El pasado sábado ha tenido lugar una hermosa tarde de Danza española en el Museo Mariemma a través de la obra magistral de Manuel de Falla, en una maravillosa actuación de tres grandes bailarines acompañados por el piano. Este año 2019 se está celebrando el Centenario de El Sombrero de Tres Picos y el Ayuntamiento de Íscar se ha querido sumar a las celebraciones con una original velada en la que se ha podido desgranar la obra de Falla desde diferentes aspectos. Para la parte más académica, las ponencias han estado a cargo de Elena García de Paredes de la Fundación Archivo Manuel de Falla en Granada y Victoria Cavia Naya de la Universidad de Valladolid, Aula de Música. Para la parte artística, los responsables de deleitar al público han sido los primeros bailarines del Ballet Nacional de España: Francisco Velasco (molinero) y los primeros bailarines Aloña Alonso (molinera) y Eduardo Martínez (corregidor), acompañados al piano por el maestro Krzysztof Stypulkowski. Ellos han interpretado fragmentos de la coreografía creada por Antonio Ruiz Soler y que el BNE estrenó en 1981 y repuso en 1986, 2004 y 2016, con los figurines y la escenografía originales de Pablo Picasso. En memoria de Manuel de Falla, Serge Diaghilev, Leonide Massine, Pablo Picasso, Mariemma y Antonio Ruíz Soler. El Ayuntamiento de Íscar, a través de la Concejalía de Cultura y Turismo y su Museo Mariemma, quiere acercar la danza española y la música a todos los públicos y en especial a través de la recuperación de la memoria de la iscariense Mariemma. Agradecimientos a los artistas mencionados y ponentes y a la suma de grandes instituciones: Fundación Archivo Manuel de Falla en Granada Universidad de Valladolid. Aula de Música Ballet Nacional de España. Inaem. Ministerio de cultura y deporte.

El próximo viernes 20 de diciembre en la Casa de Granada el mundo de la danza madrileña tiene una cita. Se va a celebrar un cariñoso homenaje a Pacita Tomás, a la que se le va a dedicar el primer concierto del ciclo "Manuel de Falla" que se centra esta Navidad en una serie de recitales dedicados exclusivamente a flamencos oriundos de Madrid. Y es que, aunque el flamenco provenga principalmente de Andalucía, Madrid ha sido siempre una cantera inagotable de artistas como Pacita. Después del homenaje, en el que aguarda a Pacita alguna emotiva sorpresa... Tendrá lugar el bellísimo recital. "Voces", a cargo Paco del Pozo, el único cantaor madrileño en posesión de la Lámpara Minera (1997), y el excepcional guitarrista clásico José Mª Gallardo del Rey, junto a los comentarios del periodista, también de Madrid, Pablo San Nicasio. Voces muestra sobre el escenario una diversidad de músicas que encuentran en la inspiración flamenca una nueva forma de comunicar, reuniendo piezas del barroco alemán, Ástor Piazzolla, Quintero, León y Quiroga, o la frescura de algunas obras actuales. Todo ello bajo la dirección musical de José Mª Gallardo del Rey, quien ofrece con su prisma experimentado una nueva manera de descubrir y disfrutar líneas tan diferentes, todas ellas llevadas al aire español. La versátil sonoridad flamenca de Paco Del Pozo, que con su profundo conocimiento yrespeto por la tradición hacen de él un valor único al poner su voz al servicio de otras músicas, y el toque especial de Gallardo del Rey, nos ofrecen un viaje lleno de colores nuevos y a la vez tan cercanos a nuestros recuerdos, que hacen de esta cita un encuentro lleno de sensaciones nuevas, difíciles de olvidar. Para finalizar se servirá un coctel a todos los asistentes. Os aconsejo que no os lo perdáis. RESERVAS Para reservar plaza se tiene que llamar a la Casa de Granada, Tel 91 369 35 96 en horario de oficina. Precio de la entrada y coctel: 15 euros

El cura de la Parroquia de Íscar, Don Enrique Barrios, realizó la bendición del Belén de Nancys del Museo Mariemma 2019, junto a la inauguración oficial del mismo por la Concejala de Cultura y Turismo, Nieves Muñoz y concejales de la corporación municipal. El día no podía haber sido más acertado, el 13 de diciembre, festividad de Santa Lucía, patrona de las costureras, sastres y «modistillas». Todo un arte en pequeñas puntadas que se luce en las bonitas Nancys. Este año la muestra está formada por 125 “Nancys y muñecos”, personajes en total del Belén, que recrean a pastorcillas ataviadas con sus trajes tradicionales del folklore de España, o bien con trajes de los que portó la propia Mariemma en su vida artística, junto a algunos otros muñecos que realizan trabajos en el campo, en la fragua o en la carpintería. El Belén tiene parte de muestra exposición y parte de muñecas que se presentan al concurso. Un total de 43 optan al premio, ataviadas con trajes de diferentes puntos de España mostrando en miniatura una artesanía maravillosa para un legado extraordinario en España. Podemos apreciar trajes completos tradicionales de Santa Cruz de Tenerife, Gran Canaria, Llanes, Asturias, Charro de Salamanca, Tiedra en Valladolid, Albacete, Cuenca, Ciudad Real, Murcia, Talavera de la Reina, Alicante, Valencia, Cerro del Andévalo en Huelva, Montehermoso de Cáceres, La Alberca, Candelario, Castilla y León, Valladolid, de Vendimiadora, de Goyescas, de Escuela Bolera, de Escuela Flamenca, de Ávila, del País Vasco y otros tantos que evidentemente lucen el modelo tradicional de la tierra castellana. La colección a concurso se completa con trajes réplicas de la colección de Mariemma, como son: El vestido de gala que estrenaría Mariemma en la première del Sombrero de Tres Picos en la Scala de Milán. El que fuera diseñado por Victor María Cortezo para El Amor Brujo de Manuel de Falla. Dos vestidos para interpretar Intermedio de Goyescas de Enrique Granados, la bata de cola que lució Mariemma en la Feria Mundial de New York en 1964, o el emblemático vestido para bailar Córdoba de Isaac Albéniz. El Belén se redondea con piezas de artesanía en madera, miniaturas de carros y enseres del hogar, de Jose Luis Villa. El portal realizado en piedra de Manolo Lobejón. El taller de la fragua y la carpintería realizado por Teodoro Merlo. Las casas en recreaciones en talla de corcho por Victor Calleja. Y el resto de las Nancys que no concursan lucen trajes realizados por la iscariense Pilar de la Fuente y por la sastra de Mariemma Tomasa Benito. Estas Nancys lucen vestidos también muy emblemáticos, como son los que aparecen en la película Boy en la que actuaba y cantaba Mariemma de Calvache. los Verdiales de Málaga, la refajona de Almería, la Pastira de Jaén, Alhama de Murcia, Mallorca, Ibiza, Valle del Roncal, Abelda de Iregua, Valles pasiegos, Valencia, Tomelloso, León, Palencia, un largo etcétera, como no podía ser de otro modo ante la riqueza española. TODO UN LUJO PARA LA VISTA CON TANTO DETALLE EN UN ESPECIAL Y ORIGINAL BELÉN DE NANCYS. Gracias a todos los colaboradores y participantes. HORARIO DEL BELÉN DE NANCYS Desde el 6 de diciembre hasta el 3 de febrero. Miércoles de 17 a 20h Jueves y viernes de 10 a 14 y de 17 a 20h Sábados de 11 a 15 y de 17 a 20h. Domingos de 11 a 15h.

La CND, dirigida por Joaquín De Luz, vuelve a poner en escena este gran título del repertorio clásico, El Cascanueces, con coreografía y dirección escénica de José Carlos Martínez, basado en el libreto de Marius Petipa e inspirado un el cuento de E.T.A Hoffmann y el relato de Alejandro Dumas "El cascanueces y el rey de los ratones". El Cascanueces fue estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo en 1892, y fue el último ballet que compuso Piotr Ilich Tchaikovski. El Teatro de la Zarzuela es una fiesta de color, está abarrotado, a pesar de ser un día entre semana. El Cascanueces es el ballet navideño por excelencia y esta versión de José Carlos Martínez viene avalada por un gran éxito de público. Se han agotado las localidades desde días antes de su estreno. La  producción de la CND sitúa la acción en 1910, en el seno de una familia burguesa, donde la realidad y los sueños de la joven protagonista conviven y se enfrentan, mostrando las imágenes más hermosas en contraste con otras más inquietantes o fantásticas, siempre a caballo entre dos mundos. José Carlos Martínez ha querido dibujar, en su concepción de El Cascanueces, “la estrecha frontera entre el mundo real y el de la fantasía para transportar al espectador a un universo mágico por el que viajar a través de los recuerdos de su propia historia. Las novedades que han enfocado este  "Cascanueces" no escapan mucho de la coreografía clásica original, pero sí tiene unos toques que lo caracterizan y marcan la diferencia. Por ejemplo, en la danza de los ratones, se subraya un estilo más contemporáneo, y la pieza de danza española ha sido coreografiada por Antonio Pérez. También es novedoso el personaje  Drosselmeyer que es un mago auténtico que hace trucos de magia reales en la escena y es el hilo conductor en toda la obra, lo que le da un empaque distinto al de las numerosas versiones que se interpretan de este clásico por el mundo. La historia comienza en la fiesta de Navidad de la familia Stahlbaum, donde niños y mayores intercambian regalos y en la que la pequeña Clara recibe como presente un precioso cascanueces con forma de soldadito de madera…. Y empezamos a soñar. El ballet se divide en dos actos y dura aproximadamente dos horas con un intermedio de 20 minutos. Se  hace corto y te quedas con ganas de más. La coreografía es elegante y muy elaborada donde, José C. Martínez mezcla la danza clásica con la danza contemporánea y resalta la teatralidad e intensidad dramática de los personajes. Para el estreno en la Zarzuela se ha invitado a la  gran bailarina Rusa Maria Kotchetkova  vieja conocida del publico español ya que bailó también en 2016 Don Quijote también como bailarina invitada  junto a Joaquín de Luz en este mismo teatro. La Primera bailarina rusa estuvo sublime en su interpretación del Hada del Azúcar junto con Alessandro Riga la gran figura de la Compañía como Príncipe siempre espectacular en sus saltos y giros  que hicieron las delicias del público asistente. Clara fue Cristina Casa  que estuvo muy convincente en su papel, junto a ella Ángel García Molinero como Cascanueces, fue la revelación de la noche. Es un bailarín que hemos seguido con gran interés desde su ingreso en la CND. En su evolución comprobamos que ha crecido  mucho como artista, se ha convertido en un bailarín de bella figura y gran expresividad. Mención especial a Ion Aguirretxe que nos encandiló con sus trucos de magia; y Elisabet Biosca que se metió en la piel de la malvada Reina Rata. En general se percibió el compromiso y la gran entrega de todos los bailarines de la CND: Álvaro Madrigal (Danza Española), Sara Fernández y Erez Ilan (Danza Árabe), Anthony Pina (Danza Rusa), Giulia París (Danza China). Para disfrutar de El  Cascanueces hay que dejarse llevar a través de la magia de sus escenas y sus fantásticas secuencias coreográficas como los copos de Nieve, el Vals de las Flores, la Danza Española, La Danza Rusa, pero si tuviéramos que escoger solo una, tal vez fuese esa escena del inicio… Es Navidad, el árbol de la esperanza decora el salón, llegan todos los niños a recibir sus regalos de Navidad conducidos por la simpática institutriz Shani Peretz y danzan entre ellos. Los niños bailarines son los alumnos de los excelentes conservatorios madrileños (Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, Conservatorio Profesional de Danza  Mariemma y Conservatorio Profesional de Danza Fortea). La música es en directo interpretada por la ORCAM, Orquesta titular del Teatro de la Zarzuela,  bajo la batuta de Manuel Coves. La escenografía minimalista de Monica Boromello y sobre todo el maravilloso vestuario de Iñaki Cobos y la iluminación de Olga Garcías Sánchez nos introducen n la atmosfera navideña de este maravilloso cuento. Como curiosidad os diré que Iñaki Cobos se formó como bailarín y ejerció como tal compaginando  con el diseño y la confección con la danza. Tras poner fin a su carrera como bailarín fundó su propio estudio de vestuario escénico. Una estupenda tarde de danza que el público agradeció en pie dedicándole un enorme aplauso a todos los bailarines!! Enhorabuena a todos y Feliz Navidad. PAOLA PANIZZA Fotos Alba Muriel

Lo consciente y lo inconsciente se dan la mano en esta producción de El Cascanueces, con la que la Compañía Nacional de Danza abraza los mundos infantil y adulto como si se tratase de vasos comunicantes en los que realidad y fantasía aparecen íntimamente entrelazadas. Basado en el libreto de Marius Petipa, que a su vez bebe de la adaptación que Alexandre Dumas hizo del cuento clásico de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, este nuevo espectáculo hará de medio de transporte hacia un universo mágico donde residen sueños, deseos y fantasías. LA CND - MISIÓN Y VISIÓN Fomentar y difundir el arte de la danza y su repertorio en sentido amplio, a través de una compañía estable, abierta a todos los estilos, lenguajes coreográficos y a las artes del movimiento en general, tanto de creación española como internacional, facilitando el acercamiento de nuevos públicos e impulsando su proyección nacional e internacional en un marco de plena autonomía artística y de creación”. Todo ello “bajo los principios de la calidad del servicio a la ciudadanía, la excelencia en el desempeño profesional, la participación de los grupos de interés, la vocación didáctica, el uso eficiente de los recursos y la preservación, difusión y transmisión del patrimonio intangible de la danza. COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA LAS 10 CLAVES DE SU VISIÓN | Joaquín De Luz 1-UNA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA (CND) CON IDENTIDAD PROPIA, CON SU ESPACIO EN LA ESCENA SOCIAL, RECONOCIDA INTERNACIONALMENTE Y CARACTERIZADA POR LA EXCELENCIA Y POR LA CAPTACIÓN, RETENCIÓN Y PROYECCIÓN DEL TALENTO. Labor de continuación del trabajo desarrollado en las etapas anteriores y consolidación de la CND con una identidad propia que aspire a la excelencia artística y aúne la homogeneidad técnica con la versatilidad interpretativa. 2-UNA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA CON REPERTORIOS variados y representativos, reconocibles dentro y fuera de España, que abarquen tanto la danza clásica, neoclásica y contemporánea, como los nuevos lenguajes más vanguardistas de las artes del movimiento. Los repertorios estarán integrados por piezas emblemáticas de la historia de la danza y por los encargos de creaciones exclusivas para la CND, tanto a coreógrafos nacionales como extranjeros con un lenguaje propio y distintivo. 3-ÉNFASIS EN LA VISIBILIZACIÓN DE LA LABOR DE LAS COREÓGRAFAS a través de la inclusión de sus trabajos en el repertorio de la Compañía, el fomento de encargos a reconocidas coreógrafas españolas y extranjeras y la creación de un programa de mujeres coreógrafas en el repertorio de la CND disponible para giras. 4-FORMACIÓN CONTINUADA para la mejora de las capacidades de un bailarín en constante aprendizaje, con las visitas de maestros nacionales e internacionales de diferentes disciplinas y estilos, en un entorno laboral amable, exigente y empático, favoreciendo la compatibilidad de su carrera con la FORMACIÓN y el RECICLAJE PROFESIONAL. 5-CND Y LA EDUCACIÓN. La CDN, aliada de los conservatorios y las escuelas profesionales de danza y comprometida con el mantenimiento y desarrollo del programa educativo y las actividades paralelas. 6-APUESTA POR LA INNOVACIÓN Y EL RIESGO ARTÍSTICO A TRAVÉS DE LA TRANVERSALIDAD Y LA ATRACCIÓN DE ARTISTAS DE OTRAS DISCIPLINAS como compositores, diseñadores, artistas visuales o creadores que trabajen con las nuevas tecnologías. 7-AUMENTO DEL NÚMERO DE FUNCIONES DE LA CND CON ORQUESTA EN VIVO como parte de las temporadas de los teatros y auditorios que cuenten dentro de su organización con una orquesta titular. 8-IMPULSO DE UN PROGRAMA DE GIRAS NACIONALES E INTERNACIONALES para llegar a aquellas localidades españolas donde hasta ahora no se haya presentado la CND, así como a espacios de exhibición y festivales extranjeros de prestigio internacional. 9-AUTOEVALUACIÓN y PLANIFICACIÓN SISTEMÁTICA CON ANTICIPACIÓN Y ANTELACIÓN. Elaboración del repertorio y el calendario de fechas disponibles para gira con la mayor antelación posible para facilitar la optimización de los recursos disponibles y la obtención de patrocinios, unido a una constante interlocución institucional y colaboración cultural con instituciones relevantes del panorama nacional e internacional. 10-CONTRIBUIR A DESARROLLAR EL PATROCINIO Y EL MECENAZGO DE LA CND en el marco regulatorio español. EL CASCANUECES / Ballet en dos actos Acto I El hogar de los Stahlbaum celebra la Navidad reuniendo en casa a toda la familia. Niños y mayores se juntan para intercambiar regalos y brindar por el nuevo año que pronto va a comenzar. Los hermanos Clara y Fritz juegan con primos y amigos, compartiendo los regalos que acaban de encontrar bajo el árbol. El concejal Drosselmeyer, padrino de Clara y hábil prestidigitador, regala a la niña un precioso cascanueces con forma de soldadito de madera que enamora a Clara por completo hasta el punto de que, cuando la fiesta termina y todos se van a dormir, la niña vuelve al salón, a escondidas, para encontrarse con su amigo Cascanueces. Al dar la medianoche, el salón es atacado por un ejército de ratas encabezado por su Reina, pero el Cascanueces cobra vida para, con su ejército de soldaditos, combatir a los ratones y salvar a Clara. Drosselmeyer concede entonces a Clara el regalo de viajar con el Cascanueces y cruzar con él el Reino de las Nieves, tras el que se esconden criaturas llenas de magia. Acto II Clara y el Cascanueces llegan a un Reino de los Sueños donde les reciben el Hada de Azúcar y el Príncipe Coqueluche, acompañados por un grupo flores bailarinas; allí conocen a visitantes de España, China, Rusia y Arabia, y participan de la fiesta que se celebra para honrar su visita. El Hada de Azúcar y el Príncipe Coqueluche muestran su elegancia y generosidad con su danza. Drosselmeyer, quien acompaña a la pareja, se mezcla con todos ellos y deja que Clara, en sus sueños, viva la mayor de las fantasías. EL CASCANUECES / DOS MUNDOS La Compañía Nacional de danza, dirigida por Joaquín De Luz, vuelve a poner en escena este gran título del repertorio clásico, El Cascanueces, con coreografía y dirección escénica de José Carlos Martínez, basado en el libreto de Marius Petipa e inspirado a su vez en el cuento de E.T.A Hoffmann, (adaptado por Alexandre Dumas). Para Martínez este cuento para niños y adultos flota entre dos mundos: los sueños y la realidad, lo consciente y lo inconsciente, la infancia y la edad adulta. Se sitúa la acción en la época de 1910, acentuando el contraste entre el realismo burgués de una fiesta familiar, y el imaginario de Clara, donde cohabitan sus deseos con sus miedos, imágenes maravillosas con otras mucho más inquietantes o fantásticas. La estrecha frontera entre el mundo real y el de la fantasía permite transportar al espectador a un universo mágico por el que viajará a través de los recuerdos de su propia historia. investigar y trabajar la relación entre terapia y arte. “El punto de partida de la iluminación de Cascanueces es, al igual que la historia y la mente de su protagonista, un viaje de libertad. Un viaje que parte de una atmósfera más realista, casa de los Stalhbaum, Navidad, noche, a un universo onírico sin límites. Tanto el espectador como los bailarines que están en escena, se sentirán cómodamente transportados a ese amplio universo por el que discurre la historia, envolviendo a todos en un mundo de color, imaginación y poesía. Un viaje sutil, armonioso, elegante, de cambios progresivos que vaya más allá de nuestros referentes históricos.” GIRAS CND 2020 SEVILLA Teatro de la Maestranza del 9 al 12 de enero Orquesta Sinfónica de Sevilla, director: Manuel Coves El Cascanueces / José Carlos Martínez Teatro Calderón 28 de febrero al 1 de marzo L’ Apès-Midi D’Un Faune / Cayetano Soto Por Vos Muero / Nacho Duato Enemy In The Figure / William Forsythe Auditorio Nacional de Música 8 de Marzo Orquesta Nacional de España - Solistas del Coro Nacional de España Compañía Nacional de Danza de España / Igor Stravinsky Coreografía: Blanca Li (creación original para la CND) VALENCIA Palau de les Arts del 26 al 29 de marzo Orquesta Sinfónica del Palau de les Arts, director: Oliver Díaz Carmen/ Johan Inger PERPIGNAN (Francia) Théâtre de L´Archipel 6 y 7 mayo Carmen/ Johan Inger Teatro Campoamor 16 mayo Orquesta Sinfónica de Oviedo, director: Manuel Coves Carmen/ Johan Inger Forum Evolución 23 de mayo Don Quijote / José Carlos Martínez SAN SEBASTIÁN Auditorio Kursaal 27 de mayo Don Quijote / José Carlos Martínez Plaza de Toros de Úbeda 5 de junio Don Quijote / José Carlos Martínez LUDWIGSBURG, Alemania Forum am Schlosspark Ludwigsburg​ 17 y 18 julio 2020 - 20h Programa Duato Por Vos Muero / Remansos / White Darkness ALBACETE Teatro Circo 3 de octubre, 2020 - Dirección: Joaquín De Luz Programa: Serenade /Concerto DSCH /White Darkness EE.UU.Boston, 23 y 24 octubre, 2020 New York (The Joyce Theatre) 27 - 31 de octubre Princeton el día 3 de noviembre, 2020 Programa Carmen / Johan Inger CANADÁ, día 7 y 8 nov, 2020 Programa Carmen / Johan Inger Teatro Real 17 al 21 de noviembre, 2020 - ESTRENO, Dirección: Joaquín De Luz Programa: Serenade /Concerto DSCH /White Darkness &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ayer, para todos los que estuvimos en el Teatro Real viendo al Ballet Moiseyev, fue una noche extraordinaria. Nos encontramos ante la compañía de autor más grande del mundo y también, junto con la de Martha Graham, la más antigua, pues fue fundada por Igor Moiseyev en 1937. Las coreografías están llenas de vigor, los bailarines despliegan una inmensa energía sobre escena con unos movimientos de tal dominio técnico que hacen posible lo imposible, como si fuera cosa de magia. Pero la magia, aunque parezca mentira viéndolos –como en la pieza “Partisanos” que cerró la primera parte- no existe y sí el enorme trabajo y las miles de horas de ensayo que hay tras él, pues han logrado una coordinación de pasos y movimientos semejante en su perfección a los engranajes de un reloj. Y una característica también única de la compañía: el arte de desplazarse por la escena. El bailarín casi nunca camina hacia un lugar del escenario, hace su danza y regresa al punto inicial sin más, no, nada de eso, cada movimiento forma parte de un todo continuo. Igor Moiseyev tiene en sus coreografías un estilo propio en el que el conjunto prima sobre la individualidad y domina como nadie la composición espacial. La danza fluye y emplea con frecuencia el dificilísimo elemento de la estructura circular. Sin embargo, tampoco descuida la teatralidad y el humor que surge de vez en cuando en chispazos, porque siempre transmite aquello que los franceses denominan la “joie de vivre”. Este abanico de coreografías mostrado en el espectáculo “Danzas de los pueblos del mundo” no decae nunca, y cada pieza es más original que la anterior. Igor Moiseyev era un ser prodigioso algo que queda claramente evidenciado en el fragmento de “Futbol”, un ballet creado cuando solo tenía 24 años del que ya nos separan casi el siglo desde su creación. Y es que nos encontramos ante un clásico, en el sentido de la famosa definición que del término hizo el torero Rafael el Gallo: “clásico es aquello que no se puede hacer mejor”. El espectador goza boquiabierto y le sabe a poco, pues los aplausos no cesan esperando un bis para que esa sensación de placer que nos han transmitido no se apague con la caída del telón. Nos encontramos, sin lugar a dudas, ante la mejor compañía de danzas de carácter del mundo. Agradecemos que conserve la pureza y el entusiasmo con que fue creada y aplaudimos la labor de su actual directora Elena Shcherbakova. Un pueblo que mantiene la esencia de lo creado con tal autenticidad permanecerá siempre frente a los avatares de la historia. MERCEDES ALBI Fotografías Evgeniy Masalkov

Elena Shcherbakova ha asumido la difícil tarea de suceder a Igor Moiseyev al frente de su compañía, y lo hace con total entrega y devoción. He tenido el placer de conversar con ella en plena gira, recién llegada a Madrid -donde actúan en el Teatro Real el 2 de diciembre- después de haber recorrido Sevilla, Murcia, Pamplona y San Sebastián. También viajarán a Zaragoza, donde se les podrá ver en el Auditorio Sala Mozart el 4 de diciembre. Elena tiene mucho que transmitir y es consciente del gran legado que reposa sobre sus espaldas, pues el Ballet de Igor Moiseyev ha sido su vida desde que entró en él como bailarina con 16 años, al término de sus estudios de ballet en la Escuela del Bolshoi en 1967, hasta que asumió en 2011 la dirección artística. Se encuentra muy feliz de que la compañía vuelva a actuar en España y retomar el contacto con el público tras 20 años de ausencia. Esto ha sido posible gracias a la productora rusa Tatiana Solovieva y el patrocinio financiero de Gazprombank, sin los cuales no podríamos disfrutar de este espectáculo único. P-¿Cómo nace la compañía de Ballet de Igor Moiseyev? -Igor Moiseyev se fue formando como coreógrafo desde las filas del Bolshoi, y su talento sobresalió de forma precoz siendo pionero en todo lo que desarrolló. Fue en los años 30 al ponerse en marcha las leyes de educación soviéticas, cuya finalidad era extender la enseñanza a todos los rincones de Rusia de forma igualitaria, cuando es enviado a las repúblicas rusas para ver lo que se puede hacer. El joven artista queda fascinado por la riqueza de las danzas locales. Entonces, en 1936 tiene lugar el primer Festival de Folklore Ruso y Moiseyev, que estaba encargado de organizar el apartado de las danzas, trae lo mejor de lo que ha visto por toda Rusia. Fue un gran éxito. Se dio entonces cuenta de que los artistas conectaban con el público por su enorme naturalidad. Comienza a ver el ballet clásico como algo artificial, como una cosa del pasado que contrasta con una nueva Rusia que surge de forma más terrenal y real. Será Igor Moiseyev el que encontrará el lenguaje dancístico de la Rusia que surge. -¿Y cómo pasa de la idea a los hechos? -Envió una carta al gobierno solicitando crear un “ensamble” de danzas. Curiosamente fue Moiseyev quien acuña el título de “ensamble” en Rusia, antes no existía, y ahora hay muchísimas compañías que allí se llaman “ensamble de…”. Pero eso es lo que siempre pasa con él, siempre abre caminos inexplorados. Aquellos artistas que acudieron al Festival del Folklore, serán aleccionados por Moiseyev para estudiar los fundamentos del ballet clásico, pues comprende que sin esta base no se puede bailar bien. Y los alumnos una reciben de Moiseyev sus enseñanzas regresan a sus ciudades para ponerlas en práctica, de forma que en toda Rusia surgen compañías nacionales por todas las regiones. Al mismo tiempo crea su compañía en 1937. Podríamos afirmar que el resurgir de la danza en toda Rusia ha sido gracias a Igor Moiseyev. -¿Fue Igor Moiseyev el primero que coreografió un ballet sobre tema de deporte, con su “Futbol” que podremos ver en el Teatro Real? -Bueno, sobre todo advertir que lo que veréis en el Real es una pequeñísima parte de “Futbol”, un fragmentito, porque el original es un ballet de gran formato. Y sí, por supuesto, fue Igor Moiseyev el primero en hacer esto. -¿Y los “Juegos” de Nijinsky de 1913? -“Juegos” es una pequeña pieza de tres bailarines sobre el tema de un flirteo amoroso, el chico y las dos chicas sí están en una pista de tenis, su tema no es precisamente el deporte. El primer ballet de gran formato basado en un deporte es “Futbol” de Igor Moiseyev. -¿De qué año es “Futbol”? -Es de 1930, Igor Moiseyev solo tenía 24 años. Unos artistas del Bolshoi estaban tratando de hacer la coreografía sobre Futbol y no les salía nada, el joven Moiseyev pasó por allí, le pidieron que les echase una mano, y… se encumbró como coreógrafo escénico titular del Bolshoi. También en esa época recibió el encargo de coreografiar los grandes desfiles deportivos en Moscú. -¿Quiénes son los maestros de Moiseyev? -Su profesor fue Alexander Gorski, que es quien dota al Bolshoi de esa enorme y única personalidad que tienen sus intérpretes masculinos; pero sus coreógrafos preferidos eran Mihail Fokine y Kasian Goliezovski. -¿Fue un gran innovador? -Totalmente. Igor Moiseyev creó un nuevo género. Lo que hizo él, no lo había hecho nadie y tuvo mucha oposición pues le criticaban diciendo que iba a convertir el Bolshoi en una cervecería. Por eso creó su propia compañía. -¿Cuál es el género de ballet que creó? -Moiseyev crea sus propias danzas de carácter escénico, hace lo que siente, no solo recibe la inspiración de las danzas rusas sino que abre su mente y su modo de percibir al mundo entero. Él no trata de recopilar sino solo de sentir y transmitir a su manera. En la Rusia soviética hay dos grandes coreógrafos que son Grigorovich en ballet clásico y Moiseyev en danzas de carácter. -¿Es diferente recopilar que sentir? -Sí, por supuesto. No se trata de recoger coreografías, ni de copiar y crear una especie de álbum. Fíjate por ejemplo, que no tienen danzas alemanas, ni tampoco francesas… Pero sí tiene la Jota Aragonesa. Hace lo que le emociona y lo recrea pasándolo por el tamiz de su inmenso genio creativo. -¿Cómo es la Jota de Moiseyev? -Es una música rusa porque es de Glinka que estuvo en España en el siglo XIX y compuso su famosa Jota. Moiseyev no copia la jota, coge los pasos y los interpreta a su manera, que digamos es como una forma rusa de ver la jota, no son estrictamente los pasos de la jota aragonesa. Hemos llevado la jota por todo el mundo, ya que nuestra compañía fue la primera compañía rusa que viajó al extranjero allá por el año 1945, y no hemos parado de girar. -Me han contado que Moiseyev toma los pasos de Pedro Azorín que actuó en 1966 en la Sala Tchaicovsky con el Ballet de María Rosa, y fue de ellos de quien recibió la inspiración al verlos bailarla. -Yo en esa época aún no estaba por lo que no puedo precisarlo. -¿Por qué no habéis venido a España desde hace 20 años? -Porque no nos habían invitado. En esta ocasión ha sido gracias a Tatiana Solovieva y a Gazprombank que ha prestado apoyo financiero. Tenemos un cachet con unos elevados costes, lo que dificultaba la contratación. Ten en cuenta que somos una compañía formada por unos 160 artistas. -¿Cuántos bailarines estarán sobre escena en el Teatro Real? -Hemos traído unos 80 bailarines, y también 35 músicos venidos desde Moscú que tocarán en directo en el Teatro Real. Estamos muy contentos de venir a España. La última vez fue en el 97 en el Liceo de Barcelona. Ya somos una compañía con mucha tradición, actualmente están en escena la séptima generación de bailarines, la inmensa mayoría formados en nuestra propia escuela, un 99%. -¿Habéis renovado el repertorio o solo hacéis las obras de Moiseyev? -Mantenemos totalmente las más de 300 coreografías de Moiseyev e incorporamos alguna. Por ejemplo, el programa que estamos exhibiendo en esta gira es totalmente clásico, en el sentido de que trata de mostrar las creaciones más emblemáticas de Moiseyev, una especie de carta de presentación. Si bien hay una coreografía de nueva que es la Danza Aguidesa “Tiyapatet” de Aslan Khadzhaev. Nos gusta incorporar nuevos trabajos y nuevos coreógrafos y los buscamos, pero siempre manteniendo el nivel y el legado de Moiseyev. Por ejemplo, hemos la última incorporación se llama “Tango de plata” y es obra de Laura Roatta. -¿Desde cuándo formas parte del Ballet de Moiseyev? -Entré con solo 16 años de bailarina, bailé durante 23 años. -¿Cómo entraste en la compañía? -Yo estudiaba en la escuela de Ballet del Boshoi, mi madre era Valentina Pietrova, una destacada bailarina de carácter del Boshoi, y entré en la compañía de Moiseyev porque me fasciné tanto cuando vi la coreografía “Rock and roll” que decidí que quería bailar con ellos o con nadie. Y así lo hice, pero ten en cuenta que entonces fue una decisión arriesgada porque el Boshoi era muchísimo más importante que el Ballet de Moiseyev. Luego fuimos escalando posiciones y nos situamos al nivel del Boshoi en danzas de carácter, incluso, me atrevería a decir que por encima. -¿Cuándo te eligieron para la dirección? -En 1992 el propio Moiseyev me nombró directora ejecutiva de la compañía, porque dijo que quería alguien que valorase la creatividad y el arte. Fue un gran honor para mí. Luego al fallecer el maestro en 2007, como se temía que viniera alguien de fuera, tuvimos un consejo de repetidores hasta mi nombramiento en 2011 como directora artística. Es una gran responsabilidad mantener ese sello que nos hace únicos. MERCEDES ALBI

¡Te animamos a disfrutar! junto con tu familia y amigos, de un espectáculo único, cargado de emoción. Creado durante la tercera edición del Encuentro con los Maestros, UN VIAJE DE IDA Y VUELTA es el trabajo coreográfico de Antonio Canales - Oficial, Rubén Olmo, Angel Rojas, Maribel Gallardo Gómez y Arancha Carmona, quienes han contado con la ayuda de Alex Torregrosa, en la dirección teatral y la de La Nueva Indiana, en la interpretación musical. La propuesta incluye la actuación de los artistas Antonio Canales y Maribel Gallardo. Con una duración aproximada de una hora y media, el público asistente a cualquiera de las dos funciones disfrutará del “Alma, Corazón y Vida” que definen el espíritu de las jóvenes promesas de la música y la danza que forman parte del espectáculo. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Antonio Canales, Rubén Olmo, Ángel Rojas, Maribel Gallardo y Arancha Carmona, además del joven coreógrafo Javier Moreno. DIRECCIÓN TEATRAL: Alejandro Torregrosa MUSICA LA NUEVA INDIANA: Francisco Fernández, Javier Vicente, Juan Manuel de las Heras, Carla Pérez y Pedro García, con la colaboración de Chema Saiz y Roberto Rioja. DANZA ARTISTAS INVITADOS: Antonio Canales y Maribel Gallardo. SOLISTAS: Javier Moreno, Paula García, Sandra García, Alba Franco y Coral Benitez. CUERPO DE BAILE: Alumnos en El Encuentro con los Maestros. ORGANIZA: María Herrera Gómez Entradas a la venta: Acceso entradas Auditorio Plácido Domingo de Montecarmelo Día 11/01/2020 19:30 h Acceso entradas Teatro Auditorio CPD Carmen Amaya Día 17/01/2020 a las 20:00 h. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Llevar al terreno de la danza española un rol de teatro tan emblemático con la Nora de la Casa de Muñecas de Ibsen, ya es por sí solo algo muy atrayente. Pero conociendo la trayectoria de Esther Tablas con Rajatabla Danza y las magníficas ideas coreográficas que elabora, la cita, que tuvo lugar en el Centro Cultural Paco Rabal, era ineludible. El reto se superó felizmente gracias a una puesta en escena y dirección artística (a cargo de Antonio C. Guijosa) muy acertada, en la que la única actriz-bailarina fluía sin caer en la monotonía, acompañada por la composición de Josete Ordóñez interpretada a las cuerdas de David Torrico. La dramaturgia muy bien adaptada a la danza, transitaba entre la ilusión de la recién casada al choque contra la realidad que la aprisiona, más sin embargo, la obra se aleja del tono trágico porque siempre existe una luz, una esperanza o una ventana que se abre hacia otra vida. Nora toma fuerzas y escapa. Nunca sabremos cómo le fue y es que quizá no es lo que importa, pues su sentido se encuentra en haberlo intentado. Esther se halla ahora en un momento de madurez, su danza es menos ligera, pero ha ganado en expresividad. Es un placer verla en escena, ver como evoluciona, se reinventa y sigue creando. “Se me ha hecho corto”, exclamó la espectadora que estaba sentada a mi lado, lo que certifica la superación con creces del reto afrontado asumiendo ella sola todas las danzas del espectáculo. En el lado invisible, la voz del veterano actor Manuel Galiana, que subió a recibir los aplausos y fue también "aplaudidor" de Esther y David. Fue un momento emocionante. Todo era estético, elegante, con un toque navideño como si fuera un cuento, una ilusión, un sueño que esperamos que Nora-Esther cumpla porque se lo merece. MERCEDES ALBI Fotografías MarcosGpunto

José Espinosa es incesante, no para, siempre nos sorprende con nuevas actividades que desarrolla desplegando la energía que poseen aquellos que aman lo que hacen y, contra viento y marea, conservan la ilusión del primer día. Ahora ha añadido a sus múltiples ocupaciones una nueva actividad: un programa de radio -en Hit Radio Huesca, 107.1- en el que entrevista a personalidades de la danza los miércoles a las 12 horas. Así, desde Huesca, la ciudad en que habita, no solo ha fomentado el interés por el baile a través de su Escuela (Espacio Danza), sino que ha situado a esta hermosa ciudad en el mapa de los eventos dancísticos más destacados. Y es que La Velada de la Danza de Huesca, de la que ya ha organizado 9 ediciones, se ha convertido en un referente para los profesionales del sector en España, que esperan con interés que José Espinosa confirme si tendrá lugar o no la décima edición. Le llamo para preguntarle sobre la cuestión. -Hola José, dime… ¿Te viene bien que hablemos? ¿Qué haces en este momento? -Hola, sí me viene bien. Tengo media hora. Estoy poniendo la escuela a punto para comenzar jornada… Ahora a las 5.30 tengo una clase de zumba de las mamis, Juan imparte hip hop, luego doy clase de ballet y otra de zumba... -No paras, no se de donde sacas tanta energía. -Cuando van bien las cosas todo se ve de otra manera, y la verdad es que la academia funciona bien; es cuando no algo no funciona cuando no tienes ganas de hacer nada. -Pero ¿No te agotas? -Soy feliz con lo que hago. Mira ayer cuando terminamos la jornada, aun tuvimos tiempo para bebernos un Lambrusco con unas tapas de longaniza y chorizo casero. Una delicia. -Bueno, no todo son buenas noticias, porque creo, y por eso te llamo que hay problemas para organizar la próxima Velada de la Danza, ¿No? -De verdad que me encantaría decirte que todo va “superbién” pero está en stand by. Si al menos contase como mínimo con el mismo apoyo que el pasado año… Pero no paran de advertirme que si no hay dinero, que si esto y lo otro… No está claro. -¿Ha habido pérdidas económicas en la pasada Velada? -Pues sí, nos hemos quedado con una deuda de 6 mil euros. Yo no organizo la Velada pensando en ganar dinero, no es ese el objetivo, pero tampoco me puedo permitir perder. -¿Alguna Velada te ha sido rentable? -La única vez que cerrado con superávit fue en la 3ª Velada que ganamos 100 euros. En el resto hemos perdido, unas veces más y otras menos. -¿Puedes seguir así? -Sinceramente, veo que van pasando los años y todo es mendigar y mendigar y no te acaban de decir o aclarar nada. -¿Peligra la próxima Velada? -La 10ª Velada que deseamos celebrar, tengo muy claro el tema, sería un homenaje a Alicia Alonso. Será espectacular, aunque es seguro que al menos tendré que reducir 3 cuartos de hora el programa. Lo haremos siempre que nos confirme el Ayuntamiento de Huesca. -¿Qué pasa con el INAEM? -El INAEM no nos ayuda, nos lo ha denegado de nuevo. Siempre le dan el dinero a los mismos, incluso me atrevo a afirmas que hay compañías que envían el mismo dossier que presentaron el año anterior. Nosotros seguimos sin ayuda, es como si no existiésemos para el Ministerio de Cultura. -¿Pero tampoco contáis con el apoyo del Gobierno de Aragón? -Es que con la situación política no se constituyó a tiempo… No llegamos. Ya te digo que entre unas cosas y otras, pues mendigando. -¿Estás desanimado? -Yo lo voy a intentar. Sabes que no soy de los que me dejo las cosas a la primer de cambio. Son 9 ediciones que hemos sacado adelante. Sigues, pero la gente alrededor mío me aconsejan “no lo hagas más”. Sin embargo, cuento con el apoyo de los artistas de la danza y de gente de toda España, incluso del extranjero, pero no me apoyan las instituciones. -¿Cual es la relevancia que tiene la Velada de Danza de Huesca? -Lo tengo muy claro porque es un espectáculo único en Huesca, aglutina los diferentes estilos de danza, se hace con muchísimo cariño… Es algo muy importante. Cada año hemos ido poco a poco a más. Las últimas 3 jornadas con Antonio Canales, Nacho Duato, Ballet Nacional de España… Han venido unos artistas increíbles. Tienen que apoyarlo. Hay que abrir nuevos horizontes y Huesca es uno de ellos. Estamos intentando que la danza llegue a las escuelas, que llegue a todo el mundo, porque danzar es el arte de la felicidad. MERCEDES ALBI

«Laurencia es un ballet único, una obra maestra de la gran estrella mundial Vakhtang Chabukiani» El Ballet Estatal de Georgia protagoniza el 15 de diciembre, una única actuación en el Auditorio del Kursaal de Donostia, donde presenta la obra con la que debutó Rudolf Nureyev Imagen del Ballet Estatal de Georgia en Laurencia, basada en el clásico Fuenteovejuna de Lope de Vega. Hace quince años, Nina Ananiashvili (Tbilisi, 1963) recibió la invitación del entonces presidente de Georgia Mikheil Saakashvili para asumir la dirección artística del Ballet Estatal de su país. Entre sus retos, recuperar el repertorio de Vakhtang Chabukini (1910-1992), considerado el legado que singulariza a la compañía georgiana. Dentro de un mes, el Ballet Estatal de Georgia protagoniza su segunda gira española bajo la era de Ananiashvili, que le llevará a las localidades de Logroño (14 diciembre), Donostia (15 diciembre), Zaragoza (19 y 20 diciembre), Terrassa (21 y 23 diciembre), Manresa (22 diciembre) y Valencia (26 y 27 diciembre)-, donde la compañía presentará tres programas diferentes: Fuenteovejuna-Laurencia, Pájaro de Fuego y Chopiniana, y el tradicional clásico navideño de El Cascanueces. Basado en la novela Fuenteovejuna (1619), del dramaturgo Lope de Vega, Laurencia (1939) se estrenó en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, con la legendaria Natalia Dudinskaya en el rol protagonista de Laurencia y el propio Chabukiani –coreógrafo de la obra- como Frondoso. «’Laurencia’ es un ballet único, una obra maestra de la gran estrella mundial de los años 40-50 Vakhtang Chabukiani. Fue un ballet muy popular en la época soviética, cuando se representaba en todas las compañías como el Bolshoi o el Kirov –actualmente Teatro Mariinsky-. Es un ballet muy hermoso, con una gran base clásica y gran cantidad de danzas de carácter», explica Nina Ananiashvili. Como índice de popularidad y dato anecdótico a la vez, añadir que, con apenas veinte años, Rudolf Nureyev (1938-1993) debutó como bailarín, interpretando esta pieza. Perteneciente al género de coreodrama, Laurencia fue el primer exponente de un nuevo lenguaje coreográfico que mezclaba con soltura el ballet y las danzas folclóricas. Preocupada por la creciente desaparición de las danzas de carácter de las nuevas versiones de los clásicos, la otrora estrella del Bolshoi Ballet y del American Ballet Theatre recalca la fuerte presencia de éstas en la coreografía, que la define como ‘el estilo Don Quijote’, «porque no hay muchos ejemplos del estilo español en el mundo del ballet: ‘Don Quijote’ y poco más», aunque reconoce que «es imposible bailar de forma tan hermosa como un bailarín español profesional; no es la típica danza española sino una versión estilizada o traducida al ballet clásico». Absolutamente convencida de la importancia de recuperar el legado de Chabukiani y, sobre todo, Laurencia, Ananiashvili la califica como «una carta de presentación de Georgia y una piedra angular del repertorio de la Ópera y del Ballet del Teatro de Tbilisi». Aunque el Teatro Estatal Académico de Ópera y Ballet de Tbilisi (Georgia) se fundó en 1851 y la tradición balletística fue instaurándose en esa región a finales del siglo XIX, se considera que la fecha de nacimiento del Ballet Estatal de Georgia fue el 27 de diciembre de 1936, con el espectáculo Mzechabuki (“El corazón de la montaña”), coreografiado por quien fue el director de la compañía durante décadas, Vakhtang Chabukiani, de quien subraya su enorme aportación a la hora de revalorizar el papel del hombre en el ballet. «Antes la danza masculina era pobre e infravalorada; él fue uno de los primeros reformadores de la danza clásica masculina y lo que quizás mucha gente no sepa es que fue el creador de las conocidas variaciones masculinas de ‘Le Corsaire’ o ‘La Bayadère’, entre otras». Su balance de los tres lustros al frente del Ballet Estatal de Georgia es altamente positivo, pese a las dificultades, «tienes que pensar hasta en el más mínimo detalle: qué tienes, qué bailarines necesitas, qué necesitas para convertir tu compañía en algo único, porque, en la actualidad, el repertorio de todas las compañías es casi el mismo. Estoy satisfecha porque, hoy día, la compañía es más joven y versátil que cuando entré: actualmente son capaces de abordar obras impensables hace diez años. Nuestra singularidad es el legado de Chabukiani», confiesa. Con las «buenas sensaciones» de la gira española de 2015, Nina Ananiashvili no pierde la ocasión de animar al público para disfrutar del Ballet Estatal de Georgia y de Laurencia. «Me resulta muy difícil definir una obra, así que lo mejor es venir y verlo en persona. ‘Laurencia’ es un ballet diferente a lo que habrán visto con anterioridad y merece la pena tener la oportunidad de disfrutarlo», finaliza la directora artística georgiana. Iratxe de Arantzbia

Espero a Tati en la academia Amor de Dios donde cada mañana imparte sus clases. Allí se respira una atmósfera especial. Sentada en la recepción admiro ese aspecto añejo de los suelos desgastados a fuerza de taconear, escucho el sonido de los zapateados que se intensifican al marcar del maestro. La luz de la mañana que se filtra por las ventanas queda mezclada con la eléctrica de las bombillas y me doy cuenta de que en cierta forma allí dentro no importa lo que pase fuera, si es de día o de noche ellos se iluminan con su propia luz. Aparece camuflada con una gorra, a su aire, como es ella, siempre única. Tiene unos ojos tan expresivos que hacen que su rostro varíe sin esfuerzo desde la fiereza de un drama hasta el humor de quien sabe ponerse el mundo por montera. Y es que estamos ante una actriz total. Su personaje no se agota en la sin par bailaora. También hizo incursiones en el teatro interpretando personajes tan fuertes como la Medre Coraje de Bertol Brech o la Bernarda Alba lorquiana. Cruzamos la calle hacia el café Santa Isabel. Todo el mundo la conoce, no podría pasar desapercibida ni aunque lo intentara. Nació para la escena en toda la extensión de la palabra, porque en realidad ella fue la que transformó el mundo en un escenario a su medida. La niña de la calle Toledo que espiaba las clases de La Quica por un tragaluz, tuvo la fuerza de hacerse a si misma como su mejor discípula. He ido a regalarle el libro que he escrito sobre su maestra: “Dolores de Pedrosos y La Quica, dos mujeres unidas por la danza” (ed. Cumbres) y conversamos sobre sus recuerdos. -¿Qué significó para ti La Quica? -Para mí lo ha sido todo, considero que La Quica fue como mi segunda madre. Recuerdo cuando me enteré de su muerte… Fue en Torre Bermeja, yo acababa de regresar de gira y me encuentro allí con Faíco, me dice: “¿Sabes quién se ha muerto?... La Quica”. Me llevé una impresión terrible, me fui directa a su academia, donde yo había prácticamente convivido con ella. Su hija estaba recogiendo las cosas. Me vió llorar tan desconsolada que me reconoció. “Tu eres La Tati, ¿Verdad? Llévate lo que quieras porque mi madre te quería mucho”. -¿Qué te llevaste? Un mantoncillo, un abanico y una suya de una entrevista que le hicieron en ABC. -¿Cómo fue que conociste a La Quica? -Verás, yo bailo por intuición, no me viene de familia ni nada. Pero eso sí, me crié en un barrio rodeada de familias andaluzas. Y yo por instinto me acercaba siempre a lo bueno. Me han atraído los grandes artistas, no porque fuesen famosos o importantes sino por su arte. Y los guitarristas por ejemplo he estado con los mejores, Sabicas, Paco de Lucía… Siempre me he “arrimao” a lo bueno. -¿Naciste en el barrio del Rastro? -Sí, nací en la calle Toledo 104. Había cinco familias andaluzas en la casa. Lola de Córdoba me cortó el cordón umbilical, también a mi hermana se lo cortó ella, y como si fuera cosa de brujas fuimos las únicas de los hermanos que estamos vivas. Yo sentía la danza, y en aquel ambiente de cante y bullicio que se respiraba en el Rastro bailaba a la menor ocasión y bailaba de todo. En los años 50 el éxodo hacia la capital fue tan grande que podría decirse que Madrid se convirtió en la novena ciudad de Andalucía, y yo me he criado con eso. La Quica en casa de Richard Burckle (1953) -¿Nadie te enseño a bailar? -Yo quería aprender, era una niña y fui a la academia de Rafael Cruz, que fue muy amable conmigo. Recuerdo que tenía dos caniches blancos, pero a mí no me acababa de gustar. A mi la que me gustaba era La Quica. -¿De qué la conocías? -Yo conocía mucho a su sobrino Pedrito y siempre que me veía bailar en el Rastro me decía, “tengo que llevarte a que te vea mi tita”. Yo sabía de ella porque me fascinaba. Y la observaba por un tragaluz en el bar Valdivia, que estaba encima de su academia y la veía pasar. Me parecía una mujer tan elegante… Casi nunca salía, porque allí tenía su estudio y la vivienda. Solo iba los domingos a escuchar misa a San Isidro. Yo la seguía. Mira, andaba así (La Tati se levanta y se pone a caminar con ademán distinguido). Andaba muy andaluza, tenía mucho porte, llevaba un moño así recogido, y yo esperaba hasta que salía de la iglesia solo por verla. Fue el día de la Paloma cuando su sobrino me dijo, “ven que te va a conocer mi tita”. -Sería un día inolvidable. ¿Qué pasó? -Fuimos a la academia y Pedrito le dijo: “mira Tita, verás que gracioso baila.” La Quica me preguntó por qué sabía bailar; le contesté que por todo. Y le dijo al guitarrista que tocase por tanguillos. Me pongo a bailar y ella se moría de risa… -¿Le gustaste? Le hice mucha gracia, porque yo era una niña muy graciosa. Quería darme clase, pero ni de lejos tenía las 75 pesetas que cobraba a la semana. Pero era tan generosa. Me dejó que me quedase a cambio de ayudarla a hacer recados, a limpiar la academia o en lo que pudiese colaborar. Y me pagaba por mi trabajo. Terminé durmiendo allí, me dio muchos platos de comida. Mi primer trabajo como artista también me lo buscó ella. Mi danza se desarrolló en aquel lugar. Nunca olvidaré la primera vez que vi a La Quica bailar con su bata de cola y me quedé tan prendada que no tuve ninguna duda: “eso es lo que quiero hacer hasta el último día de mi vida”. Aquí está. Esta es ella bailando las alegrías con su bata de cola (y La Tati señala la portada de mi libro) -¿Cómo definirías su carácter? -Era muy generosa, muy buena, una mujer seria, austera y con un corazón que no le cabía en el pecho. Pasó muchas fatigas… -¿Pasó hambre? -No en la época que yo la conocí, no pasaba hambre. En casa de La Quica siempre había chorizo, jamón y le regalaban cosas. No era rica, pero nunca le faltó de nada porque no paraba de trabajar y tenía su academia. La que pasaba hambre era yo. -¿No tenías comida? -Eran años muy duros. Algunos días me acostaba habiéndome bebido un vaso de agua y nada más. Mi padre estaba en la cárcel por motivos políticos. Mi madre tenía un puesto en el Rastro y si no vendía nada pues ese día no había para comer. Pero no mendigábamos, sino todo lo contrario, tratábamos de disimular que no teníamos que comer. Era una cuestión de orgullo. Mi abuela, por ejemplo, ponía un puchero en el fuego para hacer como que cocinaba y solo contenía agua. Imagínate que cuando estaba en la academia de La Quica y llegaba la hora de comer, hacía como que iba a mi casa, para que no vieran que no comía. Me quedaba esperando sentada en una plaza a que pasara la hora en que calculaba que terminaban. Entonces una vecina, que era muy buena persona, me vio y se lo contó a La Quica… “Ponle y plato de comida” dijo y ya no me dejó marchar. Esa es la vida que me tocó vivir, pero me hizo fuerte. Luego cuando he podido ganar dinero he ayudado como ella hizo conmigo a otros que lo necesitaban. -¿Te pareces a La Quica en tu forma de bailar? -En mi forma de bailar, no me parezco, sí tengo cosas de La Quica como la bata de cola, los hombros… Mi baile era más salvaje, yo metían los pies, pegaba saltos, a ella no le gustaba eso. Era muy seria. Miraba el flamenco y el arte con la seriedad que merecen. No te reía las gracias, no se casaba con nadie. Era austera, seria, que es como hay que ser para el arte, no toleraba las pantomimas, no como ahora que los hay que parecen clones del circo… Pero sí tengo cosas de ella, como sus alegrías con bata de cola que fueron con las que yo debuté. Una vez vino su hija Mercedes León a verme al Teatro de la Villa, y vino al camerino emocionada a decirme que le había recordado a su madre “no por tu forma de bailar, sino por tu esencia”. Yo bailo muy fuerte de pies pero hay cosas, en las poses en los silencios que son de mi maestra La Quica. Ella era bolera pues había aprendido en Sevilla directamente de los Pericet. A mí me tiraba más el flamenco porque me da más libertad que el clásico. Yo me considero flamenca. Pero siempre estuvo en mí. Y sobre todo me di cuenta de su enrome influencia sobre mi cuando me puse a enseñar. Yo imparto mis clases como ella me enseñó que se hacía. Tomo como ella muy en serio mi trabajo. -¿Cuál fue tu primer trabajo? -Yo entonces trabajaba de aprendiza de sastra… Y La Quica, que conocía a todo el mundo, se entera que necesitaban bailaores en el Zambra. Le dijo a su hijo Manolo, que tenía una Vespa - me quemé con el tubo de escape-, que me recogiera y que me hicieran una audición. La Quica estaba segura de que me cogerían y así fue. -¿Quién bailaba entonces en Zambra? -Estaba el cuadro flamenco de Rosa Durán. Había artistas magníficos. Pericón de Cadiz, El Gallina, Manolo Vargas, Perico el del Lunar, Bernardo el de los Lobitos. Sucedió que como Rosa Durán iba todos los años a actuar a París al Teatro de las Naciones, necesitaba gente para suplir las ausencias. Yo entré a prueba, pero cuando me vió Rosa Durán y el Sr. Casares que era el dueño del local, quisieron que me quedase y estuve allí año y pico. Luego pasé al Patio Andaluz, a La Parrilla del Alcázar (que luego fue la famosa discoteca llamada Alcalá 20 que se incendió) y a Torres Bermejas. Yo era menos de edad y me tenía que esconder, cumplí la mayoría de edad trabajando allí. -¿Cómo definirías tu estilo de flamenco? -Me han dicho muchas veces “tu estilo tiene mucho de gitano, pero levantas los brazos como las antiguas”, y esto es lo que me he quedado de ella, de La Quica. Mi estilo es muy personal. Me puedes ubicar en Jérez o en Cataluña. Y he marcado estilo en algunos palos, por ejemplo, se dice “vamos a bailar los tangos de la Tati”… También mis bulerías. Soy muy rítmica, absolutamente rítmica. Con la madurez he ido saboreando el baile lento y he aprendido a recrearme en la quietud. -¿A quien recuerdas que te gustara mucho como bailaba? -He estado con todos los mejores de la historia. El próximo año cumplo mis 60 años en el Teatro. He visto tanto, he conocido a los mejores: Rosario, Antonio, Pilar Lopez… Antonio me llevó a impartir clases cuando estaba de director del Ballet Nacional. Yo estaba entonces en el Teatro de la Danza de Luisillo y él venía mucho por allí. Lo malo fue que no estuve más que un mes porque le echaron y me quedé sin cobrar. Así que puedo decir que yo he regalado mi trabajo al BNE (bromea). Han sido tantos los artistas con los que he trabajado. Paco de Lucía, Camarón, el Lebrijano, he sido pareja de El Güito, de Manolete, de Marío Maya; he sacado en mi compañía a Joaquín Cortés… -¿Te gusta como se baila actualmente? -Lo que no me gusta de ahora es que todo el mundo baila igual y cada una aprende de otra y los pasos que hacen son de la anterior… y llega un momento de que todas bailan igual, los pasos la forma y el estilo es el mismo, cosa que antes no sucedía. A Mario Maya le copiaron pero es único, Antonio era diferente, también Luisillo… Los artistas que se formaban lo hacían sobre el tablao, a veces recibían el reflejo del grande pero no le copiaban. Todos nos hemos “fijao” en alguien pero no lo has calcado. Yo he ido cogiendo cosas de las bailaoras que me han gustado. Aquellas mujeres a las que tuve el placer de admirar no tenían alumnos, tenían solo seguidores. Y es que crear escuela es muy difícil. -¿Por qué es tan difícil? -Porque el secreto de crear escuela consiste en poder desprenderte de tu yo y se capaz de modelar bailarinas con personalidad, no copias tuyas. Ojo, que no estoy diciendo que no haya buenos artistas, que hay muchos, pero veo que falta algo de autenticidad con el excesivo academicismo. Pero los bailarines no tienen la culpa de esto, es una consecuencia de la falta de trabajo, les falta teatro, el formarse sobre el escenario. -¿Y tus vivencias en el teatro? -Me encanta la interpretación teatral. He hecho muchos papeles en obras, tenía mi propia productora (Tati Producciones SL) y pusimos en escena 7 obras y fui nominada 7 -veces a los Premios Max. He sido muy feliz con mis personajes. -¿Qué consejo darías a los que sueñan con el escenario? -Yo tengo un lema en la vida: respeta para que te respeten porque el respeto se gana. Y si la gente me respeta y me quiere es porque soy honesta con mi vida y la de los demás. Ese es mi consejo: se siempre tu mismo. MERCEDES ALBI