P.- ¿Cómo fue que empezaste a bailar, Martin? Martin.- Empecé a bailar, o más bien a moverme, y yo no sabía lo que era. Tenía 15 años, y un profesor me miró a los ojos y me dijo “tú tienes que venir a bailar”. Mis padres me dieron permiso, y así fue... Gané el Premio de Lausanne al mejor Bailarín, y pude elegir compañía. P.- ¿Cuándo empezaste a coreografíar? Nunca quise ser coreógrafo. Ha sido todo un descubrimiento hacia el que la vida te conduce por una serie de coincidencias. Yo quería enseñar, y empecé con la docencia en Basilea, y ello me llevó a dirigir el Ballet de la ciudad de Berma, y como no teníamos dinero, me puse a coreografíar...(ríe) Nunca me imaginé esto. P.- Ahora que has llegado... Confiésame, ¿Es difícil ser artista? Martin.- Muy, muy difícil, llevar gente, enseñar, dirigir, organizar.... Es un trabajo ambivalente, porque además de la parte creativa hay exigencias organizativas y burocráticas de gran envergadura. Se tienen que soportar situaciones muy complicadas sin desfallecer. Brigita.- Aquí en el Hausballet hay un ambiente muy artistico, muy inspirador. Esta atmósfera sale de Martin. Se nota en los bailarines, se nota en la musicalidad, hay muchísima concentración dentro del trabajo y nos ha influido mucho. La experiencia es única. P.- ¿Cuales son tus sueños, Martin? Martin.- ¿Mis sueños? (ríe)... Tenéis que entender que no soy tan conocido a nivel internacional, por ejemplo en España el Ballet del Rhin casi no ha actuado, pues en Madrid nos cancelaron en el Teatro Real. Y lo comprendo, aunque no me hace feliz. Soy consciente de que mi estilo coreográfico no es para las masas. Tampoco me importa, ni busco la fama, no tengo sueños, solo me concentro en dirigir, entrenar a mis bailarines, y me conformo con lograr crear piezas que signifiquen algo. Mi deseo es poder seguir desarrollando la técnica y abrir la mente hacia el resto de las artes, conectarlo desde fuera con el mundo interior, porque realmente el arte habita en el corazón de las personas. Todo el mundo parece empeñado en crear un nuevo ballet, algo nuevo aunque el mundo no lo necesite. Mi pasión no es crear por crear, yo siempre me siento inseguro, busco y vacilo hasta que encuentro. Yo siempre dudo. MERCEDES ALBI (Fotografías de "A dónde vas Siguiriya? Capricho flamenco" por Gelt Weigelt)

Esta temporada de danza madrileña, La Lupi parece vivir un momento espléndido en el que se ha multiplicado como si poseyera el don de la ubicuidad. En un intervalo de dos semanas ha estado en “El arte por delante”, al mismo tiempo que estrenaba una pieza en el “Zaguan” del BNE -“Tangos en la Fonda de la Carmencita”-, dos noches en el Corral de la Morería, y por si fuera poco presentó el pasado viernes “Cartas a Pastora”, una obra estrenada en abril del 2014 en el Teatro Echegaray de su Málaga natal. Según cuenta la Lupi, la inspiración del espectáculo le vino de una forma casi mágica … En 2013 el Museo Carmen Thyssen de Malaga organizó una exposición sobre Julio Romero de Torres y su obra. Dentro del ciclo de actividades en “El Sueño Flamenco de Julio Romero de Torres” se dedicó un día a la figura de Pastora Imperio. La Lupi participó homenajeando a Pastora con su baile, y de este encuentro surge el embrión para dedicarle todo un ballet. En “Cartas a Pastora” se nos narra a través de la danza los azarosos momentos de su vida: fue una existencia llena de pasión, en la que el amor, el maltrato, la lucha por seguir siempre hacia delante impulsa a la gran artista a continuar. La Lupi hace un ejercicio total para el lucimiento de sus grandes dotes expresivas, que culminan en las escenas que narran el amor y desamor de Pastora con el famoso torero Rafael el Gallo, hermano del malogrado Joselito. La bailaora nos habla, seduce entera, sin dejarse nada, pues hasta las pupilas de sus ojos dicen algo. En ningún momento imita a Pastora, no se puede copiar lo inimitable, y a La Lupi le sucede lo mismo, no hay dos personalidades iguales en el flamenco, cada una tiene su chispa, su aquel, por lo que el reto es enorme, tan grande como grandísima fue Pastora Impero. Ángel Rojas, director artístico de la función, acompaña a La Lupi en unos pasos a dos en los que se enredan en el juego de ser unos personajes envueltos con total complicidad, como si fueran uno solo desde el principio gracias a su estrecha coordinación. El comienzo del espectáculo impacta visualmente. La Lupi aparece ataviada con un precioso traje negro de lunares muy a la moda en la época, con Angel Rojas vestido de mayoral portando un sombrero rojo, logrando momentos de gran belleza plástica, conjugados con algún movimiento de danza contemporánea. Destaca también otro paso a dos donde Ángel, como Rafael el Gallo, aparece vestido de torero con un capote que El Juli le regaló, moviéndolo con gran solera. Las emociones estallaron a flor de piel. Se pudo palpar perfectamente a través del movimiento el sufrimiento de Pastora. Le falta el aire, le falta la libertad... Hay una escena donde El Gallo queda a un lado del escanario, toreando y cosechando éxitos, mientras que al otro, Pastora aparece cubierta con un velo negro atado al cuello, hasta que uno de los cantaores se lo quita… Las manos de La Lupi lo dicen todo. El peso excesivo del espectáculo sobre tan pocos personajes para una función de hora y media, es compesado con el buen hacer de los músicos, -el guitarrista, Curro de María, director musical del espectáculo; percusión de David Galiano, junto con el violín de Nelson Doblas; y el cante de Antonio Núñez, El Pulga con Antonio Campos, y con las palmas de Roberto Jaen-. Un espectaculo interesante que fue ovacionado por el pùblico puesto en pie al final de la representación, como ya viene siendo habitual en todas las funciones de este recién inaugurado ciclo "Madrid Flamenco". PAOLA PANIZZA

El pasado 25 de Marzo publicamos la entrevista al protagonista del corto "Dueño de tu Destino", dirigido por Antonio Cabello. Guillermo Torrijos Velasco, alumno de 3º de Danza Clásica en Real Conservatorio de Danza Mariemma. La presentación del citado cortometraje tendrá lugar el próximo jueves día 25 a las 19:00 horas en el Salón de Actos de la Facultad de Ciencias de la Documentación de la Universidad Complutense de Madrid. Se realizará un acto académico y los asistentes podrán observar en directo todos los equipos utilizados durante el rodaje. La entrada es libre hasta completar aforo. Reserva un hueco en tu agenda, te esperamos. GEMMA ORTEGA