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Graciel Stenio, “Grazy”, y sus compañeros trasmiten algo diferente. Desde la primera vez que vi su pieza “Distintos” en la pasada edición del Festival de Danza Contemporánea Beta Pública, algo me llamó la atención, y repetí; así que acudí a la siguiente edición del festival, la 12ª, que se celebra estos días en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid y quise entrevistarle. Ellos desprenden la pureza de la danza urbana. Es evidente su dominio de las espectaculares acrobacias propias del break dance, en las que el cuerpo alcanza unos límites que rozan lo imposible, pero había algo más. Su coreografía evocaba un mensaje que toca el corazón. “Distintos” trasciende el campo de la danza abstracta para narrar una historia, la esencia contenida en la suya propia.   Grazy bailado en muchos grupos y compañías (Dani Panullo, Blanca Li, Cirque du Soleil…) y ha ganado innumerables campeonatos nacionales e internacionales (Red Bull Bcone España, Hip hop Obsession en Francia, Uk Bboy Champions en Finlandia, Raw Circles en Belgica, Circle Prinz en Holanda, Bergen Jam en Noruega, Dance Alive en Japon y un largo etc…) En la actualidad sigue compitiendo por todo el mundo además de ser jurado en los torneos más prestigiosos, mostrándose muy orgulloso del reconocimiento del break-dance como disciplina olímpica en París 2024. Conversé con él y el tiempo volaba. Era inteligente, curioso y sensible al punto que casi terminó por ser él quien me entrevistase a mí: -¿Qué criterio utilizas para saber si una obra es buena?”, me preguntó; “eso no se sabe, se siente…” respondí. Ellos, Ntamo Performance , hacen sentir. Grazy tiene el don de la poesía. Hamza (primer plano) con Mercedes Albi, Tomás Paul Sandoval y Graciel Stenio (de iz. a dcha)   -¿Dónde tenéis pensado actuar próximamente? -Vamos primero a Francia, y luego, pues cruzamos el charco, iremos a Perú y a Ecuador. -¿Podrías describirme los lazos que os unen a los tres intérpretes de “Distintos”? -Conozco a Tomás desde la adolescencia, desde que teníamos 13 o 14 años, y nos echaban de todos “laos”. Nosotros éramos casi niños y teníamos unos puntos de encuentro donde nos juntábamos para practicar, como era la Plaza de Colón o Príncipe Pío. Pero siempre parecía que molestásemos. -¿Molestaba que bailarais en la calle? -Nunca comprendimos por qué les molestábamos tanto cuando nosotros lo único que queríamos era bailar. Pero hemos recibido malos tratos de la policía, de la seguridad del metro…  Algo que en cierta forma nos hacía sentirnos excluidos. En Colón incluso sustituyeron la acera lisa del Barclays por una de suelo rugoso, y siempre pensamos que lo hicieron para echarnos de allí. Nunca comprendimos porqué les molestábamos tanto cuando solo éramos unos niños que querían bailar -Entonces, digamos que los que practicabais break en Madrid, siempre solíais juntaros en los mismos lugares. -Sí. A esos tiempos se remonta mi amistad con Tom. Luego entramos a formar parte de grupos como Fusion Rockers. -¿Ahora dónde ensayáis? -Todo ha cambiado mucho, afortunadamente, y ahora nos entrenamos en el Centro de Alto Rendimiento que hay en Moncloa, porque el breaking, desde las Olimpiadas de París, ha sido considerado deporte olímpico, por lo que compartimos espacio con los atletas. Allí tenemos una sala en uno de los pabellones porque somos miembros del equipo nacional. -Pero ¿Cómo comenzaste en el break-dance? -Fue un proceso inconsciente. En Aluche, el barrio en que yo nací, hubo un boom de capoeira. Pero de repente, se pasaron al break y me sentí solo, así que, para seguir a mis amigos, hice como ellos. -¿Nadie te enseñó? -No. Empezamos a entrenar por puro placer, sin ninguna expectativa. Teníamos vídeos de VHS y veíamos lo que los grandes intérpretes internacionales hacían, y así tratamos de imitar, buscar, perfeccionar, retándonos unos a otros. No sabíamos que se podía vivir del baile, ni siquiera que había certámenes para competir... Fuimos enterándonos poco a poco, uno te contaba una cosa, otro otra, y así. -Pero luego has competido y ganado en muchos certámenes internacionales, ¿cuántos? -Más de cien. En mi casa de Loeches, que es donde ahora vivo desde 2018, tengo una vitrina con todos los trofeos. -Cuéntame sobre algun certamen que recuerdes especialmente. -Tal vez el primero. Yo tenía 19 años, nunca había estado fuera de España y allí me presenté, en París donde se celebraba el Hip Hop Obssesion. Y de repente, me encuentro rodeado de aquellos que yo había visto en los vídeos, que no sabían que habían sido mis héroes, mi modelo a seguir. Y claro, solo de verme con ellos, me hizo sentir muy feliz. Jamás se me pasó ni por la cabeza ganar, pero sin imaginármelo ni remotamente, gané el primer premio. Siempre he vivido de la danza. Lo que más me gusta el la danza-teatro, que es lo peor pagado   -Entonces, ¿cómo te hiciste bailarín? -Por azar, un día Dani Panullo me vio bailar en el metro de Príncipe Pío. Y me preguntó: “¿te vienes a hacer una prueba?” Fue mi primer contrato con una compañía. -¿Qué compañías de danza han sido fundamentales en tu vida? -Dani Panullo, por supuesto, y también Blanca Li, con la que he participado en dos de sus espectáculos. Reconozco que si no hubiere habido este tipo de personalidades, no hubiese llegado nunca, ellos me ayudaron a mostrar una forma distinta sobre el escenario. Nosotros bailábamos sin pretensión alguna, éramos niños jugando. -Y ¿no has querido cambiar de estilo de baile? -El break es mi forma de ser. -¿Por qué? -Porque es libre e individual. ¿Sabes? En el fondo yo tengo un punto de solitario, necesito respirar mi propio espacio. No me importa estar con los demás, por supuesto, y he trabajado mucho con grupos, y si quedan para comer o cenar, allí estoy, pero necesito mis momentos de soledad. -La verdad es que se nota en la pieza que has creado y acabáis de bailar, titulada “Distintos”. -Me alegra que te guste y me encantaría saber la razón. -Verás el break-dance tiene su punto de acrobacia, pero no te has quedado en ella, sino que la trasciendes para comunicar un mensaje muy bello. Emociona. Por eso quise entrevistarte, ¿cómo definirías tu estilo coreográfico? -¿Estilo?... Creo que mi manera de hacer es mucho más cruda de la que se ha hecho hasta ahora. Al final, si te das cuenta, los artistas de la danza urbana somos creadores de danza contemporánea, corporeizamos el breaking. Yo quiero construir desde él, desde su pureza y tratar de que no pierda esa frescura. Me gusta la imperfección, me aburre lo uniforme, el todo a una. -¿Por qué? -Es que si todos los días haces lo mismo y siempre es igual, no sales de ahí… Es lo más parecido a un funcionario. -Ponme un ejemplo concreto, cuéntame cómo has compuesto el mensaje que quieres transmitir con “Distinto”. -Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar. Soy de aquí, nací aquí, mi madre es española y mi padre mozambiqueño. Sin embargo, la gente siempre cuestionaba mi origen. Les intrigaba la tonalidad diferente de mi piel. Parece una tontería, pero duele, porque encierra un cierto componente de exclusión involuntaria, un “eres raro”, sin que tú te hayas planteado nunca que lo seas. Con “Distinto”, tuve muy claro lo que quería contar, no es danza abstracta sino mi propia historia Ahora los tiempos han cambiado mucho, pero imagínate que cuando yo era pequeño en mi colegio solo éramos dos de origen “exterior”, no había nadie más. Eso quería contar. -¿No es una danza abstracta? -No, sino que cuento una historia. Son cuatro músicas, y cada una define un momento de esa historia. La primera es un rezo, simboliza cuando alguien abandona su país de origen y alberga dentro de si una esperanza, una plegaria; y luego, la segunda canción transmite el toque exótico de lo que dejas atrás, conecté con la parte africana de mi padre, con la diferencia; la tercera parte es el conflicto, el choque con la realidad porque jamás las cosas son como uno piensa. Y el final, la cuarta parte, es la unión, todos somos iguales, tenemos que aceptarnos unos a otros y recorrer el camino. Las diferencias no importan, en realidad, nada es tan importante. -Me cuentas de las músicas, pero vosotros tres sois cada uno un personaje. -Sí, por supuesto, y por eso metemos a Hamza, porque si nosotros nos sentimos diferentes, imagínate él, que además de venir de Marruecos había nacido con una minusvalía. “Distintos” también es parte de su historia. -Tus compañeros de viaje… -Yo sufro mucho por las personas, te confieso que lo que más me duele del mundo es la traición, cuando confías en alguien y te deja en la estacada. Si recuerdas el pasado año, éramos más bailarines… -¿Alguien te hizo daño? -Sí, que te apuñalen por la espalda alguien al que le has dado todo, duele mucho. -Eso es indudable. Pero vosotros que aparentáis ser tan duros, y competís en un montón de certámenes internacionales por el más difícil todavía, seguro que también sufrís mucho. -Verás, las competiciones, realmente, son lo más ingrato que existe, porque te puedes preparar mucho, muchísimo, y… todos bailan para ganar, pero solo gana uno. Esa es la lección. Tienes que caer para aprender para volver a levantarte. -¿Has dado muchos tumbos? -Sea como sea, siempre he vivido del baile, no he trabajado en otra cosa. Además por todo el mundo. -¿En que países has vivido? - En Austria, en Inglaterra, en USA (Los Ángeles), también viví en otros lugares fuera de Madrid: Barcelona, Fuerteventura, Torremolinos… Trabajé en el Circo del Sol durante dos años en Arabia. Seguro que me olvido de muchos sitios. Estuve cuatro años en Galicia donde descubrí el fascinante mundo de las orquestas que tienen, y además allí, en Vilagarcía de Arousa conocí a mi mujer Rose, que es cantante y con la que tengo una niña de cuatro años… El break te enseña siempre a caer para volver a levantarte -¿Vivís en Loeches? -Sí, allí compré mi casa, porque en 2018 creé mi empresa: Entamo Performance (“entamo” significa en changana “unión”, algo así como la “unión hace la fuerza”), con la que participamos en numerosos eventos. -Parece que tus proyectos se van cumpliendo. -Lucho mucho, unas cosas salen otras no. Te confieso que lo que más me gusta es esto, la danza-teatro, pero es lo peor pagado, es un mundo muy injusto porque ensayas muchísimo para luego hacer cuatro o cinco funciones, pero es lo que más me gusta, lo que me hace más feliz. Nos lanzamos a por ello. Y el break te enseña siempre a caer para volver a levantarte. MERCEDES ALBI

La Academia de las Artes del Folclore y de la Jota de Aragón despide a su presidente, Carmelo Artiaga Su fallecimiento ayer sábado deja un vacío enorme en el mundo del folclore y la jota aragonesa, de cuya candidatura como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad fue impulsor Con gran dolor, la Academia de la Jota y el Folclore de Aragón despide a su presidente y fundador , Carmelo Artiaga Mialdea, fallecido en Zaragoza ayer sábado. Sus restos mortales se velan en el tanatorio de Torrero desde las 10:00 horas de hoy domingo. El funeral tendrá lugar el lunes , a las 11.30 horas , en la Capilla 3 del mismo tanatorio. Ideólogo y fundador de la Academia del Folclore y de la Jota de Aragón en 2017, Carmelo impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad . Trabajó incansablemente por y para la jota y el folclore aragonés en materias como la regulación de la enseñanza , en el reconocimiento y dignificación de las figuras de nuestra cultura a través del nombramiento de Académicos de Honor , y creó dos espectáculos con y para la Academia: la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón Bajo su presidencia, la  Academia  fue nombrada  Hija Predilecta de Zaragoza, Aragonesa del Año, Premio Custodio  y  Cachirulo de Honor. La Academia quiere agradecer a todas las personas, entidades y medios de comunicación las condolencias y muestras de cariño remitidas desde que se dio a conocer el fallecimiento de Carmelo. CARMELO ARTIAGA MIALDEA Nacido en Zaragoza, Carmelo Artiaga tuvo su primer contacto con la danza a los ocho años, habiéndose formado posteriormente en folclore aragonés, ballet clásico con la reconocida maestra María de Ávila, danza contemporánea, entre otros. Entre sus hitos, destaca haber estado becado en la prestigiosa Escuela del Teatro Bolshoi de Moscú. Como intérprete, coreógrafo y docente, su extensa carrera profesional abarca diferentes ámbitos tales como la televisión, la moda o la gimnasia rítmica. En el campo del folclore aragonés, formó parte como solista del Ballet Folclórico Nobleza Baturra (1976-1981). Fue director de la Escuela Municipal de Danza Villa de Tauste (1988-1992). Creó su propia compañía de danza en 1990, para que la que coreografió y con la que presentó los espectáculos El Amor Brujo (1990), Yerma (1992), La forja de un rebelde (1992) y La ley del deseo (1993). Fue promotor, fundador y presidente de la Academia de las Artes del Folclore y la Jota de Aragón (2017), institución con la que impulsó la candidatura de la jota como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Sus dos últimas creaciones fueron la Gala LOVE (2020) y De Principal Belleza. El arte de la jota (2024).  &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Con Quique Peón, director de Xacarandaina Capturar el alma del folklore es imposible, solo te puedes aproximar a él dejándote contagiar por esa pureza y vitalidad que emana, porque cuando es auténtico, te contagia. Me sentí feliz de que Quique Peón , director del grupo Xacarandaina, me invitase a Fitur a ver unos pases en los que actuaban una mínima parte de los artistas que componen esta agrupación, ubicada en Coruña. En la danza tradicional no existen los egos, se diluyen en el grupo, ellos son los custodios de una tradición ancestral. Habría que venerarlos. Su danza es un acto de amor. Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -No venís casi nunca por Madrid. -Tenemos programadas muchas giras, casi no paramos, pero vamos sobre todo al extranjero. Ésto que vas a ver aquí en Fitur, es una mínima muestra y en un marco que tampoco es el ideal. -Me encanta veros. Se siente una vibración muy especial, ¿Dónde vais a girar? -Salvo nuestra participación en el Festival Internacional que se celebrará en julio en la Isla de Gran Canaria, viajaremos fuera de España. Vamos a Francia, a un región fronteriza con Suiza; y, nos hace especial ilusión actuar en Brasil, porque participaremos en un concurso internacional de grupos de baile folklórico que cada año se organiza en un país diferente… Xacarandaina en Fitur -Alguna de las danzas que habéis rescatado me dejan impresionada, como en esa filmación de la televisión francesa, en las que las bailarinas de Xacarandaina danzan portando una botella de aguardiente y un bollo encima de sus cabezas… Lo veo dificilísimo. -(ríe) Eran los padrinos los que lo bailaban en las bodas, a la salida de la iglesia. La danza es una Muñeira vella o Ribeirana de la zona de Zas (Ayuntamiento de Budian). Y después de la danza, los invitados bebían el licor, el vino y se comían el bollo. -Me parece sorprendente que puedan bailar y mantener una botella en la cabeza. -Si se les caía significaba un augurio de mala suerte para ese matrimonio. Pero ten en cuenta que las mujeres del mundo rural solían portar objetos en la cabeza, como cántaros, la ropa que llevaban al lavadero... De ahí viene lo que denominamos "regueifa" en el atuendo de las danzas, que la portan mujeres sobre la cabeza y puede manifestarse con distintas formas y objetos, desde adornos en forma de arco, pan etc... Músicos de Xacarandaina en Fitur -Es increíble, pero en las bodas, actualmente, ¿aun se baila este tipo de muñeira? -No. Se ha perdido. Cuando yo era muy joven, entonces solo tenía unos 16 años, me invadió la sensación de que las danzas iban a desaparecer. Fui contra reloj recorriendo los pueblos y aldeas, especialmente de la costa norte de Galicia. Quedaba poco tiempo y es que la danza si no te la enseñan, si no la ves bailar, no se conserva. - Es una forma de salvación del conocimiento de los ancestros. Y estas cuatromparejas de bailarines que habéis traído a Fitur, llevan un traje distinto cada una. Explícame un poco de cada vestimenta. -Sí, los atuendos son de cuatro zonas distintas, ha sido confeccionados de la forma más tradicional, los tejidos están hechos en telares. Te pongo fotos: Este traje es de Bergantiños: Éste, de la zona de Las Mariñas: Éste, de Santiago de Compostela: Éste, de Lugo: -¿De dónde crees que procede la existencia de tanta diversidad de danzas y trajes que hay en Galicia? -Proviene del aislamiento, de la estructura geográfica formada por pequeñas aldeas. Allí sí llegaban las influencias de otros bailes, pero lo que llegaba se quedaba, no se marchaba. El mar establece una frontera insalvable y, por el otro, lado el río Miño. Lo que llega penetra y perdura. Xacarandaina en Fitur -¿Cómo se puede detectar que un baile es único y anterior al medievo? -Hay que mirar alrededor, por ejemplo, cuando hay cintas, palotes, banderas… Estos son elementos comunes que existen en las danzas populares de toda Europa, y en Galicia también tenemos ejemplos de ello. Suelen ser de raíz medieval. Y hay algunas danzas que proceden de épocas más antiguas como la Muñeira Vella o Vieja, que parece corresponderse con aquellas que describió Estrabón en su geografía. Pandereteiras de Xacarandaina en Fitur. Fotografía: Gabriel M. Olivares -Desprende un algo primitivo. -Es que no es cualquier cosa, yo considero que estamos ante una de las danzas de divertimento más antiguas de la historia, sí no la más... -La verdad es que si se ahonda en el folklore te invade la sensación de que es imposible abarcarlo, ni siquiera casi limitándonos a una zona como puede ser Galicia. -Sí, hay una riqueza infinita. No hay un país en el mundo que tenga tanta variedad de danzas y trajes como España. Bailarines de Xacarandaina en Fitur -Vosotros tenéis vuestra sede en Coruña, pero Galicia es más grande. Si yo como turista te pidiera que me aconsejaras ver alguna danza que no sea de vuestra zona ¿cuál acude a tu mente? -Hay muchas, me lo pones difícil. -Solo dí una. -Es muy interesante la conocida como "Damas y galanes" que se baila en San Sebastian de Aldán (Pontevedra). Es de caracter religioso. Honra al patrón y se baila el 20 de enero. Pero ya te digo, el mundo de la danza popular tiene esa magia inabarcable. Si la conoces, te quedas preso en ella y solo quieres transmitirla. Xacarandaina en Fitur -La danza gallega ha sido declarada por la Xunta de Galicia, Bien de Interés Cultural. -Sí, estamos muy contentos, al fin lo hemos logrado y esperamos y deseamos poder contagiar nuestra pasión a todo el mundo. MERCEDES ALBI

CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El coreógrafo Dani Pannullo estrena en España Constellations , un espectáculo concebido en Costa de Marfil que funde tradición y contemporaneidad  El coreógrafo argentino radicado en Madrid presenta del 4 al 8 de febrero su última creación con bailarines españoles y marfileños que, según el artista, “nos habla del poder y la alegría de la cultura en un mundo dividido” CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo Concebida enteramente en Costa de Marfil, la nueva creación del coreógrafo argentino radicado en España Dani Pannullo, Constellations , se estrena en nuestro país en Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el próximo 4 de febrero .  Dani Pannullo fusiona estilos de danza urbana y contemporánea En esta pieza, Pannullo, al frente de su propia compañía, fusiona estilos de danza urbana y contemporánea y establece un diálogo entre cuerpos , un viaje sensorial entre pasado y presente. Como lo define el propio artista, “tradición y contemporaneidad, danzas urbanas o experimentales de libre expresión, son parte central de este espectáculo que nos habla del poder y la alegría de la cultura en un mundo dividido”.  CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El montaje, en que bailarines españoles y marfileños unen sus talentos, se exhibirá en la Sala Negra hasta el 8 de febrero . Pannullo, que se instaló en España a finales de los años 80, es un pionero de la danza urbana contemporánea en nuestro país. Fundó su compañía a principios de siglo con el deseo de reflejar la actualidad de la danza y la cultura callejeras en las grandes ciudades. Los artistas que forman la compañía provienen de diferentes disciplinas como la performance , el b-boying (breakdancing),  la danza contemporánea, la gimnasia, el parkour,  el fútbol, el freestyle workout y el  clubbing.  El artista imbrica la danza contemporánea con la tradición ancestral de Costa de Marfil CONSTELLATIONS - Dani Pannullo Dancetheatre Co ©GorkaPostigo El trabajo de la compañía abrió el camino a la incorporación de la danza urbana al panorama profesional de la danza en España y sigue siendo uno de sus máximos exponentes. Dani Pannullo Dancetheatre ha presentado sus espectáculos en gira por España, Francia, Latinoamérica (México, Colombia, Chile, Cuba y Ecuador), Norte de África (Marruecos y Egipto), Oriente Medio (Jordania, Turquía, Siria y Líbano) y Asia (India, China y Japón). Constellations , según señala el propio coreógrafo, “es un diálogo de estilos, una conversación entre cuerpos”. En Costa de Marfil se ha presentado en diciembre. El artista imbrica la danza contemporánea con la tradición ancestral de Costa de Marfil. Esta apertura a las “infinitas formas” de la danza es para Panullo “un sistema de contención” en su vida, “un disparador de ideas” que lo ha convertido en “un explorador del gran baile del mundo”. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

BETA PUBLICA ANUNCIA “UNA MAÑANA EN DANZA 2026”, “UNA TARDE EN DANZA 2026” Y LAS MASTERCLASS DEL 29 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRÁN 2.100 NIÑOS Y NIÑAS DE COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SÁBADO 31 DE ENERO A LAS 19.00 CELEBRAREMOS LA FUNCION ABIERTA “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS EN EL C.C. PACO RABAL EL SÁBADO 31 DE ENERO OFRECEMOS DOS MASTERCLASS EN LA SEDE DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA DE 10,30 A 13,30. La Asociación BETA PUBLICA continua, y ya van 12 años, con el objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo y el desarrollo de nuevas audiencias. Hasta la última edición del 2025 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir su objetivo de desarrollo de nuevas audiencias es “Una Mañana en Danza” , actividad extraescolar dirigida a alumnos/as de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Hasta la última edición del 2025 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes . A este Duodécimo Año de “Una Mañana en Danza” asistirán cerca de 2.100 alumnas/os y docentes de colegios de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 29, 30 de enero, 3, 4, 5 y 6 de febrero . La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal de la Comunidad de Madrid, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea, las actuaciones de 4 compañías y termina con un divertido trabajo de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos/as y coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta Edición de “Una Mañana en Danza” son: • Distintos de Ntamo Performance • Muller Nova de Cristina Cazorla. • Fragmentos de Musicales de SOM Academy • A la deriva… de Pilar Villanueva. Gracias al C.C. Paco Rabal, la Asociación BETA PUBLICA puede ofrecer, un año más, una función abierta para todos los públicos, denominada “Una Tarde en Danza”, que se realizará el sábado 31 de enero a las 19.00 horas . Además de las piezas antes citadas, en “Una Tarde en Danza” actuarán como artistas invitados 180Dance con el estreno mundial de su última creación; “Pulsaciones x minuto” con coreografía de J avier Rodríguez Cobos y Marine Fernandez & ; Heung Won Lee (Lituania) con su solo “Centifolia” . Esta XII Edición cuenta también con el apoyo de la Compañía Nacional de Danza en cuya sede realizaremos dos MasterClass , el sábado 31 de Enero por la mañana (apertura de puertas a las 10.00, primera MasterClass a las 10,30). La posibilidad de participar por la mañana en la MasterClass, impartidas por creadores/as que participan en UMD/UTD, y asistir por la tarde a la función donde se presentan las piezas, ofrece una experiencia única para alumnos/as de Academias, Conservatorios y en general para todas y todos los amantes de la danza. Las entradas para “Una Tarde en Danza” del 31 de Enero 2026 pueden adquirirse en este enlace o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) desde 2 horas antes de la función. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES anuales de su Muestra Coreográfica Internacional para desarrollar una comunidad de público , bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. Hasta la última edición del 2024 han asistido a las funciones de UMD más de 26.000 alumnos/as y docentes. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa, Fundadora y Directora Artística de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin...) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 22 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

David Coria posando al final de la presentación del Ciclo Homenaje al Corral de la Morería HOMENAJE AL CORRAL DE LA MORERÍA Celebración 70 aniversario Ana Morales — 16 de enero Belén López — 17 de enero María Moreno — 23 de enero Joaquín Grilo — 24 de enero Marco Flores — 30 de enero David Coria — 31 de enero De izquierda a derecha, el director de Teatros del Canal, Ruperto Merino, los responsables del Corral de la Morería, Juan Manuel y Blanca del Rey, el consejero de Cultura, Mariano de Paco Serrano, el bailaor David Coria, y Armando del Rey, en la presentación del homenaje La catedral del flamenco en España, el Corral de la Morería , cumple 70 años. La Comunidad de Madrid y Teatros del Canal quieren rendirle homenaje con una programación especial de seis espectáculos de danza flamenca, que se desarrollará del 16 al 31 de enero de 2026 . Por el escenario de la Sala de Cristal pasarán grandes estrellas de la danza flamenca actual: Ana Morales , Belén López , María Moreno , Joaquín Grilo , Marco Flores y David Coria . Además, Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company ha concebido para su segunda producción una pieza inspirada en la historia del mítico tablado, la suite flamenca Morería , que estrena en la Sala Roja Concha Velasco . El tablao madrileño es el más famoso y antiguo del mundo   El tablao madrileño es el más famoso y antiguo del mundo, un icono mundial de la cultura. Ostenta el premio al Mejor Tablao Flamenco del Mundo y es el único cuyo restaurante ha sido reconocido con una Estrella Michelin. Se trata, además, de la institución en la que más artistas importantes han actuado en toda la historia del flamenco. Ana Morales   Ana Morales abrirá este homenaje especial este viernes 16 con su espectáculo Más que baile , una colección de piezas recopiladas e inéditas que viajan desde el minimalismo y la abstracción al corporativismo, en un viaje de sonoridades que nos transportan a nuevas formas de oír y escuchar el flamenco. Para ello la bailaora utiliza todas las posibilidades musicales y dancísticas, desde el bajo eléctrico y la batería a la guitarra y el metal de la voz flamenca en su esencia más tradicional. Belén López  El sábado 17 Belén López presenta Tiempos , cuya coreografía se inspira en el compás de los palos flamencos, sus ritmos, su música y sus silencios.  María Moreno © Óscar Romero · Yo bailo , la extensión escénica del libro fotográfico publicado en 2020 por la coreógrafa y bailaora María Moreno y la fotógrafa Susana Girón , se exhibirá el 23 de enero. Si en el libro, Girón fotografiaba la intimidad creativa de la artista gaditana, el espectáculo se presenta con la misma intimidad, desnudo, sin grandes juegos de luces, con un “baile puro y duro”, como afirma Moreno, que se dejará llevar por la improvisación.   Joaquín Grilo teje en Grilo , el 24 de enero, una obra alegre y desenfadada, una visión moderna del flamenco, pero desde el respeto. Guitarra, cante, palmas y baile girarán en torno a la soleá, bulerías…, composiciones flamencas originales y temas propios de los músicos. Marco Flores Flamencos de Cádiz , el recital de Marco Flores del 30 de enero, realizará un viaje por zorongos, cantiñas, bulerías, siguiriyas, farrucas… con un marcado acento jerezano y gaditano.  David Coria El homenaje al Corral de la Morería lo cerrará el 31 de enero David Coria con Entre líneas , que parte de la memoria de los grandes maestros del flamenco para interrogar la vigencia de sus trazos en el cuerpo actual. El espectáculo propone una cartografía abierta donde tradición y presente se cruzan a través de un lenguaje entre la depuración minimalista y la intensidad expresiva. Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company estrena su segunda producción, Morería, en la Sala Roja   En otro de los escenarios de Teatros del Canal, la Sala Roja Concha Velasco, Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company estrena su segunda producción, Morería (del 16 al 18 de enero), su propio homenaje al Corral de la Morería. Es una pieza conceptual, inspirada en la historia del mítico tablao madrileño. En sus siete escenas, muestra la esencia y el origen de la casa, recreando momentos icónicos de las grandes figuras que pasaron por allí y dejaron un sello que marcó la cultura flamenca.

Alejandra de Castro (Violetera) y Daniel Ramos (Torero) en "Juerga" Algo ha sucedido en la segunda recreación , encomendada a Antonio Najarro, de Les Ballets Espagnols de “La Argentina” , que se estrena estos días en la Fundación Juan March y en la próxima temporada 2026 girará por los escenarios de algunos de sus copatrocinadores: Teatro de la Maestranza, Palau de Les Arts Reina Sofía, Teatro de la Zarzuela… Los bailarines hicieron gala de un dominio de la danza española con enormemente versatilidad Y es que si la edición precedente, que contenía los ballets de “El contrabandista” y “Sonatina” gozó de gran acogida; la actual, compuesta por tres partes: “Juerga”, “Suite de danzas” y “Triana” , emociona, aviva en el espectador una especie de hechizo que hacía tiempo no se percibía en la danza española porque la ha enraizado con su vertiente popular. Aviva en el espectador una especie de hechizo que hacía tiempo no se percibía en la danza española Antonio Najarro lo borda. Creo que ha logrado la cumbre de su madurez creativa. Ha personalizado a “La Argentina” desde el inicio, ideado como un preludio a cargo de cada una de las bailarinas, que son enfocadas individualmente y en orden sucesivo, representando a Antonia Mercé. Es un homenaje en el que ellas dan vida a las valiosas imágenes custodiadas en los archivos de la Fundación Juan March , donde está depositado el legado de la excelsa artista. Pero será Helena Martín quien la encarnará a lo largo del espectáculo. Ella será La Argentina y lo hace con una elegancia de esas que eclipsan todo lo que existe a su alrededor. Helena Martín como Dama del Mantón en primer plano con "Juerga" El elenco de bailarines está escogidísimo, haciendo gala de un dominio de la danza española enormemente versátil, pues es un espectáculo muy exigente que requiere de mucha agilidad. Es muy variado, nunca decae la atención del espectador , las escenas se suceden unas a otras. Desprendía frescura, vivacidad… Escena de "Juerga" Las piezas que elaboraba la compañía de “Ballets Espagnols” se denominaban bailetes, pues eran obras breves con una trama de enredos a la manera de las comedias del siglo de oro, con un contenido entre sentimental y humorístico. Helena Martí encarna los papeles de La Argentina con una elegancia de esas que eclipsan lo que existe a su alrededor En   “Juerga” compuesto por Julian Bautista, la acción tiene lugar en la noche madrileña con el hilo conductor de una Violetera, y van apareciendo los personajes, cada un con un atuendo evocador del periodo romántico; “Triana” , cuya música fue orquestada por Fernández Arbós a partir de la música de Albéniz, se ubica en Sevilla. Helena Martín en "Triana" Y entre una y otra, “Suite de danzas” realiza un recorrido por la geografía peninsular a través de unas músicas como “Serenata española” de Joaquín Malats; “Viva Navarra” de Joaquín Laregla con la que bailan una jota estilizada; "Viva Navarra", Jota estilizada con música de Joaquín Laregla “Córdoba” de Albéniz; “Lagarteranas” de Jacinto Guerrero; finalizando tan hermosos cuadros con el Intermedio de "Goyescas" de Enrique Granados. Intermedio de Goyescas en "Suite de danzas" Semejantes piezas musicales fueron interpretadas en versión de cámara por cuatro músicos, bajo la dirección del pianista Luis Fernando Pérez, uno de los mejores intérpretes de Albéniz (si no el mejor) que, como tuve el placer de comentarle al final del espectáculo: -Érais "cuatro gatos" y sonasteis como toda una orquesta -De eso se trataba, me respondió. Fueron un batería ( Odei Lizaso ), un guitarrista japonés Sohta Nakabayashi -que tocó el Vito- , el violín de Thomas Potiron , junto con el piano de Luis Fernándo Pérez . La versión orquestal que se representará en los grandes teatros que tienen programados próximamente, será dirigida por Manuel Coves . María Fernández y Daniel Ramos en "Serenata Española"   El vestuario diseñado por Yaiza Pinillos fue un derroche de imaginación y armonía, sin olvidar la impronta insuflada por el recuerdo del ayer y los diseños primitivos, como los de Néstor de la Torre en "Triana". Y la conjunción sutil con la iluminación de Nicolás Fischter , permitió no poder sacarle "peros" a nada. Pondré un solo ejemplo: en "Juerga", protagonizado por la Violetera, quedan envueltos por una leve tonalidad lila como sus flores... Un espectáculo que está destinado a un éxito indudable Si volviera a ver estos "Ballets Espagnols", algo que deseo, encontraría muchos más significados en esos maravillosos y cuidados detalles de un espectáculo que está destinado a un éxito indudable , absolutamente necesario para el complicado estado actual de la danza española. Porque hay algo que echamos de menos, y Antonio Najarro y los grandes artistas que lo rodean nos lo han brindado , por eso, reconozco que llegamos al punto de que nos saltasen las lágrimas por la emoción. MERCEDES ALBI Fotografías de Dolores Iglesias

Isabel Parreño de Arce, fue la primera dama que se retrató con traje de maja y la única que lo hizo con castañuelas A todos aquellos que tengan el placer de visitar la exposición de Anton Raphael Mengs , que exhibe estos días el Museo del Prado hasta el próximo mes de marzo, les aconsejo que se detengan ante este maravilloso retrato que forma parte de las 159 obras que conforman la muestra, pues no se puede pasar de largo ante un hito en la historia del retrato, ya que Isabel Parreño de Arce, fue la primera dama que se retrató en traje de maja y la única que lo hizo con castañuelas . Retrato de Isabel Parreño de Arce, por Anton Mengs (1772). Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Las majas de Goya y su famoso “Baile a la orilla del Manzanares”, que siempre se pone como ejemplo del baile con castañuelas, se pintaron varios años después. Baile a orillas del Manzanares, por Francisco de Goya (1776) Isabel Parreño de Arce fue especial y pionera, además de que bailaba muy bien e hizo alarde de su gracia española por las cortes europeas de su tiempo, desde Parma y Roma a Viena, donde llegó a cautivar al mismísimo emperador José II. En líneas generales el siglo XVIII fue el siglo del minueto y las danzas francesas. Hay que tener en cuenta, si queremos imaginar lo que bailaba la Marquesa del Llano , que la danza cortesana obedecía a unas pautas internacionales, marcadas por la moda y la imposición de unos pasos cuyo dominio era consustancial a cualquiera que quisiera participar en ellas. A la hora de bailar no importaba estar en un palacio de Madrid, París o Viena, porque los pasos solían ser los mismos y estaban reglados , como acreditan los numerosos tratados de danza publicados. "El minueto" por Tiepolo (1756). Museo de Arte de Cataluña Si bien, a medida que va avanzando el siglo y, especialmente, a partir de la segunda mitad, lo popular va irrumpiendo en los modos aristocráticos ; y no es algo que se manifieste solo en el baile -donde irrumpe el brío del fandango- porque no es un fenómeno independiente sino que forma parte de ese hermoso tapiz que el arte va tejiendo en todas y cada una de sus manifestaciones. P intura y danza van unidas pues ambas son producto de unas mismas influencias, y como en el vestido , su evolución es un producto de la historia y sus circunstancias. ¿Quién fue Dª Isabel?  Isabel Parreño de Arce nació en la Villa de Don Fadrique (Toledo) en el año 1751 . Era descendiente e hija única de un acaudalado hacendado perteneciente a la nobleza rural. Sin embargo, siendo casi una niña, ingresa en los círculos cortesanos de Madrid , al contraer matrimonio con José Agustín del Llano y de la Cuadra (1722-1794). Se casaron en La Roda, cuando ella solo tiene 14 años, frente a los 43 de su cónyuge . Retrato de José Agustín del Llano por Mathias Grassi (1790) En ese tiempo, su esposo era oficial de la Secretaría de Estado y era un destacado miembro de los círculos ilustrados de la capital, relacionándose y formando parte de tertulias tan prestigiosas como la Academia del Buen Gusto , donde se exaltaban los ideales del neoclasicismo frente a la estética barroca, constituyendo un firme apoyo para Anton Raphael Mengs , que había sido nombrado pintor real por Carlos III y vivió en la corte de Madrid desde 1761 hasta 1769, año en que se traslada a Roma. Isabel es casada a los 14 años y será conocida en la corte de Madrid bajo el apodo de "La Mancheguita" En 1765, Mengs pinta a la niña recién llegada a la capital y lujosamente ataviada con motivo de su boda. Se establece en Madrid siendo desde aquel momento conocida por todos con el cariñoso apelativo de “la Mancheguita ”. Isabel Parreño a los 14 años, pintada por Mengs en 1765 ¿Cuándo se pinta el retrato con castañuelas? Muchos estudiosos pensaron que el retrato de Dª Isabel portando máscara y castañuelas se había pintado cuando residía en Parma, ya que su esposo fue nombrado en 1771 Primer Ministro del Ducado, pero no fue así. Ha quedado acreditado por varias cartas que su marido dirigió a José Nicolás de Azara (1730-1804) a Roma rogándole que intercediera ante Mengs para que le enviase el cuadro, que fue en Madrid donde “la Mancheguita” posó para él a los 18 años , justo antes de que Mengs se trasladase a Roma en 1769 llevándose el retrato consigo. Según Bianconi: "ella es vivaz, no se detiene ante nada, es pícara y baila como las mismísimas gracias” Además, hay noticias de que el pintor se resistía a entregar el cuadro y lo exhibía en su estudio romano, lo que acreditan testimonios como el de Lorenzo Bianconi (1717-1802): “ Hay un retrato de cuerpo entero y tamaño natural de una dama española, con máscara, vestida de raso blanco con encaje negro, que es un verdadero encanto y no temería compararse con un Van Dyck. No preguntéis de qué nación es porque su rostro lo dice. Sabed que ella es vivaz, que no se detiene ante nada, que es pícara y baila como las mismísimas gracias ”. Narración musical con Lorenzo Bianconi. Museo Internacional y Biblioteca de la musica de Bolonia El retrato de la marquesa -su marido fue nombrado Marqués del Llano por Carlos III en 1772- lucía colgado en el estudio de Mengs , un espacio abierto frecuentado por las élites artísticas e intelectuales de la capital italiana. A Mengs le gustaba pintar mientras escuchaba tocar a los músicos que visitaban el estudio; contaba además con un nutrido grupo de alumnos, facilitándoles incluso la manutención y alojamiento a los que carecían de medios económicos . Autorretrato Anton Raphael Mengs. Museo del Prado José Agustín del Llano insiste durante al menos dos años en sus cartas a su amigo diplomático José Nicolas de Azara , que vive en Roma y frecuenta a Mengs, para que le envíen el retrato a su domicilio de Parma. Más aun, se indigna cuando tiene noticias de que unos ingleses han hecho una copia del cuadro de su esposa en el estudio de Mengs . Es probable que se trate de este cuadro de autor anónimo, que se encuentra en una colección privada en París, y cuya autoría inicialmente se atribuyó a Bayeu. Isabel Parreño. Círculo de Mengs. Colección privada No se trata propiamente una copia, sino más bien una versión, lo cual es lógico, si pensamos que era bastante comprometido para Mengs permitir que se realizara una copia de un cuadro que aun no había entregado a su comitente. Por eso, la figura de la marquesa se invierte en su posición y mira hacia el lado contrario . Sin embargo, los elementos que componen el atuendo son los mismos aunque con variaciones de color y detalles ornamentales; conserva la máscara, pero su mano izquierda con la que portaba sus castañuelas en el original, permanece oculta. "La Manchega no ha olvidado el vestido de maja ni sus castañuelas”, escribe su marido En una de las cartas que José Agustín del Llano dirige a Azara reclamando el envío del cuadro de su esposa, hace referencia a las castañuelas: “Conozco a Mengs, y así no admiro que no le arranque Vm. el retrato. Aquí verán el original por carnestolendas, pues la Manchega no ha olvidado el vestido de maja ni sus castañuelas ”. Lo cual nos proporciona el dato de que Dª Isabel, en los Carnavales de Parma, se vestía de maja, no de manchega, y tocaba las castañuelas. José Nicolas de Azara (1774) por Mengs. Museo del Prado Posteriormente, Azara narra en sus cartas escritas en 1773 los éxitos que cosechaba La Mancheguita durante una larga estancia en Roma, teniendo que acompañarla a regañadientes a las numerosas fiestas y saraos a los que era invitada. El traje de maja A simple vista queda claro que el traje que luce la Marquesa del Llano en el retrato no es de manchega, sino de maja . Son pocos los historiadores del arte han percibido un detalle tan obvio, como sí lo hizo Julián Gállego , quien escribe: <> el traje que luce la Marquesa del Llano en el retrato no es de manchega, sino de maja La piezas básicas que caracterizan e l traje de maja son el jubón y la basquiña . Su moño está envuelto por la redecilla típica del majismo, aderezada con un sombrerito ladeado como montera adornado con una flor, pero es que además luce una chaquetilla corta profusamente bordada que nada tiene que ver con el vestido regional manchego, y que en otros casos como en el de la Maja vestida de Francisco José de Goya, hace que se la reconozca como maja. La Maja Vestida, por Goya (1790). Museo del Prado Entonces, si el Marqués del Llano se refiere al traje de su esposa como de maja sin que exista referencia alguna a que se trate de un atavío manchego, y siendo evidente que el vestido contiene todos los elementos del estilo majo, ¿dónde se encuentra la razón para que algunos autores lo califiquen como un modo de vestir a la manchega? La confusión se genera un siglo después y es promovida por una novela escrita por Mariano Roca de Togores (1812-1889) -influyente político y escritor costumbrista, que fue reconocido por la reina Isabel II con el título de Marqués de Molins- titulada La manchega . En una escena se relata la aparición de la Marquesa del Llano en un regio salón vienés donde baila un minueto con el Emperador José II, que reproduzco a continuación: << Cuando bailó el primer minué, con el Emperador José II , éste estuvo mucho tiempo contemplando aquella graciosa española, la montera de terciopelo en la cabeza con una roja escarapela y un clavel al lado, redecilla caída en la espalda, el jon o jubón de raso blanco con bocamangas y alamares negros, negro también de terciopelo el chaleco y realzado todo con botones de filigrana, y delantal negro de sarga, y zagalejo de paño de seda negra en ondas, y la media, y el zapato, y el pie tan finos que ni hechos con torno. Preguntole su majestad que de qué era su traje, y ella contestó: “De mancheguita” con cierto aire como si dijera de “Emperatriz”>> A partir de aquella elucubración novelesca del influyente escritor y amigo de Mariano José de Larra, se fraguó esa especie de leyenda que cegó los ojos a quienes en el futuro calificaron de manchego , sin pensar por ellos mismos, un atuendo de maja típico del XVIII español. Al constreñir el traje de la Marquesa del Llano en una mera interpretación localista, también se malinterpreta su personalidad Al constreñir el traje de la Marquesa del Llano en una mera interpretación localista, también se malinterpreta su personalidad . Y es que la maja es un nuevo prototipo de mujer que se fragua en el siglo XVIII y es de las que rompe y rasga, tal y como describe la escritora Carmen Martín Gaite en su ensayo Usos amorosos del dieciocho en España , donde analiza el cambio acontecido en el rígido sentido del honor de la época de los austrias por una laxa permisividad en las costumbres y la aparición de las primeras mujeres que fueron libres , a quienes incluso les era socialmente permitido tener amantes y galanteadores: << Las majas reinaron en la calle, que fue allí donde pisaron fuerte y donde se fraguó el piropo de “guapa”>>. La marquesa del Llano en Viena Lo que es indudable es que Isabel Parreño de Arce dejaba huella de su paso allá por dónde iba , supo adaptarse de forma admirable y brillaba con luz propia. Fue en 1786 cuando marchó a vivir a Viena , pues su esposo había sido nombrado Embajador. La capital del Imperio se rinde a sus pies y lo hace en la persona de su monarca pues José II, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, que caerá bajo su hechizo. El ambiente dancístico cortesano que se respiraba en Viena queda muy bien ilustrado por este cuadro de pintado en 1765, atribuido al pintor Georg Weikert , tres de los príncipes, hermanos de José: María Antonieta, Maximiliano y Leopoldo- celebran su boda bailando en una representación. El celébre coreógrafo y teórico de la danza, Jean Jacques Noverre (1727-1810)​ está a punto de llegar para ocupar el de maestro de danza en la corte (1767-1775), algo que suele omitirse en su biografía, convirtiéndose, por tanto, en la persona que enseñaba el minueto y las complicadas danzas cortesanas francesas a la futura reina de Francia, María Antonieta , siendo ella quien dirigiría al "padre del ballet" hacia su malogrado sueño de convertirse en director de la Ópera de París. Fernando, Maximiliano y María Antonieta bailando en la boda de su hermano José en 1765 por Georg Weikert El ambiente cultural vienés es de una riqueza apabullante, y cuando José II reina, multitud de artistas acuden en busca de una oportunidad. Y entre ellos, un compositor valenciano, Vicente Martín y Soler (1754-1806). Existe un cierto paralelismo , salvando las distancias, entre la vida de Isabel Parreño y el joven músico. Los une un mismo destino insospechado , pues nadie podría imaginar que una niña nacida en un pueblo de La Mancha iba a deslumbrar al mundo; y, que en el caso de Martín, sucede algo similar, y un simple niño cantor del Coro de la Catedral de Valencia emprenderá una carrera triunfal por Europa, estrenando su primera ópera en Palacio Real de La Granja de San Ildefonso ( "Il tutore burlato" ) y marchando a Nápoles, desde donde recorrerá toda Italia, antes de que ambos coincidan en Viena. Vicente Martín y Soler. Grabado porJacob Adam en Viena, 1787 También, los dos están vinculados con la danza, y si la marquesa adoraba bailar, Martín y Soler siempre estuvo vinculado al ballet. Sus dos esposas fueron bailarinas, y la segunda, hija de Charles Lepicq , un ferviente discípulo del influyente coreógrafo francés Jean-Georges Noverre , con quien trabajó en numerosas creaciones. Lorenzo Da Ponte (1749-1838), escritor y famoso libretista de óperas, ofrece con elegancia numerosas pistas de la relación que Isabel Parreño mantenía con el Emperador José II: “la embajadora de España con quien parecía ligado con amistad estrechísima el Emperador”… Lorenzo Da Ponte Así, en opinión del libretista, el compositor valenciano es favorecido por esta relación, que provoca que el Emperador le encargue la realización de una nueva ópera. Para honrar a Dª Isabel, el italiano escribe un libreto titulado “Una cosa rara” cuya acción se sitúa en España, en un pueblo de Sierra Morena , que obtuvo un éxito arrollador en Viena, hasta el punto de que todas las mujeres querían vestir al estilo de “una cosa rara”, que no es otro que el estilo de maja de nuestra protagonista . En la última escena de la ópera, "Una cosa rara", su protagonista Lila baila una seguidilla Retrato postumo de José II por Carl von Sales Bildnis (1823) Y para que el recuerdo de Dª Isabel Parreño de Arce, Marquesa del Llano, quede indeleble, también la música inmortalizará su paso. Así, en la última escena de la ópera, su protagonista Lila , insta a su amiga a tocar con la guitarra una seguidilla y empieza a bailar . Entonces, el coro se deshace en halagos hacia esa Lila que danza y que yo imagino inspirada en Isabel Parreño de Arce, una maja de personalidad arrolladora que seguro encandiló a todos con fandangos, jotas y seguidillas , además del minueto.                                                                          MERCEDES ALBI

Helena Martín, Ballet Triana Boceto de Yaiza Pinillos, Ballet Triana En 1929, París volvió a rendirse ante el genio de Antonia Mercé, La Argentina. A través de sus Ballets Espagnols , la bailarina impulsó la creación de un repertorio escénico que combinaba tradición y vanguardia , colaborando estrechamente con grandes compositores y artistas plásticos españoles. Este nuevo proyecto recupera dos títulos emblemáticos estrenados en aquel año con gran éxito: Juerga , de Julián Bautista y Triana , de Isaac Albéniz, a los que se unen varias piezas coreográficas pertenecientes al repertorio de “La Argentina” Fundación Juan March recupera dos ballets: Juerga, de Julián Bautista y Triana con música de Isaac Albéniz A partir de los figurines y decorados originales de, entre otros, Néstor Martín-Fernández de la Torre, Antonio Najarro recrea la singularidad visual y musical de ambos ballets , piezas esenciales en la configuración de una danza española moderna con aspiraciones de universalidad. Las fechas: sábado 10 de enero 2026, 12:00h domingo 11 de enero 2026, 12:00h lunes 12 de enero 2026, 18:30h miércoles 14 de enero 2026, 18:30h viernes 16 de enero 2026, 18:30h sábado 17 de enero 2026, 12:00h sábado 17 de enero 2026, 18:30h Fundación Juan March | Madrid. Castelló 77 Miércoles en directo por  Canal March , MarchVivo (YouTube ), RNE Audio y Radio Clásica, con entrevista previa a las 18:00 Formato Teatro Musical de Cámara Duración: 1h 30m Ficha artística: Antonio Najarro , dirección artística y coreografía Luis Fernando Pérez , dirección musical, piano y arreglos Carolina África , dirección de escena Yaiza Pinillos , figurinismo. Emilio Valenzuela , proyecciones.  Nicolás Fischtel , iluminación. Thomas Potiron , violín. Sohta Nakabayashi , guitarra. Odei Lizaso , percusión Así dialoga hoy la Danza Española con su propia historia ‘Les Ballets Espagnols de La Argentina’ <> Antonio Najarro María Fernández en Triana Boceto de Yaiza Pinillos para Triana María Fernández, Helena Martín y Cristina Carnero Fotografías Dolores Iglesias

La Escuela Bolera  es, posiblemente, la joya de la corona de la danza española. Está considerada la más difícil, por la riqueza y dificultad de sus pasos, y, quizá, la más bella (aunque esto siempre es subjetivo). Bebe del ballet clásico y está influenciada tanto por las danzas cortesanas europeas del s. XVII, como por los bailes populares españoles. En el s. XIX las boleras se convierten en una de las representaciones artísticas más representativas de nuestro país. Músicos como D. Scarlatti o A. Soler, entre otros, inspiraron la creación de algunos de estos bailes.   La combinación guitarra-bailarina  es una de las formaciones más elegantes que existen. Cristina Cazorla , junto al guitarrista clásico Álvaro Toscano , será la protagonista en este segundo día dedicado a la danza española, más concretamente a la Escuela Bolera.    La cita será en el Ateneo de Madrid , dentro del próximo Festival de Música y Danza, el martes, 30 de diciembre (20:00 h) . Las entradas se pueden adquirir en este enlace, o en la taquilla del Ateneo de Madrid el mismo día del concierto desde las 18:30 h. El precio es de  20€ (14€ para los socios del Ateneo de Madrid)   Acceso a entradas ¡¡Os esperamos!! José Manuel Hernández Blanco Cristina Cazorla ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA   En pleno Romanticismo y sobre todo a finales del s. XIX-principios del XX, comenzó a surgir, principalmente en occidente, un Nacionalismo Musical del que formaron parte multitud de compositores de muy distintos países.  Este nacionalismo se extendió en España también a la danza. Tomando como base principal los bailes populares españoles y bebiendo del ballet clásico y las danzas cortesanas europeas, fue creándose de manera progresiva, principalmente en Andalucía, lo que hoy conocemos como Escuela Bolera. Son muy diversos los bailes que conforman esta disciplina: unos más a ras del suelo, otros más elevados, unos con más gracia y donaire, otros más serios; danzas como los panaderos, la cachucha, los boleros, los fandangos, las sevillanas, las seguidillas y un largo etc., fueron alcanzando una sofisticada estilización que dio lugar a un género no sólo de una enorme belleza, sino también de una gran dificultad. Se caracteriza por ser bailada con castañuelas, sus formas redondas de brazos, quiebros y su técnica de ballet con carácter español. Grandes de la danza española, desde la familia Pericet, Pilar López, Antonio Ruiz Soler, Marienma, Aída Gómez o el Ballet Nacional de España, entre muchos otros, han cuidado todo lo que han podido este tesoro cultural que, por desgracia, va siendo cada vez más minoritario en las programaciones. Es, sin duda, la joya de nuestra danza. ESCUELA BOLERA Y GUITARRA ESPAÑOLA pretende generar una burbuja de arte donde el público desde su butaca se sienta perteneciente a ella. El resultado es un espectáculo donde disfrutar de manera exquisita de la guitarra y la danza a dos palmos de los artistas. Además, está apoyado por los discursos distendidos y amables que se ofrecen con el objetivo de acercar el repertorio y sus características al público. La Escuela Bolera y la guitarra española van de la mano a lo largo de la historia, por ello la conjunción que resulta no falla. Se complementan como si fueran uno.

Leonor Leal en "Camelamos naquear", el evento tendrá lugar en el Ateneo de Madrid, dentro del próximo Festival de Música y Danza, el lunes, 29 de diciembre ( 19:45 h ) La conferencia bailada , aunque hoy nos pueda resultar innovadora, ya se realizaba en el s. XX.  Antonia Mercé "La Argentina" , figura indiscutible de El Amor Brujo  cuando éste evolucionó en un ballet en 1925, ya protagonizaba estas conferencias en los años 30 del siglo pasado, en París, junto al pianista Luis Galve , utilizando sus propias castañuelas. Algo más tarde, Dolores de Pedroso  también recurrió a este formato en Londres, junto a bailarines como José Greco , Alberto Portillo  o la Quica .   Actualmente, nombres tan relevantes de la danza española como Leonor Leal  o Antonio Najarro , afortunadamente, las están recuperando.  Leonor Leal , la magnífica bailaora jerezana, será quien nos ilustre sobre una de las creaciones más emblemáticas de los años 70 del pasado siglo: Camelamos Naquera r ( Queremos hablar  en romaní -lengua gitana-), del gran Mario Maya .   Una obra de alto contenido social, en favor del pueblo gitano, que en su momento causó furor.   Por otro lado, como ya hicimos con l@s maestr@s  Pacita Tomás  (2019), Aída Gómez  (2021) y Alberto Portillo  (2023), el Ciclo de conciertos "Manuel de Falla" volverá a realizar un pequeño reconocimiento a un grande de la danza española relacionado principalmente con Madrid. En este caso será para el bailarín Antonio Najarro. Homenaje a ANTONIO NAJARRO Medalla de Oro de Bellas Artes (2023)Director del Ballet Nacional de España (2011 -2019) El evento tendrá lugar en el Ateneo de Madrid , dentro del próximo Festival de Música y Danza, el lunes, 29 de diciembre ( 19:45 h ) . Las entradas se pueden adquirir en este enlace, o en la taquilla del Ateneo de Madrid el mismo día del concierto desde las 18:15 h. El precio es de  20€ (14€ para los socios del Ateneo de Madrid)   entradas Una velada IM-PER-DI-BLE ¡¡Os esperamos!! José Manuel Hernández Blanco Director del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla   <<"¡AHORA BAILO YO!"   “¡Yo bailo porque vosotros existís! ” Así comienza el espectáculo Camelamos Naquerar que estrenaría el gran bailaor y coreógrafo Mario Maya en 1976. O eso creía yo, que empezaba así... ¿Cómo investigar, reescribir o reelaborar un espectáculo que nunca vi?, ¿cómo crear a partir del material del que dispongo? (que es incompleto y confuso) ¿cómo filtrarlo por mi propio cuerpo como bailaora para exponerlo? o... mejor aún… por mi propia vida en sí. ¿Podría hablarlo? Camelamos Naquerar significa “queremos hablar” en caló, así que... ¿podría yo tener voz propia además de mis pies, mis caderas o mis brazos? ¿podría contar, escribir, leer y mostrar el material que atraviesa este espectáculo y que a mí me conmueve? ¿Qué papel le damos al pasado para crear en el presente? ¿Cómo hacer de esto una herramienta consciente que nos ayude a reflexionar en el tiempo? Preguntas, creación, materiales que se cruzan, hilos que nos tiran hacia otros lugares, baile, música, textos... todo un mundo lleno de conexiones que nos hacen viajar a través de los sentidos.>> Leonor Leal

JÓVENES ARTISTAS AFECTADOS POR LA DANA Y LA GUERRA DE UCRANIA CONVIVIRÁN EN UNA RESIDENCIA CREATIVA ESTE ENERO EN JÁVEA ·        Jávea acogerá, del 2 al 5 de enero de 2026, una experiencia intensiva de formación y creación colectiva para bailarines y músicos ucranianos y de zonas afectadas por la DANA. ·        El Encuentro Con Los Maestros trae a Jávea su  convivencia artística  en una edición inédita que tendrá el arte y la solidaridad como ejes fundamentales. Este proyecto es fruto de una colaboración entre la Asociación MJH Diferencias Educativas , organizadora del Encuentro Con Los Maestros, y  la Fundación Cultura Contra Balas , una entidad comprometida con el apoyo a personas de Ucrania afectadas por la guerra. Durante casi una semana, Jávea será espacio de diálogo intercultural en el que, tal y como afirman sus organizadoras “ el flamenco, la danza y las tradiciones musicales se entenderán como lenguajes vivos y herramientas de encuentro humano ”. La convivencia reunirá a  jóvenes de entre 17 y 22 años , músicos y bailarines, que habitarán en comunidad en un entorno cuidado y seguro, con el objetivo de que su único foco sea el del aprendizaje artístico, la creación y la experiencia humana. Este tipo de iniciativas tienen un fuerte impacto psicológico y humano para artistas tan jóvenes que viven en situaciones de extrema vulnerabilidad, tal y como declara la fundadora de Cultura contra Balas: “ Cuando un joven está aprendiendo una nueva canción o un artista está pintando un nuevo cuadro, en este momento está en otra realidad donde la guerra no existe. Y nosotros, los que vivimos en paz, les podemos ayudar a crear estas ilusiones   ”. La convivencia culminará con una  actuación solidaria abierta al público  (previa inscripción por limitación de aforo)  que se celebrará la tarde del 4 de enero en el privilegiado enclave del Parador de Jávea.  Convocatoria de prensa y contacto Los medios de comunicación podrán encontrarse con los organizadores y participantes el día 3 de enero a las 12:00 en el Parador de Jávea (Av. Mediterráneo, 233, 03730, Jávea). María Herrera , Directora del proyecto Encuentro Con Los Maestros (+34) 649 58 62 63 /  encuentroconlosmaestros@gmail.com Nataliia MoskalenkoFounder , Cultura Contra Balas +34 633 58 47 38 /  culturacontrabalas@gmail.com  (English / Ukrainian) YOUNG ARTISTS AFFECTED BY THE DANA STORMS AND THE WAR IN UKRAINE TO COME TOGETHER IN A CREATIVE RESIDENCY THIS JANUARY IN JÁVEA From January 2 to 5, 2026 , Jávea will host an intensive training and collective creation experience for Ukrainian dancers and musicians, as well as for young artists from areas affected by the DANA storms. Encuentro Con Los Maestros brings its artistic residency to Jávea in an unprecedented edition, with art and solidarity as its central pillars. This project is the result of a collaboration between Asociación MJH Diferencias Educativas , organiser of Encuentro Con Los Maestros , and Fundación Cultura Contra Balas , an organisation committed to supporting people from Ukraine affected by the war. For nearly a week, Jávea will become a space for intercultural dialogue in which, as the organisers state, “flamenco, dance and musical traditions will be understood as living languages and tools for human connection.” The residency will bring together young musicians and dancers aged 17 to 22 , who will live together in a carefully curated and safe environment so that their sole focus can be artistic learning, creation and shared human experience. Initiatives of this kind have a strong psychological and human impact on such young artists living in situations of extreme vulnerability, as stated by the founder of Cultura Contra Balas: “When a young person is learning a new song or an artist is painting a new picture, at that moment they are in another reality where war does not exist. And those of us who live in peace can help them create these moments.” The residency will culminate in a solidarity performance open to the public (prior registration required due to limited capacity), to be held on the afternoon of January 4 at the privileged setting of the Parador de Jávea . Press call and contacts Media representatives are invited to meet the organisers and participants on January 3 at 12:00 p.m. at the Parador de Jávea(Av. Mediterráneo, 233, 03730, Jávea). María Herrera , Project Director, Encuentro Con Los Maestros +34 649 58 62 63  encuentroconlosmaestros@gmail.com Nataliia MoskalenkoFounder , Cultura Contra Balas +34 633 58 47 38   culturacontrabalas@gmail.com (English / Ukrainian)