El Ballet de la Ópera de Viena interpretará una nueva versión de la histórica coreografía de Marius Petipa, creada por Manuel Legris, actual director de la compañía. Se ofrecerán cinco funciones entre los días 11 y 14, con una sesión doble, a las 17.00 y a las 21.30 horas, el día 14. La Orquesta Titular del Teatro Real interpretará en directo la partitura bajo la dirección del maestro ruso Valery Ovsyanikov, especialista en el repertorio de los grandes ballets clásicos. La temporada de danza del Teatro Real cuenta con la colaboración de la Fundación Loewe. El Teatro Real se prepara para recibir entre los días 11 y 14 de enero en su escenario al Ballet de la Ópera de Viena, que regresa al Real con uno de los títulos más importantes del repertorio de la danza, El corsario. Las cinco funciones que nos ofrecerán los bailarines vieneses servirán para abrir 2017 y serán las primeras sesiones de danza de la actual temporada del Teatro Real. El corsario, uno de los grandes títulos de la danza clásica, fue estrenado en París en 1856 donde, inspirados en el poema romántico de Lord Byron The Corsair, el compositor Adolphe Charles Adams y el coreógrafo Joseph Mazilier, con la colaboración del dramaturgo francés Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges en la elaboración del libreto, pusieron sobre las tablas la primera versión de esta obra. Desde ese momento, esta historia de piratas y odaliscas, de aventuras inspiradas en los cuentos de Las mil y una noches, ha seducido a grandes coreógrafos, que han encontrado en este ballet una estupenda oportunidad narrativa, ya que ofrece una capacidad infinita de ampliar y reducir pasajes al gusto de cada corriente estilística. De la misma forma, los papeles protagonistas de la trama, han permitido a los mejores bailarines de la historia de la danza dotarles de una personalidad única y hacer de ellos, y con ellos, una auténtica exhibición de técnica y de estilo, con intervenciones solistas y “pas de deux” adorados por el público y siempre presentes en las galas de danza. La versión que podrá disfrutarse estos días en el Teatro Real será la realizada por Manuel Legris, actual director del Ballet de la Ópera de Viena y uno de los herederos de la escuela francesa donde, en el Palais Garnier y bajo la dirección de Rudolf Nureyev, fue designado étoile de La Opéra national de Paris. Partiendo de la coreografía de Marius Petipa, y de otras posteriores, Legris hace su primera versión de un gran ballet del siglo XIX, cuyo estreno en la capital austríaca la pasada primavera fue recibido con gran entusiasmo por la crítica y la prensa especializada. El Wiener Saatsballet, conocido popularmente como el Ballet de la Ópera de Viena, vive en la actualidad uno de sus mejores momentos, debido en gran parte, a la evolución de sus bailarines y a la configuración de la compañía desde la llegada de Manuel Legris en 2010. Para su actuación en Madrid, no faltará ninguna de las grandes estrellas de la compañía. El corsario, divido en tres actos y cinco escenas, precisa también de una puesta en escena que acompañe el derroche creativo de la trama: barcos piratas, naufragios, palacios con odaliscas cautivas... Para ello, Manuel Legris ha contado con la colaboración de Luisa Spinatelli en la elaboración de la escenografía y los figurines y la iluminación de Marion Hewlett. De la misma forma que la coreografía original de El corsario ha variado y crecido desde su primer estreno, la partitura original de Adolph Adam se ha transformado con fragmentos añadidos de otros compositores, dependiendo de las versiones y las necesidades específicas de cada nuevo paso. La elegida por Manuel Legris, con arreglos de Igor Zapravdin, será interpretada en directo por la Orquesta Titular del Teatro Real, dirigida en esta ocasión por el maestro ruso Valery Ovsyanikov, reconocida batuta que ha colaborado con grandes compañías del ballet clásico, como el Mariinski, el Royal Ballet o el Ballet de la Ópera de París. En el Teatro Real dejó un extraordinario recuerdo al colocarse al frente de la Gala de las Estrellas del Ballet Ruso, en 2011, con motivo de la celebración del Año Dual España-Rusia. El corsario nos acompañará en la apertura de un año muy especial para el Teatro Real, que, inmerso en las celebraciones de su Bicentenario, también conmemorará en octubre los veinte años de su reapertura. &&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Por primera vez en España viene a impartir unas clases excepcionales Yannick Boquin acompañado por el pianista Alberto Paz en la Escuela de Carmina Ocaña y Pablo Savoye. Este destacado ex-bailarín y destacado maestro imparte en la actualidad clases en los siguientes compañías: -l'Opera Dresden -El Ballet Nacional de Finlandia -L'Opéra Real Sueca -El Ballet Nacional de Noruega -El Ballet de Houston -El Ballet Real de Amberes -El Ballet Nacional de Praga -El Ballet de Montecarlo -El Teatro Bolshoi -La Staatsoper de Berlín -La Northern Ballet -La Hong Kong Ballet -El Ballet Nacional de Corea -El Ballet de Australia Occidental -L'Opéra Zúrich -La Béjart Ballet Lausanne -Escuela San Francisco Ballet -Escuela De Danza Rosella Hightower en Cannes BIOGRAFÍA Yannick Boquin comenzó a bailar en su ciudad natal en Soissons y dos años más tarde, aparece en 1975 en la prueba de acceso del Ballet Opera Escuela de París, donde permaneció tres años. A continuación, entrar en el Conservatorio Nacional de Danza y Música de París y se graduará dos años más tarde en 1981 con un 1er premio por unanimidad. Sus maestros serán el Sr. Daniel Franck, Lucien Duthoit, Alain Davesne y Gilbert Mayer. Él comenzará su carrera profesional en 1981 en la ópera alemana de Bonn, bajo la dirección del Sr. Peter van Dyk. Se empezará como un ballet consecutivamente a ascender en la escala de ballet hasta llegar a principal! En 1986 pasó una temporada con el Ballet Real de Amberes bajo la dirección de Valery Panov y Robert Denvers. Una vez más, va a bailar en especial creaciones de Valery Panov. En 1987 entra a formar parte del Ballet de la Ópera de Berlín bajo la dirección de Gert Reinholm. Su repertorio se ampliará en breve con coreografía de Christoper Bruce, George Balanchine, Sergei Seregui, Tom Schilling, Rudolph Nureyev, Peter Schaufuss, Renato Zanella, Hans Van Manen, Spoerli, Anthony Tudor, Jouri Vamos, Nacho Duato, Jiri Kilyan Sir Kenneth MacMillan, John Neumeier, Maurice Béjart y Roland Petit. Algunas coreografías marcarán su carrera como: - El papel de un prisionero en "Swansong" Chor: C Bruce - "Tchaikovsky Pas de Deux" Chor: George Balanchine - El paso a dos de Morel y Saint Loup, en el "corazón Intermitences" Chor: R. Petit - El papel de la joven Siegfried en el "Anillo um den Ring" Chor: Sr. Béjart - La Sylphide Chor: Peter Schaufuss Repertorio entre muchas creaciones: - Lago de los cisnes "(no tres y Tarentella) Chor Riccardo Núñez y" Cambio Donizetti "Chor Balanchine como artista invitado en el teatro San Carlo de Nápoles. - Príncipe Deseado "La Bella Durmiente" como artista invitado en la Ópera de Hannover Chor: Lothard Höfgen - Albrecht "Gisele" en la Ópera de Bonn Chor: Peter Van Dyk - Los recolectores no hay dos "Gisele" Chor: Peter van Dyk, Peter Schaufuss - "Dafnis y Cloe" y "Crepúsculo" Chor: Hans van Manen - "El pájaro de fuego" Phoenix Coral: M Béjart - "Agon" No hay tres / "Les 4 tempéremments" Blood / Allegro Brillante / Sonatine / Apollo / rubíes / Chor: G Balanchine - "Suite de Bach" y "Ondine" Chor: John Neumeier - "Onegin" Lenski Chor: John Cranko - "Los voluntarios e" n tres Chor: Glen Tetley - "Concierto" 1er movimiento "Chor: Sir Kenneth MacMillan - "Werther" Chor: Peter van Dyk - "La bella durmiente" Bluebird Chor: Peter van Dyk - "Romeo y Julieta" Mercutio Chor: Vamos J - "Romeo y Julieta" Conte París Coral: Valery Panov - "Cascanueces" Príncipe Chor: Zarko Prebil - "Suite en Blanc" no 5 / Mazurka / No hay dos / Chor: Serge Lifar - "Duende" Chor: Nacho Duato - "Retun a una tierra extraña" Brown no dos, ni tres Chor: J Kilyan - "Zorba el griego" americano, junto con Vladimir Vasiliev en el papel de Zorba Chor: Lorca Massine - "Un americano en París" Jerry Muligan Chor Luciano Canito como artista invitado en el Ballet Napoli Participó en muchas galas que lo llevará a Japón, España, Alemania, Canadá e Italia no la interpretación de dos de tales como El Corsario, Esmeralda y Llamas de París y solos de Valery Panov y Luciano Canito. En 1984, obtuvo la medalla de oro en el Concurso Internacional de Houlgate en 1987 y la Medalla de Oro del Concurso Internacional de París. En 1995 obtuvo el prestigioso encuentro Leonid Massine Positano, en la misma promoción Carla Fraci, Jean Babile, Natalia Makarova y Lucía Lacara. En 2002 pone fin a su carrera como bailarín para dedicarse a la enseñanza. Será invitado en prestigiosos teatros como el Stuttgart Ballet, el Ballet Nacional de Het en Ámsterdam, el teatro de danza Neederlands, el Ballet del Norte (Leeds), Teatro de Hannover, la Komish Oper, la Staatsoper y la Deutsche Oper Berlín, Capitole de Toulouse, la Opera de Viena, el Ballet Nacional de Noruega, el Ballet Nacional de Finlandia, el Ballet Nacional de Australia y el Ballet Nacional de Lisboa. De 2004 a 2006 es contratado como maestro de ballet en la Opera Estatal de Viena bajo la dirección de Renato Zanella. Tendrá la oportunidad de trabajar con coreógrafos como John Neumeier, Jo Strömgen Ronald Hynd, Jiri Kilyan y Renato Zanella. En 2005 fue invitado en el jurado de la competición internacional de Rieti. ALBERTO DE PAZ ( PIANISTA ) Alberto de Paz nace en Córdoba, donde finaliza sus estudios de piano en el Conservatorio Superior de Música “Rafael Orozco” de dicha ciudad. Influido por su hermana, profesora de danza, se introduce en esta disciplina artística desde la perspectiva del acompañamiento al piano. A lo largo de 20 años acompaña a figuras relevantes del panorama dancístico como Marienma, Victor Ullate o Angel Corella, así como a la Compañía Nacional de Danza. En 1997, participa en la re-apertura del Teatro Real de Madrid con la producción del ballet El Sombrero de Tres Picos de Falla, con Antonio Márquez y Aida Gómez como primeros bailarines. Colabora habitualmente como profesor de improvisación en los cursos del IEM (Instituto de Educación Musical), bajo la dirección de Emilio Molina. Ha impartido cursos en numerosos Conservatorios Superiores y Profesionales de Música y Danza de la geografía española. Más allá de nuestras fronteras destacan las dos clases magistrales que impartió el pasado mes de febrero en la estadounidense Utah Valley University. Desde 2011 pertenece a la Sociedad Liszt-Kodaly en España (SLKE), donde imparte cursos de improvisación musical y acompañamiento a la danza en el terreno flamenco, ha participado en eventos importantes como el Festival Internacional del Cante de las Minas de la Unión de Murcia, la Bienal de Flamenco de Sevilla, el Festival Flamenco de Jerez, el Festival de la Guitarra de Córdoba y más recientemente en el Festival Internacional de Música Hispánica, celebrado en el Ragan Theater de Utah (Estados Unidos). En este mismo ámbito, compone, interpreta y se encarga de la dirección musical del espectáculo Taurojondo, enmarcado dentro de “La noche blanca del flamenco” en Córdoba (2010). Desde el año 2005, compone la música para varias obras de teatro actuando en la mayoría de ellas como pianista en escena, destacando Cirano de Bergerac y Novecento. Con esta última, ha visitado algunos de los escenarios más importantes del país, permaneciendo durante un mes en cartel en el Teatro Galileo de Madrid con gran éxito de crítica y público. Precisamente por Novecento consigue una candidatura a los premios nacionales Max de las Artes 2007 en la categoría de director musical. También realiza Comprovisaciones (composición-improvisación) para cine mudo. Desde 2006 dirige la producción Pasión por el cine, en la que el trío formado por violín, oboe y el mismo al piano, interpreta bandas sonoras con apoyo multimedia. Recientemente, se proclama Subcampeón de la primera edición de Got Talent España entre más de 5000 participantes ( concurso televisivo de talentos con récord guinness de audiencia en todo el mundo). En estos momentos se encuentra de gira con El show de Alberto de Paz, en el que aúna música, magia y humor. Actualmente es profesor de música y artes escénicas por oposición, desarrollando su labor como profesor pianista acompañante en el Conservatorio Profesional de Danza “Luis del Rio” de Córdoba. CLASES MAGISTRALES -Lugar: Escuela de Ballet Carmina Ocaña y Pablo Savoye Saavedra Fajardo 24, 28011 Madrid Metro: Perta del Ángel Fechas y Horarios: DOMINGO 22 DE ENERO Clases abiertas ( Plazas Limitadas ) 12H00 A 14H00 NIVEL AVANZADO 15H00 A 17H00 NIVEL INTERMEDIO LUNES 23 DE ENERO (Sólo alumnos de la Escuela). 10h00 A 12h00 NIVEL PROFESIONAL (Precios: alumnos matriculados en 2016, incluido en la mensualidad; alumnos no matriculados: 20€/ clase)

Nos reunimos con Carlos Vilán en el Paseo de Recoletos. Es Navidad y se percibe en las calles ese especial bullicio de los días festivos. Entramos en la Biblioteca Nacional. Un hermoso abeto decorado con luces azules nos da la bienvenida. El silencio contenido dentro de la solidez de los muros de mármol confiere al recinto una sensación de solemnidad. Y es que estamos en un "templo", el templo del saber, donde se guardan todos los libros que se editan en España. Carlos está exultante, me cuenta los momentos vividos con sus éxitos en la Ópera de Rumanía, donde acaba de estrenar dos ballets en un programa íntegramente español: “El Amor Brujo” y “El Sombrero de Tres Picos”. Además ha sido distinguido con el Premio Especial del Jurado que representan a las Opera House de Rumanía entre las óperas del país por su coreografía de Carmen (Lasi, 2015) . P-¿Cómo te sientes? -Estoy casi recién aterrizado... Después de tres meses y medio ausente de Madrid me siento un poco aturdido, pero muy, muy feliz. El éxito de estos 2 estrenos de ballet en Bucarest ha sido inmenso... Y te voy a dar una primicia. P-Una primicia, pero... ¿Es que hay más? -La Directora de la Ópera de Bucarest me ha pedido que dirija la escena y coreografíe la Ópera Carmen en una nueva producción para el 2017, y además le dé ideas para un nuevo ballet. P-¿Sería tu tercer ballet para el Ballet de la Ópera de Bucarest? -Sí. Estamos en proyecto. Todavía no se pueden contar los detalles... P-¿Cómo ha sido tu experiencia montando para una compañía de ballet clásico como es el Ballet de la Ópera de Bucarest? -Imagínate. Mucho trabajo, muy duro. Los compañeros me felicitan y se admiran de que haya podido hacerlo todo yo solo. Y es cierto, parece casi imposible, pero lo hice. P-¿Cuántos bailarines tiene el ballet de la Ópera de Bucarest? -Son 80 bailarines. Para el “Amor Brujo” utilicé un elenco de 50, y para “El Sombrero de Tres Picos” a 48. Tienen 8 principales bailarines y bailarinas, y entre ellos escogí los que mejor daban el papel. Los pasos al principio les costaron mucho esfuerzo, pero una vez superamos la adaptación inicial, se mostraron encantados. Han descubierto en la danza española todo un mundo de nuevas posibilidades. P-Para "El Amor Brujo" ¿Qué versión has seguido, la de Pastora Imperio del año 1915 o la de Antonia Mercé, de 1925? -A la versión del 25 le he añadido los textos de la anterior, estrenada por Pastora Imperio. He cogido partes y argumentos como la tirada de cartas, el conjuro... En mi versión he acentuado la teatralidad, el drama que acontece y seguí los textos originales del primer estreno. Para la declamación conté nada menos que con una soprano maravillosa de la Ópera de Düsseldorf. He introducido innovaciones siempre adaptándome a las cualidades de los artistas de los que disponía. P-En tu versión has dado casi la misma relevancia al papel de Lucía, equiparándola al de Candelas. -Sí, yo cuento una historia de amores cruzados, también la versión de Antonio Gades lo consideró así. Tanto Candelas como Lucía tienen un gran protagonismo. Y claro al contar con 8 bailarinas principales podía reforzarlo. Lucía fue Cristina Dijmaru, el Cisne de la Ópera -y como cosa curiosa te cuento que su pareja es Bogdan Canila (a quien puse de Molinero en el Sombrero de Tres Picos) conocidos ya en Madrid pues ambos bailaron en los Teatros del Canal en la Gala de Madrid en Danza-. Los roles masculinos de Carmelo y el Espectro permiten acentuar el juego. El paso final, que tradicionalmente es un paso a dos, yo lo transformé en un paso a cuatro y queda muy bien. P-¿Cuál fue la reacción del público rumano al ver tus ballets? -Estaban encantados y gratamente sorprendidos. Esperaban que iban a ver flamenco, y se encontraron a sus bailarines bailando con un estilo diferente. P-¿Cómo es ese estilo que les has dado? -He utilizado la danza académica y la he llevado a mi terreno: la danza española. Podría definirlo como estilo español en puntas. Para El Sombrero he usado folklore, escuela bolera y también ballet, hasta han zapateado y hecho algún redoble. Cuando tu lenguaje de danza española lo abarcas en su totalidad, puedes fusionarla con la danza académica clásica con inteligencia y rigor. Con unas puntas no puedes zapatear, pero si hacer unos rodazanes increíbles y hasta llamar por bulerías..... P-No sé cómo no se te han amotinado los bailarines... -Ha sido un trabajo muy duro porque les he introducido en técnicas diferentes, pero lo conseguimos. Yo siempre preguntaba a los bailarines si se sentían cómodos con los movimientos que les sugería, y si había algo que no pudieran hacer, entonces lo cambiábamos y lo adaptábamos. Para que algo resulte hay que trabajar con tenacidad y disciplina pero también disfrutando lo que se hace. P-¿El público siente esa transmisión? -Imagínate que “El Amor Brujo” tuvo 10 minutos de aplausos en el intermedio; y depués del Sombrero, al final de la representación cronometramos 15 minutos de ovación... Incluso los mismos periodistas me contaban que no era normal un aplauso tan prolongado en el público rumano. P-¿Has contado con el apoyo de las autoridades diplomáticas españolas? -Me acogieron muy bien. La directora del Instituto Cervantes me felicitó emocionada y dijo que no se esperaba algo así, que era una belleza de ballet. P-¿Cuál es el premio que te han otorgado? -El Premio Especial del Jurado, un galardón que me concedieron por unanimidad todos los Opera House de Rumanía. Es un galardón de gran prestigio en el país, algo así como los Óscar o los Goya rumanos. Me ha sido entregado por la coreografía de la Ópera Carmen que hice el 2015 para la Ópera de Lasi. P- Realmente, has puesto una pica en Flandes, porque desde tu llegada has españolizado Rumanía. -Ese es mi sueño y mi objetivo, llevar la danza española al reconocimiento internacional. Cuando en ese hermoso teatro de la Ópera de Bucarest escuchas los ensayos de la orquesta, y la música española suena y se enreda por las columnatas de aquel teatro de ópera lejos de España, en el otro lado de Europa, y te das cuenta de que la has llevado hasta allí. Te sientes... No hay palabras. P- Tuvimos el placer de informar en septiembre sobre la gala de apertura de la Ópera donde llevaste a Esther Jurado, Ricardo Cue, Sergio Bernal y Joaquín de Luz. -Fue maravilloso, he llevado allí a los mejores. Y además, en la gala de concesión de los premios de la ópera volvieron a querer que Esther participara. P-¿Qué bailó? -El "Asturias" de Albéniz que yo le monté. P-¿Es Esther tu musa? -Tengo varias, pero Esther es una de ellas. Cuando la escogí para la Carmen que hice en Masada (Israel) ya sabía que era una grandiosa bailarina. Y luego, cuando la traté, descubrí además que es una gran persona. Ella respira danza por los cuatro costados. Nada más aparece en escena el público siente al presencia de una diva de la danza española y los embruja. P-Estás en un momento maravilloso, desde que llamado por Antonio Najarro, Director del Ballet Nacional de España, remontaste el Zapateado de Sarasate y el rol íntegro del Molinero de Antonio Ruíz Soler, tu maestro, y bueno... No has parado. -Mira, hace poco en una entrevista me preguntaron cual había sido el mejor momento de mi carrera. Y respondí que siempre el mejor momento es el presente. Un bailarín en su trayectoria cosecha instantes que son sublimes sobre el escenario. Yo los tengo, y yo fui, yo era bailarín, ya no lo soy. Tengo esos instantes. Pero siempre el mejor momento es el presente. P-¿Por qué? -El presente es lo que te posibilita actuar, hacer cosas. El pasado pasó, y el futuro es siempre un proyecto, un sueño si acaso. Y en la vida del bailarín las segundas oportunidades existen. Nunca sabes cuando surgen, pero lo hacen. La realidad habita en el presente. MERCEDES ALBI

Julio Bocca, Director Artístico del Ballet Nacional del Sodre de Uruguay, acompañado de un grupo de bailarines ha presentado en los Teatros del Canal los dos programas que podrán disfrutarse allí estas Navidades: “Coppelia” y una velada contemporánea con coreografías de Duato y Kylian. El ballet Nacional del Sodre regresa a Madrid después del éxito cosechado en 2014 donde agotaron las localidades con el Mesías de Mauricio Wainrot, avalado además por la buena acogida que ha tenido su “Coppelia” estos días en el Teatro del Liceo de Barcelona. Entre los bailarines destacó la presencia del español Ciro Tamayo, Primer Bailarín del Ballet Nacional del Sodre, que cursó sus estudios en el Real Conservatorio Mariemma. Del 27 de Diciembre al 1 de Enero representarán “Copelia”, coreografía de Enrique Martínez, creada en 1968 para el ABT con música en directo de la Orquesta Sinfónica de Verúm dirigida por el Maestro Martín García. Coppelia fue estrenado por el BNS en Montevideo, para celebrar el 80 Aniversario de la Compañía. Esta versión de Enrique Martínez, comentó Julio Bocca, es una coreografía donde el Teatro se integra perfectamente con la danza, por lo que requiere de la capacidad actoral de los bailarines además de su exigencia técnica. Nada tiene que ver con versiones antiguas. Es una versión más corta, actualizada y ágil, sin pausas en la escena. Julio Bocca nos adelantó lo impactante y misterioso del Segundo acto... El vestuario es muy colorido y agradable, en perfecta combinación con la escenografía, lo que ayuda a reforzar el desarrollo de la trama. Del 4 al 8 Enero bailaran el programa contemporáneo, “Una velada con Duato y Kylian”, que incluye las coreografías Petit Morte de Jiri Kyliàn, con música de Mozart, “Without Words” de Nacho Duato, que alude a piezas instrumentales de Shubert y la coreografía “Sinfonietta” de Kilyan inspirada en la música de Janàcek... Para finalizar, Julio Bocca comentó que esta preparando una nueva producción de la bella Durmiente dirigida por Mario Gallizi que contará con Vestuario de Ágata Ruiz de la Prada. Julio se mostró muy animado y jovial, pues tiene un carácter afable y cercano, lo que es una muestra de lo a gusto que se siente en España. PAOLA PANIZZA Fotografías escenas ballet Eduardo Barreiro

Las propuestas pueden presentarse desde el 22 de diciembre de 2016 hasta el 11 de enero de 2017. El Centro Danza Canal (CDC), dependiente de la Comunidad de Madrid, abre su 9ª convocatoria para ofrecer residencias artísticas a los profesionales, tanto creadores como compañías, que desarrollen su línea de trabajo en torno a la danza o las artes del movimiento, y que tengan como objetivo investigar o realizar nuevos proyectos en este ámbito. El periodo de recepción de propuestas permanecerá abierto desde el 21 de diciembre de 2016 hasta el 11 de enero de 2017. La presentación de proyectos se cursará a través de la webhttp://www.teatroscanal.com/centro-danza-adrid/convocatoria/. En este mismo entorno se comunicará la resolución de esta convocatoria, en un plazo máximo de dos meses, una vez cerrado el plazo de presentación. La comisión de selección estará formada por tres miembros: Francesc Casadesús (Director del Mercat de les Flors), como experto nacional; Elisabetta Bisaro (relaciones internacionales de La Briqueterie – CDC du Val-de-Marne en Francia y programadora de danza), como experta internacional; y Natalia Álvarez Simó (directora del Centro Danza Canal y codirectora de los Teatros del Canal). El jurado, en función de la puntuación obtenida por cada solicitud, seleccionará los proyectos para cada categoría. Los criterios de selección son: la calidad de la propuesta presentada y su coherencia; la trayectoria del solicitante o la compañía, apoyos con los que cuenta y su proyección. Podrán presentarse profesionales tanto nacionales como internacionales. Los proyectos seleccionados podrán optar a una residencia temporal, además de otras prestaciones, y dispondrán de un máximo de dos meses para su desarrollo en las instalaciones del CDC. Natalia Álvarez Simó, directora del CDC, señala que `lo que se busca es la calidad artística, la investigación y la proyección que puedan tener esos trabajos tanto a nivel nacional como internacional´

Continuando con las danzas reseñadas por Davillier en el "Viaje por España", pasa ahora a referirse a una de las más conocidas desde el Siglo de Oro, y cuyos ritmos serían adoptados después por los grandes artistas europeos del Barroco y el Clasicismo. Un historiador de la época, el padre Mariana, se refería a ella como "el pestífero baile de la zarabanda", y según él, por lo licencioso de sus movimientos "esta danza sola ha causado más daños que la peste". El jesuita, que fue uno de sus mayores detractores, fue sin embargo quien más claramente documentó el origen de esta danza española, que surge en Sevilla hacia 1588, donde la ejecutó por primera vez "un demonio de mujer". No hubo nunca, nos dice Davillier, un baile en España que desatara tantos anatemas. La palabra "zarabanda" se quiere hacer derivar, ya del instrumento con el que se tocaba, ya de los giros característicos de su coreografía -del hebreo "zara", vuelta o voltear- e incluso de las antiguas danzas de las bailarinas gaditanas. Otros autores ven su origen en el nombre de una bailarina en concreto. Lo cierto es que era bailada siempre por mujeres al son de la guitarra, que a veces era acompañada por el canto, la flauta o el arpa. Luis XIV, en un baile dado en honor del Duque de Borgoña, bailó una zarabanda con la Princesa de Conti, despertando la admiración de la corte francesa. También se hace referencia a danzas muy antiguas, como la Gira, una danza acrobática que consistía en girar sobre uno mismo con varios platos en equilibrio o un vaso lleno de agua sobre la frente. O la Danza Prima, baile en corro que se ha mantenido en Asturias y Galicia. De raíces neolíticas, explica el valor dado por Davillier a nuestro folklore, que conserva tradiciones coreográficas de siglos -e incluso de milenios- y es un ejemplo de lo necesaria que resulta la preservación de ese legado. El mismo Cervantes, en el Quijote, cita otro baile muy de moda en la Castilla de su tiempo, la Danza de las Espadas. Dentro del capítulo que narra las bodas de Camacho hay una descripción detallada de esta danza, la preferida por Don Quijote. Exigía de sus ejecutantes una considerable habilidad y un gran control, ya que giraban unos en torno de otros esgrimiendo espadas muy afiladas, y efectuaban de vez en cuando una figura llamada "degollada", en la que cada bailarín intentaba decapitar a su contrario, mientras éste se escapaba ágilmente bajando la cabeza en el último momento. No caen en el olvido las danzas de origen árabe, como las Zambras y las Leilas, con sus instrumentos correspondientes, también de ascendencia oriental, dulzainas, añafiles o laúdes. Y las de mayor trascendencia posterior, las Cañas, cuyos ritmos son antecedentes directos del flamenco, "cantadas por los andaluces en tono quejumbroso y melancólico". Empiezan con un lamento ahogado, un suspiro que recorre varias gamas cromáticas y que se va haciendo cada vez más sonoro "al tiempo que el compás se hace más vivo". Otra danza característica del sur es la Malagueña del Torero, inmortalizada por Doré en un dibujo, "donde se encuentra toda la gracia y todo el brío de las boleras andaluzas". Según Davillier, será bajo el reinado de Felipe IV cuando se codifiquen las danzas antiguas para transformarlas en ballets de carácter alegórico o mitológico. Contarán como destacados guionistas con poetas y dramaturgos de primer orden -Lope de Vega, Calderón, Quevedo- y como actores, a veces, con los propios miembros de la familia real. Y llegamos al siglo XVIII, y con él a una de las danzas más extendidas por la península, las Seguidillas, conocidas frecuentemente como Seguidillas Manchegas, al haber sido bailadas por primera vez en La Mancha. Aunque la palabra "seguidilla" ya se utilizaba dos siglos atrás, parece que se refería a un tipo de danza muy distinto. Según el autor, apenas se diferencian del Bolero, con iguales figuras, estribillos y parados, pero se caracterizan por un ritmo mucho más vivo y tienen un carácter más popular, quedando el Bolero en esta época relegado casi por completo a los teatros -motivo por el cual, a los bailarines y bailarinas de teatro se les llamaban entonces "boleros" y "boleras". También muy conocido, sobre todo en La Mancha y Andalucía, el Fandango "como una chispa eléctrica, golpea y choca, anima a todos los corazones: mujeres, jóvenes, muchachos, viejos, todo parece resucitar. Todos repiten este son tan poderoso para los oídos y para el alma de un español. Los bailarines se lanzan armados, unos de castañuelas y otros chasqueando sus dedos para imitar su sonido. Las mujeres, sobre todo, se hacen notar por su suavidad, ligereza, la flexibilidad de sus movimientos y la voluptuosidad de sus actitudes. Marcan el compás con mucha precisión, golpeando el suelo con sus tacones. (...) pero de pronto cesa la música y el arte del bailarín consiste ahora en permanecer inmóvil." Davillier abre aquí un paréntesis y hace una observación que debería llevarnos, en los áridos momentos culturales que atravesamos, a realizar un profundo ejercicio reflexivo sobre el futuro de nuestra danza, y sobre la perentoria necesidad de recuperar un público cada vez más divorciado de las tablas: "No hay extranjero (...) que no tenga ganas de conocer esas danzas tan alabadas. Es raro que el teatro no termine la velada con el baile nacional (...) que vale a veces mucho más que la comedia o el drama. Pero al lado de las danzas de teatro están las populares, las que se ven los días de fiesta o de romería en las tabernas de la ciudad o de los arrabales, y por último los bailes que se dan en algunos establecimientos que toman el título de academias o escuelas de baile. Sus directores nunca dejan de enviar los programas anunciadores a los hoteles o a las casas de huéspedes." Y a continuación nos deja el extenso y divertido relato de la velada en una academia de baile de Sevilla, la de don Luis Botella, en la calle de Tarifa, donde va a presentarnos a una de las más famosas boleras de la historia: Amparo Álvarez, La Campanera. De ella aprendería Ángel Pericet Carmona los secretos de la escuela bolera más auténtica, que transmitiría después a sus hijos y nietos, los maestros Pericet, que a su vez han entregado el relevo de su arte a las nuevas generaciones. El salón, en un segundo piso adonde se llega tras subir una estrecha y penumbrosa escalera, se va llenando con gente del pueblo -las clases altas no suelen asistir a estos "bailes de palillos"- pero sobre todo con extranjeros, alemanes, ingleses, franceses y rusos, con los que don Luis Botella usa de la truhanería habitual en estos casos, cobrando la entrada según el aspecto del espectador: a los aficionados del país, cuatro reales; a los "inglis-manglis", veinte. Eso sí, a éstos los sitúa en primera fila con grandes miramientos. Van llegando las bailarinas, una de las cuales, acompañada de su madre, llama la atención de Doré, que añade la singular pareja a los dibujos de su álbum. A los sones del violín de un músico ciego, dos boleras abren el baile y van preparando al público para la llegada de La Campanera. Tras el aperitivo artístico, las muchachas recuperan fuerzas con un refrigerio más mundano, engullendo a gran velocidad el bufete preparado en una salita colindante: dulces de yema, carne de membrillo, mantecados y refrescos desaparecen en un periquete, ante un asombrado Davillier, que pondera esta demostración de talento digestivo. Amparo Álvarez hace entonces su entrada, circunstancia que aprovecha el narrador para hacer la descripción de esta célebre artista cuyo baile no dejaba de admirar ningún viajero que pasara por la Sevilla de mediados del siglo XIX. Al parecer, el sobrenombre de Campanera le venía de su padre, el campanero de la Giralda, antiguo minarete de la mezquita que en época musulmana ocupaba el lugar de la actual catedral, reciclada como campanario de la misma. Y allí, en un chiribitil de la misma torre, vivían los dos. Como el guitarrista no había llegado todavía, La Campanera comienza a ejecurar el Jaleo de Jérez con el violinista como único acompañamiento musical; pero éste, poco hábil para tocar la melodía y marcar el ritmo a la vez, se hace un lío, lo que provoca los abucheos del respetable. El pobre músico deja de tocar y La Campanera queda inmóvil en mitad de la sala, como una estatua. Tiene lugar entonces uno de esos momentos singulares e irrepetibles en los que surge la magia, conjurada por el genio de los artistas: Gustavo Doré deja sus bocetos, toma el violín de las atribuladas manos del ciego y lo reemplaza "con gran inspiración". No en vano había tenido como maestro de violín al propio Rossini, aunque pocos conocen esta faceta del célebre dibujante. La Campanera, "electrizada por el arco de Doré, se superó a sí misma y acabó el Jaleo de Jerez ante el clamor de los aplausos más entusiastas". Después de las academias de baile, los dos viajeros continuarán su periplo sevillano por el barrio de Triana, donde tienen ocasión de conocer diversos bailes de candil, descritos como bailes populares que "tienen lugar en la taberna o botillería, o en alguna casa de aspecto modesto". Allí, guitarristas y espectadores se congregan a la luz de un candil, en torno a un patio -aromatizado por los limoneros y las damas de noche- y acompañan bailes como la Caña, las Rondeñas, las Malagueñas o los Olés, los unos tocando, y los otros dando palmas o golpeando el suelo con las conteras de sus bastones. Los bailes de candil tienen un carácter muy popular, y con frecuencia las bailaoras son gitanas del mismo barrio, como La Candelaria, flexible y regordeta, "una moza rolliza, como dicen los españoles", que destaca en el arte del 'meneo" o movimiento de caderas típico de danzas como el Zarandeo o el Zorongo, y de la que se decía para elogiarla que tenía "mucha miel en las caderas". También solía interpretarse en estas veladas el Zapateado, el paso favorito de las majas sevillanas, que gustaban bailarlo subidas en una mesa, tocando las castañuelas o el pandero y taconeando entre dos vasos de vino -los asistentes reponían fuerzas en los intermedios con raciones abundantes de pan y pescado frito, regadas de manzanilla o jerez, tradición que se conserva todavía en muchos tablados-. Con frecuencia, el público pedía a la bailaora que "tirase la caña", lo que consistía en lanzar al aire el contenido de un vaso -caña- y sin dejar de bailar, recoger el vino con la boca. El Olé requería una gran flexibilidad. La bailarina arqueaba el talle con gran languidez hasta que sus brazos y hombros casi tocaban el suelo, y tras quedar inmóvil unos segundos, como en éxtasis, se erguía haciendo sonar las castañuelas y continuaba bailando. Precisamente esa forma de bailar de las andaluzas llamó la atención de Davillier, que las consideraba superiores a todas las bailarinas de la ópera y la danza clásica: "Se ve que bailan para sí mismas, por placer, y los movimientos de sus brazos y el meneo son muy distintos a los movimientos rígidos y geométricos del ballet francés". Gabriel G. Olivares (Parte I)

El pasado sábado se celebró un año más la Gala Solidaria a beneficio de “Emociones de Down España” en los Teatros del Canal de Madrid. Así viene siendo desde que Antonio Najarro dirige el Ballet Nacional de España. Dicho evento se realiza junto con la Fundación GMP. Una vez más fue un éxito rotundo de público. Comenzó con la actuación de una pequeña representación de bailarines del Psico-ballet de Mayte León. Interpretaron un extracto de la obra “Luna de Adviento”. Los días previos a este acto leí en algún medio que la danza para las personas con discapacidad intelectual “es un arma para la integración”, yo la entiendo como una manera de aprender a canalizar las emociones mediante la estimulación de los sentidos y facilitando de este modo el despertar de las dotes creativas. El Ballet Nacional de España representó “Alento” obra que fue acogida por el público con mucha entrega como viene siendo habitual desde su estreno. Y que disfrutaron de manera especial sus bailarines tal cual nos relatan ellos mismos: “La experiencia fue maravillosa, tanto trabajar con ellos en el aula como compartir escenario. Sentí como el arte une a las personas. Que la danza no tiene fronteras y que con entusiasmo y alegría se puede hacer todo. Y creo que eso hicimos….. MAGIA”. Carlos Romero. “Todo empezó como una gala más en el BNE. La clase de ballet, emplazamientos en el escenario, ensayo completo del programa, tiempo de maquillaje, etc. Hasta que dieron el aviso de bajar al escenario y allí los vimos. Me impactó la forma en la que entraron mientras nosotros calentábamos minutos antes de empezar la función. Lo hacían ordenados, en silencio, dispuestos a darlo todo, con mucha ilusión y profesionalidad. Esa ilusión que me transmitieron fue la que me dio una fuerza y energías diferentes a la hora de bailar “Alento”. El público venía por una buena causa y eso estaba presente en el aire. Para nosotros es muy gratificante ser partícipes de este tipo de iniciativas. Esperamos que se repitan en más ocasiones en la que a través del arte podamos aportar nuestro granito de arena”, Cristina Carnero. Finalmente Antonio Najarro visiblemente emocionado dio las gracias a un público entregado en una velada inolvidable. Es de agradecer de cuando en cuando, momentos en los que se deje hablar a los sentimientos. Es entonces cuando surgen términos como “entusiasmo, alegría, ilusión, gratificante, aportar, magia”. Porque el alma no entiende de discapacidades. Y recuerda siempre: “Si enciendes una luz para alguien, también alumbraras tu propio camino”. Texto Gemma Ortega Fotografías María Alperi

Luisa Pericet Blanco es depositaria de un legado que ha extendido a muchos artistas que fueron alumnos suyos, digna hija de su familia que desde finales del siglo XIX ha trasmitido las enseñanzas más puras de la escuela bolera. Es por tanto un merecido galardón haber sido nombrada en Buenos Aires como “Personalidad destacada de la Cultura”, un premio que se otorga por designación directa del Consejo de Ministros, y que poseen personalidades como Julio Bocca, Enesto Sábato y José Luis Borges entre otros. Luisa Pericet Blanco ha entregado toda su vida a la danza española. Ella nace en Sevilla pero cuando su padre se traslada a Madrid después de la guerra y abre la célebre academia en la calle Encomienda donde ya le ayuda con las clases a la edad de 14 años. Siempre le hicieron muchas ofertas desde el mundo de la escena y entrar en destacadas compañías como la de Carmen Amaya – de quien fue amiga -, a tal punto que fue maestra de sus hermanos Maria y Antonio Amaya. Pero a Luisa nunca le gustó el escenario, eligiendo siempre la labor de coreógrafa y maestra. No obstante, bailó en importantes eventos en su juventud como una gala celebrada en el Palacio de la Granja. Se destaca desde muy joven como coreógrafa, siendo responsable del montaje de las más importantes compañías españolas en los años 40 y 50. Miguel de Molina la escoge en Buenos Aires para diseñar las coreografías de sus espectáculos. Ya residiendo en Argentina con su hermana Concepción, funda con ella la primera academia Pericet en Buenos Aires, en la entonces calle Cangallo. En forma directa o indirecta, prácticamente todos los profesionales de la danza argentina dedicados a la escuela española y bolera han tenido parte de su formación con ella, durante más de 60 años de trayectoria docente. Cuando su hermano Angel Pericet monta compañía de baile en 1959 y estrena su espectáculo en el teatro Odeon de Buenos aires, se hace cargo del diseño de iluminación y dirección de escena, siendo una pionera en esos años ya que esa labor más técnica era normalmente realizada por hombres. Pronto se gana el reconocimiento de los profesionales y de la crítica que alaban su labor. Siguió haciendo esta función hasta la retirada de su hermano en el teatro Avenida en el 2005. Actualmente es la Directora General del Grupo de Danza del Centro Galicia en Buenos Aires, una de las más importantes instituciones culturales en Argentina. Es miembro de los tribunales oficiales para los exámenes de danza, invitada por la Secretaría de Cultura Argentina. Muy reconocida como maestra y coreógrafa, ha montado numerosos espectáculos junto a figuras de la talla de José María Vilches, Sara Montiel, Miguel de Molina, entre otros, La Botica del Ángel de Bergara Leumann y Romería. En el año 2015 dentro del espectáculo “Hispania” que homenajeaba a su hermano Angel , fallecido cinco años antes. Monta cuatro coreografías de las danzas boleras, Una suit compuesta por sevillanas boleras, el bolero liso, panaderos de la flamenca y las seguidillas manchegas. Bailes que siempre se enseñaron en la academia de la familia Pericet. También monta unas Peteneras Boleras que no entran en el espectáculo, pero que quiso dejar a sus discípulos para que estos lo transmitan. Entre los numerosos premios y reconocimientos recibidos a lo largo de su extensa carrera, pueden mencionarse, entre otros: Año 1993: premio Manuel de Falla. Año 1994: premio del Consejo Argentino de la Danza Unesco por su fructífera labor docente que contribuyó a la formación de varias generaciones de bailarines. Año 2002: Premio de la Oficina Cultural de la Embajada de España en homenaje a su trayectoria. Año 2003: Premio de la Federación de Sociedades Españolas por su trayectoria en la colectividad española. Año 2016: La legislatura de la ciudad de Buenos Aires la distingue como Personalidad Destacada de la Cultura por su trayectoria profesional y aportación a la difusión de la cultura en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires

En estos días que preceden a la Navidad podemos disfrutar de una gala de danza muy especial. Será el próximo miércoles 7 de diciembre a las 20 horas, en el Centro Cultural Paco Rabal con entrada libre hasta agotar el aforo. Pero no es una simple gala, es algo más, es el embrión de un proyecto que se consolida. Una formación para estudiantes de alto nivel que se crea gracias a la calidad del alumnado. Son bailarines que están a las puertas de acceder al mercado de trabajo y como paso previo de especialización dirigida a formar parte de una gran compañía de ballet internacional. Son muchos los alumnos de Carmina Ocaña y Pablo Savoye que son contratados por compañías de ballet, la última ha sido Helena Balla a la que podemos ver estos días en el Quijote, pues forma parte del elenco de la CND, la precedieron Irene Baqueiro, contratada por el Ballet de Dusseldorf o Almudena Maldonado contratada por la CNB de Portugal entre otros . Es equiparable a un Máster artístico,pues el Joven Ballet Impulsa nace con la vocación de ofrecer a los jóvenes bailarines (15- 25 años) la formación y experiencia necesarias para, como apunta su nombre, impulsar sus carreras artísticas en el mundo laboral de la Danza, gracias a su novedoso programa que integra: - Formación pre-profesional de alto nivel. - Participación en una serie de espectáculos programados durante el año. Desde las últimas décadas, por necesidades de mercado, por recortes o por decisiones artísticas, el mundo de la Danza y, en particular, el del Ballet (Danza Clásica), ha cambiado enormemente. La desaparición de compañías importantes, la introducción de obras contemporáneas o la falta de financiación, son algunos ejemplos del marco actual, que obligan a una formación distinta de la tradicional. La creciente necesidad de bailarines cada vez más preparados y con más experiencia, requiere establecer un nuevo mecanismo para la inserción de los jóvenes recién salidos de conservatorios, grandes escuelas o escuelas privadas. Es difícil encontrar Compañías en las que los nuevos bailarines tengan tiempo de crecer, desarrollarse y ascender a través de los rangos durante su, cabe recordarlo, extremadamente corta carrera. En nuestros días, lo habitual es ver cómo se incorporan las nuevas promesas -muchas veces de manera temporal- directamente en el escalón correspondiente y ocupando un puesto, o un papel de solista o de principal, según las necesidades del momento, o de la producción vigente. Y, a menudo, los bailarines no consiguen adaptarse, se lesionan o deprimen, o directamente abandonan la danza pensando en su falta de aptitudes, cuando la verdadera causa reside en que no están suficientemente preparados. Joven Ballet Impulsa es el eslabón que faltaba para adaptar la formación a las nuevas exigencias del mundo laboral de la Danza. Un riguroso Programa, bajo la Dirección de Pablo Savoye y Carmina Ocaña; con reconocidos Maestros invitados, que incluye un repertorio de clásicos actualizados con piezas de prestigiosos coreógrafos contemporáneos, y cuya metodología ofrece: - Preparación intensiva - Seguimiento personalizado -Actuaciones en el escenario, para lograr las tablas de interpretación de bailarín profesional. - Y todos los conocimientos necesarios para poder trabajar en una Compañía y desarrollar con éxito una carrera profesional. EL PROGRAMA Con este programa de 3 a 5 años, los jóvenes - de entre 15 y 25 años que aspiran a una carrera como bailarín profesional o dentro de la danza teatral- tendrán la oportunidad de seguir su formación con Pablo Savoye y Carmina Ocaña, dos grandes profesionales de reconocido prestigio internacional. Y la opción de trabajar con profesores invitados, tanto de danza clásica como de danza contemporánea. Además de la posibilidad de aprender y bailar extractos de grandes clásicos y obras del repertorio contemporáneo y de coreógrafos de actualidad. El Programa de formación profesional de Ballet que ofrece LA ESCUELA DE BALLET CARMINA OCAÑA Y PABLO SAVOYE, a través del Máster Joven Ballet Impulsa, es el método óptimo que garantiza aprender los objetivos técnicos, artísticos y aportar la experiencia imprescindible para el desarrollo integral del bailarín. Joven Ballet Impulsa, el impulso hacia el éxito como bailarín profesional. PROGRAMACIÓN DE LA GALA DE DANZA PAQUITA COREOGRAFÍA: M. PETIPÁ MUSÍCA: LUDWIG MINKUS INTÉRPRETES: VARIACIONES: I PAULA MENÉNDEZ II XISCA BUSQUET III OMMAIRA I KANGA IV NEREA ASTORGA V CLARA DEL CERRO VI ROCÍO ESCÁMEZ SEMI SOLISTAS: CELIA DÁVILA, NATALIA GARCÍA, RAQUEL RODRÍGUEZ, FERNANDA TARRIBA MIRLITONES DE CASCANUECES COREOGRAFÍA: P. SAVOYE sobre original de G. BALANCHINE MÚSICA: P.TCHAIKOVSKY INTÉRPRETES: XISCA BUSQUET, CLARA DEL CERRO, CELIA DÁVILA, , NATALIA GARCÍA, SOLISTAS: ROCÍO ESCÁMEZ, OMMAIRA ISIS KANGA. SIETE VARIACIONES DEL REPERTORIO CLÁSICO GISELLE (campesinos) COREOGRAFÍA: J.PERROT, J. CORALLI MÚSICA: A. ADAM INTÉRPRETES: FERNANDA TARRIBA TALISMÁN COREOGRAFÍA: M. PETIPA MÚSICA: R. DRIGO INTÉRPRETES: RAQUEL RODRÍGUEZ LAGO DE LOS CISNES (Paso a tres) COREOGRAFÍA: M.PETIPA MÚSICA: P.TCHAIKOVSKY INTERPRETE: CELIA DÁVILA FILLE MAL GARDÉE COREOGRAFÍA: J. DAUBERVAL MÚSICA: F. HÁROLD INTÉRPRETES: CLAUDIA FDEZ-MONTES DON QUIJOTE, KITRI ACTO III COREOGRAFÍA: M.PETIPA MÚSICA: L. MINKUS INTÉRPRETE: CLARA DEL CERRO DON QUIJOTE, KITRI ACTO I COREOGRAFÍA: M.PETIPA MÚSICA: L. MINKUS INTÉRPRETE: ROCÍO ESCÁMEZ DANZA RUSA DE CASCANUECES COREOGRAFÍA: P SAVOYE MÚSICA: P.TCHAIKOVSKY INTÉRPRETES: SERGIO GARCÍA, CARLOS DE MIGUEL, GUILLERMO NUÑEZ VALS DE LAS FLORES DE CASCANUECES COREOGRAFÍA: P. SAVOYE sobre original de G. BALANCHINE MÚSICA: P.TCHAIKOVSKY INTÉRPRETES: AINHOA DEL BARRIO, ANDREA DE BARRIO- XISCA BUSQUET, CLARA DEL CERRO- CELIA DÁVILA, LAUDIA FDEZ-MONTES-NATALIA GARCÍA, CLAIRE GILLARD, BEATRIZ JIMENO, PAULA MENÉNDEZ, DANIELA NORIEGA, ANDREA OTERO-, RAQUEL RODRIGUEZ, FERNANDA TARRIBA SOLISTAS: NEREA ASTORGA, OMMAIRA ISIS KANGA DESCANSO 10 MINUTOS LAS CLAVES (Extracto de Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío,) COREOGRAFÍA: NACHO DUATO MÚSICA J.S BACH INTÉRPRETES: XISCA BUSQUET, CLARA DEL CERRO, CELIA DÁVILA, ROCÍO ESCÁMEZ, NATALIA GARCÍA, OMMAIRA ISIS KANGA. OFRENDA (Extracto) COREGRAFÍA: NACHO DUATO MÚSICA: J. B. LULLY (Danse de Neptune) INTÉRPRETES: BÁRBARA ASTORGA, NEREA ASTORGA, CLAUDIA FDEZ-MONTES, CLAIRE GILLARD, BEATRIZ JIMENO, CLARA MIRAMÓN, ANDREA OTERO, FERNANDA, TARRIBA, MARÍA LÓPEZ, PAULA MENÉNDEZ, DANIELA NORIEGA, RAQUEL RODRÍGUEZ, CARLOS DE MIGUEL &&&&&&&&&&&&&& Paola Panizza Fotografías y vídeo Jesús Vallinas

José Carlos Martínez, Director Artístico de la CND, ha presentado esta semana en compañía de Manuel Coves, Director Musical, y Daniel Bianco, Director Artístico del Teatro de la Zarzuela, la nueva temporada del Ballet Don Quijote, que se desarrollará del 6 al 18 de diciembre, y la Gala Homenaje a Maya Plitseskaya, que se celebrará los días 21 y 22 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela. Hace un casi un año desde que la CND estrenase el Ballet “Don Quijote”. Habían transcurrido más de veinticinco años desde la última vez que CND llevaba al escenario un ballet completo. Por lo que nada más comenzar las representaciones se agotaron las localidades por lo que parte del público se quedó con ganas de verlo. ¿Qué diferencia el actual Quijote del que disfrutamos el año anterior? Fundamentalmente, se han realizado algunos ajustes coreográficos que lo dotan de mayor agilidad, además de algunos pequeños cambios en la dramaturgia, por ejemplo, las dos hermanas de Quiteria que tenían una variación de un minuto cada una se han unido bailan juntas. También hay cambios en los bailarines, pues han entrado cuatro nuevos artistas en el elenco de la compañía. Cristina Casa, ex-bailarina solista del Royal Ballet de Flanders y que participó el año pasado en algunos espectáculos de Don Quijote como bailarina invitada, actualmente forma parte de la CND y será Quiteria bailando con Anthony Pina, y los días 13 y 14 con Yanier Gómez. El dia 7 y 11 será el turno de Haruhi Ontani y Esteban Berlanga, y Yae Gee Park y Alessandro Riga lo harán los días 14 y 16 . Este año participan también dos bailarinas invitadas: Alina Cojocaru, principal del English National ballet, que bailara el dia 8 y 10 con Alessandro Riga; la bailarina cubana Yolanda Correa, bailarina principal del Ballet Nacional de Noruega, será pareja de Moisés Martín Cintas los días 17 y 18 Diciembre. Manuel Coves comentó que partiendo de la partitura original de Minkus se han realizado algunos matices de percusión, enriqueciéndola para dar mayor vistosidad a la obra. En cuanto a la Gala de Maya Pliteseskaya, José Carlos Martínez reveló que su intención era la de rendir un merecido homenaje a Maya Plisetskaya, pues la gran diva de la danza recientemente fallecida fue Directora Artística de la CND durante los años 1978 al 1990 . Unos de los temas del homenaje es en torno a la figura del cisne, un símbolo esencial en trayectoria de la legendaria rusa que estará presente en diversas formas, pero además José Carlos ha incluido algunos pasos a dos y escenas de ballets emblemáticos de Maya, así como piezas creadas en su honor. La Gala se dividirá en dos partes. En la primera, se interpretarán cuatro coreografías: “In The night” de Jerome Robbins; “Raymonda Divertimento“ de José Carlos Martínez; “Hasta Siempre“ de Sharon Friedman, se ha incluído esta pieza de de corte contemporáneo para resaltar la versatilidad de la artista. Y para finalizar esta parte se ha incluido la coreografía “Polvo” como homenaje póstumo al gran Juan Carlos Santamaría, maestro, bailarín de la CND y coreógrafo fallecido hace unas semanas. Su ballet “Polvo“ será interpretado por Aída Badía, que fue una de sus musas, y Eretz Ian. La segunda parte, será donde los bailarines de la CND homenajearán a Maya ejecutando “Los Roles de Maya“ compuestos por extractos de las grandes roles bailados por ella. Haruhi Ontani bailará por primera vez el Paso a dos del Cisne Negro. Se danzará también “El Cisne” de Ricardo Cue, dedicado e inspirado en el momento de su creación a Maya Plitseskaya, y que será interpretado por Álvaro Madrigal Arenilla. Para continuar con “La Rose Malade” (Roland Petite), y extractos del Ballet “Don Quijote” de José Carlos Martínez donde el papel de Basilio será interpretado por primera vez por Ángel García Molinero. PAOLA PANIZZA

Una de las iniciativas de la dirección del Ballet Nacional, puesta en marcha por su actual director Antonio Najarro, es la de que los bailarines del elenco puedan crear y mostrar al público sus propias coreografías. Estas jornadas se sustentan sobre dos características fundamentales: la cercanía que el espectador logra con el intérprete y la libertad que a los bailarines se les otorga de hacer lo que ellos deseen. "Los bailarines crean" es por tanto una función muy especial, una comunión directa y sin artificios, una especie de cara a cara del público con los jóvenes artistas. Hubo también un cierto predominio de las danzas de escuela bolera sobre el flamenco, lo cual es indicativo de las preferencias de estilo de la nueva generación de jóvenes intérpretes y una garantía necesaria para la supervivencia del baile clásico español. Carla Prado con "Duerme mi niña duerme" mostró unas cualidades de artista muy completa que incluso acompañó su danza con el canto, en una pieza de hondo dramatismo que puso de relieve sus grandes dotes expresivas. Alba Dusmet con "De rosa, clavo y canela", hizo una exhibición de gracia bolera con aires de jota muy bonita. Otro descubrimiento entre los jóvenes talentos de la danza española es Albert Hernández, y no solo como bailarín de gran estilo y elegancia, sino que además Albert nació coreógrafo, tiene el don. Es un elegido y así nos lo demostró con su "Toroero", donde el animal y el torero se funden en un único ser; y magnífico paso a dos "Amor mojado en sal" -fotografía del encabezamiento- que Albert bailó con Irene Tena Mora. Una pieza profunda de enorme belleza plástica danzada entre el naufrago y la sirena-muerte. Enhorabuena. María Martín en "Meraki" nos mostró sus enormes cualidades en un solo lleno de creatividad, en el que diversificaba su gran técnica con gran fuerza y originalidad. María derrocha, se multiplica, en un pie lleva un zapato, en el otro una zapatilla... Lo abarca todo en un derroche de talento dancístico. Marina Bravo puso el toque de tradición flamenca con "Alegreñuela", bailando con gran estilo unas alegrías con castañuelas y bata de cola. Tania Martín con "Faruk", que significa valiente en árabe, hizo una pieza muy imaginativa de flamenco con toques contemporáneos pues tomó la idea de una novela ("La reina descalza"de Ildefonso Falcones) y diseñó los pasos como si se tratara de las dos protagonistas, una cubana y otra gitana que luchan por sobrevivir. "Tiempos diferentes" de Daniel Ramos y Víctor Martín fueron un prodigio de compenetración y una exhibición de buena técnica y hacer. Una pieza bolera de virtuosa ejecución que dejó al público sin aliento y ya preparado para la pieza final y el exultante aplauso. Todos participaron en la última pieza titulada "Crean" que elaboró Tania Martín como un acertado broche final. El público aplaudió con entusiasmo, y abandonaba la sede del BNE sumergido en un estado de felicidad. Los jóvenes bailarines supieron contagiarles su ilusión, fueron una verdadera inyección de sabia nueva mezclada con adrenalina. Felicitaciones. MERCEDES ALBI FOTOGRAFÍAS MARÍA ALPERI

Nos reunimos con los "Flamencos en Route" en el Theaterhaus de Stuttgart, acaban de actuar y nos disponemos a cenar en el restaurante. Están felices. El éxito cosechado con su espectáculo "Ritual&Secreto" está siendo arrollador. Muestra de ello son las más de 27 críticas unánimes que han escrito sobre ellos durante esta gira. Incluso la prestigiosa revista Tanz, especializada en Ballet, Danza y Performance, ha elegido "Las Santas de Zurbarán", una de las piezas que componen esta obra, como una de las mejores actuaciones de su anuario. La compañía con sede en Suiza y alma española, ya ha superado los 30 años en su devenir. Es nuestro arte que ha madurado en nuevos frutos y se ha convertido en universal no solo a través de los artistas españoles, sino también con el desarrollo alcanzado por sus otros hijos, los de adopción, los que se enamoraron de la danza española y vinieron a aprenderla y recrearla fuera de nuestras fronteras. Esto ha sido gracias a su directora, Brigitta L. Merki. Ella ha alcanzado un estilo propio, muy depurado y poético, que es a la par intenso y profundo. El espectador queda extasiado. Este Ritual conmueve y hace vibrar. Brigitta se ha consagrado como un eslavón necesario en la evolución del flamenco. La compañía la forman en su inmensa mayoría artistas españoles. Conquistan Alemania, y todos los lugares por donde pasan. Conversamos con ellos. Los que llevan más años en Flamencos en Route son el guitarrista Juan Gómez de Cádiz, lleva 20 años. -Juan Gómez: "Empecé en Flamencos en Route en agosto de 1997. Es para mi una experiencia artística muy enriquecedora. Me encanta tener esta faceta más teatral de la música y además te acerca a nuevas culturas: la cantante argelina Karima Nayt, músicos finlandeses, suecos... y paises tan diferentes con los que hemos creado flamenco. No nos hace falta hablar el mismo idioma porque le música es nuestra patria y se establece con ellos una comunicación íntima, sin barreras". Carmen Coy Entre los bailarines, es Carmen Iglesias la que lleva más años con la compañía. Incluso ha empezado a hacer labor de ayundante de dirección. Es bailarina expresiva y de interiorizada elegancia. Carmen posee una excelente técnica que va unida al sentimiento. Y es una artista total, porque además es licenciada en Bellas Artes y escultora. Nos cuenta su experiencia como "santa". -Carmen Iglesias: "Nunca había tenido la experiencia de representar algo de inspiración tan estática como es una pintura y ponerle movimiento. Brigitta consigue llevar a Zurbarán al flamenco y otras danzas. Admiro como es capaz de traducirlo coreográficamente. Su lenguaje flamenco huye del estereotipo y profundiza en temas que alejados del tipismo como Zurbarán, y ahora también continuamos con los pintores y hemos estrenado Miró. Brigitta busca la esencia de las cosas, el significado más auténtico y desnudo. Yo me siento pintura. Tienes que entragarte y confiar. Te tienes que abandonar, me entrego a lo que tengo que hago y lo vivo". Natalia González Alcalá Sin embago, otra de las 3 "santas" actúa por primera vez con la compañía. Es la bailarina Natalia González Alcalá, una de las recientes promesas formadas en el Real Conservatorio Mariemma. Tiene mucha presencia escénica, un porte monumental y muy buena línea. Natalia González Alcalá: "Este estilo me encanta, puedo descubrir cosas nuevas cosas. Al principio me sorprendió porque tiene un toque más contemporáneo a lo que había hecho hasta ahora, más interno... Lo que más me gusta es que a los bailarines nos permite desarrollarnos a cada uno sin que nuestra individualidad gire en torno al balarín principal. No hay diferencias de estatus en la compañía, no hay principales, ni solistas... Todos somos iguales". Y la bailarina Carmen Coy -tercera de las "santas"- es de Murcia, y se formó en su conservatorio. Ella tiene una gracia especial, ese salero que sale de dentro y encandila. Carmen Coy: "Es mi segundo año. Mi experiencia es muy buena, me gusta ese aire nuevo y personal que tienen las coreografías de Brigitta. Siempre me sorprende". El bailarín Jesús Perona solo tiene 26 años, y esta es también su primera temporada con los Flamencos en Route. Baila la pieza "La sombra del toro", una farruca, un palo que domina de forma prodigiosa con gran musicalidad y manteniendo la armonía dentro de la fuerza que contiene este palo. Nos cuenta que es de Málaga, que su maestro es Rubén Olmo y también ha aprendido mucho con Nani y Rafa Estévez. Carmen Coy e Isaac Tovar Isaac Tovar es la figura masculina que protagoniza la segunda parte del espectáculo "Nocturno Flamenco", que va alternando sus pasos con las tres bailarinas, solos y resto de la compañía. Isaac con su baile elegante de gran dominio técnico que hace poco fue galardonado en el Certamen Coreográfico de Madrid y nos recuerda el importante bagaje que tiene a sus espaldas como bailarín del BNE donde hizo papeles de principal y solista. Jesús Perona, Vicente Gelo y Natalia González La danza y la música forman un todo en las creaciones de Brigitta, y esa unión armónica que se percibe en el escenario también se siente entre los lazos de amistad que unen a los bailarines con los músicos. Los cantaores Rocío Soto y Vicente Gelo unen sus voces de hondura flamenca a la voz cristalina de Karima Nayt. El guitarrista Pascual de Lorca, que pronto regresará a España para terminar la grabación de un disco producido por David Lago, y el percusionista Raul Botella aunque ambos viven en Jérez y se conocen desde hace años, ha sido en esta ocasión la primera vez que trabajan juntos. "Me ha gustado mucho la experiencia", nos cuenta Raul, "los Flamencos en Route en realidad somos como una gran familia". Texto Mercedes Albi Fotografías escena Alex Spichale Vídeo Manuel Toro * Enlace 27 críticas espectáculo * Anterior artículo sobre la obra