"PARÍS, CON MIRADA AMERICANA" La compañía francesa ofrecerá cinco funciones los días 21, 23, 24 y 26, este último con sesión doble, a las 17.00 y a las 21.30 horas El programa estará compuesto por coreografías de George Balanchine, Jerome Robbins y Hans Van Manen La música, interpretada por la Orquesta Titular del Teatro del Real, bajo la dirección de Maxime Pascal, contará con la participación de las pianistas Elena Bonnay y Vesela Pelovska y del violonchelista Aurélien Sabouret El próximo viernes, 22 de enero, a las 20.30 horas, se ofrecerá una nueva sesión de Enfoques, en torno al Ballet de la Ópera de París, a cargo del crítico y escritor Roger Salas En el año que acaba de empezar la Ópera de París vivirá inmersa en las celebraciones de su 350 aniversario. En este momento, cuando la memoria rescata la trayectoria de una de instituciones más emblemáticas de la cultura europea, el Teatro Real será el primer escenario que el Ballet de la Ópera de París visitará en 2019, para ofrecer cinco funciones, entre el 21 y el 26 de enero, con la participación de algunos de sus bailarines estrella. El programa de reencuentro con el público de Madrid estará formado por coreografías de George Balanchine, Jerome Robbins y Hans Van Manen, sin atender a un orden cronológico. Gracias a la mirada e inspiración de estos creadores, encontraremos algunos de los símbolos de identidad de una escuela que, siendo una de las más brillantes de la tradición clásica, y sin dejar de ser fiel a la misma, ha incorporado nuevos lenguajes, técnica y carácter. El espectáculo contará con la interpretación musical de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección del maestro Maxime Pascal, y la participación de la pianista Elena Bonnay en Sonatine y Trois Gnossiennes, el violonchelista Aurélien Sabouret, en A suite of Dances, y la pianista Vesela Pelovska, en Rubis. De George Balanchine, uno de los nombres más influyentes en el mundo de la danza, pionero del ballet moderno y fundador, junto a Lincoln Kirstein, del New York City Ballet, se interpretarán dos obras: Sonatine y Rubis, ambas creadas para la compañía americana e incorporadas al repertorio del Ballet de la Ópera de París. La primera de ellas fue estrenada en la primavera de 1975 para conmemorar el centenario del nacimiento de Maurice Ravel, de cuya obra, Sonatine para piano en fa mayor, toma su nombre. Rubís, situada entre la escuela francesa y la escuela rusa, coreografiada sobre el Capriccio para piano y orquesta de Igor Stravinsky, representa América a los ojos de Balanchine, deslumbrado por los musicales de los años 30 y las improvisaciones del jazz. Esta coreografía forma parte del ballet Jewels, que pudo verse completa en 2004 en la primera visita del Ballet de París al Teatro Real. Conocido por el gran público por sus creaciones para el musical americano con títulos como West Side Story (1957) o El Rey y yo, Jerome Robbins es uno de los más reputados coreógrafos de danza del siglo XX por ballets como los que forman parte de este programa: Afternoon of a Faun y A suite of Dances. Su histórica coreografía Afternoon of a Faun – estrenada por el New York City Ballet en 1953- será la encargada de abrir el programa. Concebida como un encuentro casual entre dos jóvenes bailarines, envueltos por el Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy, y con una clara mirada a la obra de Nijinsky, sigue siendo hoy en día uno de los pax de deux más apreciados por su expresividad, sensualidad y originalidad, que convierte la “cuarta pared” en un espejo donde los bailarines se miran. El mismo carácter innovador de Robbins se encuentra en A suite of Dances, donde un violoncelista -Aurélien Sabouret en las funciones del Teatro Real-, interpreta algunos extractos de la Suite para violonchelo solo de Johan Sebastian Bach, mientras un bailarín escucha la música y se mueve de forma intuitiva. Ambos artistas interactúan comenzando con la indiferencia de una improvisación, avanzando de manera lúdica, desde la relajación hasta el estilo académico, para alcanzar una infinidad de pasos y variaciones de trayectoria, cuya la velocidad de ejecución, la hace extraordinariamente más compleja. Fue estrenada por Mihail Barysnikov en 1994 en el Teatro del Estado de Nueva York. La producción artística de Hans Van Manen cuenta con más de 120 ballets, cada uno con una factura y una firma de trazado que los hacen inconfundibles. La claridad en la estructura y una refinada simplicidad son los elementos de una forma de creación que le han valido el nombre popular del "Mondriaan de la danza". La forma en que Van Manen retrata al hombre y a la mujer, las relaciones humanas y la sexualidad, resultan liberadores en todos los aspectos, algo que queda patente tanto en sus coreografías como en sus trabajos fotográficos. Trois Gnossiennes, llamada así por la partitura de Erik Satie, es la más reciente de las coreografías que componen el programa y, curiosamente, la que se interpreta en la parte central del mismo. Estrenada en 1982, incorporó al repertorio del ballet parisino en 2017, con la llegada de Aurélie Dupont a la dirección. Se trata de la creación más abstracta de la noche, austera, moderna, pero poseedora de un afinado sentido del ritmo y un fraseo elocuente que recuerda la estética neoclásica de los dos maestros que le acompañan en Madrid, George Balanchine y Jerome Robbins. Como complemento a estas importantes representaciones, el próximo viernes, 22 de enero, a las 20.30 horas, tendrá lugar en la Sala Gayarre del Teatro Real, una nueva sesión de Enfoques, en esta ocasión, en torno al Ballet de la Ópera de París, a cargo del crítico y escritor Roger Salas. El Ballet de la Ópera de París ha visitado el Teatro Real en dos ocasiones. La primera, en 2004, para interpretar el programa completo Joyaux, de George Balanchine y, la segunda, en 2014, con la ópera danza Orfeo y Euridice, de Christophe W. Gluck, con coreografía de Pina Bausch. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Durante el ciclo de conciertos Manuel de Falla celebrado el pasado domingo en el Ateneo de Madrid, tuvimos el placer de encontrarnos con la maestra Esther Escudero que se sentó a mi lado. Me gusta su conversación, especialmente, porque de inmediato te das cuenta que es de esa clase de personas que van por la vida sin doblez, a cara descubierta, pero ante todo con buena voluntad y un inmenso amor por la danza. Resulta muy interesante el hecho de que formara parte del primer elenco de bailarines del Ballet Nacional de España, ahora que conmemoramos los 40 años de su fundación. Ella estuvo allí. Es un símbolo de un tiempo pasado que sigue vivo, porque lo efímero de la danza se hace eterno en esa transmisión del maestro hacia sus discípulos. Para introducir el concierto de Jota del Nacho del Río, proyectamos unas imágenes de jotas antiguas y una portada del ABC de 1950, donde aparecen Alberto Portillo y María Victoria Montes bailando esta danza sobre el escenario del Covent Garden. El director artístico del ciclo, José Manuel Hernández, me pide que salga con él a presentarlo. El aforo está completo. Es una mañana muy especial. No encuentro en el mundo nada más gratificante que dejarse llevar por todas las maravillosas sensaciones que nos brindan tan excelentes artistas. P-¿Cómo empezaste en la danza? -Empecé a los 4 años, gracias a una tata que teníamos en casa. Ella vio como me movía y pensó que tenía que ir a aprender. Todavía vive, tiene más de noventa años y está en Venezuela. Mantenemos el contacto y me comunico con ella por vídeo conferencia. P-Y ¿Dónde te llevó? -A la academia de las Hermanas Celinda, que enseñaban la danza española. Y claro, me encantó, me fascinó, nunca dejé de bailar desde entonces. P-¿Cómo recuerdas aquellos tiempos? -Con mucha ilusión. Descubrí todo un mundo. Me pusieron de pareja de Antonio del Castillo y así empezamos. Había muy buen ambiente, también estaba el guitarrista Serranito y otros jóvenes. Pero en aquellos tiempos había muchísimas compañías de danza y trabajo para todos, algo que por desgracia no sucede ahora. P-¿Quién te impresionó más de los que conociste? -Me impresionó muchísimo Antonio el Bailarín, por ejemplo. Nos lo presentó Mimí Montián en una fiesta y nos vio a Antonio del Castillo y a mi bailar. Y nos dio su veredicto… P-¿Cuál fue? -Dijo que éramos muy buenos. Nunca lo olvidaré. P-¿Cuál es tu opinión sobre la evolución de estilo en la danza española? -La danza española que se interpreta ahora ha cambiado mucho en relación al estilo que se bailaba antes. Para mi gusto se ha perdido la esencia de lo que es la danza española. No había tanta técnica, pero había más amor, más expresión, más fuerza… Ese competir en las clases unos con otros, en busca de la perfección técnica, mata. P-¿Te refieres a que el exceso de técnica académica mata la personalidad del intérprete? -Sí, hay cosas que se han perdido. Un paso de danza, un movimiento si está bien hecho y con esencia es suficiente para emocionar, no hace falta hacer 400 movimientos… Mira como bailaban Rosario, Pilar López… Se ha perdido la feminidad en el escenario. Hay una series de cosas que unas llevan a la otras, y también en los tiempos que corren la vida va “muy técnica”, tanta tecnología se nos ha trasladado también a la parte artística, pero aun hay bailarines que tienen sabor especial. P-¿Quiénes? Por ejemplo, Antonio Márquez. Aunque está casi retirado. P-¿Y de mujeres? -Me gusta Olga Pericet, Mar Vivó, que ya no trabaja, pero es una bailaora muy buena, Me encantan Esther Jurado y Vanessa Coloma, que fue alumna mía… Me invitó a verla en el Fernán Gómez y me quedé alucinada. Me gustó muchísimo, es mujer que sí sabe ser femenina y tiene esos pellizquitos tranquilos cuando se mueve sobre las tablas. Otra alumna mía que me gusta mucho es Guadalupe Torres. Carlos Rodríguez también es alumno mío. P-¿Te gusta Carlos? -Sí, mucho. Rodríguez y Rojas son una pareja estupenda. P-¿Tú has sido más de danza flamenca? -No, yo soy clásica española, si bien por mi modo de expresión y temperamento artístico me gusta más el zapato que la zapatilla. Eso es algo que depende de cada intérprete, que dentro del amplísimo y extraordinario abanico de posibilidades de la danza española escoge su estilo. P-¿Cómo fueron tus primeras andanzas sobre escena? -Mi experiencia artística ha sido muy buena, mi camino ha sido muy pleno. He tenido maestros grandiosos, Paco Reyes, Gloria Librán, recuerdo aquellos brazos tan preciosos que tenía porque cada maestro te enseña una cosa; Héctor Zaraspe, quien me mostró la parte artística y profesional. Gracias a él obtuve mi primer contrato en París con solo 15 años en el Ballet de Rafael Aguilar. P- Debió ser impresionante de repente estar en un escenario como la Ópera de París. -Fue una experiencia fabulosa, Rafael Aguilar y su mujer Manolita fueron encantadores conmigo y conservamos siempre una gran amistad. P-¿Qué interpretasteis en París? -Hicimos los danzables en unas óperas. Y Luego también fuimos a continuación a actuar en Bruselas. Aunque te confieso que a mí me daba lo mismo bailar aquí que allí, porque yo solo quería bailar, era lo único que me preocupaba, era lo único importante y lo que más amaba, bailar con quién fuera dónde fuera... Y seguía actuando y formándome. De jovencita me tiraba todo el día bailando de academia en academia con maestros inigualables que siempre llevaré en mi corazón: Pedro Azorín, Alberto Lorca, María Magdalena, José Granero… P-Dime con quién has bailado. -He bailado con Fernando Belmonte, con Caracolillo, marido de Juanita Reina, ya han muerto los dos. Con Antonio del Castillo bailamos, por ejemplo, en la película de la Nueva Cenicienta con Antonio y Marisol. P-¿En qué escena? En todas la escenas de baile. Yo tenía unos 15 o 16 años y allí estaba con Antonio del Castillo. P-¿Cuándo dejaste los escenarios? -Cuando conocí a mi marido y me casé, entonces abrí en Móstoles mi academia. Hasta los 67 años que me he jubilado he estado enseñando. P-¿Tu marido era artista? -Mi marido era técnico de iluminación en el Teatro María Guerrero. Y nos conocimos en el Ballet Nacional de España. Fue durante la primera gira de la compañía que viajamos de gira a Caracas. Mi marido vino porque el ministerio de cultura lo mandó como técnico. Al regresar a España a los cuatro meses de conocernos, nos casamos. P-¿Qué opinas de los extranjeros que vienen a aprender danza española? -Hay quienes lo hacen muy bien, además, es un honor que aprecien nuestra danza porque además, por ahí fuera estamos en un pedestal y, sin embargo, aquí estamos tirados por tierra, aquí no se le da a los bailarines el reconocimiento que merecen. P-¿Está la danza suficientemente valorada? -La danza es un trabajo inconmensurable, requiere un sacrificio enorme y hay gente que todavía la ven como una especie de pasatiempo. Es un Arte, y quienes nos dedicamos a él nos entregamos en cuerpo y alma. Por eso terminamos mal de las lumbares, de las rodillas… Todo lo damos, el bailarín se entrega entero sobre el escenario y no recibimos casi nada comparado con lo que damos. Solo nos queda la satisfacción que nos produce el haber hecho lo que nos gusta. MERCEDES ALBI Fotografías: Gabriel M. Olivares

BETA PUBLICA ANUNCIA EL 5º AÑO DE “UNA MAÑANA EN DANZA” DEL 30 DE ENERO AL 15 DE FEBRERO EN EL C.C. PACO RABAL, ASISTIRAN NIÑOS Y NIÑAS DE 35 COLEGIOS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EL SABADO 2 DE FEBRERO HABRÁ UNA FUNCION ESPECIAL QUE HEMOS LLAMADO “UNA TARDE EN DANZA” PARA TODOS LOS PUBLICOS A LAS 19.00 EN EL C.C. PACO RABAL La Asociación BETA PUBLICA tiene como objetivo impulsar la fuerza creativa en torno a la danza contemporánea aumentando el conocimiento de las audiencias sobre el proceso creativo. Una de las actividades que impulsa la Asociación para cumplir sus objetivos es “Una Mañana en Danza”, actividad extraescolar dirigida a alumnos de Primaria, ESO y Bachillerato de los Colegios Públicos y Privados de la Comunidad de Madrid. Este Quinto Año de “Una Mañana en Danza” reunirá a más de 3.200 niños y niñas de Colegios e Institutos de la Comunidad de Madrid las mañanas de los días 30 y 31 de enero, 1,6,7,8,13, 14 y 15 de febrero. 9 funciones con el aforo completo. La actividad, que de nuevo se celebra en el C.C. Paco Rabal, incluye una charla interactiva a cargo de Pilar Villanueva, coreógrafa y directora artística del espectáculo, sobre la historia de la danza contemporánea y las actuaciones de 4 compañías seleccionadas entre las que han participado en las dos primeras Ediciones de la Muestra Beta Pública, terminado con una pieza de improvisación con participación de voluntarios del público y un coloquio entre los alumnos y los coreógrafos, bailarines, músicos y técnicos que han participado en el espectáculo. Las compañías y piezas que participarán en esta V Edición de “Una Mañana en Danza” son: • Garúa y “CEIIINOSSSTTUV” de Juan Leiba. • En tempo de Elisabet Romagosa. • Baila con Ella de Pilar Villanueva con adaptación de Ana Erdozain. • Young Blood de Arnau Perez. Gracias al apoyo del C.C. Paco Rabal la Asociación BETA PUBLICA puede de nuevo ofrecer este año una función abierta que hemos llamado “Una Tarde en Danza” para todos los públicos que se realizará el sábado 2 de febrero a las 19.00 horas. Además de las piezas antes citadas en “Una Tarde en Danza” también actuarán como artistas invitados Lucia Marote con su trabajo “RAG” y Marcat Danza /Mario Bermudez que presentarán el Estreno Mundial de su nueva pieza “GARIP”. Esta V Edición de Una Mañana en Danza cuenta también con el apoyo de las mejores Academias de Danza Contemporánea de nuestra ciudad, Espacio que Vuela y Madrid Dance Center, que ofrecen clases gratuitas a los alumnos, de dos de los musicales con más éxito en Madrid, El Jovencito Frankenstein y Billy Elliot, con los que sortearemos entradas entre los asistentes y de la Compañía Nacional de Danza que cede su sede para realizar, por segundo 2 año, unas MasterClass el sábado 2 de febrero por la mañana con Lucia Marote y Mario Bermudez. La participación en las MasterClass es gratuita presentando la entrada para la función de “Una Tarde en Danza”. Las entradas para esta función pueden adquirirse en ENTRADAS.COM, en Bankia o en la taquilla del C.C. Paco Rabal (Felipe de Diego 11, 28018 Madrid) MÁS INFORMACIÓN: La Asociación BETA PUBLICA, fundada en mayo del 2014, es la promotora del Proyecto BETA PUBLICA para cumplir su Misión de impulsar el desarrollo del proceso creativo coreográfico. La Asociación BETA PUBLICA realiza EDICIONES periódicas de su Muestra Coreográfica utilizando la Plataforma online proporcionada por TALENTS UNITED® para desarrollar una comunidad de público, bailarines, programadores culturales, medios y productores que dinamicen la escena nacional de la danza contemporánea. Además, la Asociación puso en marcha en el 2015 un Programa de Actividades Extraescolares dirigida a niños y niñas de 12 a 16 años de colegios de la Comunidad de Madrid llamada “UNA MAÑANA EN DANZA” con el objetivo de educar a las audiencias del futuro en la danza contemporánea. PILAR VILLANUEVA Coreógrafa y portavoz de BETA PUBLICA. Nacida en Pamplona terminó su BFA en Danza/ Coreografía en la Universidad de Cornish (Seattle,USA) Suma Cum Laude Mayo 2006, tras desplazarse desde Madrid donde estudio danza en diferentes estilos (Ballet, Graham, Limón, Jazz, Improvisación, etc.), y dónde fundó su primera compañía (Grupo Comba). Trabajó con la Compañía de Victor Ullate (Giselle, Don Quijote) y creó diversas coreografías para la Escuela de Victor Ullate, TVE, y la Compañía de Marta de la Vega. Del 2003 al 2007 se establece en Seattle donde, además de sus estudios, bailó para varios coreógrafos (Wade Madsen, Ezra Dickinson, Alex Martin….) y creó piezas para “12 Min Max” (Abril 2006, Febrero 2007) de OtB, el Festival Men in Dance (Octubre 2006) así como varios trabajos coreográficos para la Universidad de Cornish. De vuelta a Madrid, donde reside actualmente, Pilar se lanza, junto con otros creadores, a poner en marcha PILAR VILLANUEVA L.A.N.1 en el que realiza un fructífero trabajo creativo desde 2008 que se plasma en más de 16 proyectos estrenados en España y Estados Unidos. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ediciones Cumbres, publica una “Guía para espectadores de buena voluntad” Este libro se ha escrito pensando en las personas que se interesan en el ballet y desean información para disfrutar sus presentaciones de modo más pleno. En sus páginas podrán localizar una historia universal del género desde sus orígenes hasta la actualidad; un análisis de los elementos que componen esta manifestación artística, así como consejos para convertirse en espectadores avezados. Una noche en el ballet, Guía para espectadores de buena voluntad (Ediciones Cumbres, 2019) es una obra que contiene fichas y argumentos de las principales obras del repertorio universal desde el siglo XVIII hasta la actualidad, algo muy difícil de encontrar reunido en la actualidad para un lector no especializado y concluye con un pequeño glosario de términos asociados a la danza escénica que aclarará muchas dudas al público novel. Roberto Méndez Martínez se vinculó desde temprana edad al mundo del ballet en Cuba; en este libro une sus dotes como maestro, escritor y espectador experimentado, para ofrecer con sencillez y amenidad una admirable síntesis de conocimientos. Este es el libro que debería acompañar a quien asiste a sus primeras funciones de ballet y es un texto de referencia para maestros, críticos, promotores y empresarios que quieran tener reunidos en un volumen datos precisos para su labor. A MANERA DE OBERTURA Se escucha el último acorde y la función concluye. Los bailarines avanzan hasta el proscenio para agradecer los aplausos – nutridos o escasos- del público. Gradualmente la sala se vacía. Algunos de los espectadores no retornan satisfechos a sus casas. Fueron al teatro por un compromiso familiar u oficial, o por simple curiosidad, pero no disfrutaron de la presentación. El ballet les pareció demasiado complicado. Ni siquiera podrían describir lo que sucedió en escena. Alguno insistirá en la experiencia para buscar más luz, la mayoría preferirá ocupar su tiempo en otras cosas. ¿Podrá afirmarse todavía que el ballet es un arte para las élites si el género se ha extendido en los últimos cien años desde New York a Hong Kong, desde La Habana a Johannesburgo? Quizá lo que sucede es que las personas necesitan un mínimo de preparación para convertirse en auténticos espectadores. Para ellas se escribe este libro. Una noche en el ballet, Guía para espectadores de buena voluntad no se dirige a los especialistas en el género sino, precisamente, a los que buscan una clave para poder apreciarlo. Por esa razón no pretende ser una historia de la danza, ni una enciclopedia, ni un diccionario de repertorio, es, sencillamente, una guía para el que sienta alguna curiosidad por ese mundo, o necesite prepararse para una cercana visita al teatro. Con este fin se le reúne un conjunto de informaciones que de otro modo estaría obligado a buscar en bibliotecas especializadas o dispersas en el mar de Internet. Esta guía es una historia brevísima del ballet y sus rasgos principales en cada período artístico, acompañada por una cronología mínima; los componentes de una obra danzaria; algunos consejos para apreciar una función; la información básica sobre obras fundamentales del repertorio internacional y un glosario elemental que le ayude a comprender los programas de mano o las informaciones que puede hallar en la prensa. Todo esto no puede sustituir las mejores lecciones: las de la escena. Solo la asistencia frecuente a presentaciones danzarias permitirá una apreciación cabal de este arte y la formación de un gusto personal. Si después de revisar este libro alguien busca la oportunidad para retornar al teatro y hasta decide indagar en textos especializados, entonces nuestra labor habrá alcanzado su razón de ser. ROBERTO MÉNDEZ MARTÍNEZ (Camagüey, Cuba, 1958) Poeta, ensayista, narrador y crítico de arte y literatura. Doctor en Ciencias sobre Arte en el Instituto Superior de Arte de La Habana (2000). Ha sido profesor de Historia de la Danza, Teoría de la Danza y Repertorio de Ballet en la Escuela Profesional de Ballet de Camagüey y en la filial del Instituto Superior de Arte en esa ciudad cubana. Actualmente es director de la revista Palabra Nueva del Arzobispado de La Habana y profesor y jefe del departamento de Historia y Cultura del Instituto de Estudios Eclesiásticos “Padre Félix Varela”. Miembro de Número de la Academia Cubana de la Lengua y Correspondiente de la Real Academia Española. Consultor del Pontificio Consejo para la Cultura de la Santa Sede desde 2008. Ha recibido en su trayectoria numerosos premios literarios, entre ellos: Premio Internacional de Ensayo Bicentenario de José María Heredia (Toluca, México, 2004), Premio Internacional de Ensayo “Mariano Picón Salas” (Fundación Rómulo Gallegos, Venezuela, 2011), Premio del Certamen Internacional de Ensayo Cervantino (Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México, 2014) y Premio de Novela Ítalo Calvino (Editorial Unión-ARCI, Italia, 2014). Durante varias décadas ha publicado críticas o artículos dedicados al ballet en publicaciones periódicas cubanas, así mismo este arte ha motivado libros suyos de diversos géneros, entre ellos, el texto didáctico El ballet: guía para espectadores. Editorial Oriente, 2000; los libros de poemas Las especies del aire. Editorial Ácana, 2005 y Fiestas de otoño. Poemas a la danza. Ediciones Matanzas, 2016; así como la novela El fuego de Ruán llueve sobre La Habana. Editorial Letras Cubanas, 2016. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Estreno absoluto el 17, 18 y 19 de enero de 2019 en la Sala Negra • Expografía es una creación que une los conceptos de exposición y coreografía en un mismo espacio-tiempo. Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de Expografía, una creación de Amalia Fernández que podrá verse en la Sala Negra los días 17, 18 y 19 de enero. Este montaje, junto con En construcción, que estuvo en la Sala Negra en el mes de octubre, se enmarca bajo el epígrafe ‘Miradas’, con el que los Teatros del Canal presenta al público varias piezas de un mismo creador para ofrecer distintas perspectivas de su trayectoria. Amalia Fernández (Granada, 1970) pertenece por derecho a una generación de artistas nacionales que entienden la danza como un territorio de investigación, experimentación y cuestionamiento, que no necesariamente responde a las convenciones de la representación. Cada propuesta supone un reto no solamente para la creadora, sino para los artistas que la acompañan y el público que viene a verla. Sus obras se mueven por la periferia de los esquemas preestablecidos y conducen al espectador por rutas cuyo destino final muchas veces es una incógnita para todos. Expografía tiene su origen en la invitación que el comisario Mathieu Copeland le hizo a Amalia Fernández para que participara como performer en la muestra Una exposición coreografiada del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo. Durante septiembre de 2017 la artista estuvo bailando en la exposición para explorar cómo se comportaban los conceptos de coreografía y dramaturgia en el contexto de un museo. La experiencia le resultó fascinante y abrió una línea de investigación personal que devino en Expografía, una pieza que ha creado en colaboración con Anto Rodríguez y que los Teatros del Canal coproducen con el CA2M. Para Amalia Fernández este proyecto supone la oportunidad de dar respuesta a varios interrogantes: ¿cómo afecta a la obra viva la temporalidad del museo?, ¿hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show? o ¿cómo afecta al performer un marco diseñado por objetos inanimados? La pieza se concreta en dos formatos: el que se presenta en los Teatros del Canal y otro que se ha podido ver en el CA2M el sábado 12 de enero en el que, jugando con esa temporalidad museística, se pide al espectador el compromiso de permanecer en la sala durante las ocho horas consecutivas que dura la performance. En construcción es un ejemplo representativo de estas búsquedas. El proyecto tiene su origen en un encargo del colectivo La Porta para la quinta edición del encuentro Nits Salvatges en el CCCB de Barcelona, en el que diez espectadores emprendían un viaje escénico, físico y temporal, siempre cambiante. Cuatro años más tarde, la coreógrafa emprendió, con otras directrices y 12 artistas convocados a vivir el proceso, En construcción 2, una prolongación independiente de aquella primera investigación que toma como punto de partida la suerte de vodevil que era el final de la primera parte. A fuerza de construir, reconstruir, deconstruir e intervenir la escena, los intérpretes reinventan este gag teatral típico de la comedia de enredo y lo fuerzan hasta convertirlo en coreografía, música y estímulo visual. Amalia Fernández es toda una personalidad en la escena experimental. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el conservatorio de Sevilla y en La Escuela del Teatro de la Danza de Madrid (INAEM), completando su formación con diversos coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María José Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta el 2005 en la compañía El Bailadero Mónica Valenciano. Ostenta una larguísima trayectoria, en la que destacan numerosas investigaciones y proyectos escénicos como En construcción, nunca antes presentada en Madrid, Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi(2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir (2010) o Perrita China(2014), entre otros. Ha colaborado con artistas de la talla de Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore y Cuqui Jerez. Expografía Estreno absoluto Concepto: Amalia Fernández (en colaboración con Anto Rodríguez) Intérpretes: Amalia Fernández, Anto Rodríguez, Nines Martín, Catherine Sardella y Óscar Bueno Coproducción: CA2M y Teatros del Canal en colaboración con Teatro Pradillo, LEAL.LAV y TEA Tenerife Espacio de las Artes País: España Género: danza-performance 17, 18 y 19 de enero de 2019 – Sala Negra Actividades paralelas ​Encuentro con el público al finalizar la función del 17 de enero + INFORMACIÓN

El camino paralelo es una obra de teatro flamenco idea original de Inés Hellín donde se aborda la relación de tres personajes que guardan su verdad hasta el final. Nada es lo parece a simple vista y el flamenco junto a palos como la seguiriya, la caña o los fandangos (entre otros), nos irán descubriendo el papel que juega cada uno de los tres personajes en la obra. Los textos, coreografías y dirección corren a cargo de esta joven dramaturga miembro de la Asociación de Dirección de Escena de España (ADE), que con este espectáculo nada entre las relaciones personales a través de la palabra y el movimiento contemporáneo que convive junto a redes sociales, estereotipos, inseguridades y anhelos. Ficha artística y técnica de la obra Dirección Inés Hellín Intérpretes Amor Cánovas, Francisco Abellán, José Cánovas Textos y coreografía Inés Hellín Música Óscar Gallardo, Irene Carrión, Miguel Orengo Iluminación Antonio Gonzálvez Vestuario Carmen Granell Audiovisuales Julio Bernardeau Artista plástico Eduardo Blázquez Fotografía Iván Rodero Regiduría Belén Gómez Ayudante de dirección Matilde Hellín Duración 75 minutos Dirección Inés Hellín Es coreógrafa y creadora escénica, autora de obras como Cervantes Baila o Dumas Flamenco (Ballet Español de Murcia). Inicia sus estudios en el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia donde termina la carrera de Danza Española bajo la tutela académica de sus dos maestras Carmen y Matilde Rubio. Es Licenciada en Derecho (Universidad de Murcia), y posee un Máster en Artes Escénicas (URJC). Como bailarina ha interpretado coreografías bajo la dirección escénica de Matilde Rubio, José Carlos Plaza, Javier Latorre, José Antonio Ruíz o Antonio Najarro. Entre los escenarios más relevantes en los que ha bailado destacan el Teatro América de la Habana (Cuba), la Ópera de Guanghzou y el Shanghai Oriental Art Center (China), el Teatro Tívoli de Lisboa (Portugal), el Teatro Gare du Midi de Biarritz (Francia) o el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Además, su labor de investigación dramatúrgica la ha llevado a doctorarse en Artes Escénicas y a publicar libros como La Danza Española y la narrativa escénica (ADE, 2016) o El baile flamenco en las artes escénicas (OMMPRESS, 2018). Compagina su carrera artística interpretando roles principales en el Ballet Español de Murcia con su labor docente. Ha sido profesora de Danza Española en el Instituto Universitario de Danza “Alicia Alonso” y en la Universidad Carlos III de Madrid, donde imparte clase en el Máster de Gestión Cultural en la actualidad. Intérpretes Amor Cánovas Comienza sus estudios en la Academia Dancing de Santo Ángel (Murcia), haciendo la carrera de Danza Española en el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia y cursando en la actualidad el Grado de Artes Visuales y Danza en Madrid. Es bailarina del Ballet Español de Murcia desde 2015 y Premio Tiempo de Danza 2017 en la especialidad de Danza Española. Esta temporada ha estrenado el rol de Carmen en la obra homónima del Ballet Español de Murcia en el Shanghai Oriental Art Center (China, 2018). [endif]-- Francisco Abellán Ha estudiado la carrera de Artes Escénicas en la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia (ESAD), en la especialidad de Teatro Musical. Ha complementado su formación con estudios de música y clarinete, danza clásica, jazz, claqué y flamenco; así como técnica vocal aplicada Estill Voice Training. Ha trabajado en teatro textual y musical en obras como La cena de los idiotas, El Eunuco u Oliver Twist! con Taules Teatre; La culpa de todo la tiene War Disne,y? y La Perrera de Trama Teatro. Ha colaborado como artista invitado con el Ballet Español de Murcia en la obra Dumas Flamenco, y ha realizado cortometrajes y producciones audiovisuales en la Región de Murcia y en la Comunidad de Madrid. José Cánovas Se inicia en la Academia Dancing de Santo Ángel (Murcia), haciendo la carrera de Danza Española en el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia. Es bailarín solista del Ballet Español de Murcia y ha interpretado roles principales en sus giras por China y Francia (2018). También ha bailado con el Ballet de Cámara de Madrid y con Antología de la Zarzuela con la Orquesta Filarmonía. Es graduado en Artes Visuales y Danza Mención Danza Española (URJC), y actualmente cursa el Máster en Artes Escénicas de dicha universidad mientras continúa con su trabajo artístico en el Ballet Español de Murcia y en los tablaos madrileños como el Tablao Ziryab. DEL CAMINO PARALELO Y SUS PALOS FANDANGO CAÑA TONÁ SOLEÁ POR BULERÍAS SEGUIRIYA BULERÍAS "¿Y si la culpa no la tuvieses tú?" El camino paralelo. Teatro flamenco es una obra que ha contado con la ayuda de creación artística de la Comunidad de Madrid &&&&&&&&&&&&&&&& ![endif]--

Es imprescindible para los aficionados a la danza, no perderse el siguiente documental de la BBC, que ha sido emitido por TV2 estos días, titulado NUREYEV, BAILANDO HACIA LA LIBERTAD. SINOPSIS Se recrean los días previos a la gira por París y Londres del ballet Kirov, cuando la estrella del ballet soviético Rudolf Nureyev protagonizó la espectacular huida en el aeropuerto de Le Bourget, en París, gritando 'quiero ser libre' y convirtiéndose así en una leyenda viviente. Se puede ver en el siguiente enlace, estando disponible solo hasta el próximo día 10 de enero. ACCESO AL DOCUMENTAL NOTAS BIOGRÁFICAS SOBRE RUDOLF NUREYEV Nació en un tren cerca de Irkutsk, mientras su madre realizaba un viaje desde Siberia a Vladivostok, donde su padre, un comisario del Ejército Rojo de origen tártaro, estaba destinado. Creció en un pueblo cerca de Ufá, en la República de Bashkortostán. De niño fue alentado a bailar danzas folclóricas bashkirias, siendo un bailarín precozmente destacado. Debido a la interrupción de la vida multicultural soviética causada por la Segunda Guerra Mundial, Nuréyev no pudo comenzar sus estudios en una buena escuela de ballet hasta 1955, cuando fue enviado a la Academia Vagánova de Ballet, dependiente del Ballet Kírov en Leningrado. Aquí fue discípulo del célebre maestro de ballet Aleksandr Pushkin. A pesar de su comienzo tardío, fue pronto reconocido como el bailarín con más talento que la escuela hubiera visto en muchos años. Al cabo de dos años Nuréyev ya era uno de los bailarines rusosmás conocidos, en un país donde el ballet era venerado y donde se convertía a los bailarines en héroes nacionales. Poco después ya gozaba del privilegio excepcional de poder viajar fuera de la Unión Soviética, como cuando bailó en Viena en el Festival Internacional de la Juventud. No mucho después, debido a su conducta, no se le volvió a permitir viajar al extranjero, limitando sus actuaciones a giras por las provincias rusas. En 1961. En 1961 su vida cambió. El principal bailarín del Kírov, Konstantín Serguéyev, sufrió un accidente y Nuréyev fue elegido para sustituirlo en París. Allí, su actuación impresionó al público y a la crítica. Pero Nuréyev rompió las reglas en cuanto a asociarse con extranjeros. Al darse cuenta de que probablemente no se le volvería a permitir viajar fuera de la Unión Soviética después de esta ocasión, el 17 de junio de dicho año pidió asilo político estando en el aeropuerto de París-Le Bourget. Una semana más tarde, Nuréyev ya había sido contratado por el Grand Ballet du Marquis de Cuevas y se encontraba actuando en La bella durmiente con Nina Vyroubova. Nuréyev se convirtió en una celebridad instantáneamente en Occidente. Su dramática deserción y su talento excepcional lo convirtieron en una estrella internacional. Esto le dio el poder de decidir dónde y con quién bailar. Su deserción también le dio la libertad personal que le había sido negada en la Unión Soviética. Durante una gira en Dinamarca conoció a Erik Bruhn, un bailarín diez años mayor que él, que se convertiría en su amante, su mejor amigo y su protector (principalmente de su propia locura) durante varios años. La relación fue tormentosa debido a la promiscuidad sexual de Nuréyev, pero la pareja se mantuvo unida. Al mismo tiempo, Nuréyev conoció a Margot Fonteyn, la principal bailarina británica de su época, con la que tuvo una relación profesional y amistosa. Ella lo introdujo en el Royal Ballet de Londres, que se convertiría en su base de operaciones durante el resto de su carrera artística. Nuréyev fue inmediatamente solicitado por cineastas, y en 1962 hizo su debut cinematográfico en una versión de Las Sílfides. En 1976 representó a Rodolfo Valentino en la película de Ken Russell, pero Nuréyev no tenía ni el talento ni el temperamento para dedicarse al cine. Comenzó con danza moderna en el ballet nacional de los Países Bajos en 1968 y en 1972, Robert Helpmann lo invitó a una gira por Australia con su propia producción de Don Quijote, haciendo allí su debut como director. Durante la década de los 70, Nuréyev hizo aparición en varios largometrajes y viajó por los Estados Unidos en una reposición del musical de Broadway El rey y yo. Se considera que su aparición en el programa The MuppetsShow, entonces en apuros, impulsó a que el programa se convirtiera en un éxito internacional. En 1983 fue nombrado director del Ballet de la Ópera de París, donde además de ejercer de director también continuó bailando. A pesar de su avanzada enfermedad hacia el final de su cargo, trabajó incansablemente produciendo algunas de las obras coreográficas más revolucionarias de su época. El talento y encanto de Nuréyev hizo que fuera perdonado muchas veces, pero la fama no mejoró su temperamento. Era notablemente impulsivo, temperamental, poco fiable y grosero con quienes trabajaba. Entre quienes frecuentaba, se encuentran personajes tales como Jacqueline Kennedy Onassis, Mick Jagger, Freddie Mercury y Andy Warhol, y tenía poco tiempo para el resto. Al final de la década de los 70, ya pasados sus 40 años de edad, estos altibajos de carácter se acentuaron, probablemente al darse cuenta del declive de sus fuerzas físicas. Cuando el sida apareció en Francia alrededor de 1982, Nuréyev, al igual que muchos otros homosexuales franceses, ignoró la seriedad de la enfermedad. Supuestamente contrajo el VIH durante el comienzo de los años 1980. Durante varios años simplemente negó que tuviese ningún problema con su salud. Cuando, alrededor de 1990, su enfermedad era evidente, lo achacó a otros problemas de salud y se negó a aceptar los tratamientos entonces disponibles. Finalmente, debió aceptar el hecho de que estaba muriendo. Ganó la admiración de muchos de sus detractores por su coraje durante este período, y continuó apareciendo públicamente a pesar de su empeoramiento físico. En su última aparición, en 1992 en el Palacio Garnier de París, Nuréyev recibió una emocionante ovación del público. El ministro francés de cultura, Jack Lang, le hizo entrega del mayor trofeo cultural de Francia, el de Caballero de la Orden de las Artes y Letras. Murió meses más tarde, a la edad de 54 años, en la ciudad de París. Recibió sepultura días más tarde en el cementerio de Sainte-Geneviève-des-Bois, el día 13 de enero, a tan sólo una veintena de metros de la tumba del coreógrafo Serge Lifar. Estos dos bailarines y coreógrafos han sido los únicos artistas de la llamada escuela de ballet rusa en dirigir el ballet de la prestigiosa Ópera de París. (Fuente: Wikipedia) &&&&&&&&&&&&&&&&&&

El Ciclo de Conciertos Manuel de Falla prosigue su andadura en el Ateneo de Madrid, la cita será el próximo domingo 13 de enero a las 12.30 horas en el Salón de Actos, donde nos deleitarán Nacho del Río, Angela Aured acompañados de la Rondalla Aragonesa. La excelente dirección artística de José Manuel Hernández Blanco merece ser destacada. El ciclo es muy variado y hace especial hincapié en las raíces populares de la música española, que es cuna y raíz de la grandeza y diversidad de nuestra danza, de nuestra esencia. Si me preguntasen qué es lo que define la interesante programación del Ciclo de Conciertos Manuel de Falla, creo que incluso más allá de la temática común estriba en la selección de los artistas que participan. Son excelentes, cada uno en su género. El ciclo es como un viaje que se debe disfrutar con todos los sentidos, abriendo la mente y dejándose arrastrar hacia el deleite. Rosario y Antonio En el anterior espectáculo -“La Escuela Bolera: tradición y creación propia” (con los bailarines, Mario García, Cristina Cazorla y Soujung, y la propia Malena, bailaron la música interpretada al piano por Noelia Cofreces, con el violín de Víctor Ambroa y Jorge Gil al violonchelo)- recuerdo la emoción que embargó a los asistentes. Arantxa Carmona me comentó: "He salido flotando"; y el maestro Alberto Portillo: "Sabía que iba a estar bien, pero no tanto"... Por solo referirme a un par de opiniones de estos asistentes muy especiales, sin olvidar también, por ejemplo a Gloria Mandelick, Maribel Gallardo y tantos otros. Mariemma Confieso que me he vuelto adicta al Ciclo de Conciertos Manuel de Falla y asisto siempre, no me pierdo ninguna función, que tienen lugar a su vez en el la Casa de Granada en Madrid y en Sevilla. Ballet de Pilar López No encuentro mejor motivo que este próximo concierto de Jotas para publicar algunas fotos de los años de nuestros grandes bailarines bailándola, y que forman parte de una recopilación que hizo la erudita de la danza Dolores de Pedroso en los años 50. Encarnación López, la Argentinita Espero que sean de vuestro agrado, queridos lectores de Albidanza, y os deseamos que tengáis un Feliz Día de Reyes, estas fotos son nuestro regalo. Os esperamos el próximo 13 de enero en el Ateneo de Madrid. ACCESO A COMPRA DE ENTRADAS (Fotografía de cabecera, el Maestro Pedro Azorín por Vera)) SOBRE NACHO DEL RÍO Participante en la película "Jota" de Carlos Saura, en la sección de Jota Cantada, y entregado al máximo a la difusión de esta música, Nacho del Río está considerado uno de los máximos exponentes de este género. Él será el verdadero protagonista de este concierto, acompañado por una pequeña Rondalla Aragonesa dirigida por Javier Badules Codesal, y la colaboración de Ángela Aured. Este recital, que cuenta con el apoyo de la Casa de Aragón en Madrid, expondrá, nos dice Nacho, una primera parte basada en las tonadas de los estilos más puros y genuinos de la Jota Clásica; un segundo bloque en el que se hace un homenaje a la Jota Navarra, a la Riojana y a la Aragonesa, las cuales tienen como denominador común el Río Ebro. Y como colofón, un tercer bloque dedicado a la Jota que, a lo largo de los años, se ha ido permeabilizando con otras músicas como el Tango Argentino o el Flamenco, así como la influencia que tuvo este género de origen popular en compositores como Enrique Granados o Manuel de Falla -que homenajearon a esta tierra aragonesa-, o la relevancia que tuvo el canto aragonés en la Zarzuela. MERCEDES ALBI

La fantasía guía este espectáculo para toda la familia con coreografía de Jacob Hernández y basado en el clásico de James Matthew Barrie Hernández ha dado vida a una historia repleta de aventuras con piratas, sirenas, indios y un mar de niños perdidos que harán al espectador volar, sentir, reír e incluso llorar de emoción El Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid acoge, dentro de su Festival de Navidad, el Peter Pan Ballet de la Escuela Víctor Ullate. Con coreografía de Jacob Hernández y basado en el clásico de James Matthew Barrie, el espectáculo podrá verse en una única función el domingo 23 de diciembre a las 19:00 h. En Peter Pan Ballet, Hernández da vida a una historia repleta de aventuras con piratas, sirenas, indios y un mar de niños perdidos que harán al espectador volar, sentir, reír e incluso llorar de emoción. Un ballet para toda la familia en el que la fantasía guiará a Wendy, Juan y Miguel en un viaje al país de Nunca Jamás en el que no faltará el poderoso polvo de hada de Campanilla ni el tic tac del reloj que representa los miedos. La obra es una producción de la Escuela de Danza y Artes Escénicas Víctor Ullate, fundada por el maestro Víctor Ullate en 1983. Se trata de un centro de excelencia que ofrece Titulación Privada en Danza Clásica, Actor Integral y Danza Moderna y por el que han pasado bailarines de prestigio internacional de la talla de Tamara Rojo, Ángel Corella, Joaquín de Luz o Lucía Lacarra, actualmente, directora artística del Víctor Ullate Ballet- Comunidad de Madrid. Además del Peter Pan Ballet, en el Festival de Navidad se podrá disfrutar del espectáculo de magia Viaje a la luna de Nacho Diago (27 de diciembre), Navidad a ritmo de Gospel con el Mississippi Gospel Choir (28 de diciembre) y, como colofón final, el Gran Concierto de Año Nuevo de la Strauss Festival Orchestra y Ballet (30 de diciembre). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En el teatro no cabía un alfiler, no quedaba un solo asiento vacío en el patio de butacas , y las entradas estaban agotadas a las 24 horas del estreno del espectáculo conmemorativo de los 40 años del BNE, que se exhibe estos días en el Teatro de la Zarzuela. Es por tanto un hecho que el entusiasmo del público hacia la danza española se encuentra en fase de plena revitalización. Antonio Najarro, director artístico del Ballet Nacional de España, logró lo que se propuso y hoy día la danza española se encuentra, gracias a su gran labor difusora, en un momento expansivo que se deja sentir en ese entusiasmo generador de buenas energías que desprende el público. El 40 Aniversario del BNE se está celebrando con honores en un espectáculo sin fisuras, que establece un recorrido a través de unas joyas coreográficas muy bien escogidas y representativas, tanto de los diferentes períodos de dirección, como de las distintos estilos que conforman en rico patrimonio de la danza española: escuela bolera, flamenco, folklore y danza estilizada. Estas piezas, que se han incorporado al repertorio de nuestro ballet nacional, constituyen un valioso legado que jamás debe perderse, pues son ya historia viva gracias a un cuerpo de baile cohesionado, que es fruto maduro y producto de mucho ensayo, bajo una excelente labor de dirección. El desfile de vestuario histórico con el que nos obsequian los bailarines, entremezclándose con el público, anuncia el comienzo del espectáculo, suenan las voces en off, grabaciones de los antiguos directores del ballet que son declaraciones de puro amor a la danza. Y estalla el baile vivaz de "Eritaña", con la encantadora Débora Martínez y un Sergio Bernal que danza sus entrechats con tal naturalidad que no aparenta realizar esfuerzo alguno, lo que hace que nos preguntemos dónde se encuentran los límites de este bailarín, si es que los posee... Lo que se confirma en la segunda parte, con su solo de "Ícaro", la nueva coreografía que ha hecho para él Antonio Najarro, y que pone de manifiesto que Sergio Bernal está lleno de danzas que aun no han nacido. Aloña Alonso fue la protagonista del Adagio del "Concierto de Aranjuez", donde cuatro galanes son atraídos por la Noche que ella simboliza. Pero a la bailarina de excelente técnica, le falta el peso dramático requerido por este emblemático personaje creado por Pilar López. Sin embargo, en "Ritmos" de Alberto Lorca, que bailó con Fran Velasco, estuvo magnífica. Con "Puerta de Tierra" la escuela bolera brilla y nos complacemos en admirar esa impecable ejecución que tiene el baile de Eduardo Martínez, que posee la exactitud de lo que es perfecto, sin que nada falte ni sobre, en una interpretación aderezada con la gracia de Miriam Mendoza. Inma Salomón conquistó al público desde su primera aparición como la Laurencia de "Fuenteovejuna", desplegando con su alarde de brazos y movimientos un magnetismo nuevo y único -desarrollado a partir de su Electra-, junto con un Frondoso interpretado por un excelente Alvaro Madrid que nos recordó a Antonio Gades. Inma siguó creciéndose en su solo de la "Danza IX" de Victoria Eugenia, lo que nos permite afirmar que ella es quien actualmente ostenta el cetro femenino de la compañía. Un punto y aparte es Fran Velasco, todo lo que se diga sobre su sobria elegancia es poco. Su danza muestra ese especial aire antiguo de lo que es eterno, y es quien mejor interpreta el "Zapateado" de Sarasate, haciendo música con sus pies. Fran sabe dibujar el sonido con una sensibilidad emocionante. La irrupción de Eliseo Parra sobre el escenario con la pieza folklórica "Romance", coreografía de Juanjo Linares, para tocar y cantar su propia música, profundizó en el sentido del folklore como algo que surge del alma del pueblo, y la pieza nos hizo vibrar con la rica alegría de los ritmos gallegos que cerraron la primera parte del espectáculo. Fue el Baile del ballet Sorolla, con Esther Jurado como destacada protagonista, el brillante cierre final de este magnífico espectáculo conmemorativo del 40 Aniversario del BNE. El secreto de una compañía es su unidad y disciplina, la coordinación entre la actitud y el gesto; la aportación individual es la medida del genio del artista en cada danza interpretada, y a la coreografía general supeditada a la idea y a la perfecta sincronización con la música. Todo está hecho, el mandato de Antonio Najarro en su cargo de director artístico, que ha ejercido durante 8 años, casi está concluído. El próximo mes de septiembre se dará paso a una nueva dirección. Difícil, si no imposible, hubiera sido haberlo hecho mejor. El Ballet Nacional de España es custodio de lo mejor de nuestra cultura, preserva y difunde el arte español, y esperamos que lo siga haciendo en la continuidad del excelente camino trazado que abre el horizonte a la genialidad. Y es que, como afirman Laura y María Lara, en su Breviario de la Historia de España: "La vida es un eterno peregrinar a ciegas, pero sabido es que en todo país y edad, el egoismo resta, la envidia cercena, la salud iguala, la simpatía multiplica y el reconocimiento une". MERCEDES ALBI

El Ballet Nacional de España agota todas las entradas de la temporada, con el espectáculo conmemorativo de su 40 aniversario, en el segundo día de su estreno. [if !supportLists]- [endif] Un éxito que nunca había tenido un precedente similar en el Teatro de la Zarzuela con el Ballet Nacional de España y la Danza Española. [if !supportLists]- [endif]Más de 13400 personas podrán ver un espectáculo muy especial diseñado para la ocasión por Antonio Najarro, que cuenta con algunas de las coreografías más emblemáticas de la institución. [if !supportLists]- [endif]Además y para continuar con la labor de divulgación el BNE realiza dos funciones familiares. El Ballet Nacional de España sigue de enhorabuena y cosecha los resultados de un trabajo intenso realizado durante este año 2018, con motivo de su 40 aniversario. La institución ha presentado el pasado sábado 8 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela un espectáculo para celebrar este acontecimiento, que ha contado con algunas de sus coreografías más emblemáticas, bajo el título “40 Aniversario BNE”. Un trabajo que ha cosechado un enorme éxito y que se ha visto reflejado en una venta total de las localidades un día después de su estreno. Para Antonio Najarro, Director del Ballet Nacional de España “no podemos estar más satisfechos en el BNE por el reconocimiento del público, ante todo el intenso trabajo que todo el equipo ha realizado a lo largo de este año, para acercar la danza española a todos. Cada una de las personas que trabajamos en esta maravillosa institución ha aportado un gran valor y el público lo ha reconocido. Es la primera vez que esto ocurre y nos llena de orgullo”. Mas de 13400 personas podrán ver este completo trabajo en las 12 funciones que se van a realizar en Madrid, como cierre de un año cargado de emoción y trabajo, todo un logro que no se había producido antes en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con motivo de un espectáculo de Danza Española. Los asistentes podrán ver una muestra que refleja los cuatro estilos y que son obras que fueron programadas por los directores que han pasado por el BNE. Creadas por grandes figuras de la Danza Española, y que han marcado en gran parte, la historia del Ballet Nacional de España y de la Danza Española. Desde los míticos Eritaña, Puerta de Tierra o Zapateado de Sarasate de Antonio Ruiz Soler, hasta el emblemático ballet Ritmos firmado por Alberto Lorca, pasando por la Danza IX de Betty, Concierto de Aranjuez de Pilar López, Soleá (La Leyenda) de José Antonio, Galicia (Romance) de Juanjo Linares, Fuenteovejuna del primer director de la compañía Antonio Gades, y obras de nueva creación como El Baile del ballet Sorolla, creación de Antonio Najarro y de Manuel Liñán o el estreno de la pieza Ícaro, coreografiada por Antonio Najarro para el Primer Bailarín de la compañía Sergio Bernal. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Después de su exitosa presentación en Pamplona (Baluarte), Madrid (Teatro Real) y San Lorenzo del Escorial (Teatro Auditorio Teresa Berganza) la CND vuelve a agotar todas las localidades de nuestras próximas actuaciones en Sant Cugat del Vallès. Próximas actuaciones de la Compañía Nacional de Danza con El Cascanueces, coreografía y dirección escénica de José Carlos Martínez: TEATRE AUDITORI SANT CUGAT DEL VALLÈS, Barcelona 14 y 15 de diciembre 2018 - entradas agotadas - AUDITORIO Y CENTRO DE CONGRESOS VÍCTOR VILLEGAS, Murcia 20, 21 y 22 de diciembre 2018 - últimas localidades a la venta - Os adjuntamos imágenes de la producción. FOTOS Alba Muriel EL CASCANUECES, ballet en dos actos Música: Pyotr Il’yich Tchaikovsky Coreografía y Dirección Escénica: José Carlos Martínez Director de Orquesta: Manuel Coves Escenografía: Mónica Boromello Figurines: Iñaki Cobos Iluminación: Olga García Sánchez Coreografía adicional (Danza española del II acto): Antonio Pérez Rodríguez Dirección magia: Manu Vera &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&& Fotografías de Alba Muriel Melendez