El Director del BNE insta en su mensaje de este año a realizar un llamamiento a todos los creadores, maestros, profesionales, amantes, aficionados y curiosos de la Danza Española, a unirse para preservar una valiosa historia y luchar por un futuro prometedor. La danza es Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en cualquiera de su origen, técnica e interpretación. Este año 2019 el Consejo Internacional de la Danza de la Unesco (CID-UNESCO ESPAÑA) ha decidido encargar a Antonio Najarro, Director del Ballet Nacional de España, su mensaje oficial para España y países de habla hispana, cuyo objetivo es que, dada la riqueza de estilos de la danza en nuestro país, difundir en artistas, educadores e instituciones de gran prestigio internacional, toda riqueza, especificidad y particularidad de este gran patrimonio dancístico. Un lenguaje propio, una expresion inconfundible, que cuenta con un alto apreciado nivel internacional por su alto valor estetico y cultural. En definitiva, Najarro impulsa un contenido revindicativo, destinado a conservar y potenciar esta impresionante expresión artística y a unir las voluntades de todos los que se acercan a ella y así, poner en valor un trabajo a veces silencioso, a veces ovacionado, pero bajo una línea común impulsarlo de cara al futuro bajo el sustento colectivo. Para Antonio Najarro y según manifiesta en su mensaje oficial- “debemos potenciar todo el poder de esta expresión artística única en el mundo que es la Danza Española. Podemos presumir autenticidad, originalidad y poder, en todos los estilos, pero se siente huérfana de mimo y sustento colectivo. En definitiva es un mensaje a todos los creadores, maestros, profesionales, amantes, aficionados y curiosos, a unirse para conseguir mantener nuestra historia y potenciar un extraordinario futuro”. Para la Unesco “al danzar, las personas- afirma Alkis Raftis, Presidente del Consejo Internacional de la Danza de CID-Unesco- transcienden el reino de lo sobrenatural, la musica y el movimiento, combinan cuerpo y mente hacia un elevado estado. Esta experiencia extática libera, se extiende muy profundamente en la propia dimension interna, uniendo la persona con el universo”. Por último, destacar en este día la gran aportación de Alessandra Ruiz-Zuñiga Macías, Presidente del Consejo Internacional de la Danza CID- Unesco España la cual señala que “ el mensaje de este año está en línea con el mensaje oficial de nuestro Presidente Internacional y a buen seguro es la perfecta vía de expresión para impulsar el respeto hacia esta arte escénico, defender la igualdad para todas las formas de danza y asegurar su especificidad como Arte Escénico. Este año unimos danza y espiritualidad ya que es algo que lleva sucediendo desde tiempos remotos en la historia. Ya sea como Danza Religiosa o Profana, la espiritualidad se ha mostrado en expresiones, formas y movimientos de innumerables danzas de la cultura española de todos los tiempos, como vehículo propio, pero también univesal para los sentimientos y las creencias de nuestro pais”. El Consejo Internacional de la Danza (CID) es la Organización Oficial para todas las formas de danza en todos los países del mundo. Es reconocido por gobiernos nacionales y locales, organizaciones internacionales e instituciones públicas y privadas. Entre sus miembros se encuentra las más destacadas federaciones, asociaciones, escuelas, compañías, profesionales, aficionados y personas interesadas por la danza en mas de 170 países. Fue fundado en 1973 en el Palacio de la Unesco en París, siendo esta su sede central. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Bailar es el sueño que consiguieron hacer realidad los artistas guipuzcoanos Lucía Lacarra e Iker Murillo. Premio Nijinsky, Premio Benois de la Danse –óscar del ballet-, y Premio Nacional de Danza, Lucía Lacarra salió de Zumaia para alcanzar la excelencia en el arte de la danza, tanto que incluso fue nombrada Bailarina de la Década. Por su parte, Iker Murillo abandonó Pasaia para cumplir con creces su sueño de convertirse en un bailarín de primera en importantes compañías europeas, lo que le valió en casa el reconocimiento como Premio Revelación de Gipuzkoa. El encuentro artístico de Lucía e Iker ha generado un nuevo sueño en común: la Gala Gure Ametsa, proyecto al que también se une el coreógrafo ruso Vitali Safronkine. El Auditorio del Kursaal acoge el espectáculo el 29 de abril, Día Internacional de la Danza. Con una duración estimada de dos horas y dividido en dos partes, el espectáculo se compone de once piezas. Acompañados por primeros bailarines de la prestigiosa Scala de Milán y del popular Víctor Ullate Ballet, Lucía e Iker dirigen un espectáculo profesional de danza, lleno de calidad, sorpresas y nuevas creaciones que deleitará a los aficionados de este arte. La danza fue su sueño de infancia y, ahora, es un regalo con el que obsequian al público guipuzcoano. Sin duda, una celebración por todo lo alto para conmemorar el Día Internacional de la Danza. Las entradas para la Gala Gure Ametsa están a la venta en taquilla y a través del servicio de venta de entradas por Internet del Kursaal . Los precios de las entradas son de 15-39 euros. Lucía Lacarra e Iker Murillo bailando ‘Dans le même soufflé’, coreografiado por Vitali Safronkine. Lucía e Iker, dos guipuzcoanos internacionales Haber dejado su casa para triunfar en el extranjero ha forjado unas vivencias, forma de ser y de ver la vida, que unen a Lucía Lacarra e Iker Murillo. Exitosos guipuzcoanos a nivel internacional, la Gala Gure Ametsa supone la reunión artística de ambos, engrandecida por la inestimable aportación del coreógrafo y bailarín Vitali Safronkine. Este triángulo de creatividad y arte –Lacarra, Murillo y Safronkine- dará comienzo al espectáculo con el trío Reminiscence, pieza del coreógrafo ruso. Además, el bailarín pasaitarra y Safronkine ofrecerán Continuo, creada por este último. El primer acto finalizará con la intérprete zumaiarra que bailará el paso a dos Sola –con Cristian Oliveri-, coreografiado por Víctor Ullate. La segunda parte se iniciará con Dans le même soufflé, también creado por Safronkine, un bello paso a dos para Lacarra y Murillo, sobre la música de Mozart. Asimismo, la aclamada bailarina guipuzcoana pondrá el broche de oro a su participación en la Gala Gure Ametsa, con la pieza Burka, coreografiada por Eduardo Lao y que interpretará con el primer bailarín Josué Ullate. La Gala Gure Ametsa finalizará con Matching Thoughts, un dúo masculino sobre la conexión de dos personas, con el que Iker Murillo y Vitali Safronkine cerrarán este especial espectáculo. Vittoria Valerio y Claudio Coviello (Teatro alla Scala, Milán), en ‘Giselle’. Invitados de lujo Procedentes del prestigioso Teatro alla Scala de Milán, la solista Vittoria Valerio y el bailarín principal Claudio Coviello ofrecerán los pasos a dos Festival de flores de Genzano (primera parte) y Giselle (segunda parte). El Víctor Ullate Ballet cuenta con una importante representación en la Gala Gure Ametsa: Josué Ullate, Elena Diéguez, Cristian Oliveri y Óscar Comesaña. Además compartir escenario con la bailarina zumaiarra en Burka, antes, en la primera parte, Josué Ullate interpretará el solo Quiebro, creado por su padre. Le anteceden en la actuación, Elena Diéguez y Óscar Comesaña, quienes bailarán The crossing, de Eduardo Lao. Por otra parte, la pareja formada por Cristian Oliveri y Elena Diéguez interpretará Concerto, coreografía de Vitali Safronkine, en el segundo acto. DATOS GALA GURE AMETSA Espectáculo: Gala Gure Ametsa. Dirección artística: Lucia Lacarra e Iker Murillo. Coreógrafo: Vitali Safronkine. Bailarines: Lucia Lacarra, Iker Murillo y Vitali Safronkine (Bailarines Principales Internacionales)/ Vittoria Valerio (Solista del Teatro alla Scala de Milán) y Claudio Coviello (Principal del Teatro alla Scala de Milán)/ Josué Ullate, Elena Diéguez, Cristian Oliveri y Óscar Comesaña (Víctor Ullate Ballet). Programa: 1er. Acto: Reminiscence, Festival de las flores en Genzano, The Crossing, Continuo, Quiebro, Sola. 2º Acto: Dans le même soufflé, Concerto, Giselle, Burka, Matching Thoughts. Lugar y fecha: Auditorio del Kursaal, 29 de abril, a las 19,00 horas. Entradas: 15-39 euros. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&& Iratxe de Arantzbia Fotografías Lobo Altuna

Con motivo del día mundial del Párkinson, la Compañía Nacional de Danza colabora con la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad de Madrid, Danza T y Danza para el Párkinson, en un proyecto el que artistas de la danza demuestran que gracias a su acción pueden contribuir a que comunidades como los enfermos neurológicos tengan una vida mejor. Tendrá lugar en la sede de la Compañía Nacional de Danza el próximo jueves 11 de abril de 10 a 12h. Entidades colaboradoras: Federación Española de Párkinson y las Asociaciones de Móstoles APArkam, Alcosse Y Párkinson Móstoles - Dentro del marco del programa internacional Dance for Parkinson Disease. Sobre una iniciativa original de Mark Morris Dance Group. Danza para el Párkinson: Mucho por compartir, creación de vínculos comunitarios. Un proyecto de Danza Comunitaria, liderado por APDCM y Danza-T Red de Trabajadores de la Danza, alrededor del Día Mundial del Párkinson 2019. La Compañía Nacional de Danza acoge el proyecto Danza para el Párkinson 2019, el jueves 11 de abril Lugar: sede de la CND en Paseo de la Chopera 4 Danza para el Párkinson se basa en la realización de una sesión de danza, dirigida por las bailarinas pertenecientes al programa de Danza para el Párkinson en la Comunidad de Madrid, a celebrar en la sede de la CND (Paseo de la Chopera 4 Madrid) el próximo día 11 de abril, Día Mundial del Párkinson, junto a las bailarinas y bailarines de la CND que se designen para participar en esta acción. Esta actividad se inscribe en el marco de las celebraciones de la CND por su #40aniversarioCND. La sesión se llevará a cabo de acuerdo a la siguiente agenda: Horario de la actividad: De 9h30 a 10h: Recepción participantes y medios de comunicación. De 10h a 11h30: Taller de movimiento (Calentamiento, Vals de las Flores y Danza Árabe de la coreografía El Cascanueces de José Carlos Martínez y breve improvisación). Sala a determinar. De 11h30 a 12h: Conclusiones. LUGAR: sede de la CND en Paseo de la Chopera 4, Madrid Danza para el Párkinson sería una sesión abierta, en la que el público objetivo serían tanto esta población de enfermos, sus familiares y amigos, como principales participantes activos, como artistas de la danza con sensibilidad social hacia la práctica activa de la danza con poblaciones de capacidades diversas, dirigidas por artistas de la Danza que previamente han realizado la formación de Danza para el Párkinson. Estructura y metodología de las sesiones. Las sesiones siempre seguirán una estructura general que guiará el desarrollo de las mismas. Los ejercicios que se realicen irán cambiando de una sesión a otra, aunque los materiales se irán repitiendo y reutilizando en función de las necesidades del grupo. El esquema general es el siguiente: - Calentamiento en la silla - Ejercicios sentados - Ejercicios de pie: silla/ barra/ pared - Ejercicios en el centro Los bailarines de la Compañía Nacional de Danza que participan en las sesiones son: Elisabet Biosca, Sara Lorés y Jessie Inglis. Danza para el Párkinson ¿Qué es? Danza para el Párkinson es un proyecto artístico con una doble vertiente: 1. Desarrollar en nuestro país un proyecto desde el tejido asociativo en el que artistas de la danza demuestran que gracias a su acción pueden contribuir a que comunidades como los enfermos neurológicos tengan una vida mejor. Un trabajo artístico con fines sociales, realizado por bailarinas y bailarines, en el que la danza es la principal herramienta. 2. Tiene un carácter social por estar dirigido a los enfermos de Párkinson, una comunidad vulnerable, para la que los beneficios de la danza han sido ampliamente demostrados, como veremos más adelante, basándose en un principio sencillo pero brillante: Para una persona con Párkinson es muy útil aprender a pensar como una bailarina: equilibrio, encadenamiento de movimientos, trayectoria en el espacio. Este proyecto contribuye a fortalecer la imagen social de las y los profesionales de la danza, pone de relieve el carácter solidario tanto de los propios artistas como de la CND-INAEM como institución, pues demuestra que bailarinas y bailarines, además proporcionar entretenimiento y experiencias estéticas, puede ser un importante suministrador de bienestar social e individual. Una contribución solidaria para el alma de nuestra sociedad, para potenciar en la conciencia colectiva la ayuda a los más débiles, para la integración y normalización de la práctica artística entre comunidades vulnerables: innovación y desarrollo de potencialidades de bailarinas y bailarines, concienciados, residentes, solidarios. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Estimados Amigos: El próximo día 29 de abril se conmemora en todo el mundo el gran Día Internacional de la Danza, un acto más que merecido, por la gran labor cultural y artística que se está haciendo desde hace muchísimos años. Desde La Asociación ProDanza Huesca en Colaboración con el Centro Deportivo Limite Fitness y el Área de Cultura del Excelentísimo Ayuntamiento de Huesca. Queremos unirnos un año más a tan importante fecha para el mundo de la Danza. El próximo 29 de abril, en la Plaza López Allue. Vamos a montar una gran fiesta desde las 17’30 a las 21’30 horas. Están invitados todos los centros de Danza de la ciudad a participar y sumarse a esta Gran fiesta de la Danza en nuestra ciudad. La Asociación ProDanza Huesca. Desde hace 9 años consecutivos se está realizando en el Palacio de Congresos, la Velada de Danza Ciudad de Huesca. En ella se homenajea a los bailarines, coreógrafos, maestros, etc. más importantes que ha dado la danza en este país y fuera de él. En anteriores ediciones han sido homenajeados: Bejart, La Tati, Ramón Oller, Fernando Bujones, mi maestra Mabel Romero, Maya Plisetskaya, Nacho Duato, Antonio Canales y en esta edición será el Ballet Nacional de España” Tradición y Vanguardia” 27,28 y 29 de abril, Día Internacional de la Danza Día 27 y 28. En EDH (Espacio Danza Huesca) serán el sábado de 10’30 a 14’00 de 16’00 a 20’00 horas. Y el domingo de 10’30 a 14’00 horas. El precio es de 80€ antes del día 1 de abril y 100€ después del 1 de abril. Clase de flamenco impartida por el Maestro Antonio Canales. Día 27. A las 20,30 horas en el Circulo Oscense” Antiguo Casino de Huesca” Conferencia “Historia y Raíces del Ballet Nacional de España” ponentes, Ana González y Juan Mata, 1º bailarines del Ballet Nacional de España. Entrada gratuita hasta cubrir aforo. Día 28. En los Multicines de Huesca a las 18’30 horas, proyección del ballet Giselle con Tamara Rojo, con el English National Ballet, coreografía de Akram Khan, una buena ocasión que tienen los amantes de la danza clásica de ver un gran ballet. El precio de la entrada es de 6’50€ Día 29. En la Plaza López Allue de 17’30 a 21’30, horas. Lectura del manifiesto del Día Internacional de la Danza 2019. Inauguración y presentación de todos los centros participantes (Centro Deportivo Limite Fitness, Dolce Vita Savalli, Flamen&co/Sandra Nogarol, y EDH) se harán cargo de las clases que se impartirán a lo largo de toda la tarde. 17’30 horas. Comenzaremos con la barra de danza Clásica. Duración 1 hora. 18’30 horas. Clase de zumba, por varios centros. Duración 1 hora. 19’30 horas. Distintas actuaciones de los centros colaboradores. 20’30 horas. Clases sin especificar aún. 21’30 horas. Cierre y final de la jornada. Entre las distintas clases, se irán sorteando entradas para la Velada de Danza Huesca, vales descuentos, bonos gratuitos para los distintos centros y todo lo que cada centro quiera donar. Se sortearán regalos donados por los colaboradores que participan en la jornada. Espero te puedas sumar a esta iniciativa y celebrar este día tan importante para los amantes de la danza, estamos abiertos a ideas si lo ves adecuado. Un abrazo. José Espinosa

Las incógnitas que planeaban sobre quien asumiría la nuevas direcciones de las compañías nacionales ya están despejadas con el reciente nombramiento de Rubén Olmo. Desde el INAEM se ha apostado con inteligencia, tanto en la CND como en el BNE, por un modelo respetuoso con la dirección anterior, lo cual es necesario. No pueden nombrarse directores en cuyo plan esté el finiquitar lo logrado. No se puede empezar desde cero una y otra vez hasta el infinito, sino que es necesario seguir el impulso de lo conseguido, y así, Ruben Olmo toma el relevo de Antonio Najarro. Ruben Olmo es también, como en el caso de Joaquín de Luz, una persona muy querida en la profesión y muy considerado con el trabajo de los demás, así como un profundo conocedor de la danza española en toda su amplitud. Es un magnífico coreógrafo, dotado de un gran sentido de la musicalidad. Su carácter es tímido, pero lo es porque es un tipo de artista hipersensible al que no le gusta en exceso la exposición a los medios. Rubén Olmo es titulado en danza española y clásica por el Conservatorio de Sevilla, donde ingresó con nueve años. Como bailarín tiene una amplia trayectoria, cultivada en importantes agrupaciones de esta disciplina de nuestro país. Figuran en sus inicios, el primer Taller Coreográfico de la Compañía Andaluza de Danza, dirigida entonces por María Pagés, donde ingresó Olmo con catorce años, y la compañía de Javier Barón, donde un jovencísimo bailarín de dieciséis años debutaba en el espectáculo "El pájaro negro", con Belén Maya como bailaora principal. La compañía de danza de Aída Gómez, la producción del Teatro de la Zarzuela "El barberillo de Lavapiés" y el Ballet Nacional de España, donde ingresó con dieciocho años, llegaron más tarde en la carrera de Rubén Olmo, instalado en Madrid desde 1996. En el BNE destacó pronto, y poco tiempo después de su llegada a esta compañía ya interpretaba destacados roles. Algunos de ellos fueron el de bailarín principal en el trabajo "Luz del alma", con coreografía de Javier Latorre, y Calisto en La Celestina. Un año después se convertiría en solista de esta agrupación. Rubén Olmo estrenó al frente de su propia compañía los montajes "Belmonte, la danza hecha toreo" (2006) y "Tranquilo alboroto" (2010). De 2011 a septiembre de 2013 fue director del Ballet Flamenco de Andalucía. Últimamente compagina su trabajo como maestro en el Centro Andaluz de Danza (CAD) con montajes escénicos como "El Amor Brujo" con el Ballet Víctor Ullate-Comunidad de Madrid o las producciones "La Tentación de Poe" u "Horas contigo". Es Premio Nacional de Danza 2015 en la modalidad de Interpretación y Premio de la Crítica del XXIII Festival de Jerez (2019). En septiembre de 2019 asumirá la dirección del Ballet Nacional de España. ¡Enhorabuena, Rubén Olmo! MERCEDES ALBI

Con su interpretación coreográfica de Dido & Aeneas, Sasha Waltz propone reinsertar la obra en la tradición de las masques de la época de Purcell, cuyo lenguaje predilecto era la danza. Evidentemente, desde una estética contemporánea y desde un código que hay quien ha definido como ópera coreográfica seguramente porque los cantantes, bailarines y músicos parecen sumergirse en una danza colectiva en la que nadie teme alejarse de sus funciones originales. Detrás de la reapropiación de la masque por parte de la coreógrafa se encuentra una invitación a sustituir la forma de lo barroco por un nuevo lenguaje contemporáneo, pero un lenguaje que sea capaz de provocar aquel estupor, aquella maravilla, aquella alternancia de códigos contrastados y emociones que se encuentra en la esencia de lo barroco. Esa mixtura de praxis musical histórica y coreografía de vanguardia vigorosa y recia funciona porque Sasha Waltz se pliega a un vocabulario gestual y a un discurso que, más allá de las muchas sorpresas, se encuentra en la misma longitud de onda de Purcell. La suya es una danza rigurosa, con frecuencia atlética, pero en la que los bailarines se dejan llevar, eso sí, por la vívida autoconciencia característica de lo contemporáneo. Momentos de extraordinaria fuerza emotiva se adueñan del espectáculo, como el canto de Belinda a los bosques, el abandono de Eneas, el conmovedor suicidio de Dido entre velos fúnebres que parecen el capullo de un insecto, tras el que una mujer enciende unas velas en señal de luto; o el lamento coral con el que concluye la ópera. Pero la imagen más icónica quizás sea la que abre el espectáculo: una gigantesca piscina que emula a una maravilla barroca en la que los bailarines nadan, bucean, se convierten en divinidades, nereidas, tritones y medusas; rinden tributo al viaje de Eneas por el mar Mediterráneo; y anticipan el sarcófago que acogerá a Dido, sobre ruinas cartaginesas que intuimos que reposan al fondo. Joan Matabosch Director artístico del Teatro Real

La gran noticia de esta semana para la danza es sin duda la elección de Joaquín de Luz para asumir la nueva dirección de la Compañía Nacional de Danza. Leemos las palabras que el mismo ha escrito sobre como se siente en estos momentos: "Más que pletórico y agradecido por el amor y el apoyo. Es una gran sensación sentir el respeto como artista, pero mas importante, como persona. Ilusionado por esta nueva etapa. Sin duda será un reto y pondré todo de mí para afrontarlo. Gracias a la gente bonita en mi vida. " ("Beyond grateful and overwhelmed for the amount of love and support. The best feeling is being respected as a person as well as an artist. Excited for this new chapter. It will no doubt be a challenge and I will give it my all. Thanks to all the amazing people in my life.") Y reflexionamos... ¿Por qué ha ganado Joaquín? Es cierto que era el candidato favorito de la mayoría. Lo que hace que nos preguntemos cómo es posible que  en este complicado mundo de la danza, Joaquín de Luz cuente con el apoyo unánime de la profesión. Es evidente que tiene un don que despierta un afecto incondicional hacia su persona. Para su nombramiento tenía en contra el hecho de que nunca ha dirigido una compañía. Su fulgurante carrera como bailarín -que acaba de cerrar con su emotiva despedida del New York City Ballet- no le ha dejado tiempo para más; otro factor que podía jugar en su contra es que no es coreógrafo. Pero este hecho, que no es lo habitual, me atrevería a calificarlo como algo positivo. Tampoco era coreógrafa María de Ávila y bajo su mandato se crearon obras emblemáticas para la compañía nacional. El que un director no sea coreógrafo amplía, a mi entender, su abanico de elección y condiciona menos su libertad para escoger a los artistas. No solo es necesario brindar oportunidades que impidan el exilio forzoso de las nuevas generaciones de bailarines, sino que también los creadores españoles necesitan demostrar sobre los escenarios de lo que son capaces. Joaquín ha ganado, pero lo más importante es que sea la Danza la que haya ganado con él. Un largo y esperanzado camino se abre. ¡¡Enhorabuena Joaquín de Luz!! En tu nueva etapa encontrarás éxitos, obstáculos, aciertos, errores, aplausos, decepciones, felicitaciones, peloteos, críticas... Y un sin fin de cosas que van parejas a la vida. Pero siempre y ante todo, sigue siendo tú mismo. Ese es tu don: la autenticidad. Se nota en su salto, en su sonrisa, en esa forma apasionada que tiene de entregarse al público, sin doblez, que también posee en su modo de ser. Eso es lo que cautiva y lo que le hace ser tan querido. Esperamos y deseamos que haya ganado el mejor. ¡¡¡Enhorabuena, Joaquín de Luz!!!! MERCEDES ALBI

El próximo 31 de marzo el Teatro Real recibe, por segunda vez en su historia reciente, la visita de la compañía Sasha Waltz & Guest, que ofrecerá uno de sus trabajos más emblemáticos, Dido & Aeneas, en el que la danza y la ópera dialogan y transitan sobre el escenario dando vida a la partitura de Henry Purcel (1659-1695), intercambiando su identidad original para construir un todo. La propuesta artística de la coreógrafa alemana combina con singularidad la expresión contemporánea de doce bailarines con el lenguaje lírico, donde la soprano Marie-Claude Chappuis, en el papel de la reina Dido, y Nikolay Borchev, dando vida al héroe troyano, forman parte de la escena y la coreografía general junto a las voces de Aphrodite Patoulidou (Belinda), Yannis François (La hechicera), Luciana Mancini (segunda mujer), Ziad Nehme (primera bruja) y Michael Smallwood (espíritu). La dirección musical estará a cargo de Christopher Moulds, con la participación de la Akademie für Alte Musik Berlin y elVocalconsort Berlin. Esta será la primera vez que el Teatro Real ofrecerá Dido & Aeneas (1689) en versión escénica, y lo hace partiendo de la génesis misma de la ópera, para la que Purcell, componiendo en la costumbre inglesa de la época, desarrolla la acción dramática intercalando danzas instrumentales. Sasha Waltz recoge la idea original y transforma el verbo, y el mundo sensorial, en imágenes de gran plasticidad a través de una coreografía de enorme exigencia física para los bailarines, cuya gestualidad representa mucho más que una narración simplista del argumento. Así, Waltz nos sumerge en la desgarradora historia de amor de Dido, casi de forma literal. La presencia del agua, de ese mar que trae a Eneas, pero que es también el camino por el que abandona los brazos de la amada, se coloca en el centro de la escenografía, diseñada por la propia Sasha en colaboración con Thomas Schenk, con un enorme tanque transparente en el que los bailarines amantes se encuentran. Henry Purcell contó con la colaboración de Nahum Tate para la elaboración del libreto. Tate, basándose en su propia obraBrutus of Alba, or the Enchanted Lovers y en la Eneida de Virgilio, construye una narración sencilla en la que los personajes carecen de carga psicológica y la trama fluye continua y ligera, de fácil comprensión para el espectador, lo que permite el lucimiento de una música extraordinaria. Dido & Aeneas es, sin duda, una de las composiciones más relevantes del barroco inglés, y una de las más conocidas de Purcell. En contraste con los recitativos secos de sus contemporáneos italianos, se escuchan aquí reflexiones más ligeras, arias más breves, melodías conmovedoras y el coro tiene una presencia dramática en el sentido más teatral del término, recogiendo la tradición de la música religiosa. El Teatro Real ha ofrecido anteriormente dos interpretaciones de esta ópera. La primera, en versión de concierto en 2013, fue interpretada por la formación barroca MusicAeterna y el Coro y Orquesta de la Ópera de Perm, bajo la dirección de Teodor Currentzis y con las voces de Simone Kermes (Dido), Dimitris Tiliakos (Aeneas) y Nuria Rial (Belinda), en los papeles protagonistas. La segunda, en 2015, formó parte de la programación juvenil de El Real Junior, para la que el director de escena, escenógrafo y figurinista Rafael Villalobos realizó una adaptación de la dramaturgia y puesta en escena. Dido & Aeneas es una producción de Sasha Waltz & Guests y la Akademie für Alte Musik Berlin, en coproducción con la Staatsoper de Berlín, el Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg y la Opéra national de Montepellier. Imágenes procedentes de Sasha Waltz & Guest. Fotógrafo: © Sebastian Bolesch

Brigitta L. Merki, directora de la compañía suiza Flamencos en Route, ha estado estos días entre Madrid y Jérez, donde coincidí con ella en el Teatro Villamarta. La artista, siempre profunda y reflexiva, no para, su mente siempre está ideando, buscando nuevos cauces y formas de expresión en el arte flamenco. Más de 30 producciones avalan la sólida trayectoria de su compañía, creada en 1984 bajo la influencia de su maestra Susana Audeoud –quien con José de Udaeta creó el famoso duo Susana y José en los años 50- y el compositor, Antonio Robledo. Brigitta es una figura imprescindible en la evolución del flamenco. Ella irradia la cultura española desde un epicentro diferente, como si fuera un satélite privilegiado que se ha desprendido de la estrella original y brilla con luz propia. Pero su materia es la misma, lo que varía es la profundidad de su concepción, que ha creado un lenguaje que lo enriquece. El flamenco no es exclusivo de los españoles, y así como a principios del siglo XX se discutía si este arte propio de la cultura gitana podía tener entre los payos intérpretes de calidad, lo que a día de hoy es una cuestión totalmente superada, los artistas extranjeros que han hecho de nuestro arte su vida merecen un lugar a la altura de los mejores, porque además lo son. Ellos nos engrandecen. Brigitta me cuenta que está comenzando en Madrid los ensayos para su nueva producción “Ícaro, muere o vuela”, que será estrenado próximamente en Königsfelden, una abadía gótica del siglo XIV en el corazón de los Alpes... -¿Qué estás haciendo estos días en España? -He estado ensayando con algunos bailarines para la nueva producción. Se va a titular “Icaro, muere o vuela”. Vamos a estrenar el 24 de mayo en la Abadía, habrá 23 actuaciones que finalizarán el 23 de junio. -¿Cómo es “Ícaro, muere o vuela”? -Es un proyecto interdisciplinar, hay baile contemporáneo, break-dance y flamenco. He estado ensayando con Javier Sánchez y bailarines de los otros estilos: Dany Zoo, que es un breakdancer aunque nacido en Sevilla; Ivan Amaya que es un bailarín contemporáneo también sevillano, y Valentina Pedica, bailarina contemporánea que vive en Madrid. -¿Son tu elenco? -Son parte del elenco, hemos hecho solo unos pre-ensayos. En total serán 13 bailarines, de flamenco, break, y contemporáneo con 8 músicos, pues la obra tiene su propia música original creada ex profeso. -¿Y la coreografía? -He coreografiado conjuntamente con Rob Kitsos, un artista canadiense de danza contemporánea con el que me encanta colaborar. -¿Qué significado tiene vuestro Ícaro? -Ícaro para mí es un símbolo de una energía muy positiva, del anhelo de vivir, del deseo de alcanzar nuevas experiencias vitales, de asumir el riesgo en el sentido de que hay que atreverse a acercarse al sol. Y esto es todo un símbolo de cómo se trabaja en el arte. El artista asume un riesgo, y si no te arriesgas… no alcanzas la meta. A veces te caes y tienes que volver a levantarte para emprender nuevos vuelos. El artista tiene siempre que volar hacia la luz, y hacer más y más vuelos. Y cuantos más haces, estos son más perfectos. -¿Y en la danza? -En el baile es muy importante saber caer, y esto da muchas opciones en el modo en que se plasma en la coreografía. Caer y saber levantarse de nuevo, hacerse otro plan y seguir volando, viviendo y estar en diálogo permanente con todo lo que te interese y aporte es fundamental para crear en danza. Yo pensé ¿Cómo se puede volar? Y vi los break-dancers y me di cuenta de que saben volar. Son gente joven que está en la calle haciendo cosas que en el fondo pueden ser mortales. Concebí esa idea. En “Ícaro, muere o vuela” los bailarines son de diferentes estilos, break, flamenco, contemporáneo, pero es que en la vida hay muchos tipos diversos de personas… Cada estilo de danza pertenece a una forma distinta de ser y ver el mundo, y eso me interesa muchísimo. -Hace poco he leído que la personalidad se configura de dos únicos modos: la imitación y la invención. Hay seres que se construyen solo a base de imitación, que son personas rígidas y extremadamente tradicionales, la invención es lo que configura la libertad individual. -Sí, esto es Ícaro, libertad, la búsqueda que le aleja de los consejos de su padre Dédalo, otro personaje fundamental de su historia, quien le enseña cómo se tiene que hacer y hasta donde se puede volar… -¿Qué es lo que más te atrajo del personaje de Ícaro? -Me gusta mucho la idea de la inocencia de Ícaro. En la vida siempre hay un margen que se confecciona con prohibiciones sobre lo que se puede hacer y lo que no. Al niño se le marcan unas normas, pero para evolucionar hay que cuestionarse los límites establecidos, saltar y arriesgar, porque ¿Quién no ha sentido alguna vez deseos de volar? El vuelo es el mundo de la fantasía, de la imaginación, donde todo es posible. -Feliz nuevo vuelo!!! Brigitta. MERCEDES ALBI Fotografías ensayos Caroline Minjolle

La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo. Cada aportación cuenta y, por eso, proponemos un encuentro continuo on y off-line donde crear, provocar, conectar, descubrir, probar, experimentar, compartir y apoyar. En esta sexta edición, BETA PUBLICA sigue buscando que público, coreógrafos, bailarines, programadores culturales, medios, productores y demás participantes estén - física y virtualmente - presentes en los procesos creativos de las piezas seleccionadas dando lugar a nuevas reflexiones y acercando puntos de vista que contribuyan a enriquecer el proceso creativo. Como señala Pilar Villanueva, coreógrafa y portavoz del Proyecto: “En esta ya SEXTA EDICION de BETA PUBLICA vamos a seguir apostando por la creación y la danza contemporánea para que creadores y público colaboren desde el principio y a través de las redes sociales del proceso creativo. Esperamos superar el éxito creativo y de público de la QUINTA EDICION donde participaron, entre otros, creadores de Italia y Holanda.” Esta SEXTA EDICION de la Muestra Coreográfica se materializará en un evento los días 1 y 2 del próximo mes de junio en Madrid. La Convocatoria de propuestas creativas, de hasta 15 minutos de duración, se realizará en colaboración con la plataforma online de TALENTS UNITED y como las ediciones anteriores, utilizará las redes sociales de BETA PUBLICA y de los participantes, para amplificar el alcance y ampliar los vínculos de los creadores con las audiencias. La convocatoria estará abierta hasta el 12 de abril del 2019. La semana del 29 de abril se comunicarán los proyectos creativos seleccionados. La VI EDICION BETA PUBLICA será una realidad gracias a la colaboración de TALENTS UNITED que proporciona la Plataforma online, la Vice-Consejería de Cultura y el C.C. Paco Rabal de la COMUNIDAD DE MADRID, cuyas apuestas decididas por la danza contemporánea nos permiten continuar ofreciendo un incentivo económico a todos los y las seleccionados y bolsas de ayuda de viaje a las compañías seleccionadas no residentes en la Comunidad de Madrid. MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES periódicas de su Muestra Coreográfica utilizando la Plataforma online proporcionada por TALENTS UNITED® para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación ha puesto en marcha un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea y que este año acogió el pasado mes de febrero a cerca de 3.000 alumnos yn profesores de Primaria, ESO y Bachiller en un espectáculo que incluye a creadores que han participado en ediciones anteriores de la Muestra Coreográfica. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa y portavoz de BETA PUBLICA Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin…) y creó piezas para “12 Min Max” (abril 2006, febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza, junto con otros creadores, a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 17 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. TALENTS UNITED® es una comunidad de artistas unidos por un fin común: compartir conocimiento, experiencias y, sobre todo, talento. Talents United es un workshop abierto las 24 horas del día, pensado para que todas las disciplinas artísticas puedan colaborar, opinar y generar nuevos proyectos. Con más de 6.000 artistas y creadores de casi 65 países registrados, 4.500 proyectos publicados y 60 Retos ejecutados tanto de empresas como de los propios “talentos”, TALENTS UNITED® es la plataforma de más rápido crecimiento y la más activa en la generación de oportunidades para los creadores y para las empresas. CONTACTO Txema Arnedo txemaarnedo@hotmail.com www.betapublica.com 609 199 700

Tenemos el placer de viajar al Festival de Jerez, donde asistimos al estreno del espectáculo “Anónimo” de David Coria. Todo lo que este bailarín-creador hace está impregnado de sí mismo, de una energía honesta que bulle e inflama el escenario de intensidad. Me encuentro con él después del espectáculo. David sigue sin parar saludando a unos y a otros en las tascas cercanas, y me lo llevo de allí para hacernos una foto. Cuando llegamos de nuevo frente a la fachada del Teatro Villamarta todo está en silencio, pero su vitalidad sigue llenando el vacío que indudablemente se siente cuando uno acaba de entregarse totalmente en escena para el público. La noche parece como un sueño. David tiene un físico que es atemporal, le digo que parece un personaje salido de una película de piratas, con su pelo negro de rizos desordenados, sus ojos oscuros e intensos y ese aro característico que pende de su oreja. Es cierto, es el pirata de Espronceda, su tesoro es el barco de la danza flamenca y su dios, la libertad. David navega hacia el futuro surcando y trazando nuevos caminos en el inmenso océano del arte. -¿Por qué “Anónimo”? ¿Qué significa el título de tu nuevo espectáculo? -Anónimo es una fantasía personal. Y la he construido a partir de ese concepto. Para mí significa una identidad desconocida, un secreto un misterio, la cantidad de seres que habitan dentro de una misma persona y que son desconocidos para la norma social. Las convenciones obligan a un determinado comportamiento, entonces las personas vamos configurándonos según lo que se exige socialmente de nosotros. Nos modelamos poniendo filtros al verdadero ser que somos. Yo he querido crear un espacio donde se cuestione esa imposición y juguemos a burlarnos de ella. -Dame un ejemplo de cómo trasladas esa idea abstracta al campo concreto de la escena. -Por ejemplo,  la ropa que utilizo. Ten en cuenta que la primera imagen que recibimos de alguien nos la aporta su vestido. La ropa está impregnada de norma. No es lo mismo llevar un zapato Gucci que unas zapatillas del rastro. Catalogamos en base a las apariencias, por esto juego con la desnudez y con las distintas prendas que nos vamos poniendo y quitando…  Me pongo la chaqueta, miro los relojes, me quito esto, me pongo aquello… Todo son capas diferentes de uno mismo que se van mostrando. Con ello hago una reflexión sobre qué somos en realidad. -¿Crees que hay mucha apariencia en lo que mostramos al exterior? -Sí, también la imagen que difundimos por las redes sociales contiene algo de falsedad. Por eso reflexiono en “Anónimo” sobre la persona que mostramos y la que somos en realidad, un algo que permanece oculto. En “Anónimo” voy construyendo las imágenes a base de aspectos diferentes de lo que es la masa de gente. Individualizo, no somos más que carne, hueso, pellejo, hay un algo más profundo en el ser humano que tener vulva o pene. Esa es la base de la escena de la hembra gigante con los bailarines que a su lado parecen liliputienses. Por eso jugamos también con la desnudez. -¿Por qué sois tres bailarines hombres en el elenco? -Los otros dos son un reflejo de mí. Es un ser único que a veces son tres en uno, me desdoblo. -¿Quiénes son los otros dos bailarines que te acompañan? -Rafael Ramírez; lo conocí y trabajé con él en mi anterior espectáculo “El encuentro”. Es el más joven, me gusta la forma en que concibe su arte, su forma de expresarse, y por eso quise volver a contar con él; y a Eduardo Leal lo conozco desde hace muchísimo tiempo, desde los dieciocho años. Hemos bailado juntos en otras compañías como la de Rubén Olmo. Encuentro siempre bailando con él un sentimiento muy emotivo. -¿Y la música? -Mi mano derecha en la música es Jesús Torres. Es un guitarrista peculiar, creativo, con un universo interior increíble. Admiro su dominio de la guitarra y el profundo conocimiento que tiene del flamenco. Me entiende perfectamente, le digo lo que quiero y traduce a música mi deseo de una forma alucinante. Daniel Suárez tiene en su percusión el secreto de saber crear ambientes maravillosos con muy buen gusto. Son ya parte de mi equipo y me ponen fácil lo que van a hacer porque me comprenden. Es la primera vez que he trabajado con Sancho Almendral, el chelista. Lo vi en El Quijote de Andrés Marín y me encantó. ¿Y qué puedo decirte de Gemma? Su cante, su voz… La admiro muchísimo. Necesitaba esa voz, esa fuerza para lo que yo quería mostrar. Además, es la única mujer y esto también amplía el significado de que no importa si eres hombre o mujer ni una sola mujer entre tantos hombres. La iluminación de Gloria Montesinos y el sonido de Quique Seco fueron también muy importantes. -¿Cómo es que te dedicaste a la danza flamenca? En mi casa, de pequeñito, mi hermana bailaba, a mi padre le encanta el flamenco, mis hermanos tocan la guitarra, y aunque no se han dedicado a ello profesionalmente sí nací en un ambiente muy propicio para desarrollarme en ello. Así comenzó todo. -Creo que sois una familia muy numerosa. -Sí, somos diez hermanos de Coria del Río. -¿Tu nombre artístico es por tu pueblo? -Cuando llegué a Madrid con 17 años, y hablaban de mí, decían para reconocerme “el de Coria” y así me quedé: David el de Coria, David Coria… No tuve que buscarme un nombre artístico. -¿Por qué viniste a Madrid? -Mi meta era entrar en el Ballet Nacional de España. Fue en el momento en que Aída Gómez dejó el BNE y convocó audiciones para su compañía y me cogió. Luego, cuando cumplí los 18, entré BNE con Elvira Andrés. -¿Cómo fue tu experiencia en el BNE? -Muy buena. Me fui porque quería probar cosas nuevas, pero fue una experiencia preciosa en la que pude vivir y compartir con los grandes de la danza. Gades, Granero, Alberto Lorca, Pilar López, que vino a reponer concierto Aranjuez, Juan Mata, Maribel Gallardo, Lola Greco… Por nombrarte a unos cuantos. Me enseñaron lo que es la profesión, tienen muchos medios y te inculcan lo que significa el trabajo bien hecho. Luego he trabajado con muchas otras compañías: Rafaela Carrasco, Rocío Molina, Rubén Olmo, Brigitta L. Merki… -¿Cuándo decides que quieres dar el paso de intérprete a creador? -Es una inquietud que siempre tuve dentro.  La primera vez que coreografié  algo fue una pieza con Guadalupe Torres y Jonathan Miró que llamamos “Momentos”, nuestro primer juego…  También hice algunas pinceladas con Rafaela Carrasco. Empiezas a meterte y vas siendo consciente de la existencia de un universo infinito. -¿Qué es para ti el impulso de crear? -La creación es como tener la capacidad de escribir, de dibujar, pues se puede expresar a través de muchos medios pero su meta es convertirse en arte. Es dar rienda suelta a tu imaginación, dejar abierta una puerta que solo puedes traspasar con el arte. Es algo que me atrapa, es como  jugar a ser lo que quiera, es vivir los sueños, porque estos cobran vida. -¿Cómo piensas que es el flamenco actual? -En este momento hay una explosión de gente creativa en el terreno artístico, mucha gente aportando y las aportaciones que valen la pena, el flamenco las absorbe y las que no, pues las desecha. Esto es lo que marca la evolución del arte flamenco que se va construyendo a lo largo del tiempo. Hay muchísimo talento, muchísimos artistas que hacen cosas muy bonitas. -¿Ha evolucionado el estilo flamenco? -El flamenco es un ente vivo, se define y va con el tiempo que le toca vivir, como las personas, que somos hijos de una época y no podemos sustraernos de ello, y esas vivencias se plasman en el flamenco. Es un arte vivo, cada uno baila como es en verdad, no se puede mentir con la energía que el artista despliega sobre el escenario porque siempre transmite cómo es él. Su danza es un trozo de su persona y esa persona está dentro de su momento histórico, no puede ser de otra manera. Así los artistas vamos configurando el arte flamenco. MERCEDES ALBI FOTOGRAFÍAS ESCENA: DANIEL MUÑOZ PANTIGA

Esta nueva entrega de la "Suite Homenajes" está dedicada a uno de los reyes sin discusión del cante flamenco: Manolo Caracol. Nacido en uno de los rincones más emblemáticos para la historia del flamenco, La Alameda de Hércules (Sevilla), y emparentado lejanamente con cantaores como El Planeta o Curro Dulce, entre muchos otros, Manolo Caracol adquirió el apellido artístico de su padre. Con tan solo 12 años consiguió el segundo premio en el I Concurso de Cante Jondo realizado en Granada en 1922, impulsado por Manuel de Falla. A partir de ese momento se abren las puertas de muchos teatros tanto en Sevilla como en Madrid compartiendo cartel con todas las grandes figuras de la época: Antonio Chacón, El Gloria, Manuel Centeno, La Niña de los Peines, El Cojo de Málaga, Manuel Torre, Pepe Marchena, Pastora Imperio, etc... En 1943 forma junto a Lola Flores probablemente la pareja de flamenco más importante de todos los tiempos. Y no es fácil decir esto puesto que hubieron unos cuantos dúos, en esas décadas de los años 40, 50 o 60 del siglo XX, muy relevantes: Pepe Pinto y la Niña de los Peines, Antonio y Rosario, Pepe Blanco y Carmen Morell, Juanito Valderrama y Dolores Abril, etc... Actuó tanto en España como internacionalmente junto a la gran bailaora Pilar López. Hizo incursiones en el mundo de la copla y del cine, cantando tanto con piano como con orquesta, y sus zambras le convirtieron en el cantaor más popular de su época. En 1963, inaugura en Madrid su tablao "Los Canasteros", denominado también: "Teatro Real de los Gitanos", con un elenco insuperable: Fernando Terremoto, Melchor de Marchena, María Vargas, Paco Cepero, La Perla de Cádiz, etc..., y en 1969, se le impuso en Madrid la Orden de Isabel la Católica. Trini de la Isla, natural de San Fernando (Cádiz), junto a la guitarra de Niño Manuela, las palmas de Rafael Peral y Miguelón, los comentarios de Juan José Gil y la colaboración especial de la bailaora Sonia Panizo, será el encargado de recordarnos a este gigante del cante flamenco que, como Antonio Mairena o Pepe Marchena, es de los pocos cantaores que ha creado escuela.