En la Sala Roja de los Teatros del Canal, los días 26, 27 y 28 de julio, tendrá lugar el programa de celebración de los 40 años de la Compañía Nacional de Danza. PROGRAMA GALA 40 ANIVERSARIO CND POR VOS MUERO. Nacho Duato L'APRÈS-MIDI D'UN FAUNE. Cayetano Soto LES NOCES. Andonis Foniadakis DON QUIJOTE SUITE. José Carlos Martínez COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, 1979-2019 #40aniversarioCND Fundada en 1979 (por entonces bajo la denominación de Ballet Clásico Nacional – Ballet Nacional Clásico), la Compañía Nacional de Danza (CND), unidad dependiente del INAEM, lleva 40 años en danza, por el mundo y por la historia, combinando reputadas piezas contemporáneas, obras de autores nacionales y extranjeros, creaciones neoclásicas y ballets clásicos de repertorio. Acaban de despedir 2018 congregando a más de 20.000 espectadores en torno a las funciones de El Cascanueces, el segundo gran título clásico que la CND aborda bajo la dirección de José Carlos Martínez, y celebran la llegada de 2019, un intenso año en el que conmemorarán sus cuatro décadas de historia. Las actuaciones para celebrar su 40 aniversario arrancan en Lyon, del 8 al 13 de febrero, donde interpretarán en la Maison de la Danse su exitoso Don Quijote. Ya en marzo, pondrán en gira un programa de coreógrafos españoles (integrado por Absolutio, de Altea Núñez; Jián, de Iratxe Ansa e Igor Bacovich; Odila, de Mario Bermúdez y la emblemática Por vos muero, de Nacho Duato, programa que les llevará al Teatro Circo de Albacete y a otros destacados escenarios como el Graf-Zeppelin-Haus (Friedrichshafen) o el Theater Bonn (Bonn), en Alemania. En abril, se presentará en el Teatro Colón de Bogotá (Colombia) con la aplaudida Carmen, de Johan Inger. Tras su gira francesa en mayo (en la que combinará los programas Una noche con Forsythe y Carmen), la Compañía desembarcará entre el 1 y el 9 de junio en la Sala Roja de los Teatros del Canal con el programa Forsythe, antes de viajar con su Don Quijote al Teatro Principal de Palma de Mallorca los días 15 y 16 de ese mismo mes. El 6 de julio la CND volverá a estar presente un año más en el Festival de Música y Danza de Granada con un variado programa que incluirá el estreno de Sombrero de tres picos de Léonide Massine, así como Por vos muero, de Duato, y las Sonatas de José Carlos Martínez. Como colofón final de temporada, la Compañía regresará a los Teatros del Canal los días 26, 27 y 28 de julio para celebrar su gala 40 aniversario con los estrenos de L'après-midi d'un faune, de Cayetano Soto, y Les Noces, de Andonis Foniadakis, combinados con otras piezas de su repertorio. Compañía Nacional de Danza 1979-2019 - 40 aniversario La Compañía Nacional de Danza (CND), lleva 40 años “en danza” por el mundo y por la historia, combinando reputadas piezas contemporáneas, obras de autores nacionales y extranjeros, creaciones neoclásicas y ballets clásicos de repertorio. José Carlos Martínez ha diseñado un intenso programa para este año en el que conmemoran cuatro décadas de historia. La actual Compañía Nacional de Danza (CND), que dirige José Carlos Martínez desde hace ya casi ocho años, es la prueba fehaciente de que el proyecto de una compañía nacional híbrida de calidad es hoy una realidad. Martínez ha demostrado en este período que, con esfuerzo y creatividad, se pueden hacer muchas cosas. 40 años de puro arte La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico y tuvo como primer Director a Víctor Ullate. En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George Balanchine y Anthony Tudor. Además, María de Ávila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de Director estable que desempeñó hasta diciembre de 1990. En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora Artística del Ballet, Maya Plisetskaya, extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación que bajo una factura netamente contemporánea alcanzó un gran éxito internacional. En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año. El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José Carlos Martínez como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su cargo el 1 de septiembre de 2011. Una de las metas de José Carlos Martínez era combinar piezas de reputados coreógrafos de nuestro siglo, con creaciones de lenguaje académico (ballet clásico). Desde que tomara las riendas de la compañía en septiembre de 2011, la equiparación, en el seno de la compañía, de los perfiles más contemporáneos con los académicos ha sido una de las grandes apuestas de la actual dirección. Así durante la “era Martínez” se han puesto en pie obras como Don Quijote o El Cascanueces, de factura puramente clásica, y al mismo tiempo se ha abierto las puertas a nuevos creadores de nuestros días con programas abiertamente contemporáneos. Su preocupación por la creación de nuevos públicos a través de programas educativos, así como numerosas actividades paralelas que involucran al público que sigue a la compañía, completan la radiografía de una CND en pleno proceso de expansión. En cifras, Martínez ha puesto en pie 23 nuevas creaciones y 47 reposiciones. Una cifra enorme para una compañía sin teatro propio. Para esta temporada hay 85 espectáculos previstos y el cuerpo artístico ha aumentado a 50 bailarines, lo cual le permite acometer grandes producciones clásicas y neoclásicas, que requieren un cuerpo de baile más numeroso sobre el escenario. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Arranca hoy la undécima edición de Valencia Endanza que finalizará con una Gala benéfica en la Rambleta el día 27 El curso internacional reúne a 180 alumnos de siete nacionalidades que podrán optar a becas y estancias en prestigiosas compañías e importantes escuelas internacionales La danza española adquiere mayor relevancia de edición a edición e incorpora un curso de metodología y una masterclass específica La Asociación Esencia Danza, presidida por la ex bailarina profesional y docente Pilar Martí Murciano, inaugura hoy la undécima edición del Curso Internacional Valencia Endanza, bajo la dirección artística del también docente y ex bailarín profesional Diego Brichese, que tiene lugar entre los días 15 y 27 de julio. En total, el número de participantes asciende a 180 alumnos y alumnas de siete nacionalidades (Estados Unidos, Japón, Países Bajos, Bélgica, Italia, Grecia y España). Durante dos semanas, bailarines profesionales y docentes de gran talla internacional impartirán clases dentro del Intensivo Valencia Endanza (Danza clásica, Puntas/ Técnica de varones, Paso a dos, Repertorio, Talleres Coreográficos, Carácter, Contemporáneo y Jazz, 15-27 julio), Intensivo Danza Española (Danza clásica, Escuela Bolera, Danza Estilizada y Talleres Coreográficos, 15-27 julio), y Metodología para profesores (Curso específico de la Técnica Bournonville, impartido por la prestigiosa maestra y especialista en la materia Dinna Bjørn. Clases teórico-prácticas y asistencia como oyente a todos los intensivos de danza clásica, 22-26 julio). Una de las grandes novedades de esta edición es la incorporación del curso de Metodología de la danza española (22-26 julio), que será impartido por la maestra repetidora del Ballet Nacional de España, Maribel Gallardo, y se centrará en la escuela de Victoria Eugenia, ‘Betty’. IMPORTANTE: Los programas de metodología para profesores ofrecen créditos formativos avalados por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Comunidad Valenciana. Tras el éxito cosechado en ediciones anteriores, Valencia Endanza refuerza su oferta de Masterclass con la primera bailarina Anna Tsygankova (Het Nationale Ballet de Ámsterdam), que impartirá unas clases magistrales a los tres niveles de clásico, los días 25 y 26 de julio. Además, Arantxa Carmona, directora del Real Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’ de Madrid y destacada docente en el ámbito del folclore y la Escuela Bolera, ofrecerá unas clases magistrales para nuestros alumnos de Español I y Español II, el jueves 25 de julio. Por cuarto año consecutivo, el Institut de Educació Secundaria Abastos (Calle Alberique, 18) albergará las clases magistrales de Valencia Endanza. Retornar a este maravilloso espacio no habría sido posible sin la colaboración de la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Comunidad Valenciana, del Ayuntamiento de Valencia y del equipo directivo de IES Abastos, tras la satisfactoria experiencia de las tres ediciones anteriores. El Curso Internacional Valencia Endanza finalizará con la gala benéfica de clausura del curso, que tendrá lugar en el Espai Rambleta, el sábado 27 de Julio, y en la que se mostrarán los resultados de los talleres realizados. Estancias de lujo Asimismo, durante la Gala de Clausura de Valencia Endanza 2019, se anunciarán las estancias que otorgan prestigiosas compañías y escuelas europeas para perfeccionar la formación y facilitar la inserción en el mundo laboral de algunos participantes. Ballet Nacional de España: el BNE, dirigido por Antonio Najarro y a cuya dirección se incorpora Rubén Olmo el próximo mes de septiembre, entregará una estancia de una semana, a un participante en el Taller Intensivo de Danza Española. Durante ese periodo de una semana, la persona seleccionada podrá participar en clases y ensayos con el BNE. Introdans: La compañía Introdans (Países Bajos) otorgará una estancia de una semana durante la temporada 2019/2020, a un alumno de Valencia Endanza. La estancia está supeditada a que exista un alumno que se ajuste al perfil de la compañía y será el equipo directivo junto al claustro de maestros invitados quienes realizarán la selección. Nuremberg Ballet: ofrece una estancia de una semana para que un alumno/a pueda tomar clases con la compañía y participar en los ensayos de la misma. La compañía alemana está dirigida por el madrileño Goyo Montero (Premio Nacional de Danza 2011), desde la temporada 2008/2009, quien la ha posicionado como una de las compañías contemporáneas referentes en Alemania, donde les ha obtenido el German Dance Award, en 2018. La concesión de esta estancia está supeditada a que haya algún candidato/a que se ajuste al perfil requerido por la compañía teutona. Royal Ballet School de Londres: ofrece una estancia para un alumno de Valencia Endanza y dos certificados de acceso directo a dos estudiantes, bien para el curso de Semana de Pascua, bien para el curso de verano. La estancia y los certificados se otorgarán siempre que haya algún participante que se ajuste al perfil determinado por The Royal Ballet School, dirigido por Christopher Powney. *Para ampliar la información sobre cada uno de los profesores, consulte en la web RESUMEN DE LOS DATOS INTENSIVO CLÁSICO Alumnado: A partir 10 años. Niveles: Clásico I (10-12 años), Clásico II (12-14/15 años) y Clásico II (A partir de 15 años). Estilos: Danza clásica, Puntas/ Técnica de varones, Repertorio, Paso a dos, Talleres Coreográficos, Carácter, Contemporáneo y Jazz. Fechas: 15-27 de julio. Lugar: Institut de Educació Secundaria Abastos (Calle Alberique, 18). Alojamiento concertado: Residencia La Concepción (Avda. de Suecia, 23). INTENSIVO DANZA ESPAÑOLA Estilos: Danza clásica, Escuela Bolera, Danza Estilizada, Talleres Coreográficos. Niveles: Español I y Español II. Fechas: 15-27 de julio. Lugar: Institut de Educació Secundaria Abastos (Calle Alberique, 18). Alojamiento concertado: Residencia La Concepción (Avda. de Suecia, 23). CURSOS DE METODOLOGÍA PARA PROFESORES Alumnado: Profesores de danza. Temario: Curso específico de la Técnica Bournonville y también Curso de Metodología de la Danza Española-la escuela de Victoria Eugenia, ‘Betty’. Clases teórico-prácticas y asistencia como oyente a todos los intensivos de danza clásica y de danza española, respectivamente. Créditos formativos: avalados por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Comunidad Valenciana. Fechas: 22-26 de julio. Lugar: Institut de Educació Secundaria Abastos (Calle Alberique, 18). Alojamiento concertado: Residencia La Concepción (Avda. de Suecia, 23). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Me encanta Tatiana Solovieva. Tiene un armonioso rostro de rasgos eslavos que indudablemente inspira calma, pero sus ojos de un azul vivo denotan una chispa discordante y rompedora, desvelan que esa niña nacida en los Urales, en la ciudad de Perm, no estaba hecha para quedarse quieta. No suele ser protagonista porque siempre trata de ceder este cetro a los demás, a los artistas rusos de cuyas compañías es productora y gira por España. Pero lo cierto es que Tatiana ya es uno de los nuestros por la significación de los proyectos de ballet que desarrolla, por su calidad, por su perseverancia y por tantas cosas que es difícil poderle agradecer. Ella siempre nos trae belleza. En el mes de julio, como cada año, fiel a su cita en el Teatro EDP Gran Vía, disfrutamos del Ballet Clásico de San Petersburgo de Andrey Batalov, con un Lago de los Cisnes cuyos roles principales nos transportan y nos arrebatan porque nos hacen sentir. La Odette/Odile de Ekaterina Bortiakova con un dominio técnico de absoluta coordinación en cada una de sus poses, pasos y gestos, fue conmovedora; y un Sigfrido de Nikolay Nazarkevich que desde el inicio te conquista con su elegante perfección. Tatiana ama lo que hace, eso se nota, es su motor vital contra el viento y marea de las circunstancias. Tiene madera de vencedora y, personalmente, opino que lo es. La conozco desde hace años, pero siempre descubro nuevos aspectos de su personalidad, tal vez porque la Tatiana “oculta” suele camuflase para que sean los demás los que brillen por ella. Es una mujer cultísima e inteligente, cuya peripecia vital es impresionante y con la que estarías conversando hasta la eternidad sin aburrirte. -¿De dónde procede tu amor por las artes? -Es algo que siento desde niña. Cuando solo tenía 6 años cantaba en la Escuela Coral de Perm; intenté compaginar mis estudios de música con la danza, pero en la escuela teníamos 8 horas semanales de canto, 2 horas de piano, una de solfeo más otra de historia de la música, por eso no me daba tiempo de asistir a todas las clases de danza; después actué como pianista, impartía conciertos-conferencias sobre la música… También cantaba en varios conjuntos de música ancestral rusa. Adoro desde siempre el folklore de la Rusia profunda, que nada tiene que ver con el folklore tipo “souvenir”. Si amas algo, tienes la necesidad de darlo a conocer, de compartirlo. -¿Cuándo comenzaste a compartir con los demás? -Ya en la época de universidad organicé grupos de músicos con los que recorríamos la geografía rusa. En estas actuaciones yo hacía de presentadora, pianista acompañante de cantantes e instrumentistas, y cantaba a capella canciones de folklore auténtico ruso que yo me preocupaba de recuperar y rescatar. Desarrollé un trabajo de investigación que ha sido muy importante para mi. Viajaba todos los veranos por los pueblos buscando canciones, después las convertía en partituras y escribía artículos, también como crítico musical y, bueno, un montón de cosas… Después entré como artista del Teatro Musical de Moscú de V. Nazarov y con ellos viajé actuando por el mundo. Así conocí España. Fue en 1990. Pasamos aquí casi tres meses enteros durante dos giras; y la segunda, recuerdo que fue en noviembre con motivo de la visita del presidente Gorvachov. -Pero tú llevas produciendo aquí muchísimos años. Eres parte de la danza en España ¿Cuantos años llevas? -27 años. -¿Conoces entonces perfectamente el terreno sobre el que pisas? -Lo mejor es que tengo un grupo de artistas de una grandísima calidad, no solo profesional sino también humana. Nos conocemos muy bien gracias a todo lo que hemos compartido juntos durante las giras. Por eso confío totalmente en ellos, sé que no me van a fallar, ni son del tipo de personas que te clavan una daga por la espalda. Son rápidos, eficientes, positivos… -Pero ¿Cómo lo haces? ¿Tienes algún secreto oculto? -Veras, yo llevo varias compañías que siempre están girando, y recibo continuamente propuestas de artistas que quieren que produzca sus espectáculos. Mi secreto: solo trabajo con los que a mí me gustan. Me tienen que producir una vibración especial, tengo que sentir su arte, su calidad, no todo es lo mismo aunque hayan nacido en Rusia. -Por ejemplo ¿Podrías contarme cómo surgió este Ballet Clásico de San Petersburgo que estamos viendo aquí? - Yo conocía a sus fundadores de la época en que bailaban en el Ballet Imperial Ruso, una compañía privada que contaba con el apoyo de Maya Plisetskaya, con ella trabajé durante unos diez años… Te contaré algo curioso. Verás, cuando en alguna gira surge algún imprevisto, es cuando aprendes a dilucidar quien es capaz de prestarte su hombro. Eso fue lo que pasó, hubo un enorme problema y me di cuenta del valor de los que me ayudaron a solucionarlo. -¿Qué problema? -Me salvaron de una catástrofe. Me ayudaron dos artistas… -¿De qué te salvaron? -Sufrí un grave imprevisto. Yo traía al Ballet de Camagüey desde Cuba… Y entonces de repente, una semana antes del estreno me avisan de que los decorados y los vestuarios... ¡No llegarían hasta el final de la gira! Casi me da algo. Yo estaba desesperada. No me olvidaré nunca. Era el lunes de la Semana Santa. Solo quedaban 3 días antes del Jueves Santo, cuando todo se cierra… Traté de encontrar de alguna forma quien me prestase el atrezzo. Imposible: el Ballet de María de Avila lo tenía alquilado; la Compañía de Víctor Ullate lo necesitaba para sus funciones; las escuelas de danza tenían algunos vestidos, pero no… Mis amigos me salvaron. -¿Quién y cómo te salvó? -Fueron Andrey Sharaev y Serguey Iliin. Lo consiguieron en Moravia y con una furgoneta estuvieron conduciendo durante dos días sin dormir. Así pude hacer la gira del Ballet de Camagüey. Me sentí tan agradecida que pensé “con ellos se puede ir a la guerra”, y así lo hice, me embarqué en el proyecto de ayudarles a crear su compañía. Fue el nacimiento del Ballet Clásico de San Petersburgo. Era el año 2014. Adelanté dinero para los decorados y vestuario, firmé el contrato con el Teatro Gran Vía y traje la producción a Madrid. Fue tal y como imaginaba, un éxito, hubo magníficas críticas. -Pero montar una compañía conlleva un riesgo importante… -Claro. Somos muy conscientes de nuestros límites, estamos en un teatro privado donde todo nos cuesta muy caro, publicidad, mantenimiento, transportes, alojamientos, honorarios… Muchos días de ensayos... Pero me arriesgué y aquí estamos. -¿Es muy caro pagar a estas figuras que bailan en el Ballet de San Pertersburgo? -Cualquiera puede consultar los currículums de bailarines como Leonid Sarafanov, Andrey Batalov, Mikhail Kuznetsov, Mikhail Martyniuk, Yaroslava Araptanova, María Poliudova, Vladimir Statniy, Serguey Dotsenko, Natalia Kusch, Levgen Lagunov….. pregunta por sus cachés, y te darás cuenta de que no se pueden pagar con los ingresos de taquilla. -Entonces ¿Cómo lo haces? - Es nuestro proyecto privado y lo amamos. Disfrutamos con él, nos sacrificamos, hacemos todo lo posible para que sea un espectáculo de alto nivel de exigencia, perfeccionamos todo lo que está en nuestras posibilidades y... seguimos. Hasta ya tenemos varios premios al mejor espectáculo de danza. -Cuéntame un poco sobre los artistas de los que estamos disfrutando en este Teatro. Todos son artistas importantes, solistas principales que trabajaron en muchas compañía internacionales de prestigio, todos ganadores de concursos internacionales de ballet. Andrey Batalov, solista del Mariinskiy Ballet de San Petersburgo, en 1996 cosechó todos los premios de envidia: Medallas de Oro y primeros premios en Paris, Nagoya, Budapest, Perm, y lo más difícil: Gran Prix de Moscú 1997, en toda la historia de esta prestigiosa competición hubo solo 4 Gran Prix. Nikolay Nazarkhevich trabajo varios años en China; Ekaterina Bortiakova es la solista del Ballet de Kazañ; Levgen Lagunov actualmente es solista del Ballet de Budapest (Ballet Nacional de Hungría), fue solista principal del Ballet Nacional de Ucrania (Kiev); Natalia Kusch ha sido varios años solista en Australia, ahora también está en Budapest… -¿Qué les caracteriza? Para llegar a ser estrella hay que ser muy trabajador y amar la danza. Así son nuestros artistas. Venid a verlos bailar. Cada uno tiene un don, una presencia diferente sobre el escenario, y los espectáculos, dependiendo de los que bailan, varían mucho. Me gusta que el público español pueda ver y comparar. Así se contribuye a forjar más sólidamente una opinión propia. Si no se ve mucho, no se pueden adquirir conocimientos sobre ballet. Los rusos tenemos más posibilidades de ver versiones diferentes, porque tenemos decenas de compañías estatales y privadas. -¿Qué rasgos son para ti los más característicos de la escuela rusa? El Ballet es un arte escénico. Lo más importante para el arte es la capacidad del artista para interpretar la esencia del personaje. No es gimnasia, ni deporte. No importa si eres más flexible o menos, el público se queda con las sensaciones emocionales y no con hacer muchos movimientos sin sentido. Pero en Rusia hay muchas escuelas, no todo es lo mismo. -¿Cuál es para ti la mejor escuela de Rusia? -En Rusia unas escuelas preparan mejor que otras. Las mejores son la Escuela Vaganova de San Petersburgo, la Escuela del Bolshoi y la Escuela de Ballet de Perm. Son las más importantes y entre ellas también hay matices diferentes. En el estilo se ve dónde estudió el bailarín. Pero si estudió en estas escuelas es imposible que no sea un buen profesional. También es importante en la trayectoria de un bailarín observar en qué compañía ha adquirido la experiencia, con quién bailó, con que coreógrafos trabajó, quienes fueron sus profesores, que papeles interpretó... -¿Qué es lo que caracteriza a un bailarín ruso? Yo me doy cuenta enseguida cuando un bailarín es ruso. Sobre ellos y lo que les caracteriza nunca se puede parar de ver y aprender. He leído muchas memorias y biografías de los bailarines de la compañía Serguei Diaguilev. -Que por cierto, era de Perm como tú. -Sí, ha sido para mí una guía vital muy importante. Él fue el primero que giró una compañía de ballet fuera de Rusia. Ten en cuenta que allí, aunque se desarrolló el arte del ballet de una forma increíble, al resto de Europa como las comunicaciones eran tan limitadas, no llegaba. Y aunque los artistas sí viajaban de modo individual con frecuencia a París, fue Diaghilev el primero en embarcarse en la tarea de organizar la primera temporada de ballet ruso, y claro, fue toda una conmoción. Revitalizó el ballet, que en Francia estaba en un período de decadencia. Luego los artistas rusos, al abandonar Rusia a consecuencia de la revolución, protagonizaron una auténtica diáspora para la difusión del ballet por el mundo, y a partir de ellos se crearon muchas escuelas en los diversos países. -Sois el motor de la historia del ballet. -Ya los críticos de principios del siglo XX hablaban del ballet ruso, lo mismo que estamos hablando ahora. Será que el alma rusa es más ancha y más profunda, y se sabe contemplar en las obras de arte. -Es bueno ser un enamorado de la propia cultura. Fíjate, aquí tengo escrito un artículo sobre el Ballet de Cuba. Allí tenía preparadas unas citas que ahora tengo a mano, te las dejo para que las copies pues quiero citarlas a modo de ejemplo sobre lo que estoy exponiendo: “Toda la década de los años 30 Yavorskiy fue profesor en esta escuela. La primera actuación de sus alumnos fue el 29 de diciembre de 1931 donde entre sus alumnos fueron Cuca Martínez (la hermana mayor de Alicia Alonso), Delfina Pérez Gurri, Dinora Argudin y por primera vez salió al escenario en el Vals de La Bella durmiente la pequeña Alicia Martínez – Alicia Alonso”. El crítico Arturo Alfonso Roselló escribió: “El Ballet Ruso goza de la fama mundial merecida porque posee un lenguaje expresivo propio. Ni la escuela francesa, ni la italiana llevan en si ideas, argumentos y no influyen psicológicamente en el público, dedican más atención a la técnica. En el ballet ruso cada movimiento está lleno de símbolos expresivos con ideas transcendentales. El Ballet en América es técnico, mecánico, ni un movimiento de él se puede traducir al idioma del corazón, este ballet no tiene alma”. El crítico cubano Miguel González Gomez escribía en el Heraldo de Cuba:“Pavlova es una auténtica sensación, su arte de bailarina se combina en ella con un inusual talento de actriz, sus movimientos son elegantes y encantan con su ingenuidad, su rítmica posee la precisión matemática”. Luís Baralt en la revista Correo musical – Habana escribía: “ El Ballet Ruso supera todas las artes plásticas conocidas en el mundo. Lo más importante en él es transmisión de los sentimientos libres y bellos. En este sentido la escuela rusa ha causado una auténtica revolución, que estremeció a los críticos de artes, y abrió nuevos caminos en el desarrollo de las artes”. -Creo que próximamente vas a estrenar en el Teatro Real, cuéntame. -Si, estoy muy ilusionada, voy a traer nada menos que al Ballet de Igor Moiseyev, una compañía de gran tradición, entrar en ella es un sueño casi inalcanzable para cualquier bailarín ruso. La escuela de Igor Moiseyev es también lo que los bailarines califican siempre con los máximos adjetivos. Desde hace mucho tiempo estoy en contacto con ellos, pero era imposible plantearse el traerla a España. En esta ocasión tenemos un gran patrocinador, Gazprom Bank, sin quien esta gira no sería posible. Serán 5 únicas actuaciones en España: 24 de noviembre Sevilla Cartuja Center 26 de noviembre Murcia Auditorio Víctor Villegas 28 de noviembre Pamplona Auditorio Baluarte 30 de noviembre San Sebastián Auditorio Kursaal. 2 de diciembre Madrid - Teatro real (con orquesta en directo) -Será algo para no perdérselo… Podría quejarme y opinar sobre las personas de las que dependen las decisiones sobre cultura en España, o mejor no... No hay dinero para traer una compañía de este nivel, solo se puede como proyecto comercial... Pero el Ballet de Igor Moiseyev es la máxima representación de cultura rusa. Un puente que ha abierto las relaciones diplomáticas entre la URSS y el resto de países. Fue la primera compañía rusa que vino a España. Era el año 1966. En España, el Ballet de Igor Moiseyev estuvo en 1966, 1973, 1982 y 1997… Igor Moiseyev recibió de manos del rey Juan Carlos La Gran Cruz del Mérito Civil, un reconocimiento nada habitual para una compañía extranjera de danza. -El Ballet de Igor Moiseyev tiene un enorme bagaje a sus espaldas. -Imagínate, fue la primera compañía que llegó a China (1954), Francia y Gran Bretaña (1955), los EEUU y Canadá (1958), Australia y Nueva Zelanda (1968) y muchos otros países. Toda la crítica internacional siempre calificaba sus actuaciones con alabazas de máximo reconocimiento, especialmente cuando veía estos espectáculos por primera vez y quedaba tan gratamente sorprendido. El Ballet de Igor Moiseyev tiene relaciones muy especiales con China: Por ejemplo en China, en 1954, el Ballet fue embajador cultural para abrir relaciones diplomáticas entre la URSS y China. En su primera visita, Igor Moiseyev les regaló la coreografía de la Danza con las Cintas y la interpretó su Ballet en la Plaza de Tiananmen. Los críticos chinos decían que los rusos bailan mejor las danzas chinas que los chinos; después Igor Moiseyev enseñó a los chinos el arte de la coreografía. En 2000, el Ballet de Igor Moiseyev inauguró el teatro de la Ópera de Shanghái. Al Ballet de Igor Moiseyev le fue concedida la Medalla del 50 aniversario de La República China… -¿Por qué te ha apetecido crear recientemente tu propio blog de danza? Hablo con mucha gente y a menudo me preguntan lo mismo. Comprendo que la gente tenga interés por saber, pero ¿Dónde pueden encontrar estos conocimientos sin perder mucho tiempo buscando? Quiero ayudar para que las personas conozcan un poco mejor aquello que les interesa, y si aumenta el interés por el ballet al leer algo que suscita su atención, mejor que mejor. Yo estudié la carrera universitaria Musicología, y antes, en Rusia, escribí mucho como te he contado. He publicado muchos artículos. -Te felicito por tu blog, pienso sinceramente que cuanta más gente escriba sobre temas interesantes, pues mucho mejor para la danza y para todos los que aman la cultura. -Pienso lo mismo, no me gustan las críticas destructivas y la gente negativa. ¿Para qué dedicamos nuestro tiempo y nuestros esfuerzos? Para que la vida sea más bonita, más llena de cosas importantes para ser persona, para aprender. Y si puedo dejar una pequeña huella en este mundo, lo haré encantada. En la vida no es todo ganar dinero y comer. El alma es lo más importante. MERCEDES ALBI

Paloma Gómez es danza española de los pies a la cabeza, la lleva consigo desde que nació en el seno de una familia de bailarines. Sus padres, José Gómez y Raquel Rodríguez le dejaron esa “Herencia” que además dio nombre a uno de sus espectáculos. Es complicado sintetizar a esta extraordinaria artista que a la edad de 17 años ya entró a formar parte del prestigioso elenco del Ballet Nacional de España. Llegó a primera bailarina, y no solo de la compañía nacional, sino que posteriormente lo fue de otras como “José Antonio y los Ballets Españoles”, y “Nuevo Ballet Español” con los que recorrió el mundo fundando la suya propia. Ella es una mujer que despliega en la vida y en la escena una magia especial. Tiene un atractivo profundo y absolutamente absorbente que hace que sobre ella se posen todas las miradas. Pero no siempre es la misma, Paloma va cambiando porque se multiplica en un sinfín de facetas. Su actividad es incesante, viajando a lo largo y ancho del mundo como si el lugar en el que habita no tuviera límites. Y es que no existen las fronteras para el arte, ni tampoco para las brillantes ideas que la mueven y la convierten en un ser camaleónico. Nada se le resiste, incluso ha hecho películas, y ahora está lanzando internacionalmente un programa de fitness inspirado en la danza española que está teniendo muchísimo éxito. Paloma siempre viajera ha hecho un alto en Madrid, y aprovecho para visitar con ella la muestra sobre “Olga Picasso” que se exhibe estos días en el Caixa Forum, porque quién mejor que una bailarina para apreciar una exposición sobre otra que lo fue y que nos conmueve. Paseamos por el Paseo del Prado y se siente orgullosa del enorme patrimonio artístico que tenemos, me dice: -España es un país rebosante de talento artístico por eso es tan maravilloso disfrutar de este Paseo lleno con tantas exposiciones de grandísimo nivel. -Realmente somos unos privilegiados de tenerlo, desde el Reina Sofía, Caixa Forum, Museo del Prado, Museo Thyssen, Fundación Mapfre, Biblioteca Nacional… Empiezas y no acabas. Además, tú que viajas tanto puedes apreciar que esta enorme concentración de arte es algo único en el mundo. ¿Cuál es tu próximo destino? -Japón, me marcho a Tokio el próximo domingo y estaré una semana. -¿Qué vas a hacer? -Voy a presentar Olefit, la disciplina de fitness que he creado inspirada en el flamenco y la danza española, en Sportek, la feria más importante de fitness que se celebra en Tokio. -Vuestra implantación a nivel internacional es muy veloz. ¿Cuántos gimnasios hay en Japón que imparten Olefit? -En Japón tenemos 16 centros activos y para septiembre ser ampliaran hasta 45, un número que sigue aumentando porque existe mucha afición por el flamenco. Allí tenemos como socios a dos de las cadenas de gimnasios más importantes, Real y Renassence. -¿Cuándo se inició Olefit? -Hace algo más de dos años. -¿Cómo surgió esta idea de llevar el flamenco al fitness? -Fue en Chicago. Mi marido Luis Lorente estaba viéndome dar una clase de danza y de repente, se le ocurrió. Pensó que el trabajo físico que se realiza con los pasos de danza se podría trasladar a una disciplina gimnástica que fuera accesible a todos como un nuevo tipo de entrenamiento. Es así como de pronto te vienen esas ideas. Me lo planteó, me entusiasmé y nos pusimos manos a la obra. -¿Qué fue lo que más suscitó tu interés al inicio? -Mi pasión es la danza española. Vivo por ella casi desde que nací, porque como sabes mis padres formaban parte de ella y tenían una academia. Me encanta difundir nuestro arte por el mundo, y siempre estoy dando clases y bailando y viajando por muchos países. Entonces, pensé que esta podía ser una nueva forma de hacerlo. Especialmente porque existe un núcleo de alumnos potenciales a los que incluso una clase básica de flamenco les produce un cierto temor al no tener conocimientos de baile… Por lo que Olefit acerca y posibilita que cualquier persona pueda acceder a practicar la disciplina. Y los hay que luego quieren seguir aprendiendo e ir más allá y se pasan a dar clases de danza. Me gusta poner mi granito de arena y contribuir a que nuestra cultura se dé a conocer. -Cuando visitas estas ferias o cadenas internacionales de gimnasios interesadas en implantar Olefit, ¿En qué consiste la actividad que realizáis? -Mi equipo y yo nos dedicamos a diseñar el programa, el método, la estructura y formación del equipo de profesionales. Se crean unas células sobre las que se monta un sistema muy organizado que está logrando el objetivo de expandirse con solidez a nivel internacional. -Entonces, por ejemplo, concebís Luis y tú la idea, pero ¿Cuál es el paso siguiente que ha llevado a Olefit a posicionarse en un mercado tan complejo? -Lo primero que hicimos fue contactar con John Vigtal, un gran profesional del fitness que fue campeón internacional de aerobic y fitness, toda una personalidad en ese campo, y nos juntamos para crear una disciplina de fitness; y entre los dos comenzamos el método. -¿El objetivo es deportivo y no artístico? -No es una clase de danza sino que la finalidad es practicar ejercicio y entrenar todos los músculos del cuerpo, por ello creamos los movimientos que dan estructura a este entrenamiento. No es algo que se haga al azar sino que está muy pensado. Se tiene en cuenta la progresión de la intensidad en el desarrollo de cada clase, y por cierto, quienes lo practican se divierten mucho. Hacen un montón de ejercicio pero sin darse cuenta porque están disfrutando con los pasos, la música y queman un montón de calorías pasándoselo muy bien. -¿Cómo es la música? -Se creó expresamente para el método. Contactamos con Kay Producciones Multimedia, una productora catalana que ha hecho muchas bandas sonoras y trabajado para artistas de nivel y prestigio internacional, y les explicamos. Creamos una música acorde con los ejercicios que componen la clase. -¿Se basa en palos del flamenco? -No estrictamente, son sobre todo rumba y bulerías, también hay algún tanguillo. Es una música flamenca actual, fresca y muy alegre. -Dime alguna de las características que más suscitan la atención de Olefit en el mundo del fitness. -Es muy divertido y tiene mucha energía. Los que lo practican se lo pasan muy bien sin darse cuenta del gran esfuerzo que desarrollan. Y otra característica, si lo comparamos con otras disciplinas, es que se trabaja la coordinación, me atrevo a afirmar que es la disciplina de fitness en que más trabaja la coordinación entre brazos y piernas. -¿En qué países se está practicando Olefit? -Estamos en Japón, y dentro de Europa estamos en Francia, Belgica, próximamente en Holanda y Luxemburgo; en toda España de norte a sur, en Singapur y también tenemos algunos centros boutiques en USA... -Y si alguien quiere apuntarse en estas clases ¿Cómo puede hacerlo? -Hay algunos gimnasios que lo anuncian, pero si quieren que nos escriban a nuestro mail info@olefit.com y podemos indicarle el lugar más cercano a su domicilio donde se practica. -Y para ser instructor de Olefit ¿Cómo se forman? -Organizamos unos “stages” varias veces al año. Los interesados se apuntan y descargan un paquete que tienen que preparar para pasar una prueba de nivel. Evaluamos su aptitud y los que la tienen se convierten en monitores. También, y para lugares en los que no hemos ido presencialmente, tenemos un programa on line de formación. En Arabia Saudí ya se está practicando Olefit. Los programas que desarrollamos tienen actualizaciones cada tres meses con modelos de clase nueva. Tenemos presencia en Wexell es la mayor empresa de distribución de clases virtuales de fitness internacional. -Entonces, las clases ¿Se pueden recibir de dos modos? -Sí, de forma presencial y de forma virtual. Tenemos alrededor 700 gimnasios que dan nuestras clases virtuales esparcidos por todo el mundo, el 50% de ellos en Estados Unidos. -Vamos, que no paras… -Esta actividad del Olefit va en paralelo a mi carrera de bailarina y coreógrafa. Yo sigo compatibilizando todo e imparto master classes y tengo otros proyectos. Ahora en octubre hago una gira por Singapur y Honkong de clases de clásico español, flamenco y escuela bolera. Porque ya sabes que la escuela bolera cada vez está más olvidada y me parece precioso y darla a conocer desde la propia enseñanza en lugares tan lejanos. Y además cuando la conocen les encanta y esto me emociona. Yo pongo mi granito de arena en pro de la danza española. Mi faceta de bailarina siempre está presente. Me gusta mucho de Olefit porque también es un camino para abrir las puertas a esas personas que más adelante deciden ir un poco más allá, y esto también me gusta mucho. Con Olefit ayudamos a la difusión de la danza española. -¿Cuándo vamos a poder verte bailar? -Bailar me apetece siempre muchísimo, ganas tengo todas pero con esta agenda de viajes y al ser la fundadora de esta disciplina tengo muchísimas responsabilidades. Pero espero que sea pronto. Tengo un proyecto en el que subo al escenario pero sobre el que todavía no puedo hablar. Es algo muy bonito e implica además que la danza sea una herramienta social y solidaria que me encanta. Pero no te puedo hablar todavía.. ya te avisaré, te va a gustar.. Mercedes Albi

La representación de El sombrero de tres picos por la Compañía Nacional de Danza, el próximo 6 de julio, por encargo del Festival de Música y Danza de Granada, va a suponer una conmemoración histórica del centenario del estreno de este ballet, al ser esta la primera vez que la coreografía original de Léonide Massine es interpretada por una compañía española.  José Carlos Martínez encomendó a Lorca Massine –hijo del coreógrafo–  la reposición de la coreografía original en la CND. Coreografía: Léonide Massine Música: Manuel de Falla (editor original de la obra musical Chester Music, Londres) Libreto: María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra Diseño de escenografía, vestuario y maquillaje: Pablo Picasso  Diseño de iluminación: Olga García Sánchez Puesta en escena: Lorca Massine Asistente a Lorca Massine: Anna Krzyskow Estreno mundial por los Ballets Rusos de Diaghilev, Alhambra Theatre. Londres, 22 julio de 1919 Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Festival de Música y Danza de Granada, 6 julio de 2019 Recuperación de la coreografía y escenografía original. Estreno, encargo del Festival de Música y Danza de Granada con motivo del centenario del estreno de El sombrero de tres picos. El sombrero de tres picos es un ballet con coreografía de Léonide Massine y música de Manuel de Falla, basado en la novela homónima del escritor decimonónico Pedro Antonio de Alarcón. Se estrenó el 22 de julio de 1919 en el Alhambra Theatre de Londres bajo la batuta de Ernest Ansermet y decorados y figurines de Pablo Picasso. Los intérpretes principales fueron el propio Léonide Massine como el molinero (cuya intervención estelar será la interpretación de la farruca) y Tamara Karsávina en el papel de la molinera. REALIZACIÓN: Supervisión de vestuario: Iñaki Cobos Vestuario masculino: José Antonio Arroyo Vestuario femenino: Milagros González Pelucas: Lou Valérie Dubuis Sombreros: Sombrerería Medrano Calzado: Gallardo y Maty -Escenografía y Vestuario cedido por el Ballet Nacional de España- Massine sobre su ballet El sombrero de tres picos “Ocurrió que el famoso compositor Manuel de Falla, un hombre de suaves modales, traje oscuro y sombrero, que podría haber pasado por un profesor universitario, nos invitó a un pequeño teatro en Barcelona para ver la comedia El Corregidor y la Molinera, de Gregorio Martínez Sierra y para la que yo había compuesto la música. Una noche, en el café Novedades,  vimos a un joven bailarín, pequeño y oscuro, cuyos elegantes movimientos e intensidad cautivadora le diferenciaban del resto del grupo. Cuando terminó de bailar, Diaghilev le invitó a unirse a nosotros en nuestra mesa. Se presentó como Félix Fernández García. Tomamos el hábito de acudir todas las noches al café a verle bailar, y cada vez estábamos más impresionados de su exquisito estilo flamenco, del ritmo de sus movimientos y de su precisión y perfecto control. Bajo la tutela de Félix, comencé a comprender la gramática fundamental de las danzas populares españolas y fui capaz de visualizar cómo se les podría dar un tratamiento coreográfico más sofisticado. Para ayudarme en el trabajo, Diaghilev organizó un viaje por España para estudiar la infinita variedad de danzas populares nativas. Con Falla y Félix como tutores, Diaghilev y yo éramos ansiosos y receptivos estudiantes. Durante el seco y caluroso verano español viajamos lentamente visitando Zaragoza, Toledo, Salamanca, Burgos, Sevilla, Córdoba y Granada. Éramos un gracioso cuarteto, unidos por nuestro interés en la cultura y la música españolas. Pasábamos los días haciendo turismo por los monasterios, museos y catedrales y las noches en cafés disfrutando de los bailarines locales y discutiendo los planes para nuestro ballet. Félix, por supuesto, fue de gran  ayuda durante el viaje. Organizó numerosas actuaciones especiales para nosotros, y pasamos muchas noches escuchando a selectos grupos de cantantes, guitarristas y bailarines cantando y bailando la jota, la farruca o el fandango. Era obvio ver que a Falla le fascinaba el baile de Félix y gran parte de la música que escuchaba. Prestaba  gran atención a los detalles, y continuamente escribía pasajes de música en el cuaderno que siempre llevaba. Me dijo que quería que las danzas en el ballet se desarrollaran naturalmente a partir de la historia y que planeaba crear toda la partitura, ampliándola con nuevos temas, pero basándose en su inspiración original y simplificándola a través de una construcción clara y lógica." Léonide Massine ELENCOS EL SOMBRERO DE TRES PICOS. Léonide Massine Molinero: Ion Agirretxe Molinera: Aída Badía Corregidor: Jesús Florencio Dandy: Anthony Pina Solo Jota: Álvaro Madrigal 2 Solistas Jota: Natalia Muñoz, Ana Pérez-Nievas 4 Chicas Jota: Helena Balla, Sara Lorés, María Muñoz, Giulia Paris Mallorquina: Elisabet Biosca 8 Sevillanas: Rebecca Connor, Tamara Juárez, Sara Khatiboun, Clara Maroto, Daniella Oropesa, Laura Pérez Hierro, Shani Peretz, Pauline Perraut  Matador: Iván Sánchez Picador: Erez Ilan 2 Valencianos: Marcos Montes, Roberto Sánchez 2 Castellanos: Shlomi Shlomo Miara, Iker Rodríguez 2 Aragoneses: Toby William Mallitt, Milos Patiño Policías: Juan José Carazo, Jesse Inglis, Cristian Lardiez, Miquel Lozano, Benjamin Poirier, Rodrigo Sanz 2 Locos: Niccolò Balossini, Yanier Gómez Con la participación de Anael Martín como Corregidora y José Latorre, Francisco Miguel, Juan José Arjona y Carlos Alonso como Lacayos

Un día especial, histórico y emocionante, ha tenido lugar hoy en la sede de la Compañía Nacional de Danza. Hace cien años que tuvo lugar el estreno en el Teatro Alhambra de Londres, con la compañía de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, de este ballet coreografiado por Leonide Massine y que fue inspirado por las vivencias que cosecharon en España durante los años en que nuestro país les sirvió de refugio en medio de las contiendas que asolaban Europa durante la Primera Guerra Mundial. El propio hijo de Leonide Massine, cuyo nombre de pila es de clara reminiscencia española: Lorca Massine, ha venido a montar la obra invitado por José Carlos Martínez, director de la CND. Lorca es el mayor conocedor del patrimonio coreográfico de su padre, y esta coreografía la ha asimilado desde la infancia, la ha bailado y forma parte de él mismo. Lorca y José Carlos se conocieron en la Ópera de París cuando éste interpretó el papel del Molinero en “El Sombrero de tres picos” (1992); y unos años más tarde Lorca volvió a llamarlo para interpretar el papel en el Teatro Bolshoi (1995). Aída Badía fue una Molinera llena de gracia, con esa elegancia tan delicada con la que seguro seducirá al público del Festival de Granada, donde en unos días se estrena este clásico. En el papel del atractivo Molinero, un elegante Ion Aguirretxe. Y en el del Corregidor, Jesús Florencio Aragón, que desplegó una magnífica bis cómica en un papel que ya conoce pues lo bailó en el Ballet Nacional de España. Pero como advirtió José Carlos, este ballet es ruso, una recreación de arte español que no tiene que ver con las versiones posteriores, especialmente la de Antonio El bailarín, que sí se han estrenado en España. Lorca ve en esta producción ese fuego interior que siente en el alma del bailarín latino, incluso considera que también lo poseía su padre, a pesar de nacer en Rusia. Está muy feliz en nuestro país y quiere destacar el hito artístico en el terreno coreográfico que supuso el Sombrero en 1919, pues introdujo la geometricidad y el ángulo, algo innovador que marcó nuevos caminos. Es un ballet heredero del cubismo en muchos sentidos, máxime cuando los diseños del vestuario fueron hechos por Picasso, que junto con la música de Falla, ofrecen un sustrato artístico que solo se produce en pocos momentos de la historia. Los decorados y el vestuario proceden del Ballet Nacional de España, algún vestido se ha tenido que arreglar y alguno se ha confeccionado de nuevo, eso sí, con absoluta lealtad a los originales. En el Festival de Granada, la CND va a interpretar un triple programa: "Sonatas" de José Carlos Martínez, "Por vos muero" de Nacho Duato y este "Sombrero de Tres Picos" de Leonide Massine. El ensayo ha sido un privilegio, toda una explosión artística de forma y expresividad. La acentuada teatralidad de la más refinada de las pantomimas que se ha representado en el ballet del siglo XX es todo un acierto cuya incorporación cierra la magnífica gestión de José Carlos Martínez. Todo el trabajo realizado siempre queda, pronto será Joaquín de Luz quien tome el relevo, y José Carlos le ofrece como regalo esta producción, destacando además que Joaquín ha expresado su deseo de difundir la música española. Mucho es lo logrado, mucho es el enorme patrimonio cultural que poseemos y se tiene que difundir. El camino es largo, pero hermoso y estimulante. La danza es vida presente en la que se recrea un fértil pasado. Las cosas del ayer que el tiempo depura y nos siguen haciendo vibrar. No podemos dejar de agradecer a nuestros magníficos artistas los hermosos momentos que nos regalaron. Algo contagioso para todos los que pudimos verlos con la certeza de que en Granada será algo espectacular. Paola Panizza Fotografías Gabriel M. Olivares

La exposición que se exhibe estos días en el Caixa Forum de Madrid, bajo el título de "Olga Picasso", se podrá visitar hasta el 22 de septiembre de 2019 en CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36). Es una muestra excelente del arte de Pablo Picasso y de cómo en cada etapa de su trayectoria, el pintor se iba revelando en las imágenes de su propia vida. Olga, melancólica y dolorosa, eclipsada por el genio, madre de su primer hijo y finalmente derrotada por otra mujer, tenía un mundo antes de conocer a Picasso, y ese mundo era nada menos que la compañía de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev donde ella era una de las bailarinas desde el año 1911. Por eso los amantes de la danza se sentirán profundamente conmovidos en la primera sala de la exposición, donde en torno al baúl de viaje de aquella Olga que fue, se encuentran fotos emblemáticas que son historia. Ella vivió todos aquellos éxitos que revolucionaron el arte de la danza con la irrupción de los rusos en París. La descubrimos en la conocida foto en la parte trasera del vagón de tren con Diaghilev y otros miembros de los ballets, en la primera gira por Estados Unidos en 1916. Se la puede admirar bella y elegante, cubriendo sus manos con un manguito de piel en la parte derecha de la imagen. Verdaderamente, es comprensible que llamara la atención del pintor al que conocería poco tiempo después cuando regresaron a Europa. Pablo Picasso y la bailarina Olga Koklova coincidieron por primera vez en 1917 cuando el pintor se encontraba en Italia para presentar, con la Compañía de los Ballets Rusos de Serguei Diáguilev, el ballet Parade. Un año después, Koklova se convirtió en la primera esposa del artista y durante el tiempo que duró su relación, hasta su separación en 1935, fue la modelo perfecta del llamado período neoclásico de Picasso. Olga había bailado papeles emblemáticos para los Ballets Rusos, y en la exposición de Caixa Forum la admiramos fotografiada como una de las ninfas del Fauno de Nijisnky. En los programas de algunas de las representaciones que tuvieron lugar en el Teatro Real y en Liceo de Barcelona, comprobamos que interpretó papeles en "Carnaval", en el ballet "Meninas"... Una carrera que dejó truncada y que su nueva vida de esposa le hizo abandonar. Tal vez esa falta de sonrisa y ese atisbo de tristeza con que su esposo la retrata provengan del recuerdo de momentos pasados más felices, porque además, la revolución rusa hizo que perdiese el contacto con su familia durante varios años, y las noticias que le llegaron sobre la situación de miseria en que se encontraban, tampoco contribuirían a su felicidad; de modo que, mientras Picasso ascendía en fama y dinero, ella iba hundiéndose al saberse engañada y aborrecida por el pintor que comienza a representarla con formas monstruosas, hasta abandonarla después de 18 años de matrimonio. El mismo Picasso afirmaría, en su biografía escrita por Françoise Gilot, sobre sus retratos femeninos : "Todas esas mujeres no están posando como una simple modelo aburrida. Están atrapadas en la trampa de esos sillones como pájaros encerrados en una jaula. Yo mismo las he aprisionado en esta ausencia de gesto." CaixaForum Madrid presenta Olga Picasso, que analiza la aventura plástica, vital y sentimental de este período de la trayectoria picassiana y reúne 335 obras, entre pinturas, dibujos, obra gráfica, esculturas, fotografías, películas, documentación y objetos. La exposición se propone redescubrir el “período Olga”, con obras maestras como Retrato de Olga en un sillón, Olga pensativa, La Crucifixión, y los retratos de Paulo -hijo de la pareja- como Arlequín y Pierrot. Además del recorrido puramente artístico, la exposición narra también el periplo vital de ambos, con aspectos desconocidos hasta ahora, como la dramática historia familiar de Olga. La muestra surge de una intensa investigación a partir de las cartas y fotografías encontradas en el baúl de viaje y el archivo de Olga. Ha sido organizada por el Musée National Picasso-París junto a la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, y con la colaboración de "La Caixa", el Museo Pushkin de Moscú y el Museo Picasso Málaga. En realidad, la exposición es una historia de amor, desde la fascinación a la destrucción, desde el escenario al olvido, a través de los pinceles de un genio. MERCEDES ALBI

El Festival que cada dos años tiene lugar en la Abadía de Königsfelden (Suiza), bajo la dirección de Brigitta L. Merki, es un acontecimiento ineludible para los aficionados a las artes. En el corazón de Centro Europa se generan unas obras escénicas de vocación interdisciplinar en las que el flamenco suele ocupar un lugar destacado. Las representaciones se celebran entre los muros del templo, una construcción gótica del siglo XIV, que ofrece unas posibilidades distintas a a las de un mero escenario teatral. La verticalidad se acentúa obedeciendo a la primitiva idea de elevar las plegarias, un efecto que resulta idóneo para las ansias de vuelo de estos Ícaros. En este espacio las esculturas aladas de Roman Sonderegger -cuyo hipotético punto de fuga se situaría en lo alto- crean además del suelo otro plano superior que enfrenta a músicos y bailarines desde ambos lados de la escena. Toda una amalgama de elementos se integran, pero no se fusionan, porque la concurrencia de estilos dancísticos solo tiene un único motivo, un profundo significado los vertebra sin distorsiones. La coreografía creada conjuntamente por  el artista canadiense  de estilo contemporáneo Rob Kitsos y Brigitta L. Merki, de estilo flamenco, queda conformada sin fisuras. Lo más curioso es que no han buscado homogeneizar el conjunto, el reto consistía en unirlo sin que se notasen las costuras. Un elenco excelente de trece bailarines con formaciones distintas entre contemporáneos y flamencos (Eloy Aguilar, Adi Akiva, Natalia Alcalá, Iván Amaya, Carmen Iglesias, Valentina Pedica, Sara Pennella, Sebastian Rowinsky , Antonio Somera, Lexi Vajda, Elihu Vázquez), al que se han unido 2 espectaculares breakdancers (Javier Sánchez y Dany Zoo) dando vida a una historia que se repite desde el inicio de los tiempos. Es una trama circular que parte de donde los anteriores ícaros lo habían dejado. Hubo un fracaso y quedan unos restos de palos y alas que los “nuevos” toman a modo de relevo. Todo vuelve a comenzar porque nada está acabado. Por eso la música ideada por  Christoph Huber es absolutamente continua, enlazándose unas melodías con otras de principio a fin. Son los músicos un conjunto de jazz formado por Christoph con Michael Haudenschild, Raphael Heggendorm, Corine Nora Huber y Lukas Rutzen, que se ubican en la parte superior izquierda, e integra desde el lado contrario a los guitarristas flamencos, Juan Gómez y Pascual de Lorca, así como la voz de la cantante argelina Karima Nayt. La música se expande y se adelgaza, incluso se enmudece, pero siempre favoreciendo la expresividad de la danza y según lo que está sucediendo. Hay varias fases, un combate dual inicial entre Dédalo e Ícaro que obedece a la concepción terrestre del flamenco frente al deseo de volar de los bailarines contemporáneos. Las castañuelas de los primeros parecen servir a éstos de advertencia. El dinamismo se incrementa, se vuelve muy variado, con unas imágenes coreográficas de gran plasticidad que huyen del hieratismo. El Ícaro breakdancer desafía y cae finalmente, acompañado de un solo de saxo. El duelo de las dos voces femeninas enfrentadas, el baile por tarantos de Eloy, y la resurrección plasmada en el baile de conjunto por bulerías con cante de Karima… ¿Qué significa toda esta afluencia? Significa libertad, porque el de Ícaro es un vuelo siempre único que se emprende en soledad. Nace de un soplo interior que algunos pensadores antiguos identificaron como la señal de la deidad que habita en nosotros. Estas chispas del Aliento creador son para el artista como un fuego que les quema y solo se transmite si, como con este Ícaro de Königsfelden, saben inmolarse y entregar al público en cada representación lo mejor de si mismos. MERCEDES ALBI

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen de nuevo al Ballet Nacional de Cuba, que estará con dos clásicos de su repertorio, El lago de los cisnes y La Cenicienta. Ambos montajes se podrán disfrutar en la Sala Roja, el primero estará seis funciones del miércoles 19 al domingo 23 y el segundo, con seis funciones también, del miércoles 26 al domingo 30 de junio. Estas obras forma parte de la programación de Escenario Clece en los Teatros del Canal. El lago de los cisnes, una de las más famosas obras del repertorio tradicional, tuvo su estreno en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 20 de febrero de 1877. Fue reestrenada en una nueva y exitosa escenificación el 27 de enero de 1895, en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, con los actos primero y tercero coreografiados por Marius Petipa, y el segundo y cuarto actos por Lev Ivánov. El lago de los cisnes, en la versión creada por Alicia Alonso, la conocida estructura argumental, coreográfica y musical de Petipa-Ivánov-Chaikovski, se sintetiza en tres actos y un epílogo. De acuerdo con la estética del Romanticismo, su argumento es una cándida historia que incluye prodigiosas transformaciones, encantamientos y monstruos malignos, pero aparece el amor como una fuerza triunfante sobre los más terribles poderes. El lago de los cisnes es una de las obras maestras de la historia de la danza teatral, que perdura como ejemplo excepcional del estilo y los modos expresivos de la danza de toda una época. El estreno de La Cenicienta, posterior a la muerte Johann Strauss, tuvo lugar el 2 de mayo de 1901, en Berlín. También fue presentada en 1908, en la Ópera de la Corte de Viena. A pesar de la popularidad de Strauss, la obra tuvo entonces una existencia escénica muy corta. El coreógrafo cubano Pedro Consuegra presentó por primera vez una versión coreográfica de la obra en 1988, en la Ópera de Marsella. Para el Ballet Nacional de Cuba, Consuegra revisó sustancialmente esa coreografía, y enriqueció los aspectos técnicos y dramáticos. Esta nueva versión fue estrenada en La Habana el 9 de marzo de 1996. El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiosas compañías de danza del mundo y ocupa un lugar importante en la cultura hispanoamericana contemporánea. El rigor artístico-técnico de sus bailarines y la amplitud y diversidad en la concepción estética de los coreógrafos otorgan a esta agrupación un lugar relevante entre las grandes instituciones de su género en la escena internacional. Ficha artística de EL LAGO DE LOS CISNES Coreografía: Alicia Alonso, sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivánov Música: Piotr Ilich Chaikovski Escenografía: Ricardo Reymena Vestuario: Francis Montesinos y Julio Castaño Luces: Ruddy Artiles Producción del Ballet Nacional de Cuba y Teatres de la Generalitat Valenciana Intérpretes: I ACTO Wolfgang, el tutor: Félix Rodríguez Pas de six: Yiliam Pacheco, Chavela Riera, Cynthia Villalonga, Cosme Tablada, Alejandro Olivera y Yansiel Pujada (19) / Daniela Gómez, Marité Fuentes, Laura Blanco, Nerciso Medina, Alejandro Olivera y Luis Fernández (20) / Adarys Linares, Mercedes Piedra, Maureen Gil, Narciso Medina, Omar Hernández y Yankiel Vázquez (21) / Ailadi Travieso, Chavela Riera, Cynthia Villalonga, Cosme Tablada, Alejandro Olivera y Yansiel Pujada (22M) / Daniela Gómez, Marité Fuentes, Ely Regina, Daniel Rittoles, Alejandro Olivera y Luis Fernández (22N) / Adarys Linares, Mercedes Piedra, Maureen Gil, Narciso Medina, Omar Hernández y Yankiel Vázquez (23) Bufón: Diego Tápanes (19, 21 y 23) / Daniel Rittoles (20 y 22M) / Narciso Medina (22N) Príncipe Siegfried: Dani Hernández (19 y 22N) / Raúl Abreu (20 y 22M) / Adrián Sánchez (21 y 23) Pas de trois: Claudia García, Ginett Moncho y Adrián Sánchez (19) / Diana Menéndez, Chanell Cabrera y Yankiel Vázquez (20) / Laura Blanco, Chavela Riera y Daniel Rittoles (21) / Laura Blanco, Ely Regina y Narciso Medina (22M) / Diana Menéndez, Chanell Cabrera y Diego Tápanes (22N) / Claudia García, Chavela Riera y Daniel Rittoles (23) Reina Madre: Ailadi Travieso (19 y 23) / Yiliam Pacheco (20 y 22M) / Ginett Moncho (21 y 22N) Campesina: Diana Menéndez (19 y 22M) / Maureen Gil (20 y 22N) / Karla Iglesias (21 y 23) Campesinos, pajes, damas de corte: Cuerpo de baile. II ACTO Odette: Viengsay Valdés (19) / Grettel Morejón (20 y 23) / Claudia García (21) / Ginett Moncho (22M) / Anette Delgado (22N) Príncipe Siegfried: Dani Hernández (19 y 22N) / Raúl Abreu (20 y 22M) / Adrián Sánchez (21 y 23) Von Rothbart, el hechicero: Pablo Lagomasino (19 y 21 y 22N) / Adonis Corveas (20, 22M y 23) Dos cisnes: Chavela Riera y Cynthia Villalonga (19 y 23) / Laura Blanco y Daniela Gómez (20 y 22M) / Ailadi Travieso y Yiliam Pacheco (21 y 22N) Cuatro cisnes: Maureen Gil, Mercedes Piedra, Adarys Linares y Chanell Cabrera Cisnes: Cuerpo de baile. III ACTO Príncipe Siegfried / Reina madre / Bufón Odile: Viengsay Valdés (19) / Grettel Morejón (20 y 23) / Claudia García (21) / Ginett Moncho (22M) / Anette Delgado (22N) Von Rothbart: Yansiel Pujada Maestro de ceremonias: Félix Rodríguez Princesas: Chanell Cabrera, Mercedes Piedra, Adarys Linares, Daniela Gómez, Chavela Riera y Laura Blanco (19) / Ely Regina, Karla Iglesias, Marité Fuentes, Wendy Castell, Cynthia Villalonga y Ailadi Travieso (20) / Maureen Gil, Adarys Linares, Daniela Gómez, Chavela Riera y Yiliam Pacheco (21) / Claudia García, Mercedes Piedra, Adarys Linares, Wendy Castell, Cynthia Villalonga y Ailadi Travieso (22M) / Chanell Cabrera, Karla Iglesias, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Chavela Riera y Laura Blanco (22N) / Ely Regina, Maureen Gil, Adarys Linares, Wendy Castell, Cynthia Villalonga y Yiliam Pacheco (23) Solistas de la danza napolitana: Diana Menéndez y Yankiel Vázquez (19 y 22M) / Maureen Gil y Diego Tápanes (20) / Karla Iglesias y Narciso Medina (21 y 23) / Maureen Gil y Yankiel Vázquez (22N) Danza española: Ely Regina y Daniel Rittoles (19 y 22N) / Ginett Moncho y Narciso Medina (20) / Chanel Cabrera y Yankiel Vázquez (21) / Chanell Cabrera y Diego Tápanes (22M) / Ginett Moncho y Raúl Abreu (23) Solistas de czardas: Wendy Castell y Ernesto Díaz (19, 21 y 22N) / Daniela Gómez y Ernesto Díaz (20, 22M y 23) Mazurca: Yiliam Pacheco, Ana Zamora, Cynthia Villalonga, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (19) / Laura Blanco, Ana Zamora, Chavela Riera, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (20) / Ailadi Travieso, Ana Zamora, Cynthia Villalonga, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (21) / Ailadi Travieso, Ana Zamora, Chavela Riera, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (22M) / Yiliam Pacheco, Ana Zamora, Cynthia Villalonga, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (22N) / Laura Blanco, Ana Zamora, Chavela Riera, Alejandro Olivera, Pablo Lagomasino y Cosme Tablada (23) Cuerpo de baile Epílogo Odette / Príncipe Siegfried / Von Rothbart / Cisnes Ficha artística de LA CENICIENTA: Intérpretes: Primer acto Greta, La Cenicienta: Anette Delgado (26) / Ginett Moncho (27) / Viengsay Valdés (28) / Claudia García (29M) / Grettel Morejón (29N) / Chanell Cabrera (30) Gustav, príncipe heredero: Dani Hernández (26 y 28) / Raúl Abreu (27 y 29N) / Adrián Sánchez (29M) / Yankiel Vázquez (30) Rava, Hada de la Justicia: Claudia García (26) / Laura Blanco (27) / Chavela Riera (28 y 30) / Estefanía Hernández (29M) / Ailadi Travieso (29N) Leontyne, madrastra de Greta: Ernesto Díaz (26, 28, 29N y 30) / Yansiel Pujada (27y 29M) Yvette y Fanchon, hermanastras de Greta: Diana Menéndez y Karla Iglesias (26 y 30) / Ely Regina y Claudia García (27) / Maureen Gil y Adarys Linares (28 y 29N) Chanell Cabrera y Daniela Gómez (29M) Ottokar, Gran Duque de Luxestein: Félix Rodríguez Monsieur Toucour, maestro de danzas: Alejandro Olivera (26 y 29M) / Adrián Sánchez (27 y 29N) / Raúl Abreu (28) / Dani Hernández (30) Waldemar, hermano príncipe: Diego Tápanes (26, 28 y 30) / Daniel Rittoles (27 y 29N) / Narciso Medina (29M) Hadas: Adarys Linares, Mercedes Piedra, Susel Rondón, Amanda Pérez, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Estefanía Hernández (26) / Maureen Gil, Mercedes Piedra, Susel Rondón, Amanda Pérez, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Estefanía Hernández (27) / Diana Menéndez, Karla Iglesias, Susel Rondón, Amanda Pérez, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Estefanía Hernández (28) / Maureen Gil, Mercedes Piedra, Susel Rondón, Amanda Pérez, Marité Fuentes, Karla Iglesias, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Laura Blanco (29M) / Diana Menéndez, Mercedes Piedra, Susel Rondón, Amanda Pérez, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Estefanía Hernández (29N) / Adarys Linares, Mercedes Piedra, Susel Rondón, Karla Iglesias, Marité Fuentes, Daniela Gómez, Ana Zamora, Alianed Moreno, Wendy Castell y Estefanía Hernández (30) Una mendiga: Yiliam Pacheco Un mensajero: Dairon Darías (26, 28 y 29N) / Roberto González (27, 29M y 30) Mascarada: Ailadi Travieso, Yiliam Pacheco, Cynthia Villalonga, Wendy Castell, Marité Fuentes, Estefanía Hernández, Alianed Moreno, Maureen Gil, Luis Fernández, Cosme Tablada, Ángel Rojas, Pablo Lagomasino, Omar Hern´nadez y Ariam Arencibia (26) / Ana Zamora, Yiliam Pacheco, Daniela Gómez, Wendy Castell, Amanda Pérez, Estefanía Hernández, Alianed Moreno, Mercedes Piedra, Luis Fernández, Cosme Tablada, Ángel Rojas, Alejandro Olivera, Omar Hernández y Ariam Arencibia (27) / Ailadi Travieso, Laura Blanco, Cynthia Villalonga, Wendy Castell, Marité Fuentes, Estefanía Hernández, Alianed Moreno, Mercedes Piedra, Luis Fernández, Cosme Tablada, Ángel Rojas, Alejandro Olivera, Omar Hernández y Ariam Arencibia (28) Ailadi Travieso, Yiliam Pacheco, Cynthia Villalonga, Wendy Castell, Amanda Pérez, Laura Blanco, Alianed Moreno, Maureen Gil, Luis Fernández, Cosme Tablada, Roberto González, Pablo Lagomasino, Dairon Darias, Ariam Arencibia, Adniel Reyes y Adonis Corveas (29M) / Ana Zamora, Yiliam Pacheco, Daniela Gómez, Wendy Castell, Marité Fuentes, Estefanía Hernández, Alianed Moreno, Mercedes Piedra, Luis Fernández, Cosme Tablada, Roberto González, Alejandro Olivera, Dairon Darias, Ariam Arencibia, Adniel Reyes y Adonis Corveas (29N) / Ailadi Travieso, Yiliam Pacheco, Cynthia Villalonga, Wendy Castell, Amanda Pérez, Estefanía Hernández, Alianed Moreno, Mercedes Piedra, Luis Fernández, Cosme Tablada, Roberto González, Alejandro Olivera, Dairon Darias, Ariam Arencibia, Adniel Reyes y Adonis Corveas (30) Segundo acto Greta / Gustav / Rava / Leontyne / Ivette / Fanchon / Waldemar / Monsieur Toucour/ Ottokar / Hadas Caballeros de las hadas: Luis Fernández, Yansiel Pujada, Cosme Tablada y Adniel Reyes (26) / Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Cosme Tablada y Adonis Corveas (27 y 29M) / Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Alejandro Olivera y Adniel Reyes (28 y 29N) / Luis Fernández, Yansiel Pujada, Cosme Tablada y Adonis Corveas (30) Mazurca: Maureen Gil y Narciso Medina (26 y 30) / Diana Menéndez y Yankiel Vázquez (27 y 29N) Daniela Gómez y Narciso Medina (28) / Diana Menéndez y Diego Tápanes (29M) Mercedes Piedra, Alianed Moreno, Daniela Gómez, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (26) / Susel Rondón, Wendy Castell, Karla Iglesias, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (27) / Mercedes Piedra, Alianed Moreno, Amanda Pérez, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (28) / Susel Rondón, Adarys Linares, Amanda Pérez, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (29M) / Mercedes Piedra, Alianed Moreno, Karla Iglesias, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (29N) / Susel Rondón, Wendy Castell, Daniela Gómez, Dairon Darías, Roberto González y Omar Hernández (30) Danza española: Ely Regina, Wendy Castell, Ángel Rojas y Adonis Corveas (26, 28 y 29N) / Ana Zamora, Alianed Moreno, Ángel Rojas y Adniel Reyes (27 y 29M) / Ana Zamora, Alianed Moreno, Pablo Lagomasino y Adniel Reyez (30) Czardas: Laura Blanco y Daniel Rittoles (26) / Chavela Riera y Luis Fernández (27 y 29M) / Cynthia Villalonga y Cosme Tablada (28) / Laura Blanco y Cosme Tablada (29N) / Laura Blanco y Daniel Rittoles (30) Yiliam Pacheco, Ailadi Travieso, Cynthia Villalonga, Estefanía Hernández, Luis Fernández, Yansiel Pujada, Cosme Tablada y Adniel Reyes (26) / Yiliam Pacheco, Ailadi Travieso, Cynthia Villalonga, Estefanía Hernández, Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Cosme Tablada y Adonis Corveas (27) / Yiliam Pacheco, Ailadi Travieso, Ana Zamora, Estefanía Hernádnez, Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Alejandro Olivera y Adniel Reyes (28) / Yiliam Pacheco, Ailadi Travieso, Cynthia Villalonga, Wendy Castell, Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Cosme Tablada y Adonis Corveas (29M) / Yiliam Pacheco, Ana Zamora, Cynthia Villalonga, Estefanía Hernández, Ariam Arencibia, Pablo Lagomasino, Alejandro Olivera y Adniel Reyes (29N) / Yiliam Pacheco, Ailadi Travieso, Cynthia Villalonga, Estefanía Hernández, Luis Fernández, Yansiel Pujada, Cosme Tablada y Adonis Corveas (30). Embajadores: Chavela Riera, Pablo Lagomasino, Ginett Moncho y Ariam Arencibia (26) / Daniela Gómez, Alejandro Olivera, Chanell Cabrera y Ernesto Díaz (27) / Laura Blanco, Luis Fernández, Claudia García y Yansiel Pujada (28) / Laura Blanco, Yankiel Vázquez, Ginett Moncho y Ernesto Díaz (29M) / Chavela Riera, Luis Fernández, Ginett Moncho y Narciso Medina (29N) / Laura Blanco, Ariam Arencibia, Chanell Cabrera y Ángel Rojas (30). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Estos días hemos tenido el placer de asistir en la Biblioteca Nacional al acto de inauguración de la exposición titulada “El paisaje acústico de Joaquín Rodrigo” con la que se conmemora el 20 aniversario del maestro. Walter Clark y Ana Benavides Los comisarios de la muestra, Ana Benavides y Walter Clark, han realizado una tarea digna de admiración pues han logrado la síntesis de algo que difícilmente se puede abarcar dada la desbordante riqueza creadora y mental de sus protagonistas que lo son tanto el maestro como su esposa, Victoria Camhi. Y es que la vida de Joaquín Rodrigo (Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) es un canto a lo inesperado, al encuentro de una felicidad insospechada, un milagro del genio capaz de convertir a un niño saguntino que había sufrido la terrible desgracia de quedarse ciego a los 3 años, en un compositor de fama universal. A los 25 años fue a París, logrando ser admitido como alumno de Paul Dukas, y allí conocería a Manuel de Falla y se integraría dentro del selecto grupo de artistas españoles en París. Eran los tiempos en que Antonia Mercé, la Argentina, estrenaba sus ballets, y la efervescencia creativa de música y danza alcanzaba cotas memorables. En estos círculos conoce a Victoria Kamhi, una pianista turca de origen sefardí poseedora de una fina inteligencia y exquisita sensibilidad. Su amor supera la oposición familiar y tras grandes dificultades, se casan en 1935. Fueron años de penurias para el joven matrimonio que trataba de abrirse camino en una Europa convulsa, cuando deciden regresar a España en 1940. Llegan ligeros de equipaje. Todo lo que poseían cabía en un modesto baúl (una de las piezas de la exposición). Nadie sospechaba entonces que en su interior se escondía un tesoro: la partitura del Concierto de Aranjuez. A Joaquín Rodrígo, la oscuridad de sus ojos no le impidió vislumbrar la luz de la danza, y ésta llegó a él a través de sus intérpretes, los grandes bailarines de aquel momento: Antonio el Bailarín, Pilar López, Rosella Hightower, José Greco, Juan Magriñá, Vicente Escudero, Eva Borg... Estas fotografías, pertenecientes al archivo de la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo, con que ilustramos la entrevista, son una muestra de ello. Sus estrechas relaciones con el mundo de la danza tuvieron un impacto muy especial en su hija Cecilia, que se hizo bailarina, cursando su carrera en la Escuela del Royal Ballet y ejerciendo como maestra de ballet en Madrid y Bruselas. La música de Joaquín Rodrigo es un caudal inagotable y sigue escondiendo, como aquel baúl, una riqueza insospechada. Hay que acercarse a descubrirla y no dejar de visitar la exposición, que estará en la Biblioteca Nacional hasta el día 8 de septiembre. Cecilia Rodrigo, Walter Clark y Ana Benavides Converso con la hija del maestro, Cecilia Rodrígo, y la pianista y comisaria de la exposición, Ana Benavides. -¿Podrías contarnos, Cecilia, qué has sentido al ver la exposición por primera vez? Cecilia-He sentido una profunda emoción y una sorpresa inmensa. Aunque ya tenía más o menos conocimiento de las piezas procedentes de nuestra Fundación que se exhiben, no sabía nada más... Me lo habían ocultado para que me llevase una gran sorpresa al verlo, como así ha sido. Nada más entrar en la exposición me impresiona ver en el panel central los trajes cedidos por el Ballet Nacional de España, junto al modesto baulito símbolo de humildad y genialidad, y el manuscrito del concierto de Aranjuez, en posesión de la Biblioteca Nacional. Estoy emocionada porque el objetivo de la exposición se ha conseguido con creces. Victoria Camhi y Joaquín Rodrígo con su hija. Benicasim (1943) -¿Cuál era el objetivo? Cecilia- Era el dar a conocer no solamente a Joaquín Rodrígo como compositor, sino su lado más humano, donde ocupa un lugar privilegiado mi madre, Victoria Camhi, su personalidad, su universalidad y su versatilidad, que es menos conocida por la mayoría. Me ha emocionado mucho la lectura de las cartelas que cubren las paredes y que en esta exposición son parte fundamental, he visto a más de algún visitante… llorar…. pero no de pena, sino de sensibilidad. Hay que visitar esta muestra con tranquilidad y tiempo para leerlas con detenimiento. Puedes imaginarte mi satisfacción y mi alegría, y por encima de todo, mi gratitud hacia quienes han sido responsables de esta magnífica exposición en todos los sentidos. Joaquín Rodrigo con Héctor Zaraspe, Antonio Ruiz y el coreógrafo argentino Antonio Truyol (1960) -¿Cómo pudiste, Ana, resumir unas vidas tan desbordantes de creatividad y talento en unos cuantos paneles? Ana- Este fue sin duda alguna, el gran reto de esta exposición. Todo un desafío. La personalidad de Rodrigo es inmensa aunque el gran público lo asocie al "Concierto de Aranjuez". No es la primera vez, ni seguro la última, que grandes obras orillan otras sobresalientes en un autor. Era fácil y tentador limitarse a este maravilloso y famosísimo concierto. Pero había que ir mucho más allá. La nuestra ha sido una carrera de fondo que durante casi cuatro años requirió de inmediato centrar la exposición en seis apartados principales que trataran de dar a conocer las múltiples facetas del hombre y del maestro. Un gran reto, pero a la vez apasionante, pues fue Rodrigo un artista singular, pluridisciplinar y excepcional en todo lo que acometió. En realidad, hay muchos “Rodrigos” en uno, pues además de compositor fue profesor, conferenciante, escritor y crítico musical, asesor de la ONCE y de Radio Nacional, además de esposo y padre. Y Rodrigo, no lo olvidemos, era ciego. Estas otras vertientes constituyen algo a reseñar pues son cualidades que rara vez se dan unidas en una persona. Y no todos conocen estas trayectorias. Había que darlas a conocer al gran público. Fotografía dedicada a la joven Victoria en París (1930) por Vicente Escudero en su papel de Espectro de "El Amor Brujo" -¿Qué resaltarías sobre la unión de Joaquín Rodrigo y su esposa Victoria? Ana- Resaltar la faceta o facetas de uno y otro sería tarea complicada pues seguramente nos dejaríamos muchos aspectos en el tintero. Hay mucho Joaquín Rodrigo y mucha Victoria Kamhi. Sus personalidades no dan para una exposición, sino para muchas. Podríamos decir lo que ya tantas veces dijo el maestro, Victoria fue su todo y sin ella no existiría el Concierto de Aranjuez. No cabe duda de que se juntaron dos seres absolutamente excepcionales. Victoria era una mujer moderna, culta y con una mentalidad actual y adelantada a su época. Algo que sin duda impactaría al joven valenciano cuando la conoció en París. Fue decisiva en la personalidad y en el quehacer profesional de Rodrigo. Era la suya una relación que surgió por la música y que se cimentó con las muchas dificultades que ambos vivieron tanto en lo personal como en lo profesional. Su relación sobrevivió a todo y a todos. Sin duda el maestro vio en ella a un ser ejemplar, excepcional y que sin duda le aportaba y complementaba mucho. Era la mejor compañera de viaje que podía soñar. Joaquín Rodrigo con Pilar López y Luis Maravillas ensayando el ballet de Concierto de Aranjuez. Jardines del Palacio, 1952 -¿Cuál es tu opinión sobre la relación del maestro con la danza? Ana-Un aspecto que a mí me impactó al estudiar la personalidad de Rodrigo fue su capacidad para visionar interiormente el ballet o el cine. Es algo sorprendente como ciego que era, pero como decía Gerardo Diego, "el paisaje puede contemplarse con los oídos", y para ello Rodrigo contaba con los ojos que su esposa e hija le prestaban. Rodrigo fue un artista valiente, rompedor y audaz como pocos. Se atrevió a escribir un concierto para guitarra y orquesta y muchos desconfiaron de la empresa. Y ahí tenemos el Concierto de Aranjuez. Pero Rodrigo fue siempre fiel a sí mismo, timoneó su propia nave y jamás se amedrentó ante las contrariedades. Ballet de Pilar Lopez. Ensayo del Concierto de Aranjuez. Pilar López (en el centro de los bailarines). A la derecha: Joaquín Rodrigo -¿Crees que pudo disfrutar de la danza? Pienso que fue Rodrigo un buen degustador de la danza española. No olvidemos que fue profesor de folklore en el Conservatorio de Madrid en 1939. Aunque sinceramente, yo creo que su relación con la danza vendría sin duda alimentada por su esposa. La colaboración conjunta del matrimonio fue fundamental. Participó Victoria de forma activa como libretista en diversos ballets de su esposo. Una de las colaboraciones más relevantes es la “Pavana Real” (cuyo cartel del estreno podemos contemplar en la exposición de la BNE). Estrenada con rotundo éxito en el Liceo de Barcelona el 17 de diciembre de 1955, lleva textos de Victoria. También, el matrimonio colaboró conjuntamente para el ballet “Juana y los caldereros”, un ballet inédito con libreto de ella e inspirado en un sainete de Ramón de la Cruz (que podemos contemplar en la exposición). Victoria tuvo ocasión de disfrutar en París de artistas como Antonia Mercé, lo que al parecer, inspiraría este ballet. Ballet del Concierto de Aranjuez. Joaquín Rodrigo con el guitarrista Luis Maravillas, Pilar López y varios bailarines. (1952) -¿Qué opinas, Cecilia, sobre la relación de tus padres con la danza? Cecilia-Desde siempre fueron amigos de mis padres las grandes figuras de su tiempo, a quienes dedicó obras como a Jose Greco, Jose de Udaeta y otros, y claro, Mariemma, Pilar Lopez, y tantos otros. A mis padres siempre les atrajo mucho el ballet, tal vez influyera ese gusto en mi futura carrera, y ademas de los ballets propiamente escritos para la danza como “Pavana Real”, en sus obras de escena siempre hay ballet, como en la comedia lírica “El hijo fingido” o “La destrucción de Sagunto”. Lo cual es digno de reseñar tratándose de un compositor ciego. Y bueno, el ballet “Juana y los cadereros” es una partitura compuesta para danza española todavía inédita. Desde aquí hago un llamamiento a los coreógrafos y compañías que quieran conocer estas músicas. Ballet Pavana Real. Liceo de Barcelona (1956) - Una de las coreografías más famosa que se ha hecho con música de Joaquín Rodrigo es “El concierto de Aranjez” de Pilar López ¿Qué opinais de ello? Cecilia- Pienso que Pilar López abrió el camino en 1952 para que los coreógrafos se fijasen en la música de Joaquín Rodrigo, fue pionera en abrir un campo que ha seguido sustentando magníficamente artistas de la danza de todos de todos los estilos. Fotografía dedicada de Lucero Tena Ana- En la exposición se puede contemplar una pareja de los trajes empleados en la coreografía posterior del Aranjuez y cedidos para la exposición por el Ballet Nacional. Vaya desde aquí mi sincero agradecimiento. Fotografía dedicada de José Greco -¿Qué ejemplos de ballets que ya son historia, además del Concierto de Aranjuez, me podrías citar que hayan utilizado la música del maestro? Ana- Por ejemplo, fue el 12 de julio de 1967 que se representaría en los Festivales de España la “Fantasia para un Gentilhombre”, con Nini Stucky y Juan Giuliano y con coreografía del mismo Juan Giuliano. Un documento curioso que se conserva en la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo es un programa del ballet de la “Fantasía para un gentilhombre”, que se bailó en un homenaje a los Príncipes de Mónaco en la Fiesta Nacional del Principado, y que tuvo lugar el 19 de noviembre de 1967. Contó con la coreografía y baile de Juan Giuliano, con Magdalena Popa como primera bailarina y Turibio Santos a la guitarra, y con la Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo dirigida por André Presser. Por otra parte, Rodrigo dedicó a la bailarina Manuela del Río, primera bailarina de la Ópera de Barcelona en 1935, sus “Caleseras” para piano (Cuatro danzas de España). Además los Rodrigo tuvieron una relación estrecha con la bailarina y concertista de castañuelas Lucero Tena, a quien verían bailar con frecuencia en el Corral de la Morería. A ella dedicaría Rodrigo sus “Dos danzas españolas” en 1966. Gracias ti, Mercedes, y a tu estupenda web, sabemos, por ejemplo, que el matrimonio Rodrigo asistió con la bailarina Eva Borg y con la pintora Monique Lancelot al estreno de la primera compañía de ballet clásico en España, fundada por ambas, el 23 de julio de 1977, en el Teatro Romano de Sagunto. Conformado por bailarines españoles, fue el de Sagunto un sentido homenaje al maestro. Fotografía dedicada de Imperio Argentina Como ves, son muchos los lazos con la danza y no creo que fuera por casualidad que Cecilia, su hija, se dedicase al ballet, cursando su carrera en la Escuela del Royal Ballet y ejerciendo como maestra de ballet en Madrid y Bruselas. Fotografía dedicada de Antonio, El Bailarín -Han sido muchos los coreógrafos actuales que se inspiraron en la música de Rodrígo como Nacho Duato, Ramón Oller, Ricardo Cue, Carlos Vilán, Rubén Olmo, por citar unos pocos, ¿Hay nuevas creaciones? Cecilia-Siempre se va todo renovando y a todos aquellos que hacen que la música de mi padre esté sobre los escenarios, les estoy agradecida. Me alegra mucho poder disfrutar del trabajo de tantos artistas que día a día siguen elaborando obras interesantísimas, como hace unos días se estrenó en el Teatro Colón de Coruña el ballet “Maestro Rodrígo”, con coreografía de Mercedes Suarez y Keneth Tindall. -¿Cómo es este nuevo ballet? Cecilia-Es una historia de superación, es la vida de mi padre. El ballet recorre parte de su vida desde su niñez a su paso por Francia y el regreso a España en 1939. Es una narración ilustrada por medio de la danza con numerosos fragmentos de su música. Figurín del ballet de Ramón Oller ³Los ojos del alma, representado en Nueva York por el Ballet Hispánico, en 2001 - Lo que parece mentira es que todavía haya música casi por descubrir, como la partitura para un ballet de danza española que titularon “Juana y los Caldereros” y que ocupa un lugar destacado en esta exposición. Cecilia-Es uno de los capítulos más intensos de colaboración entre mis padres, que podemos además admirar en esta vitrina dedicada a “Juana y los Caldereros”, pues junto a los manuscritos del compositor y de su esposa como libretista, está nada menos que el libro histórico que contiene el sainete y que alberga la Bibilioteca Nacional... Debemos subrayar que este ballet no se ha estrenado todavía y bien merecería la pena que por fin viera la luz, por la calidad de su música y precisamente ahora que conmemoramos el aniversario de su fallecimiento. Dirijo un SOS a nuestros magníficos coreógrafos. Por otra parte, como novedad, te adelanto que se presenta el manuscrito de otra obra que no ha sido estrenada todavía, pero que ésta sí, se estrenará en Ecuador en julio de 2019. Se trata de un oratorio inacabado,” La Azucena de Quito”, basado en la vida de una santa del S. XVII, que gustaba de tocar la guitarra, y se cumplen 400 años de su muerte. Ambas obras pertenecen a la década de los 50 en que mis padres dedicaron una gran parte de su labor creativa a la escena. También como novedad, ve la luz la reciente publicación “Joaquín Rodrigo a través de sus escritos”, que nos presenta un Joaquín Rodrigo literato, además de músico. -Realmente, el maestro y su esposa son dos figuras tan inabarcables en muchos aspectos que cualquier artista que acuda a visitar la exposición encontrará un enorme campo de inspiración, y creo que la gente disfrutará mucho al conocer su lado más humano. Mercedes Albi Fotografías archivo Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo

En Danza Española Sénior, el Jurado distinguió a Elena Lax con el primer premio, mientras que en Danza Contemporánea Sénior recayó en María Martínez. Carlota Gómez (danza clásica), Blanca Herreros (danza española) y Alba Hernández (danza contemporánea) obtuvieron el primer premio en sus respectivas modalidades en la categoría JÚNIOR B (15-16 años). En la categoría JÚNIOR A (12-14 años), Marta Caravaca (danza clásica), Carla Alemán (danza española) y Marta Belmonte (danza contemporánea) consiguieron el premio en sus correspondientes modalidades. La Asociación Amigos de la Danza de Murcia, presidida por Margarita Muñoz Zielinski, organizó por undécimo año consecutivo el Premio Tiempo de Danza, que tuvo lugar el pasado domingo 9 de junio a las 20,00 horas en el Auditorio y Centro de Congresos ‘Víctor Villegas’ de Murcia. Treinta y tres jóvenes bailarines, chicos y chicas estudiantes de la Región de Murcia con edades comprendidas entre 12 y 20 años, tuvieron la ocasión de subir al escenario y mostrar sus aptitudes artísticas en variaciones y en pequeñas piezas, con cuyas interpretaciones ante un público y jurado compitieron para adquirir la experiencia de ampliar su formación y mediante las becas propuestas, poder completar su preparación para acceder al mundo profesional. El Jurado estuvo compuesto por Stella Arauzo (Directora artística de la Compañía Antonio Gades), Carlos Pinillos (Bailarín Principal de la Companhia Nacional de Bailado de Portugal), Mirlen Rodríguez (Profesora titular de la Escuela de Danza y Artes Escénicas Víctor Ullate), y Natalia Blanco (Profesora del Conservatorio Superior de Danza de Alicante). En la modalidad de DANZA CLÁSICA JÚNIOR B, Carlota Gómez se hizo con el primer premio por su interpretación de “Coppélia” (tercer acto), Covadonga Ferrer con el segundo y Andrea del Pilar Martínez, con el tercero. En la modalidad de DANZA CLÁSICA JÚNIOR A, Marta Caravaca se hizo con el primer premio por su interpretación de “Coppélia” (variación de Swanilda), Claudia Hernández con el segundo, y Ángela Sánchez con el tercero. Dentro de la categoría de DANZA ESPAÑOLA SÉNIOR, Elena Lax se alzó con el primer premio, por sus interpretaciones de “Castilla” y “Malagueña”, Jesús González quedó en segundo lugar, y Alejandro Romero, en tercero. En la modalidad de DANZA ESPAÑOLA JÚNIOR B, Blanca Herreros se hizo con el premio por su interpretación de “Rumores de la caleta”. En la modalidad de DANZA ESPAÑOLA JÚNIOR A, Carla Alemán se hizo con el premio por su interpretación de “Conga del fuego”. El Jurado otorgó el premio en DANZA CONTEMPORÁNEA SÉNIOR a María Martínez por sus interpretaciones de “Silencio” y “Fuerza”; el primer premio en DANZA CONTEMPORÁNEA JÚNIOR B a Alba Hernández por su interpretación de “Mongolia”, quedando Andrea Martínez en segunda posición; Marta Belmonte obtuvo el primer premio en la modalidad de DANZA CONTEMPORÁNEA JÚNIOR A, por su interpretación de “In this shirt”, obteniendo Clara Martínez y Elena Martínez, la segundo y tercer posición respectivamente. Asimismo, el Jurado concedió el PREMIO FORMACIÓN ARTÍSTICA a Paula Hita. La Gala Final del XI Premio ‘Tiempo de Danza’ constó de dos partes: en la primera, se llevó a cabo la fase del concurso en la modalidad clásica, en las categorías Júnior A (12-14 años) y Júnior B (15-16 años). La segunda parte continuó con la fase de concurso de los representantes de danza española, en la categoría Júnior A y Júnior B, seguidos de los concursantes de Danza Española Sénior. Posteriormente, concursaron los representantes de la modalidad de danza contemporánea, en las categorías Júnior B, Júnior A y Sénior. El acto finalizó con la entrega de los trofeos y las becas a los galardonados. El XI Premio ‘Tiempo de Danza’, cuya dirección artística recayó en Carlos Grávalos Muñoz-Zielinski, fue todo un éxito de público y se desarrolló de manera eficaz debido a la organización y al trabajo del equipo técnico del Centro de Congresos ‘Víctor Villegas’ de Murcia. Carlos Pinillos (Bailarín Principal de la Companhia Nacional de Bailado de Portugal), arrodillado ante una premiada del XI Premio Tiempo de Danza. Premio ‘Tiempo de Danza’, Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas PALMARÉS DEL XI PREMIO ‘TIEMPO DE DANZA’ DANZA CLÁSICA JÚNIOR B Primer Premio.- Carlota Gómez Segundo Premio.- Covadonga Ferrer Tercer Premio.- Andrea del Pilar Martínez JÚNIOR A Primer Premio.- Marta Caravaca Segundo Premio.- Claudia Hernández Tercer Premio.- Ángela Sánchez DANZA CONTEMPORÁNEA SÉNIOR Primer Premio.- María Martínez JÚNIOR B Primer Premio.- Alba Hernández Segundo Premio.- Andrea Martínez JÚNIOR A Primer Premio.- Marta Belmonte Segundo Premio.- Clara Martínez Tercer Premio.- Elena Martínez DANZA ESPAÑOLA SÉNIOR Primer Premio.- Elena Lax Segundo Premio.- Jesús González Tercer Premio.- Alejandro Romero JÚNIOR B Premio.- Blanca Herreros JÚNIOR A Premio.- Carla Alemán PREMIO FORMACIÓN ARTÍSTICA Premio.- Paula Hita &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Las danza irradiaba su presencia en este caluroso sábado del mes de junio. Era como si de repente, al dejar el invierno, los teatros de Madrid se pusieran a bailar y la energía de la primavera fuese recibida con multitud de propuestas de danza. Había que elegir a cual acudir y no tuve duda, pues desde que conocí a su directora, Pilar Villanueva, jamás me pierdo una nueva edición de la Muestra Coreográfica Beta Pública. En esta su VI Edición se ha batido un record de compañías extranjeras. Han participado en el proceso selectivo más de 80 compañías de todo el mundo. Las piezas seleccionadas definen de manera directa lo que se está generando actualmente. Bailarines y creadores provenientes de varios países provocan en el espectador un gran impacto. Ellos abren desde el escenario del Centro Cultural Paco Rabal una ventana hacia el arte actual. Hay que dejarse llevar o más bien arrastrar por esa corriente de rebosante energía que nos brindan. El Festival comenzó en el vestíbulo con una performance de Lara Padilla titulada “Inside”. Lara Padilla es una artista inclasificable en una única disciplina. Las etiquetas restringen, y es imposible constreñir a esta bella mujer rebosante de dones que ante un panel blanco comienza a dibujar. Mientras pinta el cuadro, un bailarín (Eduardo Alvés, Marcos Galisteo) comienza su danza y la pintora interactúa con él, entablan un duelo. “Él es mi corazón”, me cuenta, “muchas veces en mi estudio me siento sola. Estoy pintando y siento una especie de dolor interior, es la lucha que siente todo aquel que crea algo, se sufre mucho mientras lo vas sacando hacia fuera…”. Finalmente Lara se desnuda, ha conseguido transformase en lo que siente, porque ella misma con su cuerpo pintado es la obra de arte. Se abre el telón y Idar Tagirov baila “Ratatouille”. Es impresionante su gran técnica y la profundidad expresiva de su pieza. Fiel a sus raíces culturales, este bailarín de San Petersburgo se ha inspirado en el personaje de Petrushka. “Ningún artista debe olvidar la cultura de la que proviene. He mirado hacia atrás, hacia el gran Diaghilev y los ballets rusos para ahondar en el significado de mi coreografía”, me explica que Petrushka y Ratatouille significan lo mismo, pues la historia de Petrushka proviene del cuento francés titulado Ratatouille. Petrushka en ruso significa hierba, es una especie de símil porque la marioneta se mueve como el viento en la hierba. El Ratatouille de Ivan no juega con la muerte como el personaje del ballet, sino que entabla un duelo con las personas, contra aquellos que le ordenan constantemente lo que tiene que hacer y le manipulan sin descanso. Entonces… el muñeco se revela. La cuerda que pende en el escenario no le sirve de horca, sino que trepa por ella para, finalmente, alcanzar su libertad. Samuel Ramírez es el creador y bailarín, junto con otros 5 artistas (Carol Brito, Vidalis de la Cruz, Cristian Hazin, María Muñoz, Samuel Manzueta) nacidos en la República Dominicana, de “Exhalando”. Samuel vive en Madrid desde hace 3 años y vino gracias a una beca del Instituto Alicia Alonso. La concibió como una especie de desahogo en que cada uno de los intérpretes expone su situación personal. Comenzó haciéndoles expresar una palabra, como una especie de grito interior, y así fu dando forma a su papel en la obra. Se inicia con el poema de Julio Cortázar “Instrucciones para subir una escalera de espaldas”. La duración es de 45 minutos pero en Beta interpretaron un extracto de un cuarto de hora. La agilidad de los bailarines y la magnífica concepción espacial quedó patente en esta “exhalación” que fue al mismo tiempo individual y colectiva, porque cada uno enfrenta en la vida un camino y unos obstáculos. Así Samuel nos explica que “la pieza es muy híbrida, es como un collage de sensaciones que van expresando para terminar afrontándolo al unísono gracias al apoyo de los demás”. Desde Roma vienen Pablo Girolami, que crea y baila con Giacomo Todeschi su "Manbusha". Recibió la inspiración al imaginar a dos niños jugando en un campo de arroz. Esa imagen rondó en su cabeza como una especie de huida del mundo moderno y un deseo de regresar a los orígenes más puros del mundo rural. Él aparece como un personaje que simboliza este anhelo de Pablo. Su originalísima coreografía está imbuida de los movimientos de animales como las garzas en su ceremonia de cortejo y también en las arañas que tejen sus telas. "Es como si estuviésemos enjaulados por la urbe y no pudiéramos escucharnos a nosotros mismos, pero alguien aparece dentro de ti y te guía", cuenta Pablo. Sybila Gutiérrez viene de Valencia donde ha creado su propia Cia. Dunatacá. En su solo expresa la confrontación entre quien los demás quieren que sea y lo que ella misma es. Y reflexiona con intensidad en "Mujer": "¿Quien es una misma persona? Yo soy muchas y al menos hoy quiero mostrarte varias personas de la mujer que habito. Me cuesta mostrarte mis tripas, contarte mi historia porque ahí vas a verme realmente desnuda. A veces me pongo un "traje" para sobrevivir, un vestido de voces de anuncios y madres. Otras me muestro vulnerable en la intimidad. Quizá hoy decida decir basta, ser lo que no se puede, caminar con mis propios pasos. Un viaje entre el mostrarse y no, entre habitar ese "traje" o romperlo". Nikola Majtanova y Marcin Denkiewicz residen actualmente en Viena, ella es de Eslovaquia y él de Polonia, son pareja en la escena y en la vida real. Su compenetración es excelente. "Retrospección" es su primer trabajo juntos. Han disfrutado mucho con esta experiencia y consideran que es distinto que trabajar con alguien extraño: "En la distancia no dices todo lo que piensas, desde la intimidad, que te proporciona crear algo con quien compartes tu vida, hay mucha más emocionalidad, vas más directo, más en carne viva... Incluso al principio es más difícil pero luego te sientes más enriquecido." La pieza es una historia de amor, desde el hechizo del encantamiento inicial hasta la violencia de las discusiones... Y un final abierto en el que cada cual puede ver reflejada su propia historia. Cada persona conecta con su propia "Retrospección". "La idea original era crear dos mundos en el escenario. Cada uno tiene una historia diferente en una línea de tiempo diferente. El único elemento común en la pieza es una mujer y un hombre. Dos mundos que simbolizan diferentes capítulos en sus vidas. Uno es cálido y romántico, pero otro es agresivo y frío. Como en la vida real; el comienzo de una relación siempre está lleno de amor apasionado, pero con el paso del tiempo, este sentimiento pierde intensidad", explican en las notas al programa. Marina Miguelez es una bailarina y coreógrafa andaluza como la bailarina Paula Montoya con quien interpreta "Penumbra" "Nosotras tenemos una base clásica pero la línea de mi proyecto es más contemporánea". La pieza que escogida para Beta Pública está inspirada en un problema muy grave del que nadie habla: el suicidio de los jóvenes. "Me impresioné mucho por el número de muertes que hay sin que la sociedad se conciencie de esta gran tragedia. Es como un tema tabú, como que si de habla de ello fomentará que aumente el número de muertes...", nos cuenta Marina, "hemos estado investigando. Entre los jóvenes hay el doble de muertes por suicidio que en accidentes de tráfico y unas doce veces más que muertes por violencia de género." "Hemos ahondado en lo que deben sentir estas víctimas. No buscamos el morbo que encierra el acto violento de la muerte, sino tratar de comprender lo que les ha conducido ahí. Nos hemos documentado mucho, incluso hemos hablado con psicólogos para poder inspirarnos." En el programa se denuncia: "Me encuentro en la sombra. Allí estoy a salvo y encuentro frente a los retos y a las penurias de allá a fuera. Sin embargo, este vértice oscuro que me ampara, me augura el final más último de todos. Y después de esto ya no habrá nada... una gran e infinita nada ¿Podré encontrar salida hacia la luz? Según el INE (2017), en España se quitaron la vida 3.679 personas, siendo el suicidio la principal causa de muerte entre nuestros jóvenes". La Zero Dance Company una compañía de reciente creación formada a principios de 2016, es un proyecto que surge de la necesidad de crear y proyectar una calidad de movimiento basado en la Danza Contemporánea y Urbana. José Luis Magaña dirige y coreografía "Sonder" bailada por Ana Pascual Revenga, Fernanda Torres, Ana Romero, Mara Safonte, Cristian Omar Hazin, Samuel Ramírez, Estefan Vega, Wandalissa Mariel, Claudia Arrue, Alessia Palladino, Sergio Andre Shimose y Pablo Reyero. José María nos cuenta que nació en México y que lleva 7 años viviendo en Madrid. "Vine a bailar con Danza 180 y empecé hacer mis propias creaciones. Pienso que lo mío es más ser creador que bailarín" Con Zero trabajan para dar una oportunidad para que los jóvenes puedan experimentar y hacer proyectos. "Sonder" significa que cada persona tiene que se consciente de que los demás no solo una cifra estadística, sino que cada uno vive vida tan real como el otro. Este concepto lo llevo a la época del holocausto, cuando las víctimas dejan de ser quienes son para convertirse en un numero más en la lista; de como en ese momento la humanidad no existía. Y lo hago bajo el punto de vista de una personaje que es una niña, todo transcurre desde el punto de vista de su mirada. Esta protagonista es una bailarina de solo 13 años. Ella simboliza la inocencia por eso va disfrazada, piensa que está en una fiesta, que los demás, que están siendo despojados de su propia identidad en el campo de exterminio, están jugando. No ve la realidad hasta que de golpe se da cuenta. He querido plasmar un viaje entre las sensaciones o emociones del mundo actual que mira hacia otra parte y la niña a la que protege su inocencia, pero el mundo es cruel y finalmente cae la venda de sus ojos. La IV Edición de Beta Pública ha logrado una vez más su objetivo de juntar a los talentos, de reunirlos en esta convocatoria para intercambiar sus visiones y difundir y acercar la danza contemporánea al público, que participa en un animado coloquio final con los artistas. MERCEDES ALBI Fotografías Guillermo Latorre