El programa está compuesto por cuatro coreografías de Jacopo Godani: Metamorphers, Echoes From a Restless Soul, Postgenoma y Moto Perpetuo. Las representaciones, con música en directo, contarán con la participación de las formaciones alemanas Ensemble Modern, 48nord y del pianista danés Svjatoslav Korolev. Mañana, miércoles 18 de abril, a las 20.15 horas, el crítico y escritor Roger Salas, analizará en una sesión de Enfoques el uso de música no escrita para danza y el trabajo de Jacopo Godani. El Teatro Real ofrecerá los próximos 20 y 21 de abril dos únicas representaciones de danza ofrecidas por la Dresden Frankfurt Dance Company, con las que la compañía alemana hará su debut en el escenario del Real. El programa está formado por una selección de cuatro coreografías de su actual director artístico, Jacopo Godani, responsable también de la escenografía, la iluminación y el vestuario: Metamorphers, Echoes From a Restless Soul, Postgenoma y Moto Perpetuo. Las sesiones, con música en directo, contarán con la participación del Ensemble Modern, modélica formación alemana ganadora de numerosos premios y cuya inquietud artística les ha llevado a colaborar en obras de teatro, proyectos de vídeo, música de cámara y orquestal y, como sucede en esta ocasión, espectáculos de danza. Ellos serán los encargados de interpretar el Cuarteto de cuerda nº 4 de Béla Bartók para la coreografía que abre el programa: Metamorphers. El pianista danés Svjatoslav Korolev, artista asociado a la compañía, tocará Gaspard de la nuit (Ondine y Le gibet) de Maurice Ravel, para Echoes From a Restless Soul. Las dos últimas coreografías Postgenoma y Moto Perpetuo se bailarán sobre música del colectivo 48nord, compositores de vanguardia de música electrónica y experimental en Alemania, que interpretarán sus propias obras, en directo para la primera y grabada, para la segunda. Desde su incorporación en 2015 como director artístico y coreógrafo de la Dresden Frankfurt Dance Company, Jacopo Godani ha sabido imprimir nueva personalidad a una compañía de gran preparación técnica que, bajo sus directrices, se ha posicionado entre las más importantes de Europa en danza contemporánea. Los bailarines han asumido el reto de aprender un lenguaje coreográfico diferente, donde virtuosísimo y desafío físico se entrelazan para tejer un repertorio que une tradición con pensamiento contemporáneo. Como preludio a las funciones, mañana, miércoles 18 de abril, a las 20.15 horas, el crítico y escritor Roger Salas analizará en una sesión de Enfoques, esta nueva forma de entender la danza por la que apuesta Godani, tanto en su orientación estética como por la Jacopo Godani y la Dresden Frankfurt Dance Company presentan en este programa cuatro creaciones donde música y coreografía comparten un vínculo inquebrantable. PROGRAMA Jacopo Godani y la Dresden Frankfurt Dance Company presentan en este programa cuatro creaciones donde música y coreografía comparten un vínculo inquebrantable. En Metamorphers, Godani captura la esencia del Cuarteto para cuerda n.º 4 (1928) de Béla Bartók. Los seis cuartetos para cuerda del compositor húngaro están considerados unánimemente como una de las mayores cumbres de la música de cámara del siglo XX. La influencia y el legado de estas creaciones musicales sin precedente en la música contemporánea son muchos y diversos. Representan un desafío muy especial tanto para los músicos como para los intérpretes y para el público en general. Su sofisticación y su riqueza rítmica, melódica y textual se extienden más allá de los límites de la partitura escrita, desarrollándose solo por completo en el transcurso de una interpretación y una audición muy involucradas. Bartók, uno de los compositores e intelectuales musicales más importantes del siglo XX, muestra su genio a través de los cinco movimientos que componen el Cuarteto para cuerda n.º 4, donde cada uno de estos movimientos posee una naturaleza propia y una idiosincrasia diferenciada. Godani crea una enorme configuración coreográfica y, al mismo tiempo, abraza con naturalidad la musicalidad dominante que invade el movimiento, reflejando la esencia de la composición de Bartók. El movimiento coreográfico hace visible el puzzle musical y ambos universos convergen. Metamorphers es incuestionablemente una obra musical: en ella, la danza se convierte en la melodía de la música. Para esta ocasión, la Dresden Frankfurt Dance Company colabora una vez más con el prestigioso Ensemble Modern, cuyos componentes interpretan en vivo la partitura de Bartók. Echoes from a restless soul está coreografiada sobre Ondine y Le gibet, dos de las partes que forman el tríptico Gaspard de la nuit (1908), composición para piano solo de Maurice Ravel. La base de esta obra maestra –una de las partituras más desafiantes de todas las escritas para piano– es un poema de Aloysius Bertrand. En esta visionaria creación musical, Ravel da vida al poema de Bertrand utilizando una innovadora técnica pianística engarzada en una estructura formal clásica. Dentro de los confines de esta estricta disposición, las ensoñaciones de Gaspard de la nuit consiguen evocar atmósferas, escenarios e intensidades dramáticas repletas de monstruos, sirenas y cadáveres. Y, en este mundo sobrenatural creado por Ravel, Godani y la compañía muestran una sugerente colección de pas de deux y cuartetos que esbozan un paisaje de virtuosismo. A través de ellos, surgen las infinitas posibilidades de una relación estética formal, como pueda ser la de un pas de deux. Godani realza el movimiento y la coreografía con el uso de las puntas y juega con una remarcable libertad dentro de dichos parámetros estéticos. Los elementos coreográficos en Echoes forman un hilo común, el cual se funde en una atmósfera que trasciende tiempo y espacio. La partitura de Ravel es interpretada en vivo por Svjatoslav Korolev. Con Postgenoma, el coreógrafo italiano cumple un ansiado sueño: crear un universo artístico constituido por un único pas de deux. En él, dos criaturas abisales acechan entrelazadas en el escenario. Seres que se metamorfosean y resurgen constantemente –mientras desaprenden todas las limitaciones impuestas– en una eterna rebelión contra la imposción de cualquier regla. Mezclando formas clásicas y una estética extrema, Godani cuestiona los valores de belleza establecidos, abre el espacio escénico a la posibilidad de una nueva belleza e imagina la visión de ese nuevo universo. En Postgenoma, 48nord interpretan en vivo una partitura de la que también son autores. Moto perpetuo, coreografía final de esta velada, es una obra llamativa con un extraordinario molde neoclásico que permite a la técnica del ballet clásico fluir hacia formas contemporáneas. A través de una serie de intensas secciones coreográficas de grupo –donde el elenco femenino refuerza la acción física con el uso de las puntas–, esta fascinante pieza revela la esencia artística y el carácter de la compañía. En esta ocasión, Godani colabora una vez más con 48nord, quienes dotan al coreógrafo con un fascinante paisaje electrónico musical. JACOPO GODANI Nació en La Spezia (Italia). Aclamado internacionalmente como coreógrafo, inició sus estudios de ballet clásico y técnicas modernas en 1984 en el Centro Studi Danza con Loredana Rovagna. Realizó estudios de artes visuales en la Escuela de Bellas Artes de Carrara y continuó su formación en el centro internacional de Maurice Béjart en Bruselas. Hizo su debut profesional en 1988 colaborando con varias compañías de danza contemporánea en París. En 1990 formó su propia compañía, con base en Bruselas, e inició su carrera coreográfica. Entre 1991 y 2002 fue solista en el Ballet William Forsythe de Fráncfort y colaboró con el propio Forsythe en la creación de varias coreografías. Ha trabajado con compañías como el Royal Ballet de Londres, el Ballet Estatal de Baviera, la Compañía Nacional de Danza, el Nederlans Dans Theater o el Royal Danish Ballet. Fue nombrado director artístico y coreógrafo de la Dresden Frankfurt Dance Company en 2015. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Los Teatros del Canal celebran el Día Internacional de la Danza con actividades gratuitas y espectáculos para todos los públicos. Lucía Lacarra inaugura la jornada con la lectura del Manifiesto del Día Internacional de la Danza. Participan compañías residentes en el Centro Danza Canal como La Imperfecta, FM Collective, María de Dueñas e Inma Marín, Jesús Fernández y Janet Novás. Completan la programación los espectáculos Wrapped, de Inbal Pinto & Avshalom Pollak Dance, y Legítimo/Rezo, de Jone San Martín. Los Teatros del Canal y el Centro Danza Canal se suman a la celebración del Día Internacional de la Danza que se celebra el domingo 29 de abril con los artistas que están desarrollando sus proyectos a lo largo de todo el año en el Centro Danza Canal. Una jornada de puertas abiertas repleta de actividades gratuitas y espectáculos para todos los públicos. A esta muestra de trabajos de los artistas residentes -pequeñas pinceladas de lo que serán futuros espectáculos- se añaden otras actividades: la lectura del manifiesto del Día Internacional de la Danza a cargo de Lucía Lacarra; talleres de danza para jóvenes y mayores; una disco familiar, o el espectáculo Wrapped, en colaboración con el Festival Teatralia, de Inbal Pinto & Avshalom Pollak Dance. Cerraremos el programa con Legítimo/Rezo, la última pieza de la coreógrafa Jone San Martín. La jornada empezará con la lectura del Manifiesto del Día Internacional de la Danza a cargo de Lucía Lacarra, artista invitada del Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, que asumirá la dirección artística de la Compañía la próxima temporada. A continuación, Lacarra y Josué Ullate, uno de los bailarines principales del Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, interpretarán un paso a dos de Burka, coreografía de Eduardo Lao, actual director artístico de la Compañía, dedicada a las personas privadas de libertad. Las cinco compañías residentes que participan (cuatro de danza contemporánea y una de flamenco) exhibirán parte de sus proyectos en la celebración de este día tan especial. Primero, La Imperfecta explorará cómo cambiar la forma que tenemos de entendernos a través de la pieza contemporánea Girar la mirada. FM Collective presentará Aware, un trabajo que se inspira en el significado de esta palabra japonesa y profundiza en la capacidad de sorprenderse o conmoverse ante lo efímero, ante la vida y el amor. Otra de las compañías participantes es María de Dueñas e Inma Marín, que investigará la relación entre sujeto y objeto con soMos. A continuación, Puntos inacabados, de la compañía Jesús Fernández junto con Iván Amaya, Anabel Moreno y José Almarcha, es una pieza de flamenco que habla de las relaciones afectivas del día a día, de las personas que marcan nuestras vidas en un momento determinado. La última actuación es Feelings, un proyecto de la creadora gallega Janet Novás, en el que la bailarina habita espacios y toma el llanto como un ejercicio de liberación, lo baila, y exalta la belleza de un cuerpo abatido. Club de danza y espectáculos para todos los públicos En este Día Internacional de la Danza, el hall de los Teatros del Canal se convertirá en una pista de baile con la Elektro Latin Disco desarrollada por Dani Pannullo: un auténtico club de danza en el que todos los participantes (padres, niños, jóvenes, abuelos) se sentirán libres de bailar al ritmo de los latin beats de Meneo, el dj guatemalteco que arrasa en los clubs underground de toda España y Latinoamérica. Además, el Festival Teatralia se suma a la celebración con el estreno en España de Wrapped, un montaje de Inbal Pinto & Avshalom Pollak Dance Company que se inspira en una leyenda urbana para recrear en escena un mundo imaginario de gran potencia visual. Se trata de una pieza clásica en el repertorio de la compañía israelí, una de las formaciones de danza contemporánea más punteras y prestigiosas del mundo, liderada por la coreógrafa y bailarina Inbal Pinto y el actor Avshalom Pollack. Completa la programación el espectáculo Legítimo/Rezo de Jone San Martín, una conferencia bailada que forma parte del ciclo Historia/historias de la danza. Este último trabajo de la creadora vasca, parte de su experiencia como integrante de la compañía del prestigioso coreógrafo William Forsythe para explorar la relación entre la escritura y la interpretación, entre lo pautado y lo improvisado. San Martín se sirve de la notación coreográfica de Forsythe para plantear abiertamente las dificultades que exige dicha técnica. Y lo hace moviéndose y mostrando coreográficamente el complejo proceso al que se somete la escritura antes de convertirse en material para la danza. Talleres gratuitos para jóvenes y mayores Iker Gómez impartirá un taller de danza para jóvenes de 10:00 a 12:00hs. Este taller, Plan Cisne, es un proyecto innovador de difusión y acercamiento a la danza que se desarrolla en un formato taller-espectáculo haciendo participar al público de entre 9 y 14 años sin conocimientos previos de danza. El taller consta de 3 bloques: una presentación WEB 2.0, un taller de movimiento y una muestra de danza en directo. De 10:30 a 12:00hs Somosdanza impartirá el taller de danza para mayores 10 maneras de celebrar un cuerpo, recomendado para personas de más de 60 años. La actividad busca celebrar el Día de la Danza a través de 10 propuestas que pretenden movernos en diferentes planos de nuestro de ser. El único requisito para participar es el deseo de hacer, sentir y estar. El plazo para inscribirse en los talleres termina el jueves 26 de abril. Todos aquellos que quieran apuntarse a los talleres pueden inscribirse enviando un mail: inscripciones@centrodanzacanal.com Programación del Día Internacional de la Danza en los Teatros del Canal: 10:15. Apertura de puertas 10:30. Lectura del manifiesto del Día Internacional de la Danza, a cargo Lucía Lacarra. Actuación del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid (3 min). Paso a dos ballet Burka. Estudio 1 10:00-12:00. [Plan Cisne]: Taller de danza para jóvenes (9 a 14 años). Impartido por Iker Gómez. Estudio 5 *. 10:30-12:00. Taller de danza para mayores 10 maneras de celebrar un cuerpo (60 +). Impartido por Somosdanza. Estudio 7 *. 11:00-11:15. Girar la mirada, de la compañía La Imperfecta. Vestíbulo Sala Roja 11:30-11:45. Aware, de la compañía FM Collective. Zona de taquillas 12:00-12:15. soMos, de la compañía María de Dueñas e Inma Marín. Zona de taquillas 12:30-13:30. Espectáculo Wrapped, de la compañía Inbal Pinto & Avshalom Pollack Dance, en colaboración con el Festival Teatralia. Sala Roja 12:30-14:00. Club de danza para familias ‘Elektro Latin Disco’, desarrollado por Dani Pannullo. Vestíbulo Sala Verde 17:00-17:15. Puntos inacabados, de la compañía Jesús Fernández, junto con Iván Amaya, Anabel Moreno y José Almarcha. Vestíbulo Sala Verde 17:20-17:35. Feelings de la compañía Janet Novás. Vestíbulo Sala Verde 18: 00-19:00. Espectáculo Legítimo/Rezo de Jone San Martín. Sala Negra * Los talleres requieren inscripción previa. Actividades gratuitas hasta completar aforo a excepción de los espectáculos Legítimo/Rezo y Wrappe &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Ediciones Cumbres y la Agrupación de Danza del Ateneo de Madrid tienen el placer de invitar a los lectores de nuestra Web Albidanza a un evento especial. Será el próximo día jueves, 26 de abril a las 20 horas, en el Salón de Actos del Ateneo de Madrid, donde presentaremos un nuevo libro de danza titulado "El Ballet Romántico en España" de Jesús Rivera-Rosado. Es un libro excepcional, de más de mil páginas, profusamente ilustrado con grabados de la época y un desplegable. Se trata de un arduo y minucioso trabajo de investigación que analiza con detalle los estrenos de ballet acontecidos durante dos décadas en los principales escenarios españoles durante la Era Romántica (La Sílfide, Giselle, La Esmeralda, La Péri, La Jolie Fille de Gand, Le Diable à Quatre, El Corsario, etc.), así como las vivencias de sus bailarines protagonistas (Adèle Bartholomin, Marie Guy-Stephan, Sofia Fuoco, Fanny Cerrito, Flora Fabbri-Brétin, Olimpia Priora, Hyppolite Monplaisir, Marius Petipa, Arthur Saint-León...). El libro constituye un valiosísimo aporte para el estudio de la historia del ballet en España. Presentaran el libro, Mercedes Albi,  directora de esta web, junto con Ana Vega Toscano, profesora, periodista y  pianista, con Mayda Bustamante, directora de la Editorial Cumbres, y el autor, Jesús Rivera-Rosado. Finalizará con la interpretación al piano de "Papillons" de Schumann por Carlos Faxas. Sobre el autor,Jesús Rivera-Rosado Nace en La Habana, Cuba, en 1963. Graduado en Geodesia Aplicada en la Universidad Estatal de Organización Territorial de Moscú, en 1987. Diplomado en Relaciones Públicas y Marketing en las Organizaciones Culturales por el Ministerio de Cultura de Cuba (1999). Como especialista en danza, traductor y promotor cultural trabajó durante diez años en el Departamento de Prensa y Publicidad del Ballet Nacional de Cuba, dirigido por Alicia Alonso (1992-2002). Traductor de temas danzarios en la Revista Cuba en el Ballet y guionista del programa Ballet de CMBF-Radio Musical Nacional (La Habana, 1994-2002). Promotor y presentador de conferencias, debates y diversas exposiciones de fotografía, pintura y escultura sobre temas relacionados con el arte danzario, con los auspicios del Ballet Nacional de Cuba, la Fototeca de Cuba y el Instituto Superior de Arte (1992-2003) Ha llevado a cabo la investigación fotográfica y de documentación para el libro Gran Teatro de La Habana: Biografía de un coliseo, de Francisco Rey Alfonso, obra gestada en el marco de la Jornada de Homenaje por el Aniversario 167 de la fundación del Gran Teatro de La Habana. Sus artículos sobre ballet, así como sus entrevistas y reportajes a personalidades del mundo de la danza han sido publicados en diarios, revistas y tabloides culturales de Cuba y de otros países, a saber: Cuba en el Ballet, Revolución y Cultura, Prismas, Granma Internacional, Granma, Cartelera,Tiempo Libre, El Mensajero, Juventud Rebelde y Opciones (Cuba); Les Saisons de la Danse y Danser (Francia);Ballett Internacional / Tanz Aktuell (Alemania); Balletin Dance (Argentina); Por la Danza (Madrid); Ddanza y Diálogos de Danza, del Festival Dansa Valencia (España). Ha participado en la publicidad y organización de conferencias de prensa, galas y homenajes en diez ediciones del Festival “La Huella de España” y en seis del Festival Internacional de Ballet “Alicia Alonso” (1992-2002). Ha colaborado en la grabación de documentales sobre el mundo del ballet en Cuba, entre otros títulos: Alicia Alonso, la técnica; Las Cuatro Joyas del Ballet Cubano, y Festivales Internacionales de Ballet de La Habana: un encuentro de arte y amistad. Representó a Cuba en la II Conferencia Internacional Global Dance 2002 y de la V Asamblea General de la Alianza Mundial de la Danza (WDA), en Düsseldorf, Alemania. Es miembro del Consejo Internacional de la Danza (CID - UNESCO). &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Jesús Carmona estrena nuevo espectáculo en el Teatro Juan Bravo de Segovia. Nos reunimos con él poco antes de su actuación y conversamos. El artista se encuentra en un momento de plenitud. El éxito de su reciente su gira por Estados Unidos ha sido apoteósico. Sobre el escenario del Juan Bravo el chico guapo con el que hace unos momentos estaba conversando en el patio de butacas, se ha transformado en la escultura de un dios de bronce que hubiera cobrado vida. En “ Amatør” Jesús aborda una gran variedad de registros y ninguno se le resiste, los domina a la perfección, como si todo lo pudiera alcanzar. Está acompañado al cante por Jonathan Reyes, Jesús Corbacho y Juan José Amador y a la guitarra Juan Requena. En su danza se percibe una energía, una enorme fuerza interior, es la dinamita que fluye por su sangre y cristaliza con absoluta elegancia en cada palo. El Thor de la danza alterna sus prodigiosos giros y zapateados con estéticas cadencias en las que parece como si acariciara el aire. Y es que Jesús Carmona posee un estilo propio que logra combinar como nadie potencia y poesía en su danza. -¿Qué tal estás? -Estoy feliz, venimos de una gira que ha sido un sueño hecho realidad y ahora estamos aquí en esta ciudad tan bonita estrenando “Amatør” mi nuevo espectáculo. -¿Por dónde ha sido la gira? -Hemos estado en alguno de los principales teatros de la danza del mundo. Y además, no solo hemos salido victoriosos, sino más… -Cuéntame. -Empezamos en el Sadler's Wells de Londres. Hicimos 2 funciones y lo más curioso es que ya estaba vendido todo el teatro dos semanas antes de empezar el festival. Fuimos la compañía que agotó más pronto el aforo. Para mí, solo estar en ese teatro tan icónico para el arte de la danza ya es de por sí maravilloso, pero además, vivir esos momentos con un público tan increíble y entregado… fue muy emocionante. Después me fuí para New York con varios proyectos muy interesantes y la presentación de mi espectáculo. -¿Qué proyectos? -Pues bailé con Chano Dominguez en el Lincoln Center, luego participé con Joaquín de Luz en una residencia creativa en el City Center, donde también actué con toda mi compañía… Después hicimos una gira por varias ciudades de USA. Y ahora estoy aquí en Segovia, estrenando. -Pues qué fascinante... ¿En qué consistieron los proyectos que hiciste en NY? -En el Lincoln Center, en el evento participaban 4 pianistas de diferentes generaciones y estilos con 3 bailarines de estilos también diferentes (tap, salsa y yo flamenco). Cada uno le bailaba a un pianista –yo interactué con Chano- y al final todos hacíamos una pieza juntos. Fueron 4 funciones increíbles y enriquecedoras, una experiencia inolvidable. El Lincoln Center es un teatro que tiene como fondo la vista de NY. Mira, aquí tengo una foto. -¿Y en el City Center con Joaquín, cómo te ha ido? -Allí hemos hecho una residencia creativa gracias a que Miguel Marín nos juntó a Joaquín, que como sabes es principal de NY City Ballet, y a mí, con el coreógrafo David Neumann. Durante una semana estuvimos profundizando sobre la quietud del movimiento, en la búsqueda de nuestro yo más auténtico… En el City Center nos cedieron una sala de ensayos y allí estuvimos creando. -¿Qué es la quietud del movimiento? -Es como un descubrimiento, una búsqueda a través de diferentes métodos de meditación, no es un simple bailar por bailar, sino bailar como modo de conexión de uno mismo con su naturaleza interior…. Descubrimos y creamos, y el resultado de nuestra “investigación” común se presentó ante el público con el que después mantuvimos una charla. Y después de este proceso vino toda mi compañía y actuamos en una función en el City Center. Fue también una noche “supermágica” todos coincidimos en que fue algo muy especial. Y después, la gira por Boston, Berkeley, Portland… Regresamos a España, y aquí estamos, en este precioso lugar que es Segovia y en su Teatro Juan Bravo. -¿Cómo es tu nuevo espectáculo “Amatør”? -Es diferente. Mira lo que ves sobre el escenario. ¿Ves esas sillas? -Sí. Es porque algunos miembros del público son invitados al azar a subir a escena y se sientan en esas sillas. Se reparten con la entrada 10 invitaciones para ello. Así, unos cuantos disfrutan de los artistas desde muy cerca y vivimos el espectáculo de una forma diferente. -¿Te gusta tener a la gente cerca como si estuvierais en un tablao? -Me encanta el tablao. Realmente, “Amator” surge de la necesidad personal de romper la cuarta pared, esa distancia entre el escenario y el patio de butacas que no existe en el tablao. Amo el tablao y amo el teatro, así que junto ambas experiencias y su doble sensación. Por una parte siento al público junto a mí y por otra veo el patio de butacas lleno. He utilizado distintos elementos que me apetecía desarrollar. Todos mis espectáculos surgen de una necesidad, rondan por mí y necesito sacarlos afuera para que no me estallen dentro de la cabeza, tienen que aflorar. La idea original es mía, la dirección artística es de Rafaela carrasco. Además hay dos coreografías de Nino Reyes y Marco Flores. En “Amator” el público participa también eligiendo lo que bailo, así cada vez ve un espectáculo distinto y confeccionado con su participación. -¿De qué forma eligen lo que interpretas? -Está dividido en 3 escenas y al final de cada escena le damos al público la posibilidad de escoger el baile. Después de la primera escena, escoge entre seguidilla o serrana; en la segunda, entre el taranto y otros dos palos, y así el espectáculo va para donde ellos quieren. -¿Cuál es tu palo flamenco favorito? El que más te gusta bailar… -Depende de mi estado de ánimo, hay días de alegrías, otros de solea, seguidillas… Cada palo tiene su algo especial y hay que saber encontrárselo. -¿Por qué crees que el flamenco tiene tan buena acogida allá donde se representa? -Porque va directo al alma, va directo al corazón y al final te llega. Allá donde vamos la gente se rinde porque todo el mundo tiene corazón y tiene alma. MERCEDES ALBI Fotografías de escena marcosGpunto

"The show must go on", que se ha estrenado en la Sala Roja de los Teatros del Canal por la CND con 20 bailarines no profesionales, más que danza es una experiencia que, como tal, debe ser vivida y será recibida por cada espectador de forma diferente. Un joven bailarín opinaba: “me he reído mucho”... Otros salieron sin decir nada; especialmente se percibió un silencio reprobatorio en el sector de butacas correspondientes a los bailarines profesionales... Pero no hubo indiferencia pues, o te dejas llevar por lo que el coreógrafo, Jérôme Bel, busca de ti, y sales exultante o por el contrario, ofreces resistencia y te enfadas. ¿Qué es lo que busca Jérôme Bel? Desde el inicio juega con el desconcierto del público, y si éste se libera de ideas preconcebidas y tiene la sensibilidad suficiente como para dejarse llevar, terminará identificándose con unos bailarines que son como él, que son él mismo, se compenetrará y saldrá inundado de alegría. Si bien esta comunión con el público se lograría mejor en un teatro más pequeño como el Matadero. El show es la vida, y como ella tiene que continuar, sigue, no diferencia entre escena y vida, el bailarín eres tú y puedes gustarte o aborrecerlo, la respuesta está en cada uno, que como las diferentes músicas, que termina cada uno escuchando con sus cascos, continúa en medio del caos que transita desde la soledad y la compañía, entre el abrazo y el aislamiento individual. "The show must go on" ante todo debe vivirse, el espectador tiene que acudir a la Sala Roja de los Teatros del Canal y conocerlo por sí mismo, pero aproximarse con mente abierta. Fotografía Pedro Arnay MERCEDES ALBI

El Ballet Nacional del Sodre logra su récord en venta de entradas en el primer espectáculo con Igor Yebra como director artístico. Con original y colorista vestuario de Agatha Ruiz de la Prada, “La Bella Durmiente” congrega a 27.544 espectadores en las dieciséis funciones programadas. El reto de preservar el legado recogido de Julio Bocca fue el eje con el que Igor Yebra aterrizó en Montevideo, el pasado mes de enero, a la hora de asumir la dirección artística del Ballet Nacional Sodre (BNS), de Uruguay. "Hacer del Sodre una gran compañía es como convertirlo en un museo que abarca todas las épocas. Porque las grandes compañías tienen como repertorio principal el ballet clásico a partir del cual se va llegando a todo lo demás", explicó Igor Yebra en entrevista concedida a Constanza Bertolini del diario argentino La Nación. La primera gran prueba de fuego consistía en el estreno de “La Bella Durmiente”, coreografiada por Mario Galizzi y con una nueva y original producción que aúna el colorista vestuario de Ágatha Ruiz de la Prada y la escenografía de Hugo Millán. "Hemos creado una obra que es atemporal y conceptual; contemporánea dentro de lo clásico. Desde esa perspectiva, te puede impactar. Siento que tenemos la responsabilidad de no dejar indiferente a la gente, que reaccionen, se mueva el pensamiento", explicó el artista bilbaíno en declaraciones a La Nación. El telón del Auditorio del Sodre se levantó el pasado 15 de marzo y durante dieciséis funciones –se programó una representación dirigida específicamente a los escolares- que finalizaron el 29 de marzo, la obra ha batido todos los récords. ANTE DEL DEBUT. Las líneas que Igor Yebra escribió para el programa de mano de “La Bella Durmiente” eran de por sí toda una declaración de intenciones. “Quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer personalmente a todos ellos y a vosotros la posibilidad de ser parte de este proyecto, por hacer que el BNS siga creciendo, siendo un referente cultural y social en Uruguay, Latinoamérica, ¿y por qué no?, en el mundo entero. De parte de todo el equipo, nos comprometemos a continuar trabajando para que el sueño siga haciéndose realidad y que el Hada de las Lilas triunfe siempre sobre el Hada Carabosse", señalaba. RÉCORD DE PÚBLICO. Las dieciséis funciones de “La Bella Durmiente”, que ha interpretado el BNS, han reunido a 27.544 espectadores, lo que constituye un récord de ventas para la compañía uruguaya que supera así a su exitosa producción de “El Lago de los Cisnes”. Los 27.500 espectadores en Montevideo, equivalen a 150.000 en Santiago de Chile o 270.000 en Buenos Aires, en palabras de José Miguel Onaindia, coordinador general del Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay. LA CRÍTICA HA DICHO… “Preparar una nueva puesta de ‘La Bella Durmiente’ con el imaginario de la diseñadora Agatha Ruiz de la Prada es definitivamente una apuesta innovadora. La conjunción del universo fantástico ideado por condesa de la moda española y la versión coreográfica del argentino Mario Galizzi, que respeta la pieza más que centenaria de Marius Petipa, logra transformar lo clásico en contemporáneo, y devuelve al cuento de Aurora, las hadas y el beso de amor verdadero al terreno donde mejor respira, al mundo de la infancia. La nueva producción se completa con una escenografía de recortes muy sugestivos de Hugo Millán, que también le hace honor al cuento, y es en buena parte responsable de la armonía que hay en escena. No es menor el rol de un tercer componente, la luz, nada sencillo de manejar en medio de semejante estallido cromático y, sin embargo, con claros méritos”. Constanza Bertolini, La Nación (Argentina). “Afortunadamente, la obra, de dos horas larga de extensión, corre ante los ojos del espectador como una gran obra de arte en movimiento. Porque estos cuentos de hadas, nacidos tantos siglos atrás, necesitan de una escenificación con mucho carácter para dialogar con el presente. Y para que el argumento, que lógicamente avanza muy, muy lento, corra en el escenario sin pesadez”. Carlos Reyes, TVshow (Uruguay) “La versión que estrenó el Ballet Nacional del Sodre (BNS) no desentona en nada con todo lo anterior y, sin embargo, resulta absolutamente innovadora. Por un lado, porque cobra otro look con la nueva producción de vestuario creado por la condesa madrileña de la moda, Agatha Ruiz de la Prada , y la inteligente escenografía que Hugo Millán pensó como una blonda de papel calado para esa bandeja de bombones multicolores; por otro, porque en la combinación de la coreografía clásica con la nueva puesta la obra se escapa de su época y desembarca en un terreno de fantasía que no hace más que devolverle al cuento la frescura de la infancia”. Constanza Bertolini, La Nación (Argentina). “Yebra se ocupó de ser todavía más claro sobre el escenario. Cuando bajó el telón, después de los aplausos rabiosos y entusiastas de las más de mil personas que llenaron la sala, después de las flores y las reverencias, empezaron a aparecer sobre el escenario los técnicos. La decisión forma parte de esta nueva dirección. No era habitual en la era Bocca. Al final y sin moverse del costado derecho de la escena, Yebra –traje claro, remera negra– salió a saludar”. Pía Supervielle. El Observador (Uruguay).

Estreno absoluto el 14 de abril en las Naves Matadero 8 únicas funciones The Marriage of Heaven and Hell (El matrimonio del cielo y el infierno), es un trabajo coreográfico basado en la obra homónima de William Blake que combina danza, composición electroacústica, tecnología interactiva y ciencias cognitivas en un formato escénico. El núcleo central de Blake es el restablecimiento de la unión de pares opuestos, aparentemente irreconciliables, ya que como afirmaba el poeta “sin contrarios no hay progreso”. Por una lado está la virtuosa claridad del pensamiento racional tecnocientífico (el cielo, el logos) y por otro, las endemoniadas y arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación y el instinto, que emergen de la energía corporal (el infierno, el mythos). “La obra original de Blake desafía los géneros combinando de forma orgánica una gran variedad de elementos: desde ilustraciones, poemas, parodias, una mitología original, un canto político o manifiestos religiosos, hasta toda una teoría de la percepción y varios descensos a los infiernos. En nuestra visión escénica, estos elementos emergen del cuerpo de los bailarines en forma de entidades sonoras e imaginería visual desarrolladas mediante alta tecnología: modelos de inteligencia artificial y síntesis de sonido conectadas en tiempo real a los movimientos de los bailarines. El acoplamiento entre los cuerpos en escena y la tecnología digital interactiva amplía la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales como la acústica y la imaginería visual. La obra propuesta tiende un puente entre el pensamiento abstracto tecnocientífico y la experiencia concreta del cuerpo”, explica el Instituto Stocos. La pieza analiza aspectos expresivos del movimiento corporal, como la energía, la fluidez, la simetría o la impulsividad, traduciéndolos (en tiempo real) en abstracciones digitales sonoras y visuales. Instituto Stocos transforma el espacio escénico en un entorno reactivo que brota de la actividad corporal de los bailarines. Explora los límites de la imaginación coreográfica y crea una realidad aumentada de la danza. Este proyecto utiliza tecnología diseñada para el desarrollo de la danza en el Proyecto Europeo WhoLoDancE, del programa de Industria Comunicación y Tecnología (ICT) Horizonte 2020 (H2020), del que Instituto Stocos es socio beneficiario. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

En plena etapa de cambios, Marlen Fuerte (La Habana, 1988) afronta «súper emocionada» su retorno a España para impartir unas Master Class, el próximo sábado, en Benicàssim. Tras siete años en el Víctor Ullate Ballet donde alcanzó el rango de primera bailarina, Fuerte acaba de incorporarse al Ballet de la Ópera de Niza, dirigido por Eric Vu-An, en calidad de bailarina principal. Formada en la escuela del Ballet Nacional de Cuba, debutó con la compañía de la ‘Prima Ballerina Assoluta’ Alicia Alonso a la edad de diecisiete años. Hace casi una década que realizó sus primeros pinitos en el mundo de la docencia y, hoy día, Marlen Fuerte compagina su carrera internacional de bailarina con sus clases magistrales, motivo por el cual la figura cubana se acerca a Benicàssim. -¿En qué consiste la Master Class que va a impartir en Benicàssim? Consiste en que los alumnos se sientan muy a gusto y aprendan no sólo lo que es una técnica o hacer un paso, sino cómo se hace todo para llegar ahí, es decir, la evolución. Cada movimiento, cada pauta y cada conocimiento que yo voy a compartir con ellos, les puede ayudar en un futuro. Les voy a transmitir toda la pasión, todo el esfuerzo, todo el tiempo que yo tengo por la danza que, para mí, lo es todo, y que se puede logra aunque uno no tenga condiciones. Estoy llevando a la Master Class mis raíces cubanas, que son de muchísima técnica y fuerza, y así puede ver ellos varios estilos, no sólo el estilo europeo, por decirlo así. -¿Qué va enseñar a los niveles iniciación/medio y medio/avanzado? En el nivel iniciación/medio, me gustaría, sobre todo, que pongan ganas y que traten de hacerlo lo mejor posible si de verdad les gusta, porque esta carrera es de muchísimo sacrificio y hay que ponerle mucho empeño, trabajar duro, repetir los ejercicios cada día. Quiero enseñarles qué es el trabajo y qué conlleva empezar de cero. Con los alumnos del nivel medio/avanzado, quiero que noten que no es bailar por bailar: que cada movimiento que tienen aprendido, siempre se puede aprender a hacer algo mejor y si no sale, pueden repetirlo varias veces, porque no pasa nada porque no salga esa vez. -¿Qué se puede trasmitir en dos horas de Master Class? En dos horas, yo, por lo menos, les puedo enseñar de todo (ríe). Si se quedan con ganas de más, está bien que quieran seguir luchando, trabajando, mejorando. Me gustaría que aprendieran lo que conlleva esta carrera que es mucho sacrificio y que, de verdad, si tanto nos gusta, si tanta pasión tenemos, es porque esto nos llena. -¿Aporta algo diferente a una clase el hecho de que usted sea una bailarina en activo? Creo que sí, sobre todo, el hecho de bailar y de mostrarles que cuando uno está encima de un escenario, se te olvidan todas las cosas. Quiero que en la clase se sientan como si estuviéramos en un escenario de verdad, bailando y disfrutando y sé que eso sí se lo puedo transmitir. No quiero que piensen en qué dolor en la pierna, por ejemplo. -Se formó en la prestigiosa escuela cubana de ballet, ¿cuáles son sus características más reseñables? La escuela cubana es de muchísima fuerza. Tanto chicos como chicas hacemos los mismos pasos: saltamos igual, giramos igual. A esa escuela cubana, yo le añado la suavidad, la ligereza, el control que para mí tiene lo que es la parte europea. Intento ponerle a la escuela cubana esa otra forma de ver los pasos. Hay pasos suaves, hay pasos más lentos, otros con mucha más rapidez, pero, sobre todo, mi base es fuerte. Quiero que ellos vean esa parte y mezclaré con lo que he aprendido en la escuela y en la compañía de Víctor Ullate. -¿Cómo surgió compaginar su carrera de intérprete con su faceta como docente? Cuando llegué a España, no tenía trabajo y estaba con el tema de los papeles. Había una vecina, una niña pequeña, que me había visto bailar en un vídeo de YouTube. Ella me propuso darle unas clases y vi cómo ponía tanto empeño en hacerlo, que me entusiasmó muchísimo. Justamente me pidieron dar unas clases en la escuela de Carmen Roche y me sentí muy a gusto de poder compartir mis conocimientos, mis ejercicios desde pequeña, todo lo que yo he hecho. Es una parte que me gusta muchísimo. -Profesionalmente ha habido cambios, ¿en qué momento se encuentra? Ahora estoy trabajando como bailarina principal en la Ópera de Niza y quizás, próximamente, como artista invitada en la Ópera de París. Como bailarina, es una etapa que la estoy disfrutando desde el minuto uno, porque llevaba tanto tiempo sin hacer clásico y estoy volviendo a lo que hacía antes en Cuba. Víctor Ullate es más neoclásico y, la verdad, es que me he sentido muy realizada durante mis siete años con él. El primer día con el Ballet de Niza fue de una emoción total, pero, a la vez, con muchísima añoranza. Creo que necesitaba ese cambio como bailarina, ya no sólo por hacer clásico, sino por bailar ballets de otros coreógrafos como Robbins, Forsythe, Kylián, o el Quijote de Nureyev... La verdad es que me siento muy feliz ahora. -Yendo al pasado, ¿recuerda cómo fue su debut con el Ballet Nacional de Cuba? Tenía muchísimos nervios, pero fue una experiencia buena y emocionante. Vino de un día para otro: se lastimó una chica y tuve que debutar en ‘El Lago de los Cisnes’, con 17 años, apenas entrada en la compañía. Alicia Alonso me ayudó muchísimo, sobre todo, por el nervio que yo tenía de haber entrado y debutar. Estaba agobiada, porque ella me tomaba los ensayos y me decía: “No, no, no, ésa no es la música”. Al no tener la vista, se le ha desarrollado el oído increíble. Escucha todo, incluso los pasos que yo hacía (ríe). Todo fue muy bien. -Durante siete años ha permanecido en España donde despuntó como primera bailarina del Víctor Ullate Ballet, ¿qué balance hace de esta etapa? En 2011, comencé con Carmen Roche y ya luego con Víctor Ullate. España ha sido uno de mis cambios totales. De Cuba a España, fue muy duro porque tuve que dejar a mi familia allí para poder buscar profesionalmente lo mejor para mí y también un beneficio para ellos. Nunca había salido de Cuba, me lancé y lo que más recuerdo fue mi primer día en la compañía de Víctor. Siempre me va a quedar marcado lo bien que se comportaron conmigo. Víctor y Eduardo [Lao, director artístico del Víctor Ullate Ballet] me han ayudado muchísimo como bailarina, me han formado y me han dado ese arte que tiene Víctor, que es tan especial y que siempre se va a quedar conmigo. -¿Cómo se define como bailarina? Me defino más como una bailarina de potencia y menos lírica, de los 32 fouettés o los 64, los que me pongan (ríe). Soy muy fanática del clásico. Con un ‘Don Quijote’ o con el paso del ‘Cisne Negro’ de ‘El Lago de los Cisnes’, soy súper feliz. Uno de los ballets que más me han marcado ha sido ‘Carmen’, no sólo la versión de Víctor, sino la de Roland Petit, que sé que me iría muy bien. Ahora mismo estoy ensayando el ‘Don Quijote’ de Nureyev y ‘En Sol’ de Jerome Robbins. Me encantaría poder bailar obras de Forsythe, de Kylián, de los que no he hecho nada. También me gustaría ‘El Cascanueces’, que aún no lo he bailado y, cómo no, ‘Giselle’. Emocionalmente, el primer acto me gusta mucho. -¿Cuáles son sus metas dentro del mundo del ballet? No sé hasta dónde voy a llegar, pero quiero transmitirle a la gente con el baile lo que yo siento, todo el trabajo que he podido hacer hasta ahora. Desde pequeña me dijeron que yo no podía bailar porque no tenía unas condiciones apropiadas. Se lo dijeron a mi madre cuando yo tenía seis años, delante de mí. Es lo que quería hacer. Y claro, luchando con mis condiciones: las piernas en equis, escoliosis, que si tenía los tobillos no sé qué. Al final, mis preparadores físicos me ayudaron muchísimo y ahora soy una bailarina profesional. Nunca llegué pensé llegar a donde estoy ahora. -Aún es muy joven, ¿ha empezado a pensar hacia dónde se dirigirán sus pasos cuando se baje del escenario? En la compañía de Víctor, me decían que ahora estaba en mi mejor momento. Todavía falta mucho para pensar en retirarme, pero me gustaría seguir como profesora, repetidora y, por qué no, directora de una compañía. Quiero poder ayudar a los bailarines como lo hago a los estudiantes de danza en las Master Class. -Por último, ¿qué mensaje transmitiría a sus próximos alumnos en Benicàssim? Que se animen, porque muchos me comentan que es muy difícil seguir esta carrera. Me encantaría que tuvieran fe y seguridad en sí mismos. Quiero transmitirles que no pasa nada por el hecho de que haya muchísimos bailarines. Si desde el principio estás al 100% y quieres aprender nuevas cosas, eso se nota a la hora de bailar. El arte y esa pasión que uno lleva dentro, es lo que te define como bailarín y lo que marca la diferencia. IRATXE DE ARANTZIBIA

Últimas plazas para la Master Class de Marlen Fuerte, Bailarina Principal del Ballet de Niza Las instalaciones del Hotel y Club Palasiet en Benicàssim acogen las clases magistrales, organizadas por la profesora Laura Meseguer, que tendrán lugar el 31 de marzo. «Súper emocionada» en su primer retorno a España tras su reciente incorporación al Ballet Nice Méditerranée como Bailarina Principal, Marlen Fuerte (La Habana, 1988) imparte el próximo día 31 de marzo, una Master Class, organizada por la profesora de danza Laura Meseguer, en las instalaciones del Hotel Palasiet (Calle Pontazgo, 11 - 12, Benicàssim, Castellón). «La Master Class en Benicàssim consiste, sobre todo, en que los alumnos se sienta muy a gusto y que aprendan, no sólo la técnica o hacer un paso, sino que aprendan cómo se hace todo para llegar ahí, es decir, la evolución. Me gustaría que vieran que cada movimiento, cada pauta y cada conocimiento que yo les voy a ir dando, les puede ayudar en un futuro. Les voy a transmitir toda la pasión, todo el esfuerzo, todo el tiempo que yo tengo por la danza que, para mí, lo es todo, y que se puede logra aunque uno no tenga condiciones. Estoy llevando a la Master Class mis raíces cubanas, que son de muchísima técnica, muchísima fuerza y así puede ver ellos varios estilos, no sólo el estilo europeo, por decirlo así», asegura la primera bailarina cubana desde Niza donde acaba de establecerse recientemente tras siete años en el Víctor Ullate Ballet. Divididas en nivel iniciación/medio (a partir de 9 años y con conocimientos previos de ballet) y nivel medio/avanzado (formación anterior mínima equivalente a 3º de Conservatorio), las Master Class de Marlen Fuerte han obtenido una gran acogida entre el alumnado castellonense de danza. «En el nivel iniciación/medio, me gustaría, sobre todo, que pongan ganas y que traten de hacerlo lo mejor posible si de verdad les gusta, porque esta carrera es de muchísimo sacrificio y hay que ponerle mucho empeño, trabajar duro, repetir los ejercicios cada día. Quiero enseñarles qué es el trabajo y qué conlleva empezar de cero. Con los alumnos del nivel medio/avanzado, quiero que noten que no es bailar por bailar: que cada movimiento que tienen aprendido, siempre se puede aprender a hacer algo mejor y si no sale, pueden repetirlo varias veces, porque no pasa nada porque no salga esa vez», explica. Marlen Fuerte impartirá una clase magistral de danza clásica a cada uno de los niveles, con una duración de 120 minutos cada una de ellas (sábado 31 de marzo, 10.00 a 12.30 horas y 12.30 a 14.30 horas, respectivamente). «En dos horas, yo, por lo menos, les puedo enseñar de todo (ríe). Si se quedan con ganas de más, está bien que quieran seguir luchando, trabajando, mejorando. Me gustaría que aprendieran lo que conlleva esta carrera que es mucho sacrificio y que, de verdad, si tanto nos gusta, si tanta pasión tenemos, es porque esto nos llena», asegura. Información e inscripciones, mediante correo electrónico a lauramd.dance@gmail.com o llamando al 679097432. Marlen Fuerte, Bailarina Principal del Ballet Nice Méditerranée. Nacida en La Habana, Marlen Fuerte se formó en la Escuela del Ballet Nacional de Cuba. En 2006, debutó como profesional en el Ballet Nacional de Cuba (BNC), bajo la dirección artística de la Prima Ballerina Assoluta Alicia Alonso, donde fue promovida a la categoría de Primera Solista. Con la reconocida compañía cubana participó en las ediciones XX y XXI del Festival Internacional de La Habana –e incluso estrenó los ballets Napoli y Nocturno en el 60º aniversario del BNC- y fue invitada a la II edición del Festival Internacional del Día de la Danza en Cadis (Colombia) y en el Encuentro Internacional de Ballet en Quito (Ecuador). En calidad de Primera Solista, Marlen Fuerte abordó un amplio repertorio de corte romántico, clásico y neoclásico, que incluye roles solistas o principales en obras como Giselle, Coppélia, Las Sílfides, Grand Pas Classique, Don Quijote, El Lago de los Cisnes, Tema y Variaciones, Llamas de París, entre otros. Como artista invitada, colaboró con el Hamilton Ballet de Canadá, compañía con la que bailó el rol protagonista en las producciones Hansel y Gretel y El Cascanueces. En febrero de 2011, se estableció en España donde accedió al Ballet Carmen Roche y con el que interpretó La Bella Durmiente sueña y La Cenicienta. A su vez, Marlen Fuerte empezó a compaginar su faceta de intérprete con las labores de docencia en escuelas de danza madrileñas y con la impartición de Master Class más especializadas. Marlen Fuerte inauguró su palmarés con la Medalla de Oro del Concurso Internacional de Ballet de La Habana (2004). Posteriormente, obtuvo el Premio Revelación y Medalla de Oro en la categoría de pas de deux en el mismo certamen (2006). Primera Bailarina del Víctor Ullate Ballet durante siete años, compañía en la que ha interpretado roles principales en obras del maestro zaragozano como Bolero, El amor brujo, Jaleos, Samsara, El arte de la danza, Pastoral. Fue la musa para quien Víctor Ullate creó su última producción, Carmen. Como Primera Bailarina con proyección internacional, Marlen Fuerte ha sido invitada al Festival Dance Open de San Petersburgo (Rusia), al USA International Ballet Competition en Jackson (Mississippi, EE.UU.), al Shanghai International Ballet and Choreography Competition, entre otros compromisos de nivel internacional. En el campo publicitario, la intérprete cubana ha sido la imagen oficial del Festival Madrid en Danza, en 2015. Recientemente, Marlen Fuerte se ha unido al Ballet Nice Méditerranée como Bailarina Principal. LOS DATOS Actividad: Master Class con Marlen Fuerte. Contenido: 2 horas de clase por cada nivel. Organiza: Laura Meseguer. Imparte: Marlen Fuerte. Niveles: iniciación/medio y medio/avanzado. Alumnado: Nivel iniciación/medio→ a partir de 9 años y con conocimientos previos de ballet. Nivel medio/avanzado→ formación anterior mínima equivalente a 3º de Conservatorio. Comida y charla informativa: 20,00 euros. Lugar: Instalaciones del Hotel y Club Palasiet, Benicàssim. Fecha: 31 marzo. Horario: Nivel iniciación/medio→10.00 a 12.00 horas Nivel medio/avanzado→12.30 a 14.30 horas &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

• El miércoles día 4 de abril, a las 20:30h, la Sala Roja de los Teatros del Canal acogerá el estreno por la Compañía Nacional de Danza de la emblemática obra del coreógrafo francés. • La coreografía incorpora profesionales y no profesionales sobre la escena. The show must go on. Jérôme Bel La Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección de José Carlos Martínez, da un paso más en su repertorio y presenta en Madrid The show must go on. Creada en 2001, esta pieza es una de las obras más emblemáticas en la carrera de Jérôme Bel. Un DJ pincha dieciocho canciones populares de diferentes épocas: temas de West Side Story, David Bowie, Tina Turner, Police, The Beatles o Edith Piaf… En el escenario, un grupo de veintiún bailarines profesionales y personas ajenas al mundo de la danza, de edades y razas distintas, que en conjunto forman una coreografía de cuerpos desiguales, juegan y siguen las instrucciones de la letra de las canciones. Nuestra colaboradora Paola Panizza, será uno de los intérpretes de esta impactante coreografía. El espectáculo examina la relación entre el arte y la vida, entre lo más coloquial y lo más refinado, y desafía constantemente las expectativas del espectador. Al final, pase lo que pase, ya lo sabemos: de una forma u otra el espectáculo debe continuar. Acceso a compra de entradas &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Conversar con el maestro Lázaro Carreño es como emprender un viaje por la historia del ballet de la segunda mitad del siglo XX. Él estuvo allí. Desde su infancia en un lugar remoto de la isla de Cuba nadie hubiera pensado que aquel niño bailador en las comparsas llegase a ser una estrella internacional de la danza. La firmeza y determinación de su carácter fueron los artífices de ese milagro, y nunca dejó pasar una oportunidad, las cogió la vuelo, siendo el único bailarín becado para estudiar en la Academia Vaganova de San Petersburgo (entonces Leningrado) donde se formó. Los escenarios del mundo fueron testigos de su arte, una danza que es un alarde técnico de absoluta elegancia, como si volar no constase esfuerzo. Es muy amena su conversación, un arte que también domina, pues sabe embelesar con esa dulce simpatía propia de los cubanos. Pero que nadie se llame a engaño, no se doblega. La rectitud de su pose de bailarín hace que no recline su espalda ni un momento sobre el asiento. Siempre será bailarín, un danzante de la vida, de la que toma y a su vez transmite a los demás lo que ésta generosamente le ofreció. Lázaro Carreño es el pilar sobre el que se funda toda una saga de bailarines cubanos, la dinastía Carreño. -¿Cuál es el secreto que hace de los Carreño una saga? -Los primeros Carreño que formamos parte del Ballet Nacional de Cuba fuimos mi hermano Álvaro y yo. En aquellos tiempos, la dinastía predominante era la de los Alonso, pero no tuvo continuidad, y no hay bailarines Alonso en la actualidad. Sin embargo, en la siguiente generación de Carreño estuvo mi sobrina Alihaydée, luego José Manuel y Yoel, y todos llegaron a bailarines principales. Lázaro Carreño con su sobrina Alihaydée en su debut como Giselle -¿Debe haber algo en la genética? -No sé lo que es, pero es posible que haya algo en la sangre que se transmite. También ayuda el que los niños vislumbran un camino que sus familiares ya han abierto, y ellos se motivan porque somos su referente, un incentivo para superarse. Y al final lograron su sueño, aunque los tiempos fueran distintos, porque el ballet evoluciona en cada generación. -¿Cómo consideras que ha sido esta evolución del estilo balletístico? -En mi época ya empezaba a cambiar, pero todavía se mantenía la técnica académica y no existía el “circo”, que es como llamamos a las nuevas técnicas y los grandes pasos de virtuosismo. -¿Ha evolucionado la técnica del baile femenino tanto como la del masculino? -En la mujer, el virtuosismo se ha mantenido dentro de unos mismos cánones, pero en el hombre ha evolucionado mucho más. Yo he sido testigo de ese cambio. -¿En qué consiste el cambio? -Verás, diez años antes de mi época como bailarín, el hombre se limitaba a ser el paternaire de la bailarina, y es a partir de los 60 cuando comienza un desarrollo técnico vertiginoso. Fue Nureyev quien inició ese cambio. Las exigencias técnicas empiezan a nivelarse, y a finales de los 60 el hombre casi se ha equiparado con la mujer. Pero no para ahí la cosa, pues llega un momento, a partir de los 70, en que el hombre casi se lucía más que la mujer sobre el escenario. El salto de la generación que me precedía a la que yo viví fue enorme. -¿Cuándo percibiste por primera vez ese cambio? -Me di cuenta siendo niño y en el Kirov. En San Peterburgo, cuando yo empecé a ver ballet, me di cuenta viendo a Dudisnkaya y Sergeyev, al mismo tiempo que coincidían sobre el escenario con la siguiente generación, Ivanoff, Budarin... Yo entonces solo tenía once años y percibí claramente la diferencia. Dudinskaya y Sergeyev en el Cisne Negro (Vídeo) -Pero, ¿Cómo comenzaste a ser bailarín? -Empece por un engaño. Yo vivía en Fomento, en la zona central de la isla de Cuba, muy alejado de las capitales principales. Un día en el periódico, publicaron unas planillas que había que rellenar para presentarse a una audición en la que ofrecían becas para estudiar danza. En la planilla ponía “danza” no “ballet” y yo era bailador, no bailarín; bailaba en las comparsas de mi pueblo, en las fiestas sobre las carrozas... Y era muy popular en Fomento, me conocían como “el hijo del Chino Carreño, el que baila”. Lo de “Chino” es el apodo de mi padre porque somos descendientes de asiáticos... Así que me engañaron, y no sabía bien a lo que iba. Mi padre nos apuntó a cuatro hermanos, tres chicos y una chica. Y es que éramos once, solo trabajaba él y tenía muchas bocas que alimentar, de esta forma, si nos becaban, lograba aligerar la carga familiar. Pasaron un par de meses y nos citaron en la ciudad de Santa Clara. En la audición concurrieron un total de 2.018 niños. Y ¿Sabes qué ocurrió?.. -¿Qué? -Pues que escogieron a 4 varones y 3 hembras, y de estos 4 chicos... ¡Nos eligieron a los 3 hermanos Carreño! Dejamos la familia y nos fuimos a La Habana. En la beca nos daban todo, alojamiento, comida.. Todo lo que necesitábamos. Al año, mi hermano mayor lo dejó porque no le gustaba. Y nos quedamos Álvaro y yo. -¿Qué edad tenías? -Ocho años. Lázaro Carreño en el Cascanueces -¿Cuándo fuiste a Rusia? -Al termino del tercer año de estudios, anunciaron que había una plaza para ir a estudiar al Kirov, era una beca para el mejor estudiante. Y era yo, así que la gané; tenía 11 años e iba camino de cumplir los 12. Alicia Alonso en la Academia Vaganova con el niño Lázaro Carreño -Sería duro el cambio... ¿Te gustó? -Pienso que la mayor dicha que pude haber tenido en mi vida ha sido estudiar en la Escuela Vaganova, gracias a ello logré los conocimiento que tengo. Es el mejor tipo de enseñanza, prueba de ello es que la metodología, a pesar de haber sido de las más antiguas de las que hay constancia escrita por los grandes maestros, todavía sigue siendo válida y se imparte en sus líneas generales, y solo modificada en algún detalle. -¿Por qué crees que es la mejor escuela? -La escuela francesa posee peculiaridades muy interesantes, como el trabajo de pies, la pulcritud de la línea... Pero la escuela rusa es la más completa respecto al baile. -¿A qué te refieres? -Me refiero al baile como la exacta coordinación entre el movimiento del cuerpo con las bases técnicas académicas. Para saberse mover coordinadamente no hay mejor escuela. Por ejemplo, cuando marcas un ejercicio a los bailarines, no necesitas indicar cuál es el movimiento del brazo, yo les marco un ejercicio, y no preguntan "los brazos como los quiere"... Porque el alumno entrenado en técnica Vaganova ya lo tiene aprendido. Hay una ley académica que establece la lógica coordinación de los brazos y la cabeza. -¿Hubo más bailarines cubanos formados en Rusia? -La primera en ir allí fue Menia Martínez, y el otro fui yo, el único que fue de niño. -También los rusos se sorprendían cuando veían bailar ballet a los cubanos... -Nos llamábamos mucho la atención los unos a los otros de forma recíproca. Los rusos tienen mucho temperamento bailando, pero sin embargo les falta un “no sé que” que poseemos los cubanos... -¿La gracia? -Algo así, no hay que olvidar que los grandes bailarines no están hechos de grandes pasos, sino de pequeños detalles. Es importante cómo llega, cómo sale, como presenta los pasos... -Una vez terminas tus estudios en la Academia Vaganova, ¿No te quedas en Rusia? -No, yo iba allí para aprender y era obligatorio volver a Cuba. Regresé en el 69, justamente cuando el gobierno promulgó una ley por la que todos los graduados de la revolución, al terminar, tenían que ir donde la revolución los ubicase, no donde uno quisiera. -¿Dónde te mandaron? -Se fundaba el ballet de Camagüey, y aunque me querían en el Ballet Nacional de Cuba, me enviaron al de Camagüey pues era la inauguración oficial de la compañía y necesitaban bailarines. Como había pocos, bailé como un condenado, faltaba gente para los roles de solista y también tuve que hacer algunos principales sin tener la categoría, lo hacía por necesidad. Esto me hizo aprender mucho. -¿Hasta cuándo estuviste en el Ballet de Camagüey? -Estuve poco tiempo, no llegué a estar un año, pero agradezco haber estado allí. Fernando Alonso y Alicia me llaman para prepararme y que me presente al concurso de Barna. Era en año 70... Y gano el concurso, Primer Premio Juvenil, entonces Fernando me dice: “usted no regresa a Camagüey”. -Y ya formas parte del Ballet Nacional de Cuba. -Entro, sin embargo, como cuerpo de baile, no como en Camagüey que hacía roles de solista, pero me empecé a imponer poco a poco y se daban cuenta de mi estilo y facultades y de que ninguno lo hacía como yo. Así que comienzo mi ascenso, en el 72 solista, en el 74 principal y en el 76 primer bailarín. -¿Cuál fue el papel de tu estreno como primer bailarín? -Ya me había estrenado sin tener el titulo desde el 74. Mi estreno fue con "Giselle", mi ballet preferido artísticamente, y coincidió con la invitación de Alvin Ailey para ir a bailar a New York con su compañía, y allá que fuí, siendo el primer bailarín cubano que bailó oficialmente sin dejar Cuba en el Kennedy Center. -Me gustaría saber porqué no te exiliaste. -Te soy sincero, y confieso que me hicieron muchas ofertas a escondidas, incluso Barishnikov me lo propuso. No quise irme porque yo en Cuba era feliz con mi carrera, con mi familia, y siendo bailarín estrella tenía privilegios de los que no gozaba todo el mundo. Yo me sentía feliz. Y además, en aquella época, una vez dabas el paso de marcharte ya no podías regresar, abandonabas todo y no volvías a ver a tus seres queridos. Jamás se me pasó por la cabeza marcharme. -¿Te has arrepentido de no haberte marchado? -No, porque me siento orgulloso del trabajo realizado en el Ballet Nacional de Cuba que es mi compañía y de la que todavía soy miembro honorífico. Muchas de las bases que hoy en día existen en la escuela cubana son producto de mi aportación. En ocasiones, cuando existían dudas, acudían a mí y esto fue algo que me ha enriquecido, el poder transmitir y no dejar solo para mí mismo todo lo que había aprendido. -Me han contado que pronto la Editorial Cumbres publicará un libro tuyo, ¿De qué se trata? -Es sobre el paso a dos, y está dedicado a la Escuela Cubana de Ballet, quiero que sea como el legado que yo le ofrezco. -Dime, sino es indiscrección, a cual de las cuatro joyas del ballet cubano recuerdas con más admiración. -A Josefina Méndez. Ella fue mi primera maestra de ballet y además, cuando empecé a bailar roles principales, bailé con ella. Fue todo un acontecimiento muy emocionante, tanto para ella como para mi. Josefina Méndez -Y con Alicia Alonso ¿has bailado? -Con Alicia fui de los últimos que bailaron con ella. Yo tenía tanto repertorio y tanto que bailar que nunca imaginé que iba a formar parte de de la historia de los partener de Alicia. Fue una gran sorpresa y orgullo como artista, y aunque yo labré mi propia historia, el hecho de haber sido pareja de Alicia te eleva aún más en la historia del ballet. Lázaro Carreño y Alicia Alonso -Es una mujer que impresiona mucho, todavía en la actualidad observo que, cuando Alcia Alonso llega a una sala, todo el mundo se queda sin habla. Me parece una persona inteligentísima. -Alicia, en giras, cuando le hacían entrevistas y algún indiscreto le preguntaba por temas de política, ni te imaginas como sabía darle la vuelta y el periodista llegaba a olvidarse de lo que le había preguntado. Es una mujer tremendamente perspicaz. En Cuba, el cargo de primera dama como mujer de presidente no existe, y yo pienso que la primera dama, en el sentido de la mujer que representa el país, no ha sido otra sino Alicia. Durante casi 60 años de revolución ha sido la persona más significativa de Cuba en el extranjero. En todos los países que visitábamos le rendían honores. Hemos viajado tanto... -¿Muchos viajes? -El Ballet Nacional de Cuba en nuestra época... hemos viajado muchísimo, es más, creo que no ha habido ninguna compañía que haya viajado tanto, no me cabe la menor duda. De doce meses estábamos viajando nueve, era un no parar. A España veníamos dos veces al año, hemos bailado en todos los teatros. -¿Tu favorito entre todos los teatros del mundo? -Mi teatro: el Gran Teatro García Lorca de la Habana. Siempre fue mi teatro y lo seguirá siendo desde mi admiración y total afecto. Además de ser miembro honorífico del Ballet Nacional de Cuba, sigo trabajando con ellos cuando Alicia me llama y tengo tiempo. -¿Por qué viniste a vivir a España? -Alicia misma me ofreció venir a la cátedra y permanecí en la universidad dos años. Cuando se fundó la cátedra Alicia Alonso en el 92, yo todavía bailaba, y seguí bailando hasta el 99, en que paré. Nunca pensé vivir fuera de Cuba, pero siempre dije que después de conocer el mundo, el único país en que podría vivir sería en España, y aquí estoy. Agradezco mucho a España todo lo que me ha brindado. Mercedes Albi

“La discreción es una virtud sin la cual las otras dejan de serlo” (Francis Bacon) Como cada año asistimos a la Gala de los alumnos del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma que tuvo lugar en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) con motivo de las Jornadas de Formación de Nuevo Público. En esta ocasión Mar Mel (directora del centro) formaba parte del mismo en su último año en el cargo. Es por ello que en esta ocasión necesitamos ser la ventana de un “cargo” en el que la discreción, la sencillez, la elegancia en el trato y en definitiva la manera de ser sin aparecer más cuando es necesario, merecen un especial reconocimiento. En días en que los “egos” se alimentan de los “cargos” o los “cargos” de los “egos” ella deja el suyo con el mismo tacto con el que lo ha ejercido. Iniciar el guion de una despedida no significa siempre que el final sea un adiós. Pasar página tampoco conlleva cerrar un libro sino interesarse por nuevos capítulos. Mar Mel proseguirá con su labor docente que viene ejerciendo desde hace 27 años (no sin sopesar antes algunas otras propuestas tentadoras). Es por ello que continuará abriendo las puertas a nuevos bailarines. Les dotará de todas las herramientas aprendidas despertando en ellos nuevos valores. Convertirse en la voz de todos aquellos que la han acompañado en su largo recorrido supondría llenar muchas carpetas de anécdotas y aprendizajes. Me consta que son muchos los que han valorado su trabajo y así se lo han hecho saber. También me constan los juicios desde las butacas sin la suficiente perspectiva o capacidad de análisis. El último año con el traslado de Sede ha sido especialmente delicado. Pero eso es algo que ya es historia. Olvidarnos de una de sus colaboradoras tampoco sería justo. Raquel Velasco (presidenta del Ampa durante los últimos 10 años) también cesa. Las razones son casuales en el tiempo. Ha realizado una brillante labor de dedicación desinteresada en beneficio de profesores, padres y alumnos. Es por ello que al finalizar la Gala en la que Mar Mel subió al escenario arropada por todo su equipo, quiso que ella también lo hiciera. El resto lo podemos apreciar en las fotografías que una vez más nos ha cedido Alfonso Sastre. Disfrutamos de un programa (que detallo a continuación) con apuestas siempre seguras como “Rapsodia 2” de Ricardo Franco o “A la luz” de Elvira Andrés y con sorpresas como la del joven coreógrafo Javier Monzón y su pieza “Up & Down” en la que la sensibilidad sería la palabra más precisa para calificarlo. Un recorrido por el amor sin condiciones, sin rostros, sin prejuicios, el amor por el amor sin más. Para finalizar el folclore de la mano de Miguel Fuente con “Nada más y nada menos”. Derroche de energía en una pieza de rigurosa ejecución para su buen lucimiento. El entusiasmo y la entrega de los bailarines y la respuesta del público cerraron una noche inolvidable. PROGRAMA: "RAPSODIA 2" coreografía Ricardo Franco "DOXSA" Daniel Abreu "A LA LUZ" Elvira Andrés "HAIKU" Pedro Berdäyes "UP & DOWN" Javier Monzón "NADA MÁS Y NADA MENOS" Miguel Fuente Gemma Ortega Fotografías Alfonso Sastre