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Cada vez que me ofrecen la oportunidad de visitar un conservatorio de danza, es como adentrarme en el "mundo de los sueños". Allí se van germinando, con un enorme esfuerzo, los bailares de nuestro futuro. Son jóvenes de una sociedad que no se lo está poniendo nada fácil. Capaces de compaginar sus estudios académicos con los de danza. Protagonistas de interminables jornadas de trabajo que deberían ser portada de muchos medios de comunicación de nuestro país. Confío en que se les haga justicia y algún día, alguna cabeza pensante, les elija como modelos a seguir para las nuevas generaciones. La gala de Navidad de anoche en el "Conservatorio de Danza Marienma" fue una vez más fantástica. A la entrada muchos nervios mezclados con grandes ilusiones. Entre el público sus familias, amigos y compañeros de aventuras. Ellos mejor que nadie conocen el sacrificio de estas pequeñas grandes promesas. Nos ofrecieron extractos de dos piezas de contemporáneo, "YOUNG HAPPENINGS" y "DESPUÉS DE MUCHOS AÑOS EL CISNE MUERE" de José Reches. La primera guardaba la sorpresa del acompañamiento musical de Noemí Lario. Tocó el arpa, el piano y además acompaño con su voz la pieza. La segunda, es la visión personal del coreógrafo del "cisne", figura recurrente en nuestra danza, y a la que ofrece cabida en las formas contemporáneas de una manera muy acertada. Cada vez son más y mejores los estudiantes de esta disciplina. Los alumnos de ballet clásico ejecutaron "EL COMPROMISO DE SOLOR" de M. Petipa y Ricardo Franco. Es una pieza con elevadas dificultades técnicas que defendieron con mucho nivel. El pequeño gran teatro del que disponen se les quedaba pequeño. Debieran tener la posibilidad de poder representar obras de esta talla en otros escenarios. Y allí me los imagino no tardando mucho tiempo. Y para finalizar "POR DERECHO" de Antonio Pérez con música de Albeniz. Es una pieza apoyada en las formas más tradicionales de la danza española. Sombreros y abanicos acompañan al excelente grupo de bailarines. Por momentos aparecían figuras que mucho me recordaban el sello de Antonio "El bailarín". Enhorabuena a todos, directora, coreógrafos, profesores y por supuesto alumnos. Vuestra labor es impagable. Contra viento y marea sois fieles al compromiso con la danza. El futuro es incierto pero nunca dejéis de bailar. Bailad para vosotros mismos y para todos los que estamos deseosos de disfrutar de vosotros. BUEN TRABAJO Y FELIZ NAVIDAD!!!!!! Texto: GEMMA ORTEGA Fotografías: Jorge Alvárez (cabecera) y Jesús Robisco (última)

En la sala de prensa de los Teatros del Canal ha tenido lugar la presentación de “A+A” el espectáculo que ponen en escena el bailarín y coreógrafo Ángel Corella, junto al violinista Ara Malikian y la Orquesta en el Tejado. Ángel Corella se muestra contento con “A+ A”, y considera que se ha logrado una perfecta simbiosis entre música y danza. Para él es un placer trabajar con Ara Malikian compenetrándose a la perfección aunque manteniendo cada uno su propio estilo. El espectáculo consta de dos partes: la primera, dedicada a Tchaikovsky, a través de la pieza Bhithe Wick. Ara y Ángel en perfecta sintonía, abren el primer movimiento, incorporándose paulatinamente el resto de los músicos y bailarines; en la segunda parte, la música y la coreografía son actuales -“After de Rain“ de Cristopher Wheeldon, un bellísimo paso a dos interpretado por Carmen Corella y Dayron Vera, y “Solea” de María Pajes, bailado por Ángel y su hermana. El gran bailarín nos contó que ha escogido Madrid para celebrar su retirada como bailarín y emprender un nuevo rumbo en Philadelphia dirigiendo el Pensilvania Ballet. Su despedida será el 4 de Enero bailando con su hermana Carmen, porque su incorporación en el Pensilvania será el día 6 de enero, así que en tan señalada fecha le deseamos de corazón que los Reyes Magos le traigan lo que merece. Ara Malikian comentó que la idea de hacer un espectáculo con Ángel Corella surgió a través de un amigo común. E hizo hincapié en que la orquesta no está en foso como en las representaciones tradicionales de ballet sino que interactúa con los bailarines formando parte de la coreografía. Para èl ha sido también un placer trabajar con Ángel Corella porque cada uno ha mantenido su propio espacio. “A+ A” se podrá ver en la Sala Roja del 18 de Diciembre al 4 de Enero. PAOLA PANIZZA

Si veinte años es nada, como dice el tango, diez no deben ni ser. Excepto para una compañía de danza en España que si en tiempos de bonanza lo tiene difícil, mucho más si la mitad de su existencia la ha pasado durante una crisis devastadora para la sociedad en general y las artes escénicas en particular. Por eso Daniel Abreu ha decidido celebrar el décimo aniversario de su formación, como va a hacer del 17 al 20 de diciembre en la sala Cuarta Pared de Madrid, donde su compañía es residente. Junto al aniversario, Abreu tiene otros motivos de celebración. El coreógrafo y bailarín recibió hace apenas un mes el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación, por lo que estas actuaciones serán no sólo como un repaso a su trayectoria, sino también la primera oportunidad que tiene el público madrileño de verle después de ser premiado con el galardón. Para la ocasión, Abreu ha preparado un programa que varía todos los ideas. Las actuaciones comienzan el miércoles 17 con 'Acto de fe', una nueva obra cuyo título que encierra muchos significados. Por un lado la obra es un “relato narrado y bailado de los diez años de historia de la compañía”, según Abreu. Y por el otro, la frase alude a “la confianza, el acto de fe” hacia los otros que es necesario para salir a los escenarios. El resto del programa lo componen dos de las piezas anteriores más representativas de la compañía. La primera es 'Silencio' (19 de diciembre), una pieza que Abreu estrenó el año pasado en Madrid en Danza, mientras que la segunda (día 20), con la que concluirá las celebraciones del décimo aniversario, es 'Perro', la obra de 2006 con la que obtuvo reconocimiento. El cartel incluye otra fecha, la del viernes 18. Esa noche Abreu y los participantes en el taller que ha impartido en Cuarta Pared durante los últimos días, ofrecerán los resultados de sus trabajos. CARLOS GALLEGO (Fotografías: Antonio Barajas Rodríguez, Piti Prieto y Yassiek)

Circula el rumor de que algo maravilloso sucedió el pasado sábado en la actuación del Ballet Nacional de España del Teatro Mira de Pozuelo. Por tratarse de un recinto con aforo muy limitado frente a la gran demanda de localidades existente, la inmensa mayoría de seguidores del BNE se quedaron sin verlo. Hemos recibido una avalancha de mensajes preguntándonos sobre el espectáculo y sobre si íbamos a escribir la crítica. Sentimos mucho no haber podido asistir, pero he decidido conocer la opinión de un espectador de excepción: Ricardo Cue, que amablemente responde a mi llamada. Mercedes-¿Pudisite ver al BNE el sábado? Cuéntamelo todo... Ricardo- Fuí de los pocos afotunados en poder asistir al programa ofrecido por el BNE en el Teatro Mira. M-¿Quien había entre el público? R- Estaba lleno de gente de Pozuelo que fueron los que compraron las entradas; había muy poca gente representativa del mundo de la danza de Madrid y nadie de la crítica. M- Sí, debe ser por eso que nadie ha escrito. Es una pena que el aforo estuviera tan colapsado. R- El público respondió muy bien, era muy espontáneo y esto fue una cosa muy positiva. M- ¿Cual fue el orden de las piezas? R- Hubo dos partes con intermedio. En la primera, abrió "Ritmos", "Viva Navarra" bailada por Miriam Mendoza, después La Farruca interpretada por Fran Velásco, Eduardo Martinez y José Manuel Benítez, y el estreno de "Bolero" de Rafael Aguilar. M- ¿Podrías hacerme tu crítica del espectáculo? R- Para empezar te dire que Sergio Bernal alcanzó una nueva cota. M- ¿En que sentido? R-"Bolero"es un ballet que él ya había bailado con la compañía de Rafael Aguilar; ahora, al estrenarlo con el BNE, lo ha hecho uniendo una técnica impecable a una gran interpretación, con lo que brilló en todo su esplendor y el ardor de su juventud. Yo siempre digo que cada estación tiene su fruto y Sergio está en la madurez de su juventud, posee esa luz que le conduce a alcanzar nuevas metas... Es una pena que en Madrid no se vea "Bolero", ni esté programado verse. Sergio estuvo en todo su explendor. M-¿Consideras que ha sido un programa bien escogido? R- Sí, me encontre con Antonio Najarro y le di la enhorabuena por haber seleccionado un programa tan completo. Y yo que llevo tanto tiempo trabajando con Sergio me sentía especialmente orgulloso de su actuación. Esta coreografía de Bolero fue in crescendo hasta alcanzar un delirio increíble entre Sergio y público. M- Cuéntame como reaccionó la gente. R- Todos en pie, gritando bravo, bravo.. Salió así de forma espontánea. Uno de esos momentos que son únicos e irrepetibles para un artista. M-¿Y el resto del programa? R- Destacaría la interpretación de Viva Navarra de Miriam que añadió a la coreografía la agilidad que requiere la pieza; también estuvieron muy bien Fran Velasco y Aloña Alonso en Ritmos. La segunda parte de la noche fue con "Grito" de Antonio Canales. M-¿Qué te pareció? R- Yo hacía tiempo que no lo veía y pienso que este ballet sigue sin terminar de alcanzar un remate para el final. No hay un final definido, porque tiene dobles finales y eso desconcierta un poco. M- ¿Crees que mejoraría si se modificase el final? R- Ellos ya lo modificaron para esta ocasión, y si lo hicieron fue por algo, pero no termina... El éxito noche fue sin duda "Bolero", yo lo calificaría de plenitud total. M-¿Cómo piensas que se debe interpretar "Bolero"? R- A "Bolero" hay que darle alma y temperamento por lo que requiere de un gran artista para poder dar ese nivel de entrega tan exigente que tiene la pieza. "Temperamento"... ¿sabes? Es la palabra de Maya Plitsetskaya. M- No me digas... Y ¿Por qué justamente esa expresión? R- Es la palabra que ella considera que mejor la define. Me viene a la mente una anecdota con Maya contemplando una escultura de una bailarina que decían que era su retrato. A lo que Maya respondió con rotundidad: "imposible, no soy yo, no tiene temperamento" (ríe). Y Sergio tiene alma y temperamento por eso interpreta Bolero como una inmolación, dándolo todo hasta lograr el éxtasis. M-¿Qué opina Maya de Sergio? R- Lo adora, la primera vez que lo vio se volvió loca. Piensa que es el bailarín de su generación el más completo que ha dado España. Para ella Sergio Bernal es quien representa España. Este domingo en el País Semanal ha salido reportaje titulado "2015 se escribe con Arte" donde escogen a los artistas más representativos, las jóvenes promesas que brillarán en el 2015, y Sergio está entre ellos. Te enviaré lo que escriben sobre él. M- Muchísimas gracias, Ricardo, verdaderamente debió ser maravilloso el espectáculo del Teatro Mira, y Antonio Najarro y todo el equipo e interpretes del BNE son magníficos y arrasan por donde van. Esperamos poder ver este programa en un futuro próximo. No tenemos filmación de "Bolero", pero sí podemos admirar a Sergio Bernal en la Farruca del Molinero, coreografiada por Carlos Vilán, con la que cerramos estas impresiones de nuestro admirado y querido Ricardo Cue. MERCEDES ALBI

En estos días previos a la Navidad en los que nuestros amigos nos envían los mejores deseos de felicidad, hemos recibido una filmación muy especial, proveniente de la joven compañía Larreal, formada por los alumnos de los Talleres Coreográficos del Real Conservatorio Profesional de Danza "Mariemma". Con su permiso, queremos hacer esta felicitación extensiva a nuestros lectores, ya que no hay deseo más puro que el de los jóvenes que trabajan día a día para que sus sueños se cumplan. Feliz Navidad, queridos lectores, con el anhelo de que seamos capaces de transmitiros un poco de la fuerza y la ilusión que tantas veces nos brindan nuestros bailarines, para que nunca olvidemos que detrás de cada espectáculo se han dejado la piel y una gran parte del tiempo de sus vidas. Felices Fiestas a todos!!! El equipo de Albidanza

"Sorolla" el último trabajo presentado por el Ballet Nacional de España, dejó tan buen sabor de boca, que tan pronto se anunció la presentación del nuevo espectáculo en el Teatro Mira de Pozuelo, se agotaron las entradas la misma mañana en que salieron a la venta. Albidanza no llegó a tiempo. La víspera del estreno aún estábamos haciendo los últimos intentos por no perdernos el espectáculo. La acogida en la sede fue maravillosa. Con el permiso de Antonio Najarro y desde un lugar privilegiado, pudimos disfrutar de un pase completo, sin interrupciones, como indicó su director. Narrar lo vivido allí es muy complicado. En la sede no hay luces, ni vestuarios, no hay maquillaje más allá de las enormes ojeras que tienen la mayoría de ellos, fruto del cansancio acumulado. No hay efectos ni adornos, pero tampoco hacen falta. Hay mucha calidad y muchas ganas de hacer bien las cosas. Antonio, cuadernillo en mano, anota los últimos pequeños errores por corregir. Maribel Gallardo y Marta Visús, supervisan hasta el último detalle que pudiera pasar desapercibido a los ojos del director. El programa preparado para esta ocasión era una gran homenaje a algunos de los mejores maestros de nuestra danza. Si algo caracteriza a Antonio Najarro es su gratitud a todo el legado que le dejaron sus antecesores. "Ritmos", "Viva Navarra", "Farruca" y "Grito" son piezas que ya habíamos tenido la oportunidad de disfrutar. No por ello debemos dejar de mencionar la maravillosa y elegante técnica de Aloña Alonso o la versatilidad y sutileza de Miriam Mendoza. Y en el lado opuesto la fuerza, energía y temperamento de Esther Jurado. Pero además se incluía el estreno de "Bolero" que el maestro Rafael Aguilar presentaba en 1987. Descubrimos que la maestría del vanguardismo que lleva implícita la obra curiosamente la hace atemporal. En esta ocasión Narciso, es representado por Sergio Bernal. Su trabajo una vez más es impecable. Nos presenta a un perfecto narcisista en la formas y en la actitud. Su afán de perfeccionismo, su exquisita técnica, sus elevadas dosis de elegancia y su indiscutible entrega, hacen que el personaje alcance las dosis perfectas. El enorme esfuerzo que conlleva preparar un espectáculo de tanta valía, para un solo día de representación, no sería comprensible si no fuera porque a todos y cada uno de ellos les mueve la pasión por lo que hacen. Posiblemente después del estreno se queden con ganas de más escenario. Las cosas las están haciendo muy bien, el progreso es evidente. Muy pronto nuevos teatros levantaran sus telones y colgarán el cartel de "localidades agotadas". Porque a pesar de la adversidad de las circunstancias económicas y los recortes en cultura, nuestro ballet es muy grande y siempre cuenta con el calor y el afecto con que el público le acoge donde quiera que va. Desde Albidanza, sólo nos queda dar las gracias por hacernos partícipes de esta emoción. Gemma Ortega (Fotografía María Alperi)

“Bolero” es una pieza que ha sido interpretada por numerosas generaciones de bailarines desde su creación y que, en palabras de Antonio Najarro, representa para la danza española “el vanguardismo y riesgo que Rafael Aguilar asumía en todas y cada una de sus creaciones y que hacen que su obra siempre se muestre actual, vital e innovadora”. La coreografía ha sido remontada exactamente como la creó Rafael Aguilar, con música de Maurice Ravel y, en esta ocasión, con el nuevo diseño de vestuario de Nicolás Vaudelet, inspirado en el original de Manuela Aguilar. El espectáculo del BNE en el Teatro Mira lo completan las siguientes coreografías: “Ritmos” de Alberto Lorca, “Viva Navarra” de Victoria Eugenia, “Farruca” de Juan Quintero y “Grito” de Antonio Canales. Un programa, en definitiva, de recuperación de obras prestigiosas del repertorio más clásico de la danza española unidas al flamenco personal de Antonio Canales. El Ballet “Ritmos”, coreografiada en 1984 por Alberto Lorca bajo la dirección de María de Ávila, está considerada como una de las piezas más emblemáticas del repertorio del Ballet Nacional de España, y que recientemente Antonio Najarro repuso con motivo del Homenaje a María de Ávila en la celebración del 35 aniversario de la Compañía Nacional de Danza. El Solo “Viva Navarra”, creado por otra de las reconocidas directoras de la compañía Victoria Eugenia, es una pieza que ha interpretado Carmen Cubillo desde 1978 quien ha querido transmitir su sabiduría, brío y energía a las nuevas generaciones de bailarines para que, por primera vez, “Viva Navarra” sea interpretada por una bailarina del BNE. Fotografías de María Alperi

La revista “Danza en escena” es un proyecto consolidado, que nace en Julio del 2003 de la mano de Mila Ruiz -iniciativa privada- y Perfecto Uriel –director de la Casa de la Danza. Surge con la necesidad de contribuir a la difusión e investigación de este maravilloso arte. Durante estos años de trabajo su principal objetivo ha sido acercar el mundo de la danza al público y que los nombres de los grandes intérpretes sean mucho más conocidos. La revista es totalmente gratuita y se edita cada tres meses haciendo que sus artículos y entrevistas nos ayuden a descubrir la valía de nuestros bailarines y coreógrafos. Filipa de Castro y Carlos Pinillos ilustran la portada de este número 38 al que puedes acceder pulsando sobre el subrayado. Está lleno de interesantes contenidos. Desde Albidanza queremos felicitar a Casa de la Danza por su magnífica, constante y desinteresada labor. (Nota de Redacción)

"Genio es aquel que, en todo instante, sabe plasmar en hechos sus pensamientos". Théophile Gautier La genialidad es la cualidad de unos pocos elegidos. Vicente Escudero, el niño vallisoletano autodidacta, que inicia sus primeros contactos con el arte en la calle, necesita vías de expresión como válvula de escape al constante fluir de ideas que se agolpan en su mente. Esa capacidad para crear de manera intuitiva queda latente en todas y cada una de las actividades que desarrolla a lo largo de su vida. Las expresiones artísticas más relevantes de toda su carrera vienen de la mano de la danza. Bailarín hecho a sí mismo, sensible, especial, heterodoxo, supuso inicialmente una revolución para covertirse más tarde en un modelo a seguir. La rebeldía del genio fue la base de su propia doctrina. Rompió con las normas supliéndolas con las emociones. Esas mismas reglas que habían sido el sustento de sus predecesores, se convierten en la perfecta justificación para desarrollar las suyas propias. Y una vez elaboradas, redactar su célebre "El decálogo del buen bailarín" que aún en nuestros días, es un claro referente para las nuevas generaciones. No es su única obra, "Mi baile", "Pintura que baila y Arte flamenco jondo", son otro legado que nos invita a acercarnos a sus excentricidades. Un buena muestra de su forma de hacer la podemos encontrar en el siguiente fragmento de la película "Goyescas" donde danza con toda su compañía. Aún a pesar de ser una pieza de conjunto, en la que el forma parte como uno más, su genio le impide realizarla al unísono con sus compañeros. De la mano de Juan Gris, Miró o Picasso, desató la necesidad de recrearse en la pintura. Entendía que : «Forzosamente todo bailarín creador tiene que ser pintor de baile, un pintor sin técnicas quizás, pero que ha de llevar dentro la plástica, el color, el ritmo». Vicente Escudero, no reconoce en sí mismo a un gran pintor, "yo no sé ni dibujar ni pintar, y estoy convencido de que esa ignorancia, que en mi propio arte, el baile, sería una terrible limitación- es la que me permite plasmar con toda libertad, sin trabas ni preocupaciones, mis ideas, por medio de esa forma de expresión que es el dibujo". Desde Albidanza queremos agradecer la cortesía de la familia del escritor y Premio Nacional de Literatura, Vicente Marrero, que nos ha hecho entraga de este dibujo inédito, en cuya parte trasera el gran bailarín escribe la siguiente dedicatoria: Y dice así: "El fondo de esto le hice con el cosmético frotando con los dedos y despues rojo de pastel frotando también con los dedos; Un saludo afectuoso para Vicente Marrero Suárez" Gemma Ortega

La Compañía Rajatabla Danza ha estrenado este sábado su #am@r en el Teatro Paco Rabal de Madrid. Su directora, Esther Tablas, se multiplica, siendo a la vez bailarina y coreógrafa, y forma un dúo perfecto con Javier Sánchez. Y es que #am@r es un imaginativo y delicioso espectáculo para dos bailarines, que lo llenan todo. La trama gira en torno a dos amigos que se conocen desde siempre. El acaba de romper con su novia y ella lleva tiempo sola. Sin contárselo el uno al otro, ambos deciden inscribirse con nombre falso en eDarling con idea de encontrar allí a su pareja ideal. No podían imaginarse que eran ellos mismos, hasta que del encuentro al desencuentro logran descubrir el verdadero amor. La coreografía de Esther Tablas y Javier Sánchez es de una gran belleza plástica. Narra perfectamente el tránsito de sus estados de ánimo. Es una armoniosa combinación de danza española, contemporáneo y jazz con toques aflamencados. Se alternan pasos a dos y solos durante toda la representación. El dúo más intenso y más emotivo es el momento en que Javier descubre la verdadera identidad de Inés (Esther), y bailan movidos por sus emociones hasta llegar al romántico final. El espectáculo dura una hora y se hace cortísimo, logrando mantener el interés del público de principio a fin. Ambos bailarines lo dan todo en escena. Esther Tablas es muy expresiva en toda su danza, es una gran actriz, su cara y su cuerpo manifiestan sentimientos, nos narran su interior, lo que vive en cada momento; Javier Sánchez derrochó arte por los cuatro costados con sus estupendos zapateados, giros y perfecta línea. #am@r es un espectáculo que transmite vivacidad, buena danza, y optimismo, sustentado en una base narrativa de gran teatralidad. Una verdadera delicia que encandiló a los asistentes, cuyo entusiasmo se manifestó con un estallido de aplausos durante el beso final. PAOLA PANIZZA

El escenario es un gran salón con algunos elementos decorativos, una mesa sobre la que penden dos lámparas y a la derecha un sillón y una radio. Una ventana se proyecta con video-imágenes del exterior; es un jardín donde una joven mira hacia interior. Victoria, interpretada por Antonella Sampieri, enciende la radio y desde el aparato surge el sonido: es el Invierno de "Las Cuatro Estaciones de Vivaldi". Los habitantes de la residencia viven allí el invierno de sus vidas. Al son de la música danzan los mismos pasos, pues son mecidos por el mismo viento, el tiempo que los conduce a todos por igual hacia su final. Victoria dice: "Estoy entumecida por los últimos sucesos. Siento que ya no queda nada de mí. Mi pasado es como el sueño de otra persona, un recuerdo de otra vida... que ya no recuerdo..." La obra se divide en dos partes, y especialmente la primera -un flashback subjetivo en torno al personaje de Victoria y lo que habita en su mente- es de una belleza sobrecogedora. Los habitantes de la residencia quedan inmovilizados, pegados en el fondo al muro que los separa del exterior, como si fueran niños a los que el profesor castiga. Ellos desaparecen para Victoria, que danza un pas de deux con el autor de la obra, Jean-Philippe Dury. Él se manifiesta como alguien no real, que acompaña a la bailarina en la evocación de sus recuerdos. La iluminación de la escena proviene de un único foco lateral sobre el suelo, lo que acentúa en los bailarines su apariencia espectral, la no-realidad que habita en la mente de Victoria. Las sensaciones que transmiten los bailarines, encerrados en la residencia, danzando su invierno sin resistirse, son de una apabullante soledad. Pero la danza se despliega en un fluir melancólico, sin brusquedades. La ventana muestra imágenes en blanco y negro de las vidas que ya no viven, del pasado, del jardín en el que, en un tiempo, fue primavera. La joven que mira a Victoria través de la ventana se va. Es el final. La vida de Victoria se ha marchado. Ha sido todo un placer dejarse llevar por estas "4 Estaciones de Victoria" de Jean-Philippe Dury, en las que poesía y música conforman el sustrato para una danza llena de significados, que cala en el alma del espectador. MERCEDES ALBI (Fotografía, compañía de Jean-Philippe Dury)

La danza es vida y, por lo tanto, cualquier asunto puede tratarse desde el baile. Aunque a algunos le parezca muy difícil, la danza, es capaz de mostrar la dureza de la violencia de género. Como hace 'Rotas', la obra de baile español estrenada en Madrid la temporada pasada que regresa a los escenarios nacionales. El montaje emprende ahora una gira que la llevará hasta Salamanca el 25 de noviembre, Día Internacional contra la Violencia de Género, el 27 a Cáceres y luego por otras ciudades como Madrid, de nuevo, y Almería. La obra, dirigida por Luis Lorente, sube a los escenarios lel drama de la violencia de género. Lo hace de una manera “sencilla, íntima y nada pretenciosa”, según Paloma Gómez, coreógrafa además de una de las dos bailarinas del montaje junto a su hermana Raquel, para mostrar “una de las mayores lacras de esta sociedad que afecta a mujeres de todo el mundo”, continúa la antigua integrante del Ballet Nacional de España, que ha estado recientemente con la obra en Estados Unidos. “Queríamos abordar este asunto desde otro punto de vista. Desde uno inusual y distinto que, precisamente por eso, pudiera llegar a más personas, a otro tipo de gente. Y como nuestra herramienta de comunicación es la danza, pues nos lanzamos con ella”, explica Gómez que destaca la sorpresa que ha supuesto para gran parte de los espectadores encontrarse ante un espectáculo así. “En ocasiones nos decían al acabar el espectáculo que no se imaginaban que la danza española pudiera abordar un tema como la violencia de género. Aunque lo más importante no era eso, sino los casos en que alguien tomaba conciencia de que en su entorno había algún caso de maltrato cuando antes no lo apreciaba así”. A esa difusión acompañaba, además, la colaboración con asociaciones de defensa de las mujeres, como la Fundación Anabella, para quien están destinados los beneficios de 'Rotas' en España, mientras que los de la gira por Estados Unidos han sido para Mujeres Latinas en Acción. Al país americano llegaron este verano para hacer una primera estancia en Chicago. Allí encontraron un público que “recibió de forma parecida la obra, aunque para mantener la fuerza de los textos estamos pensando en hacer una versión en inglés”, dice Gómez refiriéndose a los textos de Lorente que aparecen en la obra en un vídeo protagonizado por Amparo Climent, Luisa Gavasa y Juanjo Artero. Con esa versión esperan volver a Estados Unidos y llegar también a Australia cuando acaben la gira que actualmente realizan por España. Porque, continúa la bailarina, “la violencia de género no es un asunto del que debemos hablar sólo un día, sino durante todo el año para que desaparezca de una vez”. CARLOS GALLEGO