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Ibérica de Danza es un poso de tiempo, porque el transcurso de los años (más de 30 en su caso) siempre depura, conservando un centro esencial: su sello . “La Prodigiosa Zapatera” ballet cómico en dos actos y veinte escenas con un arco dramático teatral y toques sutiles de la comedia del arte, ha utilizado el carácter de la danza escénica española de “código abierto” desde el respeto a la esencia original de la obra de Lorca , con un enfoque innovador que explora el universo femenino en una alegoría al alma humana. Si popularmente se afirma que de donde no hay, no se puede sacar , en "La Prodigiosa Zapatera" sucede todo lo contrario, hay tanto que sería necesario al menos verlo una segunda vez, para no quedarte con la sensación de que tu mente no alcanza la totalidad de sus significados. Todo dice algo. Nada está puesto porque sí . Niño (Adrián Gómez) y Zapatera (Nuria Tena) La forma y el sentimiento están tan equilibrados, que no puede ser obtenido de otra manera sino a través de un largo proceso de reflexión. Muchas veces asistimos a espectáculos banales, sin fondo, como si la danza no fuese más allá de unas meras alaracas estéticas que complacen al público. Es la diferencia que existe entre  entretener y emocionar. Ambos niveles no deben confundirse a la hora de evaluar , pues una obra puede entretener pero no emocionar, o lograr ambas cosas o incluso ninguna; sin embargo, nunca se puede emocionar sin entretener. Es la diferencia que existe entre  entretener y emocionar. Ambos niveles no deben confundirse a la hora de evaluar "La Prodigiosa Zapatera" complace tanto al público fácil como al difícil. Alberga mucho trasfondo. Estamos ante un drama que ahonda en temas profundos : la calumnia, los celos, el amor, el abandono, la rivalidad... Los artistas te van a conducir a su reino. Es un sueño de color , frente a esa oleada de tonalidades apagadas que nos invade, sorprende su viveza. Ibérica no se limita a soñar en blanco y negro, ni la Prodigiosa Zapatera lo hace, porque si algo caracteriza al personaje lorquiano es el vuelo de sus pensamientos , su fantasía, imaginando la realidad de otro modo para escapar de ella. La zapaterita hermosa, joven, casada con el viejo zapatero, se asfixia en un hábitat estrecho y es presa de las murmuraciones del pueblo. Todos la desean, mientras que las mujeres la envidian. Aquí hay que subrayar uno de los aciertos de la producción: todos los personajes están caracterizados según el patron fijado en la obra de Federico. Nuria Tena como Prodigiosa Zapatera Ellas: Nuria Tena (La zapatera), María Muñoz (vecina amarilla), Marta Mármol (vecina morada), Begoña Pérez-Marsá (vecina roja), Raquel Ruiz, maestra de la compañía (la Beata); ellos: Jaime Puente (Federico García Lorca/Zapatero), Adrián Gómez (niño/Mozo del Sombrero), Alejandro Mármol (Mozo de la Faja), Francisco Linares (el Alcalde), Santiago Herranz (Don Mirlo). La Zapatera dulce y de delicada elegancia nos conmovía, arropada por un elenco de excelentes bailarines tanto en su técnica como en su expresión.   El vestuario era precioso, y totalmente individualizado en cada uno de los trajes -diseñados por Violeta Ruiz - de forma que cada atuendo era una pequeña joya tratada con absoluta minuciosidad en sus detalles y siguiendo fielmente las pautas que Lorca marca en su texto. María Muñoz como Vecina Amarilla La atmosfera desarrollaba su magia dentro de las proyecciones de mapping de Miguel Ángel Ramos, en completa armonía con los sentimientos de los protagonistas. Por ejemplo, si la zapatera se sentía acorralada, esta sensación se expandía con apoyo de una proyección de rasgos laberínticos.   Sin embargo, esta amalgama de personajes está unificada bajo la sabiduría de su director, Manuel Segovia . Y fluye, pues los tres coreógrafos: el mismo Manuel, junto con Mariana Collado y Mariano Cruceta , insertan sus piezas sin rupturas y con continuidad, en paralelo con la música ( Joaquín Rodrigo, Manolo Carrasco, Xosé Lois Romero & Aliboria, Gloria Solera y Alfonso Acosta "Pantera" ) que, proviniendo de fuentes tan distintas, parece una sola y creada ex-profeso.   Cada detalle acompañaba al resto, cada pieza única en si misma se inserta en ese todo espléndido de lo logrado , pues la intención de la compañía, descrita en el programa, se ha conseguido: hemos querido hacer un guiño a esta Agustina prodigiosa que inspiró al poeta y por lo que de maravilloso y de realismo mágico tiene su vida, nos hemos permitido la licencia de anteponer “lo prodigioso”. Y es que Federico García Lorca se basó para escribir su zapatera en una mujer real, llamada Agustina González López , a la que veía pasar todos los días camino de clase. Era hija del dueño de una zapatería de Granada. Fue una mujer pionera y adelantada a su tiempo , una mujer que, sencillamente quiso vivir libre y que una vez que consiguió el permiso de su familia para poder leer, llegó a convertirse en una aguda pensadora.   Ibérica de Danza le brinda este precioso homenaje y hace de Agustina un símbolo del ser que se sobrepone a sus circunstancias en busca de su propia senda.   La Prodigiosa es la libertad frente a las convenciones.   MERCEDES ALBI

El Festival Iberoamericano Ribadedeva en Danza (FIBRED) celebra su novena edición con una propuesta artística y solidaria que une generaciones y culturas Del 17 al 31 de agosto, la localidad de Colombres, capital del concejo asturiano de Ribadedeva, volverá a convertirse en un hervidero de creación y talento joven con la celebración de una nueva edición del Festival Iberoamericano Ribadedeva en Danza (FIBRED) y su consolidado programa formativo Encuentro Con Los Maestros. Durante quince días, el festival reunirá a jóvenes artistas, músicos, bailarines y coreógrafos junto a reconocidos maestros de la música, la danza española y la danza contemporánea, con el objetivo de crear de forma colectiva un espectáculo inédito titulado “La Media Vuelta” . Esta obra conectará la riqueza rítmica de la música iberoamericana y el flamenco con la fuerza expresiva de la danza española y contemporánea, en una celebración de mestizaje cultural y trabajo colaborativo. Un encuentro intergeneracional con vocación internacional y solidaria. En esta edición, el Encuentro Con Los Maestros se abre además a la participación de jóvenes artistas ucranianos, ofreciendo a músicos y bailarines procedentes de zonas afectadas por el conflicto bélico en su país, la posibilidad de retomar su actividad artística en un entorno natural, seguro y enriquecedor, en plena costa oriental asturiana. Esta propuesta ha sido impulsada por la directora del festival, María Herrera, en colaboración con la asociación Cultura Contra Balas, una organización que promueve la cultura como herramienta frente a la violencia y la exclusión social. La convocatoria ha tenido una respuesta abrumadora, con más de cien solicitudes de artistas ucranianos deseosos de formar parte del Encuentro. Campaña de micromecenazgo: una oportunidad para apoyar el arte y la paz. Con el fin de aumentar el número de jóvenes ucranianos que puedan participar en esta experiencia transformadora, FIBRED ha lanzado una campaña de micromecenazgo a través de la plataforma Goteo, de la Fundación Platoniq. La campaña invita a la ciudadanía y a entidades solidarias a contribuir económicamente para facilitar el viaje, alojamiento y participación de más artistas desplazados. FESTIVAL IBEROAMERICANO RIBADEDEVA EN DANZA Los donantes recibirán recompensas simbólicas y artísticas, y, sobre todo, la satisfacción de haber contribuido a un proyecto que une el arte con la solidaridad, el talento con la esperanza. Una apuesta por el futuro de la creación escénica. FIBRED y el Encuentro Con Los Maestros reafirman así su compromiso con el desarrollo de las futuras generaciones de creadores, ofreciendo formación de excelencia, espacios de creación colectiva e intercambios humanos y culturales en un entorno privilegiado. Más que un festival, este proyecto es un laboratorio artístico y humanista, un lugar donde el arte se convierte en puente entre culturas, generaciones y realidades diversas. Más información y contacto para prensa:Nombre y cargo del contacto de prensa: María Herrera, presidenta de la asociación MJH DIFERENCIAS EDUCATIVAS y organizadora del Encuentro Con Los Maestros y Festival Iberoamericano Ribadedeva En Danza. Teléfono / correo electrónico: (+34) 649 508623 / encuentroconlosmaestros@gmail.com Enlace a la campaña de micromecenazgo :  FESTIVAL IBEROAMERICANO RIBADEDEVA EN DANZA

Marisa Mateo y Mercedes Albi No se qué sucede en el mundo de la danza que genera siempre una especie de nudos invisibles. Así me sucedió cuando acudí a la emotiva charla impartida por Cecilia Rodrigo -Presidenta de la Fundación Joaquín y Victoria Rodrigo- y su hija Cecilia, sobre el maestro Rodrigo en la Casa de Valencia en Madrid. El salón estaba a rebosar de público, yo llegué con el tiempo justo, cuando todos estaban ya acomodados. Había un hueco para mí reservado por mi amiga Marta Álvarez, ex-bailarina de la CND. Pero ¿Cómo era posible que justo se había sentado con dos personajes de la danza?: Marisa Mateo , directora del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya y su marido Tino Morán . “Os dejan sueltos y os juntáis”, les dije en broma. Son lazos imperceptibles, que aunque no los vemos, flotan en el aire. Lo pasamos fantástico. De las anécdotas que contó Cecilia durante la conferencia, no puedo dejar de resaltar una. Y es que no creo que exista un ejemplo mayor de superación del genio ante las vicisitudes, que la vida del maestro Rodrigo. Éste, que se quedó ciego a los 3 años en un mundo en el que no había lugar a la discapacidad, no pudo matricularse en el conservatorio de Valencia. Pero asistía como oyente. Entonces, un día entró el profesor y todos se levantaron en señal de respeto, salvo él, que no pudo verlo. El profesor lo expulsó por aquel agravio… Sin embargo, actualmente, el conservatorio de música de Valencia lleva su nombre. Tino habla poco, solo nos fotografía, pero con él me entiendo sin palabras, tiene un rostro completamente expresivo, hubiera sido un gran actor. Marisa me cuenta que no para, que todos los días sale muy tarde del conservatorio y que tiene muchas cosas que contarme. Marisa Mateo, Cecilia Rodrigo, Mercedes Albi y Marte Alvárez P-Pues cuéntame, ¿Qué novedades hay? -Son varias, por ejemplo, hemos creado un programa de radio. Se titula Onda Anaya: Las Voces del movimiento. Marisa Mateo, Mercedes Albi y Marta Alvarez -Vaya qué curioso, ¿de qué trata? -Es un programa de podcast único y pionero entre los conservatorios de danza de la Comunidad de Madrid. Nuestro objetivo es crear un espacio para dar voz a la danza, para escuchar y ser escuchado, para descubrir que cada historia tiene su ritmo y cada voz su propia coreografía. -¿Es complicado comunicar la danza, un arte visual, a través de la voz? -No es fácil, pero hemos contado con una madrina de excepción, Olga Baeza, directora de los programas "A Compás" y "En danza" de RNE. - Me encantan sus programas. El otro día puso una grabación de 1913 de Antonia Mercé, la Argentina, tocando las castañuelas. -Sí, es una gran profesional de la comunicación. -Entonces, ¿cómo es vuestro canal? -Es otro vehículo más, que trata de brindar a estudiantes, profesores y profesionales de la danza un medio para compartir sus experiencias, reflexiones y conocimientos, convirtiéndose en un vehículo de difusión de la danza y la educación.   -¿Dónde se puede acceder a los programas? -Los podcast se pueden escuchar en  Spotify ,  YouTube  y la  Mediateca Educamadrid   -Y ¿Cómo es que habéis venido a la charla sobre Joaquín Rodrigo? -Porque nos encanta, además, cuando hemos tenido que utilizar una música suya, en la Fundación siempre se han portado fenomenal, es un modo de atestiguar nuestra gratitud. Además, casi no salimos a nada, me paso siempre hasta las tantas en el conservatorio, necesitaba despejarme. No te he contado otras novedades. Marisa Mateo, Mercedes Albi y Marta Alvarez -¿Cuáles? -Pues, por ejemplo, la del programa MOBPLAN, nos hemos posicionado como en primer conservatorio de la Comunidad de Madrid en gestionar la movilidad entre estudiantes de las distintas comunidades autónomas.   Este hito permite a los alumnos enriquecer su formación a través de experiencias inmersivas en otras regiones, fomentando el intercambio cultural y artístico.    -¿Tiene que ver con los Erasmus?   -No, porque se limita al intercambio no internacional, pero muy necesario, entre conservatorios de España, lo que es muy interesante, dada nuestra gran variedad cultural, que se fomente ese intercambio específico a través de experiencias inmersivas con otra regiones. Sobre el Erasmus, aunque no es una novedad porque el conservatorio ya tenía Proyecto Erasmus, hemos tratado de seguir consolidando  nuestra apuesta por la Internacionalización  al obtener recientemente la valiosa  ACREDITACIÓN ERASMUS+ , un reconocimiento que refuerza el compromiso del conservatorio con la excelencia y la proyección europea.   -La verdad es que, sobre el mundo de la docencia, se abren campos tan innovadores que me parece que me quedé en otra época.   -Es necesario, si se dirige un centro, abrir todas las posibilidades. La técnica revoluciona todo y, queramos o no, las posibilidades se multiplican. No te he contado lo del programa de mentores.   -¿Qué es eso?   -El Programa MENTORING, una iniciativa que nació el curso pasado de manera experimental y que se ha consolidado como un programa que busca acompañar y orientar a los estudiantes en su desarrollo académico y profesional. Marisa Mateo, Mercedes Albi y Marta Alvarez   -¿En qué consiste?   -Cada nuevo alumno de Enseñanzas Profesionales recibe durante dos cursos el apoyo de su mentor, un alumno de los últimos cursos que lo guía y acompaña en su formación, fomentando así el crecimiento personal y artístico dentro y fuera del aula, tanto del mentorizado como del mentor.   A través de encuentros, charlas, clases, ensayos y diferentes actividades conjuntas organizadas a lo largo del curso se crean lazos de unión que les propician aprendizajes valiosos y duraderos.   -Me alegra que contribuyáis a la difusión de la danza.   -Es algo muy necesario. Fíjate que desde los Talleres Coreográficos se realizan diferentes Galas de Danza en nuestro propio auditorio o fuera de él con gran éxito y todos los cursos se realizan extractos de esas galas para llevar a cabo numerosas campañas escolares CAMPAÑAS ESCOLARES para acercar la Danza a los niños y niñas madrileños.   Desde el curso pasado realizamos, gracias al impulso y apoyo de la Dirección General de Enseñanzas Artísticas, la  Jornada de Formación de Nuevos Públicos  en el maravilloso Teatro Auditorio de El Escorial, dos días llenos de danza que cada año convocan a casi 4.000 estudiantes de colegios e institutos de toda la Comunidad de Madrid; si sumamos esta cifra a la cantidad de público infantil y juvenil que asistió a esas mismas jornadas celebradas en nuestro auditorio, estamos muy orgullosos de haber acercado la DANZA a casi 8.000 estudiantes, solo durante este curso.   -Felicitaciones. Y ahora, ¿qué va a ser lo próximo?   -Estamos a las puertas de la apertura del período de admisión para el curso 2025/2026, estará abierto del  7 al 29 de abril de 2025, ambos inclusive. Animamos a estudiar con nosotros a los niños y niñas que tienen vocación por la danza y disfrutan con ella, en el conservatorio podrán cursar las Enseñanzas Elementales (se puede acceder a partir de 8 años) o Enseñanzas Profesionales (se puede acceder a partir de los 12 años) en sus 3 especialidades: danza clásica, danza española y danza contemporánea, todas ellas son de carácter reglado, público y oficial. MERCEDES ALBI Fotografías: Tino Morán

Las coreógrafas y bailarinas reflexionan sobre el viaje y sus repercusiones en la vida y la obra En una conversación con Natalia Alvarez Simó, estas cinco mujeres revelan aspectos inéditos de su experiencia y del poder transformador de la danza Los cinco episodios están disponibles en Podium Podcast y resto de plataformas  Un proyecto en colaboración con el Ministerio de Cultura y el Parlamento Europeo Lucía Lacarra, Candela Capitán, María Muñoz, Marina Mascarell  y  Janet Novas Los cinco capítulos de la segunda temporada del podcast Vivo bailando pueden escucharse desde hoy en Podium Podcast y resto de plataformas. La serie tiene como protagonistas a cinco inspiradoras artistas del mundo de la danza: Lucía Lacarra, Candela Capitán, María Muñoz, Marina Mascarell y Janet Novas . Mujeres que son ya historia de la creación coreográfica en nuestro país y referentes internacionales de este arte. Cada capítulo condensa una conversación de diez minutos en la que las creadoras comparten con la comisaria y gestora cultural Natalia Álvarez Simó los secretos del poder transformador de la danza y su transcendencia en la sociedad. Esta temporada aborda especialmente el tema de la internacionalización: qué significa crear en otros países y cómo el viaje afecta a la vida y la obra, analizando lo que de positivo y negativo hay en la diáspora.  Un recorrido en primera persona sobre la aventura de una vida dedicada a la creación con sus riesgos, sus temores y sus alegrías. Y también con sus consejos para las nuevas generaciones.  Vivo bailando es una iniciativa de la agencia de comunicación CULTPROJECT en colaboración con el Ministerio de Culturay el Parlamento Europeo.    CAPÍTULOS CANDELA CAPITÁN Saltar sobre el miedo Candela Capitán (Sevilla, 1996) es una de las performers más relevantes de nuestro país con una fulgurante carrera internacional en la que explora el impacto intergeneracional, las nuevas tecnologías y la sexualización de las mujeres, entre otros muchos temas. Ha coreografiado para el Staatstheater Kassel la pieza  19762. Solos y conectados  que se estrenó en la inauguración de documenta fiftieen, la Exposición Internacional de Arte Contemporáneo de esta ciudad alemana.  Dice Candela Capitán que nunca le interesó bailar lo que bailaba todo el mundo. A las bailarinas que empiezan les diría que «no tengan miedo a romper las reglas, a saltarse los miedos impuestos». En este episodio aborda las diferencias de recepción de su obra en España y en otros países como Alemania y Reino Unido donde, siente, entienden mejor su trabajo, un trabajo que acostumbra a dialogar con el exterior.  Escuchar capítulo LUCÍA LACARRA Creer, intentar, hacer Lucía Lacarra (Zumaya, 1975) es una de las más importantes bailarinas del mundo. Debutó como profesional en el Ballet de Víctor Ullate con quince años y ha sido bailarina principal de los Ballets de Marsella, San Francisco, la Ópera de Múnich y Dortmund. Ha recogido el Premio Nijinsky, el Benois de la Danse y el Premio Nacional de Danza, entre otros muchos galardones y fue en 2007 la primera bailarina española invitada a participar en el Concierto de Año Nuevo de Viena. En este capítulo, que grabamos desde su Zumaya natal, reivindica el talento español y la necesidad de una estructura en nuestro país capaz de acogerlo y cultivarlo. «La danza es mi vida, no una profesión. Me ha hecho crecer como artista y como persona. Me ha enseñado disciplina, a no sentirme fuera de casa en ningún sitio. Ha sido una escuela enorme de seguridad en mí misma, de saber ponerme en valor. Hay que creer, intentarlo y hacerlo», explica. Escuchar capítulo MARINA MASCARELL La danza y el colectivo La coreógrafa y bailarina Marina Mascarell (Oliva, Valencia, 1980) dirige desde el año 2023  la Danish Dance Company. Nos recibe en la sede de la compañía, la Ópera de Copenhague, donde subraya la importancia de «la danza como una herramienta de cohesión muy poderosa» y de las coreógrafas como sujetos capaces «de tener impacto en multitud de campos».  Marina ha desarrollado prácticamente toda su carrera fuera de España, creando piezas para grandes compañías como el Nederlands Dans Theater I de La Haya, Scapino Ballet de Rotterdam, el Dance Forum de Taipei o la Ópera de Lyon.  Escuchar capítulo MARÍA MUÑOZ La memoria del cuerpo Dice María Muñoz (Valencia, 1963) que la danza le ha permitido acercarse desde la acción a la música, la filosofía y las artes visuales. Junto a Pep Ramis, esta bailarina, coreógrafa y profesora dirige Malpelo, una de las compañías más prestigiosas y con mayor proyección internacional, galardonada con el Premio Nacional de Danza en 2002.  María nos recibe en L’animal a l’esquena, el espacio que ha construido en Celrá (Girona) y que se inauguró en el año 2001 de la mano de Steve Paxton. «Un sueño hecho realidad», en sus propias palabras, «un espacio para acoger a otros creadores para mantener la alerta y la conversación; un lugar de intercambio de procedimientos y lenguajes».  Escuchar capítulo   JANET NOVAS El cuerpo lo sabe Explica Janet Novas (Porriño, 1982) que «la danza no es solo hacer una coreografía, sino la capacidad de conocer el cuerpo y la potencia que tiene». Para esta bailarina, docente y creadora gallega, ganadora del Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación por la película O corno en 2024, bailar es «hacer un zoom en lo pequeño», más allá de las grandes estructuras y los grandes escenarios. Para este capítulo de la segunda temporada de Vivo bailando nos recibe en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque de Madrid donde descubre su íntima relación con la danza, pero también los conflictos que surgen de la internacionalización y la precariedad del sector.  Escuchar capítulo     Sobre CULTPROJECT CULTPROJECT es una agencia de comunicación especializada en cultura e innovación cultural con quince años de trayectoria. En 2012 Recibe el Premio Antena de Oro, otorgado por la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión, por su “liderazgo en comunicación cultural y su vocación internacional”. Dirigida por Elvira Giménez y Ángela de la Torre, la agencia está formada por un equipo amplio y multidisciplinar. Una de sus principales líneas de acción es ofrecer espacio y difusión a proyectos realizados por mujeres en diferentes sectores del ámbito cultural. Entre sus proyectos se encuentran LOLA . Encuentro Internacional de comunicación y danza ;  la Escuela de comunicación sostenible COMMUNIS ;  Amapolas , un proyecto transmedia sobre mujeres, cultura y medio rural; Violetas, mujeres visibles y patrimonio y Vivo bailando , un podcast sobre el poder transformador de la danza. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Si hay alguna característica que pueda distinguir al creador del que no lo es, radica en la capacidad de abrir un ámbito inexistente , a aquello que no podemos contemplar en el mundo real. Indudablemente, David Coria y Cia, en sus “Bailes robados”representado estos días en el Centro del Danza del Matadero de Madrid, nos transportan a ese más allá. No se trata de ser original por ser original, como se ve en algunos que lo intentan sin lograrlo, porque la chispa de la genialidad prende caprichosamente, sin que influya la voluntad del artista. Sin chispa no prende la llama. Ante David Coria nos encontramos siempre frente una personalidad de energía desbordante, al que el tiempo va atemperando y acercando al fiel de la balanza . Es un chorro, o mejor dicho, una cascada, porque fluye. Y en “Bailes robados” lo hace junto con Iván Orellana y tres bailarinas: Florencia Oz, Marta Gálvez y Aitana Rousseau , el número mágico de las Gracias, porque a veces se portan como tales. Los cinco formaron un cuerpo que se encadenaba y se expandía. Muy ensayado porque el unísono de los gestos exigía gran coordinación. Fueron creando diferentes escenas con continuidad , dentro de un espacio sonoro excelso, muy variado, pero unificado por el ritmo de la sístole y la diástole del latido. El gran mérito de David es que es capaz de romper sin quebrar, abriendo un espacio nuevo a la expresión del ballet flamenco , pues encuentra el modo de convertir los componentes artísticos en algo propio e inédito. Ciñéndonos, por ejemplo, únicamente al ámbito musical ¿cómo podemos imaginar que en "Bailes robados" no hay guitarra, pero sí un saxo y un violonchelo? Es casi prodigioso el dominio del campo sonoro, que no puede deberse más que a la presencia de artistas como David Lagos , cuya voz profunda se suma a la de Isadora Oryan, con tintes de cantigas y la estética de su violonchelo; y el saxofón de Juan M. Jiménez, junto con Jesús Torres. Se sentía el peso de una herencia estética muy profunda de raiz grecolatina (frisos), pero también europea (Flamencos en Route). Las imágenes que el espectáculo ha trazado tienen naturaleza onírica, son como una especie de caleidoscopio de iluminación tenue , que empieza en blanco y negro evolucionando hacia una luz alejada de cualquier estridencia. Los palos flamencos son muy reconocibles, pero su tratamiento en el baile es profundamente personal : una farruca de David; unas sevillanas en la que las bailarinas nos recuerdan a los patitos de El Lago de los Cisnes; una soleá por bulerías de David; danza con bastones… Para terminar con pasos inspirados en folklore, donde las bailarinas mueven vaporosos tules de colores (también muy original el diseño de vestuario). Todos danzan y quizás ese final con ritmos de tarantela y pasos de muñeira sea un símbolo de que si las danzas estaban prohibidas -aunque en este terreno la falta de apoyo institucional sea la verdadera "prohibición"-, venció la libertad y la genialidad de David Coria . “Bailes robados”, me encanta. MERCEDES ALBI

Mercedes Albi y Eduardo Leal en el Matadero de Madrid Me encuentro con Eduardo Leal una mañana de domingo paseando por las instalaciones del antiguo Matadero de Madrid. El sol brilla y hace frío, el Ballet Flamenco de Andalucía ha inaugurado con " Pineda " un nuevo espacio dedicado a la danza en la nave 11: el Centro de Danza Matadero, gracias a una iniciativa de María Pagés. Fue un éxito, nada más estrenar se vendieron todas las entradas. Siempre me gusta charlar con Eduardo, es todo un personaje. No se le conoce a simple vista. Es un espíritu puro, carente de hipocresía y enemigo de las convenciones. Sientes que nunca miente, sin embargo, va a sorprenderte porque en su cuerpo habita otro ser: el que sube al escenario. Cuando baila, sufre un desdoblamiento, se convierte en otra persona, una señal de su riqueza interior, algo que se puede comprobar viéndolo en el papel protagonista de Pedro de Sotomayor, el amante de Mariana Pineda, interpretada por Patricia Guerrero, la directora de la compañía, con la que le une una gran complicidad. Eduardo Leal como Pedro de Sotomayor -¿Qué tal te encuentras en esta etapa de tu vida? Dejaste de vivir en Madrid para irte a Sevilla. -Sí, dejé Madrid y me marché primero a Almería, ahora vivo en Sevilla, porque trabajo con el Ballet Flamenco de Andalucía, del que soy maestro repetidor además de solista; viajamos continuamente. -¿Te has adaptado al cambio? -Sinceramente, en este momento de mi vida me siento como dividido entre dos mundos; el personal y el profesional; por una parte, echo de menos mi familia, a Rubén y a los perros que siguen en Madrid, pero en el plano artístico me siento muy realizado. Rubén Olmo y Eduardo Leal en su boda -¿No te gustaba vivir en Madrid? -A mí, lo que de verdad me gustaría es vivir en Almería. Me gusta Madrid para trabajar. Especialmente, pienso que Madrid está bien cuando vienes a formarte, pero actualmente, me parece que el flamenco está más vivo en Andalucía. Es algo que va por épocas. En realidad, debería estar más vivo en todos “laos”. Casi no hay apoyo, apenas quedan compañías de danza... -Bueno ahora acabáis de inaugurar con el Ballet Flamenco de Andalucía, un nuevo espacio para la danza aquí en el Matadero. -Sí, es una gran iniciativa de María Pagés. Ella es una luchadora incansable. -Es admirable. Se necesitarían muchas más como ella. -Totalmente. Eduardo leal -Y ¿Qué espectáculos estais girando por el extranjero con el Ballet Flamenco de Andalucía? -Recientemente, hemos estado de gira en Chile, donde hemos estrenado el nuevo espectáculo "Tierra bendita" que es una suite flamenca, e hicimos "Pineda" en Nimes. Pero por España no paramos, de aquí nos vamos a Jerez, estrenamos "Pineda" en el Festival de Granada. Eduardo Leal en Chile -¿Vuestro próximo estreno en España? -Será en mayo, en el Teatro Maestranza, una nueva producción titulada "Origen", que hacemos junto con la Accademia del Piaccere, es flamenco con música barroca. -Vamos, que no paráis. -Así es. Mi sueño es encontrar el modo de ofrecer a los demás lo que llevamos toda la vida aprendiendo -Pero tu sueño es vivir en Almería con tu marido, Rubén Olmo. -Lo que a mi me gustaría hacer algo por mi tierra y que los nuevos bailarines tuvieran allí las oportunidades que yo no puede tener. Eduardo Leal -¿Y lo tienes concretado? -En Almería hay condiciones muy buenas para crear un Centro de Alto Rendimiento en Danza. Se podrían impartir dos años de formación para los bailarines que hubieran terminado el conservatorio y que lo que quieren es bailar. Con ello me gustaría poder acercar a las nuevas generaciones a los maestros de cada momento, a fin de facilitarles un trampolín entre los estudios y la vida profesional. -¿Cuáles son esas condiciones favorables para la inauguración de ese centro en Almería? -En primer lugar, el talento; hay muchísimo en Almería, pero mi proyecto no es localista, no va dirigido solo a los artistas de un determinado lugar, sino de cualquier parte; En Almería hay un clima exceldente, está al lado del mar y desde el punto de vista práctico, los precios del alquiler son más bajos que en otras ciudades... Sería muy bueno para que la cuidad se promocionase culturalmente. -¿Qué se necesita para materializar ese centro? - Es necesario un apoyo instucional por parte de los organismos publicos. Pero sería muy beneficioso para la imagen cultural de Almería. -Y si ese proyecto no se materializara... -En todo caso, mi ilusión sería abrir una escuela junto a Rubén. Poner nuestro granito de arena, encontrar el modo de ofrecer a los demás lo que llevamos toda la vida aprendiendo. Para crear el Centro de Alto Rendimiento en Danza es necesario un apoyo instucional por parte de los organismos publicos. Pero sería muy beneficioso para la imagen cultural de Almería. - Pero ¿dejarias de bailar y coreografiar? .No, por supuesto que no me desvincularía de mi vida profesional, sueño con tener un espacio allí, sueño con el trabajo diario con la gente, pero también con seguir nutriéndome de las tendencias que surgen y se van desarrollando, porque vienen nuevas generaciones y no hay que quedarse anclado, sino abierto al mundo. MERCEDES ALBI Fotografías Matadero, Gabriel M. Olivares

Quería conocer a Eduardo Leal, confieso que me intrigaba. Es para mi una especie de símbolo de esa generación emergente de nuevos creadores en danza española. Eduardo floreció de forma repentina, dentro de lo inesperado en una trayectoria vital en la que exteriormente nada parecía pronosticar que iba a convertirse en bailarín. Él tiene el poder de vencer los obstáculos a base de tesón y de talento. Nada se hace sin pasión, él la tiene dentro, casi le quema, se nota en su mirada. Pero a la vez carece de pose, es tal cual es, muy auténtico, por eso contagia. Él habita inmerso en su itinerancia artística y su libertad, y a la vez convive con su marido, Rubén Olmo, y le acompaña en la nueva etapa que recién ha comenzado como director del Ballet Nacional de España. Pero Eduardo no es como la sombra que permanece opacada junto a quien ostenta actualmente el cetro de la danza española sino todo lo contrario, pienso que Eduardo es su luz. Quedo con él. Noto la gran curiosidad con que lo contempla todo. Siento que es portador de futuro. Eduardo Leal. Fotografía Espacios Mentales -¿Dónde has estado? -Acabo de regresar de Israel donde fui con Javier Latorre, que me invitó a participar en su espectáculo “Concierto Fantástico” del Festival Internacional de Cámara Eliat. Ha gustado mucho. Interpreté “Asturias” de Albeniz. -¿Una coreografía tuya? -Sí. Me apetece mucho hacer coreografías, actualmente es lo que más me llena. - ¿Siempre has sentido deseos de coreografiar? -No, es algo que se me ha despertado desde hace unos cinco años. -¿Cuándo comenzaste a idear coreografías? -Fue cuando conocí a Patricia Guerrero. Coincidimos ambos recién llegados a Sevilla. Ella había venido de Granada; yo de Madrid… Nos encontrábamos al principio un poco desubicados y surgió la inspiración. Hablamos y creamos una pieza para el Certamen coreográfico. Y aunque no ganamos, el premio vino después porque Rubén nos la incluyó en el espectáculo “Metáfora” del Ballet Flamenco de Andalucía. Así, poco a poco, empezaron a surgirme nuevas cosas. Eduardo Lea en "Altano". Fotografía de Paco Barroso - Cuéntame algo sobre los trabajos coreográficos que emprendiste. -Hice una coreografía titulada “Las galeras”, que fue estrenada para el Festival de Teatro de El Ejido. Disfruté muchísimo en el proceso creativo con las alumnas del Conservatorio de Almería. Era una pieza para 16 intérpretes. Fue super-emotivo. A partir de entonces siento que se generó un lazo muy fuerte con ellos. También he coreografiado a artistas como Luisa Palicio. -Me gusta mucho como baila Luisa. -Sí, es muy buena, hace lo que sabe y domina, no es nada forzada y eso se agradece. También hice tres coreografías para “La muerte de un minotauro” que llevó Rubén al Festival de Itálica; y acabo de hacer esta Navidad varias piezas para “Ay! Viñetas de Lorca”, estrenado en Berna por los Flamencos en Route…  Eduardo Leal en "La muerte de un minotauro". Fotografía Fernando Boccio - No paras, y ahora acabas de instalarte de nuevo en Madrid. -Sí, ha significado para mí un cambio muy grande. Cuando nombraron a Rubén director del Ballet Nacional de España teníamos forzosamente que vivir aquí. - Sin embargo, no estás con él en el Ballet Nacional ¿Por qué? -Personalmente siempre estoy y estaré a su lado, pero profesionalmente, prefiero ser libre y continuar desarrollando mi propio camino. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale -¿Cómo decidiste ser bailarín? -Me gustaba bailar desde muy chiquito. Nací en Almería, soy de un barrio flamenco por lo que es algo que siempre ha estado en mi vida. Me enamoré de la danza a la primera oportunidad. Recuerdo que mis primos hermanos Paco y Chelo me llevaban a verlos bailar, porque eran de una especie de grupo de coros y danzas. A mi me fascinaba. Y me apuntaron en Garrucha en una academia de baile donde estuve de los 5 a los 9, pero por las presiones dejé de bailar. -¿Como Billy Elliot? -Todo el mundo se siente reflejado en Billy Elliot, por eso tuvo tanto éxito la película, y es que por desgracia falta mucho apoyo y comprensión para el niño que quiere ser bailarín. Eduardo Leal en"Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale -¿Era tu vocación? -Totalmente. Quizá en ese momento no era totalmente consciente, pero las cosas que yo hacía como bailar a escondidas... -¿A escondidas? -Sí, había un programa de sábado por la noche y yo lo grababa en vídeo. Y cuando no estaban mis padres, corría el pestillo de la puerta para que nadie entrase y a bailar. Hacía las coreografías del programa, de aquella manera… claro, como podía. Una noche retransmitieron una gala en el Teatro Real del Ballet Nacional de España. Era en la época de la dirección de Aída Gómez. Me impresionó muchísimo lo que vi, tanto que nunca quise borrar la cinta. La guardé para siempre. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale -¿Qué había en la grabación? -Era un programa del BNE precioso con "Ritmos“ de Alberto Lorca; "A mi niña Manuela" de Eva Yerbabuena; "Silencio ragasgado" de Aída Gómez; Luz de alma” de Javier Latorre; y en la segunda parte, “La Celestina” de Ramón Oller. Y, aunque yo entonces no lo sabía, fue la primera vez que vi a Rubén, pues hacía el Calixto de “La Celestina”. -¿Fue premonitorio? -Sí, es posible. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale - Pero si solo ensayabas a tu aire en casa, ¿Cómo te convertiste en bailarín? -Estaba en mi destino sin que nadie pudiese imaginarlo. Ni yo mismo, pues trabajaba en un supermercado. Fue gracias a mi hermana. Ella conocía mi vocación y me apuntó a una audición para bailar en un programa de Telecinco. Viajé a Madrid a casa de una amiga que bailaba profesionalmente y dio la casualidad que ocurrió el atentado del 11 S. La conmoción del suceso hizo que faltasen bailarines para un gira a China pues no querían viajar. Así que me fui con ellos. -¿Cómo lo hiciste sin tener formación? -Me pusieron atrás, de relleno. Ni te imaginas la impotencia que sentía y lo que lloré. Era como si se cumple tu sueño y al mismo tiempo estás atrapado, no puedes vivirlo porque no tienes preparación. Mi único deseo era aprender, como fuese, pero aprender… Al regreso de la China, me vine a Madrid sin un duro. Fui a la Asociación de Profesionales de la Danza. Ana Cabo, que era entonces la directora, me presentó a Carmen Rollán, me quiso enseñar y me puso en su clase con los niños. Yo tan grande y con los niños… Pasaba tanta vergüenza, que duré solo un mes. Pero yo quería bailar, tenía que hacerlo aunque tuviese tanto retraso. Y, volví en otro asalto, esta vez tomé clases de danza, me presenté a las pruebas del Real Conservatorio Profesional Mariemma, ¡Entré! Allí logré formarme con muchísimo esfuerzo. Todo el mundo opina que fui muy rápido. Lo hice. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale -¿Cómo pudiste sin haberte formado de niño? -Tuve una ventaja y es que los niños no saben lo que quieren con la determinación con que lo sabes cuando ya tienes 18 años. No tenía nada, ni dinero con el que poderme mantener. Y además estaba el orgullo que yo sentía frente a mis padres, que no me tomaban en serio… No había otro camino sino entregarme en cuerpo y alma. También tuve mucho apoyo de los maestros. Encontré a Mariló Uguet que fue decisiva en mi formación. Siempre le estaré agradecido. Ella me ha marcado. Antes de terminar el curso ya me contrataron para la compañía de Joaquín Cortés, y ahí empezó todo. Fue cuando mis padres comenzaron a convencerse de que ese era mi destino. Y por cierto, en la compañía me llamaban Billy Elliot porque era el más chico de todos. Tenía 19 años. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale -Demostraste una gran determinación de carácter. -Yo cuando quiero algo voy a por ello y lo hago, soy así. Conocí a muy buenos compañeros con los que todavía estoy muy unido, como Carmen Iglesias, Carmen Angulo… - No me digas nombres porque no podrás nombrar a tantos y luego se molestarán (bromeo)… ¿Cuándo conociste a Rubén? -Entré en la Compañía de Rafael Amargo, y allí lo conocí, pues estaba de repetidor. Rubén llevaba toda la compañía. Y cuando quiso montar la suya propia, me fui con él. -¿Fue un amor a primera vista? -Me enamoré primero de su arte. Todos estábamos y estamos enamorados de su arte. Ha sido mi verdadero maestro. -¿Qué artistas son los que más te han influido en tu carrera? -Las dos personas que considero decisivas en mi desarrollo han sido Rubén Olmo y Rafaela Carrasco. -¿Me podrías contar cuál es tu tendencia creativa como coreógrafo? -¿Tendencia? Es complicado hablar de tendencias, en mis trabajos no me muevo por tendencias sino por vivencias. - Imagínate que tuvieras una máquina del tiempo y pudieses viajar a ver un espectáculo, ¿Qué irías a ver? -Me iría a ver a los Ballets Rusos de Diaghilev. -¿Una actuación donde pudieras ver bailar a Nijinsky? -Por supuesto. Me encantaría ver un ballet de esa época, con aquella grandiosidad, con ese vestuario. También me iría a ver un ballet de Antonio el Bailarín; o un rodaje de una película de esa época en la que había siempre mucha danza. Si tuviera la máquina del tiempo me encantaría a ver tantas cosas... -¿Admiras a los maestros de antes? -Muchísimo. Hicieron verdaderas joyas. Ahora carecemos de presupuesto para hacerlo del modo en que ellos lo hacían. Fue un tiempo maravilloso. Ahora las coreografías se tienen que restringir a muy pocos bailarines. A mi me encanta coreografiar grupos numerosos, pero obligatoriamente los medios limitan la realidad. Las compañías grandes se han extinguido. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale - Es curioso que Flamencos en route, que está en Suiza, pero vinculada siempre a artistas españoles como tú, haya cumplido 35 años. No creo que ninguna compañía española haya podido tener tan larga vida. -En España es una pena que las compañías no puedan sustentarse. La labor que hace Brigitta L. Merki en Suiza me parece admirable. Flamencos en route es una compañía de referencia que además se ocupa de apoyar a los nuevos creadores, como la oportunidad que nos acaba de brindar a David Coria y a mí. "Ay! Viñetas de Lorca" de Flamencos en Route. Foto de Alex Spichale - Es verdad, ha sido una obra sobre Lorca que se ha estrenado esta Navidad en Berna, y la habéis coreografiado con Brigitta ¿Qué piezas hiciste tú? -He hecho una percusión con un zapateado, una pieza repetitiva inspirada en el trabajo del campo; también hemos hecho una versión muy bonita de “Las tres morillas” -yo estoy muy influenciado por las mujeres, de hecho mi casa era un matriarcado y me gusta mucho ensalzar la labor de la mujer trabajadora, me inspira el tener como protagonistas mujeres valientes-, y he coreografiado unos tangos flamencos muy festeros en homenaje a la tradición festiva andaluza. -¿Cuáles son tus planes inminentes? -Me voy a final de mes a montar una pieza al Centro Andaluz de Danza en Sevilla. Estoy adaptándome a la vida madrileña y, aunque tengo siempre que viajar, me apetece hacer actividades como matricularme a un taller de cerámica, seguir con mis pinturas… -No sabía que pintabas. -Es una forma de evasión. Me gustan mucho las actividades artesanales, pinto cuadros abstractos en los que empleo relieves, incluso he hecho telares y coso, hago vestuario, diseño… Ahora estoy casi recién aterrizado en Madrid, pero siempre pienso que las nuevas etapas y proyectos serán muy positivos. Tenemos mucha ilusión. MERCEDES ALBI

Un momento de Sol Invictus del coreógrafo argelino-francés Hervé Koubi. // ©Mélanie Lhôte El coreógrafo argelino-francés, Hervé Koubi, estrena en España del 13 al 16 de marzo Sol Invictus , inspirándose en el cosmos y mezclando bailarines de hiphop y break dance con artistas de Amazonas y Siberia. Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid celebra la danza contemporánea en marzo con dos impactantes espectáculos procedentes de Israel y Francia, creados por dos de las grandes figuras de la coreografía actual, la israelí Sharon Eyal y el franco-argelino Hervé Koubi. Este último estrena en España Sol Invictus (Sala Roja Concha Velasco, del 13 al 16) y Eyal presenta en el mismo escenario Into the hairy del 26 al 28 de marzo.   El trabajo coreográfico de Hervé Koubi surgió de la encrucijada de las danzas urbanas y el ballet. Fue bailarín en el Centro Coreográfico Nacional de Nantes, en el Centro Coreográfico Nacional de Caen y en la Compañía Thor de Bruselas, antes de crear su proyecto coreográfico en 2000. Desde 2017 Koubi elabora sus creaciones con Fayçal Hamlat, bailarín y coreógrafo de danzas urbanas.   Según declara Koubi, Sol Invictus “es una declaración de amor a la danza” que celebra la vida. Interpretada por más de una quincena de bailarines de diversas procedencias y estilos (desde el hiphop, el break dance a artistas de la Amazonia y la Rusia occidental) su inspiración está arraigada en la fascinación del coreógrafo por el cosmos y las formas de vida. "Nuestra insignificancia y soledad en el cosmos pueden ser desalentadoras. Solo abrazando el desafío de vivir plenamente, de traer luz a nuestra propia oscuridad, nuestra existencia puede tener sentido y darnos plenitud", afirma. La danza, para él, no solo es esencial sino indispensable, ofrece energía vital y ayuda a enfrentar los miedos.   Con música de Maxima Bodson y Mikael Karlson y fragmentos de la séptima sinfonía de Beethoven y Las cuatro secciones de Steve Reich, el montaje cuenta con un elemento escenográfico destacado: un gran lienzo dorado que representa el sol, ya que una de las referencias de Sol Invictus es precisamente un ritual romano que celebraba el paso de los días oscuros y anticipaba la luminosidad de días mejores por venir. Y de la celebración de esa esperanza, según Koubi, es de lo que trata la obra. Escena de Into the hairy.  // ©Katerina Jebb La coreógrafa israelí, Sharon Eyal, presenta de 26 al 28 de marzo junto a su compañía de danza S-E-D Into the hairy en colaboración con el compositor de música electrónica británico Koreless y con un sofisticado vestuario diseño de Maria Grazia Chiuri para Christian Dior. Sharon Eyal (1971, Jerusalén) se desempeñó como bailarina de la prestigiosa Compañía de Danza Batsheva de Israel entre 1990 y 1995. Entre 2003 y 2004 fue su directora artística asociada y de 2005 a 2012 su coreógrafa. En 2013, Eyal y el productor artístico y creador Gai Behar fundaron la compañía de danza S-A-D, y además de sus propias producciones han realizado encargos de otras agrupaciones como la Ópera de París, el Staatsballett Berlin y la GöteborgsOperans Danskompani.   Después de Love Chapter 2 (2019) y Chapter 3: The brutal journey of the heart (2021), Into the hairy es la última creación de Sharon Eyal con la S-E-D Dance Company, que ha contado en esta ocasión con el artista, productor y compositor de música electrónica londinense Koreless , autor de la banda sonora de la pieza.   Estrenada en el Festival de Montpellier en 2023, la obra ha recorrido diferentes teatros europeos, con el reconocimiento unánime del público, que ha admirado la precisión de los movimientos de los bailarines (en cuyos cuerpos Eyal investiga para lograr nuevos movimientos), el sofisticado vestuario diseño de Maria Grazia Chiuri para Christian Dior y la visión de un “lado perverso, al hurgar sin piedad en las emociones del alma humana”, según ha resaltado la crítica. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Mercedes Albi y Maríá José Ruiz Mayordomo. Tras el telón del Teatro Cervantes En el Teatro Cervantes de Alcalá de Henares voy a ver “Alma danzante” de la Compañía Esquivel (Danza&Música).   El teatro está lleno y comienza la aventura escénica de situar a los espectadores del siglo XXI en un contexto de otro mundo, pues dentro del ciclo dedicado a Catalina de Aragón, que celebra su segunda edición con la intención de recuperar la memoria de esta ilustre alcalaína. Nacida en el Palacio Arzobispal un 16 de diciembre de 1485, hija de los Reyes Católicos, reina de Inglaterra tras su matrimonio con Enrique VIII, adorada por el pueblo, pero repudiada por su marido.   La compañía Esquivel  con “Alma danzante” nos propone un recorrido por la danza y la música que constituyeron el paisaje sonoro y coreográfico en los reinos de España, el reino de Inglaterra y el contexto europeo de su época:  Bajasdanzas, Alta o Pavana española se arremolinan junto con la versión “a la inglesa” de Passamezzo y del Canario, que haría estallar el corazón de algún personaje shakespeariano.   Y nos transportaron al siglo XVI. Fue algo exquisito de una delicadeza tan sutil que nos hizo salir flotando del teatro.   Pero el alma del Alma Danzante tiene un nombre: María José Ruiz Mayordomo -directora de Esquivel-, una artista investigadora, soñadora y perfeccionista como ninguna. Si no existiera habría que inventarla. Necesitamos muchos seres como ella, nacidos para dar belleza al mundo.   Esquivel cumple 30 años. "Quijotescos", Esquivel. Foto Jesús Vallinas -¿Poner en escena una danza histórica es recrear? -Yo lo diría mejor que es como reconstruir o restaurar, porque solo el hecho de darle movimiento es per se incompleto. A mí la definición de danza que me parece más acertada es la del escritor Vicente Marrero: “la danza está a mitad de camino entre las musas y las bellas artes”. Esquivel "Pintura en movimiento". Fotografía Pablo Juárez -¿Se refiere a que tiene tanto de técnica como de inspiración? -Es un compendio de las musas y de las cinco bellas artes: pintura, escultura, poesía, música… Todas están en ella, es poliédrica. -¿Qué significa para ti? -Para mí la danza tiene un algo sagrado, eleva el físico y también el alma. Llega al espíritu. -Pues conmigo reconozco que lo habéis conseguido, he salido flotando del teatro. -Me alegro, ha sido una verdadera apuesta que hemos realizado gracias al  Concejal de Cultura, Santiago Alonso, que pensó que era necesario para Alcalá tener un ciclo de música antigua. Celebramos la segunda edición. La princesa Catalina nació aquí y merecía ser homenajeada. Esquivel, "De Xátiva al orbe" - Pobre princesa Catalina, la casaron con Enrique VIII... ¿Cómo te enfrentas a un personaje histórico para recrear su momento? -Trato de meterme en su piel, investigo hacia adelante pero también hacia atrás, porque somos producto de nuestra educación. En el caso de Catalina comienzo pensando en su madre, Isabel la Católica, y me planteo averiguar que tendría de ella. -La reina Isabel… -Investigo todo lo que puedo de cómo fue. Por ejemplo, en su inventario había dos libros de danza: uno regalo de su nuera, y otro, que heredó su hija Juana, pero que se ha extraviado. Isabel era muy culta, dominaba varios idiomas, latín, francés… Vestía con gran lujo. -Yo pensaba que lo hacía de forma austera. -No, su vestuario era maravilloso y muy elaborado, mostraba a través de él su poder. Es fundamental para mí el estudio de la ropa porque marca el modo de moverse. Para entender el cuerpo tengo que entender el vestido ya que mediatiza el movimiento. -¿Se moverían de forma distinta Isabel la Católica y su hija Catalina? -Probablemente, pero seguro que lo hacían bien. Isabel deja de ser medieval, simboliza y acciona el paso hacia una nueva concepción de lo femenino, construye el papel de las que serán las futuras mujeres, educa a sus hijas para reinas. -¿Estaban, en cierta forma, programadas? -Las princesas están educadas para favorecer los intereses de sus reinos, son las mejores embajadoras de España, y el motor de nuestra política cultural. No en vano la gente más prestigiosa de toda Europa se vestía al modo español hasta bien entrado el siglo XVII. La noche de los Teatros 2006. Fotografíá Aurora Arroyo - Realmente, Catalina fue muy inteligente. Recuerdo que, cuando por orden de su esposo, Enrique VIII de Inglaterra,  en el juicio para declarar nulo su matrimonio y posibilitar el del rey con Ana Bolena, Catalina ejerció su propia defensa con gran convicción. -Era un reina muy querida por su pueblo, imagínate que todavía ponen flores en su tumba. -Y si pudieras pulsar el botón de una máquina del tiempo que te permitiera ver bailar a un personaje histórico ¿Cuál escogerías? Esquivel, "Las bodas de Camacho" -Uff, eso es como entrar en una pastelería colmada de pasteles y solo pudiera coger uno (ríe). -Escoge. -Isabel la Católica. Yo creo que bailaba estupendamente. -¿Por qué? -Debía tener un encanto especial para conseguir lo imposible. Tengamos en cuenta que no era la primogénita, además era mujer y logra convencer a la nobleza para que la apoye en su ascenso al trono; conquista a Fernando de Aragón y se casa con él… Se vuelve protagonista de la historia y eso no se puede lograr sin encanto, y el encanto en el movimiento está en la danza. La danza es el gobierno del cuerpo, no se puede gobernar un país si no eres capaz de gobernarte a ti mismo. Me hubiera encantado verla bailar. De ahí viene todo, y traspasa ese encanto a sus hijas. La danza era un arma política. También era un signo de salud y de la fertilidad, algo esencial para dar continuación a las dinastías. Esquivel , "Entre danzas y contradanzas". Fotografía Jesús Vallinas - Enrique VIII repudia a Catalina para casarse con Ana Bolena (a esta sí le corta la cabeza) y no tuvo un hijo varón, pero sí una hija, María Tudor, que también te inspira el espectáculo. -Sí. -A María Tudor los ingleses le pusieron fama de sanguinaria, pero debió de ser una mujer culta porque su maestro fue Luis Vives. -No pudo ser tan sanguinaria porque reinó muy poco tiempo, su sucesora, su hermanastra la reina Isabel de Inglaterra, sí que tuvo más tiempo de serlo. -Ja, ja… que se lo pregunten a su prima María Estuardo. -Es que nos venden la historia constreñida en clichés, luego te asomas a las fuentes y hay cuestiones que no se sostienen. -Hemos hablado mucho de historia, pero no de ti y de vuestra maravillosa compañía de Danza y Música, Esquivel. Cumplís treinta años. -Comenzamos la andadura en 1995, el tiempo pasa tan deprisa que tengo la sensación de que fue ayer. Habían transcurrido las celebraciones del 92, Madrid fue nombrada Capital Cultural de Europa. Recuerdo cuando entonces participé en un Auto Sacramental celebrado en la Plaza Mayor… pero llegó el 93 y las artes escénicas se sumergieron en una crisis muy profunda, las arcas se quedaron las arcas vacías. Entonces comenzamos. -¿Quiénes comenzasteis? -Pablo Gastaminza, que es el director musical de Esquivel desde entonces, un grandísimo especialista en repertorio musical barroco y maravilloso intérprete de violín-viola, y yo. Es como mi hermano artístico. Nuestro debut fue en el Festival de Música Antigua del Castillo de Aracena. -¿Uno de los sellos principales de Esquivel es que concedéis la misma importancia a la música que a la danza? -Sí, es algo que nos caracteriza. -¿Se toca la música demasiado deprisa, sin posibilitar su función original: ser bailada? -Digamos que muchas veces la música va por su lado, es cierto que a veces se toca excesivamente rápido, pero también al contrario, muy despacio, por ejemplo, recuerdo una Pavana que cuando la escuché exclamé: “esa Pavana solo se puede bailar o debajo del mar o en la luna”, y es que no se había tendido en cuenta la fuerza de la gravedad. La danza confiere realidad y una referencia indiscutible a la interpretación musical. Pablo ha sido capaz de asumir el riesgo de contrastar ideas musicales preconcebidas con la danza, porque la música antigua si se quiere interpretar como realmente era gran parte se compuso para ser danzada. Esquivel ·"Danzo sin danzar en mí". Fotografíá Aurora Arroyo - Me intriga saber si las mujeres, con esos trajes tan pesados, bailaban igual que los hombres. -No, no bailaban igual, el reino de la mujer es la tierra, el del hombre es el aire. Su danza es una adaptación mutua, hacen lo mismo pero no lo hacen igual. -¿Se mantiene la individualidad de los bailarines a pesar de ser danzas con pasos muy medidos? Esquivel , "Entre danzas y contradanzas". Fotografía de Jesús Vallinas -Los bailarines son como los planetas, distintos unos de otros, pero sus órbitas armonizan. Es fundamental saber respetar el espacio común para poder coordinarse. -El vestuario de Esquivel es acertadísimo, se corresponde perfectamente con la moda imperante del momento que reflejáis. -Eso es algo heredado de mi madre, que a su vez llegó a ella porque uno de mis tíos abuelos era sastre de Alfonso XIII. Mi madre se escapaba de casa y se iba al taller de su tío, allí aprendía. Y sabía coser tan bien que mi primer traje de danza fue copiado del que Leonora de Toledo vistió en su boda. - Entonces ¿Vienes de familia de artistas? -Hemos vivido muy rodeados de temas de índole artística. La afición por las artes me viene desde siempre, diría que desde la cuna. En mi familia somos todos muy aficionados a ellas. Mi madre, para que comiésemos, nos entretenía bailando. Soy la tercera generación matriculada en el conservatorio. En mi famila hay pintores, músicos, bailarines, y tenemos una vena muy lectora. -¿Por qué te decidiste por la danza? -Se juntó todo. Yo quería bailar desde siempre. Tuve la inmensa suerte de empezar a hacerlo con Mariemma, y nada menos que con Miguel Bustamante al piano. Cuando empiezas a beber de un genio… Luego, a medida en que iba a aprendiendo las danzas, me preguntaba a mi misma; ¿de dónde viene esto? Comencé a investigar. Realmente el universo te coloca en el lugar adecuado. -¿Estás orgullosa con lo logrado? -En nuestro género somos la compañía más longeva de Europa, pues situamos la danza y la música en el mismo nivel. Y además somos la única compañía en que sus dos directores, Pablo y yo, somos doctores. Esquivel "Danzo sin danzar en mí". Fotografía Aurora Arroyo -¿Muchas obras a vuestras espaldas en estos treinta años? -Cada obra es una pequeña historia que hay que contar. La danza tiene que tener vida y que el público pueda percibirlo. Pero en Esquivel el plano “performativo” tiene detrás una investigación histórica basada en los documentos originales de la época. -En esto sí me parece que has sido de las primeras en basarte directamente en los archivos históricos. -Cuando empezamos no se fotocopiaban los documentos, tuve la gran suerte de poder acceder a los originales. Los tocaba y sentía como si me transportaran a su momento, luego, te pones con el traje y vas completando los elementos materiales que te conducen a la conexión que reaviva el pasado. -¿El entorno donde se representa una obra también influye? -Sí claro, también importa mucho el espacio donde se representa. Recuerdo, por ejemplo, cuando por idea de Raúl Cárdenes actuamos en el Salón de Reinos del que fue el palacio del Buen Retiro. El viaje fue total. -¿Cómo escogéis el momento histórico a investigar? -Una cosa conduce a otra... ¿Qué fue antes? ¿Qué fue después?, te preguntas e investigas. Cada cuatro o cinco años cambiamos de siglo. Te satura quedarte inmóvil en un mismo momento histórico, hay que salir para volver a entrar. -Y podrías contarme por dónde va a transcurrir tu próxima investigación. -Tengo ganas de entrar en el manuscrito de Cervera. -¿Qué es? -Es el primer experimento de notación de danza más antiguo que se conserva, son apenas dos páginas. Data del siglo XV, posiblemente de 1496. -¿Dónde está? -Cervera es un pueblo de Lérida, Corona de Aragón. - Una de las cosas más ridículas de cómo se enfoca la interpretación histórica hoy en día, es hacerlo según según los límites geográficos establecidos modernamente por las Comunidades Autónomas. Pero bueno, ese sería otro tema. Dime qué contiene el manuscrito. -Describe los movimientos de una bajadanza, un ejemplo de danza social. -¿Qué quieres decir con “danza social”? -Es muy importante clasificar para situar bien el contexto de un baile. Toda ciencia requiere una clasificación. -¿En qué modo clasificarías las danzas históricas? -La danza se podría clasicar en dos: sacra y profana, subdividiéndose la primera en litúrgica y paralitúrgica; y la segunda, según el ámbito dónde tiene lugar, se subdividiría en vulgar (en sentido de popular), escénica y culta. - Claro, estoy conversando con una doctora, Toda una vida de danza y estudio a tus espaldas. -Hemos llegado hasta aquí, buscando, encontrando, poco a poco, con pasos de hormiga pero con el peso de un elefante. MERCEDES ALBI

Las agujas del reloj giran hacia delante, no se puede volver atrás, y sin embargo, las circunstancias del destino han hecho que Muriel Romero, nueva directora de la Compañía Nacional de Danza, haga un salto programado hacia el pasado con “Don Quijote”, la coreografía más emblemática de José Carlos Martínez y estrenada bajo su mandato en 2015, pues “cada escena tiene su firma”, dijo la bailarina Giada Rossi , durante la rueda de prensa. Ella será Kitri (o Quiteria) bailando junto con Yanier Gómez, que será el Basilio en el elenco del primer reparto que se podrá ver a partir el próximo 27 de febrero en el Teatro Real hasta el 2 de marzo. la coreografía más emblemática de José Carlos Martínez, pues “cada escena tiene su firma” dijo la bailarina Giada Rossi Una semana antes, el sábado 22 de febrero, se representará “Don Quijote”, en el Real Auditorio de El Escorial . La totalidad del aforo está prácticamente vendida , l o que evidencia el éxito . Realmente, “Don Quijote” fue un hito que significó el retorno del ballet clásico a la CND después de varias décadas. José Carlos Martínez, sucesor en la dirección de Nacho Duato, tardó cuatro años de mandato para acometerlo. Fue en 2015. Desde entonces la producción va a cumplir las 100 funciones , algo muy meritorio. La totalidad del aforo está prácticamente vendida semanas antes de la represenación, lo que evidencia el éxito. El público añora “Don Quijote”. En palabras de Elna Matamoros , encargada de su montaje, es una visión desde el siglo XIX hacia el siglo de oro, por lo que las danzas boleras, que no existían en la época cervantina, se vislumbran en el ballet creado por Marius Petipa en 1869  y estrenado en el Teatro Imperial de Moscú. “Don Quijote” forma parte de la trayectoria vital del gran coreógrafo francés , que vivió varios  agitados años en España, donde se batió en duelo con un conde, tal y como detalla el escritor Jesús Rivera Rosado en su libro “El ballet romántico en España” (Ed. Cumbres) ; y terminó fugándose con la noble Carmen de Mendoza y Castro, siendo la pareja perseguida por Europa. Marius aprendió las danzas boleras y presumía de bailarlas como los españoles. Una vez en Rusia donde alcanza el puesto de maestro de los Ballets Imperiales, el sello español está en todos sus obras . Siempre me lo imagino inmerso en los fríos inviernos rusos recordando los locos años de su juventud en nuestro país , razón por la que en todos los emblemáticos ballets siempre hay una danza española. Este Quijote de José Carlos es muy especial: “Los capotes son auténticos capotes de torero, se quedan tiesos, y no unos leves trapitos que suelen agitarse en el aire”, nos contó. El aire español está más presente y en esa búsqueda de identidad y actualización, se han aligerado su duración; Don Quijote baila con Quiteria y no se limita a la pantomima, “la toca”; además, se baila una seguidilla y un fandango que ha coreografiado Mayte Chico . Sea como fuere, el éxito va con él, con esa alegría y el “joie de vivre” que impactó en la memoria de Petipa y que José Carlos hace suya. Cada vez que veo a Muriel Romero me encanta observarla. Es de apariencia sencilla, nada afectada, parece ajena al divismo, y es grato comprobar la generosidad que ha tenido durante la rueda de prensa al ceder el protagonismo de un "reestreno" en el Teatro Real a quien, actualmente, ostenta el cetro de la dirección del Ballet de la Ópera de París. MERCEDES ALBI

La danza clásica vuelve al escenario del Teatro Real, entre el 27 de febrero y el 2 de marzo, con la Compañía Nacional de Danza José Carlos Martínez flanqueado por Giada Rossi y Yanier Gómez, bailarines protagonistas del estreno El Teatro Real presentará, entre el  27 de febrero y el 2 de marzo, cinco funciones de uno de los ballets más populares de la danza clásica, Don Quijote , en la versión coreográfica de  José Carlos Martínez, sobre el original de  Marius Petipa, interpretado por la  Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección artística de Muriel Romero. Juan Matabosch,, Yanier Gómez, Muriel Romero, José Carlos Marínez, Elna Matamoros y Manuel Coves Esta obra es una de las favoritas del público junto al Lago de los cisnes.  Llena de alegría, color y fuerza expresiva, rompe con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX (a pesar de un acto blanco), para poner en escena a la gente del pueblo.   Basada en un episodio del segundo volumen de El Quijote  de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho, aunque los personajes son más fieles a los creados por Cervantes, y el vestuario y la puesta en escena contribuyen a darle un aire más español que en la versión de Petipa.   La coreografía que veremos en el Real, creada para la CND por José Carlos Martínez -actual director del Ballet de la Ópera de Paris- cuando estaba al frente de la Compañía, mantiene la dificultad técnica y las complejas variaciones, pero otorga mayor protagonismo a la danza española.   Martínez define así su creación: “basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreográfica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”.   En el foso, la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de  Manuel Coves, interpretará la que es, posiblemente, la partitura más conocida de  Ludwig Minkus.  Su estreno, en 1869 en el Bolshoi de Moscú para la coreografía original de Petipa, disfrutó de un extraordinario reconocimiento y supuso un importante cambio profesional en la vida del compositor austriaco, al unirle al coreógrafo en creaciones como La bayadere .   El 28 de febrero, la Compañía Nacional de Danza celebrará la función número 100 de esta hermosa coreografía de José Carlos Martínez. "Don Quijote". Fotografía Jesús Vallinas &&&&&&&&&&&&&&&&&

El espectáculo “Pineda” del Ballet Flamenco de Andalucía, dirigido por Patricia Guerrero, ha inaugurado el Centro de Danza Matadero, que nace "con el objetivo de, por una parte, la escucha de los profesionales que se dedican a la noble y necesaria tarea de crear belleza y sentido, y por otra, a los deseos estéticos de toda la sociedad” bajo la dirección artística de María Pagés y El Harbi . Por tanto, el estreno de “Pineda” en Madrid, es doble: nuevo espacio para la danza, y primera vez que se baila en Madrid, bajo la dirección recién asumida de Patricia Guerrero , en el Ballet Flamenco de Andalucía. Patricia es Mariana Pineda. Siempre que veo a esta joven bailarina me impresiona su fortaleza, se despliega entera en un movimiento que abarca todo su cuerpo. Se transforma en sus protagonistas, y las hace suyas ; fue La Bella Otero, y ahora se dirige a si misma como Mariana. Es indudable que ha sabido escoger muy bien a sus compañeros de aventura.  En el Centro de Danza no hay telón. Sobre el escenario, unas sillas de enea. La función da comienzo y se sientan un grupo de mujeres que hacen labores; son del Coro Femenino de la Asociación Cultural Cruz de Mayo . Entonan un lamento sobre la historia de aquella Mariana Pineda que, hipotéticamente, aun se recuerda. Es un modo original de señalar que su historia existió. La dramaturgia a cargo de Alberto Conejero está muy bien equilibrada , pues sabe como sintetizar en el lenguaje de la danza la obra de teatro de Federico García Lorca. El gran logro de este ballet radica en haber sabido conjugar la estética y el drama . Una de sus claves es el vestuario de Pablo Árbol , quien ha esquematizado con genial elegancia unos diseños que, partiendo de elementos históricos del romanticismo, evolucionan, especialmente en los trajes de Mariana, y amplían el significado del personaje. Su vestido verde esmeralda con reminiscencias goyescas, correspondientes a la moda de su época, se va tornando atemporal hasta despojarse del vestido rojo, estilo diosa griega, para quedarse ataviada como la heroína de la Libertad de Delacroix, con sus gasas mecidas por el viento . La carga simbólica es evidente. Todo conduce a ello sin palabras, pero sí con mucho amor y sentimiento. Y gracias a unos bailarines que además de bailar, interpretan. La coreografía de las escenas de grupo carece de monotonía, y aunque el conjunto esté siempre acompasado y muy ensayado, nunca parece una masa homogénea taconeando al unísono . La escena de la Batalla del Albaicín ha sido creada por Albert Hernández e Irene Tena . También colaboraron en este sentido con la propia directora Patricia Guerrero, los dos bailarines principales de la obra: Alfonso Losa (invitado) y Eduardo Leal. Ellos son el bien y el mal, o mejor dicho, el héroe (Eduardo Leal) y el villano (Alfonso Losa). Uno es amado y el otro, al no ser correspondido , detiene a los protagonistas, que son ejecutados. Lo cierto es que los papeles les van como anillo al dedo. Eduardo Leal despliega en su baile y en él mismo una gran elegancia, su don es el de destacar siempre aunque no se lo proponga . Se comprende que Mariana lo ame; y Alfonso Losa, más terreno, despliega la fuerza del malvado con asombrosa credibilidad . “Pineda”, es música con dos excelentes guitarras y cante (hasta de la misma Patricia Guerrero); baile y narrativa gracias a un conglomerado de jóvenes artistas que ofrecen un espectáculo que esperamos y deseamos abra una nueva andadura en este nuevo espacio escénico madrileño tan necesario para la danza. MERCEDES ALBI Fotografía Marcos Medina