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Un entrañable encuentro tuvo lugar esta mañana el acto de presentación de la Gala conmemorativa del 75 aniversario del Real Conservatorio de Danza Mariemma. Los dos directores de nuestras compañías nacionales, Antonio Najarro (BNE) y José Carlos Martínez (CND), junto con destacados ex-alumnos del centro como Sergio Bernal quiseron apoyar el acto, que fue presentado por la directora del conservatorio, Mar Mel. Es muy dificil condensar 75 años de vivencias, pero Mar resumió la labor realizada desde los tiempos de Laura San Telmo, que creó la primera cátedra de bailes folklóricos a Mariemma y Rosa Ruíz, que codificaron las enseñanzas de danza española y ballet, respectivamente, y tantos y tantos nombres que han hecho que la labor del conservatorio sea conocida y reconocida a nivel nacional e internacional. "Esta historia ha sido posible gracias a todas las personas que en algún momento fueron parte de él; unos no están, otros se jubilaron y otros muchos continuamos estando trantando de renovar cada día el prestigio de esta gran herencia", dijo. José Carlos Martínez destacó la importancia de la docencia en materia de danza, "nuestra compañía no tiene aquí una escuela como puede ser la Ópera de París, donde yo me he formado, pero tenemos grandes escuelas de bailarines que son el sustento de nuestra labor". También Antonio Najarro se mostró muy orgulloso de haber recibido las enseñanzas del centro del que fue alumno durante la mitad de su aprendizaje, como muchos alumnos que hoy en día nutren las filas del Ballet Nacional de España, porque tienen una versatilidad especial y un hondo conocimiento de todos los registros de la danza española. La Gala del próximo 1 de julio será un acontecimiento muy especial que el Conservatorio celebrará por todo lo alto, como muestra el programa que a continuación reproducimos. Enhorabuena a todos, y esperamos poder estar todavía ahí para conmemorar el centenario!!! PAOLA PANIZZA Programa de la Gala del 75 Aniversario del Real Conservatorio Superior de Danza Mariemma “Peso Pluma" Música : Richard Wagner/ Tristán e Isolda Coreografía: Pedro Berdäyes Interpretes de “Larreal”: Ángela Chavero, Adrián Díaz, Andreina Insausti, Cristina Manso, Ana Morales, Teresa Santos, Ángel Suárez, Hugo Torrijos, Pablo Badillo, Abraham Iglesias. María Redondo, Gabriela De Alteriis, Juan Pereira. “Bulería bolera “ Música: Pedro Ricardo Miño Coreografía: Cristina Gómez Interprete: Cristina Gómez “Con la música a otra parte“ Música : “ St James Infirmary” Coreografía: Javier Rodríguez Interprete : Javier Rodríguez “Bolero 1830” Coreografa : Mariemma Interprete: Eduardo Martínez “Tengo la ambición de una hormiga “ Música: Extracto Tannhauser, ThePilgrim`sChorus. Richard Wagner Coreografìa: Melania Olcina Intérprete: Melania Olcina “La Caña” Coreografía: Guadalupe Torres Interpretes: Guadalupe Torres, Jonatan Miró “Aware” Música: Alva Noto y Ryuichi Sakamoto Coreografía: Javier Monzón Interprete: Javier Monzón “El Compromiso de Solor” Música: L. Minkus Coreografía : Ricardo franco, sobre original de “La Bayadera” de Marius Petipa Interpretes de “ Larreal”: Ana Pérez-Nievas, Carlos González, Tamara Juárez, Carolina Rodríguez, Itziar Ducajù, Ainhoa Borrego, Irene Pinilla, Isabel Sanz, M. Trinidad Fernández, Ariadna Sánchez, Itxiar García, Isabel Medrano, Olga García, Mónica Álvarez, Juan José Almeida, Ángel García, Javier Rivet, Borja Bermúdez de Castro, Bryan Ramírez, David Castelló, Pablo Martínez, Aaròn Venegas, Alex Cuadros. “Retrato" Música : Armand Amar Coreografía: Antonio Pérez Interprete: David Sánchez “Kokoro” Música: Wim Mertens Coreografía: Pedro Berdäyes Interprete: Eduardo Ramìrez “Rassemblement” Musica: Toto Bissainthe Coreografía: Nacho Duato Interpretes: Marina Jiménez y Aleix Mañé “Farruca del Molinero“ Música: Manuel de Falla Coreografía: Antonio Ruiz Soler; Montaje: Carlos Vilàn Interprete: Sergio Bernal “Lucha o vuelo” Música: Samuel Aguilar y collage E. A. Dirección y coreografía: Elías Aguirre Interpretes: Ruth Muelas y Elías Aguirre “El Corsario” Música: Ricardo Drigo Coreografía: Marius Petipa Interpretes: Erina Takahashi y Esteban Berlanga “Por Derecho” Música: Isaac Albèniz Suite Iberia (El puerto, Albaicín) Coreografía: Antonio Pérez Interpretes: “ Larreal”: Cristiana Cazorla, Lucia Nicolás, Lorena Díaz, Marta García, Alba dusmet, Lucia Cardeñoso, Noelia Romero, Marina Fernández, José Alarcón, Alejandro Cerda ,Alejandro Muñoz, José Luìs Torà, Pedro Sánchez, Daniel Cabezuelo, Daniel Arencibia, Francisco Linares, Cristian Escribano. &&&&&&&&&&&&&

En la Ballethaus de Dusseldorf, sede de la compañía del Ballet del Rhin, me reúno con su director, Martin Schläpfer, uno de los coreógrafos más prometedores del panorama creativo actual, reconocido con el Benois de la Danse (2007). La compañía Flamencos en Route se encuentra allí, ensayando una pieza de Brigitta L. Merki basada en un poema de Lorca. El edificio es un mundo vivo. Los sonidos musicales se mezclan con una especie de trasiego silente de bailarines que van y vienen presos de un intenso quehacer. Es sábado por la mañana, al día siguiente actúan en la Ópera de Dusseldorf. Ensayan las tres piezas programadas –"Symphonie G-Moll" de Martín Schläpfer, "A dónde vas Siguiriya? Carpicho flamenco" de Brigitta Luisa Merki y " Rättika" de Mats Ek-. Hay nervios, imprevistos de última hora, ilusión, concentración... Martín nos espera en su despacho. Es un habitáculo muy sencillo que dice mucho sobre él. Me llaman la atención los objetos de su escritorio, pues percibo por la combinación que ha hecho de forma inconsciente con los colores rojo y blanco, que me encuentro ante un esteta, un hombre muy ordenado con tendencia hacia la abstracción mental -al punto que necesita un cartel con la advertencia de que lo primero que hay que hacer antes de comenzar la jornada es leer la agenda- y gran sentido del humor. Hay una vaca de madera, recuerdo de su origen suizo; una imagen de Buda, signo de la espiritualidad inspiradora, en contraste con un frasco de colonia, el elemento terrenal que estimula los sentidos. Es un absoluto placer poder conversar con dos grandes artistas como Brigitta L. Merki y Martin Schläpfer. Martin, mientras habla, traza con sus manos círculos en el aire, es un alquimista del movimiento; Brigitta le mira complacida, interesada en sus palabras, reflexiva, inteligente y siempre creadora. Pregunta.- Martin, me gustaría conocer su opinión sobre el flamenco. Martin.- El ballet y el flamenco son dos fenómenos culturales europeos. Son dos estilos muy maduros que existen desde hace tantísimo tiempo... Ambos están tan consolidados que puede permanecer cada uno en sí mismo, uno no necesita al otro. No tienen porqué tener elementos comunes, sino que son dos formas de danza que han crecido y madurado, un maravilloso fruto del acerbo cultural europeo. P.- ¿Qué piensas de esta colaboración en la pieza de Brigitta de bailarines flamencos con los del Ballet del Rhin? Martin.- La base de todo es que bailan dos estilos totalmente independientes. No se trata de fusionarlos, ni de que los flamencos bailen vueltos del revés, alcanzar un estilo requiere mucho trabajo, mucho estudio, muchas horas, diría que casi toda una vida... Y una vez se alcanza ese dominio del arte, y nunca antes, es cuando debe surgir la curiosidad sobre qué tipo de dialogo puede establecerse entre ambos. Pero tiene que ser en un nivel super-profesional donde esta relación se produzca. Es precisamente esto lo que encontré en Brigitta. P.- ¿Cómo se logra que ambos estilos se conecten sin que se distorsionen? Martin.- Es por la esencia, hay algo más allá, son como dos seres que buscan lo mismo y ahí está su unión. Son trazados de arquitectura humana. Por supuesto que hay arquetipos en estos lenguajes, digamos que cada idioma usa unos términos diferentes, por eso lo interesante era adentrarse en una búsqueda de lo común. Y al final te das cuenta de que, en definitiva, todo arte expresa una parte intrínseca del ser humano. Brigitta.- Tienes que ver cosas de Martín, son coreografías con una sensibilidad tan especial... Martin.- Yo, cuando veo algo de Brigitta, pienso: “algo funciona...” En el fondo es el punto de vista artístico lo que nos une, pues en nuestras diferentes disciplinas partimos de un aprendizaje con un dominio técnico muy duro. P.- En este momento actual donde a veces se tiene la sensación de que en el arte ya está todo hecho, de que los lenguajes están agotados, ¿Hacia dónde crees que la danza debería evolucionar? Martin- El problema surge porque hay gente que se sube al escenario en base a una especie de “todo vale”. Eso es lo que hace daño y conduce a un punto muerto. P.- ¿No todo vale? Martin.- Por supuesto que no. Por ejemplo, cómo te diría, pondré un simil con la pintura. Rothko trazó unos rayos blancos, zas, zas (y Martin hace el ademán de dibujar sobre la pared unas líneas imaginadas). Rothko pudo hacer de unas simples líneas una obra de arte porque había llegado. Él tenía su camino y alcanzó un nivel en el que hizo ésto. Lo que no se puede hacer es partir de unos garabatos y querer hacer pensar al público que es una expresión profunda e instintiva. No, eso aburre, eso es un engaño. Cada arte necesita un saber, un aprendizaje, un nivel técnico. Si no se parte de ese punto no se puede crear un verdadero contexto artístico. P.- Bueno, pero partiendo de que el dominio técnico es necesario... ¿Se necesitará algo más? Martin.- Sí, porque esa técnica es lo que justamente permite tomar distancia, posibilita el estado de conciencia, que es cuando se logra ser plenamente consciente de tus posibilidades expresivas. Es entonces cuando se puede establecer el diálogo con el publico. Hay que dominar el idioma, y la danza es un idioma, si ésto no está claro no hay ni que empezar. P.- Brigitta, ¿Qué opinas tú sobre esto? Brigitta.- Estoy completamente de acuerdo con Martin. Él no cesa de formar a los bailarines de su compañía, sigue profundizando en el campo técnico, en el sentido evolutivo. También siento que él me comprende, se da cuenta de que yo no estoy en el pasado del flamenco sino que mi estilo forma parte de la evolución. Me hace mucha gracia que la crítica me llame “la coreógrafa flamenca más europea”, porque España es Europa, porque sigue cambiando con el mundo de hoy. El estilo español no se detiene y opino que hay otro concepto más allá del mero arquetipo tradicional, ya que la cultura española contiene muchísima riqueza. P.- Tú creas con elementos españoles pero desde fuera de España.. ¿Ello te da una dimensión diferente? Brigitta.- Sí, quizás yo lo veo todo desde otro angulo, recuerdo a Susana, mi maestra... Ella utilizaba una expresión refiriéndose al mundo del flamenco: “no estoy en la sopa” (ríe), y pienso que si “estás en la sopa” no puedes crear algo nuevo, te estereotipas. El camino no termina nunca, el camino es el camino. P.- Martin, ¿De dónde recibes la inspiración? Martin- De la música. P.- Brigitta, ¿Dónde la encuentras tú? -Yo me inspiro en el físico de los bailarines, en su personalidad, pues lógicamente, para mí el flamenco posee una conciencia, una esencia muy humana. Está muy conectado con el ser humano, es un idioma de la danza en el que llevamos zapatos, andamos sobre la tierra. El flamenco debe ir más allá. Tiene muchas posibilidades hacia donde explorar, porque es importante que nos demos cuenta de que no se agota en el individuo. No termina en lo pequeño. NO se debe hacer para un teatro grande lo mismo que se haría en un tablao. Yo creo fírmemente en el flamenco concebido para teatro grande, el problema es que hay demasiado show en el sentido del “yo”, es un yo estoy aquí. Hace falta trabajar. En el tablao está ese "aquí estoy yo y tú mírame", y es algo muy interesante de vez en cuando porque el "yo" es importante, pero no para un espectáculo entero... Aburre. Eso es un concepto que, a mi entender, tendría que evolucionar en la mentalidad flamenca, pues me he encontrado con el obstáculo de que muchas veces les es difícil sentir que son un conjunto. P.- Eso siempre ha sido así, ese problema ya se lo encontró Diaghuilev cuando vino a España, y fascinado por los bailaores españoles los contrató para los Ballets Rusos. Primero fue Félix el Loco, y luego una mujer excepcional, María del Albaicín. En las memorias de Shokolova, bailarina de carácter de la compañía, cuenta de ella que era una criatura encantadora, pero con mucha dificultad de ceñirse a los pasos... Y es que el flamenco es la danza más individual que existe, ¿No te parece? Brigitta.- Pero la coreografía es también una expresión, una dramaturgia, y mantener una visión estrecha del flamenco lo reduce. Yo he vivido en los 70 lo que era el flamenco puro de las pequeñas peñas. He sentido con ellos momentos extraordinarios, el bailaor, el guitarrista en su magnífica intimidad... Eran diálogos profundos y muy honestos. En el fondo parto desde esta experiencia en mis obras pero cambiando el angulo de mi enfoque, el entorno sin perder esta honestidad en el diálogo. Con esta consciencia se entra hacia una conexión más amplia con el resto del mundo. P.- ¿Cómo definirías tu estilo flamenco? Brigitta.- Yo desnudo el flamenco, exijo técnica y la respeto muchísimo, pero tambien nececito la expresión individual de cada uno. Y cambio su look de los 50, suprimo los signos folklóricos, el tipismo, y entonces es cuando ves lo que hay. El Flamenco no nececita riqueza en vestuario, para mi pierde la escencia, la expresion corporal tan fuerte con demasiado vestuario. Para mí puede llegar hasta un arte abstracto en ciertos momentos, considerando el mundo ritmico que conlleva. También te digo que los músicos están más avanzados, son más innovadores y tienen muchísimo más claro el camino hacia su evolución. En la música, sí se hace, *se está integrando elementos tradicionales en composiciones actuales y salen musicas innovadoras sin este aspecto de "retro" como lo hay en la danza. Martin.- Pienso que lo que denominamos contemporáneo está en la mente, es la mente la que utiliza los elementos, y aunque sean clásicos, los convierte en contemporáneos. Por eso el término "contemporáneo" me aburre, es algo superado, tendría que referirse a lo que se hace en la atualidad y no circunscribirlo a un estilo así o asá. Por ejemplo, yo utilizo en mis coreografías zapatillas de punta, y sin embargo, soy muy contemporáneo, no soy para nada un coreógrafo clásico. Yo tambien soy un outsider (ríe). P.- Cuéntame, Martín, sobre la situación actual del Ballet del Rhin, ¿Cuántos bailarines tienes? Actualmente son 46. Y ahora vivimos un momento muy gratificante de reconocimiento a nuestra labor. Lo mejor es que vamos a estrenar en septiembre una nueva sede, un maravilloso edificio de 3.000 metros. Brigitta- Ha sido gracias a Martin que se ha logrado esto. Su labor es muy reconocida y valorada en el ambiente artístico, ahora le dan un nuevo premio. P.- ¿Qué premio? Brigitta- El Premio de Música de la ciudad de Duisburg (Musikpreis der Stadt Duisburg 2015). Es uno de los premios de arte más importantes de Alemania. Los únicos coreógrafos que lo han recibido son Hans van Manen y Pina Bausch. Normalmente el premio se concede a musicos de gran categoría como Dietrich Fischer-Dieskau, por poner un ejemplo. P.- Felicitaciones. Martin.- Sí, por ello me siento doblemente afortunado porque se suele dar a artistas musicales y es un honor que sea para la danza. Cuando pienso en los grandes artistas a los que se les ha concedido este premio, casi estoy abrumado... Reconozco que atravieso una buena etapa de mi vida. P.- ¿Cómo fue que empezaste a bailar, Martin? Martin.- Empecé a bailar, o más bien a moverme, y yo no sabía lo que era. Tenía 15 años, y un profesor me miró a los ojos y me dijo “tú tienes que venir a bailar”. Mis padres me dieron permiso, y así fue... Gané el Premio de Lausanne al mejor Bailarín, y pude elegir compañía. P.- ¿Cuándo empezaste a coreografíar? Nunca quise ser coreógrafo. Ha sido todo un descubrimiento hacia el que la vida te conduce por una serie de coincidencias. Yo quería enseñar, y empecé con la docencia en Basilea, y ello me llevó a dirigir el Ballet de la ciudad de Berma, y como no teníamos dinero, me puse a coreografíar...(ríe) Nunca me imaginé esto. P.- Ahora que has llegado... Confiésame, ¿Es difícil ser artista? Martin.- Muy, muy difícil, llevar gente, enseñar, dirigir, organizar.... Es un trabajo ambivalente, porque además de la parte creativa hay exigencias organizativas y burocráticas de gran envergadura. Se tienen que soportar situaciones muy complicadas sin desfallecer. Brigita.- Aquí en el Hausballet hay un ambiente muy artistico, muy inspirador. Esta atmósfera sale de Martin. Se nota en los bailarines, se nota en la musicalidad, hay muchísima concentración dentro del trabajo y nos ha influido mucho. La experiencia es única. P.- ¿Cuales son tus sueños, Martin? Martin.- ¿Mis sueños? (ríe)... Tenéis que entender que no soy tan conocido a nivel internacional, por ejemplo en España el Ballet del Rhin casi no ha actuado, pues en Madrid nos cancelaron en el Teatro Real. Y lo comprendo, aunque no me hace feliz. Soy consciente de que mi estilo coreográfico no es para las masas. Tampoco me importa, ni busco la fama, no tengo sueños, solo me concentro en dirigir, entrenar a mis bailarines, y me conformo con lograr crear piezas que signifiquen algo. Mi deseo es poder seguir desarrollando la técnica y abrir la mente hacia el resto de las artes, conectarlo desde fuera con el mundo interior, porque realmente el arte habita en el corazón de las personas. Todo el mundo parece empeñado en crear un nuevo ballet, algo nuevo aunque el mundo no lo necesite. Mi pasión no es crear por crear, yo siempre me siento inseguro, busco y vacilo hasta que encuentro. Yo siempre dudo. MERCEDES ALBI (Fotografías de "A dónde vas Siguiriya? Capricho flamenco" por Gelt Weigelt)

Esta temporada de danza madrileña, La Lupi parece vivir un momento espléndido en el que se ha multiplicado como si poseyera el don de la ubicuidad. En un intervalo de dos semanas ha estado en “El arte por delante”, al mismo tiempo que estrenaba una pieza en el “Zaguan” del BNE -“Tangos en la Fonda de la Carmencita”-, dos noches en el Corral de la Morería, y por si fuera poco presentó el pasado viernes “Cartas a Pastora”, una obra estrenada en abril del 2014 en el Teatro Echegaray de su Málaga natal. Según cuenta la Lupi, la inspiración del espectáculo le vino de una forma casi mágica … En 2013 el Museo Carmen Thyssen de Malaga organizó una exposición sobre Julio Romero de Torres y su obra. Dentro del ciclo de actividades en “El Sueño Flamenco de Julio Romero de Torres” se dedicó un día a la figura de Pastora Imperio. La Lupi participó homenajeando a Pastora con su baile, y de este encuentro surge el embrión para dedicarle todo un ballet. En “Cartas a Pastora” se nos narra a través de la danza los azarosos momentos de su vida: fue una existencia llena de pasión, en la que el amor, el maltrato, la lucha por seguir siempre hacia delante impulsa a la gran artista a continuar. La Lupi hace un ejercicio total para el lucimiento de sus grandes dotes expresivas, que culminan en las escenas que narran el amor y desamor de Pastora con el famoso torero Rafael el Gallo, hermano del malogrado Joselito. La bailaora nos habla, seduce entera, sin dejarse nada, pues hasta las pupilas de sus ojos dicen algo. En ningún momento imita a Pastora, no se puede copiar lo inimitable, y a La Lupi le sucede lo mismo, no hay dos personalidades iguales en el flamenco, cada una tiene su chispa, su aquel, por lo que el reto es enorme, tan grande como grandísima fue Pastora Impero. Ángel Rojas, director artístico de la función, acompaña a La Lupi en unos pasos a dos en los que se enredan en el juego de ser unos personajes envueltos con total complicidad, como si fueran uno solo desde el principio gracias a su estrecha coordinación. El comienzo del espectáculo impacta visualmente. La Lupi aparece ataviada con un precioso traje negro de lunares muy a la moda en la época, con Angel Rojas vestido de mayoral portando un sombrero rojo, logrando momentos de gran belleza plástica, conjugados con algún movimiento de danza contemporánea. Destaca también otro paso a dos donde Ángel, como Rafael el Gallo, aparece vestido de torero con un capote que El Juli le regaló, moviéndolo con gran solera. Las emociones estallaron a flor de piel. Se pudo palpar perfectamente a través del movimiento el sufrimiento de Pastora. Le falta el aire, le falta la libertad... Hay una escena donde El Gallo queda a un lado del escanario, toreando y cosechando éxitos, mientras que al otro, Pastora aparece cubierta con un velo negro atado al cuello, hasta que uno de los cantaores se lo quita… Las manos de La Lupi lo dicen todo. El peso excesivo del espectáculo sobre tan pocos personajes para una función de hora y media, es compesado con el buen hacer de los músicos, -el guitarrista, Curro de María, director musical del espectáculo; percusión de David Galiano, junto con el violín de Nelson Doblas; y el cante de Antonio Núñez, El Pulga con Antonio Campos, y con las palmas de Roberto Jaen-. Un espectaculo interesante que fue ovacionado por el pùblico puesto en pie al final de la representación, como ya viene siendo habitual en todas las funciones de este recién inaugurado ciclo "Madrid Flamenco". PAOLA PANIZZA

El pasado 25 de Marzo publicamos la entrevista al protagonista del corto "Dueño de tu Destino", dirigido por Antonio Cabello. Guillermo Torrijos Velasco, alumno de 3º de Danza Clásica en Real Conservatorio de Danza Mariemma. La presentación del citado cortometraje tendrá lugar el próximo jueves día 25 a las 19:00 horas en el Salón de Actos de la Facultad de Ciencias de la Documentación de la Universidad Complutense de Madrid. Se realizará un acto académico y los asistentes podrán observar en directo todos los equipos utilizados durante el rodaje. La entrada es libre hasta completar aforo. Reserva un hueco en tu agenda, te esperamos. GEMMA ORTEGA

Ha llegado el momento en el que el Real Conservatorio Profesional Mariemma celebre sus 75 años de existencia. Y será con una gran gala que tendrá lugar el próximo 1 de julio en el Teatro de la Zarzuela. Es un motivo de gran orgullo la labor desempeñada, durante tanto tiempo contra viento y marea, gracias al esfuerzo de miles de protagonistas que construyeron este peldaño de historia. Unos alcanzaron la fama otros no, pero todos ellos entregaron su esfuerzo y su amor por la danza. Su actual directora Mar Mel nos cuenta los detalles de esta conmemoración. -¿Cómo os sentís a las puertas de este gran evento? -Muy, muy contentos... -Son 75 años desde el comienzo... ¿Cual es el objeto de la conmemoración? -No podemos pasar por alto este un aniversario tan especial: 75 años marcan una larga trayectoria para el Conservatorio y nos obliga a recuerdan los cientos de acontecimientos que han consolidado su prestigio en España. -Debe ser muy difícil condensar en una gala tantos momentos vividos... -Sí, es complicado, pero creo que lo hemos conseguido y va a ser una gala muy especial en un recinto también muy especial, el Teatro de la Zarzuela. Y pensamos, “Qué es lo que impulsa tanto esfuerzo?, pues nuestro amor, nuestro amor por la danza que es el corazón, la verdadera alma y la auténtica historia de este Conservatorio y por ello será la protagonista de este espectáculo. -¿Quien bailará? -En la gala podremos disfrutar de algunos de los bailarines profesionales que se han formado en el Conservatorio y que han querido y han podido reservar ese día para homenajear a su escuela. Bailarán ex alumnos del Centro, ya consagrados, como Eduardo Martínez o Sergio Bernal, primer bailarín y solista respectivamente del BNE. Esteban Berlanga y Aleix Mañé, primer bailarín y solista respectivamente de la CND, o las bailarinas de danza contemporánea Ruth Muelas y Melania Olcina, dentro de un amplio elenco de intérpretes y con piezas de los diferentes estilos, Clásico, Español y Contemporáneo. Estoy muy agradecida a cada uno de ellos, porque han hecho un hueco en sus complicadas agendas para colaborar con nosotros. También nos acompañan, aunque no físicamente, los que por compromisos profesionales les ha sido imposible acudir a la cita, así como las decenas de ex-alumnos a los que les gustaría poder participar y que, por motivos evidentes de tiempo, no hemos podido hacerles un hueco. Desde aquí les pido disculpas por no haber podido invitarles. Sería imposible que todos los bailarines que han salido del Conservatorio pudieran estar ese día en el escenario de la Zarzuela. -Cuéntame algo concreto sobre el programa. -Podremos disfrutar de 12 solos o dúos interpretados por estos antiguos alumnos profesionales y tres extractos de coreografías de nuestros alumnos actuales, una por cada especialidad. El espectáculo va a ser muy variado. En él se irá "viajando" por las tres especialidades que forman el conservatorio: Danza Clásica, Danza Contemporánea y Danza Española, interpretadas por diferentes promociones de bailarines, incluida la última. -Presiento que habrá mucha emoción. -Me consta que para nuestros invitados es un acontecimiento muy especial por el recuerdo que perdura y por los lazos afectivos que todavía continúan existiendo. Desde luego, para el Conservatorio es una conmemoración muy emotiva e importante y un motivo para la reflexión. Y es cierto, habrá que contener las lágrimas porque se mezclan muchas emociones. Ese orgullo de comprobar que nuestro Conservatorio llega a los 75 años con muy buena salud, el recuerdo imborrable de tantas personas que han pasado por él... -No se cumplen 75 años todos los días. -Me siento muy satisfecha al comprobar que este Conservatorio sigue su ritmo y que continúa formando bailarines de calidad, pero a la vez siento la responsabilidad de saber que el futuro está por delante, que después de estos 75 años vendrán muchos más. Ese futuro dependerá en parte de cómo actuemos. Pero en mi caso concreto, me siento una privilegiada al tener la posibilidad de representar en este momento a una institución que ha sido durante mucho tiempo y continúa siendo mi casa. En ella he tenido la posibilidad de aprender de la calidad profesional y humana de tantos grandes maestros y profesionales con los que he convivido, y en la que confío seguir colaborando para que siga en esa evolución permanente que siempre buscamos. MERCEDES ALBI (Fotografía Mar Mel por Jesús Robisco; fotografía de Eduardo Martínez por Eugenia Sartorius)

Era imprescincible acudir al Festival de Konigsfelden que se celebra cada dos años en las proximidades de Zurich. Brigitta Luisa Merki -organizadora del evento, cuya dirección combina con la de su compañía Flamencos en Route- ha afrontado un nuevo reto. Por primera vez se realiza para el festival una producción totalmente de danza contemporánea frente a anteriores ediciones en las que predominaba el flamenco. Y es que Brigitta L. Merki se dejó seducir por el talento de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo que descubrió gracias a “Babylon” -la pieza que crearon para nuestra CND, representada con gran éxito en Alemania-, dándoles carta blanca para poner en marcha un nuevo proyecto: “Sibil.la” "Sibil.la” es un ballet inspirado en la más pura tradición del medievo mediterráneo, donde desde la Provenza al sur de Valencia (Gandía) en la Misa de Gallo se entonaba “El cant de la Sibil.la”. Esta tradición ha pervivido en la Catedral de Mallorca hasta nuestros días, siendo recientemente declarada por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. El escenario es una abadía del siglo XIV, con toda su verticalidad y magnificencia, donde el público penetra en una nueva dimensión, en un ambiente mágico que ha sido creado con raíz mediterránea, con nuestro canto, nuestra más bella música antigua. Es la Sibila profética que anuncia la llegada del Mesías. Y así comienza el espectáculo, con el timbre dulcísimo de la soprano Irina Ungureanu al son desnudo de la percusión. Ella aparece iniciando la historia, presagiando la venida de un tiempo nuevo, el inicio de una búsqueda que parte de la soledad y nunca cesa en su ansia. Shostakovich, Vivaldi y Villalobos, un toque de chançon francesa y de música árabe interpretada por la cantante-bailarina Karyma Nayt, completan un espacio sonoro vivo que evoluciona con las imágenes en perfecta correlación con su significado. La orquesta se sitúa sobre la escena irradiando su magia hacia las vidrieras y las arquivoltas góticas. Todo asciende, la verticalidad del templo eleva la plegaria de los bailarines, en este camino de la vida que muchas veces silencia la verdad. Sagardoy-Bravo componen una coreografía muy plástica cargada de simbolismo formada por elementos muy simples, como el papel con el que de repente se le tapa la boca a la bailarina en contraste con la soprano que sigue cantando. Es el desconcierto de la incomunicación, del que desea hablar pero al que no se escucha o no se le quiere oír. Es el verdadero canto de la Sibil.la, un canto silente, porque en realidad anida dentro de nosotros mismos. Es la inspiración del alma que encuentra su correlación en el éxtasis místico, en el proceso creativo y en el amor. La Sibila se expande y el simple personaje, que anuncia la llegada del Mesias, se colectiviza gracias a los magníficos bailarines que lo interpretan y transforman en una suerte de estado sibílico compartido en el que danzan con gran fuerza poético-expresiva a través de varias escenas. El duo danzado por Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo posee la intensidad de lo auténtico, esa perfecta sincronización existente entre ellos se siente. Él es un bailarín lírico, ella una bailarina dramática. Juntos son el todo. Pero Sibila somos todos en algún momento de la vida. Sibila también es silenciada y hasta asesinada porque los demás no quieren escuchar la verdad que nos trasciende. Entonces, aparece una de las imágenes mejor desarrolladas de la obra, el dúo interpretado por Arantxa Sagardoy y Karima Nayt, que es sobrecogedor. Una Sibila ha muerto y Karima traza con una tiza en torno a ella la marca policial del crimen, pero aparta a la muerta, la desplaza y ella misma se mete dentro de la forma dibujada, porque si una Sibila desaparece vendrá otra que ocupará su lugar. Ese embrujo que siempre habita en el valle de Konigsfelden ha prendido de nuevo gracias a Arantxa y Alfredo, y a los grandes artistas que con su “Sibil.la” han seducido a crítica y público, con aforo completo durante los más de treinta días programados de función. El éxito ha sido rotundo. La crítica suizo-germana lo ha aplaudido con unanimidad llegándolo a calificar como obra de arte total. Konigsfelden es un valle encantado, en él hay magia, en él siempre hay un trozo de España, una especie de milagrosa colonización de nuestro arte. MERCEDES ALBI La crítica germano-suiza ha escrito: "Die Sehnsucht nach Erlösung" (Poderoso anhelo de redención) "Las coreografías de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo se caracterizan por una poderosa expresión emocional" " (…) te dejan atónito, por su expresividad, habilidad y precisión" Windisch - G.A. Gesänge und Gänsehaut: Das Gesamtkunstwerk "Sibil.la" (Cantos y piel de gallina: la obra de arte total "Sibil.la") (...) Estados de éxtasis se alternan con emocionantes duos (…) Tagesanzeiger Zurich - Nina Scheu - 09/06/15 "Con Sibill.la, Tanz und kunst Königsfelden, trae de nuevo una obra de arte simplemente magnífica. Aunque la danza, la música y la instalación espacial, son cada uno de ellos elementos de la producción prominentes, encajan sin embargo, en un mismo espacio de forma armónica y perfecta. Isabelle Jakob, Neue Zürcher Zeitung, Kultur, 22.05.2015 (...) La coreografía es testimonio de una fuerza colosal y despierta un punzante juego con la gravedad(…) Elisabeth Feller, Aargauer Zeitung, Kultur, 12.05.2015 ¿Emocionado? ¿Determinado?¿Esperanzado? El espectador se siente parte de Sibil.la Tanzgesange, ya que «Sibil.la » desarrolla un efecto de succión en el espectador. Esto no es sólo por su gran fisicalidad, también por la música(…) (...) Estados de éxtasis se alternan con emocionantes duos (…) Tagesanzeiger Zurich - Nina Scheu - 09/06/15 &&&&&&&&&&&&&&&

El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arranca el próximo 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además se podrá disfrutar del Ballet Víctor Ullate Comunidad de Madrid, Carles Santos, una Gala de Zarzuela, Christian Zacharías, y hasta 12 citas musicales en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto. Grandes de la danza La danza será también protagonista de esta edición del Festival de Verano de El Escorial con dos grandes espectáculos. En primer lugar el 11 de julio el Ballet Víctor Ullate de la Comunidad de Madrid subirá al escenario con Samsara. El día 6 de agosto, como colofón final del festival, Lucía Lacarra y Joaquín de Luz encabezan un grupo de excepcionales primeros bailarines que homenajearán la trayectoria del bailarín y coreógrafo Víctor Ullate con Danza en cuerpo y alma, un programa en el quepodremos disfrutar de piezas coreografiadas con música de compositores como Rachmaninov, Chopin, A. Part, Webern etc.

Olga Pericet ha presentado por primera vez en Madrid su espectáculo “Pisadas“, por el que ha sido recientemente galardonada con el Premio Max a la mejor Bailarina, dentro del marco del festival Suma Flamenca. La expectación que había en el patio de butacas era enorme, porque incomprensiblemente han pasado ocho años sin que se programe alguno de sus espectáculos -que han dado la vuelta al mundo con gran éxito- en un teatro de nuestra ciudad. “Pisadas” es un coctel, un combinado de sensaciones y emociones, una obra arriesgada, con toque vanguardista que agradaría incluso a los puristas del flamenco, porque Olga sabe ser ángel y bruja, cándida y hechicera. Ella arroya, encandila sin dejar de lado la elegancia y la dulzura porque sabe ser única. Se nos narra a través de la danza un universo femenino que rompe con los códigos preestablecidos. Siempre desde el punto de vista de la mujer como protagonista de su propia historia. Nos propone ciclos de la vida apelando a la necesidad humana de unirse a través del tiempo. El principio de la espectáculo es mágico y bellísimo aparece Olga Pericet entre brumas con una preciosa bata de cola, no hay música solo el sonido del cinturón que lleva puesto, lleno de conchas las cuales toca con su mano y vibran “cantan” reminiscencias del mar. La bailarina se va contoneado y retorciendo de abajo arriba hasta que al final aparece un guitarrista y empieza a tocar …. El baile de Olga Pericet es muy personal, pleno de líneas y colores, se mezcla el flamenco más clásico con el más vanguardista junto con el estilo contemporáneo y un perfume de danza oriental, todo esto unido a la magia y el duende que ella desprende. Sus contoneos de cadera, sus manos, sus braceos, su expresividad facial, su magnetismo derrochando arte y buen hacer por los cuatro costados hicieron las delicias del público asistente. La obra se compone de seis secuencias coreográficas creadas bajo el signo de la originalidad. En “Fiera en el Monte”, el bailaor invitado, Juan Carlos Lérida alcanza una gran intensidad dramática, empieza con un solo que baila coronado con las astas de un ciervo. Aparece Olga y emprenden un dúo impactante que se alejada de cualquier esquema preconcebido, pues contiene hasta aires de jota. Sin embargo, el duo que danza Juan Carlos con Tacha González encaja más claramente en el estilo flamenco sin perder el alto nivel de vistosidad que mantiene el espectáculo. Los otros ingredientes de “Pisadas” corrieron a cargo de la cantaora Herminia Borja, acompañada de un excelente grupo de músicos, el magnífico vestuario de Yaiza Pinillos, la correcta modulación de las luces, la escenografía… El todo que funciona siempre se forma con unos elementos perfectos y bien encajados entre sí. PAOLA PANIZZA (Fotografías Paco Villalta)

Los aficionados a la danza española están de enhorabuena. El pasado jueves asistimos a una vibrante y deliciosa Gala de Danza Española ofrecida por los alumnos del Real Conservatorio Mariemma, dentro del marco del Festival Suma Flamenca. Es maravilloso contemplar el buen hacer y la gran entrega de todos los bailarines participantes, que pusieron el alma sobre el escenario. Nos hicieron soñar y vibrar en cada una de sus actuaciones. El público asistente, tan emocionado como ellos, supo entender el esfuerzo y el trabajo de estos jovencísimos artistas, alumnos de los últimos dos cursos del conservatorio, y de sus maestros: pudo apreciarse una excelente sincronía entre los bailarines y los coreógrafos participantes. El programa presentado incluía tanto solos como coreografías grupales y se abarcaron todos los estilos de la danza española. La primera pieza presentada fue “Por Derecho“ de Antonio Pérez , de estilo clásico español, bellísima y muy plástica. Acompañaba el uso de elementos característicos -el sombrero cordobés en los bailarines, y los abanicos en las bailarinas- con la maravillosa partitura de la Suite Iberia (El Puerto, Albaicín) de Albéniz. A continuación, “Requiebros“, de Malena Mexía. Deliciosa y brillante. Todo un homenaje a la Escuela Bolera. Un solo lleno de expresividad y de duende interpretado por la bailarina Cristina Cazorla. “Del Origen“, una coreografía de David Coria que ya pudimos ver en la Resad el pasado mes de Abril, nos sorprende y nos cautiva una vez más. Enmarcada en un ambiente rural, muestra tres grupos de baile interpretando distintas coreografías al mismo tiempo, y varios pasos a dos de una gran brillantez. “Toronjo”, de Jesús Carmona, uno de los coreógrafos más interesantes del panorama del Flamenco actual. Un solo de gran magnetismo bailado con pasión por el bailarín José Alarcón. Nos sorprendiò “Duas Lagrimas De Orvalho“ de Manuel Díaz , por su intensidad dramática, y a la vez por la poesía que transmite. Bellísimos braceos y sublime elegancia de Alba Dusmet . Finalmente “Rosa de Invierno“ de Arantxa Carmona, que también pudimos ver el pasado mes de Abril en la Resad, nos atrapó y nos hizo disfrutar desde el primer momento. Su bellísima Jota Aragonesa integra tradición e innovación. Parte de los parámetros más tradicionales hasta llegar a los más estilizados. Hay cuatro partes bien diferenciadas. La primera es un dulcísimo paso a dos. La segunda es La Danza del Boto. En la tercera se resuelve la historia de amor de los protagonistas. Y una cuarta muy espectacular que recrea la Jota de Gigantes y Cabezudos interpretada de una forma diferente y original. Muy ovacionados por el público, los bailarines participantes le obsequiaron con una repetición de la parte final de esta Jota. El espectáculo finalizó con un público puesto en pie que aplaudió a los artistas con entusiasmo. Felicitamos al Real Conservatorio Superior de Danza Mariemma y en particular a su directora, Mar Mel, por esta Gala tan emocionante como espectacular. ¡Enhorabuena! PAOLA PANIZZA Fotografías de Emilio Tenorio (Cabecera) y Jesús Vallinas (Texto)

Con Alento & Zaguán, el Ballet Nacional de España se adentra en una propuesta personal con un nuevo giro estético y estilístico. Esta mañana tuvo lugar la rueda de prensa que marca el punto de salida con el estreno de mañana en el Teatro de la Zarzuela, que se podrá ver hasta el próximo 28 de junio. Las primeras imágenes sobre el escenario, del fotógrafo colaborador de Albidanza, Jorge Álvarez, son muy prometedoras. Mucha suerte a nuestro BNE!!! Enlace sobre Alento y Zaguán

Fue una gala irregular e imprescindible, pero ¿Cómo no se va a notar la diferencia si se baila junto a un astro? Y ese astro no es otro que Sergio Bernal. Su Farruca del Molinero fue lo mejor de la noche, e incluso no sería osado afirmar que en ella Sergio alcanza su perfección. Es una lástima que no se interpreten los ballets compuestos por Manuel de Falla, y que no sean pieza imprescindible en el repertorio del BNE. Me refiero, naturalmente, a “El Sombrero de Tres Picos”, no con la descafeinada coreografía de Massine, sino con la de Antonio Ruíz Soler, cuyo centenario en el 2019 está próximo a conmemorarse. Espero que algún día dejemos de ser el país sin memoria, eso sí sería una buena señal de que realmente estamos cambiando. Regresando al tema de la gala, fue un placer admirar los brazos y la línea maestra de Lola Greco, que dando pruebas de solera y madurez pudo soslayar con su embrujo la pérdida de parte de su ligereza. No estuvieron a la altura Ana Arroyo, que aunque es una bailarina de grandes posibilidades, no termina de encontrar su estilo, y la pasional Karime Amaya, porque además del abrumador taconeo que hizo las delicias del público -ansioso de “acrobacias”- tendría que saber modular, seducir avanzando, sin entrar a mil por hora desde el principio, y aturdiría menos. Cada día se aprecia más sobre los escenarios la falta de sentimiento, de bailar con corazón y con lirismo. En cuanto a Jesús Carmona, demostró ser una de las promesas sobresalientes del flamenco, un ídolo de bronce con una personalidad inclasificable. Una gala maravillosa, de cinco estrellas, y una cita imprescindible que demuestra hacia donde evolucionan los caminos en el tiempo actual. MERCEDES ALBI

En la Sala Roja de los Teatros del Canal, Lola Greco, Jesús Carmona, Karime Amaya Sergio Bernal y Ana Arroyo, tienen el miércoles 10 de junio una actuación de esas que quedan grabadas de forma indeleble en la memoria, pues no se puede esperar menos de una gala organizada bajo la exquisita dirección artística de Ricardo Cue. PROGRAMA INTRODUCCIÓN Coreografía: Jesús Carmona Música: Daniel Jurado JESUS CARMONA - ANA ARROYO - SERGIO BERNAL - KARIME AMAYA ********* GOYESCAS Coreografía: Lola Greco Música: Enrique Granados LOLA GRECO ********** EL SOMBRERO DE TRES PICOS-FARRUCA Coreografía: Antonio Ruíz Soler//Carlos Vilán Música: Manuel de Falla SERGIO BERNAL ********** SOLEA Coreografía: Ana Arroyo Música: Daniel Jurado ANA ARROYO ******* PASO A DOS Coreografía: Jesús Carmona Música: Daniel Jurado JESÚS CARMONA//SERGIO BERNAL ******** SEGUIRIYA Coreografía: Karime Amaya Música: Daniel Jurado KARIME AMAYA ********* ESPLENDOR Coreografía: Sergio Bernal Música: Coetus SERGIO BERNAL ******** CÓRDOBA//SOLEA Coreografía: Jesús Carmona Música: Daniel Jurado JESÚS CARMONA ******** EL ÚLTIMO ENCUENTRO Coreografía: Ricardo Cue Música: Alberto Iglesias, Vicente Amigo LOLA GRECO//SERGIO BERNAL ******** FINAL Coreografía: Jesús Carmona Música: Daniel Jurado JESUS CARMONA - ANA ARROYO - SERGIO BERNAL - LOLA GRECO - KARIME AMAYA &&&&&&&&&&&&&